Actualmente es coreógrafo-repetidor del Teatro Bolshoi, profesor del Departamento de Coreografía de GITIS y director artístico de la Academia Estatal de Coreografía de Moscú. Realizó varios ballets, películas de ballet y números coreográficos en representaciones dramáticas.
MS: Mikhail Leonidovich, usted hombre feliz. ¿Sabes por qué?
MS: ¡Porque es tu 75 aniversario y no vamos a recordar lo que pasó, sino a discutir tus planes! No todo el mundo puede presumir de celebrar un aniversario así con un estilo de vida activo.
ML: ¡No puedes vivir sin él! ¡Si no lo haces, estás muerto! Por supuesto, todos envejecemos, esta es la ley de la naturaleza, la ley de Dios. Pasan las generaciones. ¿Qué significa “ha pasado una generación”? Atrás quedaron los ideales, los gustos y la moral. Esto no significa que seamos mejores, significa que simplemente somos diferentes, ya que ha pasado mucho tiempo. Mire (estoy filosofando, pero lo explicaré), por ejemplo, un manzano: primavera, verano, otoño, invierno; el invierno lo cierra todo, todo muere, y el manzano que produce manzanas también vive y muere. La próxima primavera, todo de nuevo, pero las manzanas pueden ser más amargas, más dulces, mejores o peores, como nuestros hijos; este es el mismo manzano. Nuestros genes son nuestros hijos, sólo personas ligeramente diferentes.
MS: El motivo de nuestro encuentro fue tu producción de “” en Nápoles. Pero no pudimos reunirnos en el verano y ahora estoy muy contento de tener la oportunidad no solo de hablar sobre la producción, sino también de felicitarte personalmente por tu aniversario.
ML: Gracias.
MS: Aún así, hablemos de esta producción. ¿Cómo fue la situación bajo la atenta mirada de los sindicatos italianos?
ML: La producción fue bien. Un sindicato muy molesto, duro y, en mi opinión, muy equivocado en Italia. Sí, protege a la gente, pero eso no es posible: no puedo contratar al actor que quiero exactamente cuando lo necesito; tengo que avisarle con antelación. Pero ¿cómo puedo saber dentro de una semana a quién necesitaré hoy? Todavía depende de proceso de ensayo, sobre cómo alguien resulta en tal o cual escena. Y dicen: “No, tómalo ahora”. O aquí hay otro ejemplo: mi asistente está ensayando una escena con los solistas, lo cual lo hacen bastante bien. Entonces el tutor quiere pasar por otra etapa con los mismos solistas, ¡pero el sindicato lo prohíbe! Y hay que repetir varias veces lo que ya está claro, y hay menos tiempo para cosas complejas. Esto es una estupidez. Quizás tengan razón a su manera. Pero esto no me conviene. Estoy acostumbrado a trabajar, como es costumbre en Rusia, digamos, como yo trabajaba. Tomo lo que necesito cuando lo necesito y a quien veo en el papel asignado, incluso si es un primer ministro o un bailarín del cuerpo de ballet. No se puede exigir al director algo que no está en sus planes. O hay otra cosa: la jornada laboral de la orquesta termina a las 22:00, y eso es todo. Y no les interesa el hecho de que la actuación no haya terminado, que la música todavía tenga que sonar. Bueno, Alexey Bogorad logró llegar a un acuerdo y resolvió este problema; de lo contrario, no sabían qué hacer. Existen prohibiciones que afectan muy duramente la creatividad. Aunque no puedo decir nada malo de los italianos. Los artistas hicieron frente a las tareas a la perfección.
MS: ¿La producción de Leonid Lavrovsky se realizó en Nápoles?
ML: Lo hice con Lavrovsky. Pero entiendes cuál es el problema: sólo el Teatro Bolshoi y el Mariinsky pueden lograrlo y ponerlo en escena como estaba, uno a uno. Y grupos más pequeños: los actores allí, en general, difieren en su intensidad emocional. Pero los italianos lo lograron. En Occidente, después de todo, todo el mundo está un poco seco: la espalda está colocada correctamente y la técnica es maravillosa, pero esa plasticidad, espiritualidad y esa verdad de las emociones, el significado de lo que hacen en el escenario, muy a menudo están ausentes. En los ballets modernos es maravilloso, en los ballets clásicos no lo he visto. Bueno, sólo lo vi en casa de Natalia Makarova.
MS: ¿Tuviste que recortar mucho?
ML: ¡Por supuesto! Allí hicimos casi dos actos. Se dejaron las piezas principales, aunque hubo que quitar muchas. Pero les diré que a pesar de todo el genio, han pasado más de 70 años desde 1940, y el propio Lavrovsky hizo cambios cuando trabajé con él. Por supuesto, es necesario cambiar algunas cosas, según los nuevos tiempos, pero no debemos perder el estilo de la actuación y el significado de lo que el coreógrafo quería hacer, en en este caso- . Pero la tecnología, por supuesto, puede cambiar: el tiempo avanza y no puedes quedarte quieto tan estancado. Si hay una solución a la actuación y la persona no la viola (y para ello es necesario tener gusto), entonces se puede hacer.
EM: tema interesante tocaste. ¿Qué opinas de las reconstrucciones de ballet?
ML: Ya sabes cuál es el problema: probablemente sea necesaria una restauración, pero es necesario tener gusto; ésta es la faceta del talento. Para restaurar los ballets, es necesario sentirlos y poder hacerlo. Esto funcionó para Leonid Lavrovsky, quien hizo "". La actuación que restauró fue considerada mejor producción en el mundo. O "" - bien hecho, no puedo decir nada, muy bien, maravilloso. Tiene comprensión. Y cuando salen lo mismo, solución clásica, pero por alguna razón cambian la cantidad de cisnes; esto está mal. Es lo mismo que hacer el Teatro Bolshoi en lugar de ocho columnas en una de estilo Art Nouveau. Esto es una estupidez, significa que no hay suficiente gusto. Construir nuevo teatro- y por favor, que nadie te moleste. El gusto también es un talento. Grigorovich sabe cómo hacerlo. Restauró "La Bella Durmiente", la llamamos "Blanca Durmiente", no funcionó. Más tarde rehizo todo y con Simon Virsaladze resultó ser una actuación brillante.
Si hablamos del ballet antiguo, entonces tiene sus propias leyes; quizás sean un poco ingenuas y carentes de realidad. pensamiento lógico en el escenario, pero con su ingenuidad (como los niños cuando dicen algo) te cautivan. Y si el niño hubiera hablado con una voz sobria y bien entrenada, todo habría sido completamente diferente. Por tanto, hay que tener en cuenta que las producciones de hace cien años son obras maestras del ballet clásico y romántico, y hacerlas obras filosóficas, como las obras de Kant, no tiene sentido. Hay otras actuaciones para esto. Un ballet que tiene cien años o más necesita ser restaurado, algo quitado, algo añadido, pero hay que preservar el espíritu de esa representación. Y, por supuesto, saber bailar bien. Hay una mala tendencia entre los actores a simplificar las cosas. La misma “Giselle”: digamos, para qué hacer un cabriole doble en la variación de Albert, si dices que antes, cuando lo montaron, hicieron solo uno. Esto, en mi opinión, está mal. La tecnología se está desarrollando. Y resulta que, como en la fábula de Esopo "La zorra y las uvas", ella no pudo recoger las uvas y dijo que no estaban maduras. Con los artistas pasa lo mismo: hay que saber hacer bien un doble cabriole. Sí, antes había uno, pero mañana alguien hará uno triple; esto solo será una ventaja.
He aquí un ejemplo: adoro el neorrealismo italiano en el cine: Giuseppe de Santis, Roberto Rossellini, Federico Fellini, por supuesto, Vittorio de Sica; Esto es lo que vimos en la década de 1950: ¡genial! Pero, por supuesto, el ritmo de las películas ahora es diferente y es más difícil verlas. Pero nunca dirás que se trata de un conjunto de planos: es una obra terminada, muy artística, sólo que el tiempo ha pasado, ahora hay otro ritmo. Lo mismo ocurre en nuestro arte. Podemos cambiar algo en el ballet, y esto es una ventaja, una ventaja del impacto inmediato de la energía del actor en sala y la ventaja es que, si tiene gusto, puede "limpiar" la actuación, hacerla visible para los contemporáneos, pero sin perder el espíritu que inspiró el director: plasticidad, relaciones entre personajes, variaciones brillantemente escenificadas. Y, por supuesto, siempre debes bailar cada vez mejor (técnicamente, quiero decir).
MS: Obviamente, la tecnología es diferente ahora y tiene demanda en nuestro tiempo. Pero a veces, al restaurar un ballet, los coreógrafos intentan devolver a los bailarines al estilo de actuación que existía en el momento de su creación...
ML: No puedo estar de acuerdo. Siempre lo asocio con un buen icono o un buen cuadro: sacamos un icono o un cuadro del suelo, ¡y deberíamos estar encantados! ¿Cómo? Está todo cubierto de tierra, pero no puedo verle la cara... Limpiarlo con habilidad sin estropearlo es otra cuestión. Límpielo con habilidad y restaure esos colores; entonces será admirado. Lo mismo ocurre con nosotros: es imposible ahora, en el siglo XXI, percibir la obra tal como fue representada en principios del XIX o a finales del siglo XVIII. Algunos pueden estar encantados. Pero lo principal es no aburrirse. Y aquí Yuri Nikolaevich Grigorovich tiene razón en que no debería ser aburrido durante más de cinco minutos en una actuación, esto no se puede hacer. Una persona necesita un golpe emocional, un shock emocional. Luego podrás ordenar las cosas en casa, qué estuvo bien, qué estuvo mal... Si estás afectado emocionalmente, ¡entonces sí! Y como todo está correcto, podrás quedarte dormido durante la actuación. El significado del arte es influir inconscientemente en el espectador, excitarlo tanto que tenga emociones vívidas; Incluso pueden ocurrir momentos negativos en el escenario, por ejemplo una tragedia, pero la emoción debe emocionar mucho.
Ya ves cuál es el problema: me encanta teatro dramático, ballet, coreográfico, teatro de la ópera- esto es interesante. La técnica debe ser fuerte y poderosa. Es como en una ópera: no puedes evitar tocar la nota escrita en la partitura. Lo mismo ocurre en el ballet: en la danza debe haber un despegue. Lo espiritual junto con lo físico, la ejecución de un movimiento poderoso, masculino, fuerte, aireado: esto le da emoción al espectador. Y esto levanta el ánimo: el espectador no se da cuenta, pero despierta su fuerza: “¡Soy un hombre, yo también puedo hacer esto!” Y cuando estás tranquilo, hermoso, con un buen traje, pero no tienes emociones, este es un robot muy bien hecho.
MS: La escena en el balcón merece la pena...
ML: La escena es maravillosa, pero ahora muchas veces se baila incorrectamente. El significado de esta escena, como dijeron una vez Lavrovsky y Zhdanov, es que el artista no debe detenerse. El punto está en la emoción: ella tiene 13 años, él 17, y sólo al final, cuando hay una explosión de variación, deben apresurarse. Como el fresco de Miguel Ángel Juicio Final" V. Capilla Sixtina: ni una sola figura está estática, todas las figuras están en posición inclinada: vuelan, sus ropas se desprenden de ellas y las figuras en sí, aunque son poderosas, todas están en vuelo: así es como se desarrolla la sexta escena del ballet. va. Y al final, sólo cuando él se arrodilla frente a ella, reina la calma y cae el telón: el final del primer acto. Transmitir el significado es la dificultad de ejecución.
EN Teatro Bolshói Tuvo lugar un concierto de gala en honor del aniversario de Mikhail Lavrovsky. Bailarín, coreógrafo, profesor: durante más de un cuarto de siglo fue el principal solista del principal teatro del país, una estrella de primera magnitud. Los críticos escribieron sobre él: "Lavrovsky sabe cómo transmitir en el escenario la pasión, la perseverancia, la autoridad y la profundidad del amor, el poder y la nobleza de las emociones". Durante la velada de aniversario, el maestro no sólo recibió numerosas felicitaciones de alumnos y colegas, sino que también entregó un regalo al público: bailó una parte del ballet. composición propia. Informe de Valeria Kudryavtseva.
Tan pronto como Mikhail Lavrovsky aparece detrás del escenario, los artistas lo rodean. Felicitaciones por Skype desde todo el mundo, foto de recuerdo, con una leyenda viva. Según los artistas, participar en la velada del famoso bailarín, coreógrafo y maestro es alegría y responsabilidad.
"Su singularidad es que ama con locura la vida, ama con locura a la gente, ama con locura la creatividad", dice la primera bailarina del Teatro Bolshoi Marianna Ryzhkina. - Tuve la oportunidad de trabajar como asistente durante la producción de la obra. Y allí vi cómo los artistas quedaban fascinados por cómo el maestro Lavrovsky transmitía la coreografía, la emoción y el significado de lo que estaba sucediendo”.
Noche de aniversario El hijo, Leonid Lavrovsky-García, también coreógrafo, dirigió para su padre. Idea principal- conversación sobre el presente y el futuro, sin mirar atrás al pasado.
“No quería hacer un panegírico para una persona viva. Un cumpleaños necesita algo alegre. Entonces es cuando vienen, miran y desean 100 años de vida y éxito creativo. Y Lavrovsky, a pesar de sus 75 años y sus prótesis, todavía nos gobierna a todos a caballo de guerra y con un sable. Y con mucho gusto lo ayudaremos en este asunto”, señaló el director Leonid Lavrovsky-García.
Para la noche, se reescenificaron fragmentos de las producciones de Lavrovsky - "Fantasía sobre el tema de Casanova", "Bailarina rusa", "Nijinsky" - con un elenco actualizado y con trajes nuevos. Para el primer ministro Gran Iván Vasilyeva es la primera experiencia de trabajo con Lavrovsky. Nijinsky baila.
"En primer lugar, él un hombre de verdad. Un hombre de verdad, tanto en el escenario como en la vida. Y es una persona muy emotiva, un artista emocional. Y esto deja una huella para toda la vida”, afirmó Iván Vasiliev, primer ministro del Teatro Mijailovski.
Una de las intrigas de la velada es una mirada al futuro: un fragmento de la próxima producción de la ópera-ballet “Amok” basada en la novela filosófica de Stefan Zweig. Director: Leonid Lavrovsky-García, coreografía: Mikhail Lavrovsky.
“Tal vez pueda montarlo como profesor, pero, por supuesto, no subiré al escenario. Puedes bailar todo lo que quieras, pero no puedes mirar, eso es”, compartió el coreógrafo del Teatro Bolshói y artista popular de la URSS Mijaíl Lavrovsky.
Y, a pesar de la ironía propia, al final de la velada Mikhail Lavrovsky seguirá apareciendo en el escenario - en un extracto del ballet "Nijinsky" - en el papel de Sergei Diaghilev.
Vale la pena mirar más de cerca y comprender, y reconocer que en historia teatral no hay muchos grandes en el mundo artistas famosos, cuyos nombres están firmemente asociados con importantes teatros famosos. Hasta ahora, las megaestrellas suelen ser famosas por derecho propio y no actúan en teatros de repertorio. Probablemente esta fue la razón. Y el teatro de repertorio como tal, si lo buscas, lo encontrarás más a menudo en Rusia, en la Unión Soviética, en general, aquí.
Tuvimos y todavía tenemos artistas que no sirvieron exactamente, pero lo más importante es que hicieron la gloria de su teatro, donde actuaron, tal vez solo durante unos pocos años. Entre los nombres de quienes hicieron la gloria del Teatro Bolshoi se encuentra Mikhail Leonidovich Lavrovsky. La legendaria bailarina, que fue durante mucho tiempo primera ministra del Bolshoi, cumplió hoy 75 años. ¡Un verdadero aniversario! Svetlana Astretsova informa.
Después de abandonar el escenario, Mikhail Lavrovsky no se separó del ballet. En el Teatro Bolshoi, donde alguna vez fue solista y coreógrafo, ahora imparte clases como profesor-tutor.
“Les digo a mis alumnos que una copia, por muy buena que sea, es una repetición. Para mí, el original, la individualidad y la personalidad siempre son interesantes en todo, por lo que deben encontrar su propia cara”, señala el Artista del Pueblo de la URSS, Mikhail. Lavrovski.
“Un bailarín de técnica virtuosa, enorme encanto y temperamento desenfrenado”, habló el propio Grigorovich de Lavrovsky. Realizó los papeles principales en Don Quijote, El lago de los cisnes y La bella durmiente. No solo bailé cada uno, sentí que estaba viviendo mi propia historia.
“Se desarrolló tan poderosamente como bailarín que tenía todos los medios de expresividad en la danza que yo sólo podía imaginar”, dice Lyudmila Semenyaka, Artista del Pueblo de la URSS.
Cuando se le pregunta a Mikhail Lavrovsky sobre sus personajes favoritos, no duda en nombrar a Albert en “Giselle” de Adán y a Espartaco en el ballet del mismo nombre de Khachaturian. Según él, fue el golpe más certero de las imágenes.
El partido del legendario líder esclavo se convirtió tarjeta de visita Lavrovski. En 1970 recibió el Premio Lenin por este papel.
"Lavrovsky, por naturaleza, tiene músculos rígidos que eran muy adecuados para esta actuación. Fue el segundo artista; sin embargo, tenía mejor resistencia física", enfatiza el Artista de Honor de Rusia, Valery Lagunov.
En 1978, el destino cambió. Lavrovsky se convierte en coreógrafo. Tiene en su haber muchas fantasías coreográficas: ya sea la tragedia de Vaslav Nijinsky, las aventuras de Casanova o uno de los primeros ballets de jazz rusos "Porgy and Bess".
“Para crear tu propio lenguaje, necesitas trabajar todos los días, poner en escena todos los días, luego desarrollarás tu propio estilo: qué idioma hablas con el público. Tomas a Tolstoi, Dostoievski, Hugo y transmites este trabajo como lo sientes. ", dice la gente artista de la URSS Mikhail Lavrovsky.
Ahora Mikhail Lavrovsky es un apasionado de las producciones sintéticas, en la intersección de lo plástico, lo vocal y lo dramático. Sueña con poner en escena la obra de Jean Anouilh "La alondra" y organizar una velada de sus ballets en el escenario del Bolshoi en primavera.
La transmisión del domingo por la noche del canal Culture TV está dedicada a Mikhail Lavrovsky. Mañana a las 21:20 ver el programa. Y después, una película-ballet del Teatro Bolshoi. Grabado en 1975. Una historia trágica El amor del conde Alberto por la campesina Giselle fue encarnado por Natalya Bessmertnova y Mikhail Lavrovsky.
MOSCÚ, 5 de mayo. /corr. TASS Olga Svistunova/. El jueves se celebró un concierto de gala en el Escenario Histórico del Teatro Bolshoi en honor al 75 aniversario del famoso bailarín y coreógrafo. artista del pueblo URSS Mijail Lavrovsky. El propio héroe del día también participó en la celebración dedicada a él. Actuó en el ballet "Nijinsky" de su propia composición. El público le dio una gran ovación.
"Honrando a nuestra maestros destacados, los invitamos a ocupar un lugar de honor en el palco central”, dijo el dirigente compañía de ballet Teatro Bolshoi Mahar Vaziev, pero Mikhail Leonidovich Lavrovsky se negó. Aparecerá como bailarín." Después de estas palabras, el director del ballet del Teatro Bolshoi invitó al escenario al personaje principal de la festividad.
"Lo más valioso para un artista es el reconocimiento público", afirmó Lavrovsky. "Eso significa que todavía tengo demanda", añadió, prometiendo que "la velada no será agotadora".
Tarde en un ambiente de deleite.
El concierto en dos actos realmente se desarrolló en un suspiro. El programa incluyó ballets representados en diferentes años del propio héroe del día, así como fragmentos de actuaciones en las que alguna vez brilló como bailarín. El público recibió con entusiasmo un fragmento del ballet "Espartaco", donde partido principal interpretada por el Primer Ministro del Teatro Bolshoi, Mikhail Lobukhin. El magnífico Grand Pas de Don Quijote, en el que actuaron los principales solistas del Bolshoi Ekaterina Krysanova y Vladislav Lantratov, también acompañó la tormentosa reacción del público.
Sin embargo, el contenido principal de la velada consistió en ballets coreografiados por el propio héroe del día. En la primera parte se representó “Fantasía sobre un tema de Casanova” con música de Mozart. En el segundo, el número "Bailarina rusa" del ballet "El árbol del pavo real". El público también reaccionó con interés al episodio presentado de la ópera-ballet "Amok", en el que actualmente está trabajando Mikhail Lavrovsky.
La tarde ha terminado ballet en un acto"Nijinsky" con música de Sergei Rachmaninov, coreografiada por Mikhail Lavrovsky, quien interpretó el papel de Diaghilev. El papel de Nijinsky fue interpretado por el virtuoso bailarín Ivan Vasiliev. El éxito del concierto quedó confirmado con la ovación final, que duró más de 15 minutos.
De la biografía de Mikhail Lavrovsky.
Toda la vida de Mikhail Lavrovsky está relacionada con el Teatro Bolshoi, donde ha trabajado durante 56 años. Se unió a la renombrada compañía en 1961 y de inmediato se convirtió en un destacado representante de una generación destacada. bailarines de ballet, incluidos Vladimir Vasiliev, Ekaterina Maksimova, Natalia Bessmertnova, Maris Liepa. Fueron, ante todo, sus camaradas, colegas y compañeros de escena.
Sin embargo, ese camino estaba destinado a Mikhail Lavrovsky por el destino mismo. Su padre es el famoso coreógrafo Leonid Lavrovsky, el mismo que puso en escena la obra maestra coreográfica: el ballet "Romeo y Julieta", donde la parte principal femenina fue bailada por gran galina Ulanova. El hijo no sólo continuó tradición familiar, pero también logró demostrar que la naturaleza no siempre descansa en los hijos de personas destacadas. Cuando todavía era estudiante en la Escuela Coreográfica de Moscú, obtuvo reconocimiento internacional, impresionando al público y a la crítica con su actuación en el Festival de Parma en Italia.
Pronto la gente empezó a hablar de Mikhail Lavrovsky como un bailarín de técnica virtuosa, enorme encanto y temperamento desenfrenado. En el Teatro Bolshoi, donde actuó como solista durante más de un cuarto de siglo (1961-1988), Lavrovsky fue una estrella de primera magnitud. Bailó los papeles principales en Don Quijote, El lago de los cisnes, El cascanueces, La bella durmiente, Giselle y Las llamas de París.
Por su interpretación del papel de Espartaco en el ballet del mismo nombre, Lavrovsky recibió en 1970 el premio nacional más importante de la época: el Premio Lenin. Unos años más tarde, su don artístico le valió el Premio Estatal de la URSS. Mikhail Lavrovsky ha establecido firmemente el título de uno de los mejores bailarines clásicos de nuestro tiempo.
Habiendo completado su carrera artística, no se separó del ballet y asumió el puesto de profesor-tutor en el Teatro Bolshoi. el tambien es director artístico Academia Estatal de Coreografía de Moscú. Además, abrió su propia escuela coreográfica y también se mostró en el campo de la coreografía. Mikhail Lavrovsky ha creado más de diez ballets originales, entre ellos Porgy and Bess, Nijinsky, Fantasia on a Theme of Casanova, Richard III Epilogue.
Vale la pena mirarlo más de cerca y comprenderlo, y reconocer que en la historia del teatro del mundo no hay muchos artistas famosos importantes cuyos nombres estén firmemente asociados con los grandes teatros famosos.
Hasta ahora, las megaestrellas suelen ser famosas por derecho propio y no actúan en teatros de repertorio. Probablemente esta fue la razón. Y el teatro de repertorio como tal, si lo buscas, lo encontrarás más a menudo en Rusia, en la Unión Soviética, en general, aquí.
Tuvimos y todavía tenemos artistas que no solo sirvieron, sino que lo más importante es que hicieron la gloria de su teatro, donde actuaron, tal vez solo durante unos pocos años.
Entre los nombres de quienes hicieron la gloria del Teatro Bolshoi se encuentra Mikhail Leonidovich Lavrovsky. La legendaria bailarina, que fue durante mucho tiempo primera ministra del Bolshoi, cumplió 75 años el 29 de octubre. ¡Un verdadero aniversario!
Después de abandonar el escenario, Mikhail Lavrovsky no se separó del ballet. En el Teatro Bolshoi, donde alguna vez fue solista y coreógrafo, ahora imparte clases como profesor-tutor.
“Les digo a mis alumnos que una copia, por muy buena que sea, es una repetición. Para mí, la autenticidad, la individualidad y la personalidad siempre son interesantes en todo, por eso deben encontrar su propia cara”.
– señala el artista popular de la URSS Mijaíl Lavrovsky.
“Una bailarina de técnica virtuosa, enorme encanto y temperamento desenfrenado”,
– El propio Grigorovich habló de Lavrovsky de esta manera. Realizó los papeles principales en "Don Quijote", "El lago de los cisnes", "La bella durmiente". No sólo bailaba cada uno, era como si viviera su propia historia.
"Se desarrolló como bailarín con tanta fuerza que tenía todos los medios de expresividad en la danza que yo sólo podía imaginar".
– dice la artista popular de la URSS Lyudmila Semenyaka.
Cuando se le pregunta a Mikhail Lavrovsky sobre sus personajes favoritos, no duda en nombrar a Albert en “Giselle” de Adán y a Espartaco en el ballet del mismo nombre de Khachaturian. Según él, fue el golpe más certero de las imágenes.
El partido del legendario líder esclavista se convirtió en la tarjeta de presentación de Lavrovsky. En 1970 recibió el Premio Lenin por este papel.
“Lavrovsky por naturaleza tiene músculos tan rígidos que eran muy adecuados para esta actuación. Fue el segundo intérprete, detrás de Vasiliev. Sin embargo, tenía mejor resistencia física”.
– destaca el Artista de Honor de Rusia Valery Lagunov.
En 1978, el destino cambió. Lavrovsky se convierte en coreógrafo. Tiene en su haber muchas fantasías coreográficas: ya sea la tragedia de Vaslav Nijinsky, las aventuras de Casanova o uno de los primeros ballets de jazz rusos "Porgy and Bess".
“Para crear tu propio lenguaje, necesitas trabajar todos los días, poner en escena todos los días, luego desarrollarás tu propio estilo: el idioma que hablarás al público. Tomas a Tolstoi, Dostoievski, Hugo y transmites esta obra tal como la sientes”.
- dice el artista popular de la URSS Mikhail Lavrovsky.
Ahora Mikhail Lavrovsky es un apasionado de las producciones sintéticas, en la intersección de lo plástico, lo vocal y lo dramático. Sueña con poner en escena la obra de Jean Anouilh “La alondra” y organizar una velada de sus ballets en el escenario del Bolshoi en primavera.