Shakespeare's Globe Theatre, primera aparición y reposición. Teatros famosos de Inglaterra y su historia Los mejores teatros de ópera de Gran Bretaña

Teatro El primer teatro de la corte, que existió entre 1672 y 1676, fue definido por el propio zar Alexei Mikhailovich y sus contemporáneos como una especie de novedosa “diversión” y “frescura” a imagen y semejanza de los teatros de los monarcas europeos. El teatro de la corte real no apareció de inmediato. rusos

teatro ingles

En el siglo XIX, el teatro, como todas las demás esferas de la cultura inglesa, recibió un nuevo desarrollo. Destino romántico en artes teatrales personificado por el actor trágico más talentoso Edmund Kean (1787-1833).

Edmundo Kean ( arroz. 58) nació en una familia de actores. Sus padres murieron cuando él aún era un niño. Obligado a ganarse la vida, el joven viajó con un grupo ambulante por ciudades y pueblos ingleses. Estas andanzas se convirtieron en una buena escuela para joven artista, que a la edad de veinte años había visitado muchas partes de Inglaterra. Cuando se le preguntó qué hay que hacer para convertirse en un gran actor, Keene, que ya se había hecho famoso, respondió: "Poder morir de hambre".

Arroz. 58. Keane como Shylock

Mientras viajaba con un teatro ambulante, Edmund se probó a sí mismo en una variedad de papeles y obras de diversos géneros.

Criado en la pobreza, el actor sentía desprecio por los aristócratas y gobernantes ociosos que se preocupaban poco por su propio pueblo. Credo de vida El joven Keane se expresó con las palabras: "Odio a todos los señores excepto a Lord Byron". La alta sociedad no podía perdonar tal actitud hacia sí misma y constantemente acosaba a Keane, llamándolo actor de la multitud.

Habiéndose hecho famoso en los escenarios provinciales, en 1914 el actor recibió una invitación para actuar en Londres en el Drury Lane Theatre, que atravesaba tiempos difíciles en esos años. Su debut en el teatro capitalino fue el papel de Shylock en El mercader de Venecia de Shakespeare. La dirección de Drury Lane, apostando por un actor provinciano, tomó la decisión correcta: con su magnífica actuación, Keene simplemente cautivó al mimado público londinense.

Shakespeare se convirtió en el dramaturgo favorito de Keane. El actor se sintió atraído por las cualidades que él mismo poseía: una perspectiva trágica, un mayor sentimiento de injusticia, el rechazo de un mundo donde algunos viven miserablemente, mientras que otros se bañan en el lujo.

Fue Shakespeare quien le dio fama a Edmund. El actor encarnó las imágenes de Shylock, Ricardo III, Romeo, Macbeth, Hamlet, Otelo, Yago, Lear. Los críticos calificaron su magnífica actuación como el mejor comentario sobre la obra del famoso dramaturgo, y el poeta Coleridge argumentó: "Ver la actuación de Kean es como leer a Shakespeare en el relámpago".

La imagen de Shylock creada por Kean en El mercader de Venecia de Shakespeare causó una gran impresión en el público inglés. Su héroe combina sorprendentemente una actitud irónica hacia las personas que lo rodean y un amargo sentimiento de soledad, una profunda melancolía y un odio desgarrador escondido detrás de la humildad externa. "El mercader de Venecia", representada en Drury Lane, le valió al provincial de ayer la fama del mejor actor de Inglaterra.

Keene consideraba que sus obras más importantes eran los papeles de Hamlet y Otelo. Su príncipe danés, triste y melancólico, comprende que es imposible luchar contra el mal que reina en el mundo. Inusualmente confiado, sincero e integral por naturaleza, Otelo antepone el amor a todo lo demás y, por tanto, su muerte significa para él el colapso total de todas sus aspiraciones.

El gran éxito de Keene se debió al papel del prestamista Overrich en la obra "Una nueva forma de pagar viejas deudas" de F. Messinger. El público, cautivado por la actuación del actor, no pudo contener las lágrimas. Dicen que Byron, que asistió a la función, quedó tan impactado que se desmayó.

Para lograr la comprensión de la audiencia, Keane trabajó cuidadosamente y durante mucho tiempo en cada papel. Practicó todos sus movimientos y expresiones faciales frente al espejo, volvió una y otra vez a los episodios más difíciles y perfeccionó los detalles más pequeños de su papel. Las actividades deportivas le ayudaron a lograr una plasticidad extraordinaria (Keane era considerado uno de los mejores esgrimistas de Inglaterra en ese momento).

El último trabajo del gran actor fue el papel de Otelo. Al pronunciar la frase: "La obra de Otelo está terminada", el actor de cuarenta y seis años perdió el conocimiento y cayó. Tres semanas después ya no estaba. La muerte de Keane marcó el fin del movimiento romántico en el teatro inglés.

El hijo de Edmund Kean, Charles Kean (1811-1868), también fue actor y actuó principalmente en melodramas.

La era victoriana hizo sus propios ajustes en la vida cultural de Inglaterra. Para la literatura, estos años fueron la época de la formación del realismo crítico (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

El nombre del escritor Charles Dickens (1812-1870) está asociado con la transición del teatro inglés del clasicismo al drama moderno. Se escribieron obras melodramáticas para el teatro (Village Coquettes, 1836; The Lamp Man, publicado por primera vez en 1879, etc.).

La excéntrica comedia "The Strange Gentleman", escrita sobre la base de una de las tramas del ensayo "Sketches of Boz", trajo un gran éxito al dramaturgo Dickens. Todas las obras de Dickens, excepto The Lampman, se representaron en el St. James's Theatre en la temporada 1836-1837. Además de ellos, el escritor creó una dramatización de su novela "Grandes esperanzas", pero la obra no se puso en escena.

Las obras de Dickens fueron populares no sólo en Inglaterra, sino también en el extranjero. Las tramas de varias de sus novelas son la base de varias óperas.

En 1951, el escritor abrió un teatro de aficionados cuyo repertorio incluía obras clásicas y modernas. Muchos jóvenes dramaturgos ingleses comenzaron su carrera creativa en este teatro. Dickens, que tenía excelentes dotes de actuación, interpretó en su teatro el papel de Shallow en Las alegres esposas de Windsor. El escritor también ganó gran fama como un excelente lector que interpretó sus propias obras desde el escenario.

Contemporáneo de Dickens, el poeta y dramaturgo inglés Robert Browning (1812-1889) comenzó a trabajar en el teatro a la edad de veintidós años. Su primera obra, Paracelsius, se publicó en 1835. Luego vinieron los dramas históricos "Strafford" (1837), "El regreso de los drusos" (1839), "El rey Víctor y el rey Carlos" (1842), escritos para el Covent Garden Theatre. Los papeles principales en estas producciones fueron desempeñados por el actor W. Macready.

En 1843, Covent Garden representó la obra de Browning La mancha en el escudo de armas. Y en 1853 se representó en su escenario otra obra de este autor, “El cumpleaños de Colón”.

Las obras románticas de Browning, al igual que sus obras históricas, tienen sus raíces en las tradiciones del drama poético de J. G. Byron y P. B. Shelley. En una época en la que el melodrama dominaba los escenarios ingleses, Browning buscó atraer la atención del público hacia una actuación seria y significativa. Incomprendido por sus contemporáneos, el escritor pasó gradualmente del drama escénico al género de la llamada obra de lectura.

La obra de Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), escritor y dramaturgo inglés, que también fue una famosa figura política, destaca también por su cercanía al teatro realista moderno. Sus géneros favoritos eran las novelas y los dramas de temática histórica. Al mismo tiempo, los motivos melodramáticos y los métodos de ostentación externa privaron a las obras de Bulwer-Lytton de un historicismo genuino.

Los dramas "La belleza de Lyon" (1838) y "Richelieu" (1839) le dieron gran fama al dramaturgo. Políticamente relevantes y al mismo tiempo entretenidas, teatrales y llenas de dinámica, estas obras atrajeron inmediatamente la atención de los principales directores ingleses de la época. “Richelieu”, dirigida por Henry Irving, no abandonó durante mucho tiempo el escenario del Lyceum Theatre de la capital. Y en las décadas de 1840 y 1860, los espectadores rusos pudieron ver el drama de Bulwer-Lytto (los personajes principales fueron interpretados por los actores V.V. Samoilov y N.K. Miloslavsky).

Edward Bulwer-Lytton se sintió atraído no solo por las obras históricas, sino también por las comedias que satirizaban las costumbres de la sociedad victoriana: No somos tan malos como parecemos y El dinero (1840). Aunque el dramaturgo no profundizó crítica social, el realismo de sus obras atrajo la atención de los espectadores. Comedias de Bulwer y Lytton durante muchos años estaban en los repertorios de los teatros ingleses.

La novela histórica de Bulwer-Lytton "Rienzi" interesó al famoso compositor alemán Richard Wagner, quien basó su trama en la ópera del mismo nombre, presentada al público en 1840.

A finales del siglo XIX, el famoso escritor inglés, novelista y dramaturgo George Bernard Shaw (1856-1950) ( arroz. 59). Nació en Dublín, en la familia de un empleado pobre. A la edad de veinte años, Shaw se mudó a Londres, donde se convirtió en uno de los fundadores de la Sociedad Fabiana. Mientras trabajaba como crítico de música y teatro, Bernard escribió varias novelas oscuras. Su primera obra, La casa del viudo, apareció en 1892. La obra abordó importantes cuestiones sociales y éticas, criticando duramente a los propietarios que alquilan viviendas en barrios marginales. El dramaturgo llamó a sus lectores a superarse y cambiar el mundo que los rodea. El público acogió con frialdad la obra “La casa del viudo”, representada en el Teatro Independiente, y después de sólo dos representaciones fue retirada del escenario.

Arroz. 59. George Bernard Shaw

Durante los siguientes seis años, el dramaturgo escribió nueve obras (incluida una obra de un acto). El triste drama "Heartbreaker" (1893), que habla de un matrimonio ventajoso que terminó en completo fracaso, no fue aceptado para producción por ninguno de teatros capitalinos. En 1894 apareció el drama "El hombre y las armas", que exponía la inhumanidad y la crueldad de la guerra. En 1897 se creó la obra "El discípulo del diablo" y en 1898 se publicó una colección de dos volúmenes "Lo agradable y lo desagradable", que incluía obras de diferentes años ("La profesión de la señora Warren", 1894; "El hombre y Arms”, “Candida”, 1897; “El elegido del destino”, 1897; “Espera y verás”, 1899, etc.). La obra "La profesión de la señora Warren", que planteaba el tema de la prostitución, fue prohibida por la censura, pero más tarde, cuando finalmente se permitió su representación, no abandonó los escenarios hasta 1902. Candida fue un gran éxito en Nueva York en 1903. Y en su tierra natal, Shaw todavía no gozaba de popularidad. El verdadero reconocimiento del público inglés le llegó en 1904, cuando él, junto con su esposa, así como el actor y director Harley Grenville-Barker, alquilaron el edificio del Royal Court Theatre. Las obras de Shaw fueron dirigidas por Grenville-Barker y John Vedrenne. De las 988 representaciones representadas en la Corte Real entre 1904 y 1907, más de setecientas se basaron en las obras de Shaw.

Entre las mejores obras del dramaturgo se encuentra la obra "El hombre y Superman" (1905), una comedia filosófica que presenta al espectador la actitud del autor hacia la religión, el matrimonio y la familia. La evolución de la sociedad humana se muestra a través de las disputas entre Don Juan, que se encontraba en el inframundo, y el diablo.

La obra más famosa de Shaw fue Pigmalión (1913), una comedia antirromántica escrita específicamente para la actriz Patrick Campbell. Tras la muerte del dramaturgo, Frederick Lowe y Alan Jay Lerner la basaron en el musical My Fair Lady.

Las obras posteriores de Shaw incluyen Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), el drama histórico Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) y otras.

Shaw, que se convirtió en la encarnación del ingenio inglés, creó más de 50 obras para el teatro. Cuando murió el gran dramaturgo, los teatros de muchos países del mundo apagaron sus luces en señal de duelo.

El escritor Oscar Wilde (1854-1900) hizo una importante contribución al desarrollo del teatro inglés. Al igual que Shaw, nació en Dublín, hijo de un famoso cirujano. Educado en la Universidad de Oxford. Las primeras obras de Wilde fueron el poema "Ravenna" (1878) y la colección "Poems" (1881).

El escritor se hizo famoso por sus historias líricas y cuentos de hadas (Star Boy, etc.) y por la novela filosófica El retrato de Dorian Gray. Para el teatro, Wilde creó una serie de obras con una orientación socialmente crítica (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). La obra “Salomé” fue escrita en francés y publicada en Inglaterra en 1894, traducida por Alfred Douglas con ilustraciones del artista Aubrey Beardsley. Esta obra formó la base de la famosa ópera homónima de Richard Strauss (1904).

A finales del siglo XIX, el dramaturgo inglés Henry Arthur Jones (1851-1929) comenzó a escribir para teatro. Proveniente de una familia de campesinos pobres, se ganaba la vida como actor.

Sin ganar fama como actor, Jones recurrió al drama, pero sus primeras obras tampoco le dieron el éxito deseado. Los teatros se negaron a aceptar sus obras, y recién en 1878 se aceptó la producción de la obra de Jones "It's Just Around the Corner" en uno de los teatros provinciales.

El éxito tan esperado le llegó al dramaturgo después de que se representara su "Rey de Plata" en el Teatro Princess. Las obras más importantes de John incluyen las obras Saints and Sinners, Dancer, Rebel Susanna, Triumph of the Bigots, Michael and His Lost Angel y The Defense of Mrs. Dane. Muchos de los dramas de Jones exponen la moralidad hipócrita de la sociedad victoriana ("Liars", 1897; "Lies", 1914), aunque el entusiasmo por las técnicas melodramáticas reduce un poco su importancia. Pero, a pesar de esto, podemos decir con seguridad que la obra de Jones influyó en la formación del movimiento realista en el arte teatral de Inglaterra. finales del XIX siglos. Jones colaboró ​​con Bernard Shaw, y este último valoraba mucho sus obras.

El arte escénico inglés de finales del siglo XIX está asociado al nombre del actor y empresario Arthur Voucher (1863-1927). En 1884, el joven actor, que estudió en Eton y luego en Oxford, se convirtió en uno de los fundadores de la Sociedad Dramática de la Universidad de Oxford. En su escenario actuó en las obras de Shakespeare (Enrique IV, Noche de reyes, Las alegres comadres de Windsor, Julio César).

El debut de Voucher fue el papel de Jacques en la comedia de Shakespeare Como gustéis, representada en 1889 en el escenario profesional de Wolverhampton. La actuación le dio fama al actor, y en 1889-1894 actuó en varios teatros ingleses y estadounidenses.

En 1895-1896, Voucher dirigió el Teatro Real y su esposa, E. Vanbrugh, fue una actriz destacada que interpretó papeles principales en comedias y farsas. De 1900 a 1906, Voucher se desempeñó como director artístico del Teatro Garrick. En este momento, desempeñó muchos papeles en obras de Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. En 1910, el actor se unió a la compañía Beerbohm Tree (His Majestys Theatre), donde encarnó las imágenes de Enrique VIII y la Fundación en las obras de Shakespeare Enrique VIII y El sueño de una noche de verano. Voucher, un artista muy temperamental y emocional, tuvo especial éxito interpretando papeles de personajes brillantes (John Silver en “La isla del tesoro”, basada en la novela de R. L. Stevenson).

A finales del siglo XIX, el actor y empresario Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) inició su carrera en el teatro. Debutó como Fritz en la obra “El viejo judío” de Grnadi, representada en 1895 en el Teatro Garrick. Ese mismo año se unió al grupo Beerbohm Three y se fue de gira con él por Estados Unidos. En 1899-1901 visitó nuevamente América, esta vez con la famosa actriz inglesa Patrick Campbell.

Los trabajos teatrales más importantes del actor en ese momento fueron los papeles de Sandford Cleve en The Famous Mrs. Ebbsmith y Captain Ardale en The Second Mrs. Tanqueray de Pinero. En 1902, Du Maurier se convirtió en empresario de la compañía de Charles Froman (Teatro Duque de York), donde creó con gran éxito los personajes de Ernest Wooller (El admirable Crichton de J. Barry), Hook y Darling (Peter Pan de mismo autor).

Du Maurier tuvo más éxito en papeles cómicos. La capacidad de comportarse de forma natural, sincera y sencilla ayudó al actor a ganarse el amor del público. Sus mejores trabajos fueron las imágenes de Montgomery Brewster en Brewster's Millions de McCutcheon y Hugh Drummond en Bulldog Drummond, una dramatización de la novela de McNeil.

En el período de 1910 a 1925, Du Maurier, junto con F. Curzon, dirigió el Teatro Windham, y de 1925 a 1929, junto con G. Miller, dirigió el Teatro St. James. La producción teatral de la obra de Lonsdale Los últimos días de la señora Cheney (1925) trajo un gran éxito al teatro. Posteriormente, Du Maurier realizó varias representaciones más en varios teatros (“The Ringer” de Wallace, 1926, “Windham's Theatre”; “The Letter” de Maugham, 1927, “Playhouse Theatre”; “Alibi” de Morton basada en la novela de Christie, 1928, Teatro “Príncipe de Wells”; “Doctor Pigmalión” de Owen, 1932, “Teatro Playhouse”, etc.).

Una figura destacada del teatro inglés de finales del siglo XIX y primera mitad del XX fue el actor, director y famoso profesor Frank Robert Benson (1858-1939). CON juventud temprana participó activamente en todo tipo de actuaciones amateur. Su primer escenario profesional fue el London Lyceum Theatre, dirigido por G. Irving. Un año más tarde, el joven actor abrió su propio teatro itinerante, que actuó no sólo en Londres, sino también en Stratford, así como en otras ciudades de provincia.

El dramaturgo favorito de Benson era Shakespeare. En pocos años, el director representó casi todas las obras del gran dramaturgo, con las únicas excepciones de "Titus Andronicus" y "Troilus and Cressida". De 1886 a 1919, la compañía, dirigida por Benson, actuó en el Shakespeare Memorial Theatre de Stratford-on-Avon. En la tierra natal de Shakespeare, con su participación se celebraron festivales anuales de obras de Shakespeare.

Benson, un actor y director maravilloso, también fue un maestro talentoso que formó a muchos artistas maravillosos. Es autor de una obra sobre actuación. Benson también escribió un libro de memorias. EN últimos años A lo largo de su vida estuvo involucrado en la cinematografía.

El célebre actor, director y dramaturgo inglés Harley Grenville-Barker (1877-1946) inició su carrera teatral como actor. En 1891 se unió a la compañía S. Thorne en Margate. Al año siguiente, Grenville-Barker ya actuó en el London Comedy Theatre.

De 1904 a 1907, junto con el dramaturgo Bernard Shaw, Grenville-Barker dirigió el Royal Court Theatre, parte del movimiento de “teatro libre”, que se centraba en el drama realista serio.

Grenville-Barker, que promovió el realismo escénico, soñaba con abrir un teatro nacional con un repertorio permanente, pero, lamentablemente, el intento de crearlo no tuvo éxito.

Entre las obras de Grenville-Barker, las representaciones basadas en las obras de Shakespeare ocupan un lugar importante. El director publicó una obra de cinco volúmenes, "Prefacio a Shakespeare", en la que analizó en detalle las obras de Shakespeare más difíciles de representar y dio consejos prácticos para representarlas en el teatro moderno. Las obras de Grenville-Barker "El matrimonio de Anna Leet" (1902), "La herencia de Voysey" (1905), "Madras House" (1910), "El tiempo en Han" y otras se hicieron ampliamente conocidas.

Después de la Primera Guerra Mundial, Inglaterra recibió varias colonias alemanas y parte de las tierras del Medio Oriente que pertenecían a Turquía. La economía inglesa, debilitada por la guerra, comenzó a reactivarse, pero no duró mucho. Ya en 1921 se inició un crecimiento inflacionario y una disminución del nivel de vida de la población.

En 1924, el gobierno laborista llegó al poder, pero, a pesar de todos sus esfuerzos, la situación económica y política del país no cambió, y los conservadores que reemplazaron a los laboristas empeoraron aún más la situación. En mayo de 1924 se inició una huelga general en Inglaterra. Plantas y fábricas pararon por completo y dejaron de funcionar. ferrocarriles, minas. El gobierno logró aliviar la tensión en el país durante algún tiempo, pero ya en 1929 estalló una grave crisis económica.

La década de 1930 también fue turbulenta. Hitler llegó al poder en Alemania y en Inglaterra, con la connivencia de Baldwin y Chamberlain, que lo reemplazaron, la Unión Británica de Fascistas lanzó sus actividades.

¿Cuándo empezó el segundo? guerra mundial, resultó que Inglaterra no estaba en absoluto preparada para ello. Tras la derrota de Dunkerque, la fuerza expedicionaria inglesa abandonó el continente. Habiendo ocupado Francia, los nazis ya se estaban preparando para lanzar una invasión de las Islas Británicas, pero se lo impidieron la Batalla de Gran Bretaña, ganada por los aviones británicos, y luego el estallido de las hostilidades contra la URSS.

El 26 de mayo de 1942, Inglaterra y la URSS firmaron un acuerdo de alianza y cooperación militar en tiempo de paz, pero durante algún tiempo Churchill retrasó la apertura de un segundo frente. Al final de la Segunda Guerra Mundial, las políticas de los conservadores desilusionaron completamente al pueblo, y en las elecciones de 1945 los laboristas obtuvieron una victoria aplastante.

La situación social del país no podía dejar de afectar al drama inglés de la primera mitad del siglo XX. Durante estos años se hacían cosas así en el país. escritores famosos, como Somerset Maugham y John Boynton Priestley.

Arroz. 60. Somerset Maugham

El escritor inglés William Somerset Maugham (1874-1965) ( arroz. 60) nació en París, en la familia de un asesor jurídico de la embajada inglesa. A la edad de diez años se quedó sin padres y fue criado en Inglaterra por familiares. Habiendo enfermado de tuberculosis, Maugham se instaló en el sur de Francia y luego se mudó a Alemania, donde estudió en la Universidad de Heidelberg. En Alemania, el futuro escritor se acercó a Ibsen.

y Wagner. Fueron las obras de Ibsen las que despertaron el deseo de Maugham de convertirse en dramaturgo.

Al regresar a Inglaterra, Maugham comenzó a estudiar en una escuela de medicina. Durante tres años trabajó como paramédico en una ambulancia, lo que le permitió conocer la vida de la gente corriente (como parte de su profesión, Somerset visitó las zonas más pobres de Londres). Su novela Lisa de Lambeth, escrita en 1897, cuenta la historia de los barrios marginales de Londres. Le dio al joven escritor su primera fama. Maugham creó más tarde toda una serie novelas que ofrecen un amplio panorama de la vida de la sociedad inglesa (“The Burden of Human Passions”, 1915; “Theatre”, 1937).

El teatro siempre atrajo a Maugham, pero lograr el éxito en este ámbito no fue fácil. El deseo de un reflejo realista de la realidad a veces ahuyentaba a los empresarios del escritor. La producción de su obra "El hombre de honor" (1903) no contribuyó a la popularidad del escritor en el arte comercial.

Finalmente, en 1907, Maugham logró poner en escena la comedia Lady Frederick, que fue recibida con entusiasmo por el público. Después de esto, los teatros de Londres abrieron sus puertas al dramaturgo y en el mismo año 1907 se presentaron tres representaciones más basadas en sus obras.

El dramaturgo creó un tipo de obra que calificó de “inteligente”. La realidad moderna de sus obras se muestra a través de un choque de personajes, y la acción a menudo se interrumpe para que los personajes puedan discutir la situación. Al crear sus obras, Maugham suele utilizar técnicas características de las obras de Shaw e Ibsen, pero la mayoría de las veces recurre a la comedia inglesa de la era de la Restauración. Es de la dramaturgia del segundo mitad XVI- El comienzo del siglo XVIII es el arte del carácter y la intriga presente en las obras de Maugham. En muchas de sus obras también hay interés por las tradiciones del teatro francés.

Las primeras obras de Maugham, "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw", representadas en los teatros de Londres en 1907, fueron escritas al estilo de una comedia de salón. Posteriormente, el dramaturgo se alejó de la sátira ligera y recurrió a dramas realistas serios sobre "personas que lo saben todo". En 1913 apareció "La tierra prometida", que cuenta la suerte de la pobre niña Nora. Criada en un ambiente burgués inglés, acaba en Canadá, con su hermano granjero. Inadecuada para trabajar y tratando de comportarse como una dama, despierta la indignación de la esposa de su hermano. Pero, al convertirse en la esposa de un granjero vecino, Nora cambia gradualmente y, cuando se le da la oportunidad de regresar a su antigua vida en Londres, ella se niega, dándose cuenta de que ya no podrá vivir entre gente ociosa y gente inútil. .

La obra "El hogar y la bella esposa" (1919) está dedicada al tema de la vida inglesa de la posguerra. Terminó la Primera Guerra Mundial y el mayor, a quien todos consideraban muerto, regresó a casa. Su esposa Victoria se casó con su amigo, también mayor. Los amigos compiten en nobleza y se dan el derecho de quedarse con la bella Victoria, pero ella se divorcia de ambos y se convierte en la esposa de un especulador que se enriqueció con los suministros militares. Este rico que escapó del frente conduce un Cadillac y tiene la capacidad de conseguir cualquier comida. Ambos ex maridos La incomparable Victoria afirma que siempre adivinaron su mezquindad y codicia. Esta es la casa por la que los británicos lucharon en la guerra.

El tema del matrimonio en la sociedad burguesa continúa en la famosa obra de Maugham “El círculo” (1919). Isabel, la esposa de un joven político, está decepcionada de su marido y admira a su madre, a quien nunca ha visto: en su juventud se escapó de su marido con su amigo, Lord Proteus, que se postulaba para el puesto de Primer Ministro. . Pero después de tal acto, a los amantes se les negó la entrada a la sociedad, y solo Isabel los invitó en secreto a su casa. Imagínese su decepción cuando, en lugar de una pareja romántica, vio a una anciana joven y a un anciano malvado y maleducado. Muchas cosas quedaron claras para la joven, pero no renunció a su amor y abandonó la casa de su próspero marido para ir con un joven funcionario colonial a la lejana Malaya.

En 1928-1933, aparecieron cuatro obras más de Maugham: "La llama sagrada" (1928), "El sostén de la familia" (1930), "Por mérito en la batalla" (1932) y "Sheppie" (1933). El abogado provincial en el drama "Por el mérito militar" cree que en la sociedad reinan la justicia y la prosperidad, aunque su propia familia está muriendo bajo la presión de las circunstancias.

Su hijo Sidney regresa ciego de la guerra y una de las hermanas lo cuida, aunque esto la agobia y atormenta. Sueña con unir su destino con un hombre que también regresó recientemente del frente, pero su prometido, incapaz de encontrarse en esta sociedad, se quita la vida y la desafortunada niña pierde la cabeza. Su hermana se convierte en la esposa de un oficial desmovilizado, un hombre arrogante y maleducado. El destino de la tercera hija también es trágico. Tratando de escapar de la sombría situación, se escapa de casa con un rico especulador que hizo su riqueza a través de transacciones sucias. La guerra rompió el destino de todos los miembros de la familia. Las palabras de Sidney están llenas de amargura: “Sé que todos terminamos como marionetas en manos de los tontos mediocres que gobernaban nuestros países. Sé que todos fuimos sacrificados a su vanidad, avaricia y estupidez. Y lo peor es que, hasta donde tengo entendido, no han aprendido nada”.

La historia del personaje principal del drama "Sheppey" es triste. Sheppey, una peluquera de mediana edad, se convirtió en la afortunada ganadora de una gran victoria.

Sueña con ayudar a los necesitados, pero su hija y su prometido creen que este dinero les ayudará a entrar en la gran política y están intentando que Sheppey sea declarado loco.

La producción de Sheppie, que no estaba destinada al arte comercial, fracasó y Maugham decidió dejar la dramaturgia y nunca volver a trabajar en el teatro.

Arroz. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( arroz. 61) nació en la localidad de Bradford (Yorkshire), en la familia de un profesor. En 1914 se convirtió en estudiante en la Universidad de Cambridge, pero con el estallido de la Primera Guerra Mundial se ofreció como voluntario para el frente. Priestley completó sus estudios en la Universidad después del final de la guerra. Pronto ganó fama como escritor de ensayos, además de estudioso y crítico literario. La novela Good Companions, escrita en 1929, introdujo al lector en la vida de los actores viajeros y le dio a Priestley un gran éxito. La primera e inusualmente exitosa experiencia del escritor en el teatro fue la obra "Dangerous Turn", representada en 1932.

Al igual que Maugham, Priestley sabía cómo transmitir con precisión los tipos humanos y crear intriga. Al mismo tiempo, sus obras son más problemáticas que las obras de Maugham y Shaw.

En “A Dangerous Turn”, Priestley, al igual que Maugham, revela lo que se esconde detrás del bienestar externo de la vida. Lo que aparece detrás de las capas de mentiras y engaños es realmente aterrador. El dramaturgo construye sus obras según el principio de un "detective en cuarto cerrado". Se ha cometido un asesinato en un pequeño círculo de conocidos cercanos, todos están bajo sospecha y, al mismo tiempo, todos se convierten en detectives aficionados.

Poco a poco se desarrolla una cadena de revelaciones, empezando por unas palabras que se le cayeron accidentalmente en una fiesta en la casa del editor Robert Kaplan, quien descubre que su amado hermano Martin era un maníaco sexual y no se suicidó, como se creía oficialmente, sino que fue asesinado por una mujer. Casi todos sus familiares estuvieron involucrados en su muerte. Al enterarse de la terrible verdad, Robert se quitó la vida. Pero esto es sólo una versión hipotética de los acontecimientos. La oscuridad resultante se disipa y el escenario del primer acto vuelve a aparecer ante los ojos del espectador. Los personajes mantienen la misma conversación, y la frase que sirvió de inicio a la revelación no se desarrolla. Se ha superado con éxito el “giro peligroso” y la fiesta continúa. Pero el espectador ya sabe lo que realmente se esconde detrás del tranquilo fluir de la vida.

En 1937 apareció la obra de Priestley Time and the Conway Family, en la que el autor utiliza la técnica del giro de los acontecimientos. La acción comienza en 1919 con unas vacaciones familiares. Una familia amigable y rica celebra el cumpleaños de Kate. La niña cumple veintiún años, está llena de esperanzas de un futuro feliz y sueña con convertirse en escritora.

El segundo acto data de 1937. Los personajes son los mismos, pero todos son infelices. La fiesta, que tuvo lugar hace muchos años, se convirtió en un acontecimiento que giró la vida de la familia en un rumbo que llevó a todos sus miembros a un triste resultado.

El tercer acto regresa a 1919, pero ahora para el espectador, que se ha enterado de lo sucedido muchos años después, la fiesta familiar no parece divertida ni feliz.

Priestley también abordó el tema del tiempo en sus obras posteriores: "He estado aquí antes" (1937), "Música de noche" (1938), "Johnson más allá del Jordán" (1939). Para profundizar las características de sus personajes, el escritor los coloca en un entorno inusual, en el que se revela algo que antes estaba oculto no solo a los demás, sino también a ellos mismos.

En varias obras, Priestley utiliza experimentos audaces. Así, en el drama "From Heavenly Times" (1939), que tuvo lugar en los escenarios de los teatros de muchos países europeos, los actores asumen el papel frente al público e incluso cambian de papel.

El dramaturgo inglés valoró mucho la obra de Chéjov. Su influencia es más evidente en la obra Eden End (1934). “Eden End”, que recuerda a “El jardín de los cerezos” de Chéjov, cuenta la historia de una mujer que se escapó de la casa de sus padres hace muchos años para convertirse en actriz. Ahora ha regresado a la tranquila y cómoda casa de su padre, soñando con volver a sentirse feliz. Pero el pasado no se puede recuperar y los personajes de la obra, por mucho que les guste, no pueden empezar una nueva vida.

La comedia ocupa un lugar importante en el drama de Priestley. En este género, el escritor creó una serie de obras inusualmente ingeniosas que critican la vida de la sociedad. Sus comedias gozaron de una extraordinaria popularidad en los países europeos, pero no le dieron mucho éxito al dramaturgo en su tierra natal.

La comedia "Rakita Grove" (1933) se hizo ampliamente conocida. El modesto y corriente propietario de un pequeño almacén de artículos de papelería confiesa de repente ante su familia que en realidad es el jefe de una banda de falsificadores. Los familiares, al enterarse de esto, le muestran todo el respeto, aunque antes lo trataban con desdén. Todos creen que no es peor que los grandes magnates financieros que lo arruinaron durante la crisis económica y lo convirtieron en un criminal.

Algunas comedias indican el interés de Priestley por la vida de representantes de determinadas profesiones ("El amor a la luz de Júpiter", 1936; "Buenas noches, niños", 1941).

Algo aparte destaca la obra "Las abejas a bordo del barco" (1936), que el propio autor calificó de "una tragedia ridícula en dos actos" y " sátira política en forma de farsa." La tripulación, abandonada en un transatlántico abandonado por sus propietarios a merced del destino durante una crisis económica, intenta salvar su barco de todo tipo de ataques. Al final, el barco muere a causa de una explosión organizada por la empresa propietaria del transatlántico.

También es inusual el drama utópico de Priestley They Came to the City (1943), inspirado en la novela utópica del artista y escritor inglés William Morris, News from Nowhere, or the Age of Happiness (1891). Los héroes de la obra de Priestley viven en una ciudad donde no hay propiedad privada, son felices y alegres. Utilizando la técnica del "cambio de tiempo", el autor introduce en la obra personajes de diferentes estratos de la sociedad inglesa moderna, que percibían de manera diferente la inusual ciudad y sus habitantes.

Otras dos obras de Priestley fueron recibidas con gran interés por el público: "The Inspector Came" (1945) y "The Linden Family" (1947).

En la primera obra, el dramaturgo vuelve a utilizar su técnica favorita del "cambio de tiempo". La familia del industrial Berling celebrará el compromiso de su hija. De repente, un inspector de policía aparece en la casa, investigando el suicidio de una niña llamada Eva Smith. Resulta que todos los miembros de la familia son culpables de su muerte. Birling la despidió de su empresa, su hija se aseguró de que Eva fuera expulsada de la tienda y su prometido sedujo y abandonó a la desafortunada mujer. Para colmo, la esposa de Berling, que tenía influencia en organización caritativa, hizo que a la niña le negaran ayuda.

Al enterarse de todo, el inspector se marcha y la familia Birling, sorprendida de que sus acciones se relacionen con la misma niña, comienzan a llamar al hospital y a la policía. Se enteran de que no hubo suicidios y que un inspector con ese nombre no trabaja en la policía. Los Birling se calmaron, pero resultó que demasiado pronto. De repente sonó una llamada telefónica y el cabeza de familia fue informado de que una niña que había trabajado anteriormente en su fábrica había muerto en el hospital y que un inspector de policía acudiría a ellos para averiguar las circunstancias de la muerte.

En la década de 1950, Priestley continuó trabajando en teatro, pero ya no pudo escribir nada significativo.

El poeta Thomas Stearns Eliot (1888-1965) hizo una gran contribución al desarrollo del teatro inglés. (Figura 62), que soñaba con crear un nuevo drama poético basado en las tradiciones del arte antiguo y medieval.

Arroz. 62. Thomas Stearns Eliot

Eliot nació en Estados Unidos. En 1910 vino a Europa para estudiar en la Sorbona. Su formación como escritor se produjo bajo la influencia de quienes aparecieron a principios de siglo. movimientos modernistas. Insatisfecho con la cultura burguesa moderna, en su búsqueda Eliot recurrió al neoclasicismo, basado en las tradiciones de la antigüedad y la Edad Media.

La transición de Eliot de la poesía al teatro está asociada con su ardiente deseo de transmitir la "verdadera espiritualidad" y los ideales del humanismo a más personas. Este objetivo lo persiguen todas sus obras de teatro que aparecieron en los años 1930, y luego en los años 1940 y 1950 ("Asesinato en la catedral", 1935; "Convención de familia", 1938; "Cóctel", 1949; "Secretaria privada". 1953; “El anciano estadista”, 1958).

La cuestión de la responsabilidad personal de una persona por todo lo que sucede en el mundo se plantea en la obra "Asesinato en la catedral", que es un ejemplo sorprendente de la tragedia poética de Eliot. Al crear su obra en tiempos de paz, el dramaturgo parecía tener un presentimiento de la próxima guerra mundial, para la que aún faltaban cinco años.

"Asesinato en la Catedral" estaba previsto que se exhibiera en el Festival de Canterbury, donde se presentaron otras obras que cuentan el destino de Thomas Becket, el arzobispo de Canterbury, que vivió en el siglo XII. Becket ayudó a Enrique II a luchar por una monarquía centralizada, pero luego se convirtió en enemigo del rey, por lo que pagó con su vida. Tras su muerte, el arzobispo fue canonizado por la iglesia. La personalidad de Becket todavía causa controversia entre historiadores y escritores. Eliot presentó a su héroe como un hombre cuyas acciones fueron impulsadas por el deseo de una alta espiritualidad, razón por la cual luchó contra los viles intereses del monarca y sus secuaces. Habiendo aceptado el martirio, Becket asumió los pecados de la humanidad y abrió el camino para las personas al humanismo y la verdad.

La obra en la que lenguaje poético Combina con prosa, se basa no solo en material histórico, sino también en las realidades de la década de 1930. Así, los discursos de los caballeros que mataron al arzobispo se parecen mucho a los discursos de la extrema derecha con amenazas de la “noche de los cuchillos largos” a todo aquel que no esté de acuerdo con sus ideas.

Los mayores representantes del drama radical de izquierda inglés fueron el poeta Whiston Hugh Auden (1907-1973) y el novelista Christopher Isherwood (nacido en 1904), quienes intentaron crear un drama poético moderno basado en las tradiciones del music hall inglés.

En 1933, Auden escribió la obra Danse Macabre, que predijo el fin de la sociedad burguesa moderna. En 1936, fue puesta en escena por el director Rupert Doone en el Group Theatre de Londres. Posteriormente, el dramaturgo trabajó en colaboración con Isherwood.

La obra de Auden e Isherwood El perro bajo la piel (1935), representada en 1936, fue recibida con interés. Esta obra, que incluía elementos de parodia, alta poesía, agitprop, cuentos de hadas y expresionismo, al mismo tiempo tenía una unidad de estilo.

Cada año, los aldeanos de Pressen Embo envían a uno de sus jóvenes en busca de Sir Francis, el heredero de la finca que ha desaparecido repentinamente. Le llegó el turno a Alan Norman, un hombre honesto y sencillo. El perro Francis, que vive en una familia u otra, lo acompaña de viaje. Los viajeros visitaron muchos países y conocieron a diferentes personas, pero nunca encontraron al heredero. Alan ya había decidido abandonar la búsqueda cuando descubrió que su perro era el buscado Sir Francis. La piel de un perro le ayudó a aprender mucho, a comprender lo podridas que estaban las bases sociales. Al regresar a su pueblo, Francisco vio que las ideas del fascismo en él habían prevalecido sobre todas las demás. Junto a un grupo de jóvenes, el heredero parte para luchar contra la injusticia y el mal.

También es de gran interés la obra de teatro “On the Border” (1938), de Auden e Isherwood, llena de simbolismo, que cuenta la historia de dos familias que viven en la misma habitación. entre ellos se encuentra linea invisible, convirtiéndolos en dos bandos en guerra. Entre los personajes de la obra se encuentran jóvenes amantes pertenecientes a estas familias, unidos sólo después de la muerte, el Cínico, que explica la naturaleza del fascismo (el jefe del consorcio del acero), y el Líder, un demagogo que se alimenta del Cínico.

Posteriormente, Auden e Isherwood se alejaron de sus ideas anteriores. En 1966, la historia de Isherwood "Adiós Berlín" (1939), que habla de Alemania antes de que los nazis llegaran al poder, se adaptó al musical "Cabaret" y, en 1972, a la famosa película del mismo nombre.

La Primera Guerra Mundial y el período que la precedió destruyeron el sistema de empresas teatrales que se habían formado en el siglo XIX, encabezadas por los actores G. B. Tree, G. Irving y J. Alexander. El teatro comercial del West End pasó a primer plano en la vida teatral de Inglaterra, ofreciendo a la gente cansada de la guerra espectáculos divertidos y espectaculares. Farsas, melodramas, comedias ligeras y espectáculos musicales gozaron de gran popularidad.

La situación en mundo del teatro no ha cambiado en años de posguerra. Los géneros ligeros todavía reinaban en el escenario, y las obras serias de Strindberg, Ibsen y Chéjov sólo se podían ver en los escenarios de los pequeños teatros de Londres (Everyman, Barnes) y en los clubes de teatro. El crítico estadounidense T. Dickinson escribió sobre el teatro inglés de esa época: “Las Islas Británicas están políticamente aisladas. El teatro inglés se encuentra en un aislamiento similar. En la década de 1920, el teatro británico demostró en gran medida ser incapaz de responder a los profundos impulsos que guiaban el teatro en el continente”.

La juventud inglesa, que rechazaba las tradiciones de la época victoriana y luchaba por un estilo de vida americanizado, se aburría de Shakespeare, cuyos dramas habían desaparecido de los escenarios del West End.

Las representaciones del Cambridge Festival Theatre, dirigida por Terence Gray en 1926-1933, se convirtieron en verdaderas parodias del gran Shakespeare. Entonces, en El mercader de Venecia, Porcia pronunció su famoso monólogo sobre la misericordia con una mirada aburrida, una voz completamente inexpresiva y los jueces sentados frente a ella bostezaron. Los nobles en Enrique VIII de Gray están vestidos como jotas y reinas, y algunos de los personajes son reemplazados por maquetas de naipes.

Es interesante que, aunque rechazaron los clásicos, los directores ingleses de esa época a menudo recurrieron a la comedia de la era de la Restauración. Entre ellos se encontraba el famoso actor, director y propietario del Lyric Theatre de Londres, Nigel Playfair, que representó varias comedias de época. En el escenario Lírico también hubo representaciones interpretadas en el espíritu de la época basadas en obras de comediantes del siglo XVIII. Por ejemplo, la Ópera del Mendigo de John Gay, que no abandonó el escenario lírico durante tres años, perdió su orientación satírica y se convirtió en un espectáculo ligero y alegre. En la interpretación de Playfair, la obra de Gay representaba una época alegre y despreocupada, cuya atmósfera era transmitida por velas encendidas en candelabros. sala, pelucas de músicos de orquestas de teatro, así como música de Handel y Purcell. N. Marshall describió con mucha precisión las habilidades estilizadoras del director Playfair: "En el teatro inglés sin estilo de esa época, dio un ejemplo de un estilo escénico elegante y holístico".

La estrella del Teatro Lírico fue la actriz Edith Evans (1888-1976), que comenzó interpretando papeles de jóvenes heroínas en comedias de la Restauración. Un gran éxito en 1924 le trajo la imagen de Millliment en la obra "Esto es lo que hacen en el mundo", basada en la obra de Congreve. Millliment, al igual que Sullen en "El astuto plan de los petimetres" de Farquer, es una criatura inusualmente alegre y elegante, ansiosa por experimentar todas las alegrías de la vida.

Las obras de Bernard Shaw, representadas en los escenarios del West End y en pequeños teatros experimentales, gozaron de un gran éxito entre el público inglés en los años veinte. "Saint Joan", representada en el Teatro Nuevo, trajo a sus creadores un tremendo éxito comercial. La actuación no abandonó el escenario durante mucho tiempo, durando más de doscientas cuarenta representaciones. El papel de Jeanne fue interpretado por la famosa actriz trágica Sybil Thorndike (1886-1976).

El papel de Jeanne estaba destinado a Sybil Thorndike por el propio Bernard Shaw. Ensayó con ella y los demás actores, tratando de inculcarles la idea de que estaban representando una obra moderna y no un drama tradicional dedicado al pasado. Sybil Thorndike interpretó a una heroína cuyas características principales no eran el romance, sino una mente sobria y fuerza moral. Al mirar a Jeanne, el público comprendió que esta sencilla campesina, que había demostrado su valía en batallas antiguas, podría convertirse en la heroína de la Primera Guerra Mundial moderna.

A finales de la década de 1920, surgió en los círculos teatrales la idea de celebrar festivales anuales de las obras de Bernard Shaw en la pequeña ciudad de Malvern. El primer Festival de Malvern tuvo lugar a principios de 1929 y se inauguró con la obra de Shaw The Apple Cart. El papel del personaje principal en esta actuación fue interpretado por la actriz Edith Evans. El festival existió hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial.

Barry Jackson (1879-1961), director del Teatro de Repertorio de Birmingham, desempeñó un papel importante en la organización del Festival Malvern. Este teatro se inauguró en 1913, aproximadamente al mismo tiempo que los teatros de repertorio de Bristol, Manchester y Liverpool. A diferencia de los comerciales, tenían una compañía permanente y representaban obras serias y problemáticas. En el escenario del Birmingham Repertory Theatre se presentaron representaciones basadas en las obras de D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser y, por supuesto, B. Shaw. En 1923, Barry Jackson puso en escena su pentalogía "Regreso a Matusalén", en la que famosos actores londinenses, entre ellos Edith Evans, actuaron junto con representantes de la compañía de teatro de Birmingham. Shaw también participó en los ensayos.

En 1925, en Londres, la compañía de Barry Jackson mostró Hamlet (dirigida por G. Ayliffe). Nunca antes el público londinense se había sorprendido tanto: Hamlet vestía un chándal, Laertes con pantalones Oxford subió al escenario con una maleta con una pegatina brillante: "Pasajero a París". Polonio vestía frac y Claudio vestía una túnica de seda escarlata. Los cortesanos del rey jugaban al bridge y bebían whisky. El reino danés se convirtió en la Inglaterra moderna con sus tradiciones bien establecidas. Hamlet entró en este viejo mundo hipócrita con su verdad, sacada de las trincheras de la Primera Guerra Mundial.

En la década de 1920, las obras de Chéjov aparecieron en el repertorio de los teatros ingleses. Un papel importante a la hora de presentar al espectador inglés Las obras de Chéjov interpretado por el director Fyodor Komissarzhevsky (1882-1954), invitado en 1925 por el empresario Philip Ridgeway al Barnes Theatre. La primera obra representada por un director ruso en el escenario de Barnes fue Ivanov ( papel principal fue realizado por R. Farkerson). Luego se puso en escena "Tres hermanas" (1926), interpretada por Komissarzhevsky como un espectáculo poético inusual y románticamente elevado. El director utilizó luces brillantes y efectos de color, inusuales en el estilo de Chéjov. En el mismo año, 1926, los espectadores de Barnes vieron dos dramas más de Chéjov: El tío Vanya y El jardín de los cerezos.

En aquellos años, las obras de Chéjov se representaban sólo en teatros pequeños, y sólo en la década de 1930 pudieron ser vistas por casi todo el público inglés. Al mismo tiempo, apareció en el país toda una galaxia de actores talentosos. Junto a las estrellas de los años 20 (Sybil Thorndike, Edith Evans, etc.), Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson y Alec Guinness brillaron en el escenario inglés. Se les pudo ver tocando principalmente en el Old Vic Theatre y en Gielgud's Enterprise en los New y Queens Theatres.

Ubicado en Waterloo Road, el Old Vic se inauguró en el siglo XIX, pero se hizo ampliamente conocido antes de la Primera Guerra Mundial. En 1918-1923, en su escenario se representaron obras de Shakespeare, en las que actuaron los mejores actores ingleses, que abandonaron los altos honorarios del West End por el arte real. Edith Evans fue invitada a todos los teatros del West End, pero prefería un pequeño salario en el Old Vic. Desempeñó muchos papeles en las obras de Shakespeare, incluidas Catharina, Viola y Rosalind.

Shklovsky Viktor Borisovich