La ciudad fue descubierta por casualidad a finales del siglo XVI durante unas excavaciones.
Karl Bryullov. El último día de Pompeya. 1830-1833
Las excavaciones arqueológicas comenzaron aquí a mediados del siglo XVIII. Despertaron especial interés no sólo en Italia, sino en todo el mundo. Muchos viajeros intentaron visitar Pompeya, donde literalmente a cada paso había evidencia del repentino fin de la vida de la antigua ciudad.
Y en 1827, el joven artista ruso Karl Bryullov llegó a Pompeya. Lo que vio allí lo dejó atónito. Y esta foto probablemente sea el resultado de ese viaje.
Antes de comenzar a pintar el cuadro, Bryullov comienza a estudiar fuentes históricas. Lee cartas de Plinio el Joven, testigo de los hechos, al historiador romano Tácito. En busca de autenticidad, el artista también recurre a materiales procedentes de excavaciones arqueológicas; representará algunas figuras en las poses en las que se encontraron los esqueletos de las víctimas del Vesubio en la lava endurecida.
La pintura es valiosa porque casi todos los objetos fueron pintados por Bryullov a partir de objetos originales almacenados en el museo napolitano. Los dibujos, estudios y bocetos que se conservan muestran con qué insistencia el artista buscó la composición más expresiva. Y cuando el boceto del futuro lienzo estuvo listo, Bryullov reorganizó la escena una docena de veces, cambió gestos, movimientos, poses...
El lienzo representa tres veces a la condesa Yulia Pavlovna Samoilova: una mujer con una jarra en la cabeza, de pie sobre una plataforma elevada en el lado izquierdo del lienzo; una mujer que cayó muerta, tendida en la acera, y junto a ella un niño vivo (ambos presumiblemente fueron arrojados de un carro roto), en el centro del lienzo; y una madre que atrae a sus hijas hacia ella en la esquina izquierda de la imagen.
A la izquierda, al fondo, una multitud de fugitivos en las escaleras de la tumba de Scaurus. En él vemos a un artista guardando lo más preciado: una caja de pinceles y pinturas. Este es un autorretrato de Karl Bryullov.
En el otoño de 1833, el cuadro apareció en una exposición en Milán y provocó una explosión de deleite y admiración. A Bryullov le esperaba un triunfo aún mayor en casa. Expuesta en el Hermitage y luego en la Academia de las Artes, la pintura se convirtió en un motivo de orgullo patriótico. Fue recibida con entusiasmo por A.S. Pushkin:
El Vesubio abrió la boca - el humo se derramó en una nube - llamas
Ampliamente desarrollado como bandera de batalla.
La tierra está agitada - por las columnas temblorosas
¡Los ídolos caen! Un pueblo impulsado por el miedo
En multitudes, viejos y jóvenes, bajo las cenizas inflamadas,
Sale corriendo de la ciudad bajo la lluvia de piedras.
Bryullov fue comparado con los grandes. maestros italianos. Los poetas le dedicaron poemas. Fue recibido con aplausos en la calle y en el teatro. Un año después, la Academia Francesa de las Artes premió al artista por el cuadro. medalla de oro tras su participación en el Salón de París.
"Y fue el primer día de Pompeya para el pincel ruso", escribió el poeta Evgeny Baratynsky. Y, de hecho, el cuadro fue recibido triunfalmente en Roma, donde Bryullov lo pintó, y luego en Rusia, y Sir Walter Scott, de manera un tanto pomposa, calificó el cuadro de "inusual, épico". Y Nicolás I honró al artista con una audiencia personal y le otorgó a Carlos una corona de laurel, por lo que el artista fue llamado "Carlomagno".
Anatoly Demidov entregó el cuadro a Nicolás I, quien lo exhibió en la Academia de las Artes como guía para los aspirantes a pintores. Después de la inauguración del Museo Ruso en 1895, la pintura se trasladó allí y el público en general tuvo acceso a ella.
K. P. Bryullov
El último día de Pompeya. 1830—1833
Lienzo, óleo. 465,5 × 651 cm
Museo Estatal Ruso, San Petersburgo
El último día de Pompeya es un cuadro de Karl Pavlovich Bryullov, pintado en 1830-1833. La pintura tuvo un éxito sin precedentes en Italia, recibió una medalla de oro en París y fue entregada a San Petersburgo en 1834.
Karl Bryullov visitó por primera vez Nápoles y el Vesubio en julio de 1827, en el cuarto año de su estancia en Italia. No tenía ningún propósito específico para el viaje, pero había varias razones para realizarlo. En 1824, el hermano del pintor, Alexander Bryullov, visitó Pompeya y, a pesar de la moderación de su carácter, habló con entusiasmo de sus impresiones. El segundo motivo de la visita fueron los calurosos meses de verano y los casi siempre acompañantes brotes de fiebre en Roma. La tercera razón fue la reciente amistad con la princesa Yulia Samoilova, que también estaba de viaje en Nápoles.
La visión de la ciudad perdida dejó atónito a Bryullov. Permaneció en él cuatro días, recorriendo todos los rincones más de una vez. “Al ir a Nápoles ese verano, ni el propio Bryullov ni su compañero sabían que este viaje inesperado llevaría al artista a la cima más alta de su creatividad: la creación de un monumental pintura historica“El último día de Pompeya”, escribe la crítica de arte Galina Leontyeva.
En 1828, durante su siguiente visita a Pompeya, Bryullov hizo muchos bocetos para una futura pintura sobre famosa erupción Monte Vesubio en el año 79 d.C. mi. y la destrucción de esta ciudad. El lienzo se exhibió en Roma, donde recibió excelentes críticas y fue enviado al Louvre de París. Esta obra se convirtió en el primer cuadro del artista que despertó tal interés en el extranjero. Walter Scott calificó la pintura de "inusual, épica".
Tema clásico, gracias. visión artística Bryullov y el abundante juego de claroscuros dieron como resultado una obra que se sitúa varios pasos por delante del estilo neoclásico. "El último día de Pompeya" caracteriza perfectamente el clasicismo en la pintura rusa, mezclado con idealismo, un mayor interés por el plein air y el amor apasionado de esa época por estos temas históricos. La imagen del artista en la esquina izquierda del cuadro es un autorretrato del autor.
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El lienzo también representa tres veces a la condesa Yulia Pavlovna Samoilova: una mujer con una jarra en la cabeza, de pie sobre una plataforma elevada en el lado izquierdo del lienzo; una mujer que cayó muerta, tendida en la acera, y junto a ella un niño vivo (ambos presumiblemente fueron arrojados de un carro roto), en el centro del lienzo; y una madre que atrae a sus hijas hacia ella en la esquina izquierda de la imagen.
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En 1834, el cuadro "El último día de Pompeya" fue enviado a San Petersburgo. Alexander Ivanovich Turgenev dijo que esta imagen trajo gloria a Rusia e Italia. E. A. Baratynsky compuso en esta ocasión un famoso aforismo: “¡El último día de Pompeya se convirtió en el primer día del pincel ruso!” A. S. Pushkin también respondió con un poema: “¡Los ídolos caen! Un pueblo impulsado por el miedo..." (esta línea fue prohibida por la censura). En Rusia, el lienzo de Bryullov no fue percibido como un compromiso, sino como una obra exclusivamente innovadora.
Anatoly Demidov entregó el cuadro a Nicolás I, quien lo exhibió en la Academia de las Artes como guía para los aspirantes a pintores. Después de la inauguración del Museo Ruso en 1895, la pintura se trasladó allí y el público en general tuvo acceso a ella.
Pintó un lienzo grandioso en Italia. gran pintor Bryullov - "El último día de Pompeya". Se presentará una descripción de la pintura en nuestro artículo. Los contemporáneos dieron a la obra las críticas más entusiastas y el propio artista comenzó a ser llamado el Gran Carlos.
Un poco sobre K. I. Bryullov
El pintor nació en 1799 en una familia que, empezando por su bisabuelo, estaba asociada al arte. Después de graduarse de la Academia de las Artes con una medalla de oro, él y su hermano Alejandro, un talentoso arquitecto, fueron a Roma. EN Ciudad Eterna Trabaja fructíferamente, pinta retratos y cuadros que deleitan al público, a la crítica y a la realeza. Karl Bryullov trabajó en la monumental y densa estructura durante seis años. "El último día de Pompeya" (la descripción de la imagen y su percepción por parte de los italianos se puede expresar en una palabra: triunfo) se convirtió en una obra maestra para los habitantes del país. Creían que el lienzo del artista evocaba pensamientos sobre el pasado heroico de su patria en un momento en que todo el país estaba inmerso en la lucha por la libertad.
Hechos históricos
La descripción del cuadro de Bryullov "El último día de Pompeya" debe comenzar con dato interesante: el maestro visitó las excavaciones cerca del Vesubio en 1827. Esta vista simplemente lo dejó atónito. Estaba claro que la vida había terminado repentinamente en la ciudad.
En la acera se veían nuevos surcos, inscripciones de colores vivos que anunciaban el alquiler del local y los próximos espectáculos. En las tabernas, donde sólo faltaban los vendedores, en las mesas quedaban restos de tazas y cuencos.
comienzo del trabajo
Comenzamos la descripción del cuadro de Bryullov "El último día de Pompeya" con una historia de muchos años. trabajo de preparatoria artista, lo que le llevó tres años. En primer lugar, se realizó un boceto compositivo a partir de nuevas impresiones.
Posteriormente, el artista comenzó a estudiar documentos históricos. El artista encontró la información que necesitaba en las cartas de un testigo de este desastre natural y del famoso historiador romano Tácito. Describen un día envuelto en la oscuridad, multitudes de personas corriendo, sin saber hacia dónde correr, gritos, gemidos... Algunos lloraron su muerte inevitable, otros lloraron la muerte de sus seres queridos. Por encima de las figuras que corren hay un cielo oscuro con zigzagueos de relámpagos. Además, el artista creó cada vez más bocetos nuevos, escribió varios grupos gente, cambió la composición. Esta constituye una descripción preliminar del cuadro de Bryullov “El último día de Pompeya”. Inmediatamente tuvo claro el lugar donde se desarrolla la acción: la intersección de la Calle de las Tumbas. Tan pronto como Bryullov imaginó un trueno desgarrador y estruendoso, imaginó vívidamente cómo toda la gente se quedó paralizada... A su miedo se añadió un nuevo sentimiento: la inevitabilidad de la tragedia. Esto se reflejó en última composición artista y compone una descripción del cuadro de Bryullov "El último día de Pompeya". Los materiales procedentes de excavaciones arqueológicas proporcionaron al artista objetos cotidianos para sus lienzos. Los vacíos que se formaron en la lava conservaron los contornos de algunos cuerpos: una mujer cayó de un carro, aquí hay hijas y una madre, aquí hay esposas jóvenes. El artista tomó prestada la imagen de una madre y un joven de Plinio.
Trabajo desinteresado
El trabajo en el enorme lienzo duró tres años. Rafael tuvo una gran influencia en el diseño compositivo y plástico, en las características y descripción del cuadro de Bryullov "El último día de Pompeya". El artista estudió previamente con él, copiando los frescos “Fuego en Borgo” y “La Escuela de Atenas”, donde aparecen unos cuarenta personajes. ¿Cuántos héroes se representan en el lienzo de múltiples figuras de Bryullov? Al trabajar en la pintura, fue muy importante introducir a sus contemporáneos en ella, acercando épocas lejanas. Así apareció en el lienzo el retrato del atleta Marini, la figura paterna en el grupo familiar.
Bajo el pincel del artista aparece la imagen de su modelo favorita, ya sea en forma de niña o en forma de madre. Y. Samoilova fue la encarnación de su ideal, que brillaba con el poder y la pasión de la belleza. Su imagen llenó la imaginación del artista y todas las mujeres en su lienzo adquirieron los rasgos que amaba el maestro.
Composición del cuadro: una combinación de romanticismo y clasicismo.
Bryullov combina audazmente romanticismo y clásicos en su lienzo (“El último día de Pompeya”). La descripción de la pintura se puede describir brevemente de tal manera que en la composición el maestro no intentó encerrar todo en triángulos clásicos. Además, escuchando la voz del romanticismo, representó una escena folclórica masiva, violando el principio clásico del bajorrelieve. La acción se desarrolla adentrándose en el lienzo: un hombre se ha caído de su carro y es arrastrado por unos caballos asustados. La mirada del espectador lo sigue involuntariamente hacia el abismo, hacia el ciclo de los acontecimientos.
Pero el pintor no abandonó todas las ideas desapasionadas del clasicismo. Sus personajes son hermosos por fuera y por dentro. El horror de su situación queda eclipsado por la belleza ideal de los personajes. Esto suaviza la tragedia de su condición para el espectador. Además, la composición utiliza la técnica del contraste entre pánico y calma.
Composición de acción
En un lienzo lleno de movimiento, el ritmo de los gestos de las manos y los movimientos del cuerpo es muy importante. Las manos protegen, protegen, abrazan, se extienden hacia el cielo con ira y caen impotentes. Como las esculturas, sus formas son tridimensionales. Quiero caminar alrededor de ellos para verlos más de cerca. El contorno envuelve claramente cada figura. Esta técnica clásica no fue rechazada por los románticos.
Color del lienzo
El día del desastre es trágicamente sombrío. La oscuridad, completamente impenetrable, se cernía sobre la gente en apuros. Estas nubes negras de humo y cenizas son destrozadas por un rayo brillante y agudo. El horizonte se llena con la luz roja sangre de un fuego. Sus reflejos caen sobre edificios y columnas que caen, sobre personas (hombres, mujeres, niños), añadiendo aún más tragedia a la situación y mostrando la inevitable amenaza de muerte. Bryullov se esfuerza por lograr una iluminación natural, violando los requisitos del clasicismo. Capta sutilmente los reflejos de la luz y los combina con distintos claroscuros.
Personajes de personajes de lienzo.
La descripción y el análisis del cuadro de Bryullov "El último día de Pompeya" estarán incompletos sin considerar a todas las personas que actúan en el cuadro. Ha llegado el día para ellos. Juicio Final: piedra edificios monumentales colapsan como el papel de los terremotos. Hay rugidos por todas partes, gritos de auxilio, oraciones a los dioses que abandonaron a los desafortunados. Esencia alma humana completamente desnudo ante la muerte. Todos los grupos, que son esencialmente retratos, están de cara al espectador.
Lado derecho
Entre la nobleza hay personajes viles: un ladrón egoísta que lleva joyas con la esperanza de sobrevivir. Un sacerdote pagano que huye e intenta salvarse, olvidando que debe rezar a los dioses pidiendo misericordia. Miedo y confusión en la composición de una familia cubierta con una manta... Así se describe el cuadro de Bryullov “El último día de Pompeya”. La foto de la obra maestra del artículo muestra en detalle cómo el joven padre levanta la mano al cielo en oración.
Los niños, abrazados a su madre, se arrodillaron. Están inmóviles y simplemente esperan un destino terrible e inevitable. No hay nadie que los ayude. Un cristiano con el pecho desnudo y una cruz cree en una resurrección futura.
Sólo una figura está tranquila: el artista.
Su tarea es superar el miedo a la muerte y capturar para siempre la tragedia. Bryullov, al introducir su retrato en la imagen, muestra al maestro como testigo del drama que se desarrolla.
Centro y lado izquierdo del lienzo.
En el centro hay una joven madre que ha muerto al caer y es abrazada por un bebé que no comprende. Este es un episodio muy trágico. El difunto simboliza la muerte del mundo antiguo.
Los hijos desinteresados cargan con un padre anciano e impotente. Están llenos de amor por él y no piensan en absoluto en su propia salvación.
El joven convence a su madre, que está sentada exhausta, para que se levante y vaya a salvarse. Es difícil para dos personas, pero la nobleza no se lo permite al joven. hombre joven Deja a la anciana.
El joven mira fijamente el rostro de la tierna novia, que ha perdido completamente la fortaleza por el rugido que lo rodea, la visión de la muerte, el resplandor de fuego que les promete la muerte.
No abandona a su amada, aunque la muerte puede alcanzarla en cualquier momento.
La obra maestra "El último día de Pompeya" de K. Bryullov estaba destinada a convertirse en una pintura clave en la historia del arte. Captó el espíritu de la época y creó un lienzo sobre aquellos que saben sacrificarlo todo por el bien de sus seres queridos. Sobre la gente corriente cuyo conceptos morales se mantienen inconmensurablemente altos durante las pruebas severas. El espectáculo de la valentía con que soportan la pesada carga que les ha tocado debería servir como ejemplo de cómo actuar en cualquier época y en cualquier lugar. amor verdadero a una persona.
Publicaciones en la sección Museos
Una antigua tragedia romana que se convirtió en el triunfo de Karl Bryullov.
El 23 de diciembre de 1799 nació Karl Bryullov. Karl, hijo del escultor francés Paul Brulleau, era uno de los siete hijos de la familia. Sus hermanos Pavel, Ivan y Fedor también se convirtieron en pintores, y su hermano Alejandro, arquitecto. Sin embargo, el más famoso fue Karl, que pintó “El último día de Pompeya” en 1833, la obra principal de su vida. “Kultura.RF” recordó cómo se creó este cuadro.
Karl Bryullov. Auto retrato. 1836
Historia de la creación
El cuadro fue pintado en Italia, donde en 1822 el artista realizó un viaje de retiro desde Academia Imperial artes durante cuatro años. Pero vivió allí durante 13 años.
La trama habla de la antigua tragedia romana: la muerte de la antigua ciudad de Pompeya, ubicada al pie del Vesubio: el 24 de agosto del 79 d.C. mi. La erupción volcánica se cobró la vida de dos mil habitantes.
En 1748, el ingeniero militar Rocque de Alcubierre inició Excavaciones arqueológicas en el lugar de la tragedia. El descubrimiento de Pompeya causó sensación y se reflejó en la creatividad. Gente diferente. Entonces, en 1825 apareció la ópera de Giovanni Pacini, y en 1834 - novela histórica El inglés Edward Bulwer-Lytton, dedicado a la destrucción de Pompeya.
Bryullov visitó por primera vez el sitio de excavación en 1827. Al ir a las ruinas, el artista de 28 años no tenía idea de que este viaje resultaría fatídico para él: "No puedes pasar por estas ruinas sin sentir un sentimiento completamente nuevo dentro de ti, que te haga olvidar todo excepto el terrible incidente con esta ciudad"., escribió el artista.
Los sentimientos que Karl Bryullov experimentó durante las excavaciones no lo abandonaron. Así nació la idea del lienzo. tema historico. Mientras trabajaba en la trama, el pintor estudió arqueología y fuentes literarias. “Tomé este paisaje de la vida, sin retroceder ni agregar nada, colocándome de espaldas a las puertas de la ciudad para ver parte del Vesubio como razón principal» . Los modelos de los personajes fueron los italianos, descendientes de los antiguos habitantes de Pompeya.
En la intersección del clasicismo y el romanticismo.
En esta obra, Bryullov se revela no como un clasicista tradicional, sino como un artista de dirección romántica. Así, su trama histórica está dedicada no a un héroe, sino a la tragedia de todo un pueblo. Y como trama, no eligió una imagen o idea idealizada, sino un hecho histórico real.
Es cierto que Bryullov construye la composición de la pintura en las tradiciones del clasicismo, como un ciclo de episodios individuales encerrados en un triángulo.
En el lado izquierdo de la imagen, al fondo, hay varias personas en las escaleras. gran edificio tumbas de Escauro. Una mujer mira directamente al espectador, con horror en sus ojos. Y detrás de ella hay un artista con una caja de pinturas en la cabeza: este es un autorretrato de Bryullov, que vive una tragedia junto con sus personajes.
Más cerca del espectador - Pareja casada con niños que intenta escapar de la lava, y en primer plano una mujer abraza a sus hijas... A su lado está un sacerdote cristiano que ya ha confiado su destino a Dios y, por tanto, está tranquilo. En el fondo de la imagen vemos a un sacerdote romano pagano que intenta escapar llevándose objetos de valor rituales. Aquí Bryullov insinúa la caída del antiguo mundo pagano de los romanos y el inicio de la era cristiana.
En el lado derecho de la imagen, al fondo, hay un jinete montado en un caballo encabritado. Y más cerca del espectador está el novio, presa del horror, que intenta tener en brazos a su novia (lleva una corona de rosas), que ha perdido el conocimiento. En primer plano, dos hijos llevan a su anciano padre en brazos. Y junto a ellos hay un joven que le ruega a su madre que se levante y huya lejos de este elemento que todo lo consume. Por cierto, este joven no es otro que Plinio el Joven, quien efectivamente escapó y dejó sus recuerdos de la tragedia. He aquí un extracto de su carta a Tácito: “Miro hacia atrás. Una espesa niebla negra, que se extendía como un arroyo por el suelo, nos alcanzó. La noche había caído por todas partes, a diferencia de una noche sin luna o nublada: solo oscurece hasta cierto punto en una habitación cerrada con las luces apagadas. Se escuchaban gritos de mujeres, chillidos de niños y gritos de hombres; algunos llamaban a sus padres, otros a sus hijos o esposas y trataban de reconocerlos por sus voces. Algunos lloraron su propia muerte, otros la muerte de sus seres queridos, algunos, por miedo a la muerte, rezaron por la muerte; muchos levantaron la mano a los dioses; la mayoría explicó que no había dioses en ninguna parte y para el mundo esta era la última noche eterna”..
No hay un personaje principal en la imagen, pero sí los centrales: un niño de cabello dorado cerca del cuerpo postrado de su madre muerta con una túnica amarilla, símbolo de la caída del viejo mundo y el nacimiento de uno nuevo. ésta es la oposición entre la vida y la muerte, en las mejores tradiciones del romanticismo.
En esta imagen, Bryullov también se mostró como un innovador, utilizando dos fuentes de luz: una luz roja caliente en el fondo, que transmite la sensación de lava acercándose, y un azul verdoso frío en primer plano, lo que agrega dramatismo adicional a la trama.
El color brillante y rico de esta imagen también viola tradiciones clásicas y nos permite hablar del artista como un romántico.
Cuadro procesión triunfal
Karl Bryullov trabajó en el lienzo durante seis años, de 1827 a 1833.
El cuadro se presentó por primera vez al público en 1833 en una exposición en Milán e inmediatamente causó sensación. El artista fue honrado como un triunfo romano y la prensa escribió críticas elogiosas sobre la pintura. Bryullov fue recibido con aplausos en la calle, y durante sus viajes a las fronteras de los principados italianos no le exigieron pasaporte: se creía que todos los italianos ya lo conocían de vista.
En 1834 se presentó en el Salón de París El último día de Pompeya. crítica francesa Resultó más comedido que el italiano. Pero los profesionales apreciaron el trabajo y le entregaron a Bryullov una medalla de oro de la Academia Francesa de las Artes.
El lienzo causó sensación en Europa y fue esperado con impaciencia en Rusia. Ese mismo año fue enviado a San Petersburgo. Después de ver la pintura, Nicolás I expresó su deseo de conocer personalmente al autor, pero el artista viajó con el conde Vladimir Davydov a Grecia y no regresó a su tierra natal hasta diciembre de 1835.
11 de junio de 1836 en el Salón Redondo Academia Rusa donde se exhibió el cuadro “El último día de Pompeya”, se reunieron invitados de honor, miembros de la Academia, artistas y simplemente amantes del arte. El autor del cuadro, "el gran Carlos", fue llevado al salón en brazos ante los gritos entusiastas de los invitados. “Se podría decir que multitudes de visitantes irrumpieron en los pasillos de la Academia para contemplar Pompeya”., escribe un contemporáneo y testigo de ese éxito, como ningún artista ruso ha conocido jamás.
El cliente y propietario del cuadro, Anatoly Demidov, lo regaló al emperador y Nicolás I lo colocó en el Hermitage, donde permaneció durante 60 años. Y en 1897 fue trasladado al Museo Ruso.
La imagen literalmente emocionó a todo. sociedad rusa y las mejores mentes de la época.
Trofeos de arte de la paz
Lo trajiste al dosel de tu padre.
Y hubo el "Último Día de Pompeya"
¡Primer día para el pincel ruso! -
El poeta Evgeny Boratynsky escribió sobre la pintura.
Alexander Pushkin también le dedicó poemas:
El Vesubio abrió la boca: el humo brotó en una nube, llamas
Ampliamente desarrollado como bandera de batalla.
La tierra está agitada - por las columnas temblorosas
¡Los ídolos caen! Un pueblo impulsado por el miedo
Bajo la lluvia de piedras, bajo las cenizas inflamadas,
Multitudes, jóvenes y viejos, huyen de la ciudad.
Mikhail Lermontov también menciona "El último día de Pompeya" en la novela "La princesa Ligovskaya": “Si amas el arte, te puedo dar una muy buena noticia: el cuadro de Bryullov “El último día de Pompeya” irá a San Petersburgo. Toda Italia sabía de ella, los franceses la reprendieron”., - Lermontov conocía claramente las críticas de la prensa parisina.
El historiador y viajero ruso Alexander Turgenev dijo que esta imagen era la gloria de Rusia e Italia.
Y Nikolai Gogol dedicó un largo artículo al cuadro, escribiendo: “Su pincel contiene la poesía que sólo se siente y siempre se puede reconocer: nuestros sentimientos siempre conocen y ven incluso rasgos distintivos, pero las palabras nunca los dirán. Su color es tan brillante que casi nunca antes lo había sido, sus colores arden y llaman la atención. Serían insoportables si el artista apareciera en un nivel inferior al de Bryullov, pero con él están revestidos de esa armonía y respiran esa música interior que llena los objetos vivos de la naturaleza”..
15 de agosto de 2011, 16:39
1833 Óleo sobre lienzo. 456,5 x 651 cm
Museo Estatal Ruso, San Petersburgo
La pintura de Bryullov se puede llamar completa, universal.
creación. Todo estaba contenido en ella.
Nicolás Gógol.
La noche del 24 al 25 de agosto del 79 d.C. mi. erupción del Vesubio Las ciudades de Pompeya, Herculano y Estabia fueron destruidas. En 1833 Karl Bryullov escribió su famoso cuadro "El último día de Pompeya".
Es difícil nombrar una imagen que hubiera tenido el mismo éxito entre los contemporáneos que "El último día de Pompeya". Tan pronto como se completó el lienzo, el taller romano de Karl Bryullov sufrió un verdadero asedio. "ENToda Roma acudió en masa para ver mi cuadro”., - escribió el artista. Expuesto en 1833 en Milán."Pompeya" Literalmente sorprendió a la audiencia. Los periódicos y las revistas estaban llenos de críticas elogiosas,Bryullov fue llamado el Tiziano viviente, el segundo Miguel Ángel, el nuevo Rafael...
Se celebraron cenas y recepciones en honor del artista ruso y se le dedicaron poemas. Tan pronto como Bryullov apareció en el teatro, la sala estalló en aplausos. El pintor era reconocido en las calles, colmado de flores y, en ocasiones, la celebración terminaba con aficionados que lo llevaban en brazos cantando.
En 1834 la pintura, opcional.cliente, industrial A.N. Demidova, fue expuesto en el Salón de París. La reacción del público aquí no fue tan calurosa como en Italia (¡están celosos! - explicaron los rusos), pero “Pompeya” recibió la medalla de oro de la Academia Francesa de Bellas Artes.
El entusiasmo y el entusiasmo patriótico con el que la pintura fue recibida en San Petersburgo es difícil de imaginar: gracias a Bryullov, la pintura rusa dejó de ser una diligente estudiante de los grandes italianos y creó una obra que deleitó a Europa.El cuadro fue donado. Demídov nicolás I , quien la colocó brevemente en Ermita Imperial y luego dio Academia letras
Según las memorias de un contemporáneo, “se podría decir que multitudes de visitantes irrumpieron en los pasillos de la Academia para contemplar Pompeya”. Hablaron de la obra maestra en los salones, compartieron opiniones en correspondencia privada y tomaron notas en diarios. Se le dio a Bryullov el apodo honorífico de "Carlomagno".
Impresionado por la pintura, Pushkin escribió un poema de seis versos:
“El Vesubio se abrió - el humo se derramó en una nube - llamas
Ampliamente desarrollado como bandera de batalla.
La tierra está agitada - por las columnas temblorosas
¡Los ídolos caen! Un pueblo impulsado por el miedo
Bajo la lluvia de piedras, bajo las cenizas inflamadas,
En multitudes, viejos y jóvenes, huyendo de la ciudad”.
Gogol dedicó " El último día Pompeya" es maravillosa artículo en profundidad, y el poeta Evgeny Baratynsky expresó el júbilo general con una conocida improvisación:
«
Trajiste trofeos de la paz
Contigo al dosel de tu padre,
Y se convirtió en “El último día de Pompeya”
¡Primer día para el pincel ruso!
El entusiasmo desmesurado ha disminuido hace tiempo, pero aún hoy la pintura de Bryullov causa una fuerte impresión, que va más allá de los sentimientos que la pintura, incluso una muy buena, suele evocarnos. ¿Qué pasa?
"Calle de la tumba" En el fondo se encuentra la Puerta de Herculana.
Fotografía de la segunda mitad del siglo XIX.
Desde que comenzaron las excavaciones en Pompeya, a mediados del siglo XVIII, ha despertado el interés por esta ciudad, que fue destruida por la erupción del Vesubio en el año 79 d.C. e., no se desvaneció. Los europeos acudieron en masa a Pompeya para pasear por las ruinas, liberadas de una capa de ceniza volcánica petrificada, admirar frescos, esculturas, mosaicos y maravillarse con los hallazgos inesperados de los arqueólogos. Las excavaciones atrajeron a artistas y arquitectos; los grabados con vistas de Pompeya estaban de gran moda.
Bryullov , que visitó las excavaciones por primera vez en 1827, transmitió con mucha precisiónun sentimiento de empatía por los acontecimientos de hace dos mil años, que cubre a todos los que vienen a Pompeya:“La visión de estas ruinas me hizo transportar involuntariamente a una época en la que estos muros aún estaban habitados /.../. No puedes pasar por estas ruinas sin sentir un sentimiento completamente nuevo dentro de ti, que te haga olvidar todo excepto el terrible incidente con esta ciudad”.
Expresa este “nuevo sentimiento”, crea nueva imagen antigüedad: no abstractamente museística, sino holística y pura, por lo que el artista se esforzó en su pintura. Se acostumbró a la época con la minuciosidad y el cuidado de un arqueólogo: de cinco años extra para crear el lienzo en sí con un área de 30 metros cuadrados Sólo tomó 11 meses; el resto del tiempo se dedicó a los trabajos preparatorios.
“Tomé este paisaje completamente de la vida, sin retroceder ni agregar nada, estando de espaldas a las puertas de la ciudad para ver parte del Vesubio como la razón principal”, compartió Bryullov en una de sus cartas.Pompeya tenía ocho puertas, peroAdemás, el artista mencionó “la escalera que conduce a Sepolcri Sc au ro " - la tumba monumental del eminente ciudadano Scaurus, y esto nos da la oportunidad de establecer con precisión el lugar de acción elegido por Bryullov. Estamos hablando de la Puerta Herculana de Pompeya ( Puerto de Ercolano ), detrás de la cual, ya fuera de la ciudad, comenzaba la “Calle de las Tumbas” ( Via dei Sepolcri) - un cementerio con magníficas tumbas y templos. Esta parte de Pompeya estaba en la década de 1820. ya estaba bien despejado, lo que permitió al pintor reconstruir la arquitectura sobre el lienzo con la máxima precisión.
Tumba de Escauro. Reconstrucción del siglo XIX.
Al recrear la imagen de la erupción, Bryullov siguió las famosas cartas de Plinio el Joven a Tácito. El joven Plinio sobrevivió a la erupción en el puerto marítimo de Miseno, al norte de Pompeya, y describió detalladamente lo que vio: casas que parecían moverse de su lugar, llamas que se extendían ampliamente por el cono del volcán, trozos calientes de piedra pómez cayendo del cielo. , fuerte lluvia de cenizas, oscuridad negra e impenetrable, zigzags de fuego, como relámpagos gigantes... Y Bryullov transfirió todo esto al lienzo.
Los sismólogos se sorprenden de lo convincente que describió un terremoto: al observar las casas que se derrumban, se puede determinar la dirección y la fuerza del terremoto (8 puntos). Los vulcanólogos señalan que la erupción del Vesubio fue escrita con toda la precisión posible para esa época. Los historiadores afirman que la pintura de Bryullov se puede utilizar para estudiar la cultura romana antigua.
Para capturar de manera confiable el mundo de la antigua Pompeya destruida por la catástrofe, Bryullov tomó como muestras objetos y restos de cuerpos encontrados durante las excavaciones y realizó innumerables bocetos en el Museo Arqueológico de Nápoles. El método de restaurar las poses agonizantes de los muertos vertiendo cal en los huecos formados por los cuerpos se inventó recién en 1870, pero incluso durante la creación de la imagen, los esqueletos descubiertos en cenizas petrificadas atestiguaron las últimas convulsiones y gestos de las víctimas. . Una madre abrazando a sus dos hijas; una joven que murió al caer de un carro que chocó contra un adoquín que había sido arrancado del pavimento por un terremoto; personas en las escaleras de la tumba de Scaurus, protegiéndose la cabeza de los desprendimientos de rocas con taburetes y platos: todo esto no es producto de la imaginación del pintor, sino una realidad recreada artísticamente.
En el lienzo vemos personajes dotados de rasgos de retrato del propio autor y de su amada, la condesa Yulia Samoilova. Bryullov se retrató a sí mismo como un artista que llevaba una caja de pinceles y pinturas en la cabeza. Los bellos rasgos de Julia se reconocen cuatro veces en la imagen: una niña con un recipiente en la cabeza, una madre abrazando a sus hijas, una mujer que aprieta a su bebé contra su pecho, una noble pompeyana que se cayó de un carro roto. El autorretrato y los retratos de su amigo son la mejor prueba de que, en su penetración en el pasado, Bryullov realmente se acercó al acontecimiento, creando para el espectador un "efecto de presencia", convirtiéndolo, por así decirlo, en partícipe de lo que estaba ocurriendo. sucediendo.
Fragmento de la imagen:
autorretrato de Bryullovy un retrato de Yulia Samoilova.
Fragmento de la imagen:
"triángulo" compositivo: una madre abrazando a sus hijas.
La pintura de Bryullov agradó a todos, tanto a los académicos estrictos, partidarios de la estética del clasicismo como a aquellos que valoraban la novedad en el arte y para quienes “Pompeya” se convirtió, en palabras de Gogol, “ resurrección brillante cuadro."Esta novedad llegó a Europa gracias al viento fresco del romanticismo. El mérito de la pintura de Bryullov suele verse en el hecho de que el brillante graduado de la Academia de las Artes de San Petersburgo estaba abierto a las nuevas tendencias. Al mismo tiempo, la capa clasicista de la pintura a menudo se interpreta como una reliquia, un tributo inevitable del artista al pasado rutinario. Pero parece que es posible dar otro giro al tema: la fusión de dos “ismos” resultó fructífera para la película.
La lucha desigual y fatal del hombre con los elementos: tal es el patetismo romántico de la imagen. Se basa en fuertes contrastes entre la oscuridad y la luz desastrosa de la erupción, el poder inhumano de la naturaleza sin alma y la alta intensidad de los sentimientos humanos.
Pero también hay algo más en el cuadro que se opone al caos de la catástrofe: un núcleo inquebrantable en un mundo que se tambalea hasta sus cimientos. Este núcleo es el equilibrio clásico de la composición más compleja, que salva la imagen de sentimiento trágico desesperación. La composición, construida según las "recetas" de los académicos - los "triángulos" ridiculizados por las generaciones posteriores de pintores, en los que caben grupos de personas, masas equilibradas a derecha e izquierda - se lee en el contexto vivo y tenso de la imagen. de una manera completamente diferente a la de los secos y mortíferos lienzos académicos.
Fragmento de la imagen: una familia joven.
En primer plano se ve una acera dañada por un terremoto.
Fragmento del cuadro: la mujer pompeyana muerta.
“El mundo sigue siendo armonioso en sus fundamentos”: este sentimiento surge inconscientemente en el espectador, en parte al contrario de lo que ve en el lienzo. El mensaje esperanzador del artista no se lee a nivel de la trama del cuadro, sino a nivel de su solución plástica.El elemento romántico salvaje es dominado por una forma clásicamente perfecta, Y En esta unidad de opuestos reside otro secreto del atractivo del lienzo de Bryullov.
La película cuenta muchas historias emocionantes y conmovedoras. Aquí hay un joven desesperado mirando el rostro de una chica con una corona de boda, que ha perdido el conocimiento o ha muerto. Aquí hay un joven que convence a una anciana sentada, agotada de algo. Esta pareja se llama “Plinio con su madre” (aunque, como recordamos, Plinio el Joven no estaba en Pompeya, sino en Miseno): en una carta a Tácito, Plinio le transmite su disputa con su madre, quien instó a su hijo a irse. ella y huyó sin demora, pero él no aceptó dejar a la débil mujer. Un guerrero con casco y un niño llevan a un anciano enfermo; Un bebé que sobrevivió milagrosamente a una caída de un carro abraza madre muerta; el joven levantó la mano, como desviando el golpe de los elementos de su familia, el bebé en brazos de su esposa, con curiosidad infantil, se acerca al pájaro muerto. La gente intenta llevarse lo más preciado: un sacerdote pagano, un trípode, un cristiano, un incensario, un artista, pinceles. La fallecida llevaba joyas que nadie necesita y que ahora están tiradas en la acera.
Fragmento del cuadro: Plinio con su madre.
Fragmento de la imagen: terremoto - “caen ídolos”.
Una carga argumental tan poderosa en una imagen puede ser peligrosa para la pintura, haciendo del lienzo una "historia en imágenes", pero en la obra de Bryullov la calidad literaria y la abundancia de detalles no destruyen integridad artística pinturas. ¿Por qué? Encontramos la respuesta en el mismo artículo de Gogol, quien compara la pintura de Bryullov “en su inmensidad y combinación de todo lo bello en sí mismo con la ópera, si tan solo la ópera fuera verdaderamente una combinación del triple mundo de las artes: pintura, poesía, música” ( Por poesía, Gogol obviamente se refería a literatura).
Esta característica de "Pompeya" se puede describir en una palabra: sintetización: la imagen conecta orgánicamente trama dramática, entretenimiento brillante y polifonía temática, similar a la música. (Por cierto, la base teatral de la imagen fue prototipo real- La ópera de Giovanni Paccini “El último día de Pompeya”, que durante los años que el artista trabajó en el lienzo, se representó en el Teatro Napolitano San Carlo. Bryullov conocía bien al compositor, escuchó la ópera varias veces y tomó prestados trajes para sus modelos.)
Guillermo Turner. Erupción del Vesubio. 1817
Entonces la imagen se parece escena final monumental representación de ópera: el escenario más expresivo está reservado para el final, todo historias conectar y temas musicales entrelazados en un todo polifónico complejo. Esta performance pictórica es similar tragedias antiguas, en el que la contemplación de la nobleza y el coraje de los héroes frente al destino inexorable lleva al espectador a la catarsis: la iluminación espiritual y moral. El sentimiento de empatía que nos invade frente a la imagen es similar al que experimentamos en el teatro, cuando lo que sucede en el escenario nos hace llorar, y estas lágrimas traen alegría al corazón.
Gavin Hamilton. Los napolitanos presencian la erupción del Vesubio.
Segunda planta. siglo 18
La pintura de Bryullov es increíblemente hermosa: tamaño enorme: cuatro metros y medio por seis metros y medio, impresionantes "efectos especiales", personas divinamente construidas, como personas que cobran vida. estatuas antiguas. “Sus figuras son hermosas a pesar del horror de su situación. Lo ahogan con su belleza”, escribió Gogol, captando con sensibilidad otro rasgo de la imagen: la estetización del desastre. La tragedia de la muerte de Pompeya y, más ampliamente, de toda la civilización antigua se nos presenta como un espectáculo increíblemente hermoso. ¿De qué valen estos contrastes: la nube negra que presiona sobre la ciudad, la llama brillante en las laderas del volcán y los relámpagos despiadadamente brillantes, estas estatuas capturadas en el momento mismo de la caída y los edificios que se derrumban como cartón...
La percepción de las erupciones del Vesubio como espectáculos grandiosos organizados por la propia naturaleza apareció ya en el siglo XVIII; incluso se crearon máquinas especiales para imitar la erupción. Esta “moda volcánica” fue introducida por el enviado británico al Reino de Nápoles, Lord William Hamilton (esposo de la legendaria Emma, amiga del almirante Nelson). Apasionado vulcanólogo, estaba literalmente enamorado del Vesubio e incluso construyó una villa en la ladera del volcán para admirar cómodamente las erupciones. Observaciones del volcán cuando estaba activo (ocurrieron varias erupciones en los siglos XVIII y XIX), descripciones verbales y bocetos de sus cambiantes bellezas, subiendo al cráter: tales eran los entretenimientos de la élite napolitana y de los visitantes.
Observa con gran expectación los desastrosos y hermosos juegos de la naturaleza, incluso si esto significa hacer equilibrios en el cráter. volcán activo, es característico del hombre. Este es el mismo "éxtasis en la batalla y el oscuro abismo en el borde", sobre el que Pushkin escribió en "Pequeñas tragedias", y que Bryullov transmitió en su lienzo, que nos hace admirar y horrorizar durante casi dos siglos.
Pompeya moderna
Marina Agranovskaya