Wielcy kompozytorzy rosyjscy. Rosyjskie pieśni i melodie ludowe w twórczości kompozytorów klasycznych Melodie kompozytorów rosyjskich

01.08.2019

Publikacje w dziale Muzyka

Znajdź i nie poddawaj się

Z historii wielkich ludzi znamy nie tylko wielkie sukcesy, ale także porażki, jakie musieli przejść w drodze do swoich marzeń. „Kultura.RF” opowiada o momentach zwrotnych w życiu znanych rosyjskich kompozytorów.

Michaił Glinka i „Rusłan i Ludmiła”

Ilia Repin. Portret Michaiła Glinki. 1887. Państwowa Galeria Trietiakowska

Fragment opery „Rusłan i Ludmiła”. Foto: kremlinpalace.org

Po oszałamiającym sukcesie opery Życie dla cara w 1836 roku Michaił Glinka, założyciel rosyjskiej szkoły muzycznej, urzekł się ideą opery opartej na poemacie Puszkina Rusłan i Ludmiła. Kompozytor włożył w dzieło wszystkie swoje siły duchowe i twórcze, jednak petersburska publiczność przyjęła je wyjątkowo chłodno.

„Pod koniec aktu 5 rodzina cesarska opuściła teatr. Kiedy opadła kurtyna, zaczęli mnie nawoływać, ale oklaskiwali bardzo nieprzyjaznie, a tymczasem zajęci byli mnie uciszaniem”.– wspominał w swoich notatkach kompozytor.

Oprócz krytyki libretta napisanego bez udziału Aleksandra Puszkina i występu artystów, publiczność ze sceptycyzmem przyjęła także muzykę Glinki. Wykorzystał w nim nowatorskie i niezwykłe ucho techniki muzyczne, różniący się od tradycyjnych włoskich i francuskich szkół operowych, na które publiczność nie była gotowa. Podczas gdy zwolennicy Glinki bronili się nowy gatunek- Rosyjska epicka opera - i nazwała ją muzyką przyszłych pokoleń, krytycy nadal byli oburzeni, oburzeni, „dlaczego więc jest im ona oferowana, ich współczesnym”.

„Rusłana i Ludmiła” przez długi czas uznawano za utwór „niesceniczny”, partytura utworu została zmieniona i skrócona. Później zasłynął jeden z obrońców opery Glinki krytyk muzyczny Władimir Stasow nazwał ją „męczennicą naszych czasów”.

Sam kompozytor ciężko zniósł tę porażkę. Wyjechał za granicę, gdzie kontynuował pisanie, inspirując się motywami francuskimi i hiszpańskimi. W 1848 roku w Warszawie Glinka powróciła do korzeni muzyki rosyjskiej i napisała fantazję symfoniczną „Kamarinskaja” na tematy dwóch pieśni: liryki weselnej „Z powodu gór, gór wysokich” i skocznej pieśni tanecznej. Więc Glinka to odłożyła nowy typ rosyjski muzyka symfoniczna, które łączyły różnorodne rytmy, postacie i nastroje. Piotr Czajkowski przyznał następnie: „Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarta jest w symfonicznej fantazji „Kamarinskaya”.

Piotr Czajkowski i Jezioro Łabędzie

Wasilij Swarog. Portret Piotra Czajkowskiego. 1940. Sala koncertowa ich. LICZBA PI. Czajkowski

Fragment baletu” Jezioro Łabędzie" Zdjęcie: belcanto.ru

Fragment baletu „Jezioro łabędzie”. Zdjęcie: aveclassics.net

Co zaskakujące, za życia Czajkowskiego jego najsłynniejsze i najbardziej popularne dziś dzieło, balet Jezioro Łabędzie, nie cieszyło się uznaniem publiczności i krytyki. I choć ta ostatnia skarciła przede wszystkim choreografa premierowego przedstawienia Wenzela Reisingera i baletnicę Polinę Karpakową, kompozytor również to dostał. W szczególności krytyk Hermann Laroche przypisał mu „nadmierną miłość do instrumentów dętych blaszanych, a zwłaszcza instrumentów perkusyjnych” oraz „wrodzoną słabość do głośnej dźwięczności”.

W ciągu pięciu sezonów debiutancki balet Czajkowskiego wystawiono zaledwie 39 razy, po czym został usunięty z repertuaru. Skrajnie negatywne recenzje przekonały także samego kompozytora o mankamentach Jeziora łabędziego, o czym stwierdził: „Czysta bzdura, nie pamiętam tego bez poczucia wstydu”.

Jednak główną przyczyną niepowodzenia baletu była niedoskonałość pierwszego przedstawienia: słaba scenografia, słaba choreografia i orkiestra, która wcześniej nie zajmowała się tak skomplikowaną partyturą. Kolejne balety Czajkowskiego, Śpiąca królewna i Dziadek do orzechów, spotkały inny los: dzięki zgranemu tandemowi postaci teatralnej Iwana Wsiewołożskiego i choreografa Mariusa Petipy od razu zyskały uznanie.

Po śmierci Czajkowskiego brat kompozytora Modest przerobił libretto Jeziora łabędziego. A kiedy w 1895 roku choreografię podjął ten sam Marius Petipa i choreograf Lew Iwanow, balet odniósł bezwarunkowy sukces.

Nikołaj Rimski-Korsakow i „Noc przed Bożym Narodzeniem”

Ilia Repin. Portret Mikołaja Rimskiego-Korsakowa. 1893. Państwowe Muzeum Rosyjskie

Fragment opery „Noc przed Bożym Narodzeniem”. Fot. premiera.biz

Nikołaj Rimski-Korsakow, którego imię nosi dziś Konserwatorium w Petersburgu, stworzył w ciągu swojego życia 15 oper. Miał stałą pracę w konserwatorium i jako jeden z nielicznych kompozytorów rosyjskich potrafił zachować spokój w obliczu załamań twórczych. Tak więc w pierwszej połowie lat 90. XIX wieku Rimski-Korsakow zajmował się wyłącznie pisaniem artykułów i redagowaniem poprzednich dzieł. Ale co najważniejsze, pomysł miałem od dawna: napisać operę na podstawie „Nocy przed Bożym Narodzeniem” Mikołaja Gogola. Kompozytor samodzielnie przygotował libretto, wypełniając je wierzenia ludowe i mitologia.

W 1895 roku publiczność Teatru Maryjskiego przyjęła premierę opery bardziej niż chłodno i wkrótce została ona usunięta z repertuaru. Nie lubili jej także profesorowie konserwatorium Aleksander Głazunow i Władimir Stasow, których opinie Rimski-Korsakow bardzo cenił. Głazunow zwrócił uwagę na zwięzłość zwrotów melodycznych, Stasow skrytykował dramaturgię: „Żałuję, że został napisany i zostanie wystawiony na scenie. Dadzą to dwa lub trzy razy i zaczną mówić. Nie ma tu absolutnie żadnej opery.<...>Prawie nie ma chórów, które są szczególnie niezwykłe i naprawdę ważne”.. W końcu sam Rimski-Korsakow przyznał się do porażki - i spokojnie kontynuował pracę.

Jego kolejne dzieło – opera „Sadko” – od początku nie zostało dopuszczone do wystawienia Teatr Maryjski, a sam cesarz radził kompozytorowi, aby „poszukał czegoś zabawniejszego do wystawienia”. Następnie, za radą krytyka muzycznego Kruglikowa, Rimski-Korsakow zaproponował operę Moskiewskiemu Prywatnemu Teatrowi Mamontowa – została przyjęta z hukiem.

Siergiej Rachmaninow i I Symfonia

Siergiej Rachmaninow. Zdjęcie: myzuka.me

Siergiej Rachmaninow. Zdjęcie: chtoby-pomnili.com

Siergiej Rachmaninow. Zdjęcie: meloman.ru

15 marca 1897 r. w Petersburgu po raz pierwszy wykonano I Symfonię Rachmaninowa. Młody kompozytor tworzył ją długo i boleśnie, wierząc, że w symfonii odnalazł nowe ścieżki muzyczne.

24-letni muzyk, o którym mówił sam Czajkowski, był już wtedy dobrze znany i lubiany. Jednak krytyka muzyczna Petersburga nie zareagowała na I Symfonię pochwałami.

„Przy pierwszych dźwiękach swojej symfonii Rachmaninow z przerażeniem skulił się na krętych schodach i zakrywając uszy dłońmi, siedział tam do samego końca. A potem szybko wybiegł na ulicę. Na sali rozległy się szepty z dezaprobatą. Symfonia była katastrofalną porażką.””- powiedział Jewgienij Swietłanow, najsłynniejszy dyrygent XX wieku.

Ostre oceny krytyków, którzy nazywali muzykę piekielną, monotonną, nudną, dekadencką i pozbawioną wszystkiego narodowo rosyjskiego, a jej twórcę - niezrównoważoną, bolesną, wypaczoną naturą, uraziły Rachmaninowa. A nawet zmusili go do zmiany własnego zdania na temat eseju:

„Przed wykonaniem Symfonii miałem o niej przesadnie wysoką opinię. Po pierwszym przesłuchaniu radykalnie zmieniłem zdanie... Jest tam trochę dobrej muzyki, ale jest też dużo słabej, dziecinnej, wymuszonej, pompatycznej... Symfonii nie pokażę i w testamencie pokażę zakaz oglądania...”

Po porażce kompozytor popadł w głęboką depresję, przez trzy lata nic nie pisał, a nawet skorzystał z usług hipnozy u słynnego psychoterapeuty Nikołaja Dahla. To jemu zadedykował wówczas II Koncert, który odniósł ogromny sukces. Rachmaninow powrócił do symfonii dopiero 12 lat po niepowodzeniu, będąc już uznanym kompozytorem.

Niepowodzenia w kinie zmusiły Szostakowicza do zwrócenia się ku teatrowi. Współpracował z Teatrem Wsiewołoda Meyerholda, pracował nad baletami „Złoty wiek” i „Bolt”. Ale i one zostały usunięte z repertuaru ze względu na złe recenzje w prasie. A potem Szostakowicz znów wrócił do kina, mimo zapewnień, że nie ma potrzeby go do tego zmuszać. Tym samym stał się pierwszym kompozytorem filmów dźwiękowych. Jego kompozycje do filmów „Góry Złote” i „Lada” z lat 30. XX wieku do dziś uznawane są za arcydzieła.

Po napisaniu wielu symfonii i opery, która przyniosła mu światową sławę – „Lady Makbet z Mtsenska” – Szostakowicz nadal nie opuścił kina. Co więcej, zmienił swój dotychczas sceptyczny stosunek do niej i zaczął bronić potrzeby rozwoju muzyki filmowej, argumentując, że „muzyka w kinie powinna brzmieć tylko tam, gdzie jest to absolutnie konieczne”, a nie być jedynie tłem. W sumie kompozytor filmowy Szostakowicz stworzył 36 ścieżek dźwiękowych, m.in. do filmów „Młoda gwardia” Siergieja Gierasimowa i „Spotkanie nad Łabą” Grigorija Aleksandrowa.

Świat muzyka klasyczna nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosja, wspaniały kraj z utalentowanym narodem i własnym dziedzictwem kulturowym, zawsze znajdowała się w czołówce lokomotyw światowego postępu i sztuki, w tym muzyki. rosyjski szkoła kompozytorska, której spadkobierczynią tradycji była szkoła radziecka i dzisiejsza szkoła rosyjska, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy zjednoczyli Europę sztuka muzyczna z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

O każdej z tych sławnych osób można wiele powiedzieć; wszyscy mają trudności, a czasem nawet tragiczne losy, ale w tej recenzji staraliśmy się podać jedynie krótki opis życia i twórczości kompozytorów.

1.Michaił Iwanowicz GLINKA (1804—1857)

Michaił Iwanowicz Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym rosyjskim kompozytorem klasycznym, który zdobył światową sławę. Jego dzieła, oparte na wielowiekowych tradycjach rosyjskiej muzyki ludowej, stały się nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.
Urodzony w województwie smoleńskim, kształcił się w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei twórczości Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, V.A. Żukowski, A.S. Gribojedow, A.A. Delvig. Impulsu twórczego do jego twórczości dodała wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX w. i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów – V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeera. Sukces przyszedł do M.I. Glinki po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) (1836), która po raz pierwszy została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej symfonii i operze praktyki zostały organicznie połączone i pojawił się bohater taki jak Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze cechy charakteru narodowego. V.F. Odoevsky określił operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii – okres muzyki rosyjskiej”.
Drugą operą jest epicki „Rusłan i Ludmiła” (1842), utwór, który powstał na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życia kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, został przyjęty dwuznacznie przez publiczność i władze i przyniosła M.I. Glince trudne doświadczenia. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. Jego dziedzictwo obejmuje romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej była „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki.

Cytat z M.I. Glinki: „Aby tworzyć piękno, sam musisz być czysty w duszy”.

Cytat o M.I. Glince: „Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarta jest w fantazji symfonicznej „Kamarinskaya”. P.I. Czajkowski

Ciekawostka: Michaił Iwanowicz Glinka nie był inny dobre zdrowie mimo to był bardzo wyluzowany i doskonale znał geografię, być może, gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem; Znał sześć języki obce, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz BORODIN (1833—1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.
Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zauważali jego niezwykłą aktywność, pasję i zdolności różne kierunki, głównie w muzyce i chemii. A.P. Borodin jest rosyjskim samorodkiem kompozytora, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie jego osiągnięcia muzyczne są dzięki niezależna praca na temat doskonalenia technik kompozytorskich. Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinki (jak zresztą wszyscy rosyjscy kompozytorzy XIX wieku), a impuls do intensywnych studiów kompozytorskich na początku lat 60. XIX wieku dały dwa wydarzenia - po pierwsze, jego znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopową, a po drugie, spotkanie z M.A. Bałakirewa i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna Garść”. Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował w Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych rosyjskich kompozytorów w Europie pod koniec XIX wieku wiek.
Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), będąca przykładem narodowej bohaterska epopeja w muzyce, na którego ukończenie sam nie miał czasu (ukończyli go jego przyjaciele A.A. Głazunow i N.A. Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzeń historycznych odzwierciedla się główna idea całego dzieła kompozytora – odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężna siła całego Naród rosyjski manifestował się w obronie swojej ojczyzny. Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił po sobie stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie: „Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity w symfonii, operze i romansie. Jego głównymi cechami są gigantyczna siła i szerokość, kolosalny zasięg, szybkość i porywczość w połączeniu z niesamowitą pasją, delikatnością i pięknem”. V.V. Stasow

Ciekawostka: nazwany na cześć Borodina reakcja chemiczna sole srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku czego powstały chlorowcowane węglowodory, które po raz pierwszy zbadał w 1861 roku.

3. Modest Pietrowicz MUSORGSKY (1839—1881)

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „Potężnej Garści”. Innowacyjne dzieło Musorgskiego znacznie wyprzedzało swoje czasy.
Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne, studiował w Petersburgu i zgodnie z tradycją rodzinną był wojskowym. Decydujące wydarzenie, które zdecydowało, że Musorgski nie urodził się służba wojskowa, a jeśli chodzi o muzykę, było to spotkanie z M.A. Bałakirewem i dołączenie do „Potężnej Garści”. Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” – uchwycił dramatyczne kamienie milowe w muzyce Historia Rosji z radykalną nowością, jakiej nie znała wcześniej muzyka rosyjska, pokazując w nich połączenie masowych scen ludowych i różnorodnego bogactwa typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach autora i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie. Kolejnym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazy z wystawy”, barwnych i pomysłowych miniatur przesiąkniętych rosyjskim refrenem tematycznym i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność. Jego ostatnie lata były trudne – niespokojne życie, brak uznania dla kreatywności, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko go zdeterminowało wczesna śmierć w wieku 42 lat pozostawił stosunkowo niewiele dzieł, z których część została ukończona przez innych kompozytorów. Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego przewidywały pewne cechy rozwój muzyczny XX wieku i odegrał ważną rolę w kształtowaniu stylu wielu światowych kompozytorów.

Cytat MP Musorgskiego: „Dźwięki mowy ludzkiej, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i przemocy stać się muzyką prawdziwą, dokładną, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Cytat o M.P. Musorgskim: „Oryginalne rosyjskie brzmienie we wszystkim, co stworzył Musorgski” N.K.Roerich

Ciekawostka: pod koniec życia Musorgski pod naciskiem swoich „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tercjuszowi Filippowowi

4. Piotr Iljicz Czajkowski (1840—1893)

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wyniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykany wcześniej poziom. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.
Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, ale jego pierwsza edukacja i praca dotyczyła prawoznawstwa. Czajkowski był jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych”. Studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium w Petersburgu. Czajkowski uchodził za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do popularnych postaci „Potężnej Garści”, z którymi utrzymywał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, jednak w jego twórczości nie mniej przesiąknięty jest duch rosyjski, udało mu się w unikalny sposób połączyć Zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z tradycjami rosyjskimi odziedziczonymi od Michaiła Glinki.
Kompozytor prowadził aktywne życie- był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce. Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie; entuzjazm, przygnębienie, apatia, gorący temperament, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często, będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.
Aby podkreślić coś najlepszego w twórczości Czajkowskiego – trudne zadanie, ma prawie wszystkie prace o jednakowej wielkości gatunki muzyczne- opera, balet, symfonia, muzyka kameralna. Treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób odsłania dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odzwierciedla głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:
„Jestem artystą, który może i powinien przynieść chwałę mojej Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką siłę artystyczną, nie zrobiłem jeszcze nawet jednej dziesiątej tego, co mogę, a chcę to zrobić całą siłą duszy .”
„Życie ma piękno tylko wtedy, gdy składa się z naprzemiennych radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem – różnorodności w jedności”.
„Wielki talent wymaga wielkiej, ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Jestem gotowy dzień i noc stać jako warta honorowa na werandzie domu, w którym mieszka Piotr Iljicz – i dlatego go bardzo szanuję”. A. P. Czechow

Ciekawostka: Uniwersytet Cambridge nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki zaocznie i bez obrony rozprawy doktorskiej, podobnie jak Akademia Paryska Sztuki piękne wybrał go na członka-korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego rosyjskiego dziedzictwa muzycznego. Jego niepowtarzalny świat i uwielbienie odwiecznego, wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedność z naturą nie mają odpowiednika w historii muzyki.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, zgodnie z tradycją rodzinną został oficerem marynarki wojennej i podróżował na okręcie wojennym po wielu krajach Europy i obu Ameryk. Edukacja muzyczna pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille’a. I znowu, dzięki M.A. Bałakirewowi, organizatorowi „Potężnej Garści”, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.
Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodność rozwiązań gatunkowych, stylistycznych, dramatycznych, kompozycyjnych kompozytora, posiadających jednak szczególny styl - z całym bogactwem elementu orkiestrowego, z których główne to melodyjne linie wokalne. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.
Oprócz bezpośredniego niezależnego działalność twórcza N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako kompletator dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze: „Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę jego pierwotnie rosyjską istotę, jego głęboką ludowo-rosyjską bazę należy dziś szczególnie docenić”. Mścisław Rostropowicz

Twórczość kompozytorów rosyjskich końca XIX i pierwszej połowy XX wieku stanowi holistyczną kontynuację tradycji szkoły rosyjskiej. Jednocześnie nazwano koncepcję podejścia do „narodowej” przynależności tej czy innej muzyki; praktycznie nie ma bezpośredniego cytatu melodii ludowych, ale pozostaje intonacyjna rosyjska podstawa, rosyjska dusza.

6. Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

Aleksander Nikołajewicz Skriabin – rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najwybitniejszych osobistości Rosji i świata kultura muzyczna. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami w życiu publicznym przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka i od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, a po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S.V. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako pianista-kompozytor koncertował w Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypada na lata 1903-1908, kiedy to III Symfonia („ Boski poemat"), symfoniczne „Poemat ekstazy”, „Tragiczne” i „szatańskie” poematy fortepianowe, 4. i 5. sonaty oraz inne dzieła. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku tematów-obrazów, skoncentrowanych kreatywne pomysły Sryabin jest jego najjaśniejszym arcydziełem. Harmonijnie łączy zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, napowietrzonego brzmienia instrumentów solowych. Ucieleśnione w „Poemacie ekstazy” jest kolosalne energia życiowa, ognista pasja, silna wola robią na słuchaczu nieodparte wrażenie Dzisiaj zachowuje siłę oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii temu utworowi miała towarzyszyć muzyka kolorowa , ale premiera ze względów technicznych odbyła się bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był plan Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować ją do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Cytat A.N. Skriabina: „Powiem im (ludziom) – żeby… nie oczekiwali od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć… Powiem im, że nie ma nic opłakiwać, żeby nie było straty. Aby nie bali się rozpaczy, która jako jedyna może dać początek prawdziwemu triumfowi. Silny i potężny jest ten, kto doświadczył rozpaczy i ją pokonał.

Cytat o A.N. Skriabinie: „Dzieło Skriabina było jego czasem, wyrażonym w dźwiękach. Ale kiedy to, co tymczasowe, przemijające, znajduje swój wyraz w twórczości wielkiego artysty, nabiera trwałego znaczenia i staje się trwałe”. G. V. Plechanow

7. Siergiej Wasiljewicz RACHMANINOW (1873 - 1943)

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to największy na świecie kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy wizerunek kompozytora Rachmaninowa określany jest często mianem „najbardziej rosyjskiego kompozytora”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, w wieku czterech lat rozpoczął naukę muzyki pod kierunkiem swojej matki. Studiował w Konserwatorium w Petersburgu, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista oraz komponował muzykę. Katastrofalna premiera nowatorskiej I Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX w. wyłonił się Rachmaninow z ukształtowanym stylem, który jednoczył rosyjską pieśń kościelną, pozostawiając Europejski romantyzm, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm - a wszystko to jest pełne złożonej symboliki. Ten okres twórczy powstały jego najlepsze dzieła, m.in. II i III koncert fortepianowy, II Symfonia oraz jego ulubione dzieło – wiersz „Dzwony” na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną został zmuszony do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w USA. Przez prawie dziesięć lat po odejściu nic nie komponował, ale intensywnie koncertował w Ameryce i Europie i został uznany za jednego z najwybitniejszych pianistów swojej epoki i głównego dyrygenta. Mimo całej swojej gorączkowej aktywności Rachmaninow pozostał osobą bezbronną i niepewną, dążącą do samotności, a nawet samotności, unikając irytującej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za swoją ojczyzną, zastanawiając się, czy nie popełnił błędu opuszczając ją. Nieustannie interesował się wszystkimi wydarzeniami odbywającymi się w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma oraz pomagał finansowo. Jego ostatnie dzieła – III Symfonia (1937) i „Tańce symfoniczne” (1940) były efektem jego drogi twórczej, łączącej w sobie wszystko, co najlepsze w jego niepowtarzalnym stylu oraz żałobne poczucie nieodwracalnej straty i tęsknoty za ojczyzną.

Cytat z Rachmaninowa:
„Czuję się jak duch wędrujący samotnie po obcym mi świecie”.
„Najbardziej wysoka jakość Cała sztuka jest jej szczerością.”
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako naczelną zasadę muzyki. Melodia to muzyka, główna podstawa wszelkiej muzyki… Pomysłowość melodyczna, w najwyższym tego słowa znaczeniu, jest głównym celem życiowym kompozytor.... Oto powód, dla którego wielcy kompozytorzy przeszłości tak bardzo interesowali się melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o S.V.
„Rachmaninow został stworzony ze stali i złota: stal jest w jego rękach, złoto jest w jego sercu. Nie mogę o nim myśleć bez łez. Nie tylko podziwiałem wielkiego artystę, ale pokochałem jego osobę”. I. Hoffmana
„Muzyką Rachmaninowa jest Ocean. Jego fale – muzyczne – zaczynają się tak daleko za horyzontem, unoszą cię tak wysoko i opuszczają tak powoli… że czujesz tę Moc i Oddech”. A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których dochód przekazał Funduszowi Armii Czerwonej na walkę z nazistowskimi okupantami.

8. Igor Fedorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fedorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoki muzycznej; w jego twórczości odbija się wielość stylów, nieustannie przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i poddając własnym regułom.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozycji Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji technikę kompozytorską. Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale jego rozwój był szybki – seria trzech baletów: „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911) i „Święto wiosny” (1913) natychmiast wyniosła go w szeregi kompozytorów pierwszej wielkości.
W 1914 r. opuścił Rosję, jak się okazało, niemal na zawsze (w 1962 r. odbyły tournée po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszony do zmiany kilku krajów – Rosji, Szwajcarii, Francji, aż ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość podzielona jest na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja masowa”, okresy nie są podzielone według czasu jego życia w różne kraje, ale według „pisma” autora.
Strawiński był osobą bardzo wykształconą, towarzyską, ze wspaniałym poczuciem humoru. Do jego grona znajomych i korespondentów należeli muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni i mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego – „Requiem” (Hymny żałobne) (1966) wchłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą dzieła mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „wyjątkowość”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowe, jednak stale powracał do projektów, w których widać Pochodzenie rosyjskie, słychać rosyjskie korzenie.

Cytat I.F. Strawińskiego: „Całe życie mówię po rosyjsku, mam rosyjską sylabę Może nie jest to od razu widoczne w mojej muzyce, ale jest w nią wpisane, ma w sobie ukrytą naturę”.

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński jest prawdziwie rosyjskim kompozytorem... Duch rosyjski jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wieloaspektowego talentu, zrodzonego na ziemi rosyjskiej i ściśle z nią związanego…” D. Szostakowicz

Ciekawostka (bajka):
Będąc w Nowym Jorku, Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał swoje nazwisko na znaku.
-Jesteś krewnym kompozytora? – zapytał kierowcę.
- Czy istnieje kompozytor o takim nazwisku? - kierowca był zaskoczony. - Pierwszy raz to słyszę. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Nie mam nic wspólnego z muzyką - nazywam się Rossini...

9. Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891—1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew to jeden z największych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista i dyrygent.
Urodzony w obwodzie donieckim, z muzyką związał się od dzieciństwa. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich „cudów muzycznych”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimski-Korsakow. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienia jego indywidualnego, z gruntu antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu. Paradoks polega na tym, że burząc akademickie kanony, konstrukcja jego kompozycji pozostała wierna klasycznym zasadom, by z czasem stać się dziełem sztuki; powstrzymująca siła modernistycznego, zaprzeczającego wszystkiemu sceptycyzmu. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył tournée międzynarodowe, m.in. odwiedził ZSRR, by w 1936 powrócić do ojczyzny.
Kraj się zmienił, a „wolna” twórczość Prokofiewa zmuszona była ustąpić realiom nowych żądań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisał opery, balety, muzykę do filmów - muzyka ostra, silna, niezwykle precyzyjna, z nowymi obrazami i pomysłami, położyła podwaliny pod sowiecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 r. niemal jednocześnie wydarzyły się trzy tragiczne wydarzenia: jego pierwsza żona, Hiszpanka, została aresztowana pod zarzutem szpiegostwa i zesłana do obozów; wydano uchwałę Biura Politycznego KC Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików, w której zaatakowano Prokofiewa, Szostakowicza i innych i oskarżono ich o „formalizm” i szkodliwość ich muzyki; Nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora; udał się na emeryturę do swojej daczy i praktycznie jej nie opuścił, ale nadal komponował.
Do najbardziej uderzających dzieł okresu sowieckiego należały opery „Wojna i pokój” oraz „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”; balety „Romeo i Julia” oraz „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Strażnik Pokoju”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; dzieła fortepianowe.
Twórczość Prokofiewa zadziwia wszechstronnością i bogactwem tematów, oryginalnością myślenie muzyczne, świeżość i oryginalność stanowiły całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły potężny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Cytat z S.S. Prokofiewa:
„Czy artysta może stać z boku życia?.. Trwam w przekonaniu, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służenia człowiekowi i ludowi... On przede wszystkim ma obowiązek być obywatel w swojej sztuce, aby gloryfikować życie ludzkie i prowadzić ludzi do świetlanej przyszłości…”
„Jestem przejawem życia, które daje mi siłę przeciwstawić się wszystkiemu, co nieduchowe”

Cytat o S.S. Prokofiewie: „...wszystkie aspekty jego muzyki są piękne. Ale jeden jest całkowicie niezwykła rzecz. Podobno każdemu z nas zdarzają się jakieś niepowodzenia, wątpliwości, po prostu zły nastrój. I w takich momentach, nawet jeśli nie gram i nie słucham Prokofiewa, ale tylko o nim myślę, dostaję niesamowity ładunek energii, czuję ogromną chęć życia i działania.” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo kochał szachy i wzbogacał grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wymyśloną przez siebie „dziewięcioma” szachami – planszą 24x24, na której ułożono dziewięć zestawów figur.

10. Dmitrij Dmitriewicz SZOSTAKOWICZ (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz to jeden z najważniejszych i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losami jego ojczyzny.
Urodzony w Petersburgu, pierwszy lekcje muzyki otrzymany od matki, ukończył Konserwatorium w Petersburgu, po wejściu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go do Mozarta - zadziwił więc wszystkich doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i talentem kompozytorskim. Już na początku lat 20., pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światowa sława przyszła do Szostakowicza po zdobyciu 1 Międzynarodowy konkurs Chopina w 1927 r.
Do pewnego okresu, a mianowicie przed wystawieniem opery „Lady Makbet z Mtsenska”, Szostakowicz działał jako artysta wolny – „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Dotkliwe rozbiórki tej opery, zorganizowane w 1936 r., i represje z 1937 r. zapoczątkowały późniejszą nieustanną walkę wewnętrzną Szostakowicza o wyrażanie własnych poglądów własnymi środkami w warunkach narzucania przez państwo kierunków w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był przez władze chwalony i prześladowany, piastował wysokie stanowiska i został z nich usunięty, on i jego bliscy zostali nagrodzeni i groziło im aresztowanie.
Osoba miękka, inteligentna, delikatna, znalazła własną formę ekspresji zasady twórcze w symfoniach, gdzie mógł możliwie otwarcie mówić prawdę o czasie. Spośród całej rozległej twórczości Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł); najbardziej dramatyczne są symfonie 5, 7, 8, 10, 15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz objawia się w muzyce kameralnej.
Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nigdy nie podróżował za granicę, jego muzyka, w istocie humanistyczna i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się na całym świecie i była wykonywana najlepsi dyrygenci. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej jest jeszcze przed nami.

Cytat z D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka zdolna jest wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane ludzkie idee”.

Posty piszę zazwyczaj wtedy, gdy coś nasuwa mi myśl, że fajnie byłoby o tym napisać. Tym razem właśnie tak się stało. Któregoś dnia obejrzałem najnowszą wersję Anny Kareniny w reżyserii Joe Wrighta ze znakomitą ścieżką dźwiękową Dario Marionellego. Obraz bardzo mi się spodobał. Ale teraz rozmowa nie jest o niej. Faktem jest, że Dario Marionelli w swojej muzyce do filmu wykorzystuje znaną melodię „Na polu była brzoza”. To właśnie skłoniło mnie do napisania tego posta.
Należałoby zacząć od słów D.B. Kabalewskiego, który powiedział, że „Pieśń ludowa, jak bajeczne źródło wody żywej, dawała kompozytorom siłę i inspirację, uczyła piękna i umiejętności, uczyła kochać życie i ludzi”.
Muzyka klasyczna jest ściśle związana z muzyką ludową. Rosjanie żywili się także melodiami ludowymi. klasyka muzyczna. Ludowe pieśni liryczne wywarły silny wpływ na twórczość rosyjskich kompozytorów. Kompozytorzy szeroko wykorzystywali liryczne melodie istniejących pieśni ludowych i je przetwarzali. Często melodia, zrodzona z wyobraźni kompozytora, przypominała melodię ludową. Rosyjscy kompozytorzy kochali pieśń liryczną, uczyli się od niej i śpiewali jej piękno w swoich arcydziełach.
Historia rosyjskiej muzyki klasycznej zaczyna się od kreatywności M.I.Glinka. Glinka zapisała się w historii kultury muzycznej nie tylko jako wielki kompozytor, ale także jako twórca stylu i narodowości narodowej w muzyce rosyjskiej.
Społeczność arystokratyczna jego czasów traktowała pieśni ludowe z pogardą, widząc w nich wytwór prostackiej, nieokrzesanej wyobraźni zwykłych ludzi. Podważając takie uprzedzenia, kompozytor wykazał się zarówno odwagą twórczą, jak i prawdziwą innowacyjnością. Ucieleśniając w swoich utworach ducha i intonację pieśni chłopskiej, Glinka wyniósł ją na wyższy poziom sztuka wysoka pokazała swoje niesamowite piękno i moc.

MI. Glinka. „Kamarynska”

Do jego najlepszych dzieł napisanych na temat folkloru należą m.in fantazja symfoniczna„Kamarinskaya”, w której według kompozytora P. I. Czajkowskiego „jak cały dąb w żołędziu” zawarta jest cała rosyjska szkoła symfoniczna. Glinke powiedział, że „ludzie piszą muzykę, a my, kompozytorzy, tylko ją aranżujemy”. Kompozytor słuchał pieśni wykonywanych przez chłopów i „przesycał się ich niepowtarzalną strukturą”. Przykładami są fragmenty opery „Iwan Susanin” (piosenka Wanii z III aktu „Jak zabito matkę z małego pisklęcia…”; aria Susanina z III aktu „Powstaniesz, mój świta”).

MI. Glinka. Aria Iwana Susanina „Powstaniesz, mój świcie” z opery „Iwan Susanin”

Drogą „folkloru” wyznaczoną przez Glinkę poszli także inni wybitni kompozytorzy rosyjscy: A. P. Borodin, poseł Musorgski, P. I. Czajkowski. N.A. Rimski-Korsakow, S.V. Rachmaninow. Niektórzy z nich stworzyli genialne aranżacje pieśni ludowych, inni ozdobili swoje kompozycje melodiami ludowymi.

AP Borodin. Opera „Książę Igor”. „Jesteś sama, kochana Łado, sama nie będziesz winić, wrażliwym sercem wszystko zrozumiesz...”)

AP Borodin kontynuuje tradycje M.I. Glinki. Uderzający przykład wykorzystanie tekstu w twórczości - fragment melodii lirycznej II części opery „Książę Igor” („Jesteś sama, kochana Łado, Ty jedna nie będziesz winić, Z wrażliwym sercem wszystko zrozumiesz…” ). A.A.Rimski – Korsakow afirmuje teksty i melodie ludowe w muzyce klasycznej. Często kompozytor komponuje „w gatunku melodii ludowych”. Przykładem jest piosenka Sadko „Och, ciemny dębie” z opery „Sadko”. Wyrazista melodia pieśni zawiera śpiewy typowe dla ludowych pieśni lirycznych.

LICZBA PI. Czajkowskiego „Andante cantabile” z I Kwartetu smyczkowego

W gatunku folkowych melodii tworzy dzieła i P.I. Czajkowski. Kiedy ktoś po raz pierwszy słyszy romans Czajkowskiego na podstawie wierszy I. Surikowa „Czy byłem na polu, a nie na trawie…”, często myli go z pieśnią ludową. Piosenka ludowa w twórczości P.I. Czajkowski jest „częstym gościem”.

LICZBA PI. Czajkowski. IV Symfonia – finał

Na przykład w finale I i IV symfonii Czajkowskiego słychać rosyjskie piosenki „Kwiaty rozkwitły” i „Na polu brzoza stołu”. Pamiętacie jego Andante cantabile z „I kwartetu smyczkowego”, którego tematem przewodnim jest piosenka „Wania siedziała”, romans „Byłem na polu, ale nie było trawy…”, piosenka ukraińska„Wyjdź, wyjdź, Ivanko” w finale I Koncertu fortepianowego kompozytora.

S.V. Rachmaninow. Koncert fortepianowy nr 3 (hiszpański Van Cliburn)

We wspaniałym III koncercie na fortepian i orkiestrę S.V.Rachmaninow fortepian niczym solista po prostu i cicho śpiewa swoją melodię, która następnie niczym chór jest podchwytywana przez orkiestrę. „Chciałem – pisał Rachmaninow – „zaśpiewać melodię na fortepianie tak, jak śpiewają ją śpiewacy”.
Można wymienić cechy rosyjskiej pieśni lirycznej - szerokie śpiewy, zagadki symboli, elastyczność i piękno język muzyczny. Te same cechy – ekspresja, melodyjność, współbrzmienie głosów i melodii instrumentalnych – obecne są w muzyce kompozytorów rosyjskich.
Melodie ludowe, można powiedzieć, leżą u podstaw wielu dzieł kompozytorów klasycznych. Można więc z dużym prawdopodobieństwem założyć, że osoby kochające muzykę ludową kochają także muzykę klasyczną i odwrotnie. Nie sposób w pełni omówić tematu wykorzystania rosyjskich pieśni i melodii ludowych w twórczości kompozytorów klasycznych, jest on tak obszerny.
Mój post nie jest lekcją na ten temat, ale dla chcących utrwalić materiał istnieje możliwość kontaktu

Kompozytorzy klasyczni są znani na całym świecie. Każde imię geniusza muzycznego jest wyjątkową indywidualnością w historii kultury.

Co to jest muzyka klasyczna

Muzyka klasyczna to urzekające melodie tworzone przez utalentowanych autorów, słusznie nazywanych kompozytorami klasycznymi. Ich dzieła są wyjątkowe i zawsze będą poszukiwane przez wykonawców i słuchaczy. Z jednej strony klasykę nazywa się zwykle muzyką ścisłą, głęboko wymowną, niezwiązaną z gatunkami: rock, jazz, folk, pop, chanson itp. Z drugiej strony w historycznym rozwoju muzyki istnieje okres końca XIII – początków XX wieku, zwany klasycyzmem.

Klasyczne motywy wyróżniają się wysublimowaną intonacją, wyrafinowaniem, różnorodnością odcieni i harmonią. Pozytywnie wpływają na emocjonalny światopogląd dorosłych i dzieci.

Etapy rozwoju muzyki klasycznej. Ich krótki opis i główni przedstawiciele

W historii rozwoju muzyki klasycznej można wyróżnić następujące etapy:

Renesans lub renesans - początek XIV - ostatnia ćwierć XVI wieku. W Hiszpanii i Anglii okres renesansu trwał do początków XVII wieku.
Barok - zastąpił renesans i przetrwał do początków XVIII wieku. Centrum stylu była Hiszpania.
Klasycyzm to okres rozwoju kultury europejskiej od początku XVIII do początków XIX wieku.
Romantyzm jest kierunkiem przeciwnym do klasycyzmu. Trwało do połowy XIX wieku.
Klasyka XX wieku - era nowożytna.

Krótki opis i główni przedstawiciele okresów kulturowych

1. Renesans - długi okres rozwoju wszystkich dziedzin kultury. - Thomas Tallis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria skomponowali i pozostawili nieśmiertelne dzieła dla potomności.

2. Barok – w tej epoce pojawiają się nowe formy muzyczne: polifonia, opera. To właśnie w tym okresie Bach, Handel i Vivaldi stworzyli swoje słynne dzieła. Fugi Bacha budowane są zgodnie z wymogami klasycyzmu: obowiązkowym przestrzeganiem kanonów.

3. Klasycyzm. Wiedeńscy kompozytorzy klasyczni, którzy swoje nieśmiertelne dzieła stworzyli w epoce klasycyzmu: Haydn, Mozart, Beethoven. Pojawia się forma sonatowa i powiększa się skład orkiestry. i Haydna różnią się od ciężkich dzieł Bacha prostą konstrukcją i elegancją melodii. To wciąż była klasyka, dążenie do perfekcji. Twórczość Beethovena stanowi pogranicze stylu romantycznego i klasycznego. W muzyce L. van Beethovena jest więcej zmysłowości i żaru niż racjonalnego kanonu. Wyróżniały się następujące ważne gatunki jako symfonia, sonata, suita, opera. Beethoven dał początek okresowi romantyzmu.

4. Romantyzm. Dzieła muzyczne charakteryzują się kolorem i dramatyzmem. Powstają różne gatunki piosenek, na przykład ballady. Uznaniem cieszyły się dzieła fortepianowe Liszta i Chopina. Tradycje romantyzmu odziedziczyli Czajkowski, Wagner i Schubert.

5. Klasyka XX wieku – charakteryzująca się dążeniem autorów do innowacji w melodiach, powstały terminy aleatoryka, atonalizm. Dzieła Strawińskiego, Rachmaninowa, Glassa klasyfikowane są w formacie klasycznym.

Rosyjscy kompozytorzy klasyczni

Czajkowski PI - Rosyjski kompozytor, krytyk muzyczny, osoba publiczna, pedagog, dyrygent. Jego kompozycje są najczęściej wykonywane. Są szczere, łatwo dostrzegalne, odzwierciedlają poetycką oryginalność rosyjskiej duszy, malowidła sceniczne Rosyjska natura. Kompozytor stworzył 6 baletów, 10 oper, ponad sto romansów, 6 symfonii. Światowej sławy balet „Jezioro łabędzie”, opera „Eugeniusz Oniegin”, „Album dla dzieci”.

Rachmaninow S.V. - działa wybitny kompozytor emocjonalne i wesołe, a niektóre mają dramatyczną treść. Ich gatunki są różnorodne: od małych przedstawień po koncerty i opery. Powszechnie uznane dzieła autora: opery „Skąpy rycerz”, „Aleko” na podstawie poematu Puszkina „Cyganie”, „Francesca da Rimini” na podstawie fabuły zapożyczonej z „ Boska Komedia» Dante, wiersz „Dzwony”; suita „Tańce symfoniczne”; koncerty fortepianowe; wokalizacja na głos z towarzyszeniem fortepianu.

Borodin A.P. był kompozytorem, nauczycielem, chemikiem i lekarzem. Najbardziej znaczącym dziełem jest opera „Książę Igor” wg dzieło historyczne„Opowieść o kampanii Igora”, którą autor pisał przez prawie 18 lat. Za życia Borodina nie udało się jej dokończyć, po jego śmierci operę dokończyli A. Głazunow i N. Rimski-Korsakow. Świetny kompozytor jest założycielem klasycznych kwartetów i symfonii w Rosji. Symfonia Bogatyr uznawana jest za koronę światowej i rosyjskiej symfonii narodowo-bohaterskiej. Za wybitne uznano instrumentalne kwartety kameralne, I i II Kwartet. Jako jeden z pierwszych wprowadził do romansów postacie bohaterskie ze starożytnej literatury rosyjskiej.

Wspaniali muzycy

Musorgski poseł, o którym można powiedzieć, to wielki kompozytor realista, odważny innowator, poruszający dotkliwe problemy społeczne, wspaniały pianista i znakomity wokalista. Najbardziej znaczący dzieła muzyczne to opery „Borys Godunow” oparte na dramatycznym dziele A.S. Puszkin i „Khovanshchina” – dramat muzyki ludowej, główny aktorska postać te opery to zbuntowani ludzie z różnych warstw społecznych; cykl twórczy „Obrazy z wystawy”, inspirowany twórczością Hartmanna.

Glinka M.I. - słynny rosyjski kompozytor, twórca ruchu klasycznego w rosyjskiej kulturze muzycznej. Dokończył procedurę tworzenia szkoły kompozytorów rosyjskich, opartej na wartości muzyki ludowej i zawodowej. Dzieła mistrza przepojone są miłością do Ojczyzny i odzwierciedlają orientację ideologiczną tamtejszego ludu epoka historyczna. Światowej sławy dramat ludowy „Iwan Susanin” oraz baśń operowa „Rusłan i Ludmiła” stały się nowymi trendami w rosyjskiej operze. Utwory symfoniczne „Kamarinskaya” i „Uwertura hiszpańska” Glinki stanowią podstawę rosyjskiego symfonizmu.

Rimski-Korsakow N.A. to utalentowany rosyjski kompozytor, oficer marynarki wojennej, nauczyciel, publicysta. W jego twórczości można prześledzić dwa nurty: historyczny („ Oblubienica cara”, „Pskowita”) i baśni („Sadko”, „Snow Maiden”, suita „Szeherezada”). Osobliwość twórczość kompozytora: oryginalność oparta na wartościach klasycznych, homofonia w strukturze harmonicznej dzieł wczesnych. Jego kompozycje utrzymane są w stylu autorskim: oryginalne rozwiązania orkiestrowe z niezwykle skonstruowanymi partyturami wokalnymi, które są głównymi.

Rosyjscy kompozytorzy klasyczni starali się odzwierciedlić w swoich utworach myślenie poznawcze i folklor charakterystyczny dla narodu.

kultura europejska

Znani kompozytorzy klasyczni Mozart, Haydn, Beethoven mieszkali w stolicy kultury muzycznej tamtych czasów - Wiedniu. Geniuszy łączy mistrzowskie wykonanie, doskonałe rozwiązania kompozycyjne i wykorzystanie różnych stylów muzycznych: od melodii ludowych po opracowania polifoniczne motywy muzyczne. Wielcy klasycy charakteryzują się wszechstronną twórczą aktywnością umysłową, kompetencją, przejrzystością konstrukcji formy muzyczne. W ich pracach intelekt i emocje, elementy tragiczne i komiczne, luz i roztropność organicznie się ze sobą łączą.

Beethoven i Haydn skłaniali się w stronę kompozycji instrumentalnych, Mozart po mistrzowsku odniósł sukces zarówno w kompozycjach operowych, jak i orkiestrowych. Beethoven był twórcą niedoścignionym bohaterskie dzieła, Haydn cenił i z powodzeniem wykorzystywał w swojej twórczości gatunki humorystyczne i folkowe, Mozart był kompozytorem uniwersalnym.

Mozart jest twórcą formy instrumentalnej sonatowej. Beethoven ulepszył go i wyniósł na niezrównany poziom. Okres ten stał się okresem rozkwitu kwartetu. Haydn, a następnie Beethoven i Mozart wnieśli znaczący wkład w rozwój tego gatunku.

Włoscy mistrzowie

Giuseppe Verdi – wybitny muzyk XIX wieku, rozwinął tradycję Opera włoska. Miał nienaganne umiejętności. Zwieńczeniem jego działalności kompozytorskiej były dzieła operowe „Il Trovatore”, „La Traviata”, „Otello”, „Aida”.

Niccolo Paganini – urodzony w Nicei, jedna z najbardziej uzdolnionych muzycznie osobistości XVIII i XIX wieku. Był mistrzem gry na skrzypcach. Komponował kaprysy, sonaty, kwartety na skrzypce, gitarę, altówkę i wiolonczelę. Pisał koncerty na skrzypce i orkiestrę.

Gioachino Rossini – działał w XIX wieku. Autor muzyki sakralnej i kameralnej, skomponował 39 oper. Wybitne dzieła to „Cyrulik sewilski”, „Otello”, „Kopciuszek”, „Sroka złodziejka”, „Semiramida”.

Antonio Vivaldi to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli sztuki skrzypcowej XVIII wieku. Zdobył sławę dzięki swoim najbardziej słynne dzieło- 4 koncerty skrzypcowe „Pory roku”. Prowadził niezwykle owocne życie twórcze życie, skomponował 90 oper.

Znani włoscy kompozytorzy klasyczni pozostawili po sobie wieczne dziedzictwo muzyczne. Ich kantaty, sonaty, serenady, symfonie, opery sprawią przyjemność niejednemu pokoleniu.

Specyfika dziecięcego postrzegania muzyki

Zdaniem psychologów dziecięcych słuchanie dobrej muzyki ma pozytywny wpływ na rozwój psycho-emocjonalny dziecka. Dobra muzyka zapoznaje ze sztuką i kształtuje gust estetyczny – twierdzą nauczyciele.

Wiele znanych dzieł kompozytorów klasycznych stworzyło z myślą o dzieciach, uwzględniając ich psychologię, percepcję i specyfikę wieku, czyli do słuchania, inni zaś komponowali rozmaite przedstawienia dla małych wykonawców, łatwo słyszalne dla ucha i dostępne dla nich technicznie.

„Album dla dzieci” P.I. Czajkowskiego. dla małych pianistów. Ten album jest dedykacją dla mojego siostrzeńca, który kochał muzykę i był bardzo utalentowanym dzieckiem. W zbiorze znajduje się ponad 20 sztuk teatralnych, niektóre oparte na materiale folklorystycznym: motywach neapolitańskich, tańcu rosyjskim, melodiach tyrolskich i francuskich. Kolekcja „Piosenki dla dzieci” P.I. Czajkowskiego. zaprojektowany z myślą o percepcji słuchowej u dzieci. Piosenki optymistyczne o wiośnie, ptakach, kwitnącym ogrodzie („Mój ogród”), o współczuciu Chrystusowi i Bogu („Chrystus miał ogród w dzieciństwie”).

Klasyka dla dzieci

Wielu kompozytorów klasycznych pracowało dla dzieci, a lista ich dzieł jest bardzo różnorodna.

Prokofiew S.S. „Piotruś i wilk” – opowieść symfoniczna dla dzieci. Dzięki tej bajce dzieci zapoznają się z instrumentami muzycznymi orkiestra symfoniczna. Tekst baśni napisał sam Prokofiew.

Schumann R. „Sceny dziecięce” to krótkie opowiadania muzyczne o prostej fabule, pisane dla dorosłych wykonawców, wspomnienia z dzieciństwa.

Cykl fortepianowy Debussy’ego „Kącik dziecięcy”.

Ravel M. „Matka Gęś” na podstawie baśni C. Perraulta.

Bartok B. „Pierwsze kroki przy fortepianie”.

Rowery dla dzieci Gavrilova S. „Dla najmłodszych”; „Bohaterowie baśni”; „Chłopaki o zwierzętach”.

Szostakowicz D. „Album utworów fortepianowych dla dzieci”.

Bakh I.S. „Książka muzyczna Anny Magdaleny Bach”. Ucząc muzyki swoje dzieci, stworzył dla nich specjalne utwory i ćwiczenia rozwijające umiejętności techniczne.

Haydn J. jest protoplastą symfonii klasycznej. Stworzył specjalną symfonię zatytułowaną „Dziecięca”. Wykorzystane instrumenty: gliniany słowik, grzechotka, kukułka – nadają mu niezwykły dźwięk, dziecinny i zabawny.

Saint-Saëns K. stworzył fantazję na orkiestrę i 2 fortepiany zatytułowaną „Karnawał zwierząt”, w której środki muzyczne po mistrzowsku oddał gdakanie kurczaków, ryk lwa, samozadowolenie słonia i jego sposób poruszania się, wzruszająco pełnego wdzięku łabędzia.

Komponując utwory dla dzieci i młodzieży, wielcy kompozytorzy klasyczni zadbali o ciekawostki historie utworu, dostępność proponowanego materiału, biorąc pod uwagę wiek wykonawcy lub słuchacza.

Światowa muzyka klasyczna jest nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosja, wspaniały kraj z utalentowanym narodem i własnym dziedzictwem kulturowym, zawsze znajdowała się w czołówce lokomotyw światowego postępu i sztuki, w tym muzyki. Rosyjska szkoła kompozytorska, której kontynuacją tradycji były szkoły sowieckie i dzisiejsze szkoły rosyjskie, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy łączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

O każdej z tych znanych postaci można powiedzieć wiele, wszystkich spotkały trudne, a czasem i tragiczne losy, jednak w tej recenzji staraliśmy się podać jedynie krótki opis życia i twórczości kompozytorów.

Cytat kompozytora:
„Jestem artystą, który może i powinien przynieść chwałę mojej Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką siłę artystyczną, nie zrobiłem jeszcze nawet jednej dziesiątej tego, co mogę, a chcę to zrobić całą siłą duszy .”
„Życie ma piękno tylko wtedy, gdy składa się z naprzemiennych radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem – różnorodności w jedności”.
„Wielki talent wymaga wielkiej, ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Jestem gotowy dzień i noc stać jako warta honorowa na werandzie domu, w którym mieszka Piotr Iljicz – i dlatego go bardzo szanuję”. A. P. Czechow

Ciekawostka: Uniwersytet w Cambridge nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki zaocznie i bez obrony rozprawy doktorskiej, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go na członka korespondenta.

P.I. Czajkowski. „Marsz słowiański”