Rasgos artísticos del dramaturgo A.N. Ostrovsky. Ensayo “Características de la dramaturgia de Ostrovsky, el papel especial del diálogo, la nacionalidad del idioma.

Ostrovsky drama dote psicológica

Los servicios de Ostrovsky al teatro ruso y al teatro nacional son enormes. Durante casi cuarenta años de actividad creativa de A.N. Ostrovsky creó un rico repertorio: unas cincuenta obras originales, varias de ellas escritas en colaboración. También participó en traducciones y adaptaciones de obras de teatro de otros autores. En un momento, saludando al dramaturgo con motivo de su 35 aniversario. camino creativo, I A. Goncharov escribió: “Trajiste una biblioteca completa de obras de arte como regalo a la literatura, creaste tu propio mundo especial para el escenario. Usted solo completó el edificio, sobre cuyos cimientos Fonvizin, Griboedov y Gogol pusieron las piedras angulares. Pero sólo después de usted, los rusos podremos decir con orgullo: “Tenemos nuestro propio teatro nacional ruso. Con razón debería llamarse "Teatro Ostrovsky" Zhuravlev A.I., Nekrasov V.N. Teatro A.N. Ostrovsky. - M.: Arte, 1986, p. 8..

El talento de Ostrovsky, que continuó las mejores tradiciones del drama clásico ruso, afirmando el drama de los personajes sociales y la moral, la generalización profunda y amplia, tuvo una influencia decisiva en todo el desarrollo posterior del drama ruso progresista. En mayor o menor medida, tanto L. Tolstoi como Chéjov aprendieron de él y vinieron de él. Es precisamente con esa línea de la dramaturgia psicológica rusa, que Ostrovsky representó tan magníficamente, con la que también está relacionada la dramaturgia de Gorky. Los autores modernos están aprendiendo y seguirán estudiando las habilidades dramáticas de Ostrovsky durante mucho tiempo.

Sería justo señalar que incluso antes de Ostrovsky, el drama ruso progresista tenía obras magníficas. Recordemos "El menor" de Fonvizin, "Ay de Wit" de Griboyedov, "Boris Godunov" de Pushkin, "El inspector general" de Gogol y "La mascarada" de Lermontov. Cada una de estas obras podría enriquecer y decorar, como bien escribió Belinsky, la literatura de cualquier país de Europa occidental.

Pero estas obras fueron muy pocas. Y no determinaron el estado del repertorio teatral. En sentido figurado, se elevaban por encima del nivel del drama de masas como montañas raras y solitarias en una llanura desértica interminable. La inmensa mayoría de las obras que llenaron el escenario teatral de esa época fueron traducciones de vodeviles vacíos y frívolos y melodramas desgarradores tejidos a partir de horrores y crímenes. Y el vodevil y el melodrama, terriblemente lejos de vida real Además, no eran ni siquiera una sombra de la verdadera realidad rusa.

Desarrollo rápido realismo psicológico, que observamos en la segunda mitad del siglo XIX, también se manifestó en el drama. El interés por la personalidad humana en todos sus estados obligó a los escritores a buscar medios para su expresión. En el drama, el principal medio de este tipo era la individualización estilística del lenguaje de los personajes, y el papel principal en el desarrollo de este método correspondió a Ostrovsky.

Además, Ostrovsky intentó ir más allá en el psicologismo, en el camino de proporcionar a sus personajes la máxima libertad posible en el marco del plan del autor; el resultado de tal experimento fue la imagen de Katerina en "La tormenta". Alexander Nikolaevich Ostrovsky consideró el comienzo de su andadura literaria en 1847, cuando leyó con gran éxito la obra "Cuadro de familia" en casa del profesor y escritor SP. Shevyreva. Su próxima obra, "Nuestra gente: ¡seremos contados!" (título original “En bancarrota”) dio a conocer su nombre en toda Rusia. Desde principios de los años 50. Colabora activamente en la revista del historiador M.P. Pogodin "Moskvityanin" y pronto, junto con A.A. Grigoriev, L.A. Otros y yo formamos el “joven consejo editorial” de “Moskvityanin”, que intentó hacer de la revista un órgano de una nueva corriente de pensamiento social, cercana al eslavofilismo y anticipando el pochvenismo. La revista promovió el arte realista, el interés por la vida popular y el folclore, la historia rusa, especialmente la historia de las clases desfavorecidas.

Ostrovsky llegó a la literatura como creador de un estilo teatral distintivo a nivel nacional, basado en una poética basada en la tradición folclórica. Esto resultó posible porque comenzó con la descripción de los estratos patriarcales del pueblo ruso, que conservaron el modo de vida familiar, cotidiano y cultural prepetrino, casi no europeizado. Este era todavía un ambiente “prepersonal”; para representarlo, se podía utilizar lo más ampliamente posible la poética del folclore con su extrema generalidad, con tipos estables, como inmediatamente reconocibles para los oyentes y espectadores, e incluso con un tema principal que se repite. situación de la trama: la lucha de los amantes por su felicidad. Sobre esta base, se creó el tipo de comedia psicológica popular de Ostrovsky. Literatura rusa de los siglos XIX y XX / Comp. BS Bugrov, M.M. Golubkov. - M.: Aspecto Press, 2000, p. 202..

Es importante comprender qué predeterminó la presencia del drama psicológico en la obra de Alexander Nikolaevich Ostrovsky. En nuestra opinión, en primer lugar, por el hecho de que inicialmente creó sus obras para el teatro, para su puesta en escena. La representación fue para Ostrovsky la forma más completa de publicar una obra. Sólo durante la representación teatral la ficción dramática del autor adquiere una forma completamente acabada y produce exactamente el impacto psicológico que el autor se propuso como objetivo. La voz del espectador - un contemporáneo. (F.A. Koni sobre A.N. Ostrovsky)//Literatura en la escuela. - 1998. - No. 3. - págs. 18-22..

Además, en la época de Ostrovsky, el público del teatro era más democrático, más "variado" en su nivel social y educativo que los lectores. Según la justa opinión de Ostrovsky, para percibir la ficción se necesita un cierto nivel de educación y el hábito de leer seriamente. El espectador puede ir al teatro simplemente para entretenerse, y corresponde al teatro y al dramaturgo hacer de la representación un placer y una lección moral. En otras palabras, una representación teatral debe tener el máximo impacto psicológico en el espectador.

La atención a la existencia escénica del drama también determina la especial atención del autor a las características psicológicas de cada personaje: tanto el principal como el secundario.

El psicologismo de la descripción de la naturaleza predeterminó el escenario futuro de la escena.

UN. Ostrovsky asignó un papel importante al título de cada una de sus obras, centrándose también en una mayor producción escénica, que en general no era típica de la literatura rusa de la era del realismo. El hecho es que el espectador percibe la obra de inmediato; no puede, como el lector, detenerse a pensar o volver al principio. Por lo tanto, el autor debe inmediatamente sintonizarlo psicológicamente con tal o cual tipo de espectáculo que está a punto de ver. El texto de la obra, como se sabe, comienza con un cartel, es decir, un título, una definición del género y una lista de personajes brevemente descritos. De este modo, ya el cartel informaba al espectador sobre el contenido y “cómo terminará”, y a menudo también sobre la posición del autor: con quién simpatiza, cómo valora el resultado de la acción dramática. Géneros tradicionales en este sentido eran los más definidos y claros. Comedia significa que para los personajes con los que simpatizan el autor y el espectador, todo terminará bien (el significado de este bienestar puede, por supuesto, ser muy diferente, a veces en desacuerdo con la percepción pública) Zhuravleva A.I. Obras de A.N. Ostrovsky en el escenario del teatro//Literatura en la escuela. - 1998. - No. 5. - págs. 12-16..

Pero a medida que la vida representada en la obra se volvió más compleja, se hizo cada vez más difícil dar una definición clara del género. Y, a menudo rechazando el nombre de "comedia", Ostrovsky llama al género "escenas" o "imágenes". "Escenas": este género apareció en Ostrovsky en su juventud. Luego se le asoció con la poesía " escuela natural"Y era algo así como un ensayo dramatizado, que representaba tipos característicos de una trama, que es un episodio separado, una imagen de la vida de los personajes. En las “escenas” y “imágenes” de las décadas de 1860 y 1870 vemos algo diferente. Aquí tenemos una trama plenamente desarrollada, un desarrollo consistente de acción dramática que conduce a un desenlace que agota por completo el conflicto dramático. La línea divisoria entre “escenas” y comedia no siempre es fácil de determinar durante este período. Quizás podamos señalar dos razones de la negativa de Ostrovsky a aceptar tradicionalmente definición de género. En algunos casos, al dramaturgo le parece que el incidente divertido discutido en la obra no es lo suficientemente típico y "a gran escala" para una generalización profunda y conclusiones morales importantes, y así es exactamente como Ostrovsky entendió la esencia de la comedia (por ejemplo, “No todo es Maslenitsa para el gato”). En otros casos, en la vida de los héroes había demasiada tristeza y dificultad, aunque el final resultó exitoso ("Abyss", "Late Love") de A.I. Obras de A.N. Ostrovsky en el escenario del teatro//Literatura en la escuela. - 1998. - No. 5. - págs. 12-16..

En las obras de las décadas de 1860-1870, hubo una acumulación gradual de drama y la formación de un héroe necesario para el género dramático en el sentido estricto de la palabra. Este héroe, ante todo, debe tener una conciencia personal desarrollada. Mientras no se sienta interior y espiritualmente opuesto al medio ambiente, no se separe de él en absoluto, puede evocar simpatía, pero aún no puede convertirse en el héroe de un drama, lo que requiere una lucha activa y eficaz del héroe con circunstancias. La formación de la dignidad moral personal y el valor extraclase de una persona en la mente de los trabajadores pobres y las masas urbanas atrae el gran interés de Ostrovsky. El aumento del sentido de individualidad provocado por la reforma, que ha capturado a sectores bastante amplios de la población rusa, proporciona material y sienta las bases para el drama. EN mundo del arte Ostrovsky, con su brillante don cómico, un conflicto de naturaleza dramática a menudo continúa resolviendo en una estructura dramática. "La verdad es buena, pero la felicidad es mejor" resulta ser una comedia que se encuentra literalmente en el umbral del drama: la próxima "gran obra", de la que se habla en la carta citada anteriormente, es "La dote". Habiendo concebido inicialmente "escenas" a las que no daba mucha importancia, Ostrovsky, en el curso de su trabajo, sintió la importancia de los personajes y el conflicto. Y creo que el punto aquí está principalmente en el héroe: Platon Zybkin.

Un amigo de la juventud de Ostrovsky, el maravilloso poeta y crítico A.A. Grigoriev vio en Chatsky "una de las mayores inspiraciones" de Ostrovsky. También llamó a Chatsky "la única figura heroica de nuestra literatura" (1862). A primera vista, la observación del crítico puede sorprender: Griboedov y Ostrovsky describieron mundos muy diferentes. Sin embargo, en un nivel más profundo, se revela la incondicional corrección del juicio de Grigoriev.

Griboyedov creó en el drama ruso el tipo de "gran héroe", es decir, un héroe que, a través de una palabra directa y líricamente cercana al autor, revela la verdad, evalúa los acontecimientos que ocurren en la obra e influye en su curso. Fue un héroe personal que tuvo independencia y resistió las circunstancias. En este sentido, el descubrimiento de Griboedov influyó en todo el curso posterior de la literatura rusa del siglo XIX y, por supuesto, en Ostrovsky.

La atención a un espectador amplio, inmediato en sus percepciones e impresiones, determinó la marcada originalidad de la dramaturgia de Ostrovsky. Estaba convencido de que el público de los dramas y tragedias necesitaba "un suspiro profundo en todo el teatro, necesitaba lágrimas cálidas y sinceras, discursos ardientes que llegaran directamente al alma".

Ante estas exigencias, el dramaturgo escribió obras de gran intensidad ideológica y emocional, cómicas o dramáticas, obras que “cautivan el alma, haciéndote olvidar el tiempo y el lugar”. Al crear obras, Ostrovsky se basó principalmente en las tradiciones del drama popular, en las exigencias de un drama fuerte y una gran comedia. “Los autores rusos quieren probar suerte”, afirmó, “frente a un público fresco, cuyos nervios no son muy flexibles, lo que requiere un drama fuerte, una gran comedia, provocando risas francas y fuertes, sentimientos ardientes y sinceros, personajes vivaces y fuertes. .”

El famoso crítico de teatro F.A. Kony, famoso por su franqueza y valentía, inmediatamente apreció alta calidad obras de Ostrovsky. Koni consideraba que una de las ventajas de una obra dramática era la simplicidad del contenido, y vio esta simplicidad, elevada al nivel artístico, en las comedias de Ostrovsky en la representación de rostros. Koni escribió, en particular, sobre la obra “Los moscovitas”: “El dramaturgo me hizo enamorarme de los personajes que creó. Me enamoré de Rusakov, Borodkin y Dunya, a pesar de su característica torpeza externa, porque fue capaz de revelar su lado humano interior, que no pudo evitar conmover la humanidad del público. Para la obra “Moscovitas” // Repertorio y panteón de la escena rusa. - 1853. - No. 4. - Pág. 34//Ver. Kotikova P.B. La voz del espectador - un contemporáneo. (F.A. Koni sobre A.N. Ostrovsky)//Literatura en la escuela. - 1998. - No. 3. - págs. 18-22..

También A.F. Koni señaló el hecho de que antes de Ostrovsky, "ni siquiera los contrastes (psicológicos) están permitidos en la comedia rusa: todos los rostros están en el mismo bloque; todos, sin excepción, son sinvergüenzas y tontos". ¿Cuál es la nacionalidad rusa? // Repertorio y panteón de la escena rusa. - 1853. - No. 4. - P. 3//Ver. Kotikova P.B. La voz del espectador - un contemporáneo. (F.A. Koni sobre A.N. Ostrovsky)//Literatura en la escuela. - 1998. - No. 3. - págs. 18-22..

Por lo tanto, podemos decir que ya en la época de Ostrovsky, los críticos notaron la presencia en sus obras dramáticas de un psicologismo sutil que podía influir en la percepción que el público tenía de los personajes de las obras.

Cabe señalar que en sus comedias y dramas Ostrovsky no se limitó al papel de acusador satírico. Retrató vívida y comprensivamente a las víctimas del despotismo sociopolítico y familiar, trabajadores, amantes de la verdad, educadores, protestantes de buen corazón contra la tiranía y la violencia. Estos héroes suyos eran "rayos de luz" en el oscuro reino de la autocracia, presagiando la inevitable victoria del juez Lakshin V.Ya. Teatro Ostrovsky. - M.: Arte, 1985, p. 28..

Castigando a los que estaban en el poder, los "opresores", los tiranos con un juicio terrible, simpatizando con los desfavorecidos, dibujando héroes dignos de imitación, Ostrovsky convirtió el drama y el teatro en una escuela de moral social.

El dramaturgo no sólo hizo de los héroes positivos de sus obras personas de trabajo y progreso, portadores de la verdad y la sabiduría del pueblo, sino que también escribió en nombre del pueblo y para el pueblo. Ostrovsky describió en sus obras la prosa de la vida, la gente corriente en circunstancias cotidianas. Pero elevó esta prosa de la vida al marco de tipos artísticos de enorme generalización.

Introducción 3-8

Capítulo 1. Características generales de la creatividad de A.N. Ostrovsky.

Hitos en la vida de un dramaturgo. 9-28

Capitulo 2. La historia de la creación de la obra "The Deep". 29-63

§ 1. Análisis de las discrepancias más importantes en el original.

y versiones finales manuscritas. 34-59

§ 2. Obra de A.N. Ostrovsky sobre las acotaciones escénicas. 60-63

Conclusión 63-72

Bibliografía 73-76

Desde cualquier lado que miremos

actividades del Sr. Ostrovsky, debemos

reconozcamosla como la más brillante,

la actividad más envidiable de la modernidad

Literatura rusa que es importante para nosotros.

/A.Druzhinin/

Introducción .

La obra de Alexander Nikolaevich Ostrovsky es un fenómeno excepcional en la historia de la literatura y el teatro rusos. En términos de amplitud de fenómenos de vida y diversidad. medios artísticos A.N. Ostrovsky no tiene igual en el drama ruso. Escribió unas 50 obras de teatro. Un contemporáneo del dramaturgo I.A. Goncharov creía que A.N. Ostrovsky creó su propio mundo especial, creó el teatro nacional ruso.

No se puede sobreestimar el papel de Alexander Nikolaevich Ostrovsky en la historia del desarrollo del drama ruso. Su contribución a Cultura nacional en comparación con nombres tan conocidos como Shakespeare (Inglaterra), Lope de Vega (España), Moliere (Francia), Goldoni (Italia), Schiller (Alemania).

Entre las obras de la primera mitad del siglo XIX se encuentran obras maestras del drama realista como "Ay de Wit" de Griboyedov, "Boris Godunov" y "Pequeñas tragedias" de Pushkin, "El inspector general" y "El matrimonio" de Gogol. destacó especialmente. Estas destacadas obras realistas delinearon claramente las tendencias innovadoras del drama ruso.

La inmensa mayoría de las obras que llenaron el escenario teatral fueron traducciones y adaptaciones de obras de Europa occidental. Ahora nadie conoce los nombres de M.V. Kryukovsky (“Pozharsky”, 1807), S.I. Viskovaty (“Ksenia y Temir”, ¿1810?)

Después de la derrota de los decembristas (A.N. Ostrovsky, el futuro dramaturgo famoso, tenía solo dos años), aparecieron en el repertorio teatral obras cosidas apresuradamente, en las que el lugar principal lo ocupaban coqueteos, escenas de farsa, anécdotas, errores, accidentes, sorpresa, confusión, disfrazarse, esconderse. Bajo la influencia de la lucha social, el vodevil cambió en su contenido. Al mismo tiempo, junto con el vodevil, el melodrama gozaba de gran popularidad.

El melodrama de V. Ducange y M. Dunod "Treinta años o la vida de un jugador", traducido del francés, se representó por primera vez en Rusia en 1828. Este melodrama, que tuvo éxito, se representó a menudo tanto en los teatros de la capital como en los de provincia. Ostrovsky también demostró su excepcional popularidad en el drama "The Deep". Los guardianes de la pureza moral del "Northern Bee" y otros órganos de la prensa reaccionaria estaban indignados por el hecho de que el melodrama rompía las normas morales habituales: el crimen estaba justificado y evocaba simpatía por personajes aparentemente negativos. Pero no se puede prohibir. Fortaleció aún más el orden de servidumbre autocrático.

En el siglo XIX, aparecieron traducciones de obras de dramaturgos progresistas del romanticismo de Europa occidental, por ejemplo Schiller (Intriga y amor, 1827, Carlos, 1830, Guillermo Tell, 1830, Los ladrones, 1828, 1833, 1834) y V. Hugo ( “Angelo, tirano de Padua”, 1835-1836, la obra fue puesta en escena traducida por M.V. Samoilova bajo el título “Actriz veneciana”). Belinsky y Lermontov crearon sus obras durante estos años, pero en la primera mitad del siglo XIX no se representaron en el teatro.

N.V. Gogol contribuyó al establecimiento de una identidad nacional y realista en el teatro, y A.N. Ostrovsky en el campo del teatro. El dramaturgo no sólo convirtió a los trabajadores, portadores de la verdad y la sabiduría del pueblo, en héroes positivos de sus obras, sino que también escribió en nombre del pueblo y para el pueblo.

Al saludar al dramaturgo con motivo del 35 aniversario de su carrera, Goncharov escribió que A.N. Ostrovsky trajo como regalo a la literatura toda una biblioteca de obras de arte y creó su propio mundo especial para el escenario. El escritor también apreció el importante papel del dramaturgo en la creación de la cultura rusa. teatro nacional.

A.N. Ostrovsky influyó no solo en el desarrollo del drama y el teatro nacionales, los grandes talentos de A.E. Martynov, L.P. Kositskaya-Nikulina, K.N Rybakov, M.N.

N.S. Vasilyeva recordó: “Ostrovsky dio tal esquema a cada personaje de la obra que al actor le resultó fácil reproducir las intenciones del autor. La caracterización fue clara. ¡Y con qué sentido figurado, con qué entusiasmo y variedad de entonación leía escenas populares! ¡Los artistas lo escuchaban con reverencia!

Durante casi medio siglo, A.N Ostrovsky fue un cronista de la vida rusa y respondió rápidamente a las nuevas tendencias. Fenómeno social, trajo al escenario personajes que recién se estaban formando.

Al leer sus obras, uno se interesa por la historia de su creación. Como saben, L.N. Tolstoi reescribió sus obras muchas veces, F.M. Dostoievski tampoco construyó de inmediato las tramas de sus novelas. ¿Cómo trabajó A.N.Ostrovsky?

En la Biblioteca Estatal de Rusia, en el Departamento de Manuscritos, se almacenan manuscritos de muchas obras de A.N Ostrovsky, como "La tormenta", "Nuestra gente: seremos contados", "La dote", "Lobos y ovejas" y otras. , incluido el manuscrito del drama "The Deep", la más importante entre las obras de A.N. Ostrovsky sobre la modernidad después de "The Thunderstorm".

El propósito de este trabajo es, en el proceso de análisis del manuscrito de la obra “El Abismo”, mostrar en primer lugar el camino que tomó el dramaturgo, realizando cambios y adiciones al texto original de la obra, y determinar su lugar en la dramaturgia de A.N. Ostrovsky.

Antes de pasar a las características del manuscrito, conviene decir algunas palabras sobre el trabajo de A.N. Ostrovsky sobre las obras. La obra del dramaturgo se divide en tres etapas. En la primera etapa, A.N. Ostrovsky observó a las personas que lo rodeaban y sus relaciones. No hice ningún boceto, lo guardé todo en mi cabeza. Casi todos los personajes principales de muchas de las obras de A.N. Ostrovsky tienen al menos dos prototipos, y él mismo los señaló. Esto enfatiza una vez más el hecho de que el dramaturgo no inventó sus personajes y situaciones, sino que se guió por las colisiones de la vida. Por ejemplo, el prototipo de Neschastlivtsev en la obra "Bosque" fue el actor N.H. Rybnikov. Los prototipos también fueron actores provinciales, en quienes A.N. Ostrovsky vio talento.

Habiendo acumulado suficiente información, A.N. Ostrovsky pasó a comprender todo lo que veía, creyendo que un escritor debería estar al nivel de las exigencias avanzadas de la época. Cabe señalar que en esta etapa de su obra creativa el dramaturgo tampoco realizó bocetos de obras de teatro.

Sólo después de organizar sus impresiones A.N. Ostrovsky pasó a redactar un guión. Casi siempre había un solo borrador, pero en el proceso de trabajo siempre aparecían nuevos pensamientos. Por lo tanto, al revisar el borrador, aparecieron inserciones, se tacharon ciertos puntos y se imprimió un trabajo completamente formado y bien pensado.

Habiendo recurrido a estudios literarios y trabajos de investigación sobre la obra de A.N. Ostrovsky de autores como L.R. Kogan, V.Ya.Lakshin, G.P. Pirogov, A.I. Revyakin y otros, el autor de este trabajo no encontró suficiente información completa sobre el drama. The Deep”, sin olvidar que su manuscrito quedó desatendido y no fue descrito desde el punto de vista de la investigación en ningún trabajo.

De gran interés es el trabajo de N.P. Kashin "Estudios sobre A.N. Ostrovsky", que proporciona un análisis de los manuscritos de obras como "Nuestra gente: seremos contados", "No te sientes en tu propio trineo", "Tormenta", "La pobreza no es un vicio" y muchos otros. Pero incluso este autor ignoró la obra "The Deep", aunque en su dramatismo y características psicológicas de las imágenes, así como en su idea, no es de ninguna manera inferior a las obras de A.N. Ostrovsky, que ya se han convertido en libros de texto. No es casualidad que en 1973, en el 150 aniversario de A.N. Ostrovsky, el teatro que lleva su nombre presentara la obra "El Abismo", como una de las obras más significativas e inmerecidamente olvidadas del gran dramaturgo. La obra fue un gran éxito y se presentó durante varias temporadas en el Teatro Maly.

El autor de esta obra se tomó la molestia de "caminar junto con A.N. Ostrovsky" por el camino creativo de la creación de la obra "The Deep" desde su concepción hasta la versión final y determinar su lugar en la obra del dramaturgo. Así, paso a paso, página a página abierta. laboratorio creativo creando una obra de teatro.

Al trabajar en el manuscrito, se utilizó el método de investigación textual descrito en los trabajos de D.S. Likhachev, E.N Lebedeva y otros. Este método le permite identificar discrepancias, comprender el movimiento del pensamiento del autor desde la idea hasta su implementación, es decir, rastrear la formación gradual del texto.

Hay dos propósitos del estudio textual:

1.Preparación del texto para su publicación.

2. Análisis literario del texto.

El propósito del estudio en este trabajo es un análisis literario del texto de la obra “The Deep”, asociado a dilucidar su historia de creación para una comprensión más profunda de la intención del autor, el contenido y la forma de la obra, y la intención del dramaturgo. Técnica de trabajo en el manuscrito de la obra.

El análisis textual implica las siguientes etapas:

1.Estudiar historia creativa creación de una obra.

2. Comparación de todas las opciones de borrador.

3. Familiarización con las respuestas, si el trabajo fue leído antes de su publicación.

4. Comparación de planos, bocetos, borradores y manuscritos en blanco.

En este trabajo solo se utilizó la primera etapa del análisis textual, ya que solo existe un borrador de la obra de A.N Ostrovsky "The Deep", que se convirtió en el tema del estudio.

El resultado de este minucioso, pero muy trabajo interesante se convirtió en este trabajo, que es un intento del primer (quizás el único) estudio del manuscrito de la obra de A.N. Ostrovsky "The Deep".

Capítulo 1 Características generales de la obra de A.N. Ostrovsky.

Hitos en la vida de un dramaturgo.

Alexander Nikolaevich Ostrovsky nació en Moscú el 31 de marzo (12 de abril de 1823) en la familia del funcionario Nikolai Fedorovich Ostrovsky. Era el mayor de la familia. El padre de Alexander Nikolaevich era un hombre educado, se graduó en la academia teológica, avanzó rápidamente en su carrera y se dedicó con éxito a la práctica privada: era abogado, dirigía los asuntos de los comerciantes. Esto le dio la oportunidad de construir su propia casa en Zamoskvorechye, donde podía invitar a maestras a domicilio y a maestras visitantes para sus hijos.

En 1825, se convirtió por primera vez en secretario de tiempo completo del primer departamento de la Cámara del Tribunal Civil de Moscú, luego fue ascendido a asesor titular y finalmente recibió el rango de asesor colegiado. Esto le dio el derecho a la nobleza hereditaria.

Nikolai Fedorovich, que en su juventud escribía poesía y seguía la literatura más reciente, estaba suscrito a todas las revistas más importantes: Moscow Telegraph, Otechestvennye Zapiski, Library for Reading, Sovremennik. Compiló una biblioteca importante, que Alexander Nikolaevich utilizó más tarde. Un evento importante En la vida del joven dramaturgo estuvo la aparición en la casa de su madrastra, la baronesa Emilia Andreevna von Tessin. Junto con ella, nuevos gustos y hábitos entraron en la casa de Ostrovsky; se prestó especial atención a la enseñanza de música, idiomas y modales sociales a los niños.

En 1835, Alexander Nikolaevich ingresó al tercer grado del primer gimnasio de Moscú y en 1840 se graduó con honores. Luego, ese mismo año, ante la insistencia de su padre, solicitó la admisión en la Facultad de Derecho de la Universidad de Moscú.

El futuro dramaturgo escuchó y aprobó con éxito cursos de educación general impartidos por brillantes profesores: D.L. Kriukov ( historia antigua), P.G Redkin (historia del derecho ruso), T.N Granovsky (secundaria y Nueva historia) y muchos otros.

En el segundo año se impartieron materias altamente especializadas que no interesaban a Ostrovsky. Habiendo recibido una puntuación negativa al ingresar al tercer año, el joven dramaturgo abandonó la universidad.

El padre se molestó y designó a su hijo como funcionario del Juzgado de Comercio.

El servicio no cautivó a Alexander Nikolaevich, pero le proporcionó un rico material para la creatividad.

En los años 40, A.N. Ostrovsky comenzó a realizar sus primeras obras. Fue durante esta década cuando el realismo finalmente surgió y triunfó como movimiento literario líder.

“Formado en los años 40 bajo la influencia de Belinsky y Herzen, quienes defendieron las ideas de negar el régimen de servidumbre feudal entonces predominante, Ostrovsky vio la máxima expresión de la nacionalidad en la dirección acusatoria y satírica, en las obras de Kantemir, Fonvizin, Kapnist. , Griboédov y Gógol. Escribió: “Cuanto más elegante es la obra, más popular es, más elemento acusatorio contiene... El público espera que el arte presente su juicio sobre la vida de forma viva y elegante, espera la combinación de los vicios modernos. y las deficiencias detectadas en el siglo en imágenes completas”.

Las primeras obras dramáticas de A.N. Ostrovsky: "Family Picture" (1847) y "Our People - Let's Be Numbered!" (1850) están dedicadas principalmente a tipos negativos y críticas a la tiranía despótica en las relaciones familiares y cotidianas.

Dobrolyubov escribió que A.N. Ostrovsky "encontró la esencia de las (requisiciones) generales de la vida en un momento en que estaban ocultas y expresadas de manera muy débil".

Ideas que tuvieron especial éxito entre los jóvenes durante estos años socialismo utópico, ateísmo y revolución. Esta fue una manifestación del movimiento de liberación asociado con la lucha contra la servidumbre.

Como sus amigos más cercanos, A.N. Ostrovsky en la segunda mitad de los años 40 estuvo influenciado por las opiniones de su época.

En esta época, el peligro público era la quiebra, la lucha por el dinero, el abandono tanto de los lazos familiares como de las reglas morales. Todo esto se reflejó en las tramas de obras como "Nuestro pueblo, ¡seremos contados!", "La pobreza no es un vicio", "El abismo", "Lobos y ovejas", "Pan de trabajo", "Lugar rentable". .

Una expresión clara de la profunda admiración de A.N. Ostrovsky por el pueblo es su amor por la poesía oral, despertado en la infancia por los cuentos de hadas y las canciones de su niñera. Posteriormente, se fortaleció y se desarrolló bajo la influencia de las aspiraciones generales del dramaturgo y su interés por el campesinado. Posteriormente, A.N. Ostrovsky compartió algunas de sus grabaciones de canciones populares con P.I. Yakushkin, P.V.

Prestando especial atención a la literatura rusa, el dramaturgo también se interesó por los mejores ejemplos de la literatura extranjera: en el gimnasio leyó a Sófocles y en 1850-1851 tradujo "Asinaria" de Plauto e "Hipólito" de Séneca. También A.N. Ostrovsky siguió de cerca la literatura actual de Europa occidental. A finales de los años 40 leyó las novelas "El delito menor del señor Antoine" de George Sand, "Martyn the Foundling" de E. Sue y "Dombey and Son" de Charles Dickens.

En su juventud, A.N. Ostrovsky se familiarizó no solo con la literatura rusa y extranjera, sino también con obras dedicadas a la historia de la cultura y la estética. Los artículos de Belinsky y Herzen le dieron mucho para desarrollar sus gustos literarios y estéticos. Siguiendo a Belinsky, Ostrovsky consideró obligatorio para un escritor un estudio serio de la historia cultural y las últimas teorías estéticas.

A finales de los años 40, A.N. Ostrovsky colaboró ​​​​con Moskvityanin, donde escribió artículos críticos sobre las historias de E. Tur y A.F. Pisemsky, en los que defendía los principios del realismo. El dramaturgo no concebía el realismo fuera de la nacionalidad y, por tanto, el principio definitorio de la estética de A.N. Ostrovsky era la nacionalidad en su comprensión democrática. Apoyándose en las tradiciones realistas de la literatura progresista, exigiendo a los escritores modernos una reproducción fiel de la vida, defendió el principio del historicismo en sus juicios.

A.N.Ostrovsky consideró significativa la primera condición para que una obra fuera artística. Con la totalidad de sus principios ideológicos y estéticos, el dramaturgo afirmó su visión de la literatura como una maravillosa “escuela de moral”, como una poderosa fuerza moral transformadora.

A.N. Ostrovsky ingresó inmediatamente a la literatura como un escritor consagrado: la comedia "Nuestra gente - ¡Seamos contados!", originalmente llamada "En quiebra" y publicada en 1850 en la revista "Moskvityanin", le dio fama en toda Rusia.

En la década de 1850, A.N. Ostrovsky comenzó a organizar veladas literarias en su casa, donde leía sus propias obras. Al principio, estas veladas se desarrollaban en un círculo cercano de amigos, pero luego el número de invitados aumentó. Por regla general, se reunían los sábados, cuando no había funciones en los teatros. Estas lecturas comenzaron en 1846 con escenas de la comedia "Nuestra gente - ¡Seamos contados!", Pero el círculo de oyentes se expandió solo en los años 50.

N.F. Ostrovsky a menudo estaba insatisfecho con su hijo, pero un descontento aún mayor fue causado por el hecho de que Alexander Nikolaevich, habiéndose enamorado de una chica sencilla de un ambiente burgués, la trajo a su casa como esposa. El padre enojado privó a su hijo de toda ayuda financiera. A partir de ese momento comenzó para el dramaturgo una vida difícil, en el plano material.

La difícil situación de la familia (A.N. Ostrovsky ya tenía cuatro hijos en ese momento) constituyó el contenido principal de la vida del dramaturgo en la década de 1850. Gracias a Agafya Ivanovna “con limitaciones recursos materiales, en la sencillez de la vida había alegría en la vida cotidiana. Todo lo que había en el horno lo pusieron sobre la mesa con saludos divertidos y frases afectuosas”, señala el escritor S.V. Ella, según Maksimov, comprendía bien “la vida mercantil de Moscú en sus particularidades, lo que, sin duda, sirvió a su elegido de muchas maneras. Él mismo no solo no rehuyó sus opiniones y críticas, sino que voluntariamente las encontró a mitad de camino, escuchó consejos y corrigió muchas cosas después de leer lo escrito en su presencia y cuando ella misma tuvo tiempo de escuchar las opiniones contradictorias de varios. conocedores. Los probables rumores le atribuyen una gran participación e influencia en la creación de la comedia "Nuestro pueblo - ¡Seamos contados!", al menos en lo que respecta a la trama y su entorno externo.

A mediados de los años 60, A.N. Ostrovsky quedó cautivado por el tema "el poder y el pueblo". Él dedicó su obras historicas: crónica “Kozma Zakharyich Minin - Sukhoruk”, “Dmitry el pretendiente y Vasily Shuisky” y “Tushino”. En sus cartas, el dramaturgo señaló que creó estas obras bajo la impresión de "Boris Godunov" de Pushkin.

A finales de los años 60, las representaciones de veintidós obras de A.N. Ostrovsky fueron un gran éxito en todos los teatros rusos. Las obras no se representaron en su totalidad, ya que los censores cortaron fragmentos de texto de las obras, “los cortaron hasta el fondo”, como señala L.A. Rozanova.

Al dramaturgo le esperaba un golpe terrible: todos los hijos nacidos de este matrimonio murieron. En 1867 murió la amada esposa del dramaturgo, Agafya Ivanovna, y en 1869 se casó con la artista del Teatro Maly de Moscú, Maria Vasilyevna Vasilyeva.

En 1867, el dramaturgo, junto con su hermano Mikhail, compró la finca Shchelykovo a su madrastra. “Debe hacerse una mención especial a Shchelykov en el destino de Ostrovsky. Así como es imposible imaginar la vida y obra de A.S. Pushkin sin Mikhailovsky, L.N. Tolstoi sin Yasnaya Polyana, I.S. Turgenev sin Spassky-Lutovinov, la vida de A.N.

El dramaturgo quedó impresionado por la belleza de esta tierra por primera vez en 1848 y cada año venía a vivir con su padre y su madrastra. Él habló de la casa de la siguiente manera: “La casa es sorprendentemente hermosa tanto desde el exterior con la originalidad de la arquitectura como desde el interior la comodidad del local... La casa se encuentra en una montaña alta, que a derecha e izquierda está excavada con barrancos tan deliciosos, cubiertos de pinos rizados y tilos, que no puedes imaginar nada igual”. Cada año, desde la primavera hasta finales del otoño, A.N. Ostrovsky vivía en Shchelykovo con su familia y amigos. Aquí podía permitirse el lujo de vestir un traje ruso: pantalones, camisa por fuera del pantalón y botas largas.

Estos lugares memorables para el dramaturgo quedaron reflejados en sus obras. Por ejemplo, en "La doncella de las nieves" se describe el pueblo de Subbotino y la pradera adyacente. Algunas de las obras más importantes fueron escritas por Shchelykov: "La simplicidad es suficiente para todo sabio", "No había ni un centavo, pero de repente Altyn", "Corazón cálido", "Bosque", "Dote", "Talentos y admiradores". ”, “Sin culpables” y muchos otros.

“Ostrovsky calificó su nombramiento como una felicidad, ya que recibió una oportunidad práctica de implementar cambios en la vida. Una actividad tan vigorosa en menos de un año minó la fuerza de Ostrovsky”.

“En sus últimos años, Alexander Nikolaevich Ostrovsky dejó en el álbum de M.I. Semevsky, editor de la revista “Russian Antiquity”, un registro de los hechos y acontecimientos más significativos que experimentó. “El día más memorable de mi vida: el 14 de febrero de 1847”, escribió. “A partir de ese día comencé a considerarme un escritor ruso y, sin dudas ni vacilaciones, creí en mi vocación”. Ese día, A.N. Ostrovsky terminó la comedia "Cuadros de felicidad familiar", su primera obra completa y completa.

Luego crearon: "Nuestra gente: seremos contados", "Pobre novia", "Lugar rentable", "Tormenta" y muchas, muchas otras obras.

El 31 de mayo de 1886, A.N. Ostrovsky, enfermo terminal, comenzó a trabajar en una traducción de "Antonio y Cleopatra" de Shakespeare.

El entierro tuvo lugar en el cementerio Nikolo-Berezhki. Por encima de lo abierto

Kropachev pronunció un emotivo discurso de despedida desde la tumba y sus últimas palabras fueron: “ Tu premonición se ha hecho realidad: “el último acto del drama de tu vida ha terminado”!”... Se instaló una cruz en la tumba con la inscripción: “Alexander Nikolaevich Ostrovsky”.

viajeros no descritos...", escribió el gran dramaturgo en sus "Notas de un residente de Zamoskvoretsky".

“...Este país, según las noticias oficiales, se encuentra justo enfrente del Kremlin... Hasta ahora sólo se conocía la posición y el nombre de este país; en cuanto a sus habitantes, es decir, su forma de vida, lengua, moral, costumbres, grado de educación, todo esto estaba envuelto en la oscuridad de lo desconocido”.

A.N. Ostrovsky pasó su infancia, adolescencia y juventud en Zamoskvorechye. Conocía bien a sus habitantes y, desde niño, podía observar la moral, las costumbres y el carácter de los héroes de sus futuras obras. Al crear imágenes del "reino oscuro", A.N. Ostrovsky utilizó impresiones de su infancia, recordadas durante mucho tiempo.

¿Y quién, si no A.N. Ostrovsky, estaba destinado a quitar el velo de la incertidumbre de esta parte de Moscú: Zamoskvorechye?

Introducción de A.N. Ostrovsky a expresión artística Comenzó principalmente con la literatura nativa. La primera comedia que leyó y que le dejó una impresión imborrable fue la comedia de N.R. Sudovshchikov "Un milagro inaudito o un secretario honesto". De los dramaturgos rusos del siglo XVIII, A.N. Ostrovsky apreciaba especialmente a Ablesimov, el creador. ópera cómica"Miller-hechicero, engañador y casamentero".

¿Cómo concibió el dramaturgo las ideas de sus obras?

Durante varios años, A.N. Ostrovsky escribió sólo palabras características del entorno burgués-comerciante con el que tuvo que encontrarse: “él mismo” (amo, cabeza de familia), “amante”, “rusak” y otras. El dramaturgo mostró entonces interés en escribir refranes, descubriendo su significado más profundo. Esto se refleja en los títulos de sus obras: "No te subas a tu propio trineo", "No todo es Maslenitsa para el gato".

La primera de las famosas obras en prosa de A.N. Ostrovsky es "La historia de cómo el guardia trimestral empezó a bailar, o sólo hay un paso de lo grande a lo ridículo". Se pueden sentir influencias gogolianas en él, especialmente en las fotografías de la vida cotidiana.

En 1864-1874, A.N. Ostrovsky retrató como personajes principales a personas que no podían luchar contra los "bien alimentados", pero que tenían un sentido de la dignidad humana. Entre ellos: el empleado Obroshenov (“Jokers”), el honesto funcionario Kiselnikov (“Abyss”) y el trabajador maestro Korpelov (“Labor Bread”). El dramaturgo contrastó marcadamente a los personajes principales con el entorno en el que viven para obligar al lector y al espectador a pensar y sacar conclusiones sobre el orden existente.

En sus obras, A.N. Ostrovsky describe la realidad de la época en la que vivió. El dramaturgo creía que la realidad es la base del arte, la fuente de la creatividad del escritor.

Al vivir en Zamoskvorechye, A.N. Ostrovsky no solo logró estudiar suficientemente los personajes de los comerciantes, los comerciantes y sus familias, sino que también los muestra con sinceridad en sus obras.

En total, A.N. Ostrovsky creó 47 obras originales, escribió 7 junto con otros escritores y tradujo más de 20 obras dramáticas de otros idiomas. En 1882, I.A. Goncharov le escribió: “Tú solo completaste el edificio, en cuyos cimientos Fonvizin, Griboedov y Gogol pusieron las piedras angulares... Te saludo como el creador inmortal de la estructura interminable de creaciones poéticas... donde vemos con nuestros propios ojos y escuchamos la verdadera y original vida rusa..."1

El primer período de creatividad de A.N. Ostrovsky (1847-1860).

La actividad literaria de A.N Ostrovsky comenzó en 1847 con la publicación en la "Lista de ciudades de Moscú" de cuentos y ensayos bajo el título general "Notas de un residente de Zamoskvoretsky" el extracto dramático "Cuadros de la vida de Moscú" ("Deudor insolvente" y "Imagen" también apareció aquí). Sin embargo, los primeros experiencia literaria A.N. Ostrovsky se remonta a 1843: esta es "La historia de cómo el guardián del trimestre empezó a bailar, o de lo grande a lo ridículo solo hay un paso". Las primeras publicaciones literarias fueron prosaicas: el cuento inacabado "No se llevaban bien" (1846), los ensayos y los cuentos "Biografía de Yasha", "Zamoskvorechye de vacaciones" y "Kuzma Samsonych" (1846-1847). "Notas de Zamoskvoretsko

1 Goncerov I.A. Recopilación op. en 8 vols., vol 8., M.: 1980, p. 475

"El conocimiento del Teatro Maly, su repertorio y la amistad personal con muchos de los actores contribuyeron a que Ostrovsky abandonara los estudios de prosa y comenzara a escribir obras de teatro".

A.N.Ostrovsky estaba sirviendo en un tribunal comercial cuando empezó a pensar en un nuevo trabajo. El fruto de un largo trabajo interno fue la obra "En quiebra", que más tarde recibió el nombre de "Nuestra gente: ¡seamos contados!". La fuerza impulsora es el conflicto entre padres e hijos sobre la base de la "iluminación", la "educación". Es sorprendente que la obra aún no se hubiera publicado y los rumores al respecto se extendieran por todo Moscú. Se leyó en los salones literarios y en los círculos domésticos de Moscú, y la lectura del primer autor tuvo lugar en la segunda mitad de 1849 en el apartamento de M.N Katkov, en Merzlyakovsky Lane. (En ese momento M.N. Katkov era adjunto en el Departamento de Filosofía de la Universidad de Moscú). El joven dramaturgo apenas comenzaba su andadura y aún no podía acostumbrarse a los elogios que le entusiasmaban gratamente. Entre los oyentes de la nueva obra de A.N. Ostrovsky se encontraban S.P. Shevyrev, A.S. Khomyakov, T.N. Las críticas fueron unánimemente entusiastas.

En 1849, A.N. Ostrovsky fue invitado a leer una nueva obra de M.P. Pogodin, editor y editor de "Moskvityanin". A M.P. Pogodin le gustó tanto la nueva obra de A.N. Ostrovsky que pronto (1850) la publicó en su revista, en la sección "Literatura rusa". A partir de ese momento se inició la colaboración del dramaturgo con esta revista.

Poco después de leer su obra de M.P. Pogodin, A.N. Ostrovsky decidió presentarle a sus amigos. Y así, en la comunidad literaria de Moscú y San Petersburgo empezaron a hablar de los “jóvenes editores” de “Moskvityanin”, que por entonces ya contaba su décimo año. Entre los autores se encontraban A.N. Ostrovsky, A.A. Grigoriev, T.I. Filippov y otros, junto con N.V. Gogol, V.A. Zhukovsky, P.A.

La comunicación con M.P Pogodin y sus amigos eslavófilos no pasó desapercibida para A.N Ostrovsky y tuvo un impacto en la obra del dramaturgo (las obras "No te subas a tu propio trineo", "La pobreza no es un vicio", "Don. "No vives así”, como quieras"). Pero también hubo contradicciones entre el editor y los “jóvenes editores” que querían tener una mayor independencia. M.P. Pogodin no creía que los jóvenes pudieran conservar las leyendas de Karamzin y Pushkin en la revista. A principios de los años 50, Moskvityanin publicó obras como "La pobre novia" (1852), "No te subas al trineo" (1853), "No vivas como quieres" (1855). Una valiosa adquisición de "Moskvityanin" fue la colaboración de P.I. Melnikov y Pisemsky.

Pronto M.P. Pogodin comenzó a señalar puntos débiles revista. Uno de sus amigos le aconsejó amablemente: “Siempre hay muchos errores tipográficos. Incluso otras revistas empezaron a imitarte en esto. Apariencia moskvitiano no es elegante, las fuentes son trilladas y feas: para nada

Sería malo que imitaras en este caso. Contemporáneo, la revista rusa más elegante."

En octubre de 1857, Apollon Grigoriev fue aprobado como editor de Moskvityanin, pero en ese momento ya estaba en Italia y Moskvityanin tuvo que cerrarse.

El 14 de enero de 1853 se presentó la comedia "No te sientes en tu propio trineo", la primera obra representada en el teatro. La actriz Lyubov Pavlovna Kositskaya, ya muy conocida en ese momento, aceptó desempeñar el papel principal. El animado discurso, rico en colores cotidianos, asombró a los presentes. M.P. Lobanov escribe sobre esto de esta manera: “Pero lo que siguió fue lo que ya era el pináculo de la actuación, lo que permaneció para siempre, por el resto de sus vidas, en la memoria de aquellos que tuvieron la suerte de ver a Sergei Vasiliev. En una conversación con Rusakov, quien le pregunta por qué él, Ivanushka, está triste, Borodkin responde: "Algo está un poco triste". Lo dijo como por casualidad, pero con un sentimiento indescriptible”, como señalaron más tarde los críticos, incapaces de encontrar palabras para expresar la melancolía que se escuchaba en la voz de Borodkin. Comentarios modestos, aparentemente ordinarios, de repente se iluminaron con tal significado y profundidad de sentimiento que fueron toda una revelación para el público, los impactó y causó una impresión asombrosa”.

“Los artistas asumieron sus papeles con tanto entusiasmo, con tal olvido de sí mismos, que crearon la impresión de total vitalidad de lo que estaba sucediendo en el escenario. Existía lo que el propio Ostrovsky llamaría más tarde una “escuela natural Y expresivo juegos".

Ivan Aksakov le escribió a Turgenev que la impresión que causó la obra

A.N. Ostrovsky en el escenario, “difícilmente puede compararse con ninguna impresión experimentada anteriormente”.

Khomyakov escribió: "El éxito es enorme y bien merecido".

Este éxito del dramaturgo le abrió las puertas al naciente Teatro Ostrovsky.

Con la llegada de A.N. Ostrovsky al Teatro Maly, el teatro en sí cambió. apareció en el escenario gente sencilla en pantuflas, botas engrasadas, vestidos de algodón. Los actores de la generación anterior hablaron negativamente del dramaturgo. A partir de las obras de A.N. Ostrovsky, los principios de la dramaturgia nacional realista se establecen en el teatro ruso. “El espectador no debe tener ante sí una obra de teatro, “sino la vida, para que haya una completa ilusión, para que olvide que está en el teatro”: esta es la regla que siguió el dramaturgo. Lo alto y lo bajo, lo cómico y lo dramático, lo cotidiano y lo inusual se combinan de manera realista en sus obras”.

Una nueva etapa en la obra del dramaturgo fue la colaboración con la revista Sovremennik. Los frecuentes viajes de A.N. Ostrovsky de Moscú a San Petersburgo lo unieron al salón literario de I.I. Fue aquí donde conoció a L.N. Tolstoi, I.S. Turgenev, F.M. Dostoievski, N.A. Nekrasov, N.A. Dobrolyubov y muchos otros autores de la revista, que en ese momento estaba editada por N.A. Durante bastante tiempo, A.N. Ostrovsky colaboró ​​​​con Sovremennik, que publicó las obras "Un sueño festivo antes de cenar" (1857), "Los personajes no se llevaban bien" (1858), "Un viejo amigo es mejor que dos nuevos". (1860), "Kozma" Zakharyich Minin-Sukhoruk" (1862), "Días difíciles" (1863), "Jokers" (1864), "Gobernador" (1865), "En un lugar animado" (1865). Después del cierre de la revista en 1866, el dramaturgo publicó casi todas sus obras en la revista Otechestvennye zapiski, que se convirtió en su sucesora, editada por N.A. Nekrasov, y luego por M.E. Saltykov-Shchedrin, G. Eliseev y N. Mikhailovsky. .

En 1856, A.N. Ostrovsky participó en la expedición etnográfica del Ministerio Marítimo y fue a estudiar la vida, las condiciones de vida, la cultura y la pesca en las ciudades del Volga desde el alto Volga hasta Nizhny Novgorod. El viaje a lo largo del Volga proporcionó material tan rico que A.N. Ostrovsky decidió escribir un ciclo de obras bajo el título general "Noches en el Volga". Se suponía que la idea principal del ciclo era la idea de continuidad en la vida y la cultura del pueblo ruso, pero estos planes quedaron sin realizarse. Al mismo tiempo, A.N. Ostrovsky comenzó a trabajar en el Diccionario Volga, que luego se convirtió en el Diccionario de la lengua popular rusa. Después de la muerte del dramaturgo, su investigación de diccionario fue transferida a la Academia de Ciencias y utilizada parcialmente en el diccionario académico de la lengua rusa, publicado desde 1891 bajo la dirección de J.K.

El segundo período de creatividad de A.N. Ostrovsky (1860-1875).

Si en la primera etapa de su carrera creativa A.N. Ostrovsky pintó imágenes predominantemente negativas (“La pobreza no es un vicio”, “No vivas como quieres”, “Nuestra gente, ¡seremos contados!” y otras), luego, en la segunda, la principal vía positiva (cayendo en una dulce idealización del mercantilismo, el patriarcado, la religión; en la tercera etapa, a partir de 1855, finalmente llega a la necesidad de una fusión orgánica en sus obras de negación y afirmación) - Esta es gente de trabajo.

El segundo período de 60-75 incluye obras como "Un viejo amigo es mejor que dos nuevos", "Días difíciles", "Jokers", "No todo es Maslenitsa para gatos", "Amor tardío", "Pan de trabajo". , "En un lugar concurrido", "No había ni un centavo, pero de repente era Altyn", "Trilogía sobre Balzaminov", "Los perros muerden" y "El abismo".

Los temas de las obras de A.N. Ostrovsky se ampliaron; se convierte en el representante de todas las clases principales de su época.

“El Moscú educado de los años 40 tenía dos creaciones favoritas de las que estaba orgulloso, con las que unía sus principales esperanzas y simpatías: la universidad y el teatro. En el Teatro Bolshoi reinaban: en la tragedia, Mochalov, en la comedia, el gran Shchepkin”. A.N. Ostrovsky también estaba abrasado por el torbellino de su pasión por Mochalov. Más tarde sugirió que la necesidad de tragedia entre el “público joven” es mayor que la necesidad de comedia o drama familiar: “Necesita un suspiro profundo en el escenario, para todo el teatro, necesita lágrimas cálidas y sinceras, discursos ardientes que lleguen directamente al alma”. 20 años después, en el drama "El Abismo", A.N. Ostrovsky retratará un paseo por el jardín Neskuchny, que conoce de primera mano, y pondrá en boca de los comerciantes y estudiantes ambulantes su tormentosa aprobación de la actuación de Mochalov en el melodrama de Ducange "Treinta". Años o la vida de un jugador”:

"Comerciante. ¡Oh, sí, Mochalov! Respetado.

Esposa. Es sólo que estas actuaciones son demasiado para ver.

lastimosamente; así que incluso demasiado.

Comerciante. Bueno, sí, ¡entiendes muchas cosas!

“En “The Abyss” la tentación diabólica del soborno se describirá con especial fuerza y ​​de alguna manera personal: la vida empuja al secretario del juez por debajo del brazo y no le deja ninguna pista para mantener la honestidad. Aquí está la evidencia clara de que “todos toman”, y el lamento de la madre de que la familia está desapareciendo por el hambre, y el razonamiento del suegro comerciante en el espíritu de que quien necesita acudir a los tribunales todavía prepara dinero: “ No lo aceptarás”. Entonces alguien más se lo quitará”. Todo esto, como era de esperar, termina con el héroe haciendo una pequeña limpieza en el caso y acusando al cliente. gran premio mayor, y luego se vuelve loco de remordimiento."

“En el año de la liberación de los campesinos (1861), A.N. Ostrovsky completó dos obras: una pequeña comedia “Lo que buscas es lo que encontrarás”, donde finalmente se casó con su héroe, Misha Balzaminov, y así completó la trilogía. sobre él; y el fruto de 6 años de trabajo: el drama histórico en verso “Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk”. Dos cosas son polares en género, estilo y objetivos. Al parecer, ¿qué relación tienen con lo que vive y respira la sociedad?” Algunos héroes actúan, otros sólo razonan y, de forma muy rusa, todos sueñan que la felicidad caerá sobre sus cabezas.

A.N. Ostrovsky también piensa en el pueblo, el carácter nacional, cómo se desarrolló y se manifestó en la historia, a lo largo de las páginas del manuscrito de "Minin". El dramaturgo, controlando la historia y el instinto poético, quiso mostrar a un hombre de conciencia y deber interior, capaz de elevar al pueblo a hazañas heroicas en tiempos difíciles. Era un tema nuevo en ese momento.

Después de "Minin", A.N. Ostrovsky escribió un drama en verso sobre la vida del voivoda del siglo XVII, "Un sueño en el Volga" (1865). Contenía páginas sorprendentemente logradas y, después de leerlo, I. S. Turgenev exclamó: “¡Qué poesía, olorosa en algunos lugares, como nuestra arboleda rusa en verano! ¡Ay, amo, amo, este hombre barbudo!

A esto le siguieron las crónicas "Dmitry el pretendiente y Vasily Shuisky" (1866) y "Tushino" (1867).

“Nunca supe cómo hacer una reverencia, correr y halagar a mis superiores; Dicen que con la edad, bajo la presión de las circunstancias, la conciencia de la propia dignidad desaparece, que la necesidad enseñará al kalachi a comer; en mi caso, gracias a Dios, esto no sucedió”, escribió A.N. Ostrovsky en una carta a Gedeonov. El dramaturgo se dio cuenta de que el teatro y la literatura rusos lo respaldaban.

No importaba el otoño, una nueva obra maduraba, se escribía y se representaba en el teatro, marcando las siguientes fechas:

1871 - “No había ni un centavo, pero de repente apareció un altyn”;

1872 - “Conejo del siglo XVII”;

1873 - "La doncella de las nieves", "Amor tardío";

1874 - “Pan del Trabajo”;

1875 - “Lobos y ovejas”, “Novias ricas”, etc....

El tercer período de creatividad de A.N. Ostrovsky (1875-1886).

Cabe señalar que las obras del dramaturgo del tercer período están dedicadas al trágico destino de una mujer en las difíciles condiciones de la Rusia de los años 70 y 80. Este tema incluye obras como "La última víctima" (1877), "La dote" (1878), "El corazón no es una piedra" (1879), "Las esclavas" (1880), "Culpable sin culpa" (1883) y otros. Las heroínas de las obras de A.N. Ostrovsky del tercer período representan la imagen de los esclavos. Las heroínas experimentan el tormento de las esperanzas incumplidas, el amor no correspondido... Sólo unas pocas de estas mujeres logran elevarse por encima de su entorno. Un ejemplo sorprendente de una personalidad tan fuerte es la heroína de la obra "Culpable sin culpa": Kruchinina.

Una vez alguien le comentó a A.N. Ostrovsky que en sus obras idealizaba a las mujeres. A esto el dramaturgo respondió: “Cómo no amar a una mujer, ella dio a luz a Dios por nosotros”. También en las obras del tercer período, aparece ante el lector la imagen de un depredador: un depredador tras las mujeres. A.N. Ostrovsky revela detrás de la noble apariencia de tal depredador el vacío espiritual, el frío cálculo y el egoísmo. En las obras del último período aparecen muchos cameos que ayudan a transmitir la atmósfera de, por ejemplo, una feria ruidosa.

EN Última Reproducción El dramaturgo "No es de este mundo", como en los anteriores, plantea importantes cuestiones morales y psicológicas: el amor, la relación entre marido y mujer, el deber moral y otros.

A finales de los años 70, A.N. Ostrovsky creó varias obras en colaboración con jóvenes dramaturgos: con N.Ya Solovyov - "Happy Day" (1877), "The Marriage of Belugin" (1877), "Savage" (1879). ), “Brilla, pero no calienta” (1880); con P.M. Nevezhin - "Capricho" (1880), "Viejo en una forma nueva" (1882).

En los años 70, A.N. Ostrovsky recurrió voluntariamente a los temas de las crónicas criminales. Fue en ese momento cuando fue elegido juez de paz honorario en el distrito de Kineshma, y ​​en Moscú en 1877 sirvió como jurado en el Tribunal de Distrito. Los juicios proporcionaron muchas historias. Se supone que el argumento de "La dote" le fue sugerido al dramaturgo por un caso de asesinato por celos, visto en el tribunal de primera instancia de Kineshma.

En 1870, gracias a los esfuerzos de A.N. Ostrovsky, se creó una reunión de escritores dramáticos rusos, de la que él era presidente. Para comprender las posiciones estéticas del dramaturgo, es importante señalar que A.N. Ostrovsky intentó frenar el declive del arte teatral en Rusia. Muchos recordaron con admiración la lectura de sus obras por parte de A.N. Ostrovsky y su trabajo con los actores en el papel. A.Ya Panaeva, P.M. Nevezhin, M.I Pisarev y otros escribieron sobre las relaciones con los actores moscovitas, sobre su cálido sentimiento por el dramaturgo.

Capítulo 2. La historia de la creación de la obra “The Deep”.

Gracias al arduo trabajo, A.N Ostrovsky creó cada año. nueva obra Sin embargo, en 1857, los críticos aseguraron a los lectores que no se podía esperar nada más de A.N. Ostrovsky, que su talento se había desvanecido. La inconsistencia de tales declaraciones fue refutada por la aparición de nuevas obras de teatro con talento, en particular, la obra "The Deep".

En mayo de 1865, A.N. Ostrovsky hizo un viaje por el Volga. Al regresar de su viaje, termina una nueva obra, "On a Lively Place", continúa traduciendo de W. Shakespeare y trabaja en obra histórica"Dmitry el pretendiente y Vasily Shuisky". En la segunda quincena de diciembre termina la obra "El abismo", que resume el tema de Zamoskvorechye en los años 60.

De lo anterior se desprende claramente que durante este período la actividad literaria de A.N Ostrovsky fue versátil y extremadamente intensa.

La obra "El Abismo" se publicó por primera vez en el periódico "San Petersburgo Vedomosti" en enero de 1866 (núms. 1, 4, 5, 6, 8). Algunas de sus impresiones requirieron censura previa. En enero del mismo año, A.N. Ostrovsky leyó la obra en el Círculo Artístico, y en marzo "El Abismo" ya fue aprobada por la Censura del Teatro. En abril, los espectadores vieron una nueva obra de A.N Ostrovsky en el escenario del Teatro Maly, y en mayo se presentó por primera vez la obra "El Abismo". Teatro Alexandrinsky en la actuación benéfica de Vasiliev 1st.

El público acogió la obra con gran aprobación. Cabe señalar que durante este período las relaciones de A.N. Ostrovsky con la dirección de los teatros imperiales estaban en pleno apogeo. en mayor medida tenso. F. Burdin también lo señala en una de sus cartas a A.N. Ostrovsky: “En general, debes explicar con gran disgusto que las esferas superiores no favorecen tus obras. Les disgusta su patetismo acusatorio, su ideología... Ha llegado al punto de que “El Abismo” ha despertado un enorme descontento entre las autoridades y tienen miedo de escenificarla”.

Esto lo confirma la tabla de producciones de las obras de A.N. Ostrovsky de 1887 a 1917. Curiosamente, el primer lugar en esta tabla lo ocupa la obra "Bosque": 160 representaciones por año. La obra “El Abismo” tiene menos de 15 representaciones al año. Las obras "No había ni un centavo, pero de repente era altyn", "Corazón cálido", "La simplicidad es suficiente para todo sabio" fueron sometidas a la misma "discriminación".

En su obra, A.N. Ostrovsky, siguiendo a N.V. Gogol, continuó el tema del "hombrecito". Esto lo confirma el personaje principal de la obra "El Abismo": Kiselnikov. No puede luchar y flota con el fluir de la vida. Finalmente, el abismo de la vida lo absorbe. A través de esta imagen, A.N. Ostrovsky muestra que en el mundo existente.

En realidad, no puedes permanecer como un observador pasivo, debes luchar, de lo contrario el abismo te tragará y será imposible salir de él. Las obras de A.N. Ostrovsky educan y hacen pensar al espectador en la realidad circundante. Como señala A.I. Revyakin en su obra, el dramaturgo creía que cualquier tipo de arte debe necesariamente educar y ser un arma en la lucha social.

A.N. Ostrovsky no sólo dibuja los tipos de habitantes de Zamoskvorechye, sino que revela al máximo a los lectores y espectadores el sistema social que determinó el comportamiento de estas personas. Cómo

señaló A.V. Lunacharsky: “... sus ojos creativos penetraron rápidamente en las almas de criaturas lisiadas, a veces orgullosas, a veces humilladas, llenas de profunda gracia femenina o batiendo tristemente las alas rotas del alto idealismo. ... Desde el fondo de sus poderosos pechos a veces brota, casi cómico en su excentricidad formal, pero un grito infinitamente humano por una vida enderezada..."

El dramaturgo no consideró su mérito un reflejo tan audaz y veraz de la realidad. Para A.N. Ostrovsky, la verdad de la vida no es una virtud, sino un requisito previo. obra de arte. Este es el principio más importante del arte.

En la obra "The Deep", A.N. Ostrovsky no se desvió del tema principal de sus obras y mostró el "fondo" de la vida posterior a la reforma. Al mismo tiempo, la obra resultó ser inusual para el autor en términos de género: no un drama, un episodio, sino un drama, el destino, una especie de novela en persona. Muchos investigadores de A.N. Ostrovsky hablaron sobre la influencia en él. Literatura de Europa occidental, especialmente sobre los préstamos de su trama de fuentes extranjeras. A.I. Revyakin llama la atención sobre ²... la influencia de Schiller ("Ladrones" - y "The Voevoda", "Dmitry the Pretender" - y "Dmitry the Pretender"), R.B. Sheridan ("School of Scandal" - y "On) Todo el sabio es bastante sencillo"), Shakespeare ("El sueño de una noche de verano" - y "La doncella de las nieves"), V. Ducange y Dino ("Treinta años o la vida de un jugador" - y "La profundidad") ".

El héroe de la obra, Kiselnikov, pasa de ser un estudiante idealista en los años 30 a un funcionario judicial menor en los años 40. Cada acción de la obra tiene lugar después de 5 a 7 años y describe el camino de un joven que se graduó de la universidad y llega a la vida con esperanzas y esperanzas de un futuro brillante. Cual es el resultado? Habiéndose casado con una chica de Zamoskvoretskaya, cae en la vida cotidiana como en el abismo. La pureza de pensamientos termina en un crimen: un gran soborno, que el héroe ve como la única oportunidad para escapar de la pobreza.

Casi todas las obras de A. N. Ostrovsky fueron prohibidas por la censura teatral, ya que el dramaturgo planteó una y otra vez preguntas sobre los problemas urgentes de nuestro tiempo. Pero nada pudo obligar al dramaturgo a cambiar los temas de sus obras.

Es necesario dar una descripción general del manuscrito de la obra "The Deep".

El manuscrito de la obra, conservado en el Departamento de Manuscritos de la Biblioteca Estatal Rusa, contiene 54 hojas. El texto está escrito a lápiz simple. Algunos pasajes son difíciles de leer, ya que el tiempo ha dejado su huella en el texto del manuscrito (resultado del almacenamiento prolongado y de las repetidas referencias al texto). El manuscrito no tiene márgenes. Todas las notas fueron tomadas por A.N. Ostrovsky en lugares libres. Al visualizar el manuscrito, se revela una gran cantidad de inserciones y adiciones, la mayoría de las veces se realizan directamente en el texto. Los insertos grandes se colocan en espacios vacíos o están marcados con una "F" en la parte inferior. Hay pocos lugares tachados en el manuscrito; la versión original suele estar tachada con una línea en negrita. También hay textos tachados. Hay hojas en las que no hay correcciones.

Se puede suponer que estos fragmentos fueron encontrados inmediatamente por A.N. Sin embargo, es posible que después de una gran cantidad de cambios y enmiendas, estas hojas hayan sido reescritas. Es imposible hacer una afirmación categórica a favor del primer o segundo supuesto.

Todo el manuscrito está escrito con letra pequeña y suave. En cuanto a las inserciones, a menudo solo se pueden desmontar con la ayuda de una lupa, ya que no había un lugar especial para ellas y Ostrovsky se vio obligado a colocarlas en los escasos espacios libres.

Destacan los números colocados encima de las palabras, lo que permitió al autor lograr una gran expresividad del texto.

Por ejemplo:

Glafira

Ahora no te temeré, porque entrarás en nuestra casa.

De particular interés para caracterizar el manuscrito es su primera página.

Después de las tres primeras líneas:

"Abismo"

"Escenas de la vida en Moscú".

Escena I”.

Inmediatamente hay columnas de texto, escritas con letra pequeña e ilegible, "para ti". Tras un examen cuidadoso, algunas palabras de estas grabaciones eran legibles. En estas notas, A.N. Ostrovsky organizó los principales acontecimientos de la obra por escenas. Durante el procesamiento final, todas estas entradas fueron tachadas, ya que posteriormente dejaron de ser necesarias. En general, en la primera hoja hay muchas notas del autor y bocetos. Todos ellos también están tachados. Esta es una breve descripción general de la aparición del manuscrito de la obra de A.N Ostrovsky "The Deep".

Pasemos ahora a las adiciones y cambios realizados por A.N. Ostrovsky durante la edición final, de los cuales hay muchos en el manuscrito. Dado que la naturaleza de este trabajo no permite un estudio completo y exhaustivo del manuscrito, sólo se analizarán aquellos lugares que hayan sufrido cambios durante la creación de la obra. Es necesario analizar y establecer el propósito y significado de estas modificaciones, algunas de las cuales introducen cambios significativos en el carácter de los personajes, otras ayudan a revelar mejor la situación en la obra.

§ 1. Análisis de las discrepancias más importantes entre la versión original y la final manuscrita.

Los investigadores (A.I. Revyakin, G.P. Pirogov, V.Ya. Lakshin y otros) de la obra de A.N Ostrovsky han descubierto que el dramaturgo rara vez lograba iniciar la obra de inmediato. Trabajó mucho y duro en las primeras líneas y en la ubicación de los personajes. A.N. Ostrovsky se esforzó por garantizar que los primeros comentarios de los personajes de la obra parecieran un diálogo en curso.

Muy a menudo sus obras comienzan con una respuesta que hace fácil dar a entender acciones previas que tuvieron lugar antes de que se levantara el telón. Este es precisamente el comienzo que se observa en “El Abismo”.

EscenaI.

La acción comienza con una discusión sobre la nueva obra traducida de Ducange, “Treinta años o la vida de un jugador”. La discusión la dirigen los comerciantes y sus esposas.

A.N. Ostrovsky tuvo éxito en el primer fenómeno de inmediato, ya que el dramaturgo estudió muy bien a los comerciantes y más de una vez tuvo que escuchar los juicios de tales "conocedores del arte".

La segunda aparición de “The Deep” fue concebida originalmente como una discusión sobre la misma obra, pero por parte de estudiantes. A.N. Ostrovsky contrastó la opinión de los comerciantes con la opinión de los estudiantes. En la primera versión, los estudiantes no sólo hablaban de la obra, sino que también hablaban del teatro “como el mayor placer”. “La vida de un jugador” fue discutida por tres estudiantes y otros dos personajes que no estaban incluidos en la obra. Estos personajes son enumerados por A.N. Ostrovsky bajo los nombres de Alb y Galosh. Al parecer, el autor dio sus apellidos en versión abreviada.

Este fenómeno tiene quizás el mayor número de correcciones. A.N. Ostrovsky reelabora casi por completo el texto de este fenómeno: elimina la declaración del primer estudiante sobre el teatro, en lugar de tres estudiantes, solo dos participan en la conversación; Se presenta una nueva cara: Pogulyaev.

Es cierto que Pogulyaev pronuncia solo una frase, pero sus pensamientos los desarrollan los estudiantes. El autor también elimina los extensos argumentos de Alb y Galosh.

Así, tras los cambios realizados, dos estudiantes y Pogulyaev permanecen en el segundo fenómeno.

¿Qué pudo haber provocado tal replanteamiento de este fenómeno? Al parecer, sí, porque el propio A.N. Ostrovsky no consideró necesario hablar mucho sobre la obra "La vida de un jugador", especialmente porque la declaración de Pogulyaev y los estudiantes da una evaluación bastante completa de esta obra.

Pogulyaev

Y qué bueno estuvo Mochalov hoy. Es una pena que la obra sea mala.

1er estudiante

Juego seco. Moral desnuda.

..................................................... .

¡Qué obra es esta! Esto es una tontería de la que no vale la pena hablar.

Los argumentos largos y generales sólo podían distraer la atención del espectador.

En el tercer fenómeno, inicialmente solo había dos personajes: Kiselnikov y Pogulyaev. La conversación se desarrolló entre amigos durante todo el fenómeno. La vida de Kiselnikov no fue muy buena y, por lo tanto, no es sorprendente que Kiselnikov le cuente todo de buena gana a su amigo Pogulyaev.

Con esta disposición de personajes, la acción resultó algo monótona. La conversación "tete a tete" no le conviene a A.N. Ostrovsky y en la nueva edición presenta a dos estudiantes más que estudiaron con Kiselnikov. Ahora tres personas hacen preguntas y Kiselnikov sólo tiene tiempo de responderlas.

El hecho de que Kiselnikov hable de su vida no sólo con Pogulyaev, sino también con los estudiantes presentes, lo caracteriza como una persona abierta y sociable. Al editar, A.N. Ostrovsky no rehace frases que pertenecen a Pogulyaev y no agrega texto nuevo. El dramaturgo divide estas frases en líneas. Ahora, en la nueva versión, los alumnos ya las pronuncian.

En la versión original, A.N. Ostrovsky no indica cuánto tiempo Pogulyaev no vio a Kiselnikov; esta aclaración aparece sólo en la versión corregida;

Es interesante que en la versión original el propio Kiselnikov hablara de su vida. Con la introducción de dos personajes más, el número de preguntas aumenta y, en consecuencia, las largas respuestas de Kiselnikov se dividen en otras más pequeñas. Kiselnikov ahora responde más a menudo con monosílabos. Con esto, A.N. Ostrovsky parece dejar claro que Kiselnikov todavía no tiene muchas ganas de hablar de sí mismo.

Aparece una nueva frase con la que Kiselnikov intenta justificarse en todo lo que dice.

Kisélnikov

Sin embargo, todavía puedo hacerlo todo.

Pero, como no hay ninguna acción real detrás de esta frase, el diálogo posterior pasa a otro tema.

Kisélnikov

Mi padre era un viejo estricto y caprichoso...

La presencia constante de su padre deprimió a Kiselnikov.

Los fenómenos cuarto y quinto fueron dejados por A.N. Ostrovsky en su forma original. En el quinto fenómeno aparecen nuevos personajes. El dramaturgo descubrió inmediatamente sus características del habla.

En la sexta escena, aparecen por primera vez inserciones con el icono “F”, y hay muchos cambios y adiciones al texto mismo. Es de destacar la inserción en la respuesta de Glafira a la pregunta de Pogulyaev sobre sus actividades.

En la versión original, cuando Pogulyaev le preguntó qué hacía, Glafira respondió:

Glafira

Hago bordados.

En la versión final, A.N. Ostrovsky añade:

Glafira

¿Qué suelen hacer las jóvenes? Hago bordados.

En su opinión, las señoritas lo único que hacen es bordar y no les interesa nada más.

No hay duda de que A.N. Ostrovsky, con esta frase adicional en la respuesta de Glafira, enfatiza la estrechez de sus intereses. Quizás con esta frase adicional el dramaturgo contrasta simultáneamente la educación de Kiselnikov y las limitaciones de su novia.

Pasemos ahora a otra escena en la que Kiselnikov convence a Pogulyaev de que no hay mejor familia que los Borovtsov, que nada puede ser mejor que sus placeres familiares. En la versión original del manuscrito, Pogulyaev escucha en silencio a Kiselnikov y, por lo tanto, parece estar de acuerdo en gran medida con él. Pero al editar el texto original, A.N. Ostrovsky no está satisfecho con este comportamiento de Pogulyaev, y aparece una nueva línea en la que el autor, por boca de su antiguo camarada Kiselnikov, expresa su actitud hacia el estilo de vida de los Borovtsov.

Pogulyaev

Bueno, no, hay algo mejor que esto.

En lugar de un consentimiento silencioso, la protesta de Pogulyaev es visible.

Para mostrar las limitaciones de los intereses y puntos de vista de Borovtsova, A.N. Ostrovsky introduce inmediatamente su comentario.

borovtsova

Esto es bailar, ¿no? Bueno, bueno ellos. Mi marido no puede soportarlo.

Así, en la sexta escena de la primera escena, los dos breves insertos (las palabras de Glafira y las palabras de Borovtsova) revelan significativamente las características de la familia Borovtsov, enfatizando su individualidad y su contraste con Kiselnikov.

En la séptima y última escena de la primera escena no hay cambios significativos en el texto.

EscenaII

Pasan siete años. La vida de Kiselnikov después del matrimonio está lejos de cambiar mejor lado. Su suegro no le da la herencia prometida, Glafira pasa de ser una niña mansa a una mujer codiciosa e histérica.

El primer fenómeno de la segunda escena comienza con un escándalo entre Kiselnikov y Glafira.

En la versión original del manuscrito, cuando el escándalo llega a su punto máximo, leemos:

Kisélnikov(se tapa las orejas)

En la versión final:

Kisélnikov(agarrándose las orejas, gritando)

¡Ustedes son mis tiranos, ustedes!

Sólo una observación, ¡y cómo cambia el carácter de la imagen! En la primera versión, Kiselnikov es una persona pasiva en la que toda capacidad de lucha ha sido destruida. En la versión final, tenemos ante nosotros a un hombre a quien el destino le obligó a vivir entre personas odiadas, tiene que adaptarse, pero el héroe no tiene miedo de decir su opinión sobre quienes lo rodean. Al final del fenómeno, A.N. Ostrovsky presenta un largo monólogo de Kiselnikov, en el que casi se arrepiente de su comportamiento.

Con esta observación de Kiselnikov, reforzada por la adición de una sola palabra a la observación: "gritos" y un monólogo añadido al final del fenómeno, A.N Ostrovsky muestra que en el alma del personaje principal de la obra, que tiene Ya vivió durante siete años en el reino del oscurantismo mercantil, aún no ha extinguido la lucha entre los principios pasivos y activos de su naturaleza, pero el principio pasivo comienza a apoderarse de él y a absorberlo hacia el abismo de la vida mercantil.

A.N. Ostrovsky no captó de inmediato la imagen de Glafira. En la versión final, la dramaturga llama la atención de los lectores sobre su rudeza y codicia. En la versión original del manuscrito leemos:

Glafira

Cuantas veces te he dicho que firmes la casa a mi nombre...

Kisélnikov

Al fin y al cabo, esta es su casa, ¿suya?...

Glafira

Entonces, ¿qué es ella? Le doy mis vestidos, no me arrepiento

Resultó que Glafira trata bien a la madre de Kiselnikov: le regala sus vestidos. Pero estas palabras contradecían el carácter de la codiciosa Glafira.

Al editar el manuscrito, A.N. Ostrovsky corrige esta discrepancia. Pero al mismo tiempo, el dramaturgo no cambia el texto del discurso de los personajes, sino sólo en las últimas palabras de Glafira, antes de la palabra "vestidos", inserta la definición "viejo". Ahora la respuesta de Glafira se ve así:

Glafira

Entonces ¿qué es ella? Le doy mis vestidos viejos, no me arrepiento por ella...

Así, con una sola palabra introducida durante el montaje, A.N. Ostrovsky revela el alma insignificante de Glafira y revela nuevos rasgos de su carácter: falta de alma, insensibilidad.

En la segunda escena, los Borovtsov vienen a visitar a Kiselnikov. Es el onomástico de Glafira y sus padres la felicitan. Resulta que Kiselnikov ya empeñó los pendientes de Glafira, que le fueron entregados como dote. Los padres de Glafira están indignados. Pero a Kiselnikov no le quedó otra opción. El dinero que recibe del servicio es demasiado pequeño para alimentar a una familia numerosa. Borovtsov le enseña a Kiselnikov a aceptar sobornos. Le pinta una vida rica.

En su versión original, las enseñanzas de Borovtsov no revelan completamente sus puntos de vista sobre la vida. En la versión final, A.N. Ostrovsky añade:

borovtsov

Vives para tu familia; aquí eres bueno y honesto y luchas con los demás como si estuvieras en la guerra. Lo que lograste agarrar, llévalo a casa, llénalo y cubre tu cabaña...

En estas palabras añadidas, se presenta al lector la imagen de un depredador codicioso que sólo se preocupa por su propio bien. Si este es el jefe de la familia Borovtsov, también lo son el resto de sus miembros. A.N. Ostrovsky una vez más enfatiza la imposibilidad e incompatibilidad de las opiniones sobre la vida de Kiselnikov y Borovtsov.

En la tercera escena, A.N. Ostrovsky no realiza ningún cambio especial al editar.

En la cuarta escena de la segunda escena, al editar la primera versión del manuscrito, para revelar más completamente a los personajes, A.N.Ostrovsky hace adiciones a su discurso.

Los invitados se reúnen en la casa de Kiselnikov. Pereyarkov y Turuntaev asisten al onomástico de Glafira. En la primera versión del manuscrito, cuando Anna Ustinovna retrasa el té para los invitados y Glafira le grita a su suegra delante de todos, leemos:

Glafira

¿Por qué fallaste con el té?

................................................

Quédate en casa, pero no tiene sentido.

borovtsova

¡Pues cállate, cállate! ¡Hola casamentera!

En la versión final, A.N. Ostrovsky enfatiza la duplicidad de Borovtsova.

borovtsova

¡Pues cállate, cállate! ¡No grites delante de la gente! No es bueno. ¡Hola casamentera!

De esta adición queda claro que a Borovtsova sólo le importa la decencia externa; no está en absoluto en contra de que Glafira le grite a su suegra, pero no en público. Involuntariamente surge la conclusión de que la nueva frase en el discurso de Borovtsova fue agregada por A.N. Ostrovsky no solo para promover su personaje, sino también el de Glafira. Queda claro que la mansedumbre de Glafira antes de la boda era ostentosa y, por su naturaleza y educación, era grosera y codiciosa.

Esta pequeña adición revela el carácter de dos personajes a la vez.

En la versión original, cuando llega Pogulyaev, Glafira lo saluda con bastante amabilidad.

Pogulyaev (Glafire)

Tengo el honor de felicitarte. (se inclina ante todos)

Glafira

Gracias humildemente.

Del diálogo se desprende claramente que Glafira acepta a Pogulyaev sin alegría, pero puramente exteriormente su comportamiento no va más allá de los límites de la decencia. En la versión final, A.N. Ostrovsky añade una frase más al discurso de Glafira:

Pogulyaev (Glafire)

Tengo el honor de felicitarte. (se inclina ante todos).

Glafira

Gracias humildemente. Solo que hoy no estamos esperando a extraños, queremos pasar tiempo entre los nuestros.

En la versión final, el significado de la respuesta de Glafira al saludo de Pogulyaev cambia dramáticamente. Ella pronuncia la primera frase como si se burlara y luego enfatiza que Pogulyaev es un extraño para ellos. Esto revela otro rasgo del carácter de Glafira: la indiferencia hacia las personas "innecesarias".

Al hablar con Pogulyaev, Pereyarkov enfatiza que ellos (los Borovtsov, Pereyarkov y Turuntaev) tienen ternura entre ellos; que “viven en perfecta armonía”. Pero tan pronto como Pereyarkov mira las cartas de su vecino (lo hace sin remordimientos de conciencia), Turuntaev lo llama ladrón delante de todos.

Comienza una escaramuza. Cada uno de los presentes intenta insultar peor a su compañero. Al editar, A.N. Ostrovsky añade nuevas líneas. Ahora todas estas personas “agradables” parecen peleadores de mercado.

Pereyárkov

¡Prestamista! ¡Koschey! ¡Judas!

Turuntáev

¡Ladrón, ladrón de días!

borovtsov

¿Por qué estás ladrando?

Turuntáev

¿Qué eres, arshinnik?

A estas observaciones, introducidas al final de la disputa entre Borovtsov y Turuntaev, en la edición de A.N. Ostrovsky se añade la frase de Pogulyaev, que es la conclusión de esta escena.

Pogulyaev

¡Demasiado para tu alma!

Al final del fenómeno, Pogulyaev le concede un préstamo a Kiselnikov. Kiselnikov le está muy agradecido. En la versión original se veía así:

Kisélnikov

Gracias hermano, gracias, ¡lo tomé prestado! ¡Ese es un amigo, ese es un amigo! Si no fuera por él, me habría avergonzado por completo delante de mi suegro.

Después de editar la versión original leemos:

Kisélnikov

¡Ese es un amigo, ese es un amigo! ¡Qué hacer aquí si no fuera por él! ¿Dónde ir? Dios me lo envió por mi verdad y mansedumbre. ¡Si hubiera más amigos así, sería más fácil vivir en el mundo! Si no fuera por él, me habría avergonzado por completo delante de mi suegro.

¿Sobre qué quiere llamar nuestra atención A.N. Ostrovsky? ¿Cambia el significado de las palabras de Kiselnikov en la versión final?

En la primera versión, A.N. Ostrovsky no revela la palabra "amigo" en el sentido de Kiselnikov. En la versión final, queda claro que para él un amigo es alguien que puede prestar dinero. El dramaturgo subraya que en Kiselnikov la necesidad embota todos los demás sentimientos.

Al comienzo de la obra, Kiselnikov todavía intenta protestar. Incluso si fueran sólo palabras, podrían convertirse en hechos. Poco a poco, A.N. Ostrovsky lleva al lector y al espectador al trágico final de la obra. Al final de la segunda escena, Kiselnikov es una persona débil, de voluntad débil, incapaz de protestar, y se atribuye el mérito de su mansedumbre y paciencia.

EscenaIII

En el manuscrito, A.N. Ostrovsky comienza a escribir la tercera escena de "The Deep" a partir de la segunda aparición. Al parecer, el dramaturgo no estaba preparado para presentar el primer fenómeno y lo dejó “para más adelante”. El primer fenómeno sigue al segundo, luego al tercero y así sucesivamente.

En la primera escena de la tercera escena, A.N. Ostrovsky habla de la vida de Kiselnikov durante los últimos cinco años.

Pasan otros cinco años. Glafira murió. Los niños están enfermos, pero Kiselnikov no tiene dinero para su tratamiento. El suegro, en quien Kiselnikov depositó su última esperanza, "fue declarado insolvente". Pero Kiselnikov sigue esperando que Borovtsov le devuelva al menos parte del dinero robado. Para no molestar a su madre, Kiselnikov intenta infundirle al menos un poco de esperanza.

Kisélnikov

Mañana por la mañana iré a ver a mi suegro. No te saludaré, sólo te agarraré por el cuello.

Anna Ustinovna

Pregunta amablemente...

La madre aconseja a su hijo que primero pregunte amablemente y luego podrá ir directamente a la puerta. Por naturaleza, Kiselnikov es una persona de voluntad débil. Nunca podrá “tomarlo por el cuello”. Anna Ustinovna lo sabe muy bien. Después de todo, Kiryusha cederá más fácilmente que usar la fuerza y ​​​​la presión, incluso en un asunto relacionado con su propio dinero. En confirmación de esto, A.N. Ostrovsky añade:

Anna Ustinovna

¡Bueno, Dónde estás! Será mejor que preguntes amablemente...

Esta frase insertada una vez más, a través de las palabras de la madre, revela de manera muy figurada el carácter de voluntad débil de su hijo.

Necesitamos detenernos en el segundo fenómeno con más detalle. Quizás sea el lugar más dramático de la obra. En el segundo fenómeno, ocurren acontecimientos importantes que cambian el carácter de Kiselnikov, que luego se convertirá en la guía de sus acciones posteriores.

Borovtsov y Pereyarkov acuden a Kiselnikov. Borovtsov ahora está mal vestido y él mismo acudió a su yerno con una petición. En la versión final, A.N. Ostrovsky introduce el llamamiento "HERMANO" en las palabras de Borovtsov. El suegro llama así a Kiselnikov no porque lo ame, es solo un nuevo truco de Borovtsov para llevar a cabo el vil plan que ha concebido. A.N. Ostrovsky hace cambios significativos en el discurso de Pereyarkov, quien dirige todas las acciones de Borovtsov en esta reunión.

En la versión original leemos:

Pereyárkov

¡Llorar! Después de todo, llorarás delante de otros acreedores.

En la nueva edición, Pereyarkov da a Borovtsov consejos más detallados y sofisticados:

Pereyárkov

¡Llorar! ¿Por qué no lloras? Su negocio ahora está como huérfano. Después de todo, llorarás delante de otros acreedores. Tendrás que inclinarte a tus pies.

En la nueva versión, A.N. Ostrovsky destaca la astucia de Pereyarkov. Tales palabras pueden hacer que cualquiera sienta lástima por él, especialmente Kiselnikov. Borovtsov sabe de antemano que, después de todo lo dicho y realizado, Kiselnikov aceptará ayudarlo y firmar el documento necesario.

El ingenioso Kiselnikov está dispuesto a creerle a Borovtsov y renunciar a su propio dinero. Para enfatizar la generosidad de Borovtsov "en palabras", aparece una nueva línea en la versión final.

borovtsov

¡Cómo no creerlo, excéntrico! Te daré algo de dinero más tarde... Te haré rico más tarde...

A.N. Ostrovsky centra su atención en el “más tarde”, que aquí roza el “nunca”.

En la versión original del manuscrito, A.N. Ostrovsky puso fin al segundo fenómeno con un trato exitoso. En un esfuerzo por revelar el estado mental del protagonista, su desesperación y miedo a la vida, en la nueva versión A.N. Ostrovsky presenta el monólogo de Kiselnikov.

Kisélnikov

¡Hijos míos, hijos míos! ¡Que te he hecho! Estás enfermo, tienes hambre; te roban y tu padre te ayuda. Vinieron los ladrones y se llevaron el último trozo de pan, pero yo no luché con ellos, no me corté, no los mordí con los dientes, pero lo regalé, con mis propias manos regalé el último. alimento. Si yo mismo pudiera robar a la gente y alimentaros, la gente me perdonaría y Dios me perdonaría; y yo os despojé con los ladrones. ¡Mamá, mamá!

En la tercera aparición, Kiselnikov le cuenta a su madre todo lo sucedido. Ambos están emocionados. En la edición final, A.N. Ostrovsky hace breves comentarios que añaden dinamismo a su conversación y realzan aún más el dramatismo de la situación.

Anna Ustinovna

¡No te quejes, Kiryusha, no te quejes!

Kisélnikov

¡Oh, desearía poder morir ahora!

Anna Ustinovna

¡Y los niños, los niños!

Kisélnikov

¡Sí, niños! Bueno, lo que se perdió ya no está.

La última observación demuestra la prudencia de Kiselnikov. Entiende que las lágrimas no pueden aliviar su dolor.

En la versión original del manuscrito, A.N. Ostrovsky pone en boca de Kiselnikov sólo las siguientes palabras:

Kisélnikov

¡Cuando descansar! El asunto no se puede tolerar. ¡Ven a sentarte conmigo! No estaré tan aburrido; y aún peor que eso, el anhelo por el corazón apesta.

Pero de estas palabras no queda claro cómo Kiselnikov va a salir de esta situación. Por lo tanto, al editar el texto, A.N. Ostrovsky inserta varias frases nuevas en la declaración anterior de Kiselnikova y así muestra que no se va a sentar con las manos juntas.

Kisélnikov

¡Cuando descansar! El asunto no se puede tolerar. Bueno, mami, ¡déjales usarlo! No se harán ricos con nuestro dinero. Me pondré a trabajar ahora. Trabajaré día y noche. ¡Ven a sentarte conmigo! No estaré tan aburrido; y aún peor que eso, el anhelo por el corazón apesta.

Parece interesante seguir cómo se desarrolló la vida de Kiselnikov.

Kiselnikov estudió en la universidad, pero no se graduó. Esperaba continuar mis estudios. Conoce a Glafira, se casa con ella por amor y está seguro de que Glafira también lo ama. Kiselnikov sueña con una nueva vida feliz y rica, ya que su suegro promete seis mil para Glafira.

Sin embargo, en la vida todo resultó completamente diferente. Glafira se convierte en la esposa de un comerciante escandaloso y codicioso. Kiselnikov no sólo no recibe los seis mil prometidos, sino que también pierde sus ahorros, entregados a su suegro contra un recibo de crédito.

Muere Glafira. Kiselnikov todavía tiene en brazos a cuatro niños enfermos. Kiselnikov no tiene dinero para el tratamiento. Todos los niños, excepto Lisa, mueren. Además de todo, el rico suegro es “declarado insolvente”. Kiselnikov tiene su última esperanza de que su suegro le devuelva al menos parte de su propio dinero, pero las circunstancias son tales que el propio Kiselnikov, por lástima de su suegro, le "da" este último dinero. Ésta es la posición del desesperado Kiselnikov ante el cuarto fenómeno.

Los acontecimientos de la cuarta aparición presagian el desenlace de la obra. Un desconocido incita a Kiselnikov a falsificar un documento. Para ello ofrece una cantidad grande. Por naturaleza, Kiselnikov es una persona muy honesta y noble. Nunca podía permitirse el lujo de aceptar un soborno, ni siquiera en una situación crítica, aunque otros lo hacían sin un remordimiento de conciencia. Pero ahora la última esperanza se derrumba. Su suegro le “roba”. No hay dinero y nunca lo habrá, pero tienen en brazos a una madre anciana y a su hija, a quienes todavía hay que recuperar. Desesperado, Kiselnikov falsifica un documento. Al editar el manuscrito, queriendo enfatizar la inconsciencia del acto de Kiselnikov, A.N Ostrovsky añade a la versión original las siguientes declaraciones de su héroe después de su crimen oficial:

Kisélnikov

¡Dios! ¿Qué estoy haciendo? (llantos.)

...........................................................................

No me destruirás. ¡Familia, señor!

En la quinta escena vemos a Kiselnikov corriendo de un lado a otro, con los ojos llenos de miedo. Su discurso y sus acciones son desordenados. Su estado es parecido al de un paciente con fiebre. Kiselnikov, sobre todo, teme perder el dinero que acaba de recibir.

Kisélnikov

¡Ay dios mío! Bueno, a lo largo de las grietas, detrás del papel tapiz, envuélvelo en trapos.

En un esfuerzo por enfatizar que Kiselnikov no se preocupa por el dinero para sí mismo, sino para su familia, al trabajar en este punto, A.N.Ostrovsky amplía más la observación anterior.

Kisélnikov

¡Ay dios mío! Bueno, a lo largo de las grietas, detrás del papel tapiz, envuélvelo en trapos. Para que te quede algo de dinero, para que puedas vivir con tus hijos después de mí.

Al final del cuarto fenómeno final de la tercera escena, durante el montaje, A.N. Ostrovsky añade la exclamación de Kiselnikov.

Kisélnikov

Mamá, estoy al borde de trabajos forzados... Mañana, tal vez

Ésta es la última exclamación sobria de Kiselnikov.

EscenaIV

En la primera escena de la cuarta escena vemos a Borovtsov completamente arruinado y a Kiselnikov loco.

Pasan otros cinco años. La vida de los personajes cambia y su posición también cambia. Ahora Kiselnikov y Borovtsov venden juntos cosas viejas en la plaza. Borovtsov, un poderoso comerciante y suegro de Kiselnikov, se encuentra en la situación de su pobre yerno. Eso es vida.

Anna Ustinovna, de cinco años, sigue siendo la misma madre devota que intenta proteger a su amada Kiryusha de cualquier excitación. A.N. Ostrovsky enfatiza este rasgo de carácter al editar el texto en la nueva edición.

En la primera versión, cuando Borovtsov le recuerda a Anna Ustinovna su vida anterior, leemos:

Anna Ustinovna

¡Callate!

En la segunda versión, después de editar, tenemos:

Anna Ustinovna

¡Callate! ¿Por qué estás con él? Bueno, se despertará y recordará...

Anna Ustinovna está constantemente preocupada por Kiryusha. Ella cree que Kiryusha puede despertar.

Al editar la versión original del manuscrito, A.N. Ostrovsky agrega palabras sobre "talan - compartir" al discurso de Borovtsov. ¿Por qué el dramaturgo nos muestra que incluso Borovtsov, que vive para sí mismo y "hace la guerra con quienes lo rodean", lo intenta? para hacerle la vida más fácil a Kiselnikov. Se le ocurre este proverbio para que Kiselnikov pueda creer en algo.

En la segunda escena se nos presenta por primera vez hija mayor Kiselnikova - Liza y se reencuentra con Pogulyaev. En la primera versión, A.N. Ostrovsky no especifica en quién se ha convertido Pogulyaev durante los últimos cinco años. Pero al comparar su vida con la de Kiselnikov, esto se vuelve necesario. En la nueva edición, A.N. Ostrovsky introduce la siguiente adición al diálogo de Pogulyaev:

Pogulyaev

Ahora soy abogado, cocino.

De este inserto se desprende claramente que Pogulyaev logró una buena posición en la sociedad y recibió un lugar en la corte. Anna Ustinovna le cuenta la historia de Kiselnikov. Es de destacar que en la versión original su historia comenzaba con las palabras:

Anna Ustinovna

El servicio no le funcionó; de alguna manera no se acostumbró; ...

En la nueva versión leemos:

Anna Ustinovna

La familia, el padre y los parientes arruinaron a Kiryusha. El servicio no le funcionó; de alguna manera no se acostumbró; ...

Según las nuevas palabras de Anna Ustinovna, A.N. Ostrovsky destaca una vez más que razón principal La posición actual de Kiselnikov no es el servicio, sino su entorno.

Anna Ustinovna le dice a Pogulyaev que Kiryusha está loca. Al editar A.N. Ostrovsky añade: "por miedo". ¿Qué clase de miedo es este? Este es el miedo de una persona honesta ante la ley, el miedo del cabeza de familia por su hija y su madre.

En la conversación entre Liza y Pogulyaev, A.N. Ostrovsky no cambia casi nada. Sólo la versión final toca el tema de la felicidad. Resulta que Pogulyaev lo tiene todo menos felicidad.

Pogulyaev goza de una buena situación económica y está feliz de ayudar a la familia de su amigo. En memoria de un viejo conocido, le regala un billete a Anna Ustinovna. La madre de Kiselnikov le está muy agradecida.

Anna Ustinovna

Humildemente te agradecemos que te acuerdes de nosotros, los huérfanos. Tu visitas.

Para revelar la psicología de una persona pobre, A.N Ostrovsky hace un complemento a las palabras citadas de Anna Ustinovna.

Anna Ustinovna

• Si no tienes felicidad, entonces tienes dinero; significa que todavía puedes vivir.

Humildemente te agradecemos que te acuerdes de nosotros, los huérfanos. Tu visitas.

Para una persona pobre, la felicidad a veces no es necesaria cuando

tener dinero.

Al construir el cuarto fenómeno, A.N. Ostrovsky hace modificaciones semánticas en la disposición de los eventos.

En la versión original, el cuarto fenómeno comenzó desde el momento en que Kiselnikov llegó con un billete de diez rublos, que su vecino le regaló por pobreza. En la versión modificada, la acción comienza con las palabras incoherentes de Kiselnikov, que acababa de escuchar de boca del maestro y que atormentaban su psique conmocionada.

Kisélnikov

Perrera, perrera...

...................................

Una perrera, dice, una perrera para perros...

Kiselnikov reflexiona sobre las palabras que escuchó: volverá a acudir al maestro. Lisa comprende inmediatamente de qué estamos hablando. Está desesperada. Lisa puede salvar a su familia si ayuda a su vecino rico. ¿Qué debería hacer ella?

Al final de la aparición, Lisa pronuncia palabras llenas de desesperación:

Lisa

¿Quién me ayudará? Estoy parado sobre un abismo, no tengo nada a qué agarrarme. ¡Gente amable!

En el proceso de edición del texto, A.N. Ostrovsky realiza cambios en esta parte del manuscrito. Versión modificada:

Lisa

¿Quién me ayudará ahora? Estoy parado sobre un abismo, no tengo nada a qué agarrarme. ¡Oh, sálvame, buena gente! ¡Abuela, dime algo!

En la primera versión, Lisa habla de ayuda en general, y en la versión final, de ayuda en este momento. Este grito de un hombre que se está ahogando: “¡Sálvame!” - el momento culminante de la situación actual. Lisa pide ayuda, pero ¿a quién? Ni siquiera su abuela le habla porque tiene miedo de darle malos consejos y privar a la familia de una posible salvación. En la versión modificada, A.N. Ostrovsky realza el drama de la situación actual.

En la quinta escena aparece de nuevo Pogulyaev. En la versión original del manuscrito, el fenómeno comienza con la exclamación de Lisa dirigida a Pogulyaev:

Lisa

¡Ayúdame!

Esto podría considerarse como una gota inesperada a la que Lisa se aferra con desesperación. No le importaba a quién le pedía ayuda.

Al editar el manuscrito, A.N. Ostrovsky rechazó esta opción. De todas las personas que rodean a Lisa, sólo Pogulyaev puede ayudarla. Por eso, en la nueva edición, especifica el atractivo de Lisa.

Lisa

¡Ay que puntual llegas! Necesito pedir consejo, no a nadie. Ayúdame.

Pogulyaev le propone matrimonio a Lisa y ella acepta. Le informa a Kiselnikov sobre esto. La reacción de Kiselnikov ante este mensaje cambia al editar el manuscrito.

En la primera opción:

Kisélnikov

¡Mamá!

Anna Ustinovna

¡Es cierto, Kiryusha, es cierto!

¿Qué significa esta exclamación de Kiselnikov? ¿Miedo, alegría? A partir de esta exclamación, la reacción de Kiselnikov no queda del todo clara.

Al practicar esta escena, A.N. Ostrovsky siente que es importante que Kiselnikov entre en razón y se dé cuenta, en ese momento, de la felicidad que le sobrevino a su hija. Si A.N. Ostrovsky hubiera cambiado las palabras de Kiselnikov, esto tampoco habría sido suficiente. Por lo tanto, en el discurso de Anna Ustinovna aparece una nueva frase que demuestra la sensatez de Kiselnikov en este momento crucial.

Kisélnikov

¡Mamá! ¡Lisa! ¿Se va a casar? ¿Es verdad?

Anna Ustinovna

¡Gracias a Dios me desperté! ¡Es cierto, Kiryusha, es cierto!

La respuesta de Anna Ustinovna: "¡Gracias a Dios, me desperté!" - destaca la doble alegría de la madre. En primer lugar, Kiryusha ha vuelto en sí y puede estar feliz por su hija y, en segundo lugar, se alegra de que Lisa se case con tanto éxito.

En la sexta escena del drama vemos que el sentido común no abandona a Kiselnikov hasta el final de la obra. Cuando Pogulyaev invita a todos a vivir con él, Kiselnikov dice abiertamente que no vale la pena, que es un fraude y que ahora sólo su suegro puede hacerle compañía.

Al editar el sexto fenómeno, el dramaturgo modifica el monólogo final de Kiselnikov, reforzándolo con la exclamación:

Kisélnikov

No, Pogulyaev, tómalos, tómalos; Dios no te dejará; ¡Y apártanos, apártanos! ...

Kiselnikov teme que su hija sea arrastrada al abismo. Su vida ya está rota, así que no dejes que Lisa repita sus errores.

Al considerar y estudiar el manuscrito de A.N. Ostrovsky "El Abismo", es fácil establecer dos versiones de su escritura: la original y la final.

En estructura compositiva, la obra se concibe de la siguiente manera.

El joven Kiselnikov se encuentra con su viejo amigo Pogulyaev. De la historia de Kiselnikov aprendemos cómo vivió recientemente. Aquí nos enteramos de que Kiselnikov se casará con Glafira. Todos estos acontecimientos son la exposición de la obra.

Kiselnikov se casó. Su vida cambió. A.N. Ostrovsky habla de todas las desgracias que le sucedieron. El matrimonio de Kiselnikov es el comienzo de la obra.

A.N. Ostrovsky nos lleva gradualmente al clímax. Primero, Kiselnikov se ve privado de la herencia prometida y luego le da su propio dinero a su suegro. El punto culminante del clímax es la falsificación de un documento.

La obra tiene un desenlace dramático: Kiselnikov pierde la cabeza.

¿En qué fragmento de la obra trabajó A.N. Ostrovsky con más cuidado? Hojeando nuevamente el manuscrito, queda claro que A.N. Ostrovsky tuvo que realizar cambios en todas las partes de la obra en igual número. Si tenemos en cuenta que la exposición es la más pequeña en volumen y contiene una gran cantidad de correcciones y adiciones, entonces podemos decir que A.N. Ostrovsky trabajó con más cuidado en la exposición.

Es destacable el trabajo del dramaturgo sobre los personajes principales. Todas las imágenes son delineadas casi inmediatamente por el autor en su forma final. En el discurso de algunos personajes, A.N. Ostrovsky agrega frases y comentarios que enfatizan nuevos rasgos de carácter. Esto es especialmente cierto en el caso de las imágenes de Kiselnikov y Glafira. La imagen de Pogulyaev permanece en su forma original y las nuevas frases en el discurso de Anna Ustinovna no afectan su imagen de ninguna manera. Sirven para revelar las imágenes y personajes de otros héroes. A.N. Ostrovsky también realiza cambios en la caracterización de las imágenes de Borovtsov y Borovtsova.

§ 2. La obra de A.N. Ostrovsky sobre la dirección escénica.

Mención especial merece el trabajo de A.N. Ostrovsky en materia de dirección escénica. Primero, debe consultar el diccionario explicativo de S.I. Ozhegov y descubrir el significado de la palabra "OBSERVACIÓN":

En las obras de A.N. Ostrovsky, y en este caso en la obra "The Deep", la dirección escénica juega un papel importante. Y esto se debe, en primer lugar, al hecho de que en el proceso de trabajo el dramaturgo realizó cambios significativos no solo en el texto principal de la obra, sino también en las acotaciones escénicas.

En la obra "El Abismo" hay tres tipos de comentarios: comentarios relacionados con los personajes, comentarios que revelan las circunstancias de la vida de los personajes y comentarios que revelan a los personajes a través del habla y el estado emocional.

Hay pocos comentarios relacionados con los personajes del manuscrito.

En la versión final de la obra, A.N. Ostrovsky reemplaza el apellido Gulyaev por Pogulyaev. Es difícil decir qué pudo haber causado tal cambio. El autor añade a la descripción de Pogulyaev: "completé el curso".

Después de editar la lista de personajes, A.N. Ostrovsky elimina el apellido de soltera de Borovtsova; en la obra ella no aparece como Firsova, sino como Borovtsova.

Después de realizar cambios en el elenco de personajes de la obra, A.N. Ostrovsky tacha todo, aparentemente con la esperanza de volver a esto. Sin embargo, el manuscrito no contiene una nueva versión de los personajes, por lo que se entregó la versión original para su publicación.

No hay cambios en los comentarios de los actores antes de la segunda escena.

En la tercera escena, Glafira fue incluida en el elenco de personajes de la versión original. No está en la versión final.

A.N. Ostrovsky concedió gran importancia a la descripción de la situación que rodea a los personajes en el escenario. El dramaturgo prestó mucha atención al trabajo en acotaciones escénicas de este tipo.

En la primera escena, tras la descripción de los personajes de la versión inicial del manuscrito, leemos:

"Jardín aburrido".

Éste es el escenario en el que debería desarrollarse la primera escena.

Una observación tan breve no satisface al dramaturgo. En la versión final, A.N. Ostrovsky revela al espectador un panorama de un jardín nada aburrido.

“Un jardín aburrido, un prado entre los árboles; delante hay un camino y en el fondo hay un camino, detrás del camino hay árboles y una vista del río Moscú...” ¿Por qué el autor? ¿Revelar a los lectores un panorama del aburrido jardín cerca del cual vivían los comerciantes? Se puede suponer que A.N. Ostrovsky está tratando de lograr imágenes más grandes, presta atención a los detalles: banco, caminos, árboles... La naturaleza de Zamoskvorechye aparece ante el lector y el espectador (abundancia de árboles, vista del río Moscú). Estas descripciones también las proporciona el autor para que la acción sea más fiable.

En la segunda escena de la obra, no hay acotaciones en la versión original. Al procesar y editar el manuscrito, aparece una observación en el texto:

"Una pequeña habitación en el apartamento de Kiselnikov".

Esta observación alarma al lector y al espectador. Después de todo, Kiselnikov esperaba hacerse rico, pero el escenario de la segunda escena sugiere lo contrario. Esta observación introduce muy clara y francamente el contenido de la acción que se está desarrollando.

En la tercera escena de la versión original había un breve comentario:

"Habitación pobre"

Pero, ¿qué quiere decir A.N. Ostrovsky con esta definición?

En la nueva edición, tras los cambios y adiciones realizados, A.N. Ostrovsky revela el concepto de "pobre". El dramaturgo da a esta definición una interpretación específica y univariada:

"Una habitación pobre; una mesa pintada y varias sillas; sobre la mesa hay una vela de sebo y un montón de papeles..."

Esta aclaración muestra que el personaje principal de la obra, Kiselnikov, ya está al borde de la pobreza. Una vez más, A.N. Ostrovsky presta atención a los detalles, en lugar de mirar el panorama general. La vela sobre la mesa está “grasienta”, lo que evoca en el lector la empatía por el héroe; se enfatiza el desorden: “un montón de papeles” sobre la mesa;

Los casos considerados muestran que las acotaciones relacionadas con el diseño de la escena ayudan a revelar el contenido y crear un determinado estado de ánimo.

Finalmente, el tercer tipo de comentarios: comentarios emocionales y comentarios que indican a quién se dirige específicamente el personaje.

Así, por ejemplo, en un diálogo con Glafira (escena II, escena uno), Kiselnikov, incapaz de soportar los insultos, se tapa los oídos. En la versión original, después de la edición, A.N. Ostrovsky dota al comportamiento pasivo de Kiselnikov de una respuesta que emana de lo más profundo de su alma y amplía el comentario con la palabra "GRITOS".

En la quinta escena de la segunda escena, cuando Kiselnikov, angustiado, le cuenta a Pogulyaev un sueño con consuelo y la esperanza de hacerse rico, A.N.

"entre lágrimas"

Estas lágrimas revelan el estado de ánimo de Kiselnikov, su desesperación. El dramaturgo educa al lector y al espectador utilizando el ejemplo de su héroe y les enseña empatía.

En la escena en la que Kiselnikov recibe un soborno por falsificar un documento, según palabras de Kiselnikov:

"¡Señor! ¡Qué estoy haciendo!"

A.N. Ostrovsky añade el comentario "(llora)".

Con base en todo lo anterior, podemos concluir: todos los nuevos comentarios introducidos por el autor al editar la primera versión del manuscrito conllevan una gran carga psicológica y emocional en la obra y ayudan al lector, al público y a los actores a comprender mejor a los personajes. mirar dentro de su alma y evocar simpatía por el personaje principal.

Conclusión.

En la obra "The Deep", A.N. Ostrovsky revela al lector y al espectador la vida de una familia de comerciantes. Quitándose el brillo externo habitual, el autor muestra que detrás del atractivo externo de las familias ricas en sus vidas se esconde rudeza, humillación y engaño.

A.N. Ostrovsky afirmó el principio de una descripción veraz de la realidad.

En la obra "El Abismo" pinta la imagen de un representante típico de los comerciantes rusos: Borovtsov. La historia de vida de Borovtsov es la historia de la vida de un comerciante codicioso y tacaño, que comenzó con una riqueza exorbitante y terminó en la pobreza.

En la obra, A.N. Ostrovsky plantea una gran cuestión social, la cuestión de la vida en la clase mercantil. A.N.Ostrovsky pudo revelar profundamente y pintar ampliamente imágenes de la vida mercantil solo gracias al conocimiento personal y las observaciones de la vida de esta sociedad.

La representación de los comerciantes siguió siendo un tema primordial en su obra. Sin embargo, A.N. Ostrovsky no se limitó a esto y pintó la vida de la burocracia ("Contaremos a nuestra propia gente", "Pobre novia", "El abismo"), la nobleza ("No te metas en los tuyos"). trineo”) y el filisteísmo (“No vivas así, como quieras”).

Como señaló acertadamente A.I. Revyakin: "La versatilidad de los intereses temáticos, el desarrollo de los problemas actuales más importantes de su época hicieron de A.N. Ostrovsky un escritor nacional de enorme importancia social".

Entre los pequeños burócratas, A.N. Ostrovsky siempre destacó a los trabajadores honestos que estaban encorvados por un trabajo agotador. El dramaturgo los trató con profunda simpatía.

Experimentando privaciones materiales extremas, sintiendo su falta de derechos, estos heroicos trabajadores intentaron con palabras y hechos traer la bondad y la verdad a la vida. Sin compartir la intención de Kiselnikov de vivir de la dote de Glafira y de los intereses del capital, el estudiante de la obra "El Abismo" declara con seguridad: "Pero, en mi opinión, no hay nada mejor que vivir del trabajo". (esc. 1, aparición 3).

En "El Abismo", A.N. Ostrovsky destaca específicamente una personalidad corriente. El autor señala como principales rasgos negativos del personaje principal la pasividad y la incapacidad para luchar contra el medio ambiente y su moral.

Según los Borovtsov y otros como ellos, los principales defectos de Kiselnikov son la honestidad y la pobreza.

El trabajo de A.N. Ostrovsky está en consonancia con el trabajo de F.M. Dostoievski al revelar el problema de la búsqueda moral del individuo. Los héroes de Dostoievski, Svidrigailov y Stavrogin, languidecen en el vacío de la existencia y, al final, se suicidan. La búsqueda los lleva al problema del “abismo” moral interno. En "Días difíciles", uno de los héroes de A.N Ostrovsky comenta: "En una palabra, vivo en el abismo", y a la pregunta: "¿Dónde está este abismo?" - responde: "En todas partes: solo hay que bajar". Limita al norte con el océano septentrional, al este con el océano oriental, y así sucesivamente”.

El dramaturgo reveló la profundidad de estas palabras en la obra “The Deep”. Y con tanta fuerza artística reveló que el reservado Antón Pavlovich Chéjov escribió con un entusiasmo inusual en él: “La obra es asombrosa. El último acto es algo que no habría escrito ni en un millón. Este acto es una obra completa, y cuando tenga mi propio teatro, representaré sólo este acto.”2

Al igual que Zhadov de “Profitable Place” y otras personas que surgieron de la “vida universitaria” con sus “conceptos” y “convicciones avanzadas”, Kiselnikov comienza a darse cuenta de que “no es mejor que los demás” desde que acepta falsificar un documento. A partir de la acusación de aceptar sobornos, Kiselnikov termina con un declive moral, como él mismo dice de sí mismo: "Vendimos todo: nosotros mismos, la conciencia..." y la razón de esto se ve en el ideal por el que lucharon personas como Kiselnikov en su juventud.

Lo ideal eran sólo declaraciones ruidosas, pero no acciones. En la primera prueba de la vida, los Kiselnikov están dispuestos a servir cualquier idea, siempre que sea rentable.

“... el dramaturgo no arde de odio”, señala A.I Revyakin, “sino que se compadece, se arrepiente, se lamenta suavemente al ver a los arruinados. vida humana, porque el “poder de la gracia” ve más lejos y perdona más, porque ama más profundamente”.

Kiselnikov muere en el abismo de la vida de un comerciante. Para una personalidad débil, ese final es inevitable.

Resumiendo el trabajo de análisis del manuscrito del drama de A.N. Ostrovsky "The Deep", cabe señalar que el material contenido en el borrador del manuscrito permitió rastrear de manera integral el nacimiento de la obra y el acabado de sus imágenes.

Todos los cambios y adiciones notados fueron realizados por A.N. Ostrovsky para mejorar el impacto emocional de la obra, con el deseo de evocar compasión en el lector y el espectador por el personaje principal, Kiselnikov.

El hecho de que en el proceso de trabajo creativo A.N Ostrovsky no tuvo que reescribir el borrador del manuscrito dos o varias veces, y todos los cambios, inserciones y adiciones fueron realizados por él en la primera versión del manuscrito, indica que el autor conocía el material bien presentado, las imágenes fueron Pensadas que solo necesitaban ser diseñadas artísticamente y transmitidas al lector y espectador. Los clásicos no se oponen a la modernidad, pero nos dan la oportunidad de vernos a nosotros mismos desde una perspectiva histórica. Como señaló E. Kholodov: “sin un sentido del pasado no hay sentido del presente - quien es indiferente al pasado es indiferente al futuro, no importa cuánto jure verbalmente lealtad a los ideales de este muy brillante - futuro brillante. Los clásicos precisamente cultivan en nosotros un sentido de implicación personal en el movimiento histórico de la humanidad desde el pasado hacia el futuro”.

Las obras adquieren un sonido moderno dependiendo de cuánto logró el teatro transmitir al público lo que hoy puede entusiasmar a todos. Cabe señalar que en una época el interés de los teatros y del público se ve atraído por determinadas obras clásicas, y en otras épocas por otras obras clásicas. Esto se debe al hecho de que los clásicos entablan complejas relaciones mutuas ideológicas y estéticas con la modernidad. En nuestros estudios de teatro existe la siguiente periodización del repertorio de A.N.

1 periodo- años guerra civil. Ostrovsky está escenificado y representado a la antigua usanza.

2do período- 20 años. Un experimento formalista sobre la dramaturgia de Ostrovsky.

3er período- entre 20 y 30 años y medio. La influencia de la sociología. En la obra de Ostrovsky solo se enfatizan los colores satíricos.

4to periodo- los años de la Segunda Guerra Mundial y los primeros años de la posguerra. En la dramaturgia de Ostrovsky, buscaron tanto el lado claro como el oscuro de la imagen de la vida.

En 1923, el país celebró ampliamente el centenario del nacimiento del gran dramaturgo ruso. Este año se colocó un monumento al gran dramaturgo ruso frente a la fachada del Teatro Maly. También este año se publicaron diez volúmenes de las primeras obras completas soviéticas de A.N. Ostrovsky, terminadas en 1923. Durante el año del aniversario, se publicaron más de una docena de libros dedicados a la vida y obra del dramaturgo en Moscú, Petrogrado, Ivanovo-Voznesensk y Vladikavkaz. Y, por supuesto, se representaron representaciones del gran dramaturgo.

En los años 60, Ostrovsky volvió a ganar la atención de teatros y críticos. Durante estos años se realizaron representaciones no sólo en Moscú y Leningrado, sino también en muchas otras ciudades: en Kiev, Gorky y Pskov - "Para cada sabio...", en Novosibirsk y Sverdlovsk - "La tormenta", en Minsk y Kaluga - "El último sacrificio", en Kaunas - "Lugar rentable", en Vilnius - "Las bodas de Balzaminov", en Novgorod - "El abismo", en Tambov - "Sin la culpa del culpable". Cabe señalar que cada época trajo su propia nueva visión de la dramaturgia de Ostrovsky, por lo que pasaron a primer plano aquellas cuestiones que interesaban al espectador moderno.

A.N. Ostrovsky tiene varias obras en cuyo centro se encuentra la imagen de un joven que elige su camino en la vida. Las obras más populares son "Lugar rentable", "Suficiente simplicidad para todo sabio" y "El abismo". Estas obras trazan los tres caminos de un joven intelectual en la realidad contemporánea de A.N. Lo que une a los personajes principales (Zhadov, Glumov y Kiselnikov) es que son jóvenes, es decir, personas que comienzan su vida y eligen su camino.

"Los ideales de Zhadov de "Profitable Place" no son aplastados por algún "drama terrible y conmovedor": son socavados día a día, día a día por la vil prosa de la vida, repitiendo incansablemente los argumentos irresistiblemente vulgares del sentido común. - hoy, como ayer, mañana es como hoy."

La obra "The Deep" recuerda al espectador moderno el teatro antiguo, ni siquiera de la época de Ostrovsky, sino de una época aún más lejana. Recordemos que las primeras escenas transcurren, según nota del autor, “hace unos 30 años”, y la obra en sí fue escrita en 1865. La obra comienza con el público hablando sobre el melodrama de Ducange “Treinta años después o la vida de un jugador” con la participación del propio Mochalov.

Kholodov señala que “la presentación del melodrama “Treinta años después, o la vida de un jugador” se contrasta, por así decirlo, con la presentación del drama de la vida de Kiselnikov, que podría titularse “Diecisiete años, o la vida de un perdedor." La esencia de "The Deep" es que, tomando como base un esquema argumental típico del melodrama, el dramaturgo, con toda la lógica de su obra, refuta el concepto melodramático del individuo y la sociedad. A.N. Ostrovsky contrasta la vida con el teatro.

"El Abismo" es la única obra de A.N Ostrovsky que se basa en un principio biográfico y "hagiográfico": conocemos a Kirill Filipovich Kiselnikov cuando tenía 22 años, luego.

Lo conocemos a los 29 años, a los 34 y finalmente a los 39 años. En relación con Zhadov y Glumov, el espectador sólo puede adivinar cómo se desarrollarán sus vidas, mientras que la vida de Kiselnikov se desarrolla ante el espectador a lo largo de 17 años. Kiselnikov está envejeciendo ante nuestros ojos: a sus 39 años ya es un anciano.

En las obras "The Deep" y "Profitable Place" aparece la misma metáfora: la imagen de un caballo acorralado. Zhadov: “ La necesidad, las circunstancias, la falta de educación de los familiares, el libertinaje que me rodea pueden impulsarme como un caballo de posta..." Kisélnikov: " Ya sabes, mamá, van en un caballo correo, que camina pata a pata, agachando la cabeza, sin mirar nada, sólo para arrastrarse de alguna manera hasta la estación; así es como me convertí" Las circunstancias “todavía pueden impulsar a Zhadov”, pero ya han impulsado a Kiselnikov (“en eso me he convertido”). Kiselnikov, como señala Kholodov, es Zhadov, impulsado por la vida.

El papel de Kiselnikov generalmente se confía a actores experimentados que tienen una edad más cercana a Kiselnikov en las últimas escenas, por lo que en la interpretación de la primera escena por parte de tales actores, cuando el héroe tiene solo 22 años, siempre se siente algo de tensión.

“El problema de Kiselnikov radica en el kiselnikovismo”, señala Kholodov, “en la inercia mental, la belleza inactiva, la falta de carácter y la falta de voluntad. ¿Problemas o culpa? El propio dramaturgo plantea esta cuestión al comienzo de la obra. Después de la presentación del melodrama de Ducange "Treinta años o la vida de un jugador", el público intercambia opiniones sobre el trágico destino del héroe. Al espectador se le presentan varios puntos de vista:

« Con quien estés, tú también serás así.»

« Cada uno tiene la culpa de sí mismo... Mantente firme, porque serás el único que responderá.».

Una posición: " Es una pena" Otra posición: " No siento pena por nada. ¡Conoce el borde, no te caigas! Por eso al hombre se le da la razón».

"The Deep" es una obra asombrosa porque el dramaturgo no da una respuesta exacta: si el personaje principal es culpable o no. El teatro, siguiendo a A.N. Ostrovsky, responde que esto es desgracia del héroe, pero también culpa suya.

A diferencia de Zhadov, Kiselnikov comete un crimen y somos testigos de la caída final del héroe.

Cabe señalar que el drama "The Deep" atrae actualmente a más espectadores que lectores e investigadores. Me atrevo a sugerir que a los investigadores no les interesa mucho estudiar la única versión del manuscrito con todas las correcciones y adiciones que se le han hecho. En términos artísticos, “The Abyss” es más débil que el drama “The Thunderstorm”, por ejemplo.

Bueno, al lector no le interesa este drama, en mi opinión, porque no puede encontrar una historia de amor, y el tema del “hombrecito” ya no es interesante, ya que fue explorado exhaustivamente en las obras de N.V. Gogol, F.M. Dostoievski, A.P. Chéjov.

Sin embargo, la obra "The Deep" siempre está presente en el repertorio del Teatro Maly, que lleva el nombre del gran dramaturgo.

Hasta 2002, la obra fue puesta en escena por Yuri Solomin, y ahora está representada en una nueva producción: Korshunov.

La obra es relevante en nuestro tiempo, ya que plantea una cuestión psicológica aguda: ¿cómo sobrevivir en este mundo si eres una persona honesta? En mi opinión, cada lector debería encontrar por sí mismo la respuesta a la pregunta planteada por A.N.

Extractos de “Memorias del artista N.S Vasilkva”. “Anuario de los Teatros Imperiales”, 1909, núm. 1, p.4.

Revyakin A.I. “Dramaturgia de A.N. Ostrovsky” (Al 150 aniversario de su nacimiento), M.: Znanie, 1973, p.36

Lakshin V.Ya. “Alexander Nikolaevich Ostrovsky” - 2ª ed., revisada. y adicional - M.: Art, 1982, p. 63.

Jolodov E.G. "Un dramaturgo de todos los tiempos"; Sociedad de Teatro de toda Rusia, M., 1975, p. 260-261.

3 ibídem pág. 321

Ahí con. 321Características generales de la obra de A.N. Ostrovsky. Características generales de la creatividad de A.N. Ostrovsky.

Ideas creativas de A.N. Ostrovsky. Karandyshev. Significado simbolico nombres y apellidos. El propósito de la lección. A primera vista, los dos primeros fenómenos son la exposición. ¿Qué aprendemos sobre Paratov? Discusión de la imagen de L.I. Ogudalova. Análisis del drama "Dote". Por lo general, los nombres de las obras de Ostrovsky son refranes, refranes. UN. Ostrovsky Drama "Dote". Caracteres. Paratov Sergey Sergeevich.

“La obra de Ostrovsky “La tormenta”” - Dé una descripción de cada personaje literario. Víctimas del “reino oscuro”. Katerina. ¿Qué papel juega la escena de la tormenta en la obra? Lea expresivamente el monólogo de Katerina en la escena del arrepentimiento. Varvara - traducido del griego: extranjero, extranjero. Lea expresivamente las últimas palabras de Katerina. ¿Cuál es tu opinión y por qué? Kabanova Marfa Ignatievna es una representante típica del "reino oscuro".

“La obra “La dote”” - O quizás esta sea la solución adecuada: la franca propuesta de Knurov... Katerina es una heroína verdaderamente trágica. "Dote." La heroína de “La Dote” no tiene voluntad de suicidarse. El mundo de Larisa contiene tanto una canción gitana como un romance ruso. El capitalismo se está desarrollando rápidamente. Foto de 1911. Imagen de Paratov. Pero la capacidad de dejarse llevar y la extravagancia no rechazan en absoluto el cálculo sobrio. Y todo el mundo ve a Larisa como algo elegante, moderno y lujoso.

“Héroes de la Tormenta” - El tema principal de la Tormenta. Concepto de imágenes espejo. Los resultados de las acciones de los héroes. Dos conflictos. Teatro Académico de Arte Maly. Actividades sociales de A.N.Ostrovsky. Las clases de Katerina. I. Levitan. La obra del dramaturgo. Alejandro Nikolaevich Ostrovsky. Características del habla. La protesta de Katerina. La obra "La tormenta" fue escrita en 1859. Diccionario. Amar. Teatro Nacional. Sentimientos humanos.

“La obra de Ostrovsky “La dote”” - ¿Qué tipo de persona es Paratov? Disparo de Karandyshev. Romance cruel. Ostrovsky. ¿Paratova necesita a Larisa? El prometido de Larisa. Cuestiones problemáticas. Amor por Larisa. ¿Qué aporta la canción gitana a la obra y a la película? Líneas poéticas. El misterio de la obra de Ostrovsky. Análisis de la obra. Canción gitana. ¿Cómo es Karandyshev? Adquirir habilidades de análisis de textos. Habilidades para expresar tus pensamientos. Una canción triste sobre una mujer sin hogar. Romance.

“Héroes de “La Doncella de las Nieves”” - Folklore. Contenidos de las canciones. Rito ruso antiguo. Enorme poder. Pruebas de consolidación sobre el tema. ¿Qué tipo de héroes de cuentos de hadas existen? Pájaros bailando. UN. Ostrovsky. V. M. Vasnetsov. Respeto a las tradiciones culturales del pueblo. El poder y la belleza de la naturaleza. Imagen de Lelia. Leshy. Personajes fantásticos. Cuento de invierno. Resultados de la prueba. Instrumentos musicales. Escena. Música. Música de Rimsky-Korsakov. Caracteres.

1. El lugar de la creatividad de Ostrovsky en el drama ruso.
2. “Drama popular” en el Teatro Ostrovsky.
3. Nuevos héroes.

Reveló al mundo a un hombre de nueva formación: un comerciante viejo creyente y un comerciante capitalista, un comerciante con abrigo militar y un comerciante con una “troika”, que viajaba al extranjero y se ocupaba de sus propios negocios. Ostrovsky abrió de par en par la puerta a un mundo hasta entonces encerrado tras altas vallas frente a las miradas indiscretas de los demás.
VG Marantsman

La dramaturgia es un género que implica la interacción activa entre el escritor y el lector al considerar las cuestiones sociales planteadas por el autor. A. N. Ostrovsky creía que el drama tiene un fuerte impacto en la sociedad, el texto es parte de la representación, pero sin la puesta en escena la obra no vive. Cientos y miles lo verán, pero leerán mucho menos. Nacionalidad - caracteristica principal dramaturgia de la década de 1860: héroes del pueblo, descripciones de la vida de los estratos más bajos de la población, la búsqueda de un carácter popular positivo. El drama siempre ha tenido la capacidad de dar respuesta a los temas de actualidad. La obra de Ostrovsky estuvo en el centro de la dramaturgia de esta época; Yu. M. Lotman llama a sus obras el pináculo de la dramaturgia rusa. I. A. Goncharov llamó a Ostrovsky el creador del "teatro nacional ruso", y N. A. Dobrolyubov llamó a sus dramas "obras de la vida", ya que en sus obras la vida privada de la gente se reúne en un cuadro. sociedad moderna. En la primera gran comedia, “Seremos nuestro propio pueblo” (1850), es a través de los conflictos intrafamiliares como se muestran las contradicciones sociales. Fue con esta obra que comenzó el teatro de Ostrovsky; fue en ella donde aparecieron por primera vez nuevos principios de acción escénica, comportamiento de los actores y entretenimiento teatral.

La obra de Ostrovsky era nueva para el drama ruso. Sus obras se caracterizan por la complejidad y complejidad de los conflictos; su elemento es el drama socio-psicológico, la comedia costumbrista. Las características de su estilo son apellidos reveladores, comentarios específicos del autor, títulos originales de obras de teatro, entre las que se utilizan a menudo refranes, y comedias basadas en motivos folclóricos. El conflicto en las obras de Ostrovsky se basa principalmente en la incompatibilidad del héroe con el medio ambiente. Sus dramas pueden llamarse psicológicos; contienen no sólo conflictos externos, sino también dramas morales internos.

Todo en las obras recrea históricamente con precisión la vida de la sociedad, de donde el dramaturgo toma sus tramas. Nuevo héroe El drama de Ostrovsky, una persona sencilla, determina la originalidad del contenido, y Ostrovsky crea un "drama popular". Cumplió una tarea enorme: hizo un "hombrecito" heroe tragico. Ostrovsky vio su deber como escritor dramático al hacer del análisis de lo que estaba sucediendo el contenido principal del drama. “Un escritor dramático... no inventa lo que pasó: da vida, historia, leyenda; su tarea principal es mostrar, a partir de qué datos psicológicos se produjo un determinado acontecimiento y por qué exactamente de esta manera y no de otra manera”, esto es lo que, según el autor, expresa la esencia del drama. Ostrovsky consideraba el teatro como un arte de masas que educa a la gente y definió el propósito del teatro como una "escuela de moral social". Sus primeras producciones nos sorprendieron por su veracidad y sencillez, con héroes honestos y de “corazón cálido”. El dramaturgo creado “combinando lo sublime con lo cómico”, creó cuarenta y ocho obras e inventó más de quinientos personajes.

Las obras de Ostrovsky son realistas. EN ambiente mercantil, que observó día tras día y creía que unía el pasado y el presente de la sociedad, Ostrovsky revela esos conflictos sociales que reflejan la vida de Rusia. Y si en "La doncella de nieve" recrea el mundo patriarcal, a través del cual sólo se pueden adivinar los problemas modernos, entonces su "Tormenta" es una protesta abierta del individuo, el deseo de una persona de felicidad e independencia. Los dramaturgos percibieron esto como una declaración del principio creativo del amor a la libertad, que podría convertirse en la base de un nuevo drama. Ostrovsky nunca utilizó la definición de "tragedia", designando sus obras como "comedias" y "dramas", proporcionando a veces explicaciones en el espíritu de "imágenes de la vida de Moscú", "escenas de la vida del pueblo”, “escenas de la vida en el interior”, lo que indica que estamos hablando de la vida de todo un entorno social. Dobrolyubov dijo que Ostrovsky creó un nuevo tipo de acción dramática: sin didáctica, el autor analizó los orígenes históricos de los fenómenos modernos en la sociedad.

Aproximación histórica a la familia y relaciones sociales— el patetismo de la creatividad de Ostrovsky. Entre sus héroes hay personas de diferentes edades, divididas en dos bandos: jóvenes y mayores. Por ejemplo, como escribe Yu. M. Lotman, en "La tormenta", Kabanikha es "la guardiana de la antigüedad", y Katerina "lleva dentro de sí el comienzo creativo del desarrollo", por eso quiere volar como un pájaro.

La disputa entre antigüedad y novedad, como señala el crítico literario, constituye un aspecto importante del conflicto dramático en las obras de Ostrovsky. Las formas de vida tradicionales son consideradas eternamente renovadas, y sólo en esto el dramaturgo ve su viabilidad... Lo viejo entra en lo nuevo, en vida moderna, en el que puede desempeñar el papel de elemento “limitador”, que oprime su desarrollo, o de elemento estabilizador, que asegura la fuerza de la novedad emergente, dependiendo del contenido de lo antiguo que preserva la vida del pueblo”. El autor siempre simpatiza con los jóvenes héroes, poetiza su deseo de libertad y altruismo. El título del artículo de A. N. Dobrolyubov "Un rayo de luz en un reino oscuro" refleja plenamente el papel de estos héroes en la sociedad. Son psicológicamente similares entre sí, el autor a menudo utiliza personajes ya desarrollados. El tema de la posición de la mujer en el mundo del cálculo también se repite en “La novia pobre”, “Corazón cálido” y “La muchacha de la dote”.

Posteriormente, aumentó el elemento satírico en los dramas. Ostrovsky recurre al principio gogoliano de "comedia pura", poniendo en primer lugar las características del entorno social. El personaje de sus comedias es un renegado e hipócrita. Ostrovsky también recurre a temas histórico-heroicos, rastreando la formación de los fenómenos sociales, el crecimiento de un "pequeño hombre" a un ciudadano.

Sin duda, las obras de Ostrovsky siempre tendrán un sonido moderno. Los teatros recurren constantemente a su obra, por lo que se sitúa fuera del marco temporal.

Reveló al mundo a un hombre de nueva formación: un comerciante viejo creyente y un comerciante capitalista, un comerciante con abrigo militar y un comerciante con una “troika”, que viajaba al extranjero y se ocupaba de sus propios negocios. Ostrovsky abrió de par en par la puerta a un mundo hasta entonces encerrado tras altas vallas frente a las miradas indiscretas de los demás.
VG Marantsman

La dramaturgia es un género que implica la interacción activa entre el escritor y el lector al considerar las cuestiones sociales planteadas por el autor. A. N. Ostrovsky creía que el drama tiene un fuerte impacto en la sociedad, el texto es parte de la representación, pero sin la puesta en escena la obra no vive. Cientos y miles lo verán, pero leerán mucho menos. La nacionalidad es la característica principal del drama de la década de 1860: héroes del pueblo, descripciones de la vida de los estratos más bajos de la población, la búsqueda de un carácter nacional positivo. El drama siempre ha tenido la capacidad de dar respuesta a los temas de actualidad. La obra de Ostrovsky estuvo en el centro de la dramaturgia de esta época; Yu. M. Lotman llama a sus obras el pináculo de la dramaturgia rusa. I. A. Goncharov llamó a Ostrovsky el creador del "teatro nacional ruso", y N. A. Dobrolyubov llamó a sus dramas "obras de la vida", ya que en sus obras la vida privada de la gente se convierte en una imagen de la sociedad moderna. En la primera gran comedia, “Seremos nuestro propio pueblo” (1850), es a través de los conflictos intrafamiliares como se muestran las contradicciones sociales. Fue con esta obra que comenzó el teatro de Ostrovsky; fue en ella donde aparecieron por primera vez nuevos principios de acción escénica, comportamiento de los actores y entretenimiento teatral.

La obra de Ostrovsky era nueva para el drama ruso. Sus obras se caracterizan por la complejidad y complejidad de los conflictos; su elemento es el drama socio-psicológico, la comedia costumbrista. Las características de su estilo son apellidos reveladores, comentarios específicos del autor, títulos originales de obras de teatro, entre las que se utilizan a menudo refranes, y comedias basadas en motivos folclóricos. El conflicto en las obras de Ostrovsky se basa principalmente en la incompatibilidad del héroe con el medio ambiente. Sus dramas pueden llamarse psicológicos; contienen no sólo conflictos externos, sino también dramas morales internos.

Todo en las obras recrea históricamente con precisión la vida de la sociedad, de donde el dramaturgo toma sus tramas. El nuevo héroe de los dramas de Ostrovsky, un hombre sencillo, determina la originalidad del contenido, y Ostrovsky crea un "drama popular". Logró una tarea enorme: convirtió al "pequeño hombre" en un héroe trágico. Ostrovsky vio su deber como escritor dramático al hacer del análisis de lo que estaba sucediendo el contenido principal del drama. “Un escritor dramático... no inventa lo que pasó: da vida, historia, leyenda; su tarea principal es mostrar, a partir de qué datos psicológicos se produjo un determinado acontecimiento y por qué exactamente de esta manera y no de otra manera”, esto es lo que, según el autor, expresa la esencia del drama. Ostrovsky consideraba el teatro como un arte de masas que educa a la gente y definió el propósito del teatro como una "escuela de moral social". Sus primeras producciones nos sorprendieron por su veracidad y sencillez, con héroes honestos y de “corazón cálido”. El dramaturgo creado “combinando lo sublime con lo cómico”, creó cuarenta y ocho obras e inventó más de quinientos personajes.

Las obras de Ostrovsky son realistas. En el entorno mercantil, que observaba día tras día y creía que unía el pasado y el presente de la sociedad, Ostrovsky revela esos conflictos sociales que reflejan la vida de Rusia. Y si en "La doncella de nieve" recrea el mundo patriarcal, a través del cual sólo se pueden adivinar los problemas modernos, entonces su "Tormenta" es una protesta abierta del individuo, el deseo de una persona de felicidad e independencia. Los dramaturgos percibieron esto como una declaración del principio creativo del amor a la libertad, que podría convertirse en la base de un nuevo drama. Ostrovsky nunca utilizó la definición de "tragedia", designando sus obras como "comedias" y "dramas", proporcionando a veces explicaciones en el espíritu de "imágenes de la vida de Moscú", "escenas de la vida del pueblo", "escenas de la vida del outback”, indicando que estamos hablando de la vida de todo un entorno social. Dobrolyubov dijo que Ostrovsky creó un nuevo tipo de acción dramática: sin didáctica, el autor analizó los orígenes históricos de los fenómenos modernos en la sociedad.

El enfoque histórico de las relaciones familiares y sociales es el patetismo de la obra de Ostrovsky. Entre sus héroes hay personas de diferentes edades, divididas en dos bandos: jóvenes y mayores. Por ejemplo, como escribe Yu. M. Lotman, en "La tormenta", Kabanikha es "la guardiana de la antigüedad", y Katerina "lleva dentro de sí el comienzo creativo del desarrollo", por eso quiere volar como un pájaro.

La disputa entre antigüedad y novedad, como señala el crítico literario, constituye un aspecto importante del conflicto dramático en las obras de Ostrovsky. Las formas de vida tradicionales se consideran eternamente renovadas, y sólo en esto el dramaturgo ve su viabilidad... Lo viejo entra en lo nuevo, en la vida moderna, en la que puede desempeñar el papel de elemento “grillantes”, oprimiendo su desarrollo. , o un elemento estabilizador, asegurando la fuerza de la novedad emergente, dependiendo del contenido de lo antiguo que preserva la vida de las personas”. El autor siempre simpatiza con los jóvenes héroes, poetiza su deseo de libertad y altruismo. El título del artículo de A. N. Dobrolyubov "Un rayo de luz en un reino oscuro" refleja plenamente el papel de estos héroes en la sociedad. Son psicológicamente similares entre sí, el autor a menudo utiliza personajes ya desarrollados. El tema de la posición de la mujer en el mundo del cálculo también se repite en “La novia pobre”, “Corazón cálido” y “La muchacha de la dote”.

Posteriormente, aumentó el elemento satírico en los dramas. Ostrovsky recurre al principio gogoliano de "comedia pura", poniendo en primer lugar las características del entorno social. El personaje de sus comedias es un renegado e hipócrita. Ostrovsky también recurre a temas histórico-heroicos, rastreando la formación de los fenómenos sociales, el crecimiento de un "pequeño hombre" a un ciudadano.

Sin duda, las obras de Ostrovsky siempre tendrán un sonido moderno. Los teatros recurren constantemente a su obra, por lo que se sitúa fuera del marco temporal.

Drama de A.P. Chéjov.

A Chéjov se le suele llamar el "Shakespeare del siglo XX". De hecho, su dramaturgia, como la de Shakespeare, jugó un papel decisivo en la historia del drama mundial. Nacido en Rusia a principios del nuevo siglo, se convirtió en un sistema artístico innovador que determinó el camino para el desarrollo futuro del drama y el teatro en todo el mundo.
Por supuesto, la innovación de la dramaturgia de Chéjov fue preparada por las búsquedas y descubrimientos de sus grandes predecesores, las obras dramáticas de Pushkin y Gogol, Ostrovsky y Turgenev, en cuya buena y fuerte tradición se basó. Pero fueron las obras de Chéjov las que supusieron una auténtica revolución en el pensamiento teatral de su época. Su entrada en el campo del teatro marcó un nuevo punto de partida en la historia de la cultura artística rusa.
A finales del siglo XIX, el drama ruso se encontraba en un estado casi deplorable. Bajo la pluma de escritores especializados, las alguna vez elevadas tradiciones dramáticas degeneraron en clichés rutinarios y se convirtieron en cánones muertos. La escena se ha alejado demasiado notablemente de la vida. En aquella época, cuando las grandes obras de Tolstoi y Dostoievski elevaron la prosa rusa a alturas sin precedentes, el drama ruso llevaba una existencia miserable. Estaba destinado nada menos que a Chéjov a superar esta brecha entre prosa y drama, entre literatura y teatro. Gracias a sus esfuerzos, el escenario ruso se elevó al nivel de la gran literatura rusa, al nivel de Tolstoi y Dostoievski.
¿Cuál fue el descubrimiento del dramaturgo Chéjov? En primer lugar, devolvió el drama a la vida misma. No en vano a sus contemporáneos les parecía que simplemente ofrecía novelas largas y breves para la escena. Sus obras asombraron por su estilo narrativo inusual y la minuciosidad realista de su estilo. Esta manera no fue accidental. Chéjov estaba convencido de que el drama no puede ser propiedad únicamente de personas destacadas y excepcionales, un trampolín únicamente para acontecimientos grandiosos. Quería revelar el drama de la realidad cotidiana más ordinaria. Para dar acceso al drama de la vida cotidiana, Chéjov tuvo que destruir todos los cánones dramáticos obsoletos y firmemente arraigados.
"Que todo en el escenario sea tan simple y al mismo tiempo tan complicado como en la vida: la gente almuerza, simplemente almuerza, y en ese momento se forma su felicidad y su vida se rompe", dijo Chéjov, deduciendo la fórmula del nuevo drama. Y comenzó a escribir obras de teatro que capturaban el flujo natural de la vida cotidiana, como si estuvieran completamente desprovistas de eventos brillantes. personajes fuertes, conflictos agudos. Pero bajo la capa superior de la vida cotidiana, en la vida cotidiana imparcial, aparentemente aleatoria, donde la gente "simplemente almorzaba", descubrió un drama inesperado, "componiendo su felicidad y rompiendo sus vidas".
El drama de la vida cotidiana, profundamente escondido en el flujo submarino de la vida, fue el primer descubrimiento más importante del escritor. Este descubrimiento requirió una revisión del concepto anterior de personajes, la relación entre el héroe y el entorno, una construcción diferente de la trama y el conflicto, una función diferente de los acontecimientos, una ruptura de las ideas habituales sobre la acción dramática, su inicio, clímax y desenlace, finalidad de las palabras y del silencio, del gesto y de la mirada. En una palabra, toda la estructura dramática de arriba a abajo sufrió una recreación completa.
Chéjov ridiculizó el poder de la vida cotidiana sobre una persona, mostró cómo en un ambiente vulgar cualquier sentimiento humano se vuelve superficial y distorsionado, cómo un ritual solemne (funeral, boda, aniversario) se vuelve absurdo, cómo la vida cotidiana mata las vacaciones. Al encontrar vulgaridad en cada célula de la vida cotidiana, Chéjov combinó la burla alegre con el buen humor. Se rió del absurdo humano, pero no mató al hombre de risa. En la pacífica vida cotidiana, no sólo veía una amenaza, sino también una protección; valoraba la comodidad cotidiana, el calor del hogar y el poder salvador de la gravedad. El género de vodevil gravitó hacia la farsa trágica y la tragicomedia. Probablemente esta sea la razón por la que sus historias humorísticas estaban cargadas de motivos de humanidad, comprensión y simpatía.

24. Teatro de Arte de Moscú. Obras de K.S Stanislavsky.

Teatro de Arte de Moscú. El innovador programa del Teatro de Arte de Moscú (fundado en 1898) y su conexión con las ideas de la estética rusa avanzada del siglo XIX. Utilizar los mejores logros del teatro realista mundial en la práctica creativa. Actividades teatrales K. S. Stanislavsky (1863-1938) y Vl. I. Nemirovich-Danchenko (1858-1943) antes de la creación del Teatro de Arte de Moscú. Creación del Teatro de Arte Público de Moscú por Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko (1898). “Zar Fyodor Ivanovich” de A. K. Tolstoi es la primera representación del Teatro de Arte de Moscú. Línea histórica y cotidiana de representaciones del Teatro de Arte de Moscú.

Producciones de las obras de Chéjov en el período 1898-1905: "La gaviota", "Tío Vanya", "Tres hermanas", "El jardín de los cerezos", "Ivanov". Innovación en la interpretación de las obras de Chéjov.

Línea sociopolítica en el repertorio del Teatro de Arte de Moscú. "Doctor Stockman" de Ibsen. Producciones de las obras de Gorky "The Bourgeois", "At the Demise", "Children of the Sun". Pasión por recrear la vida cotidiana en el escenario. "At the Depths" es una victoria creativa para el Teatro de Arte de Moscú. Producción de “Los niños del sol” durante los acontecimientos revolucionarios de 1905. El papel de Gorky en el desarrollo ideológico y creativo del Teatro de Arte.

Arte actoral del Teatro de Arte de Moscú: K.S. Stanislavsky, I. M. Moskvin, V. I. Kachalov, O. L. Knipper-Chekhova, L. M. Leonidov y otros.

Konstantin Sergeevich Stanislavsky(nombre real - alekseev; 5 de enero de 1863, Moscú - 7 de agosto de 1938, Moscú) - Director de teatro, actor y profesor ruso, reformador del teatro. El creador del famoso sistema de actuación, que es muy popular en Rusia y en el mundo desde hace 100 años. artista nacional URSS (1936).

En 1888 se convirtió en uno de los fundadores de la Sociedad de Arte y Literatura de Moscú. En 1898, junto con Vl. I. Nemirovich-Danchenko fundó el Teatro de Arte de Moscú.

Konstantin Sergeevich nació en Moscú, en una familia numerosa (en total tenía nueve hermanos y hermanas) de un famoso industrial, pariente de S.I. Mamontov y los hermanos Tretyakov. Padre: Alekseev, Sergei Vladimirovich (1836-1893), madre: Elizaveta Vasilievna (de soltera Yakovleva), (1841-1904).

El alcalde de Moscú N.A. Alekseev era su primo. La hermana menor es Zinaida Sergeevna Sokolova (Alekseeva), Artista de Honor de la RSFSR.

Su primer hijo ilegítimo de la campesina Avdotya Nazarovna Kopylova, V. S. Sergeev (1883-1941), fue adoptado por el padre de Stanislavsky, S. V. Alekseev, de quien recibió su apellido y patronímico, y más tarde se convirtió en profesor en la Universidad Estatal de Moscú, una historiador de la antigüedad.

Esposa: Maria Petrovna Lilina (1866-1943; con su esposo, Alekseeva): actriz de teatro rusa y soviética, actriz del Teatro de Arte de Moscú.

S. V. Alekseev, padre de K. S. Stanislavsky.

En 1878-1881 estudió en el gimnasio del Instituto Lazarev, tras lo cual comenzó a trabajar en una empresa familiar. A la familia le gustaba el teatro; en la casa de Moscú había una sala especialmente reconstruida para representaciones teatrales, y en la finca Lyubimovka había un ala de teatro.

Sus experimentos escénicos comenzaron en 1877 en el círculo de su casa, Alekseevsky. Estudió intensamente artes plásticas y canto con los mejores profesores, aprendió de los ejemplos de los actores del Teatro Maly, entre sus ídolos se encontraban Lensky, Musil, Fedotova, Ermolova. Tocó en operetas: “La condesa de la Frontera” de Lecoq (cacique de los ladrones), “Mademoiselle Nitouche” de Florimore, “El Mikado” de Sullivan (Nanki-Poo).

En diciembre de 1884, en el escenario amateur de la casa de A. A. Karzinkin en el bulevar Pokrovsky, tuvo lugar su primera actuación como Podkolesin en “El matrimonio” de Gogol. También por primera vez el joven actor trabajó bajo la dirección del artista del Teatro Pequeño M. A. Reshimov, quien puso en escena la obra.

El día del estreno surgió una curiosidad que Konstantin Sergeevich recordará por el resto de su vida. En sus últimos años, él mismo habló de este episodio: “En el último acto de la obra, como saben, Podkolesin sale por la ventana. El escenario donde se desarrolla la actuación era tan pequeño que había que salir por la ventana y caminar sobre el piano que estaba detrás de escena. Por supuesto, abrí la tapa y rompí varios hilos. El problema es que la actuación se presentó sólo como un aburrido preludio de los alegres bailes que se avecinaban”. Pero a medianoche no pudieron encontrar un técnico para reparar el piano, y el desafortunado intérprete tuvo que sentarse en un rincón de la sala toda la noche y cantar todos los bailes seguidos. "Fue uno de los bailes más divertidos", recuerda K. S. Stanislavsky, "pero, por supuesto, no para mí". También nos solidarizamos no sólo con el pobre joven, sino también con las encantadoras señoritas que esa noche perdieron a su elegante y hábil y apuesto caballero...

En 1886, Konstantin Alekseev fue elegido miembro de la dirección y tesorero de la sucursal de Moscú de la Sociedad Musical Rusa y de su conservatorio. Sus colegas en la dirección del conservatorio fueron P. I. Tchaikovsky, S. I. Taneyev, S. M. Tretyakov. Junto con el cantante y profesor F. P. Komissarzhevsky y el artista F. L. Sollogub, Alekseev está desarrollando un proyecto para la Sociedad de Arte y Literatura de Moscú (MOIiL), invirtiendo en él recursos económicos personales. En ese momento, para ocultar su verdadero apellido, tomó el apellido Stanislavsky para el escenario.

El impulso para la creación de la Sociedad fue una reunión con el director A.F. Fedotov: en su obra "Los jugadores" de N. Gogol, Stanislavsky interpretó a Ikharev. La primera representación tuvo lugar el 8 (20) de diciembre de 1888. Durante diez años de trabajo en el escenario del Instituto de Literatura y Literatura de Moscú, Stanislavsky se convirtió en un actor famoso, su interpretación de varios papeles fue comparada con mejores trabajos profesionales de la escena imperial, a menudo a favor del actor aficionado: Anania Yakovlev en “Bitter Fate” (1888) y Platon Imshin en “Arbitrariness” de A. Pisemsky; Paratov en “La dote” de A. Ostrovsky (1890); Zvezdintsev en “Los frutos de la Ilustración” de L. Tolstoi (1891). La primera experiencia como director de la Sociedad fue “Cartas ardientes” de P. Gnedich (1889). La comunidad teatral, incluido Stanislavsky, quedó muy impresionada por las giras por Rusia en 1885 y 1890 del Teatro Meiningen, que se distinguió por su alta cultura de producción. En 1896, N. Efros escribió sobre “Otelo” de Stanislavsky: “Los meiningios debieron haber dejado una profunda huella en la memoria de K. S. Stanislavsky. Su producción se le presenta como un hermoso ideal y se esfuerza con todas sus fuerzas por acercarse a este ideal. "Otelo" es un gran paso adelante en este bonito camino."

En enero de 1891, Stanislavsky asumió oficialmente la dirección del departamento de dirección de la Sociedad de Arte y Literatura. Puso en escena las obras "Uriel Acosta" de K. Gutzkow (1895), "Otelo" (1896), "El judío polaco" de Erckman-Chatrian (1896), "Mucho ruido y pocas nueces" (1897), "Noche de Reyes" (1897), "La campana hundida" (1898), interpretó a Acosta, el burgomaestre Mathis, Benedict, Malvolio, el maestro Henry. Stanislavsky buscaba, según la definición que formuló más tarde, “técnicas del director para revelar la esencia espiritual de la obra”. Siguiendo el ejemplo del pueblo de Meiningen, utiliza auténticos objetos antiguos o exóticos y experimenta con la luz, el sonido y el ritmo. Posteriormente, Stanislavsky destacará su producción de “La aldea de Stepanchikov” (1891) de Dostoievski y el papel de Tomás (“El paraíso para el artista”).

Teatro de Arte de Moscú

El descontento con el estado del teatro dramático a finales del siglo XIX, la necesidad de reformas y la negación de la rutina escénica provocaron la búsqueda de A. Antoine y O. Bram, A. Yuzhin en el Teatro Maly de Moscú y Vl. Nemirovich-Danchenko en la Escuela Filarmónica.

En 1897, Nemirovich-Danchenko invitó a Stanislavsky a reunirse y discutir una serie de cuestiones relacionadas con el estado del teatro. Stanislavsky guardó la tarjeta de presentación, en cuyo reverso estaba escrito a lápiz: "Estaré en el Bazar Eslavo a la una, ¿no te veré?". Firmó el sobre: ​​“La famosa primera cita con Nemirovich-Danchenko. El primer momento de la fundación del teatro”.

Durante esta conversación, que se volvió legendaria, se formularon las tareas del nuevo negocio teatral y el programa para su implementación. Según Stanislavsky, discutieron "los fundamentos del futuro negocio, cuestiones del arte puro, nuestros ideales artísticos, la ética escénica, la tecnología, los planes organizativos, los proyectos para el repertorio futuro, nuestras relaciones". En una conversación que duró dieciocho horas, Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko discutieron la composición de la compañía, cuyo núcleo estaría formado por jóvenes actores inteligentes, el círculo de autores (G. Ibsen, G. Hauptmann, A.P. Chéjov) y el diseño modesto y discreto del salón. Las responsabilidades estaban divididas: el veto literario y artístico fue concedido a Nemirovich-Danchenko, el veto artístico a Stanislavsky; Esbozaron un sistema de lemas según el cual viviría el nuevo teatro.

El 14 (26) de junio de 1898, en la dacha de Pushkino, cerca de Moscú, comenzó el trabajo de la compañía de Teatro de Arte, formada por los estudiantes de Nemirovich-Danchenko en la Filarmónica y actores aficionados de la Sociedad de Arte y Literatura. Ya en los primeros meses de ensayos quedó claro que la división de responsabilidades de los líderes era condicional. Los ensayos de la tragedia "El zar Fyodor Ioannovich" comenzaron con Stanislavsky, quien creó la puesta en escena de la obra, que sorprendió al público en el estreno, y Nemirovich-Danchenko insistió en elegir a su alumno I. V. Moskvin para el papel del zar Fyodor. entre seis candidatos y, en lecciones individuales con el artista, le ayudó a crear una imagen conmovedora del “rey campesino”, que se convirtió en el comienzo de la actuación. Stanislavsky creía que el zar Fiódor inició la línea histórica y cotidiana en el Teatro de Arte de Moscú, al que atribuyó las producciones de El mercader de Venecia (1898), Antígona (1899), La muerte de Iván el Terrible (1899) y El poder. "Oscuridad" (1902), "Julio César" (1903), etc. Con A. P. Chéjov conectó otra, la línea de producción más importante del Teatro de Arte: la línea de la intuición y los sentimientos, a la que atribuyó "Ay de Wit". ” de A. S. Griboyedov (1906), “Un mes en la aldea” (1909), “Los hermanos Karamazov” (1910) y “La aldea de Stepanchikovo” (1917) de F. M. Dostoievski y otros.

K. Stanislavsky, 1912.

Las representaciones más importantes del Teatro de Arte, como "El zar Fyodor Ioannovich" de A. K. Tolstoi, "La gaviota", "Tío Vanya", "Tres hermanas", "El huerto de los cerezos" de A. P. Chéjov, fueron puestas en escena conjuntamente por Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko. En las siguientes producciones de Chéjov, los descubrimientos de la Gaviota continuaron y armonizaron. El principio de desarrollo continuo unió una vida dispersa y dispersa en el escenario. Se desarrolló un principio especial de comunicación escénica (“un objeto fuera de la pareja”), incompleto, semicerrado. El espectador de las representaciones de Chéjov en el Teatro de Arte de Moscú quedó complacido y atormentado por el reconocimiento de la vida, en sus detalles antes inimaginables.

EN trabajando juntos La obra de M. Gorky "En las profundidades" (1902) reveló las contradicciones entre dos enfoques. Para Stanislavsky, el impulso fue una visita a los refugios del mercado de Khitrov. Su plan de dirección contiene muchos detalles cuidadosamente observados: la camisa sucia de Medvedev, los zapatos envueltos en ropa de abrigo sobre los que duerme Satin. Nemirovich-Danchenko buscó la “alegre ligereza” en el escenario como clave de la obra. Stanislavsky admitió que fue Nemirovich-Danchenko quien encontró "la verdadera manera de representar las obras de Gorky", pero él mismo no aceptó esta manera de "simplemente relatar el papel". El cartel de “At the Lower Depths” no fue firmado por ninguno de los directores. Desde el inicio del teatro, ambos directores se sentaron en la mesa del director. Desde 1906, “cada uno de nosotros tenía su propia mesa, su propia obra, su propia producción”, porque, explica Stanislavsky, cada uno “quería y sólo podía seguir su propia línea independiente, permaneciendo fiel al principio general y básico del teatro. .” La primera actuación en la que Stanislavsky trabajó por separado fue Brandt. En este momento, Stanislavsky, junto con Meyerhold, creó el estudio experimental en Povarskaya (1905). Stanislavsky continuaría entonces sus experimentos en busca de nuevas formas teatrales en “La vida de un hombre” de L. Andreev (1907): sobre un fondo de terciopelo negro, aparecían fragmentos de interiores representados esquemáticamente, en los que aparecían figuras de personas: grotescamente puntiagudas líneas de disfraces, máscaras de maquillaje. En “El pájaro azul” de M. Maeterlinck (1908) se aplicó el principio del gabinete negro: el efecto del terciopelo negro y la tecnología de iluminación se utilizaron para transformaciones mágicas.

Stanislavsky-actor[editar | editar texto wiki]

Al crear el Teatro de Arte, Stanislavsky le creyó a Nemirovich-Danchenko que los papeles trágicos no eran su repertorio. En el escenario, el Teatro de Arte de Moscú completó solo algunos de sus papeles trágicos anteriores en representaciones del repertorio de la Sociedad de Artes y Letras (Henry de The Sunken Bell, Imshin). En las producciones de la primera temporada interpretó a Trigorin en La gaviota y a Levborg en Hedda Gabler. Según los críticos, sus obras maestras en el escenario fueron los siguientes papeles: Astrov en "Uncle Vanya", Shtokman en la obra de G. Ibsen "Doctor Shtokman"), Vershinin "Three Sisters", Satin en "The Lower Depths", Gaev "The Cherry Huerto”, Shabelsky en "Ivanov", 1904). El dúo de Vershinin - Stanislavsky y Masha - O. Knipper-Chekhova entró en el tesoro de las letras escénicas.

Stanislavsky continúa planteándose cada vez más tareas nuevas en la profesión de actor. Se exige a sí mismo la creación de un sistema que pueda darle al artista la oportunidad de la creatividad pública de acuerdo con las leyes del “arte de la experiencia” en cada momento de estar en el escenario, oportunidad que se abre a los genios en momentos de altísimo nivel. inspiración. Stanislavsky transfirió sus búsquedas en el campo de la teoría y la pedagogía teatrales al Primer Estudio que creó (las proyecciones públicas de sus representaciones comenzaron en 1913).

A un ciclo de papeles en el drama moderno (Chéjov, Gorki, L. Tolstoi, Ibsen, Hauptmann, Hamsun) le siguieron papeles en los clásicos: Famusov en "Ay de Wit" de A. Griboedov (1906), Rakitin en "Un mes en el campo” de I. Turgenev (1909), Krutitsky en la obra de A. Ostrovsky “La simplicidad es suficiente para todo sabio” (1910), Argan en “El inválido imaginario” de Moliere (1913), el Conde Lubin en “El provincial Mujer” de W. Wycherley, Cavalier en “La casera de la posada” de K. Goldoni (1914).

El destino de Stanislavsky estuvo influenciado por sus dos últimos trabajos actorales: Salieri en la tragedia "Mozart y Salieri" de A. S. Pushkin (1915), y Rostanev, a quien se suponía que interpretaría nuevamente en una nueva producción de "El pueblo de Stepanchikov", que estaba siendo preparado en 1916 por F. M. Dostoievski. El motivo del fracaso de Rostanev, un papel no mostrado al público, sigue siendo uno de los misterios de la historia del teatro y de la psicología de la creatividad. Según muchos testimonios, Stanislavsky "ensayó perfectamente". Después del ensayo general del 28 de marzo (10 de abril) de 1917, dejó de trabajar en el papel. Después de "no dar a luz" a Rostanev, Stanislavsky rechazó para siempre nuevos papeles (rompió esta negativa sólo por necesidad, durante una gira por el extranjero en 1922-1924, aceptando interpretar al voivoda Shuisky en la antigua obra "El zar Fyodor Ioannovich").

Después de 1917[editar | editar texto wiki]

K. S. Stanislavsky con la compañía del estudio de teatro en Leontyevsky Lane en el escenario de la mansión Lensky (c. 1922)

En el otoño de 1918, Stanislavsky dirigió una película cómica de tres minutos de duración, que no se estrenó y no tiene título (en Internet aparece con el nombre de "Pescado"). En la película participan el propio Stanislavsky y los actores del Teatro de Arte I. M. Moskvin, V. V. Luzhsky, A. L. Vishnevsky, V. I. Kachalov. La trama de la película es la siguiente. En el jardín de la casa de Karetny, I.M. Moskvin, V.V Luzhsky, A.L. Vishnevsky y Stanislavsky comienzan un ensayo y esperan a que el difunto V.I. Kachalov se acerca a ellos, quien hace un gesto para indicar que no puede ensayar porque algo anda mal en su garganta. Moskvin examina a Kachalov y le saca un pez de metal de la garganta. Todos ríen.

La primera producción de Stanislavsky después de la revolución fue Caín (1920) de D. Byron. Los ensayos apenas habían comenzado cuando Stanislavsky fue tomado como rehén durante el avance de los blancos hacia Moscú. La crisis general en el Teatro de Arte se vio agravada por el hecho de que una parte importante de la compañía, dirigida por Vasily Kachalov, que se fue de gira en 1919, se encontró aislada de Moscú por los acontecimientos de guerra. La producción de El inspector general (1921) fue una victoria incondicional. Para el papel de Khlestakov, Stanislavsky nombró a Mikhail Chekhov, quien recientemente se había trasladado del Teatro de Arte de Moscú (el teatro ya había sido declarado académico) a su primer estudio. En 1922, el Teatro de Arte de Moscú, bajo la dirección de Stanislavsky, realizó una larga gira por el extranjero por Europa y América, precedida por el regreso (no con todas sus fuerzas) de la compañía Kachalovsky.

En los años 20, la cuestión del cambio de generaciones teatrales se agudizó; Los estudios primero y tercero del Teatro de Arte de Moscú se convirtieron en teatros independientes; Stanislavsky estaba dolorosamente preocupado por la "traición" de sus estudiantes, dando a los estudios del Teatro de Arte de Moscú los nombres de las hijas de Shakespeare del Rey Lear: Goneril y Regan - estudios 1 y 3, Cordelia - 2. [ fuente no especificada 1031 días] . En 1924, un gran grupo de miembros del estudio, en su mayoría estudiantes del segundo estudio, se unieron a la compañía del Teatro de Arte.

Las actividades de Stanislavsky en los años 20 y 30 estuvieron determinadas, en primer lugar, por su deseo de defender los valores artísticos tradicionales del arte escénico ruso. La producción de “Un corazón cálido” (1926) fue una respuesta a aquellos críticos que afirmaban que “El Teatro de Arte está muerto”. La rápida ligereza del ritmo y la pintoresca festividad distinguieron "El día loco o Las bodas de Fígaro" de Beaumarchais (1927) (paisaje de A. Ya. Golovin).

Después de que los jóvenes del segundo estudio y de la escuela del tercer estudio se unieran a la compañía del Teatro de Arte de Moscú, Stanislavsky impartió clases con ellos y produjo sus obras interpretadas con jóvenes directores en el escenario. Entre estas obras, no siempre firmadas por Stanislavsky, se encuentran "La batalla de la vida" basada en Dickens (1924), "Los días de las turbinas" (1926), "Las hermanas Gerard" (una obra de V. Massa basada en la melodrama de A. Dennery y E. Cormon “Dos huérfanos") y "Tren blindado 14-69" dom. Ivánova (1927); "Los malversadores" de V. Kataev y "Untilovsk" de L. Leonov (1928).

Años despues[editar | editar texto wiki]

Después de un grave ataque cardíaco que ocurrió en la noche de aniversario en el Teatro de Arte de Moscú en 1928, los médicos prohibieron para siempre a Stanislavsky aparecer en el escenario. Stanislavsky no volvió a trabajar hasta 1929, centrándose en la investigación teórica, en las pruebas pedagógicas del "sistema" y en las clases en su Estudio de Ópera del Teatro Bolshoi, que existía desde 1918 (ahora el Instituto Académico de Moscú). Teatro musical lleva el nombre de K. S. Stanislavsky y Vl. I. Nemirovich-Danchenko).

Para la producción de Otelo en el Teatro de Arte de Moscú, escribió la partitura del director de la tragedia, que envió acto por acto junto con cartas desde Niza, donde esperaba completar su tratamiento. Publicada en 1945, la partitura no se utilizó, ya que I. Ya Sudakov logró estrenar la obra antes del final de la obra de Stanislavsky.

A principios de los años 30, Stanislavsky, aprovechando su autoridad y el apoyo de Gorky, que había regresado a la URSS, recurrió al gobierno para conseguir una posición especial para el Teatro de Arte. Fueron a su encuentro a medio camino. En enero de 1932, se añadió la abreviatura "URSS" al nombre del teatro, lo que lo equiparaba con los teatros Bolshoi y Maly; en septiembre de 1932, recibió el nombre de Gorky: el teatro pasó a ser conocido como el Teatro de Arte de Moscú de la URSS; . Gorki. En 1937 recibió la Orden de Lenin, en 1938, la Orden de la Bandera Roja del Trabajo. En 1933, el edificio del antiguo Teatro Korsch fue transferido al Teatro de Arte de Moscú para crear una sucursal del teatro.

En 1935 se inauguró el último: el Estudio de Ópera y Drama de K. S. Stanislavsky (ahora Teatro Dramático de Moscú que lleva el nombre de K. S. Stanislavsky) (entre sus obras se encuentra Hamlet). Casi sin salir de su apartamento en Leontyevsky Lane, Stanislavsky se reunía con los actores en casa, convirtiendo los ensayos en una escuela de actuación basada en el método de acciones psicofísicas que estaba desarrollando.

Continuando con el desarrollo del "sistema", siguiendo el libro "Mi vida en el arte" (edición americana - 1924, rusa - 1926), Stanislavsky logró imprimir el primer volumen de "El trabajo del actor sobre sí mismo" (publicado en 1938 , póstumamente).

Stanislavsky murió el 7 de agosto de 1938 en Moscú. La autopsia mostró que padecía toda una serie de enfermedades: corazón agrandado y defectuoso, enfisema, aneurismas, consecuencia de un grave ataque cardíaco en 1928. " Se encontraron cambios arterioscleróticos pronunciados en todos los vasos del cuerpo, a excepción del cerebro, que no respondió a este proceso." - esta fue la conclusión de los médicos [ fuente no especificada 784 días] . Fue enterrado el 9 de agosto en el cementerio Novodevichy.

25. Las obras de V. E. Meyerhold.

Vsévolod Emilievich Meyerhold(nombre real - Karl Casimiro Theodor Mayergold(Alemán) Karl Kasimir Theodor Meyergold); 28 de enero (9 de febrero de 1874, Penza, - 2 de febrero de 1940, Moscú) - Director de teatro, actor y profesor soviético ruso. Teórico y practicante del grotesco teatral, autor del programa “Octubre Teatral” y creador del sistema de actuación denominado “biomecánica”. Artista del Pueblo de la RSFSR (1923).

Biografía[editar | editar texto wiki]

Karl Casimir Theodor Mayergold fue el octavo hijo de la familia de judíos luteranos alemanes, la enóloga Emilie Fedorovich Mayergold (m. 1892) y su esposa Alvina Danilovna (de soltera Neese). En 1895 se graduó en el gimnasio de Penza y entró en la facultad de derecho de la Universidad de Moscú. Ese mismo año, al llegar a la edad adulta (21 años), Meyerhold se convirtió a la ortodoxia y cambió su nombre a Vsévolod- en honor al querido escritor V. M. Garshin.

En 1896 ingresó al segundo año de la Escuela de Teatro y Música de la Sociedad Filarmónica de Moscú en la clase de Vl. I. Nemirovich-Danchenko.

En 1898, Vsevolod Meyerhold se graduó de la universidad y, junto con otros graduados (O. L. Knipper, I. M. Moskvin), se unió a la compañía del recién creado Teatro de Arte de Moscú. En la obra "El zar Fyodor Ioannovich", que inauguró el Teatro de Arte el 14 (26) de octubre de 1898, actuó Vasily Shuisky.

En 1902, Meyerhold y un grupo de actores abandonaron el Art Theatre y comenzaron a actuar como directores independientes, dirigiendo una compañía en Kherson junto con A. S. Kosheverov. A partir de la segunda temporada, después de la partida de Kosheverov, la compañía recibió el nombre de "New Drama Partnership". En 1902-1905 se representaron unas 200 representaciones.

En mayo de 1905, Konstantin Stanislavsky lo invitó a preparar las representaciones "La muerte de Tentageille" de M. Maeterlinck, "La comedia del amor" de G. Ibsen y "Schluck y Jau" de G. Hauptmann para el Studio Theatre, que planeaba abrir en la calle Povarskaya de Moscú. Sin embargo, el estudio no existió por mucho tiempo: resultó que Stanislavsky y Meyerhold tenían diferentes interpretaciones sobre su propósito. Después de ver las actuaciones de Meyerhold, Stanislavsky no consideró posible revelarlas al público. Años más tarde, en el libro “Mi vida en el arte”, escribió sobre los experimentos de Meyerhold: “El talentoso director trató de encubrir a los artistas, que en sus manos eran simples arcilla para esculpir hermosos grupos, puestas en escena, con la ayuda con la que llevó a cabo su ideas interesantes. Pero ante la falta de técnica artística entre los actores, solo pudo demostrar sus ideas, principios, búsquedas, pero no había nada con qué implementarlas, nadie con quién, y por eso los interesantes planes del estudio se convirtieron en una teoría abstracta. en una fórmula científica”. En octubre de 1905 se cerró el estudio y Meyerhold regresó a provincias.

En 1906, V.F. Komissarzhevskaya lo invitó a San Petersburgo como director en jefe de su propio Teatro Dramático. En una temporada, Meyerhold produjo 13 funciones, entre ellas: "Hedda Gabler" de G. Ibsen, "Sister Beatrice" de M. Maeterlinck, "The Showcase" de A. Blok, "La vida de un hombre" de L. N. Andreev.

Teatros imperiales[editar | editar texto wiki]

Director de los Teatros Imperiales.

En 1910, en Terijoki, Meyerhold representó una obra basada en la obra "Adoración de la Cruz" del dramaturgo español Calderón del siglo XVII. El director y los actores pasaron mucho tiempo buscando un lugar adecuado en la naturaleza. Fue encontrado en la finca del escritor M.V. Krestovskaya en Molodezhny (finlandés). Metsäkylä). Aquí había un hermoso jardín, con una gran escalera que bajaba desde la casa de campo al golfo de Finlandia: un escenario. La actuación, según el plan, se desarrollaría de noche, "a la luz de antorchas encendidas, con una gran multitud de toda la población de los alrededores". En el Teatro Alexandrinsky representó "At the Royal Gates" de K. Hamsun (1908), "The Fool of Tantris" de E. Hart, "Don Juan" de Moliere (1910), "Halfway" de Pinero (1914), "El anillo verde" de Z. Gippius, "El príncipe firme" de Calderón (1915), "La tormenta" de A. Ostrovsky (1916), "Mascarada" de M. Lermontov (1917). En 1911 representó la ópera Orfeo y Eurídice de Gluck en el Teatro Mariinsky (diseñador - Golovin, coreógrafo - Fokin).

Después de la revolución[editar | editar texto wiki]

B. Grigóriev. Retrato de V. Meyerhold, 1916

Miembro del Partido Bolchevique desde 1918. Trabajó en Teo Narkompros.

Después de la Revolución de Octubre, representó en Petrogrado “El Misterio Bouffe” (1918) de V. Mayakovsky. Desde mayo de 1919 hasta agosto de 1920 estuvo en Crimea y el Cáucaso, donde experimentó varios cambios de poder y fue arrestado por la contrainteligencia blanca. De septiembre de 1920 a febrero de 1921 - jefe del TEO. En 1921 representó la segunda edición de la misma obra en Moscú. En marzo de 1918, en el café Red Rooster, inaugurado en el antiguo Pasaje de San Galli, Meyerhold puso en escena la obra de A. Blok "El extranjero". En 1920, propuso y luego implementó activamente el programa "Octubre Teatral" en la teoría y la práctica del teatro.

En 1918, en los cursos de actuación escénica de Petrogrado, se introdujo la enseñanza de la biomecánica como teoría del movimiento; en 1921 Meyerhold utiliza el término para la práctica del movimiento escénico.

GosTiM[editar | editar texto wiki]

Articulo principal:Teatro Estatal que lleva el nombre de vs. meyerhold

Teatro Estatal que lleva el nombre de vs. Meyerhold (GosTiM) fue creado en Moscú en 1920, inicialmente con el nombre de “Teatro de la RSFSR-I”, luego desde 1922 se llamó “Teatro de Actores” y Teatro GITIS, desde 1923 - Teatro Meyerhold (TiM); en 1926 el teatro recibió el estatus de estado.

En 1922-1924, Meyerhold, paralelamente a la formación de su teatro, dirigió el Teatro de la Revolución.

En 1928, GosTiM estaba casi cerrado: después de haber viajado al extranjero con su esposa para recibir tratamiento y negociar giras teatrales, Meyerhold se quedó en Francia y, dado que al mismo tiempo Mikhail Chéjov, que en ese momento dirigía el Teatro de Arte de Moscú, no regresó de Viajes al extranjero segundo, y jefe de GOSET Alexey Granovsky, Meyerhold también era sospechoso de no querer regresar. Pero no tenía intención de emigrar y regresó a Moscú antes de que la comisión de liquidación tuviera tiempo de disolver el teatro.

En 1930, GosTiM realizó una exitosa gira por el extranjero, Mikhail Chekhov, quien conoció a Meyerhold en Berlín, dijo en sus memorias: “Traté de transmitirle mis sentimientos, más bien premoniciones, sobre su terrible final si regresaba a la Unión Soviética. Me escuchó en silencio, con calma y tristeza me respondió así (no recuerdo las palabras exactas): desde mis años de secundaria llevé la Revolución en el alma y siempre en sus formas extremas, maximalistas. Sé que tienes razón: mi final será como tú dices. Pero volveré a la Unión Soviética. Mi pregunta es: ¿por qué? - respondió: por honestidad."

En 1934 se estrenó la obra “La dama de las camelias”. Rol principal En el que tocaba Reich, Stalin observó y no le gustó la actuación. La crítica atacó a Meyerhold con acusaciones de esteticismo. Zinaida Reich escribió una carta a Stalin diciéndole que no entendía el arte.

El 8 de enero de 1938 se cerró el teatro. Orden del Comité de Artes del Consejo de Comisarios del Pueblo de la URSS “Sobre la liquidación del Teatro que lleva su nombre. Sol. Meyerhold" se publicó en el periódico "Pravda" el 8 de enero de 1938. En mayo de 1938, K. S. Stanislavsky ofreció a Meyerhold, que se había quedado sin trabajo, el puesto de director en la ópera que él mismo dirigía. Poco después de la muerte de K. S. Stanislavsky, Meyerhold se convirtió en el director principal del teatro. Continuó el trabajo en la ópera Rigoletto.

Arresto y muerte[editar | editar texto wiki]

Fotografía del NKVD después del arresto

El 20 de junio de 1939, Meyerhold fue arrestado en Leningrado; Al mismo tiempo, se llevó a cabo un registro en su apartamento de Moscú. El protocolo de búsqueda registró una denuncia de su esposa Zinaida Reich, quien protestó contra los métodos de uno de los agentes del NKVD. Pronto (15 de julio) fue asesinada por desconocidos.

Después de tres semanas de interrogatorios, acompañados de torturas, Meyerhold firmó el testimonio requerido por la investigación: fue acusado en virtud del artículo 58 del Código Penal de la RSFSR. En enero de 1940, Meyerhold escribió a V. Sr. Molotov:

...A mí me golpearon aquí, a un señor enfermo de sesenta y seis años, me pusieron en el suelo boca abajo, me golpearon con una goma en los talones y en la espalda, cuando estaba sentado en una silla, me golpearon. me golpearon con la misma goma en las piernas [...] el dolor era tal que parecía que en las zonas sensibles y doloridas de las piernas les echaban agua hirviendo...

La reunión del Colegio Militar del Tribunal Supremo de la URSS tuvo lugar el 1 de febrero de 1940. La junta condenó a muerte al director. El 2 de febrero de 1940 se ejecutó la sentencia. La revista Teatral escribe sobre el lugar de enterramiento de Meyerhold: “Nieta vs. E. Meyerholda Maria Alekseevna Valentey allá por 1956, después de haber logrado su rehabilitación política, pero sin saber entonces cómo y cuándo murió su abuelo, instaló en la tumba de Zinaida Nikolaevna Reich, que se encuentra en el cementerio Vagankovsky, un monumento común, a ella, la actriz y su amada esposa, y a él. El monumento está grabado con un retrato de Meyerhold y la inscripción: "A Vsevolod Emilievich Meyerhold y Zinaida Nikolaevna Reich".<…>En 1987, también conoció el verdadero lugar de enterramiento de Meyerhold: "La fosa común número 1. Entierro de cenizas no reclamadas de 1930 a 1942 inclusive" en el cementerio del crematorio de Moscú cerca del Monasterio Donskoy. (Según la decisión del Politburó del 17 de enero de 1940 No. II 11/208, firmada personalmente por Stalin, 346 personas fueron fusiladas. Sus cuerpos fueron incinerados y las cenizas arrojadas en una fosa común se mezclaron con las cenizas de otros asesinado.) ".

En 1955, el Tribunal Supremo de la URSS rehabilitó póstumamente a Meyerhold.

Familia[editar | editar texto wiki]

• Desde 1896, casado con Olga Mikhailovna Mundt (1874-1940):
• María (1897-1929), casada con Evgeniy Stanislavovich Beletsky.
• Tatyana (1902-1986), casada con Alexei Petrovich Vorobyov.
• Irina (1905-1981), casada con Vasily Vasilyevich Merkuryev.
• El hijo de Irina y V.V. Merkuryev es Pyotr Vasilievich Merkuryev (interpretó el papel de Meyerhold en la película " soy una actriz", 1980, y en la serie de televisión " Yesenin", (2005).
• Desde 1922 está casado con Zinaida Nikolaevna Reich (1894-1939), en su primer matrimonio estuvo casada con Sergei Yesenin.

En 1928-1939, Meyerhold vivió en la llamada "Casa de los Artistas" en Moscú, calle Bryusov, 7. Ahora hay un museo en su apartamento.

Creatividad[editar | editar texto wiki]

obras de teatro[editar | editar texto wiki]

Interino[editar | editar texto wiki]

• 1898 - “Zar Fyodor Ioannovich” de A.K. Los directores de escena K. S. Stanislavsky y Vl. I. Nemirovich-Danchenko - Vasily Shuisky
• 1898 - "El mercader de Venecia" de W. Shakespeare - Príncipe de Aragón
• 1898 - "La gaviota" de A.P. Chéjov. Los directores K. S. Stanislavsky y Vl. I. Nemirovich-Danchenko - Tréplev
• 1899 - “La muerte de Iván el Terrible” de A.K. Los directores K. S. Stanislavsky y Vl. I. Nemirovich-Danchenko - Ivan el Terrible
• 1899 - “Antígona” de Sófocles - tiresias
• 1899 - “Solitario” de G. Hauptmann. Los directores K. S. Stanislavsky y Vl. I. Nemirovich-Danchenko - johannes
• 1901 - "Tres hermanas" de A.P. Chéjov. Los directores K. S. Stanislavsky y Vl. I. Nemirovich-Danchenko - Tuzenbach
• 1907 “Sala de exposición” de A. Blok - Pierrot

del director[editar | editar texto wiki]

• 1907 - “Sala de exposición” de A. Blok
• 1918 - "Mystery-Buffe" de V. Mayakovsky

Teatro RSFSR-1 (Teatro de actores, Teatro GITIS)

• 1920 - “Amanecer” de E. Verhaeren (junto con V. Bebutov). Artista V. Dmitriev
• 1921 - “Unión de Jóvenes” de G. Ibsen
• 1921 - “Mystery-bouffe” de V. Mayakovsky (segunda edición, junto con V. Bebutov)
• 1922 - "Nora" de G. Ibsen
• 1922 - “El cornudo magnánimo” de F. Crommelink. Artistas L. S. Popova y V. V. Lyutse
• 1922 - “La muerte de Tarelkin” de A. Sukhovo-Kobylin. Director S. Eisenstein

Tim (GosTiM)

• 1923 - “La Tierra se eriza” de Martinet y S. M. Tretyakov. Artista L. S. Popova
• 1924 - “D. MI." Podgaetsky según I. Ehrenburg. Artistas I. Shlepyanov, V. F. Fedorov
• 1924 - “Maestro Bubus” de A. Fayko; director vs. Meyerhold, artista I. Shlepanov
• 1924 - "Bosque" de A. N. Ostrovsky. Artista V. Fedorov.
• 1925 - “Mandato” de N. Erdman. Artistas I. Shlepyannov, P. V. Williams
• 1926 - "El inspector general" de N. Gogol. Artistas V. V. Dmitriev, V. P. Kiselev, V. E. Meyerhold, I. Yu.
• 1926 - "Rugido, China" de S. M. Tretyakov (junto con el director y asistente de laboratorio V. F. Fedorov). Artista S. M. Efimenko
• 1927 - "La ventana al pueblo" de R. M. Akulshin. Artista V. A. Shestakov
• 1928 - "Ay de Wit" basada en la comedia "Ay de Wit" de A. S. Griboedov. Artista N.P. compositor B.V. Asafiev.
• 1929 - "La chinche" de V. Mayakovsky. Artistas Kukryniksy, A. M. Rodchenko; compositor - D. D. Shostakovich.
• 1929 - "Comandante-2" de I. L. Selvinsky. Artista V.V. escenografía de S. E. Vakhtangov.
• 1930 - "Disparo" de A. I. Bezymensky. Los directores V. Zaichikov, S. Kezikov, A. Nesterov, F. Bondarenko, bajo la dirección de Vs. Meyerhold; artistas V.V. Kalinin, L.N.
• 1930 - "Baño" de V. Mayakovsky. Artista A. A. Deineka; escenografía de S. E. Vakhtangov; compositor V. Shebalin.
• 1931 - Sol “El último decisivo”. V. Vishnevsky. Desarrollo constructivo de S. E. Vakhtangov
• 1931 - "Lista de beneficios" de Yu. Artistas K. K. Savitsky, V. E. Meyerhold, I. Leistikov
• 1933 - “Introducción” de Yu. P. German. Artista I. Leistikov
• 1933 - "La boda de Krechinsky" de A. V. Sukhovo-Kobylin. Artista V. A. Shestakov.
• 1934 - “La dama de las camelias” de A. Dumas el hijo. Artista I. Leistikov
• 1935 - “33 desmayos” (basado en los vodeviles “La propuesta”, “El oso” y “Aniversario” de A.P. Chéjov). Artista V. A. Shestakov

en otros teatros

• 1923 - “Lago Lyul” de A. Faiko - Teatro de la Revolución
• 1933 - “Don Juan” de Moliere - Teatro Dramático Estatal de Leningrado

Filmografía[editar | editar texto wiki]

• "El retrato de Dorian Gray" (1915) - director, guionista, actor Señor Enrique
• "El hombre fuerte" (1917) - director
• "Águila Blanca" (1928) - dignatario

Legado[editar | editar texto wiki]

Monumento a Meyerhold en Penza (1999)

La fecha exacta de la muerte de Vsevolod Meyerhold no se conoció hasta febrero de 1988, cuando la KGB de la URSS permitió a la nieta del director Maria Alekseevna Valentey (1924-2003) familiarizarse con su “caso”. El 2 de febrero de 1990 se marcó por primera vez el día de la muerte de Meyerhold.

Inmediatamente después de la rehabilitación oficial de Sun. Meyerhold, en 1955 se formó la Comisión sobre el Patrimonio Creativo del Director. Desde su fundación hasta 2003, el secretario científico permanente de la Comisión fue M. A. Valentey-Meyerhold; La Comisión del Patrimonio estuvo encabezada en diferentes años por Pavel Markov (1955-1980), Sergei Yutkevich (1983-1985), Mikhail Tsarev (1985-1987), V. N. Pluchek (1987-1988). Desde 1988, el presidente de la Comisión es el director Valery Fokin.

A finales de 1988, se decidió crear en Moscú un Museo de Apartamentos conmemorativo, una rama del Museo del Teatro. A. A. Bakhrushina

Desde el 25 de febrero de 1989 en el Teatro. M. N. Ermolova, que en ese momento estaba dirigida por Valery Fokin, celebró veladas en memoria de Meyerhold.

En 1991, por iniciativa de la Comisión de Patrimonio y con el apoyo del Sindicato de Trabajadores del Teatro de Rusia, sobre la base de la Asociación Panrusa "Talleres Creativos" creada en 1987, se creó el Centro que lleva el nombre de Vs. Meyerhold (ZIM). El centro se dedica a actividades científicas y educativas; a lo largo de sus dos décadas de existencia, se ha convertido en un lugar tradicional festivales internacionales y la fiesta nacional máscara dorada", una plataforma para giras de los mejores artistas europeos y actuaciones rusas.

Memoria[editar | editar texto wiki]

• En Penza, el 24 de febrero de 1984, se inauguró el Centro de Artes Teatrales Meyerhold House (directora Natalia Arkadyevna Kugel), donde funciona el Teatro Doctor Dapertutto desde 2003.
• En 1999, se inauguró en Penza un monumento a V.E.
• En honor al 140 aniversario del nacimiento de V.I Meyerhold en la calle San Petersburgo. Borodinskaya 6, 10 de febrero de 2014, se inauguró una placa conmemorativa en la sala donde trabajaba Meyerhold [ fuente no especificada 366 días] .

Información relacionada.