Hay tanto en el mundo culturas diferentes, pero muchos expertos culturales coinciden en que España es uno de los países más paises increibles alrededor del mundo: de la cocina a la tradicional festivales anuales, que sólo se puede ver en las calles de este país. Muchas tradiciones son comunes en toda España, pero también las hay únicas e inherentes a cada provincia o región concreta.
La cultura de España estuvo al mismo tiempo influenciada por varios países y pueblos, gracias a la interesante localización geográfica en la unión de Europa y África y algunos acontecimientos históricos. Los romanos dejaron una gran huella en la lengua y la religión: en el período comprendido entre 1000 y 1492, España era un país católico romano. Muchas palabras en Español También tomado de los árabes. Los judíos también participan en la mezcla de culturas.
Arquitectura de España
Merece la pena ir a España sólo por los conjuntos arquitectónicos.
Se trata de un entrelazamiento de estilos y épocas, la existencia simultánea de pompa pomposa y moderación aristocrática, grandeza y modesta sencillez. España ocupa el primer lugar en el número de catedrales famosas entre todos los países del mundo. Estos son los templos góticos de Sevilla,
y Nazaret morisca en Granada,
y también el asceta Escorial cerca de Madrid,
Catedrales renacentistas de Valencia
Catedral románica de Santiago de Compostela,
la casa de Terrades (Casa de les Punches) o la "casa de las espinas" en Barcelona y muchas otras.
Es imposible no mencionar al gran arquitecto español Antonio Gaudí, quien sentó las bases para el desarrollo del modernismo español.
El batló o "casa de los huesos" fue diseñado a partir de una antigua casa del magnate textil Josep Batlló i Casanovas por el arquitecto Gaudí.
Su obra se concentra principalmente en Barcelona, donde cada edificio es creación de este genio catalán.
La última obra de Gaudí La Pedrera o "La Cantera"
Arte
La pintura española ha dejado una huella imborrable en la historia mundial de las bellas artes. Salvador Dalí es un famoso artista español del siglo XX, cuyo talento es conocido en todo el mundo gracias a sus pinturas surrealistas caprichosas y conmovedoras.
El talentoso grabador y pintor Francisco Goya, considerado el primero de los maestros modernos de la época romántica, creó el modelo y allanó el camino para obras posteriores de artistas como Monet y Pablo Picasso. Podemos concluir con seguridad que España es una cuna de talento.
musica y baile
La música es una parte importante de la cultura española. El país tiene una larga historia de vestirse con diversas formas de andaluza y occidental. música clásica, así como música pop. España es rica en varios estilos de música folclórica. Además, la España moderna cuenta con numerosos artistas de los géneros rock, heavy metal, punk y hip-hop.
Sin embargo, la forma más popular de música folclórica española es el flamenco.
Incluso alguien que no sepa nada de España, al escuchar la palabra “flamenco”, rápidamente te responderá que estamos hablando de este país. Baile flamenco sensual y fogoso originario de Andalucía. Esta unión de baile, toque de guitarra y canto es una de las formas de entretenimiento más antiguas de los españoles. Es un patrón complejo de movimientos del cuerpo y las piernas acompañado de un ritmo ferviente marcado por palmas y castañuelas. En este baile es muy importante el papel del cantante, para el cual se creó una guitarra especial en 1790.
Festivales y fiestas
Si nos fijamos en el calendario festivo español, casi todo el mundo querrá quedarse aquí para siempre: sus gran cantidad, más precisamente unos 200. La explicación de esta abundancia es muy sencilla: los españoles son un pueblo alegre y temperamental. El amor por los fuegos artificiales, el rugido de los petardos, los trajes llamativos, la música ruidosa y el flamenco rítmico está en su sangre. Las fiestas más llamativas son las que se celebran durante el Año Nuevo y la Semana Santa. La principal fiesta española es el día nacional de la Hispanidad, que se celebra anualmente el 12 de octubre.
Los carnavales de baile con trajes impresionantes añaden más interés a los corazones de los amantes de la cultura española.
Siesta
La siesta es una tradición muy agradable e inusual para los eslavos de un descanso vespertino obligatorio, que suele durar de 14.00 a 15.00 horas. Los españoles pasan este tiempo en casa con sus familias o echando una siesta por la tarde.
La mayoría de las tiendas y Instituciones públicas cerrar a estas horas. En verano, cuando hace mucho calor, la siesta se aprovecha para refrescarse (bajo una ducha fría o en el mar) para volver al trabajo al final del día con un espíritu más alegre.
Deporte
Fútbol americano No es sólo un deporte para muchos españoles, sino también una pasión. Mejores equipos Clubes como el Real Madrid y el Barcelona pueden atraer multitudes de más de 100.000 personas.
La selección nacional encontró un lugar entre la élite mundial y también ganó la Eurocopa en 2008 y la Copa Mundial de la FIFA en 2010.
corrida de toros tradicional - corrida, un espectáculo deportivo en España que existe desde hace muchos siglos, todavía se celebra en la Plaza de Toros de todo el país, aunque su popularidad varía de una región a otra.
Idioma
Aunque casi toda la población de España habla español con fluidez, existen varios otros idiomas comunes que operan dentro de la misma región.
Por ejemplo: "vasco" en el País Vasco y Navarra, "catalán" en Cataluña, Islas Boleares y Valencia y "gallego" en Galicia. Todas ellas tienen estatus oficial como segunda lengua, e incluso algunos periódicos se publican únicamente en ellas.
Religión de España
La mayor parte de la población de España son católicos. Sin embargo, abordan la religión a su manera y no de forma fanática.
Y aunque cada mes del calendario español tiene alrededor de una docena de días en honor a los santos, lo más probable es que esto sea sólo otro motivo para otra fiesta. Las fiestas aquí tienen una mezcla de valores espirituales con honores paganos.
España es un país donde el matrimonio entre personas del mismo sexo está legalizado. Estas parejas tienen el derecho oficial de adoptar niños. Por cierto, la aprobación de la ley sobre el matrimonio entre personas del mismo sexo alguna vez contó con el apoyo del 67% de los propios católicos.
El patrimonio histórico y cultural de España es rico y diverso. El color de este país, su belleza única inspirado en Picasso, Goya, Velázquez, Dalí... Influencia varios pueblos, religiones y culturas, la posición fronteriza entre Europa y África, el aislamiento del Mediterráneo y la inmensidad del Océano Atlántico: todo esto se refleja en los majestuosos monumentos y las interesantes tradiciones de España.
La arquitectura de España es un extraño entrelazamiento de las tradiciones de civilizaciones pasadas, que dejaron el recuerdo de su existencia en los monumentos de la creatividad monumental y el arte en desarrollo dinámico de los arquitectos modernos.
En suelo español conviven antiguos anfiteatros y acueductos con poderosas fortificaciones de fortalezas visigodas. Se han conservado magníficos ejemplos de arquitectura árabe de la época del Califato: el Alcázar de Sevilla y el Palacio de Nazaret en el complejo del castillo de la Alambra de Granada.
En cuanto al número de catedrales mundialmente famosas, ningún otro país del mundo se puede comparar con España. Entre ellos se encuentra la majestuosa catedral románica de la ciudad de Santiago de Compostela y las iglesias góticas de Sevilla, Burgas, Toledo, Tarragona. La catedral de la ciudad de Teruel, construida en el exclusivo estilo mudéjar español, que se formó como resultado de la fusión de elementos arquitectónicos góticos y renacentistas con las tradiciones árabes. El austero monasterio-palacio (residencia de los reyes españoles): El Escorial, cerca de Madrid, construido en el estilo ascético herreresco y las catedrales barroco-renacentistas intrincadamente decoradas de Granada, Murcia y Valencia.
El surgimiento del modernismo español, que se consolidó como una de las principales tendencias en pintura y arquitectura a principios del siglo XIX y XX, está estrechamente relacionado con la obra del brillante catalán Antonio Gaudí, cuyas manos crearon creaciones tan maravillosas como el Catedral de la Sagrada Familia y Parque Güell de Barcelona.
El potencial creativo de la generación más joven se evidencia, en particular, en los edificios posmodernistas de los arquitectos Ricard Bofil (Barcelona), Santiago Calatrava (Sevilla, Valencia) y Rafael Moneo (Madrid).
La pintura española ha dejado una huella notable en la historia mundial de las bellas artes. El brillante florecimiento de la pintura comenzó con la aparición en España en 1576 del pintor Domenico Theotocopuli, apodado El Greco porque era origen griego y nació en la isla de Creta (1541-1614). El Greco se convierte en fundador y director de la escuela toledana y escribe principalmente en nombre de los monasterios e iglesias de Toledo.
edad de oro pintura española representado por los nombres de José de Ribera, Francisco Zurbarán, B. E. Murillo y D. Velázquez, que ya en su juventud se convirtió en artista de la corte de Felipe IV; su Pinturas famosas"Las Meninas" o "Las Damas de Honor", "La Rendición de Breda", "Las Hilanderas" y retratos de los bufones reales se encuentran en el Museo del Prado de Madrid.
Convulsiones políticas y sociales de los siglos XVIII y XIX. reflejado en las obras de Francisco Goya, por ejemplo, su “Ejecución de los rebeldes en la noche del 3 de mayo de 1808”, así como la serie “Desastres de la guerra”. Las aterradoras “pinturas negras”, creadas poco antes de la muerte del maestro, no son sólo una expresión de su propia desesperación, sino también una evidencia del caos político de esa época.
El período de los siglos XVIII y XIX se caracteriza generalmente por la decadencia del arte español, cerrado en el clasicismo imitativo, y el resurgimiento de la gran tradición española se produce en la primera mitad del siglo XX. El fundador y destacado representante del surrealismo en la pintura, Salvador Dalí (1904-1989), uno de los fundadores del cubismo, Juan Gris (1887-1921), el abstraccionista Joan Miró (1893-1983) y Pablo Picasso abrieron nuevos caminos en el arte mundial. (1881-1973), quien contribuyó al desarrollo de varias áreas del arte contemporáneo.
La literatura española es uno de los fenómenos más sorprendentes del mundo. cultura artística. Su importante contribución se evidencia en el hecho de que los dos tipos humanos más famosos, Don Quijote y Don Juan, fueron creados por los españoles.
La obra literaria más famosa que describe la reconquista es el poema épico "La canción de mi Cid" (hacia 1140), de autor desconocido, que cuenta las hazañas de Rodrigo Díaz de Bivar, más conocido como Cid (del árabe "sidi ") - Caballero.
Los clásicos del teatro español, los fundadores de la "edad de oro" de la literatura, Félix Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca, son conocidos por los lectores y espectadores rusos por sus brillantes actuaciones en los escenarios rusos. Tirso de Molina creó la imagen de Don Juan en la literatura. El caballero de la Imagen Dolorosa, Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes, se volvió igualmente inmortal.
A finales del siglo XIX, la “generación del 98”, desilusionada de la política, afrontó la tarea de renovación espiritual de España. A este movimiento se sumaron Miguel de Unamuno y Ramón María del Valle-Inclán. En 1927 se formó un grupo de jóvenes artistas de vanguardia, que pasaron a la historia de la literatura como el “Grupo del 27”. Su miembro más famoso fue el poeta y dramaturgo Federico García Lorca; El ciclo de poemas "Romanseros gitanos" y los dramas "Jerma" y "Bodas sangrientas" están estrechamente relacionados con su Andalucía natal. García Lorca fue asesinado cerca de Granada por los franquistas.
En 1989 premio Nobel recibió a Camilo José Cela, cuya novela “La colmena” (1943) fue traducida al ruso. La novela “Marcas Especiales” de Juan Goytisolo, que encabezó la generación de escritores españoles de los años 50, como todas sus obras, tiene una clara posición social. Uno de los escritores más significativos Miguel Delibes, su novela famosa"Sinless Saints" (1981) también fue traducida al ruso. Muy populares hoy en día son Carmen Martín Gaite (n. 1925; Premio Literario Español 1994) y Manuel Vázquez Montalbán (n. 1939; premio literario 1995). Su novela “La soledad de un directivo”, cuyo protagonista es el detective privado Pepe Corvalho, también es conocida fuera de España.
musica de españa
El florecimiento de la cultura musical española, especialmente en el género de la música religiosa, se inició en el siglo XVI. Los principales compositores de esa época fueron el maestro de la polifonía vocal Cristóbal de Morales (1500-1553), su alumno Tomás Luis de Victoria (c. 1548-1611), apodado la "Palestrina española", y Antonio de Cabezón (1510-1566). ), famoso por sus composiciones para clavecín y órgano.
En el siglo XIX, después de una larga era de estancamiento, el iniciador del resurgimiento de la cultura musical nacional fue Felipe Pedrel (1841-1922), fundador de la nueva escuela española de composición y creador de la musicología española moderna.
A finales del siglo XIX y principios del XX, la música española ganó fama europea gracias a compositores como Enrique Granados (1867-1916), Isaac Albéniz (1860-1909) y Manuel de Falla (1876-1946). La España moderna ha producido cantantes de ópera de fama mundial como Plácido Domingo, José Carreras y Montserrat Caballé.
Cinematografía de España
España tiene una larga tradición en el cine. Luis Buñuel sorprendió al público en la década de 1920 con películas surrealistas como Un perro andaluz; hasta los años 80. Continuó denunciando la hipocresía burguesa, por ejemplo, en la película “El discreto encanto de la burguesía”.
Los destacados directores del cine moderno Carlos Saura (“Carmen”) y Pedro Almodóvar Fernando Trueva Julio Medel en el período posfranquista contribuyeron a la consolidación de la fama mundial del cine español.
Festivales en España
Cada año se celebran en España decenas de grandes festivales. Los fanáticos de cualquier género artístico podrán encontrar eventos interesantes durante todo el año.
Por ejemplo, el festival de música de Granada, que comienza en junio, reúne a destacados representantes de la danza clásica y moderna, intérpretes de flamenco. El Festival de Jazz de Julio en San Javier cuenta con la presencia de estrellas mundiales de este género musical.
Los amantes del teatro estarán interesados en el festival en Mérida, donde podrán ver el programa. Teatros clásicos grecolatinos y mediterráneos.
En agosto tiene lugar en Torrevieja el festival vocal internacional Habaneras.
La programación del festival de música de otoño de Madrid es muy rica.
Los aficionados al cine conocen el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
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Arquitectura
España es el tercer país del mundo en número de sitios declarados por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad, sólo por detrás de Italia y China en este ranking. En varias ciudades españolas, barrios históricos enteros se han convertido en Patrimonio de la Humanidad.
El desarrollo de la arquitectura comenzó con la llegada de los romanos a la Península Ibérica, quienes dejaron algunas de las estructuras más impresionantes de la España romana. La invasión de los vándalos, saianos y visigodos que siguió a la caída del Imperio Romano provocó un profundo declive en el uso de las tecnologías introducidas por los romanos y trajo consigo una serie de tecnologías de construcción más rigurosas y con significado religioso. La aparición de los musulmanes en el año 711 determinó radicalmente el desarrollo de la arquitectura durante muchos siglos y supuso un importante progreso cultural, también en el ámbito arquitectónico.
Al mismo tiempo, en los reinos cristianos, gradualmente comenzaron a aparecer y desarrollarse formas arquitectónicas originales, que inicialmente no estaban sujetas a la influencia europea, pero que con el tiempo se unieron a los principales movimientos arquitectónicos europeos, el románico y el gótico, que alcanzaron un florecimiento extraordinario y dejaron numerosos. ejemplos de construcción religiosa y civil en todo el territorio español. Paralelamente, desde el siglo XII al XVII se desarrolló un cierto estilo sintético, el mudéjar, que combinaba diseños europeos y arte decorativo árabe.
Cuadro
Articulo principal: Pintura de España
Literatura
Hay cuatro grandes periodos en la historia de la literatura española:
- período de origen;
- apogeo: la era de Cervantes, Lope de Vega, Calderón, Alarcón;
- un período de decadencia e imitación.
- un período de renacimiento que promete una renovación y un florecimiento secundario de la literatura española.
Periodo de origen (siglos XII-XV)
La obra más antigua de la literatura española es “El cantar de mío Cid”, que glorifica al gran héroe nacional Rodrigo Díaz de Bivar, conocido en la historia con el sobrenombre árabe de “Cid”. Este poema de autor desconocido fue escrito a más tardar en 1200. Los géneros típicos de este período son los romances históricos, las crónicas históricas, la literatura cortesana y las novelas de caballería. Los vínculos políticos, militares, religiosos y literarios entre España e Italia, que se intensificaron en la segunda mitad del siglo XV, contribuyeron a un incremento del intercambio cultural entre ambos países, dentro del cual las obras de los escritores españoles comenzaron a traducirse y publicarse en Italia, y los italianos en España. La presencia de dos valencianos en el cargo papal, Calixto III y Alejandro VI, fortaleció aún más las relaciones de Castilla, Aragón y Cataluña con Roma.
Apogeo (siglos XVI-XVII)
Período de declive
En el siglo 20
Con el establecimiento de la dictadura de Franco, la cinematografía se vio sometida a una fuerte presión administrativa. Se ha vuelto obligatorio que todas las películas proyectadas en el país estén dobladas al castellano. En las décadas de 1940 y 1950, los directores más populares fueron Ignacio F. Iquino, Rafael Gil (Huella de luz, 1941), Juan de Orduña (Locura de amor, 1948), Arturo Román, José Luis Saenz de Heredia (“Raza”, 1942 - basada en el guión del propio Franco) y Edgar Neuville. También se destacó la película “Fedra” (1956), dirigida por Manuel Mur Oti.
En la década de 1950 comenzaron a celebrarse en España dos importantes festivales de cine. El 21 de septiembre de 1953 se celebró por primera vez en San Sebastián el Festival de Cine, que desde entonces no ha sido interrumpido ni un solo año. Y en 1956 se celebró en Valladolid la primera Semana Internacional de Cine (SEMINCI).
Durante el régimen de Franco, muchos directores españoles emigraron del país, algunos de ellos regresaron en vida de Franco. Por ejemplo, Luis Buñuel Moncho Armendáriz, el humor negro de Alex de la Iglesia y el humor crudo de Santiago Segura, así como el trabajo de Alejandro Amenábar hasta tal punto que, según el productor José Antonio Félez, en 2004, “5 Las películas recaudaron el 50% de los ingresos brutos, y entre 8 y 10 películas representaron el 80% de los ingresos brutos totales”. En 1987 se fundó en España el Premio Goya de Cine, una especie de “contrapeso” a los Oscar para el cine español.
El contenido del artículo.
MÚSICA DE EUROPA OCCIDENTAL. La música de Europa occidental se refiere a la cultura musical de Europa, heredera de las culturas de la Antigua Grecia, la Antigua Roma y el Imperio Romano, cuyo colapso en las partes occidental y oriental se produjo en el siglo IV.
Las culturas también se desarrollaron en consonancia con la cultura de Europa occidental. de Europa del Este y América. La cultura musical rusa, que revela muchos rasgos similares a la música europea, suele considerarse de forma independiente. La antigua cultura griega fecundó tanto a Occidente como a Oriente. Pero el Antiguo Oriente (Egipto, Babilonia, Media, Partia, Sogdiana, Kushans, etc.) tuvo una influencia notable en el desarrollo musical de Europa. Durante la Edad Media, una variedad de instrumentos musicales, nuevos ritmos y danzas se extendieron desde el sur de Europa hacia el norte, y la España musulmana fue la conductora de las tradiciones musicales y literarias árabes. Posteriormente, los turcos otomanos se convirtieron en portadores del profesionalismo musical de la civilización islámica, que a su manera multiplicó la riqueza de la cultura musical de los pueblos del Cercano y Medio Oriente heredada de la antigüedad.
Sus rasgos característicos son de Europa occidental. La cultura musical surgió en la Edad Media. En ese momento, las tradiciones musicales profesionales se formaban en el marco de la iglesia cristiana, en los castillos de los aristócratas, entre los caballeros y en la práctica de los músicos de la ciudad. Durante muchos siglos, estas tradiciones fueron monofónicas, y solo durante la Edad Media madura aparecieron la polifonía y la escritura musical, nació un sistema unificado de modos y ritmos de la iglesia y los instrumentos musicales europeos (órgano, clavecín, violín) alcanzaron la perfección. Después del Renacimiento, la música se independizó más, separándose de los textos (litúrgicos, literarios y poéticos). Se valoró mucho el ingenio individual, nacieron nuevos géneros musicales de contenido secular (ópera) y formas de música instrumental, aparecieron ideas sobre una “obra” musical grabada (composición) y el trabajo de un compositor. Desde el siglo XVII. La individualización del proceso creativo se intensifica, tanto en la composición musical como en el oficio de fabricar instrumentos musicales y, más tarde, en las artes escénicas. La cultura musical de la corte y de la ciudad se está desarrollando más intensamente que la cultura de la iglesia. Los modos de la iglesia y la técnica de la polifonía en la forma en que la iglesia la desarrolló (polifonía) dan paso a nuevos modos (mayor y menor) y al principio homofónico-armónico de combinar voces.
Los nuevos procesos que se desarrollaron después del siglo XVII continuaron revelando un “lenguaje” musical común que los músicos “hablaban”, independientemente de en qué parte del mundo europeo vivieran. La "moda" musical que surgió en Italia, Francia y Alemania difundió las mismas ideas estéticas sobre la música y los métodos de su creación, que determinaron la singularidad del estilo musical (normas, lenguaje musical) de una época histórica particular. Los límites de estos estilos, a pesar de la diversidad de retratos creativos de los músicos, se distinguieron claramente y formaron los mismos fundamentos estilísticos (barroco, clasicismo, romanticismo, expresionismo, impresionismo, etc.) que en la literatura, la arquitectura y las bellas artes de las correspondientes. eras.
Como resultado del cambio constante de los estilos musicales, a medida que ciertas “técnicas” de componer música cambiaron, la semántica cambió, se abrieron varias facetas de su capacidad para expresar las capacidades dinámicas, conductuales, racionales-matemáticas y psicológicas de una persona. La necesidad de los europeos de crear algo nuevo en el campo de la música, diferente de lo anterior, dio lugar a una variedad de estilos individuales de los compositores, ya a partir del siglo XX. – por un lado, al método de creatividad “compilativo”, que utiliza técnicas conocidas para crear una nueva obra musical, y por otro, a la negación total de todas las normas estilísticas conocidas en el campo de la creación e interpretación de música, a la experimentación. creatividad (vanguardia), a la búsqueda de novedad en materiales relacionados con ideas modernas sobre la música (ruido y sonidos específicos ambiente), y con los nuevos sonidos instrumentales electrónicos, hasta los métodos técnicos de procesamiento de cualquier tipo de sonido (en sintetizadores, cintas, computadoras), hasta el abandono de los métodos de fijación de una obra musical en papel mediante un sistema de escritura de notación musical.
MÚSICA DE LA EDAD MEDIA.
A lo largo de un largo período, se formó un nuevo tipo de cultura en Europa occidental, en la que se distinguían las tradiciones de culto (eclesiástica), caballeresca (aristocrática) y burguesa (urbana). Su especificidad e interacción contribuyeron al desarrollo de características únicas de la cultura musical de Europa occidental.
Música de la Iglesia católica en la Alta Edad Media (siglos IV-X).
La música de Europa occidental formó sus rasgos profesionales en primer lugar en el seno de la práctica de la iglesia católica cristiana, que comenzó a revelar su especificidad a partir del siglo IV. Los monasterios eran centros de aprendizaje y profesionalismo musical. La música de adoración se distinguía por el carácter de desapego de todo lo vano, la humildad y la inmersión en la oración. Si en las primeras comunidades cristianas todos cantaban, después del Concilio de Laodicea (364) solo los cantantes profesionales comenzaron a cantar en la iglesia.
Canto gregoriano.
Los orígenes de la liturgia musical de tipo cristiano se ven en los antiguos cantos de Egipto, Judea y Siria. Para el clero, la autoridad en el campo de la música era el antiguo rey judío David. Aparece con frecuencia en la Edad Media: ya sea en una leyenda bíblica, expulsando demonios del rey Saúl tocando un instrumento musical, o representado tocando varios instrumentos (salterio, arpa, campanas). Sin embargo, la iglesia formó nuevas tradiciones musicales basadas en el canto de textos sagrados: “David cantó en los salmos, y nosotros cantamos con David hasta el día de hoy. David usó una cítara, cuyas cuerdas no tienen vida, pero la iglesia usa una cítara con cuerdas vivas; Nuestras lenguas son cuerdas: proclaman diferentes sonidos, pero un solo amor” (del interdicto eclesiástico del Concilio de Laodicea).
El canto, que se convirtió en la base del culto cristiano, permaneció durante mucho tiempo monofónico. En la mayoría de las iglesias, se llevaba a cabo según el tipo de salmodia, que era similar a una recitación: una sola persona cantaba un pequeño rango y palabras del texto prácticamente no cantadas, y los fieles respondían con la misma recitación monótona. El texto dominaba la música, que seguía el ritmo de las palabras, y las entonaciones melódicas no debían distraer del significado del texto. En los siglos V-VII. Hubo varias tradiciones monásticas que se desarrollaron paralelamente a la romana. En Lyon, Gran Bretaña y el norte de Italia surgió el canto galicano, en España (Toledo), que estaba bajo la influencia de la cultura árabe-musulmana, el canto mozárabe. De los siglos V-VI. En Italia, se hizo costumbre interpretar textos sagrados a la manera de cantar himnos, que se distinguían por el canto vocal y la melodía. El creador de este tipo de canto fue el obispo Ambrosio en Milán, quien utilizó la poesía en forma de poesía romana antigua (canto ambrosiano).
Con el fortalecimiento de la institución del papado, las autoridades espirituales seleccionaron melodías rituales y llevaron a cabo su canonización. Del siglo VI En Roma se fundó una escuela de canto (Schola cantorum). Con el surgimiento del tipo de canto gregoriano, se produjo una unificación de la tradición del canto de la iglesia, cuyo creador fue el Papa Gregorio I. Compiló un enorme conjunto de cantos (antifonarios), que incluían muchas melodías locales. La mayor parte de los cánticos constituía la parte “conmovedora” de los servicios religiosos: el salmo inicial, el salmo de un día determinado del año, la oración durante la comunión, etc. Corales estrictos, desapasionados y severos, en los que se subordinaba la melodía. al ritmo de las palabras, fueron seleccionados para los Servicios Divinos. Los textos (Antiguo y Nuevo Testamento) se cantaban únicamente en latín en forma de monodia: canto masculino a una sola voz, ya sea en coro (al unísono) o por un solo cantante. El único instrumento musical que empezó a oírse en la iglesia desde el año 660, junto con el canto, fue el órgano, introducido por el Papa Vitaliano. Originario de Oriente, el órgano era común en la vida cotidiana, pero la iglesia le otorgó el estatus de “instrumento musical divino” y mejoró su diseño hasta el siglo XVII, construyendo enormes órganos junto con la construcción de la iglesia y desarrollando la técnica. de tocar este instrumento.
El canto salmódico monótono no tenía ritmo (se cantaba un texto prosaico). La melodía subió suavemente hacia tonos más altos, permaneció allí y descendió al nivel original. Los textos y melodías fueron contenidos en libros especiales y actualizados. La gama de modos-melodías principales, que enfatizan la estructura espiritual del ritual de oración, se limitó a ocho. Ellos compusieron la estructura de los Octoechos - un sistema de ocho modos eclesiásticos que dominaban la práctica de la formación de cantantes y la teoría musical. Los teóricos medievales prescribieron a cada modo su propia estructura emocional: 1 – movilidad, destreza; 2 – seriedad y solemnidad deplorable; 3 – excitación, impetuosidad, ira y severidad; 4 – tranquilidad y agrado, locuacidad y adulación; 5 – alegría, tranquilidad y diversión; 6 – tristeza, conmovedor y pasión; 7 – ligereza de la juventud, agrado; 8 – seriedad senil, majestad.
Entre el conjunto de cantos gregorianos, había cantos que se diferenciaban de los cotidianos y constituían un tipo especial de servicio: la misa. Se trata de un ciclo de cánticos con motivo de las principales fiestas litúrgicas de 5 a 6 secciones. Cada uno fue nombrado según las palabras iniciales del texto: Kyrie Eleison (señor ten piedad); gloria… (gloria); Credo… (Yo creo en un solo Dios); santuario… Y benedicto (Santo es el Señor Dios de los ejércitos); (Bienaventurado el que viene en el nombre de Dios.); Cordero de Dios... (Cordero de Dios que quita el pecado del mundo).
El nacimiento de la polifonía.
En el siglo IX en los centros de “educación musical” (el monasterio de St. Gallen, las catedrales de Reims, Lüttich, Chartres, etc.), donde había buenas fuerzas cantantes, surgieron nuevos tipos de canto gregoriano monofónico, lo que condujo al surgimiento del Polifonía en la iglesia. Hasta los siglos XII-XIII. Predominaba el canto a dos voces (diafonía). La melodía del canto gregoriano en sí no cambió. Sonaba como voz de apoyo, recibiendo los nombres de “melodía uniforme” (cantus planus), “melodía fuerte” (cantus firmus). No había cantos de voz en los corales; los tonos de la melodía se reemplazaban en cada nueva sílaba (canto silábico). Con el tiempo, la interpretación del coral se llenó de innovaciones: en los lugares donde el coro alternaba con el canto solista, comenzó a aparecer una melodía más colorida. Más a menudo, esto sucedía cuando cada estrofa del texto estaba precedida por una especie de estribillo melódico (antífona), y cuando al final del texto, al cantar exclamaciones (como “¡Aleluya!”), se utilizaban dispositivos melódicos especialmente decorados (melismas). y aparecieron cánticos ornamentados (aniversarios). Así surgió el estilo de canto melismático. En los servicios, además del coral principal, comenzaron a interpretarse textos adicionales con rima, en melodías especiales (secuencias, tropos). Sonaron en Navidad y Semana Santa. Luego comenzó a manifestarse la creatividad del autor (Notker Zaika y Totilon - monjes del monasterio de San Galeno) y el talento actoral de los monjes, quienes comenzaron a componer y representar episodios del Evangelio con música (la adoración de los pastores). , regalos al niño Jesús, luto por los bebés asesinados por orden de Herodes, etc.). Surgió un género único de drama litúrgico, que se revelaría más adelante en el oratorio. La introducción de diverso material musical y poético enriqueció el canto gregoriano y atrajo a los creyentes, pero siguió siendo esencialmente monofónico.
Los primeros pasos en la formación de la polifonía fueron el canto, cuando los tonos de la melodía coral eran duplicados por otra voz que acompañaba al coral (organum). Cada tono (nota) cantaba solo una sílaba, y cantar con tonos de sílaba "espesaba" la melodía coral verticalmente, pero la melodía en sí se movía en una dirección. Aquí resultó importante el efecto artístico y acústico que se creaba en la iglesia mediante el sonido de voces en diferentes registros. Permitió evaluar la calidad de la combinación de tonos verticalmente (no en melodía, sino en armonía), como eufónica (consonancia) y disonante (disonancia). En las instalaciones de la catedral católica se logró una resonancia especial, se potenció el efecto “eco”, que fue facilitado no por todos los intervalos que aparecían en el canto conjunto, sino principalmente por aquellos que se percibían como el mismo tono (perfecto): octavas, quintas y cuartas. Con el tiempo, el sonido de ambas voces se volverá menos paralelo, es decir. más libre en las direcciones del movimiento melódico: dos voces que suenan simultáneamente divergirán, luego se fusionarán o se cruzarán. Este primer tipo de polifonía cubrió casi toda Europa, incluida Inglaterra. Organum es el género líder de música polifónica de la Edad Media.
Música durante la Edad Media madura.
En los siglos XI-XII. (la era de Saint-Martial), se difundió un estilo especial de canto a dos voces, que se originó en el monasterio de Limoges, en el sur de Francia, y en el monasterio de Santiago de Compostela, en el norte de España. Aquí floreció la melismática, decorando la melodía principal de un coral con una melodía independiente y más móvil. En determinados lugares, el solista, mientras otros cantantes interpretaban una sílaba prolongada, introducía su propio canto de esta sílaba (de tres a diez tonos). El estilo melismático interrumpió el paralelismo del sonido a dos voces " nota por nota"y creó las condiciones previas para un sentimiento de independencia de ambas voces. Hoy en día ha recibido el nombre de polifonía “gótica”, ya que fue el pináculo en el desarrollo del gregorianismo. Bajo la influencia de la polifonía desarrollada (polifonía), el canto gregoriano se agotará en la era de la Edad Media madura.
Teoría musical. Notación.
El desarrollo de la teoría musical en Europa occidental se llevó a cabo en el marco de la erudición de la iglesia. Herederos de las tradiciones de los antiguos griegos, los filósofos consideraban la música en el sistema de siete "artes liberales", donde coexistía con la aritmética, la geometría y la astronomía (como parte del "quadrium"). Siguiendo al filósofo romano Boecio, existían principalmente tres tipos de música: música mundial - el movimiento de las esferas celestes, humana - la combinación de voces humanas, instrumental - la manifestación de patrones numéricos. El conocimiento de la música, basado en la comprensión de las leyes de la belleza del número y las proporciones, se valoraba por encima de la práctica: “Un músico es aquel que ha adquirido el conocimiento de la ciencia del canto no por la esclavitud del camino práctico, sino por la razón a través de inferencias. (Boecio) Sin embargo, el desarrollo práctico de la música “corrigió” la teoría que, después del Renacimiento, se desarrolló hacia los lenguajes musicales individuales, los estilos, las técnicas de interpretación y la mejora de los instrumentos, hacia la clarificación de los términos musicales y las interpretaciones de los autores. lenguajes musicales.
La especificidad de la cultura musical de Europa occidental está asociada con el surgimiento de la notación musical, que debe su nacimiento a la práctica musical de la iglesia. La interpretación musical en conjunto no podía por mucho tiempo contentarse únicamente con textos verbales escritos. La memoria de los cantantes, que memorizaban ciertos “tonos” (melodías modales) propios de determinados textos teológicos, estaba sobrecargada. Se utilizó la notación alfabética, conocida como Antigua Grecia, y en el mundo islámico, pero requería indicaciones precisas del curso del desarrollo melódico y del ritmo del canto.
Hasta el siglo XI Los cantantes usaban íconos especiales (neumas), que se colocaban encima de las palabras del texto. La escritura no numérica no registraba el ritmo, sino sólo el tono relativo de los tonos y la dirección de la melodía.
Las obras teóricas musicales de los árabes (Al-Farabi), traducidas al latín en la España musulmana, se convirtieron en fuente de muchas innovaciones en la música de Europa occidental. Junto con la práctica de tocar el "laúd" que vino de los árabes (el nombre árabe abreviado, sin artículo, "al-ud" - "laud", "lut"), los europeos toman prestado de los tratados orientales la forma de grabar música. : el contorno de cuatro (más tarde cinco) cuerdas de oud que indican los tonos en letras árabes donde se presionan con los dedos (tablatura). Los músicos de la iglesia también dibujaron líneas para indicar diferentes posiciones de tono, pero el número de líneas llegó a 18, transmitiendo todo el rango del canto. Conceptos básicos de la notación musical moderna. fue creado por el jefe de la capilla del canto, Guido de Arezzo (c. 995-1050), introduciendo un sistema de cuatro líneas musicales (personal) con designaciones de letras de tonos. La reforma de Guido también afectó a la teoría musical; acercó la tradición de escribir tratados sobre música a la "técnica" de crear música, rechazando "filosofar" sobre la música (en el espíritu de Boecio). Guido también se encarga de presentar los nombres famosos de los tonos europeos: do-re-mi-fa-sol-la-si. Según una versión, están asociados con las letras del alfabeto latino y aparecieron como una forma de cantar tonos (solmización) sin texto verbal en una rima latina especialmente inventada por Guido. Según otra versión, los nombres de los tonos europeos fueron tomados de los árabes y corresponden a los nombres de las letras del alfabeto árabe: dal-ra-mim-fa-sad-lam-sin. ()
Polifonía temprana (polifonía).
En la obra de los músicos (Leonina, segunda mitad del siglo XII, y Perotina, siglos XII-XIII), que sirvieron en la Escuela de Canto de la Capilla de la Catedral de Notre Dame de París, se puede observar un nuevo tipo polifonía. Del siglo XII El estilo de la escuela de Notre Dame se distinguió por rasgos característicos: la aparición de tres y cuatro voces, la movilidad melódica de la voz superior (agudo), la libertad y el contraste de voces adicionales en relación con el coral, la transformación del coral. melodía en un fondo que suena mesurado: una voz sostenida. La armonía del sonido musical ahora se lograba no tanto a través de cesuras de texto, sino a través de repeticiones de cantos melódicos y frases rítmicas. En las obras de Perotin, apodado “El Grande”, se forma un sistema de modos rítmicos musicales independientes del texto (eran 6, luego 8) y aparece una nueva técnica de desarrollo (canon, imitación), basada en la repetición. de la misma melodía con una voz diferente. Los principios de la polifonía de la escuela de Notre Dame, basados no solo en el movimiento vertical, sino también lineal de las voces, se están extendiendo por todas partes. La lentitud del ritual de la iglesia, expresada en el sonido del coral, comenzó a combinarse con el colorido de la fantasía melódica.
Tradición musical secular en la Edad Media.
Durante mucho tiempo, la creatividad musical secular estuvo fuera del ámbito profesional. Su formación fue facilitada por la formación de tradiciones cortesanas (caballerescas) en la cultura europea, su interacción con la cultura musical de los burgueses, con la cultura popular de la ciudad medieval. Allá por el siglo IX. (Era carolingia) se organizó una “academia palaciega” (inspirada en la antigua), donde se llevaban a cabo disputas científicas y concursos de poetas y músicos. Con la aparición de nuevos centros culturales (universidades), junto con las grandes catedrales, donde existían escuelas para la formación de cantantes, el aprendizaje se concentró no sólo en los círculos del clero, sino también en los círculos de la nobleza ilustrada.
Trouvères y trovadores.
La ideología de la caballería jugó un papel importante en la formación de tradiciones musicales seculares. Las Cruzadas hacia el Este y el conocimiento de la cultura cortesana árabe (islámica): el canto solista de poemas compuestos con el acompañamiento del oud, que floreció en la España musulmana, amplió la cosmovisión de los caballeros y contribuyó a la formación de normas de "pacificación". “comportamiento y un código de honor. El carácter especial del diálogo del caballero con la "bella dama", el servicio dedicado a ella y los ideales del amor cortés, se desarrolló en los siglos XI-XII. en la creatividad musical y poética de trovadores y trouvères (como se llamaba a los trovadores en el norte), los primeros ejemplos de poesía secular con música grabada por escrito. La nobleza ilustrada demandaba la creación de poemas con cantos que glorificaran a la Bella Dama. En los castillos y en las celebraciones sociales, el caballero pasó de ser un "bárbaro valiente" a un "tierno conocedor de los encantos femeninos". Los trovadores provenzales escribieron poesía no en el idioma hablado, sino en la sofisticada "koiné".
Los nombres de muchos trovadores y trouvères indican que procedían de diferentes estratos sociales: Guillaume VII, conde de Poitiers, duque de Aquitania; Conde de Angulema; el pobre gascón Marcabrun, que sirvió en la corte catalana, Bernart de Ventadorn; Bertrand de Born. Peire Vidal: expansivo y de lengua vivaz, sirvió en la corte del rey húngaro, él y Girouat de Borneil estaban cerca de los gobernantes de Barcelona; En la misma corte sirvió durante muchos años Guiraut Riquier, cuyas melodías (48) son las que mejor se conservan; Folke de Marsella, de la familia de un rico comerciante genovés, y Goselm Fedi, que perdió su fortuna y se convirtió en malabarista. En el siglo XII Los trovadores disfrutaron del éxito en la corte castellana del norte de España. La mayoría de los trouvères eran originarios de Arras (al norte de Laura). Entre los Trouvères hay muchos habitantes sin título y caballeros andantes (Jean de Brienne) y participantes en las cruzadas (Guillaume de Ferrieres, Bouchard de Marly). Famosos fueron el canónigo de Béthune, hijo de un conde, autor de numerosas canciones sobre las Cruzadas; un malabarista pobre, pero un poeta educado y sutil, Colin Muset, así como Thibault, Conde de Champaña, Rey de Navarra (han sobrevivido 59 melodías).
En el arte de los trovadores y trouvères se forman géneros característicos: alba (canto del amanecer), servera (canto desde la perspectiva de un caballero), balada, rondó, canzona, canciones dialogadas, canciones de marcha de los cruzados, lamentos (sobre la muerte de Ricardo Corazón de León). Las letras de las canciones que expresan sentimientos "tiernos" son estróficas, la melodía se compone de una estrofa y se repite en una nueva. La forma era generalmente variada: a veces con repeticiones de secciones, estribillos, a veces sin ellos, las frases estaban claramente divididas y distinguidas por su bailabilidad. La conexión entre la melodía y el verso se manifestó en el ritmo, porque la melodía “encaja” en uno de los seis modos rítmicos (“patrones”): figuras rítmicas “artificiales”.
En los siglos XII y XIII, las obras de los trovadores llegaron a Alemania, se tradujeron textos del francés al alemán y sus propios poemas aparecían con melodías ya conocidas. Aquí a los poetas-cantantes se les llama minnesingers. Minnesang floreció en las cortes: imperial, ducal (Viena), landgrave (Turingia), real checa (Praga), donde se celebraban concursos de canto. Los mayores representantes del Minnesang de los siglos XII al XV: Dietmar von Aist, Walter von der Vogelweide, Nidgart von Rowenthal, Oswald von Wolkenstein. Oswald von Wohl, el dueño del castillo familiar, fue mozo de cuadra, peregrino, cocinero y caballero minnesinger. Enrique de Meissen fue apodado "Frauenlob" ("Elogiador de las mujeres"). Adam de la Halle es el último de los trouvères, un poeta educado y músico de renombre que difundió los principios creativos de los trovadores en Italia. Escribió rondos y baladas polifónicas y sentó las bases del género del teatro musical: fue el primero en crear una representación de comedia cortesana con música. Juego sobre Robin y Marion.(sobre el amor de un caballero por una pastora).
Músicos de la ciudad ( malabaristas, juglares, shpilmans). Del siglo IX Aparece información sobre músicos folclóricos, cuyas canciones y repertorio instrumental formarán la base de las letras musicales seculares de los siglos XII y XIII. Los malabaristas, juglares y shpilmans son músicos artesanales. La mayoría de ellos vagaban de ciudad en ciudad, actuaban en festivales. Algunos se establecieron y se convirtieron en trompetistas y bateristas, cantantes, mimos, actores e intérpretes de diversos instrumentos musicales (viele, una especie de violín, arpa, flauta, chal, una especie de oboe, órgano, etc.). A menudo encontraban empleo con los señores. Entre los aprendices viajeros se hizo famoso el cantante, poeta y dramaturgo Hans Sachs, quien viajó por las ciudades de Alemania y lideró el movimiento Meistersinger en Nuremberg.
La Iglesia católica no reconoció toda la música y desarrolló el "arte perfecto" (ars perfectum), aquellas formas musicales que correspondían al culto. Las resoluciones de los concilios de la iglesia y las declaraciones de los principales teólogos, preocupados por la educación piadosa de los creyentes, contenían prohibiciones sobre la entrada a la iglesia de mujeres que cantaban, bailaban y rituales folclóricos, cantantes y músicos errantes, llamándolos histriones. Al cultivar la moral del clero y de los feligreses, la iglesia se protegía de la vida de los laicos. La cultura musical se estratificó en dos capas: culta y secular, eclesiástica y secular. Sin embargo, de los siglos XII-XIII. La “gente errante” comienza a participar en actuaciones espirituales, en aquellos episodios del servicio donde se requería la actuación. papeles cómicos, o donde los servicios se llevaron a cabo en idiomas locales.
Música culta y profana en los siglos XIII y XIV.
Los rasgos de la secularización de la música religiosa comienzan a aparecer en los siglos XII y XIII. Las imágenes seculares penetran en temas espirituales y las formas de la liturgia se vuelven más espectaculares. El canto gregoriano sigue siendo un componente obligatorio del servicio religioso, pero las posibilidades de su presentación polifónica se revelan según la individualidad del autor. Se están creando escuelas polifónicas regionales. Aparece el término “musica composita”, cercano al futuro término “composición” (J. de Grogeo, principios del siglo XIV), es decir, por analogía con el utilizado por los musulmanes desde el siglo IX. el término "tarkib" (árabe - "composición") - "música compuesta". Existe una combinación de la técnica del arte eclesiástico con las características del arte secular.
Se están desarrollando nuevas formas de música sacra, en las que se manifiesta el principio lírico. En Italia, se difundieron las alabanzas himnarias (lauda) y se introdujo la prosa breve rimada, cercana a las letras seculares. Con el desarrollo de la herejía espiritual (la Orden Franciscana), aparecieron cánticos espirituales en el dialecto local. En Francia, el arzobispo P. Corbeil compuso la ahora popular “prosa del burro”, que alababa al burro y estaba destinada a la fiesta de la circuncisión. En España en el siglo XIII. En la corte del rey Alfonso X el Sabio de Castilla, poeta, músico, mecenas de las ciencias, floreció el lirismo espiritual: apareció una colección de himnos (cantigs) dedicados a la Virgen María (más de 400 canciones en dialecto gallego). Expresan una base de canción popular, tienen coros y son interpretados por un conjunto instrumental.
Motete. Gimel.
El surgimiento y desarrollo del estilo de canto agudo en la práctica de la iglesia estuvo influenciado por las tradiciones musicales populares, sus entonaciones y elementos del canto popular "discordante". En el siglo XII El espíritu de la cultura de la corte francesa de la época de Luis IX da origen a un nuevo género: el motete, que desarrolla una polifonía de varios niveles. El motete se convirtió en el género principal, la “miniatura gótica de la Edad Media”. Tendencia creciente a expresar imagenes realistas, su individualización se manifestó mejor en este género, que resultó ser adecuado para la creación de música sacra y profana. Además de la nueva melodía, en ella también empezaron a sonar nuevas palabras. Al coral cantado en latín se le añadía otra melodía (varias melodías) con texto en un idioma común, a menudo con contenido humorístico, lúdico o erótico. Las repeticiones (rítmicas, motívicas) y la forma del verso de la canción se volvieron características. Distinguido por su naturaleza miniatura, lúdica y lírica, el motete complementó los grandiosos “lienzos” polifónicos con una técnica más virtuosa y contribuyó al desarrollo de la creatividad individual. Los motetes se tocaron en festivales, torneos, entretenimiento y ceremonias. En el exterior de la iglesia se representaban acompañadas de algún instrumento, y datan de la segunda mitad del siglo XIII. Aparecieron motetes instrumentales.
El florecimiento de la polifonía en Francia condujo al surgimiento de una escritura polifónica madura, que no logró de inmediato esa combinación de varias voces independientes (tanto en ritmo como en melodía), que se conocerá en los siglos XVI al XVIII. (de J. Palestrina o J.S. Bach). Uno de los impulsos que acercó el estilo polifónico a sus alturas fue el estilo de canto que se extendió en Inglaterra (gimel, más tarde fabourdon). Manera canto folklórico Los británicos introdujeron en el canto de la iglesia combinaciones de voces que formaban intervalos verticales de terceras y sexts, considerados imperfectos en la teoría de la iglesia. Identificaron el “problema” de formar nuevos modos (no eclesiásticos), mayores y menores, en los que dominaría el tercer intervalo. La práctica medieval del canto polifónico parecía esforzarse, por un lado, por "alejarse" de la combinación de voces verticalmente y comenzó a desarrollar cada vez más su movimiento lineal (menos dependiente entre sí): el contrapunto. Pero, por otro lado, continuará la “búsqueda” de ajustes terciarios que satisfagan el oído (en combinación melódica vertical, y no progresiva, en armónica). Durante la Edad Media madura comenzará a cristalizar el sistema modal mayor-menor, que constituirá la especificidad del pensamiento musical europeo occidental en los tiempos modernos, basado en la técnica homofónico-armónica.
CARACTERÍSTICAS DEL RENACIMIENTO EN LA MÚSICA
"Arte nuevo" (ars nova).
La imagen de un músico profesional, formada durante la Edad Media en la iglesia, a finales de los siglos XIII y XIV. complementado con la imagen de un aristócrata ilustrado que compone música para la iglesia y la sociedad secular. Un profesional debía tener conocimiento de las leyes musicales, erudición desconocida para el melómano plebeyo. Se comprendió el significado independiente de la música, su capacidad de "construir" según sus propias leyes y ser una fuente de placer. La especificidad de la interacción entre el culto y el profesionalismo musical secular se manifestó en la delimitación del arte musical y poético en: “arte nuevo” (ars nova) y “arte antiguo” (ars antiqua). El teórico del ars nova fue el músico, poeta y filósofo francés Philippe de Vitry (1291-1361), autor del tratado Ars nova(hacia 1320). Esta obra definió un nuevo “vector” para el desarrollo de la música, diferente al de culto que se había establecido hasta ese momento. Esto se expresó no sólo en el reconocimiento de los intervalos de semitonos como “no falsos” y de las terceras como eufónicas (consonantes), sino también en nuevas divisiones metro-rítmicas. – bilobulados, complementando los trilobulados que dominaban la iglesia. Con la creación de motetes líricos en miniatura, rondós y baladas, la estructura figurativa de la música profesional cambió. En las obras de los compositores aparece la técnica isorrítmica (principio ostinato-variacional): aumento de la duración de los tonos de la voz fundamental inferior (ostinato melódico o repetición - “cantus prius firmus”) con las voces superiores formando una superestructura de luz móvil sobre eso. Coral repetitivo la melodía ya no juega un papel figurativo-melódico, sino que se convierte en un factor de la vertical armónica: coorganiza rítmicamente todas las voces.
Los motetes a tres voces del poeta y compositor Guillaume de Machaut (c. 1300-1377), que fue cantor de la catedral de Notre Dame y secretario del rey Juan de Luxemburgo de Bohemia, se hicieron muy famosos. La música ha dejado de ser una “ciencia divina”, se convierte en exponente del principio terrenal: “La música es una ciencia que busca que nos divirtamos, cantemos y bailemos” (Machaud). Los compositores que continuaron trabajando para la iglesia tomaron prestada la música del ars nova. estilo expresivo. En el siglo XIV En Italia aparecieron varios músicos brillantes que escribieron música basándose en su inspiración y compusieron sus propias melodías para masas polifónicas. Dominaron las misas y los motetes de la iglesia, pero también aparecieron géneros seculares: madrigal, caccia, balada. La trayectoria creativa de los trovadores continuó, pero con otra técnica profesional: la polifónica, con una gama más amplia de imágenes artísticas. Entre los músicos destacados de esa época se encuentra el virtuoso organista ciego Francesco Landini (1325-1347), autor de los famosos madrigales a dos y tres voces y lánguidas baladas líricas.
Escuela polifónica holandesa (franco-flamenca) de los siglos XV y XVI.
Desde principios del siglo XV. La parte norte empezó a desempeñar un papel activo en la cultura musical de Europa. Tras la inclusión de los Países Bajos en los dominios de los duques de Borgoña, la interacción de las tradiciones musicales francesa, borgoñona e inglesa se intensificó, dando lugar a una nueva escuela profesional de maestros de polifonía, que extendió su influencia a Italia, España y el resto del mundo. colonias del Nuevo Mundo. En los siglos XV-XVI. Los músicos holandeses trabajaron en casi todos los grandes centros urbanos de Europa. Su música expresaba claramente la espiritualidad asociada a las ideas sublimes de la fe católica. Basándose en los logros de la escuela romana de música sacra, pudieron fertilizar esta tradición con nuevos impulsos de la era del ars nova, dando a la música sacra un extraordinario poder de belleza y perfección artística. El dominio matemáticamente racional de la técnica polifónica se manifestó en el sonido de los coros polifónicos cantando sin acompañamiento (a capella). La nueva polifonía coral es el resultado de muchos fenómenos adoptados por los holandeses: el coral ortodoxo, los motetes polifónicos seculares, el canto "en tercios" de la canción popular inglesa, flamenca y la frotolla melódica italiana. Esta polifonía reveló un sonido unidimensional en el coro que sólo se puede lograr en el órgano. El equilibrio de 4 o 5 voces y la amplia gama de su sonido (debido a la participación de voces bajas que reemplazaron a los falsetes) crearon un flujo continuo de música, donde una voz se "superpone" a otra. Este fue el pináculo de la polifonía lineal coral.
En un servicio religioso, la misa se vuelve central y adquiere el estatus de género musical independiente. En la obra de Guillaume Dufay (1400-1474), la misa a cuatro voces pasó de ser números dispares a una obra de arte, cuando la agrupación de partes del servicio y su unidad entonacional formaron una integridad musical especial. Rindiendo homenaje a los motetes seculares, el compositor “teje” melodías populares en las voces de la misa, resaltándolas en relieve, a menudo apoyándose en la estructura de los acordes. El maestro de la técnica polifónica fue Jan Ockeghem (1428-1495), que tuvo muchos seguidores. Desarrolló técnicas de imitación (repetición) de melodías en diferentes voces (inversión, compresión, superposición, etc.). Alternando eficazmente entre el sonido completo del coro y sus grupos, logró una fluidez continua del tejido musical. La música no perdió su carácter religioso, pero el coral perdió su papel como fundamento de la polifonía, porque su melodía podía pasar de voz en voz y cantarse tanto desde abajo como desde arriba. A menudo, en lugar de un coral, la función de la melodía principal (cantus firmus) la desempeñaba una melodía compuesta por el autor o una canción famosa. En este caso, la masa recibió un nombre especial o no tenía ninguno (Okegem - Misa sin título, J.Depres – La-Sol-Fa-Re).
También fueron notables maestros de la polifonía flamenca Heinrich Isaac (c. 1450-1517) y Jacob Obrecht (c. 1430-1505). Pero papel especial en la combinación orgánica de principios melódicos eclesiásticos y folclóricos-seculares en la polifonía coral, lo logró Josquin Despres. Escribió misas espirituales, madrigales seculares y chansons. Su música fue reconocida por sus contemporáneos como el ideal del "arte perfecto" de la iglesia, ya que no complicó la técnica polifónica, sino que creó un estricto "estilo ilustrado" de escritura polifónica. Este hecho fue de gran importancia para el desarrollo de la música religiosa, porque El significado independiente de la música no fue bien recibido por los ministros de la iglesia, quienes le asignaron la función de "excitar las mentes con el canto, para que ellos, emocionados, comprendieran mejor el significado de estos cánticos" (Melanchton).
La técnica polifónica en el estilo “estricto” de escritura contrapuntística alcanza su punto máximo en las obras de O. Lasso y G. Palestrina. Lasso combinó la técnica del dominio polifónico de la iglesia con la imaginería secular, especial teatralidad y emotividad, carnavalesco e ingenio (composición Eco para dos coros). Combinó principios de sonido polifónicos y armónicos, introdujo cromatismos expresivos, adornos melódicos y recitaciones dramáticas (similares a las operísticas) en obras seculares y sagradas. Palestrina, que trabajó en las capillas más grandes de Roma y participó en las reformas del Concilio de Trento, fue reconocida como la "salvadora de la música religiosa" en la era de la "ofensiva" del profesionalismo secular. Autor de numerosas misas, motetes, magnificats, himnos, madrigales (profanos y sagrados), se convirtió en un ejemplo del estilo de escritura estrictamente contrapuntística, cuando la continuidad y constante alternancia de diferentes voces en el coro y la transferencia de la iniciativa melódica de voz a voz fueron artísticamente significativos. Un "tejido" tan hábil de voces no oscureció las palabras y fue efectivamente enfatizado por el comienzo de una nueva línea melódica o un cambio de registros. Artísticamente fueron significativas las obras musicales de otros maestros del Renacimiento: el italiano G. Allegri, el inglés T. Tallis y otros.
Música instrumental del Renacimiento.
En los siglos XV-XVI. La música instrumental comienza a surgir como una tradición independiente y rápidamente se extiende en la vida cotidiana, los salones, las cortes y las iglesias. El laúd es cada vez más popular en la vida cotidiana. Junto con las obras espirituales, las primeras colecciones de música impresa ofrecían piezas instrumentales para laúd (O. Perucci compiló tres tablaturas para laúd en 1507-1509). Sin embargo, el material del repertorio instrumental era principalmente de origen vocal: se trata de arreglos de motetes, canciones, melodías populares y corales. Al tocar el órgano, el laúd y los primeros claves, se forman los principios de ejecución variante de un tema-melodía (por ejemplo, obras para órgano y clave del compositor español F. Antonio Cabezón (1510-1566)). Pero la iglesia, permitiendo sonidos instrumentales, ordenó: “Que los obispos refrenen el toque del órgano, para que se oigan las palabras que se cantan, y para que las almas de los que escuchan se vuelvan a la alabanza de Dios con sagradas palabras”. palabras, y no con melodías curiosas e interesantes” (Resolución del Concilio de Toledo, 1566).
Madrigal.
Apareció en el siglo XIV. El género madrigal expresó más claramente el nuevo vector secular de desarrollo de la cultura musical. Residencia en Canciones folk ny orígenes, la música unida con la obra de los poetas del Renacimiento. Los madrigales son poemas, principalmente de contenido amoroso, destinados a cantar en la lengua nativa, escritos por F. Petrarca, G. Boccaccio, P. Bembo, T. Tasso, L. Ariosto y otros. El deseo de sensualidad distinguió este género. Se hizo popular no solo en Italia, sino también en Francia, Alemania e Inglaterra. Consolidó nuevos principios homofónico-armónicos del lenguaje musical, ya que se desarrollaron intensamente nuevas posibilidades dramáticas de la melodía, su capacidad de “expresar” lágrimas humanas, quejas, suspiros o el soplo del viento, el fluir del agua, el canto de los pájaros. Al encontrar una continuidad histórica con las letras de trovadores y trouvères, el madrigal se desarrolló hasta principios del siglo XVII. y aprendió los principios de la polifonía desarrollados en géneros seculares: motete, kachce, frotolla. En el siglo 16 Las voces individuales en el madrigal comenzaron a ser reemplazadas por instrumentos, lo que contribuyó al nacimiento de una estructura musical homofónico-armónica: la primacía de la melodía con acompañamiento instrumental. Al mismo tiempo, apareció una obra de teatro con música: una comedia madrigal (O. Vecchi, G. Torelli, etc.), cercana a la commedia dell'arte, donde aparecían características musicales típicas, como en las primeras óperas, de los personajes. : alegría, ira, pena, celos, engaño, etc. Un reconocido maestro del madrigal fue el italiano Carlo Gesualdo di Venosa (c. 1560-1615), quien alcanzó una especial expresión melódica, dejándose llevar por nuevas entonaciones basadas no en la diatónica. , pero en intervalos cromáticos. También existía un género de chanson, cercano al madrigal, que estaba muy extendido en Francia. Escenas de la vida de la ciudad, bocetos de la naturaleza ( canto de los pájaros, Gritos de París, Mujeres charlando mientras lavan la ropa.) se presentan en las famosas canciones de Clément Janequin (c. 1475 - c. 1560), líder de las capillas de Burdeos, Angers, París y cantante de la Capilla Real. Visitó Italia en su juventud, acompañando a su señor durante las "Guerras Italianas" (1505-1515), que contribuyeron a la difusión de las tradiciones aristocráticas seculares de Italia a Francia y al surgimiento de su propia cultura musical de la corte aquí. El género madrigal penetró hasta Inglaterra, donde destacó la obra de John Dowland.
Camerata florentina. Drama por musica
(“drama a través de la música”)
Las ideas del Renacimiento se apoderaron de las mentes de los músicos más tarde que en otras áreas del arte. El mundo musical se "dividió" en ideas sobre cómo debería incorporarse el principio griego antiguo en la música del siglo XVI. Muchos científicos admiraron la polifonía holandesa de J. Depres y se opusieron a las innovaciones de otros músicos. En los círculos cortesanos de Italia en la segunda mitad del siglo XV. Surgieron asociaciones independientes de científicos, poetas y músicos (academias), donde se proclamaron nuevos ideales que rechazaban el arte de la iglesia y se centraban en la antigüedad. El compositor, laudista y matemático Vincenzo Galilei (1520-1591) inspiró a los artistas y científicos que formaron la Camerata florentina, una comunidad aristocrática de personas con ideas afines, entre ellos poetas, músicos y artistas. En curso Diálogo sobre música antigua y moderna.(1581) se opuso a la polifonía, en favor de un estilo de escritura homofónico, proclamando que en el “arte perfecto” de la iglesia no había nada de los clásicos antiguos y llamando a los Países Bajos “bárbaros medievales”. Para los miembros de la Camerata las experiencias humanas eran centrales, las cuales valoraban como “novedad creativa” (inventio). Una colección de madrigales y arias que estaban en una sola voz, Giulio Caccini (1550-1618) llamó Música nueva(1601). El compositor se hizo famoso como el inventor del estilo monofónico "expresivo" y del canto recitativo, que tenía connotaciones emocionales. La separación final entre los tipos de música eclesiástica (polifónica) y secular (homofónica) fue proclamada por él en forma de un nuevo credo creativo del músico: componer música "a su propia discreción" y permitir "excepciones a todas las reglas". ”que fueron establecidos por los cánones de la iglesia.
El florecimiento de la cultura cortesana se expresó en géneros musicales y teatrales. Habiendo propuesto la idea de revivir la tragedia griega antigua, la aristocracia no se basó en los dramas de Sófocles o Eurípides, gravitó hacia imágenes divertidas, hacia una interpretación hedonista de tramas mitológicas. Los florentinos lograron crear lo que sería del siglo XVIII. caracterizar la ópera. En sus primeras producciones teatrales - "dramas a través de la música" ( Dafne, Eurídice J. Peri), comenzó a dominar la melodía (aria), se realizó la síntesis de la música con la letra en el estilo de canto recitativo-declamatorio. El mundo pastoral, ajeno a la tragedia y los conflictos espirituales, expresado en los dramas musicales de los florentinos, se complementó con el genio creativo de Claudio Monteverdi. Propuso la idea de un "nuevo método" en el arte de un "estilo apasionado y militante". Su trabajo no estaba de moda, pero en madrigales y arias supo encarnar vívidamente tanto imágenes de la naturaleza como los estados mentales de los héroes, especialmente en producciones que llamó "cuentos musicales": Orfeo ( Orfeo), Séneca y Octavia ( Coronación de Popea), la queja de Ariadna ( Ariana). La ópera tiene su origen en la obra de Monteverdi, logrando por primera vez una síntesis de música, palabra y acción escénica en formas operísticas características: arias, recitativos, dúos, coros, ritornellos instrumentales. La ópera es la grandiosa culminación musical del Renacimiento italiano.
Música de la época barroca (siglo XVII-principios del XVIII)
Principios del siglo XVII - la época en que los rasgos del estilo barroco se revelaron en las artes. En las formas seculares, la música se acerca a la literatura y pierde el contacto con las matemáticas. El arte de la música ya no se considera en el sistema del quadrium, sino que se acerca a la retórica y, junto con la gramática y la lógica, se incluye en el trivium. El desarrollo de géneros instrumentales separa la música de la poesía y la danza. Se publica un tratado en tres volúmenes del organista y compositor alemán Michael Praetorius (1571-1621) Sintagma musical(1615-1619), que examina las formas de la música sacra y profana, los instrumentos musicales (granografía) y los términos musicales que definen la esencia de los géneros vocales propios de su época (motete, madrigal) e instrumentales (concierto, preludio, fantasía, fuga). , toccata, sonata, sinfonía), danzas populares (alemande, chime, galliard, volta), etc.
Particularidades del lenguaje musical del siglo XVII. se manifiesta en confusión diferentes técnicas, estilos, imágenes, en la combinación de “viejo” y “nuevo”. Predominó la técnica polifónica, pero las técnicas recitativo-declamatorias y de fantasía textural la están desplazando. Combinando el servicio religioso con el servicio a los señores, los músicos se basaron en varios estilos, comparándolos en una sola composición: un aria de canción con un canto gregoriano, un madrigal con un motete espiritual y un concierto. La capacidad de divertir, deleitar a una persona y al mismo tiempo glorificar a Dios, elevándose por encima de la vida cotidiana, es tarea de un músico de esta época. Lo que hay que evaluar es la habilidad del autor, la destreza profesional de una “cosa” musical (composición), que no desaparece en una ejecución momentánea (improvisación), sino que se conserva por escrito en manuscritos y publicaciones musicales (impresión musical, desde el finales del siglo XV). De finales del siglo XVI. en Italia aparece el término “compositor”.
Características del barroco en Italia.
En Italia se están formando y ganando fuerza nuevos géneros musicales seculares. La ópera, que tuvo su origen en los salones aristocráticos, se está democratizando y difundiendo en varias ciudades de Italia y más allá. En el siglo 17 Se desarrolló un tipo de ópera seria, basada en temas mitológicos e histórico-heroicos. Ganaron fama las escuelas de ópera veneciana (M.A. Chesti, F. Cavalli) y napolitana (A. Scarlatti). Junto con la música vocal y teatral, están surgiendo nuevos géneros: concierto conjunto-instrumental, solo - sonata, ciclo vocal-instrumental a gran escala - oratorio, piezas pequeñas para órgano y clave - fantasías, toccatas, preludios; Nacen nuevas formas polifónicas (en la técnica del contrapunto libre): Ricercar, fuga; Se da preferencia a los ritmos y melodías cotidianos: bailes en suites, canciones en arias, canzones, serenatas. El barroco se manifiesta en la pasión por los contrastes (dinámicos, texturizados, instrumentales) y el patetismo figurativo, la expresión, el heroísmo y el patetismo, una comparación de lo payaso y lo sublime. El principio básico del pensamiento musical comienza a cambiar: de polifónico a homofónico-armónico, cuando lo principal se convierte en la gravedad de los acordes inestables a los estables. Hay una transición del sistema de modo medieval (modal) al nuevo (mayor-menor). A principios de los siglos XVI y XVII. El sonido modal era diferente al moderno, la selección de ciertos intervalos, escalas, acordes apenas estaba en marcha, pero comenzó a reconocerse la expresividad artística no solo de la consonancia, sino también de la disonancia (tercios, segundos).
Los rasgos del barroco se presentan más claramente en las obras de compositores y organistas italianos. La escuela polifónica de Venecia propuso a Andrea y Giovanni Gabrieli, quienes compararon sonidos vocales e instrumentales e introdujeron la textura de los acordes. G. Gabrieli (1557-1612/13) comenzó a utilizar instrucciones dinámicas, a introducir repeticiones temáticas y rítmicas y a crear obras instrumentales cercanas al nuevo género secular emergente del concierto.
Características del barroco en el norte de Europa.
La música del norte de Europa presentaba los mismos rasgos estilísticos, pero algo diferentes. Las tradiciones musicales seculares, que se desarrollaron rápidamente en Italia a principios del siglo XVII, aquí se desarrollaron más lentamente y, debido al movimiento protestante, permanecieron limitadas por el marco de la iglesia durante mucho tiempo. La escuela polifónica holandesa cayó en el olvido, pero sus principios se utilizaron en suelo austroalemán, en la música de la iglesia protestante. Las obras espirituales se llenaron del estilo operístico proveniente de Italia y de la lógica del desarrollo tonal y armónico. Es indicativo el trabajo de Heinrich Schütz (1585-1672), quien prefirió el concierto espiritual y el oratorio a las misas en la iglesia, los motetes y los Magnificats ( Sagrado sinfonías, Pasiones según Mateo y etc.). Como músico de la corte y ministro de la iglesia en las cortes de los electores y landsgraves alemanes, contribuyó a la formación de la liturgia protestante. Partiendo de la combinación del teatro y madrigal de los italianos con el contrapunto de los holandeses, su glorificación de Dios en la música estuvo llena de vitalidad sin perder la sublime castidad. Así, la música religiosa del norte de Europa quedó saturada de rasgos seculares. La continuidad entre Schutz y los maestros de la creatividad coral del siglo XVIII es obvia. – J. S. Bach y G. F. Handel, para quienes el género del oratorio y la cantata se convirtieron en centrales. Como contemporáneos, estos compositores desarrollaron la imaginería musical de la cultura protestante. Y aunque sus biografías creativas transcurrieron en la primera mitad del siglo XVIII, el estilo de sus escritos estaba asociado a una época pasada, definida por los rasgos del barroco. No es casualidad que los contemporáneos valoraran más las obras no del gran Bach, sino de sus hijos. Philip Emmanuel Bach tuvo un gran éxito: un excelente intérprete de platillos compuso sonatas de moda para las que apareció la nueva; estilo de música clasicismo. La escala de creatividad y habilidad de J. S. Bach no se apreció hasta el siglo XIX, cuando F. Mendelssohn-Bartholdy organizó una actuación pública. Pasión según San Mateo(Berlín, 1829). La maestría de Bach sorprendió a todos: “¡No debería llamarlo “Stream” [en alemán “der Bach” es el apellido del compositor], sino “Sea”! Así es como L. Beethoven evaluó en sentido figurado la grandeza de la música de Bach.
La obra de J. S. Bach es el pináculo de la escritura polifónica libre, cuya base era una fuga (literalmente “correr”), cuando las voces entraban alternativamente con el mismo tema breve pero expresivo, repitiéndolo (imitación) en diferentes registros y en diferentes tonos. Las voces (dos, tres o cuatro) se desarrollaron simultáneamente, demostrando su equivalencia. Bach alcanzó alturas combinando la "construcción" racional de la música según las leyes del contrapunto y la expresividad artística de las imágenes, el desarrollo armónico y tonal y los descubrimientos tímbricos. La estructura figurativa de sus obras - coral (cantatas, oratorios, misas, magnificata, que ocupan la mayor parte de su patrimonio creativo) e instrumental (toccatas, fugas, preludios, arreglos para órgano de corales, invenciones, fantasías, etc.) es muy alta. dramático, lleno de patetismo oratorio. Los esfuerzos creativos del compositor tenían como objetivo reformar el tipo de culto cristiano en la iglesia protestante. Era luterano y el coral protestante se convirtió en la base de su obra. Destacado organista virtuoso, en el último período de su vida ocupó el humillante puesto de cantor en la iglesia de Tomás de Leipzig, dirigiendo el coro de niños. Finalmente consiguió el deseado puesto de "compositor de la capilla de la corte real", que le asignó el elector Augusto III. Al crear principalmente música para la iglesia, Bach escribió muchas obras seculares y, en diferentes años, desempeñó las funciones de compositor de la corte para los duques de Weimar y Ketten. Creó obras maestras de una suite para teclado basada en danzas antiguas (suites inglesas y francesas), un concierto orquestal grosso (6 Conciertos en Brandeburgo) música instrumental solista y de conjunto: sonatas, conciertos, variaciones, piezas polifónicas (para órgano, violonchelo, violín, viola, flauta, etc.).
El lenguaje musical del compositor alemán George Frideric Handel combinó las características del barroco con el clasicismo temprano. Fascinado por escribir ópera seria italiana, se unió a Inglaterra. Pero el público inglés no reconoció sus óperas. Luego, el compositor pudo “aplicar” la teatralidad operística y el entretenimiento en los oratorios ( Mesías, Judas Macabeo, Sansón). Escribió estas obras espirituales no para la iglesia, sino para la sala de conciertos (se representaron en la ópera). Así, la música con historias y héroes bíblicos adquirió un estatus secular, coloreando las imágenes de la iglesia con experiencias individuales dramáticas y heroicas y una interpretación audaz de la intención espiritual.
Clasicismo en la música de los siglos XVII y XVIII.
En los siglos XVII-XVIII. El centro del profesionalismo musical se trasladó de la iglesia a los palacios de reyes y nobles, ya mediados del siglo XVIII. – a instituciones públicas de la ciudad: teatros de ópera (el primero - en Venecia en 1637), Salas de conciertos(el primero, en Londres en 1690) y espacios al aire libre, salones aristocráticos, sociedades musicales, instituciones educativas (academias, conservatorios, escuelas). La cultura de Europa occidental participa en un "diálogo" activo con la cultura de la Antigua Grecia, que comenzó en la era del Renacimiento italiano. Surgen ideas filosóficas y artísticas, impulsadas por un retorno a los ideales estéticos de la antigüedad, pero con énfasis en la capacidad de la mente humana para crear armonía y belleza. Se está formando una nueva estética musical en referencia a la antigüedad, que es considerada el modelo de todas las artes. Su esencia es la identificación de la belleza no en Dios, sino en la naturaleza, en el hombre, y la autoría y la artesanía artística ahora están sujetas a evaluación. Se está formando el lenguaje musical de la época: el clasicismo, que se hace eco del lenguaje de la literatura y la arquitectura. Un lugar especial en la historia de la música lo ocuparon los “clásicos vieneses” (J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven), que surgieron como un movimiento musical independiente.
Las ideas de la Ilustración dieron lugar a nuevas ideas sobre las propiedades de la música: su capacidad para imitar los sonidos de la naturaleza y la naturaleza del habla humana y el temperamento de las personas. Se destaca la capacidad de la música para expresar las características sonoras de diferentes pueblos y la individualidad creativa: “los estilos de los músicos varían tanto como los estilos de los diferentes poetas”. Esto llevó al hecho de que no sólo un conocedor de música, un artesano, sino un "genio musical" sería capaz de "buscar sus propios caminos" en el arte (H. Schubart, tratado Ideas para la estética del arte musical., 1784). A diferencia del habla y la poesía, la música se considera una forma de arte independiente: "el arte de los sonidos" (M. Chabanon Sobre la música en el sentido propio de la palabra y en relación con su relación con el habla, los lenguajes, la poesía y el teatro., 1785); se comprenden sus leyes y su propósito. Los músicos se enfrentan a la tarea de acercarse a la gente: para "restaurar las maravillas de los antiguos", deben "despertar pasiones en el alma", evocar ciertos "afectos" en los oyentes y experimentarlos ellos mismos (A. Kircher. Tratado Musurgia universalis, 1650). Bajo la influencia de la retórica, surge una teoría de los afectos musicales: la consideración de ciertas "figuras" que, "como en el habla genuina, deberían dividirse según su propósito y aplicación" (I.N. Forkel historia general música, 1788). Se clasificaron los estados mentales (nobleza, amor, celos, desesperación, sufrimiento, etc.), y aquellos elementos de la música (tempo, timbre, modo, cualidades de los intervalos, etc.) que eran capaces de expresar tal o cual afecto (mental cambiante). estados) fueron considerados. Esto se aplicaba tanto a la creación como a la interpretación de música, ya que era perfecta cuando “un afecto reemplaza a otro, las pasiones estallan y amainan en una secuencia continua” (C. P. E. Bach Experimenta el verdadero arte de tocar el teclado, 1753-1762). Componer música (escribir tablaturas y notas) se diferenciaba de interpretarla del mismo modo que se diferenciaba el habla escrita y oral (declamación). La teoría musical surge, separada de la práctica musical. La creencia en el poder de la mente, la comprensión de las leyes de la naturaleza, conduce a una explicación racional de las leyes de la música basada en una nueva comprensión de la armonía como base del pensamiento modo-tonal: “La música es una ciencia que debe tener ciertas reglas ” (tratados de J.F. Rameau Nuevo sistema de teoría musical., 1726; Prueba del principio de armonía., 1750, etc.).
El clasicismo rechaza el estilo polifónico y la cultura coral asociada a él (“clásicos antiguos”). florece creatividad instrumental y nacen estilos: violín solista, clave, órgano, conjunto, orquestal, de concierto, etc. Triunfan las formas seculares asociadas a la ópera y la estructura homofónico-armónica de la música instrumental. El sistema desapasionado de modos de la iglesia, basado en el ethos (un carácter estático generalizado) y desprovisto de afectos, fue descartado y reemplazado por uno nuevo: mayor-menor. Y la transferencia de la melodía a la voz superior significó su dominio. La expresividad figurativa y temática de los temas instrumentales comenzó a lograrse como resultado de combinar la entonación melódica con palabras, imágenes visuales y la caracterización de los personajes de ópera, madrigal, arias, piezas para clavecín y laúd. La melodía empezó a determinar el pensamiento homofónico-armónico, pero no por sí sola. El profesionalismo musical dominó la experiencia de la polifonía de la iglesia y desarrolló una sensación de "espacio sonoro ampliado", en complejos complejos armónicos (acordes verticales) y varias capas de textura. La melodía (tema) comenzó a depender de este tipo de armonía como base.
La estructura homofónico-armónica se formó no antes de mediados del siglo XVII. En el proceso de transición del antiguo estilo de música al nuevo, la práctica de interpretar una obra musical basada en el bajo general fue de gran importancia, cuando la obra no se creó de antemano (la composición no se grabó), sino que se improvisó, centrándose en una voz de bajo grabada, a la que se firmaron los números. Las voces restantes se tocaron “tal como estaban” según estas instrucciones. Esta práctica, común al tocar el órgano y el clave, contribuyó a la formación de un nuevo pensamiento armónico (acordes). Las conocidas técnicas polifónicas (subvoces, repeticiones, imitaciones de temas) ahora se basaban no en la voz coral, sino en el “núcleo sonoro” “comprimido” en un momento dado, en la armonía de acordes. Por tanto, la estructura homofónico-armónica no es tanto un triunfo de la monofonía, sino más bien una combinación de tonos de varios niveles subordinados a una voz y que revelan las armonías escondidas en ella. La armonía misma comenzó a entenderse como un sistema de nuevo pensamiento modal, basado en las sensaciones psicológicas de tonos y acordes “estables” (tensos) e “inestables” (calmante). El cambio de tonalidades en una obra sirvió como fuente de desarrollo musical y aseguró el juego de afectos, transiciones de un "estado mental" a otro. El contraste y el "aviso" del sonido, logrado mediante el cambio de entonaciones melódicas, ritmos, tempos y texturas, se complementaron con el contraste de modos, transfiriendo todo el sonido a una nueva esfera tonal. No es casualidad que la creación de un sistema musical templado, "alineado" por semitonos, se convirtiera en un logro natural del siglo XVIII. Las escalas mayor y menor formadas a partir de cada uno de los 12 semitonos resultaron ser equivalentes y permitieron transferir la melodía de una tonalidad a otra sin distorsión. El temperamento formó la base del sistema de sonido de Europa occidental como una de las variedades de sistemas (escalas) de sonido (intervalos). El ciclo de 24 preludios y fugas creado por J.S Bach. Clave bien temperado(parte 1 – 1722, parte 2 – 1744) – una brillante encarnación artística del concepto musical general de la Nueva Era.
Ópera italiana en Europa.
La fuente de la tradición musical secular en los siglos XVII y XVIII. Italia permaneció. La ópera italiana se extendió por toda Europa (incluso hasta Rusia). Los músicos italianos fueron invitados a las cortes de los monarcas españoles, franceses y austriacos y llevados como sirvientes a las casas de los nobles aristócratas. Por ejemplo, el famoso virtuoso clavecinista, que compitió en Roma con Handel, Domenico Scarlatti, autor de las primeras sonatas para teclado, sirvió en la corte de Lisboa como profesor de la reina María Bárbara de Portugal, el compositor y violonchelista Luigi Boccherini (1743). –1805) sirvió en Madrid, y el compositor Antonio Salieri (1750–1825) sirvió como director de la compañía de ópera de Viena y músico de la corte. Las ricas cortes europeas buscaron crear su propio entretenimiento musical. A mediados del siglo XVII. Músicos alemanes dominan producciones de ópera en Hamburgo (G.F. Telemann, R. Kaiser). La ópera bufa, que apareció en Italia, se basa en historias cotidianas, populares y cómicas ( ama de llaves GBPergolesi, 1733, Cecchina N. Piccini, 1760), se extiende en sus variedades a Francia (ópera cómica), a Inglaterra (ópera balada), a Viena (singspiel).
Reforma de la ópera seria encaminada a mejorar las experiencias dramáticas medios musicales, realizada por el compositor alemán Christoph Willibald Gluck. Expresó sus puntos de vista en los prefacios de las óperas representadas en Viena ( Orfeo y Eurídice, 1762, alceste, 1767): “la música debe potenciar la expresión de los sentimientos y dar gran interés a las situaciones escénicas”. Las ideas revolucionarias de Gluck, encaminadas a "violar las leyes" de la ópera decorativa y musical italiana y francesa, tuvieron una influencia positiva en el desarrollo posterior del género, aunque provocaron una feroz lucha entre "gluckistas y piccinistas".
Después de Italia, Francia está creando su propio estilo operístico. Los rasgos del clasicismo temprano se expresaron mejor en la obra del músico de la corte francesa Jean Baptiste Lully. Poseyendo habilidades artísticas y musicales, Lully atrajo la atención de Luis XIV, comenzó a dirigir las orquestas de la corte y recibió los títulos de "compositor de música instrumental de la corte" y "maestro de música de la familia real". El músico compuso ballets y divertimentos para las fiestas de la corte, arias para las obras de J.B. Molière y él mismo bailó y actuó en producciones. Como director de la Real Academia de Música, recibió el derecho de monopolio para montar óperas en Francia. Creó una tragedia lírica musical y la transfirió a la ópera. características compositivas tragedias de P. Corneille y J. Racine. El amor por las tramas mitológicas y los personajes heroicos con sentimientos sublimes reveló claramente en ella rasgos clasicistas: pastoral e idílico en contraste con el patetismo y el heroísmo; en la dramaturgia se compararon partes contrastantes y prevaleció el principio de “simetría musical”: introducción (obertura) y conclusión; Prevalecieron las entonaciones expresivamente elevadas de las partes vocales y varios coros (desde folclóricos hasta decorativos y pintorescos); Incluía muchos números instrumentales interpretados por la orquesta. Fue un triunfo del entretenimiento social y del estilo homofónico-armónico. En 1750, estalló en Francia la “Guerra de los Buffon”, dirigida por J.-J., contra las óperas aristocráticas cortesanas de Lully y su seguidor más cercano, Rameau. Rousseau y D. Diderot eran partidarios de la ópera bufa cómica italiana, cuyos rasgos democráticos fueron bien recibidos en vísperas de la revolución.
Música instrumental de la primera mitad del siglo XVIII.
Los representantes más brillantes del clasicismo francés fueron François Couperin y Jean Philippe Rameau. Las obras para teclado de Couperin, Rameau, L.-C Daquin sirven como ejemplo de un estilo galante, afín al rococó en la pintura, ya que se basan en obras de teatro en miniatura de carácter retratista, visual y danzario (. Segadores, chismes cuperina, Pandereta ramo, Cuco Daken), caracterizado por una gran cantidad de adornos y decoraciones melódicos (melismas). El repertorio amado por los círculos aristocráticos (piezas para laúd del laudista francés Denis Gautier y del laudista inglés Dowland, sonatas para clave de Scarlatti, F.E. Bach, numerosas óperas y ballets basados en el divertimento India galante Rameau y otros) cultivaron imágenes sensuales, tiernas, elegantes y alegremente eróticas. Para obtener placer musical, se requería una forma especial de interpretación: la sofisticación y la gracia se lograban mediante pausas expresivas, el juego de adornos con "aspiración" (aspiración francesa), "colgar" (suspensión), todo lo que acerca la música a la respiración, aumenta su expresividad declamatoria (tratado de Couperin El arte de tocar el clavicémbalo, 1716).
Se generalizó la forma de suite, que llegó a Europa en el siglo XVI. del Oriente musulmán (su análogo es nuba entre los árabes y persas del siglo IX). La suite se basó en la alternancia en una tonalidad (modo) de piezas de danza, variadas en tempo, ritmo y carácter. Desde entonces, se hizo popular el laúd tomado de los árabes, en el que el repertorio subyacente a la suite se interpretaba con parejas de danzas contrastantes. En las suites para clavecín y su variedad virginal, las danzas se convierten en piezas característicamente imaginativas (W. Bird, G. Purcell, L. Marchand, etc.). Bajo la influencia de la ópera, la expresividad melódica de la música instrumental se intensifica y aumenta el papel de las variaciones instrumentales, una forma en la que domina un tema melódicamente expresivo, transformado en repetidas apariciones. En la segunda mitad del siglo XVIII. En el desarrollo de un tema será importante su cambio tonal. La comparación de temas contrastantes y sus movimientos tonales es el principio rector en la creación de sonatas, sinfonías y conciertos clásicos. Por tanto, es de particular importancia el “anuncio” de la tonalidad principal (original) en la que está escrita la sonata o sinfonía.
La era del órgano y el laúd pasa a un segundo plano, dejando una huella notable en la formación de una nueva cultura instrumental. Pero creatividad de órganos recibe un nuevo desarrollo poderoso (J. Sweelink - en Amsterdam, I. J. Froberg - en Viena, A. Reincken - en Hamburgo, G. Böhm - en Luneburg, I. Pachelbel en Erfurt, D. Buxtehude - en Lübeck). La polifonía “académica” se acerca a los feligreses, complementada con melodías populares, basadas en canciones y bailes alemanes, franceses, ingleses y polacos, se crea un repertorio doméstico para tocar música en el órgano en casa. El principal interés de los músicos se centra en la música sinfónica y para teclados. Se dieron cuenta mejor de los principios homofónico-armónicos del lenguaje musical en combinación con sonidos de registro espacial a gran escala y transiciones tonal-modales. El laúd fue rechazado por los europeos. El instrumento no satisfizo las nuevas exigencias estéticas: pudo permanecer durante mucho tiempo en una sola tonalidad. El rango del laúd también era insuficiente: las armonías de acordes complejas eran difíciles de sonar y era imposible una amplia disposición de las voces. Los clavijeros sustituyeron al laúd, pero ellos mismos requerían mejoras técnicas. Un paso significativo fue la invención a principios del siglo XVIII. piano de martillo (piano de cola y piano vertical), al tocar las teclas no solo se hicieron posibles comparaciones efectivas de sonidos fuertes (forte) y tranquilos (piano), sino también subidas y bajadas dinámicas. Maestros de Italia, Alemania y Francia mejoraron este instrumento a lo largo del siglo XVIII. y el comienzo del siguiente. El piano, convertido en un símbolo de la cultura europea moderna, reemplazó tanto al laúd como a otros claves. En la segunda mitad del siglo XVIII. Las primeras escuelas de pianistas aparecieron en Viena y Londres (W. Mozart, L. Beethoven, J. Hummel, K. Czerny, M. Clementi, J. Field).
Música de los clásicos vieneses (segunda mitad del siglo XVIII)
Música para orquestas sonaba en iglesias, castillos y palacios familiares, teatros de ópera, jardines y parques, “sobre el agua”, mascaradas, procesiones ( Música para fuegos artificiales Handel fue interpretada por 56 músicos en el Green Park de Londres en 1749). Los instrumentos variaban y, a menudo, los compositores no los configuraban exactamente. El florecimiento de las cuerdas frotadas preparó el nacimiento de la orquesta sinfónica (“24 violines del rey” en la corte de Luis XIV en París, “Capilla Real de Carlos II” en Londres, etc.). La orquesta sólo podía incluir un instrumento de viento ( gran serenata Si mayor de Mozart para vientos y contrabajo o tocado con un contrafagot durante los paseos). En las orquestas de ópera y de iglesia predominaban las cuerdas frotadas para “cantar”; y instrumentos de viento (flautas, oboes, fagot) o cobre (trompeta, trompeta), así como percusión (timbal – tomado de los turcos otomanos). Con la mejora de los diseños de trompa, clarinete, fagot, trombón. Beethoven finalmente formó la composición de la gran orquesta sinfónica clásica.
Los rasgos del clasicismo tardío se expresaron mejor en las obras de los clásicos vieneses. En tierras austro-prusianas se produjo una transición de la estética de la imitación a la estética de la música pura. En Baviera destacó la Orquesta Capilla de Mannheim (dirigida por J. Stamitz). La forma de tocar de los músicos de la escuela de Mannheim tenía rasgos de sentimentalismo: aumentos y disminuciones expresivos de la sonoridad, decoraciones ornamentales, "suspiros". Las sinfonías que interpretaron, aunque tenían algo en común con la obertura inicial, la “sinfonía” de las óperas italianas, se convirtieron en obras independientes, que constan de 4 partes diferentes: rápida (Allegro) – lenta (Andante) – danza (minueto) – rápida (final). Las mismas partes formaron la base del ciclo sinfónico de Haydn y sus seguidores. En el siglo 18 Viena se convirtió en el centro musical más grande de Europa. La obra de los compositores vieneses (Haydn, Mozart, Beethoven) se distingue por el racionalismo en la construcción de la forma, temas lapidarios y expresivos, proporcionalidad de los elementos de la estructura musical, combinados con una generosa riqueza melódica, inventiva y patetismo dramático. Sinfonías, sonatas, tríos, cuartetos, quintetos y conciertos de clásicos vieneses son ejemplos de música pura, no asociada a la palabra, al teatro ni a programas figurativos. Los principios del clasicismo se expresan por medios puramente musicales, obedeciendo las leyes del género y revelando la lógica del plan y la plenitud de la forma. El estilo de los clásicos vieneses. claridad inherente a la construcción de toda la obra y de cada una de sus partes, expresividad y plenitud de cada tema, imaginería de cada motivo, riqueza de la paleta instrumental. Como la arquitectura de la época del clasicismo, la proporcionalidad y la simetría musicales se revelan en repeticiones exactas o variadas del tema, en cesuras claramente definidas, en cadencias - paradas similares a arcos profundos en las danzas, en una serie de contrastes, comparación de temas y motivos, en distancias (modificaciones) de entonaciones familiares y retorno a ellas, etc. Estos principios son estrictamente necesarios para la primera y última parte de sonatas y sinfonías. , construido según las reglas de la sonata allegro, así como para otras formas amadas por los clasicistas: variaciones, rondos, minuetos, scherzos, adagios.
El compositor austriaco Joseph Haydn es reconocido como el “Padre de las sinfonías”. Escribió no sólo música instrumental, sino también óperas, canciones y oratorios. Creó más de cien sinfonías, alegres, con humor y melodías populares. Las sinfonías interpretadas en los palacios de Viena, París y Londres perdieron su estética palaciega, pero se llenaron de imágenes poetizadas de la vida popular y la naturaleza. De particular importancia fue la nueva bailabilidad de los temas (minueto, gavota), que ayudó a fortalecer la forma y separar claramente el tema y sus variaciones. Se estableció la composición clásica (pequeña) de la orquesta sinfónica: un quinteto de cuerdas (primer y segundo violines, violas, violonchelos y contrabajos), timbales y parejas de instrumentos de viento (flautas, clarinetes, oboes, fagotes, trompas, trompetas). Se ha establecido un ciclo de cuatro partes con un profundo contraste entre la rápida primera y la lenta segunda lírica, la tercera bailable y el tormentoso final. Haydn dio inventivamente a sus sinfonías una singularidad figurativa. A los oyentes, pero no al autor, se les ocurrieron nombres:
Despedida (№ 45), Luto (№ 49), Militar (№ 100), Con timbales trémolo (№ 103), Filósofo (№ 22), ¡Aleluya! (№ 30), Caza(núm. 73), etc.
El genio musical de Wolfang Amadeus Mozart se manifestó desde los 4 años. La ópera italiana de moda cautivó al joven Mozart; le dedicó parte de su talento y creó brillantes comedias basadas en ella. Las bodas de Fígaro), dramático ( Don Juan), fabuloso-filosófico ( flauta magica) dramas musicales. La expresividad musical de los personajes de la ópera determinó el estilo del compositor e influyó en la creación de melodías instrumentales teatralmente expresivas (el tierno y tierno tema de apertura de la Sinfonía n.º 40). g-moll; majestuosa Sinfonía No. 41 do mayor,Júpiter y etc.). Permaneció inalcanzable en la riqueza del melodicismo, en la capacidad de crear una cantilena melodiosa, entendiendo el desarrollo musical como un “fluir” natural de un tema en otro. Su capacidad, al combinar instrumentos, para revelar la plenitud de la vertical armónica y transmitir el color armónico de la melodía a través de medios orquestales es asombrosa. En la música de Mozart, todas las voces, incluso las armónicas, y todos los “cantos” instrumentales están melodizados. Son especialmente impresionantes los movimientos lentos en sus ciclos de divertimentos, sinfónicos y sonatas. Contienen una ternura ineludible expresada en la música. Luminosidad y relieve de temas, proporcionalidad de estructuras musicales, tanto pequeñas (dúos, tríos, cuartetos, quintetos, serenatas, nocturnos), y grandes (sinfonías, conciertos, sonatas) Mozart combina una imaginación inagotable en el desarrollo variable de un tema (en rondos, variaciones, minuetos, adagios, marchas). Poco a poco se aleja de los estados de ánimo serenos de sus primeras obras (serenatas orquestales, divertimentos) hacia otros profundamente expresivos: líricos y dramáticos, a veces trágicos ( Sonata Fantasía en do menor, Réquiem). Mozart es uno de los fundadores del arte escénico del piano y el fundador del concierto clásico para instrumento solista y orquesta.
Ludwig van Beethoven se convirtió en el primer "artista libre" entre los compositores. Su obra pone fin a la era del clasicismo, abriendo la era del romanticismo, pero el compositor es demasiado individual y su estilo difícilmente cumple con las normas del clasicismo. Beethoven pensó a gran escala y de manera universal en comparación con las actitudes hedonistas-divertisantes de los clásicos. La sofisticación y la ornamentación desaparecieron en su música, no agradaba al oído y se percibía como “desaliñada”, similar a la apariencia del compositor, que caminaba sin peluca, con una “melena de león” y una mirada hosca. El elegante minueto del tercer movimiento de sus sinfonías fue reemplazado por un scherzo. En general, la obra de Beethoven correspondía a la estructura del pensamiento de los clasicistas y estaba indisolublemente ligada a compositores alemanes (Handel, F.E. Bach, Gluck, Haydn, Mozart) y franceses (A. Grétry, L. Cherubini, G. Viotti). Las heroicidades de Beethoven (ópera Fidelio, oberturas sinfónicas Egmont, Coriolano, Sinfonía n.° 3) fue generada por la Revolución Francesa. Músico en vida y en su obra, absorbió los ideales de la “Declaración de Derechos y Libertades del Ciudadano”. El llamado a la igualdad, la libertad y la hermandad de todos los pueblos queda brillantemente plasmado en el 4º movimiento de la Sinfonía n.º 9, donde se escuchan los versos de la oda de Schiller. a la alegría. El tema principal de la final de hoy fue el himno de la Unión Europea. La voluntad de Beethoven, que despreciaba la violencia y la tiranía, se manifestaba en todas partes. Demostró su propia rebelión contra el destino, resistiendo la sordera que lo vencía y la independencia de la aristocracia y el poder. La especificidad de su estilo se manifestó en la erosión de los principios clasicistas del desarrollo musical, en la violación de las proporciones y la simetría. Era libre de “detener” el tiempo que fluía serenamente con la repetición persistente de un acorde fuerte y agudo (como en el primer movimiento de la Sinfonía n.° 3). La forma musical de sus composiciones se volvió más libre y el poder emocional se volvió más brillante: desde las entonaciones líricas (Piano Sonata No. 14 Lunar, Sinfonía nº 6 Pastoral) a los rebeldes (Sonata para piano apasionada, Sonata de Kreutzer para violín), patético (Sonata No. 8 Patético, Sinfonías n.° 3, n.° 5) hasta lo trágico (marcha fúnebre en los segundos movimientos de la Sonata n.° 12 y la Sinfonía n.° 3).
ROMANTISMO EN LA MÚSICA DEL SIGLO XIX
Siglo 19 - el siglo del apogeo de la cultura musical de Europa occidental. Están surgiendo nuevos modos de expresión musical que revelan el profundo potencial individual de los compositores. La esencia del romanticismo se expresa mejor en la música. Las obras de compositores románticos, que transmiten la riqueza del mundo de las experiencias emocionales humanas y los matices de sus sentimientos personales, forman la base del repertorio de conciertos moderno. El romanticismo no es sólo letras, sino el predominio de sentimientos, pasiones, elementos espirituales, que sólo se conocen en los rincones de la propia alma. Un verdadero artista los identifica con la ayuda de una brillante intuición. En el siglo 19 La música se revela no en la estática, sino en la dinámica, no en conceptos abstractos y construcciones racionales, sino en la experiencia emocional. vida humana. Estas emociones no están tipificadas, no generalizadas, sino subjetivadas en cada momento de la reproducción musical. Para los románticos, "pensar en sonidos" es más alto que "pensar en conceptos", y "la música comienza cuando terminan las palabras" (G. Heine).
Los músicos enfatizan su conexión con su tierra natal y se inspiran en capas populares de la cultura musical. Así se forman las escuelas de música nacionales, revelando la nacionalidad de cada compositor romántico y la originalidad de su estilo: Carl Maria Weber, basándose en melodías populares y cuentos de hadas alemanes, creó una ópera nacional ( tirador libre, 1821); Mikhail Ivanovich Glinka - Ruso ( Vida para el zar, 1836); Las obras instrumentales y vocales de Franz Schubert están llenas de melodías austriacas y danzas cotidianas (Ländler, vals), y en el campo de la música vocal, él, como Robert Schumann, es el creador del nuevo género de canciones alemanas Lied; no sólo mazurcas y polonesas para piano, sino todas las obras de Fryderyk Chopin, que se instaló en París, están impregnadas de las entonaciones de su tierra natal, Polonia; siendo húngaro, Franz Liszt, en constantes viajes por toda Europa, creó Rapsodias húngaras para piano y tradujo los ritmos de la danza húngara gato camello; La obra de Richard Wagner se basa en la mitología y la filosofía alemanas; Edvard Grieg se inspiró en las imágenes, la danza y las canciones noruegas; Johannes Brahms se basó en las tradiciones de los polifonistas alemanes y creó Réquiem alemán; Bedrich Smetana y Antonin Dvorak - en melos eslavos, Isaac Albeniz - en español.
El punto de inflexión que se produjo en la cultura europea después de la Revolución Francesa generó una nueva capa de consumidores de música: los burgueses. La cultura de la corte y la nobleza quedó relegada a un segundo plano. El entorno de élite de los oyentes fue reemplazado por un entorno masivo de habitantes de las ciudades; los fabricantes, empresarios e intelectuales se convirtieron en consumidores de obras musicales; Ahora incluye compositores cuya conexión creativa con el público está en manos de empresarios. La música se escuchó en salas de conciertos públicas, teatros, cafés, instituciones educativas y sociedades musicales. Los ciudadanos se sintieron cada vez más atraídos por la música entretenida y florecieron géneros profesionales que eran “más fáciles” de percibir: la opereta. (J. Offenbach - en Francia), valses de danza orquestal (I. Strauss - en Viena). Además del mecenazgo, los compositores también se ganaban la vida con sus propias actividades de dirección, pianística y enseñanza. Las actividades periodísticas de los propios compositores adquieren importancia. Así, Berlioz y Schumann declararon en sus artículos una “guerra” contra la vulgaridad, la frivolidad y la rutina, que floreció en la persona de los “favoritos del público” sin talento que los rodeaban. Schumann creó el "Nuevo Periódico Musical" y lo publicó en nombre de personajes ficticios, miembros de la "Unión David", que supuestamente unía a sus amigos de ideas afines. Desde entonces, los compositores no sólo crean música, sino que también expresan por escrito sus pensamientos sobre ella y sobre el arte (libros Arte y revolución, Ópera y teatro Wagner).
La música vuelve a acercarse a la palabra. El término "romanticismo" que surgió en los círculos literarios (introducido por Novalis) correspondía plenamente a las características específicas de la obra de los compositores del siglo XIX. y principios del siglo XX. La literatura y la música “se comprometieron” entre sí “en la unión del sacramento”: “El mundo está simplemente encantado, / en cada cosa hay una cuerda dormida / Despierta con una palabra mágica - / se escuchará música”. (J. von Eichendorff). El pensamiento filosófico de Herder, Schelling, Schopenhauer acercó la música a la poesía y separó a ambas de otros tipos de artes por su carácter temporal: proceso, transformación, cambio, movimiento incansable: la base de la música y la creatividad verbal. Un lugar importante en las obras de los románticos lo ocupa el deseo de conectar la música con determinados temas e imágenes (literarias, poéticas, pictóricas): Margarita en la rueca, rey del bosque Schubert; Tasso Hoja; Sueños, Correr, Carnaval Schumann). Los músicos prefieren crear “dramas” vocales en miniatura basados en textos de G. Heine, W. Müller, L. Relshtab, F. G. Klopstock, I. V. Goethe, F. Schiller y otros: rey del bosque, Serenata, Doble, ciclos de canciones La hermosa esposa del molinero., 1823, viaje de invierno, 1827 Schubert; el amor del poeta, 1840 Schumann). A pesar de la conexión con la creatividad literaria, los románticos revelan nuevos lados expresividad musical, que se manifiestan en sus formas más elevadas: instrumental ("pura"), no relacionada con la palabra. Por lo tanto, las imágenes profundamente emotivas de los preludios y nocturnos para piano de Chopin o las sonatas, intermezzos y conciertos de Brahms no se ven disminuidas por la ausencia de títulos de programas en ellos.
El drama musical continuó desarrollándose en Italia y la “moda” de las producciones de ópera italiana continuó en todas partes. Los ídolos de la ópera fueron: en la primera mitad del siglo, Gioachino Antonio Rossini, en la segunda, Giuseppe Verdi. En el arte de la ópera surge una dirección cercana a la literaria: el verismo (P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini). Sin embargo, hacia el norte, la ópera aparece en una nueva forma, teñida de una epopeya nacional, un cuento de hadas. y mito. Se está creando una especie de ópera romántica ( ondina ETHoffman, 1813, tirador libre Weber, 1820, tetralogía Anillo del Nibelung Wagner, 1852–1874) - frente a las óperas italianas y francesas de planes realistas, líricos, cómicos e históricos ( barbero de sevilla Rossini, 1816; Norma V. Bellini, 1831; hugonotes J. Meyerbeer, 1835; Romeo y Julieta C. Gounod, 1865; poción de amor G.Donizetti, 1832; Rigoletto, 1851, Traviata, 1853, Aída, 1870, Falstaff, 1892 Verdi; carmen J. Bizet, 1875).
Los compositores románticos se sentían en desacuerdo con la realidad y buscaban "esconderse" del mundo hostil a ellos en la ficción o en un hermoso sueño. La música comienza a registrar sutiles fluctuaciones emocionales, poros apasionados y estados de ánimo cambiantes, un reflejo de las verdaderas preocupaciones y destinos de vida de los músicos, que a veces fueron trágicos. La miniatura instrumental se acercó a los compositores; se crearon nuevos géneros para piano: improvisado, estudio, nocturno, preludio, ciclos de piezas programáticas, baladas, que recibieron un desarrollo especial en las obras de destacados pianistas (Schumann, Chopin, Liszt, Brahms).
Siglo 19 - el siglo del triunfo de la “literatura” pianística. No solo se mejora el diseño del piano, sino también la técnica de tocarlo, su capacidad para crear una cantilena cantada, expresiva. líneas melódicas. El ritmo de los compositores se liberó de las “cadenas” de las cesuras clasicistas y de la estricta regularidad de las figuras de la danza. Composiciones romanticas lleno de facilidad de improvisación, cuando la melodía sigue la variabilidad de los movimientos de los sentimientos, como lo pretendía el autor y como el intérprete es capaz de sentir. El papel de los matices y de la interpretación musical está aumentando.
Obras de compositores de la primera mitad del siglo XIX. todavía tiene conexiones con las tradiciones de los clásicos vieneses, pero viola las leyes de los géneros clasicistas: en Francia, Héctor Berlioz creó una autobiográfica Una sinfonía fantástica o un episodio de la vida de un artista.(1830) de 5 partes, incluyendo no solo una marcha (4ª parte), sino también un vals (2ª parte); Schubert escribió sinfonías para orquesta, de las cuales la más llamativa fue la sinfonía “no normativa”, que consta de 2 partes (sinfonía en si menor Inconcluso, 1822). A los músicos no les interesa la belleza de las proporciones musicales del ciclo sonata-sinfónico, sino el brillo sonoro de la orquesta, su capacidad para "dibujar" imágenes. Por lo tanto, la “imagen” orquestal de los espíritus malignos que acuden en masa a un banquete en la noche es impresionante. Fantástica sinfonía Berlioz (parte 5) Asamblea de brujas), donde los violinistas golpean las cuerdas con el eje del arco para transmitir los “huesos ruidosos”. La sensualidad está en primer plano en la sinfonía de los románticos. Reemplazaron la intelectualidad de la sinfonía clásica con una obertura sinfónica y un poema, donde hay un solo movimiento y todo está subordinado al programa literario: la mágica atmósfera de cuento de hadas de la comedia de W. Shakespeare, en F. Mendelssohn-Bartholdy. Un sueño en una noche de verano (1826), drama filosófico J.V. Goethe – de Liszt en Tasso.Queja y triunfo(1856), las tragedias de Shakespeare - de P.I. Romeo y Julieta(1880). En las obras de los románticos tardíos (Liszt, Wagner), se refuerza el papel del leitmotiv (“motivo principal”) como característica repetible y reconocible de la imagen. La orquesta en las óperas de Wagner adquiere un significado especial, llamando la atención no solo por su colorido, sino también por la carga semántica adicional adquirida a través del sistema de leitmotifs desarrollado por el autor (el motivo del reino del Grial en la ópera Lohengrin, 1848). A veces, el tejido musical de la orquesta se "teje" a partir de ellos y los oyentes los "descifran" consciente o inconscientemente, como en la escena del encuentro de Tristán con Isolda ( Tristán e Isolda, 1865), donde los motivos se reemplazan entre sí: “sed de una cita amorosa”, “esperanza”, “triunfo del amor”, “júbilo”, “duda”, “presentimiento ansioso”, etc.). La técnica creada por Wagner de combinar temas-melodías no completos, sino pequeños y variados en expresividad de sus “segmentos” armónicos de entonación (melodías-“fragmentos”), se convertirá en líder en la temática de los compositores de principios del siglo XX.
La música de principios de los siglos XIX y XX.
En Francia rasgos románticos Adquirieron un nuevo colorido, se saturaron de elementos decorativos, “motivos” exóticos del Oriente colonial (S. Frank, C. Saint-Saens). A finales del siglo XIX. Aquí surgió el estilo del impresionismo y simbolismo musical. Su creador es el compositor Claude Achille Debussy, cuyas obras para orquesta Preludio a una tarde de fauno (1894), nocturnos(1899), realizada tras las primeras exposiciones de artistas impresionistas, le aseguró la fama como músico impresionista. Debussy se mantuvo fiel a las ideas programáticas de los románticos ( Tarde de un fauno, Chica con cabello rubio, Pasos en la nieve, Fuegos artificiales etc.), pero no buscaba la tangibilidad de las imágenes, sino su visibilidad. Escribió algunas de sus obras “del natural”, “al aire libre” (bocetos sinfónicos Mar, 1905). Su música está desprovista de pasiones humanas. Su significado simbólico aumenta (ópera Pelias y Melisanda, 1902): es autosuficiente y, “creada para lo inexpresable”, “surge de las sombras para regresar de vez en cuando” (Debussy). Al lograr esto, el compositor crea un nuevo lenguaje musical que lleva a la destrucción de las normas del clasicismo y el romanticismo. Entonacionalmente, Debussy se acerca a las melodías francesas, pero se basa en la belleza contemplativa de Oriente, que le gustaba, las impresiones de la comunicación con la naturaleza, con la bohemia literaria de Francia, de la interpretación de la orquesta javanesa "gamelan", traída a París para la Exposición Universal de 1889. La orquesta de Debussy, en Al contrario de las orquestas alemanas, tiene un número reducido de instrumentos, pero está saturada de nuevas combinaciones. Dominan los motivos-colores, las texturas-colores, las armonías-colores, como “puntos sonoros” reemplazables, agudizando el significado expresivo del principio de sonoridad en la música (coloración del sonido o timbre sonoro, caloricidad). El tejido sonoro se vuelve más transparente (las capas de cada voz son claramente audibles) y se libera de la "presión" de las estructuras armónicas y tonales normativas (las terminaciones de las melodías, las cadencias, desaparecen). Las características del impresionismo, como uno de los principales movimientos musicales de principios del siglo XX, encontraron expresión en las obras de M. Ravel, F. Poulenc, N. A. Rimsky-Korsakov, O. Respighi.
CULTURA MUSICAL DEL SIGLO XX
Música del siglo XX se distingue por una extraordinaria diversidad de estilos y tendencias, pero el principal vector de su desarrollo es el alejamiento de estilos anteriores y la "descomposición" del lenguaje de la música en sus microestructuras constituyentes. Los cambios en las esferas social y cultural de Europa contribuyen a la participación de nuevos fenómenos musicales no europeos, y el consumo de productos musicales en soportes de audio está cambiando las actitudes hacia la música. Empieza a entenderse como un fenómeno global y se fortalece su función consumista y de entretenimiento. El papel de la cultura de masas y los géneros musicales populares está aumentando; están separados de la cultura de la élite, los clásicos musicales de Europa occidental y las actividades de composición académica profesional. En las décadas de 1950 y 1960 surgió una nueva cultura juvenil que se posicionó como una “contracultura” en la que la música rock tenía un papel protagonista. Los cambios en las tecnologías musicales y en las pautas estéticas se comprimen en el tiempo y la aparición de todo lo nuevo se percibe como un fuerte rechazo de lo anterior (música alternativa de finales del siglo XX).
Música de la primera mitad del siglo XX.
En Francia están surgiendo nuevas tendencias que rechazan el impresionismo por considerarlo demasiado “lento”, carente de vida real estilo. La excentricidad, la bufonería y la barbaridad están de moda. El subvertidor de estilos anteriores, Erik Satie, sorprende con la novedad de sus obras (ballet Desfile para la compañía de S. Diaghilev, 1917 3 piezas en forma de pera Y embriones secos para piano). Introduce en sus composiciones los sonidos de una máquina de escribir, pitidos, golpes, zumbidos de hélices y jazz. Surge una estética de la música que desempeña el papel de “papel tapiz musical”: mobiliario. Inspirado en las ideas de J. Cocteau (manifiesto Gallo y Arlequín, 1918), ideólogo de la nueva música “sana y llena de gritos de calles y desfiles”, los compositores se unen en varias comunidades. Destaca la comunidad “Six” (“Seis franceses”), que incluía a Arthur Honegger, creador de una pieza urbana para orquesta que celebra el poder de la nueva locomotora. Pacífico 231(1913) y una serie de obras neoclásicas (oratorio-misterio Juana de Arco en la hoguera, 1935); autor de ballets excéntricos ( Toro en el tejado, 1923), que se inspiró en el folclore brasileño Darius Milhaud; Francis Poulenc, admirador de Debussy y reformador de la ópera (ópera mono Voz humana, 1958).
Expresionismo en la cultura musical de Alemania.
Lenguaje melódico y armónico de los compositores alemanes y austriacos de finales del siglo XIX y principios del XX. (Wagner, Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, R. Strauss, G. Wolf, M. Reger) se volvieron más complejos, la orquesta aumentó de tamaño y la notación musical se sobresaturó con las instrucciones del autor en el campo de los matices. . Se intensifica el interés de los músicos por las experiencias interiores y las imágenes exaltadas (ópera Salomé R. Strauss, 1905), trágico y grotesco (2 sinfonía en do menor de Mahler, 1894). El romanticismo tardío alemán “preparó el terreno” para un nuevo estilo: el expresionismo . Se fortalece el papel de la personalidad del artista, su experiencia individual y su visión profética del mundo cobran importancia. “El compositor descubre la esencia interior del mundo y expresa la sabiduría más profunda en un lenguaje que su mente no comprende; Como un sonámbulo, saca conclusiones sobre cosas de las que en estado de vigilia no tiene idea” (A. Schopenhauer). Las ideas del globalismo musical están comenzando a hacerse realidad: “La música es capaz de transmitir un mensaje profético que revela esa forma superior de vida hacia la que la humanidad se dirige”. Gracias a esto, “atrae a personas de todas las razas y culturas” (A. Schoenberg, artículo Criterio de evaluación musical).
Atmósfera vida cultural Alemania y Austria a principios del siglo XX. estaba lleno de trágicos presentimientos de futuras guerras mundiales. Aquí se produjo una destrucción consciente del pensamiento tonal de épocas anteriores, la base del lenguaje musical de los clásicos y románticos.
El rechazo del centro tonal (tónica) que se nota en una determinada zona de la obra y la atracción de otros tonos y armonías hacia él fue generado por el proceso de cromatización de la serie sonora, la emancipación de los doce semitonos de la escala templada. Se evita la tónica como soporte musical-psicológico estable (final), se intensifica la sensación de movimiento constante de sonidos inestables, la tensión psicológica de la espera de una tónica que no existe. Se intensifica el tono introductorio, que transfiere una discontinuidad a otra, desde una nueva clave. Se establece una paridad de tónicos posibles, ninguno de los cuales es el preferido. Esta técnica, ya característica de Wagner y de los compositores posrománticos (R. Strauss, A. Bruckner), propició el surgimiento dodecafonía(lit. - “doce sonidos”) - “un sistema de doce sonidos correlacionados sólo entre sí”, como lo definió su fundador, el compositor austriaco Arnold Schoenberg. También es responsable de la creación de un nuevo estilo de “canto hablado” o “canto hablado” (“Sprachgesang”), donde falta la altura exacta de los tonos entonados. Los seguidores del método dodecafónico (o “técnica de series”) formaron una nueva escuela vienesa(Schoenberg y sus alumnos Alban Berg (1885-1935) y Anton Webern). Dado que los doce tonos están en la escala fueron declarados iguales, el método de creación de música dodecafónica se basó en nuevas "unidades significativas", en las que se convirtió cada tono sonoro individual. Tono y combinaciones de varios tonos diferentes ( serie), pero ni la melodía, ni el complejo melódico-armónico comenzaron a cumplir la función de “tema musical”. La expresividad de tales temas se logró mediante técnicas que limitaron la repetición de tonos y series. La música comenzó a expresar emociones de pérdida, ansiedad, caos, fragmentación de la conciencia, signos del expresionismo. El credo de los músicos expresionistas se expresa en las palabras de Schoenberg: “El arte es el grito de quienes luchan contra el destino”. La técnica serial encontró su encarnación altamente artística en la cantata de posguerra de Schoenberg. Sobreviviente de Varsovia(1947), concierto para violín y orquesta ( En memoria de un ángel, 1935) y la ópera de Berg ( Wozzeck, 1925). El trabajo de Webern reveló características del puntillismo musical, cuando la "acontecimiento" en el desarrollo musical se reduce sólo a un cambio en los tonos mismos: su duración, timbre y coloración dinámica cambian. Las obras se distinguen por su brevedad sin precedentes (la duración total de las 31 obras de Webern es de tres horas de reproducción) y la extrema saturación de la “información” del tono musical (punto). Los principios de la técnica de escritura en serie (un método de dodecafonía ampliada) dominarán las obras de muchos compositores.
En la primera mitad del siglo XX. En Europa están surgiendo fenómenos que crean las condiciones previas para el vanguardismo. Los compositores recurren a timbres, ritmos y entonaciones inusuales (folclore, jazz, instrumentos orientales exóticos, ruido), ampliando el alcance del material musical en sí y aumentando el arsenal de medios utilizados. Se observa una actualización especial en el ámbito del ritmo, que se vuelve más duro, más agresivo, de carácter más diverso y está saturado de elementos exóticos y arcaicos. Va en aumento el interés por los géneros de danza, plástica, escénica y oratoria. Mito, cuento de hadas y auténtico (o estilizado) folklore musical se convierte en material para la creación de nuevas obras basadas en técnicas de escritura modernas. Igor Stravinsky, Bela Bartok y Carl Orff prefirieron la nueva dirección del folclore (neofolklore).
Un signo característico de la época es que muchos compositores se “prueban” en varios estilos, dando preferencia a una u otra técnica en diferentes períodos de su obra: desde los “folclorismos rusos” (los primeros ballets manantial sagrado, pájaro de fuego, Perejil, representada en 1910-1913 en París) – hasta la poliestilística (ballet Pulcinella, 1920) y el neoclasicismo ( Sinfonías de Salmos, 1948 y Cantos fúnebres, 1966) – esta es la gama de Igor Stravinsky. A veces se combinan diferentes estilos en un ensayo en forma de un método creativo especial: la poliestilística. Su progenitor fue el compositor estadounidense Charles Ives, quien en una sola composición combinó salmos, ragtimes, jazz, canciones patrióticas y de trabajo, marchas militares y armonías corales. Se empiezan a utilizar tipos de poliestilísticas como la cita, la alusión y el collage.
Prevaleció la moda de la música sin tono (atonal), aunque no todos los compositores la siguieron. Algunos, por el contrario, defendieron el significado artístico de los fundamentos tonales de la melodía y mostraron interés por el no clasicismo. Muchas de las obras del compositor alemán Paul Hindemith, incluida su enseñanza sobre composición, enfatizaron la importancia, si no del modo, al menos del centro tonal como medio expresivo de la música. No importa si una obra está escrita en mayor o menor, se llama según el tono principal con el que termina (Sinfonía en si para vientos, 1951; ciclo de piezas para piano Ludus tonalis, 1942). La dependencia del pensamiento mayor-menor también caracteriza la obra de Honegger, Poulenc, el compositor italiano Alfredo Casella (1883-1947), etc.
La obra del compositor francés Olivier Messiaen (1908-1992) se distingue por su originalidad estilística. El compositor logró subordinar las innovaciones rítmicas y tímbricas que encontró, que fueron el resultado del estudio de la cultura india ( Turangalila, 1948), elevados pensamientos espirituales de carácter teológico y panteísta. Él "habla" al público de la sala de conciertos sobre los valores eternos en una forma musical simple ( Tres pequeñas liturgias por la presencia divina, 1941, Veinte vistas del niño Jesús, 1944).
Música de la segunda mitad del siglo XX.
Cultura de la segunda mitad del siglo XX. marcado por un fuerte rechazo a las tendencias de estilo anteriores. La técnica de escritura dodecafónica siguió siendo la más moderna y básica para la mayoría de los compositores en serie de las décadas de 1940 y 1950. Significativa para la década de 1950 fue la reacción a la serie técnica expresada en un artículo del compositor y director de orquesta francés Pierre Boulez ¡Schoenberg está muerto!(1952). Él, al igual que el compositor italiano L. Berio, critica la creación de música mediante series, ya que este método "no tiene relación con la música real". El patrimonio musical de los compositores del siglo XX. Contiene muchos fenómenos opuestos: neoromanticismo y sonorismo, serialismo y aleatorismo, constructivismo electrónico y minimalismo. El surgimiento del neoromanticismo (cuartetos de cuerda de V. Rome; segunda sinfonía y segundo concierto para violonchelo y orquesta de Krzysztof Penderecki, 1980, 1982; concierto para piano y orquesta de Zygmunt Krause, 1985) se convirtió en un regreso consciente de algunos músicos a los ideales románticos del pasado, el rechazo de la experimentación musical y el constructivismo, que se convirtieron en la base de la creatividad musical profesional del siglo XX.
A mediados del siglo XX se produjo una ruptura radical en la tradición musical de Europa occidental, cuando tomó forma en Europa central un movimiento llamado vanguardia. El precursor del vanguardismo musical puede considerarse varias manifestaciones individuales de la búsqueda de un nuevo lenguaje musical, unidas por la idea de renunciar a tradiciones anteriores. En la cuna del futurismo, en Italia, el compositor y pintor Luigi Russolo Manifiesto del futurismo musical(1913) llamó: “¡Dirigir el agua de los canales a las criptas del museo e inundarlas! ¡Y que la corriente se lleve los lienzos!”, “Ya no podemos contener nuestro deseo de crear una nueva realidad, excluyendo violines, pianos, contrabajos y órganos lúgubres. ¡Vamos a romperlos! Russolo declaró que el ruido natural o mecánico era el ideal de la nueva realidad (libro El arte del ruido, 1961): “Atravesaremos la gran ciudad con los ojos y los oídos abiertos y disfrutaremos del sonido del agua burbujeando, del aire, del gas en las tuberías metálicas, del chirrido de los trenes sobre los raíles..., del ondear de cortinas y banderas. en el viento." Esta idea quedó plasmada en la obra del compositor estadounidense Edgard Varèse (francés de nacimiento), quien en las obras de la década de 1920 ( Integrales, hiperprisma, Densidad) unió sonido y ruido, utilizando ruidos de fundición, el sonido de un aserradero en funcionamiento y sonidos como sirenas.
El nuevo método de componer música era de naturaleza experimental. El principal objetivo de la creatividad era la búsqueda de nuevos medios de expresividad “dominando” el material original a partir del cual se podían “construir” las ideas mismas de la “música”: el foco de atención de los compositores no era el intervalo o el ritmo, sino el sonido. su timbre, amplitud, frecuencia, duración, así como ruido, pausa. Estos parámetros de la estructura musical no tienen ningún vínculo étnico o nacional: “los sonidos no son más americanos que egipcios” (J. Cage). Dado que se reconoció que el lenguaje de la música está completamente agotado, se puede “empezar desde el principio, sin mirar atrás a las ruinas” (Stockhausen). Componer música se convirtió en “una exploración de la posibilidad de conectar la materia” (György Ligeti). Un experimento en música no se trataba de crear una obra de arte, era “una acción cuyos resultados no se pueden prever” (Cage).
Por un lado, se argumentó que la base de la música es el pensamiento ordenado discursivamente. Por tanto, se dio prioridad a las tecnologías musicales y al “orden formal” que se extendía “hasta las profundidades de la música, hasta el nivel de la microestructura” (Boulez). Nuevos métodos racionales trabajo musical atrajo a muchos asociados con la educación matemática y físico-técnica (Boulez, Milton Babbitt, Pierre Schaeffer, Yanis Xenakis, el inventor de su propia computadora para crear composiciones electrónicas con programas de ensayo basados en fórmulas matemáticas y leyes físicas). Por otro lado, fascinado por la filosofía del budismo, el compositor estadounidense John Cage propuso la estética del “silencio en la música” (libro Silencio, 1969), demostrando que la música no se crea sobre el papel, sino que “nace del vacío, del silencio”, que “incluso el silencio es música”. Tradujo esta idea en su famosa obra muda, instruyendo al músico a “permanecer en silencio durante 4 minutos y 33 segundos” antes de comenzar a tocar el instrumento ( Taceta de 4"33"", 1952). La "música silenciosa" condujo a la creación de un nuevo género musical: teatro instrumental(en las obras del compositor alemán Maurizio Kagel (n. 1931), Stockhausen, el compositor italiano Luciano Berio, n. 1925, etc.).
Muchos compositores recurren a la obra de sus predecesores clásicos, no sólo como citas musicales, sino como referencia musical a las obras de Bach, Debussy, Berlioz, Beethoven, Mussorgsky, Stravinsky, utilizando la técnica del “montaje” (en las obras de Kagel).
El interés de los compositores por el folclore adquiere nuevas características. No sólo reelaboran su propio folclore musical, sino que también recurren cada vez más a documentos musicales auténticos de culturas no europeas: música étnica y religiosa de diferentes pueblos, cuyo amplio acceso fue proporcionado por los logros de la etnografía musical moderna (especialmente la etnomusicología estadounidense) y los viajes de compositores a países africanos y asiáticos, su estudio “sobre el terreno” de las prácticas musicales tradicionales (estadounidenses: Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley, el francés Jean-Claude Elois, etc.). En el trabajo de algunos músicos, las técnicas de escritura modernas se utilizan con éxito para expresar ideas políticas o preferencias filosóficas y culturales (oratorio Día de Juzgador. En memoria de las víctimas de Auschwitz, 1967, Penderecki, composición vocal-electrónica No hay necesidad de cambiar a Marx, 1968, compositor italiano Luigi Nono, n.1924).
Una de las figuras significativas de la vanguardia de Europa occidental es el compositor alemán Karlheinz Stockhausen, quien en sus obras, en sus libros y en su actividad activa formuló el papel especial del compositor: “ artista contemporáneo"Se trata de un receptor de radio cuya autoconciencia se encuentra en la esfera del superconsciente". Utilizando ampliamente todos los tipos modernos de vanguardia, se esfuerza por expresar profundas ideas filosóficas inspiradas por su interés por el misticismo indio ( Mantra, 1970), a la astrología ( Zodíaco, 1975-1976), a una interpretación esotérica de su papel creativo, como la capacidad de encarnar los sonidos del Cosmos o interpretar historias bíblicas (óperas Jueves de luz, 1978–1980, Sábado de luz, 1981–1983, Lunes desde la luz, 1985–1988).
Se intensifica el interés por el espectáculo de actuaciones musicales y de conciertos, como los “shows”, en los que intervienen actores, mimos, vestuario, efectos de luz y sonido. Las condiciones de los conciertos para interpretar música están cambiando, cuando los músicos pueden ser bajados a una cueva para lograr una resonancia circular y los oyentes pueden ser colocados en sillas suspendidas sobre el abismo. Se están construyendo salas de conciertos especiales (sala Beethoven en Bonn, 1970, sala La Geod, una estructura en las afueras de París en forma de una bola de acero pulido espejo de 36 m de diámetro). Se abren estudios electrónicos especiales equipados con sintetizadores, que se convierten en centros internacionales de enseñanza de nueva música (Centro Georges Pompidou en París). La experimentación musical se reconoce como el objetivo principal del acto creativo del compositor. Se celebra la Primera Década Internacional de Música Experimental (París, 1958), se abren y celebran Cursos Internacionales de Verano de Nueva Música en Darmstadt (Alemania), y una escuela de música de verano en Darlington (Gran Bretaña). Los compositores no sólo dominan nuevas técnicas y métodos de creación musical, sino que también dan conferencias, escriben obras sobre música experimental, analizan y comentan sus propias obras. La creación de la música en sí y la creación de textos sobre esta música (las obras de Messiaen, las publicaciones en varios volúmenes de Stockhausen, los artículos de Cage, etc.) son un rasgo característico de la creatividad de los compositores del siglo XX.
La tendencia musical de vanguardia creó la música electrónica. A principios de la década de 1950 se inició el dominio de los sonidos, los ruidos y la construcción de nuevos instrumentos electrónicos. Están surgiendo estudios de música electrónica: en Colonia, donde escribe Stockhausen; en París en la radio francesa, donde trabaja un grupo de investigadores: Boulez, Messiaen, Pierre Henri, P. Schaeffer. El fundador del nuevo movimiento electrónico, primero llamado música concreta, Schaeffer, autor de la publicación Hacia el estudio de la música concreta(1952), interpretó sus composiciones para cinta magnética en conciertos (París, 1948). Creado por Schaeffer junto con Henri Sinfonía para una persona(1951) demostró la expresividad artística de la música electrónica. Basado en efectos de sonido espacial electrónicos. poema electronico Varese (1958), presentada en el Pabellón Phillips de la Exposición Universal de 425 altavoces de 11 canales cada uno. Las composiciones de Cage se convirtieron en obras sorprendentes en esta área ( Marzo N°2 para 12 radios, 1951) y Stockhausen ( Himnos 1966–1967).
Sonorísticas - una dirección que pone en primer plano las capacidades tímbricas (timbre-textura) del arte musical. La expresividad del intervalo (relieve melódico-temático) pasa a un segundo plano, dando paso a la coloración y la saturación del sonido. Un sonido completo puede no tener tono. El campo de los matices musicales y los métodos de producción de sonido se está expandiendo increíblemente. Ahora “el timbre se convierte en la categoría más esencial de la composición” (Boulez). Los experimentos con el sonido conducen a glissanding inusuales, tocar instrumentos de cuerda en el puente, sobre y detrás del puente, golpear el mástil, el cuerpo del piano, cantar mientras exhala, susurrar, gritar, cantar sin vibraciones, tocar con un arco en un platillo. o vibráfono, que suena en una boquilla, al son de bandejas de plata, cisterna de inodoro, etc. ( Atmósferas Ligeti, 1961; Colisiones G.-M. Guretsky, 1960; De naturaleza sonora Penderecki, 1970). Se puso en práctica el piano preparado, con el que Cage realizó experimentos ( libro de musica para 2 pianos preparados, 1944). El instrumento cambió su timbre durante una preparación especial: sujetar las cuerdas con teclas especiales, colocar varios objetos sobre las cuerdas o insertar varios objetos entre ellas (metal, caucho, madera), etc.
Aleatorics (latín: "dados", "lote") es un método que fue una reacción a una composición fija, donde todos los medios y parámetros están regulados para el intérprete. La obra aparece como un momento o etapa particular del proceso de composición, en el que “los métodos son más importantes que los resultados” (Carl Dahlhouse). Al concentrar el interés en un evento musical, el intérprete y el oyente se involucran en una determinada acción, participan en ella y comparten la “responsabilidad” del autor por la obra momentánea que se está creando. La práctica aleatoria condujo a la creación de notación musical incompleta, formas de imagen convencionales, esquemáticas, gráficas y de texto escrito. Al no fijarse en la grabación, el “texto” móvil de una composición musical tuvo la oportunidad de crear nuevas versiones interpretativas de la misma, realizar reordenamientos internos de partes, etc. (Boulez Sonata para piano 3 – 1957, Juegos de Venecia Witold Lutosławski, 1962.) La forma extrema de manifestación de la aleatoria fue el acontecimiento.
A finales de la década de 1950 nació la técnica del minimalismo (en Francia, música de “ensayo”), basada en la repetición de las estructuras temáticas más simples, pero de manera especial, tomada de observaciones de “interferencias” técnicas en la ingeniería de radio. , de discrepancias acústicas. La idea de trabajar con las formaciones temáticas más simples fue propuesta por Cage ( Conferencias sobre nada, 1959), pero el fundador del nuevo experimento fue el compositor estadounidense Steve Reich. en el ensayo Música de péndulo(1968), el "instrumento" principal resultó ser un micrófono suspendido, retraído y oscilando como un péndulo en el espacio del sistema acústico. La base del desarrollo del minimalismo es el sonido asincrónico de un mismo modelo temático en su repetición exacta o mínimamente modificada. Esto crea el efecto de sonido “convergente” al unísono y “divergente” en un sonido de conjunto ( Fase de piano, 1967). EN En un amplio sentido El minimalismo en la música comenzó a determinar la técnica de creación de una obra basada en el mínimo. medios expresivos– una o más figuras melódicas desarrolladas utilizando efectos psicofisiológicos: numerosas repeticiones, superposiciones técnico-acústicas, construcciones dinámicas, contrastes, aceleraciones de tempo, etc. En Estados Unidos, este estilo también fue llamado la “Escuela de Hipnosis de Nueva York”. Los representantes de la primera ola del minimalismo fueron los compositores estadounidenses T. Riley, F. Glass, Morton Feldman y otros.
A finales del siglo XX. El vanguardismo se agota e influye en otros tipos de cultura musical: el jazz, el rock, la música cinematográfica. Su resultado puede considerarse una nueva comprensión de la música desarrollada por los contemporáneos y una nueva actitud hacia el material del que está hecha, que ahora incluye la más amplia gama de todos los estilos históricos y geográficos y tecnologías instrumentales y sonoras conocidas. Siendo, como el alto arte musical de Europa, un fenómeno elitista, la vanguardia se pierde en la cultura de la vida cotidiana, que triunfa hasta el día de hoy. Las nuevas formas musicales inherentes a ella de crear música con la ayuda de programas informáticos y altas tecnologías de sonido dan lugar a un nuevo tipo de actividad musical no académica, accesible a un músico aficionado que domina las leyes de la construcción de una obra musical fuera de los muros de la música tradicional. instituciones profesionales musicales.
Tamila Jani-Zadeh y Walida Kelle
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Cultura musical y arte de Hungría. Actuación musical. Nueva escuela de opereta. La obra de Franz Lehár (1870-1948) e Imre Kalman (1882-1953).
Bela Bartók (1881-1945) – un destacado compositor, pianista y profesor. Una variedad de géneros en su obra. Procesamiento de canciones populares, trabajo teórico sobre el folclore. Creatividad operística. Tendencias impresionistas y expresionistas. Obras para piano. Ciclos de obras basadas en el folklore. "Microcosmos".
Literatura checa y eslovaca. Cultura escénica. Ciencias musicales.
Camino creativo Leosha Janáček (1854-1928) .
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§ 15. Cultura musical estadounidense de finales del XIX - primera mitad del siglo XX.
Literatura. Música. El trabajo de los intérpretes-compositores, creadores de las primeras obras de jazz clásico. Louis Armstrong, Benny Goodman, Duke Ellington. Los orígenes del género musical. Las obras de Jerome Kern, Richard Rogers, Cole Porter.
ley de federico y su musical My Fair Lady.
George Gershwin (1898-1937) . Patrimonio musical. “Rhapsody in Blue”, su destacada importancia en el desarrollo de nuevas tendencias en la música estadounidense (sinfonización de jazz). Variedad de géneros (blues, swing, ragtime). Un americano en París es una brillante suite orquestal. Ópera "Porgy y Bess". La originalidad de la dramaturgia operística. Características sinfónicas vocales de los personajes.
Leonardo Bernstein (1918-1990) – compositor, director de orquesta, pianista, publicista musical. El musical "West Side Story". Una nueva interpretación del género.
Las obras de Samuel Barber (1910-1981), Aaron Copland (1900-1990), John Cage (1912-1992).
§ 16. Cultura y arte musical de Inglaterra, Francia, Italia y Polonia a finales del siglo XIX y principios del XX.
Compositores nacionales ingleses. E. Elgar, R.V. Williams, S. Scott, G. Holst.
La obra de Benjamin Britten (1913-1976). Creatividad operística. Diversidad de géneros. "Réquiem de guerra". La originalidad del concepto del autor. Una composición grandiosa del ensayo. Leitmotifs, leitritmos, leitintervals de “Requiem”. Tradición e innovación.
Arte, literatura y música franceses. Intérpretes, compositores. Los "seis" franceses y sus representantes. : Louis Durey (1888-1979), Arthur Honegger (1892-1955), Germaine Taillefer (1892-1983), Darius Milhaud (1892-1974), Francis Poulenc (1899-1963), Jean Cocteau (1899-1963).
Creación F. Poulenc . Creatividad operística. Monodrama “La Voz Humana”. Dramaturgia musical. Otros escritos.
El grupo Joven Francia y sus representantes : André Jolivet (1905-1974), Olivier Messiaen (1908-1992).
Desarrollo del arte, la literatura y las ciencias musicales en Italia. Estudio del folklore de canto y danza. Las obras de Ottorino Respighi (1879-1936), Ildebrando Pizzetti (1880-1968), Gian Francesco Malipiero (1882-1973), Alfredo Casella (1883-1974).
Arte musical. Asociación Creativa de Compositores “Joven Polonia”. Creatividad, K. Szymanowski, V. Lutosłowski, M. Karlovich.
Krzysztof Penderecki (n. 1933) – un destacado representante de la vanguardia musical polaca. Diversidad de géneros de la creatividad.
"Pasión de Lucas" - una obra de oratorio monumental. Dramaturgia musical. Lógica de entonación en serie del desarrollo de imágenes musicales, el principio de instalación de capas contrastantes.