Julio performance universo expresión de las ardillas. Teatro en Malaya Bronnaya. Actuación "Ardilla". Lev Dodin restauró su legendaria obra "Hermanos y hermanas"

No hay otra manera de decirlo...
Tengo este mal hábito: cuando veo alguna película “ambigua y contradictoria” (menos a menudo una obra de teatro), la miro hasta el final, sin importar el costo. Hago esto porque hasta el último momento espero una sorpresa de los creadores de esta película “ambigua y contradictoria” (menos a menudo una obra de teatro). Los créditos finales ya están cerca y sigo creyendo que el director y los actores están a punto de ofrecer una escena increíble, que toda esta “ambigüedad e inconsistencia” desaparecerá y estaré satisfecho.
Mi ingenuidad rara vez fue recompensada...
Sí, casi nunca...

La obra (que no debe confundirse con la representación) desde el principio tenía todos los signos de ser “ambigua y contradictoria”. No sin giros argumentales y personajes "pegadizos" (hay que rendir homenaje), y, sin embargo. Su esencia se reducía al hecho de que a lo largo de toda la obra se mataba sistemáticamente a personas, y toda la culpa de esto recaía en los animales...

Lo que me ayudó a no desesperarme en el camino de superar esta Historia fue, por supuesto, el CONJUNTO DE ACTORES... En ellos confié desde el primer hasta el último minuto de la actuación. ¿Qué destacaría a alguien? Por supuesto, maestros ( “Liliana Borisovna” - Vera Babicheva y “Fevralev” - Vladimir Yavorsky) se destacó un poco de la juventud. Pero se destacaron tan armoniosamente que más bien elevaron a todos los demás a su nivel impecable...

Y a pesar de que la obra seguía siendo “ambigua y contradictoria”, el Ritual (movimientos escénicos), habiendo llamado la atención del público, corrigió la situación. La coreografía, la música, las canciones, los atributos, los movimientos de los actores, sus interacciones ayudaron...

Pero en general, la “Historia” nunca dejó de ser “ambigua y contradictoria”. Y ya estaba escribiendo mentalmente las líneas de mi reseña, que debería haber terminado con las palabras: “desafortunadamente, con un Ritual, incluso el más impecable, no es posible salvar toda la Historia si el Mito que contiene deja mucho por hacer. deseado..."

Pero entonces pasó algo que... a veces, pero pasa... por ejemplo en el fútbol, ​​cuando el equipo al que apoyas, mostrando durante todo el partido un juego muy inferior en potencial al del rival, mete un gol en el último minuto. . Y este objetivo le permite ganar por completo o avanzar a la siguiente etapa de la competencia...

Perdonas todo a este equipo...

Algo similar sucedió en “Ardilla”... En el escenario, que con toda su atmósfera presagiaba un final cerrado, se reunieron seis cadáveres (bueno, es decir, personas que murieron sanas y salvas durante el transcurso de la obra). Además, no se reunieron como en Hamlet, cuando el cuerpo esparcido al azar de cada uno cantaba la tragedia, sino que de alguna manera se reunieron de manera cotidiana... Se reunieron de manera sociable... Y lo más probable es que no fueran cadáveres, sino espíritu...

Y en tal puesta en escena, “Liliana Borisovna” pronuncia una frase que, en su estado interno, bien podría competir con el estribillo de Carlson (de la obra de Astrid Lingren): “¡Nada! ¡Es un asunto de todos los días!..."

Ella dice: “...qué exactamente... Simplemente hicimos “esto y aquello” y “aquello”, lo que llevó a “tal y tal” y “aquello”... Belka (así se llamaba el personaje principal) , también fue el último en morir ), ¿quieres un níscalo de leche de azafrán?..."

En un instante, todo el peso de “ambigüedad e inconsistencia” se convirtió en un alegre HIMNO AL AMOR A LA VIDA...
La nube restante de "un sueño no muy agradable" fue disipada por la alegre interpretación del coro de niños de "Waltzing Matilda", que estaba acostumbrado a escuchar interpretada por el ronco y brutal Tom Waits, donde más bien compartía "la vanidad de todas las cosas". ...”

Pero “a veces es gasolina y a veces son niños…”

Contraste y ruptura de patrones... y la Muerte fue... no, no vencida...
Con ella se concluyó una “alianza de colaboración”. Se le mostraron los límites de sus derechos y responsabilidades, después de lo cual nadie tuvo miedo de ella...

¡Fue genial!

Sinceramente aplaudí cuando los artistas se inclinaron. Se merecen mi sacrificio de EMPATÍA... ¡¡¡Bien hecho!!!

Regresé a casa casi saltando. Me daba vueltas en la cabeza como loco...
"Bailando Matilda, Bailando Matilda, Vendrás bailando Matilda conmigo..."

PD El narrador está obligado a vencer la muerte (incluso cuando todos han muerto)… y dar al oyente la Resurrección…

La idea de Lev Dodin de revivir la actuación es artísticamente precisa y noble. Hemos vivido décadas de cinismo y mentiras descaradas, y aún no hemos terminado. A la nueva generación que reescribe la historia, olvidándola. mejores paginas la vida no es fácil. El regreso de la obra es un retorno a las altas tradiciones del teatro ruso con su espíritu cívico, que hoy ha sido expulsado del teatro. Y esta tarea recayó en los actores de la nueva generación.

Periódico Nezavisimaya

Lev Dodin restauró su legendaria obra "Hermanos y hermanas"

Galina Kovalenko

En cuanto a la complejidad de la puesta en escena, el trabajo de luz, sonido y escenografía, poco puede compararse con esta producción, ni siquiera por parte del propio Dodin. Cómo funciona aquí la grandiosa escenografía de Eduard Kochergin, su plataforma de cortina de madera, sus pajareras sobre postes largos, sus postes giratorios de madera que rodean el escenario: viven su propia vida separada y significativa. Cómo se construyen las transiciones rítmicas. ¡Qué riqueza de puestas en escena, donde la vida cotidiana y la existencia se fusionan, la vida de Pekashin en el destino del pueblo!

Nuevas noticias

"Los hermanos y hermanas que tanto amamos"

Olga Egoshina

Los jóvenes actuales de MDT también realizaron este ritual: también cortaron, sembraron, fueron a talar, conocieron los prototipos de los héroes de Abramov o sus familiares. En una palabra, experimentamos todo aquello sin lo cual no tiene sentido subir al escenario en este material. Pero también hay coraje y picazón creativa; de lo contrario, no hay forma de alcanzar esta altura imposible. Y existe una profunda necesidad personal de comprender nuestra historia general y sacar las conclusiones necesarias. Y para ayudar a aquellos que recién están ingresando a la vida en la Rusia actual a hacerlos.

Elenco: Polina Agureeva.

1 hora 10 minutos

La interpretación ha sido eliminada del repertorio.

"Julio" es una actuación que visitó los principales festivales de teatro Europa. El monólogo de un caníbal anciano de labios de la frágil Polina Agureeva convierte un texto aterrador en una acción casi mágica. Según los críticos, este es uno de los textos más poderosos de Vyrypaev, que posee una belleza mística y una musicalidad fascinante.

Reseñas

“JULY” de Ivan Vyrypaeva, director Viktor Ryzhakov, teatro “Praktika” y “Movimiento KISLOROD”. Estreno – noviembre de 2006. Actuación en solitario. Confesión de un anciano caníbal maníaco, interpretado por la increíble y fantástica Polina Agureeva. Como es un espectáculo unipersonal y no hay escenario, es difícil para mí trazar la línea...

Una impresión extremadamente ambigua. Intentaré resolverla por mi cuenta. Aún no sé qué se escribirá. Específicamente "dormí" con la impresión. Entonces... ¿Qué tenemos? Y tenemos tres colores. Escarlata. La negrura de la ropa de Polina Agureeva (“sorda”, cubriendo completamente, ocultando lo frágil...

Una representación de evento es aquella sobre la que incluso aquellos que no la han visto discuten. Hay pocas actuaciones de este tipo ahora. Se cree que, en principio, hay pocas actuaciones decentes; esto también es cierto, pero en parte: después de todo, producciones más o menos exitosas...

“Julio” está firmemente grabado en mi cabeza, quiero encontrar el significado, pero hasta ahora no he podido. Desde que lo vi, le he contado el contenido a amigos y conocidos cinco veces, preguntándoles: "¿Qué crees que el autor quería decirnos?". Algunos se encogen de hombros desconcertados, otros...

Los personajes de Ivan Vyrypaev viven y le escriben personalmente desde un hospital psiquiátrico o se entregan a un hospital psiquiátrico, matando a todos en el camino.
“Julio” es monstruosa e inimaginablemente siniestra. Pero... El texto sale de labios de Polina Agureeva con sonrisa misteriosa, de modo que al describir los asesinatos y desmembramientos, el público se ríe. Algunos incluso logran dormir, a pesar del aumento del sonido y el ritmo de la lectura. Ella lee con entusiasmo. La luz y el humo son buenos.

Solo agregaré que el héroe (probablemente el que busca el Nuevo Drama) recibe la mano y el corazón de la mujer que ama en el sentido literal: después de matarla, se sacará el corazón del pecho y sufrir más con el cepillo para poder extraerlo, como quería. Antes de esto, disfruta de los cálidos chorros de sangre del hombre y el perro sin hogar desmembrados y devorados. Es muy difícil escuchar todo esto y mucho menos entender qué objetivo persigue el propio autor. ¿Qué quiso decir con esto?
Mañana me divertiré en la Ciudad de los Ratones.

Texto: Alexandra Gorelaya

Los brusnikinitas son un auténtico fenómeno ruso mundo del teatro. En realidad, cualquiera que se haya graduado en la Escuela de Teatro de Arte de Moscú con Dmitry Brusnikin puede llamarse así: Alexandra Ursulyak, Daria Moroz y Sergei Lazarev. Sin embargo, hoy en día los brusnikinitas también son una tendencia teatral de moda, "una compañía que puede hacer cualquier cosa". Produjeron más de 10 producciones, representaciones escénicas y compusieron obras callejeras. WATCH se reunió con su "padre", Dmitry Brusnikin, un director, actor y guionista con una voz inusualmente cálida, que llama a sus alumnos nada menos que colegas y planea una nueva revolución: teatro sin director artístico.

En una de tus entrevistas, una vez dijiste que Dmitry Kravtsov te arrastró a una audición, luego, por desafío, fuiste a escuelas de teatro y de repente te aceptaron, mientras al mismo tiempo estudiabas en el Instituto de Física y Tecnología. Es decir, ¿el teatro no fue una elección consciente, sino una coincidencia de circunstancias?

Lo más probable es que sí. En mi familia no había tradición ni ambiente. Papá era militar y viajábamos mucho. Nací en Potsdam y me gradué en la escuela de Klin. Luego se puso de moda para los físicos y entré en el Instituto de Tecnología Electrónica. Empecé a ir al teatro con los amigos de mi hermano mayor, conocía todo el repertorio de Taganka y accidentalmente me infecté con el bacilo del teatro. Sin embargo, no había ningún deseo en mi cabeza de cambiar radicalmente mi vida. ¡Entrar al teatro y convertirse en artista parecía inalcanzable! Por lo tanto, fue más bien un momento de juego: "vamos a arriesgarnos, cantamos algo, juguemos".

En junio de este año, el teatro Praktika abandonó su dirección artística unificada y anunció la creación de una residencia. Y para el presente año, vuestro Taller ha sido elegido como residentes. ¿Qué formato es este? ¿Y cuáles son tus expectativas de él?

Sólo tengo buenas expectativas. Llevamos mucho tiempo cooperando con Ivan Vyrypaev y Yuri Milyutin, el actual director de Praktika. La dirección y administración del teatro no interfieren con vida creativa Realizar talleres y ocuparse únicamente de problemas de producción, cuestiones organizativas. Ideamos proyectos y los implementamos. Si el teatro ve una oportunidad económica y una viabilidad financiera, coopera con nosotros; si no, nos quedamos dentro del Taller y buscamos otros lugares y formatos. Además de nosotros se encuentra, por ejemplo, el Taller de Oleg Lvovich Kudryashov. Sería maravilloso si la “Práctica” se convirtiera en un escenario para tales formaciones. Hay mucha gente creativa y talentosa, pero hay muy pocos lugares donde implementar sus experimentos creativos. En la gran ciudad de Moscú sólo hay dos centros teatrales: el Centro que lleva su nombre. Meyerhold y el Centro de Teatro "On Strastnom". Los teatros de Moscú, con todo el respeto y el deseo de ayudar al Taller como organismo joven, no pueden hacer esto: no les resulta económicamente rentable permitirles subir a sus escenarios y no podemos permitirnos pagar el alquiler. Por lo tanto, tales instituciones y formatos son muy necesarios; este es un avance revolucionario. Porque la práctica de un director artístico que toma el control de todo y no deja ir a nadie a ninguna parte está quedando en el pasado. En realidad, estos teatros están muertos.

El teatro no se detiene; todo el tiempo aparece algo experimental. ¿Cómo es el teatro moderno? ¿Qué oportunidades ves en ello como director?

El teatro es diferente. Y sus posibilidades son infinitas. Es imposible transmitir su esencia en una palabra. Esta es una conversación seria y larga con ejemplos detallados, análisis de directores y tendencias teatrales, con una descripción nuevo rol artista. Si antes sólo existía un diseñador gráfico, ahora el artista es una unidad creativa, que muchas veces supera en importancia al director. Es un filósofo del teatro. Son los artistas los que se permiten nuevos formatos y nuevas ideas. Miren qué interesante se está desarrollando el teatro en cuanto a encontrar espacio. La última revista de Teatro, por ejemplo, está enteramente dedicada a este tema. Los directores abandonan los escenarios tradicionales y se trasladan a fábricas y estacionamientos. Y esto no es para escandalizar al público, así se está haciendo una búsqueda de lenguaje y contacto. mundo moderno.

cuales son tus planes creativos para la nueva temporada de teatro? He oído que se están planeando actuaciones basadas en Viktor Pelevin e Ivan Vyrypaev.

En menos de un mes comenzaremos los ensayos para el estreno en Praktika: se trata de la producción de Maxim Didenko de Chapaev y Emptiness basada en Viktor Pelevin. Maxim está montando una obra con el Taller, tal vez incluso yo actúe allí. Además, la Fundación arte contemporáneo Está organizando un concurso de “Obra del año”, en un mes leeremos las tres obras ganadoras en las Cámaras de Boyardos, y no descarto que una de ellas se incluya más adelante en el repertorio de “Praktika”. También continuamos experimentando en el campo del teatro moderno y estamos en contacto con todos los festivales.

Todo el mundo tiene miedo de algo: las alturas, la muerte, no tener tiempo para realizar sus sueños. ¿De qué tienes miedo?

Ya sabes, esta no es una pregunta para una entrevista: el tema del miedo es profundo y serio. ¿Qué es el miedo? ¿Cómo se instala en la sociedad, en el país, en el alma del individuo? Me parece que en el mundo moderno en general y en nuestro país en particular hay mucho miedo, y cada día es mayor. Hay mucha agresión alrededor y la respuesta a comportamiento agresivo- solo miedo. ¿Preguntas a qué tengo miedo? Tengo miedo de la guerra y puedo decir con las palabras del personaje de Volodin: "Si tan solo no hubiera guerra". Hoy, de repente, estas palabras cobran vida, seriedad e importancia. En la posguerra, en la década de 1950, esta frase sonaba relevante, y cuando la gente la pronunciaba, entendían lo importante que era y el contenido que tenía. Luego vino otra era: ahora la gente comprende que la guerra es mala, pero en algún lugar de su memoria no parece afectarles directamente. Pero ahora el miedo, el miedo a la guerra, vuelve a ser nuestra realidad, se está extendiendo.

Ha rodado tanto largometrajes como series de televisión. ¿Qué tan diferentes son estos formatos en percepción y trabajo? Algunos directores dicen que rodar una serie es un infierno...

Sí, claro, esto es un infierno, pero lo tomo con calma. Aunque en últimamente Casi no tomo fotografías. Solía ​​​​hacer esto porque, en primer lugar, era interesante y, en segundo lugar, amaba y amo trabajar con actores. No trato la serie como una forma de arte de segunda categoría, pero tampoco digo que sea una obra maestra. Sólo un entrenamiento que no me avergüenza mostrar al público. Formación para trabajar con un actor de carácter único y personal. Por supuesto, la serie no es una película de autor, pero sí un oficio artístico. Y sí, filmarlo es un auténtico infierno, pero todo depende de la actitud, de cómo percibes el proceso. Puedes simplemente escupir e irte, o puedes lidiar con este infierno.

¿Qué tareas asigna usted, como profesor, a los “brusnikinistas”? ¿O dejas que los actores determinen sus propias tareas?

Es importante entender que no estoy solo. Soy alumno de Oleg Nikolaevich Efremov, Alla Borisovna Pokrovskaya y Andrei Vasilyevich Myagkov. Tan pronto como terminamos de estudiar, mis profesores nos llamaron a mí y a Roma Kozak para enseñar. Nos convertimos en asistentes casi de inmediato, y Marina Brusnikina incluso antes, ya durante su formación. Efremov nos enseñó a asumir responsabilidades, trabajar con el texto, analizar y amar el teatro. Y nosotros somos sus sucesores, de ahí surge el Taller. Muchos de nuestros estudiantes, que nos graduamos con Alla Borisovna Pokrovskaya y Roma Kozak, son ahora los actores principales del teatro. Pushkin. Y nuestros otros estudiantes, el mismo Taller actual, gracias al cual apareció el término "Brusnikinitas", ya no son sólo maestros, sino grandes maestros: Yura Kvyatkovsky, Lesha Rozin, Seryozha Shcherin. Así, Yura como director ya es un componente del concepto. teatro moderno. Y no es sólo mi alumno, es mi colega, un autor plenamente formado. ¿Por qué hablo de tal continuidad? Porque es importante crear el ambiente y las oportunidades para que surja el autor. tenemos mucho diferentes experimentos, y a menudo nos vemos arrojados a caminos teatrales completamente inexplorados.

Ahora en plena marcha hay un festival en marchaTerritorios. ¿Qué importancia tiene la cultura del festival para el teatro moderno?

Esta es una gran historia y necesita apoyo porque, en primer lugar, poder mirar y conectarse es extremadamente importante. Esto lo necesita no sólo el espectador, sino también la propia comunidad teatral. Desafortunadamente, debido a mi actuación “Antes y Después”, no vi nada en Territoria esta vez y estoy muy triste por eso. Pero estoy satisfecho con la cantidad de críticas positivas que ha obtenido nuestro desempeño.

Cuando entras al set como actor, ¿te conviertes completamente en quien estás interpretando o sigues siendo tú mismo? ¿Cómo se produce el proceso de transformación?

Tienes preguntas tan interesantes que no puedo responder en pocas palabras. Este es un tema serio y profundo. Bueno, ¿cómo puedo decírtelo? Soy actor de teatro artístico y partidario del sistema Stanislavsky. Estas palabras asustan a muchos y, lamentablemente, hace tiempo que se han convertido en moneda de cambio. Sin embargo, este es un término maravilloso, sólo necesita ser entendido por las personas que participan en la actuación, recordarles que el sistema no está terminado, sino que se desarrolla y cambia todo el tiempo, al igual que la persona misma cambia.

Si ahora tuvieras la oportunidad de encontrarte con tu yo pasado, aquel que apenas iniciaba su andadura en el teatro y el cine, ¿qué consejo te darías?

Sabes, hablamos mucho sobre esto ahora solo en el contexto de la obra que lanzamos junto con fundación caritativa"Artista" - "Antes y Después". Allí, los estudiantes de segundo año, los que acababan de entrar en la profesión, conocieron y entrevistaron a personas que habían vivido su vida en ella y ya estaban saliendo. Estos son los pupilos de la fundación: actores, artistas, directores y diseñadores de vestuario de edad avanzada. Y entre ellos se produce un diálogo. Por tanto, tu pregunta al respecto es muy interesante. Recuerdo mucho de mí a esa edad, aunque con dificultad. Y hay muchas cosas en la obra que responden exactamente a tu pregunta, así que ven a vernos y mira: aprenderás muchas cosas interesantes.

La vida cambia, nosotros también. Y para todos se produce una reevaluación de valores en función de la visión individual de las perspectivas de vida. No siempre de la forma en que Nietzsche escribió al respecto. En las etapas de transición o de crisis de la vida, las personas buscan la salvación en el arte. Para algunos, por el contrario, el arte mismo se convierte en el punto de partida para revalorizar las propias reglas de vida.

Sobre qué representaciones te ayudarán a superar etapas difíciles de la vida y qué personajes de teatro te mostrarán el camino para dominar correctamente los nuevos roles de la vida con su ejemplo, en mi nueva colección.

“Ilusiones” (Teatro de Arte Chéjov de Moscú), director Viktor Ryzhakov

¿Alguna vez has pensado que nuestro mundo todavía no será perfecto, por mucho que nos esforcemos por hacerlo? Cuando llegas a la obra "Ilusiones" en el Teatro de Arte de Moscú, tienes la impresión de que todos tus pensamientos han sido trasladados al escenario. Parecería que relación ideal, del tipo con el que soñamos toda nuestra vida. Los llamamos ciencia ficción y secretamente esperamos que nosotros también tengamos suerte. Y luego, en un segundo, nuestros ideales en escena se ven destrozados por provocaciones, intrigas y traiciones, de las que el espectador se convierte en partícipe directo.

En el escenario principal teatro dramático El país está unido por dos bloques: el dramaturgo moderno y ex director artístico de Praktika, el maestro del teatro de participación Ivan Vyrypaev y el director artístico de CIM, un director innovador y galardonado que conoce al público mejor que él mismo, Viktor Ryzhakov. La obra está protagonizada por Dmitry Brusnikin e Igor Zolotovitsky, quienes hornean comida real en el escenario. bizcocho, cuyo aroma de almendras y chocolate se extiende hasta el vestuario del Small Stage.

“Ilusiones” en el Teatro de Arte de Moscú es una actuación que no se desarrolla en el escenario, sino en la sala, en el corazón de cada espectador, que desde los primeros minutos se enamora de los personajes y se identifica con ellos como si fueran una familia.

“Una historia ordinaria” (Centro Gogol), director Kirill Serebrennikov

La gente llega a "Una historia ordinaria" de Goncharov como una obra programática, que también fue puesta en escena por Kirill Serebrennikov, en un ambiente sublimemente ceremonial, pero abandonan la función, que resultó ser un misterio satírico, un poco perdida. Aquí también hay lugar para las ilusiones que se rompen, tal vez como platos, o tal vez en pedazos, de modo que nos volvemos insensibles y sacamos conclusiones.

Serebrennikov trasladó la trama del San Petersburgo del siglo XIX al moderno remolino de Moscú. La capital aquí es un agujero negro que desfigura a todo aquel que cae en él. Aquí, el elemento principal de la escenografía son las tres "O" de Goncharov, que, a medida que avanza la trama, dejamos de percibir como letras y vemos ceros en ellas.

El joven Aduev (Philip Avdeev) acudirá a su tío Peter (Alexei Agranovich) como un rockero joven e inspirado de provincias, y al final de la actuación se producirá una reevaluación de valores en su cabeza y acabará con todo. vivo en sí mismo por el éxito y el dinero. Para él, una crisis es una elección en la encrucijada de posibilidades: qué camino tomar para no perderse. Comienza a pensar en lo que realmente quiere de la vida y en lo que la vida le exigirá a cambio.

Para hoy esto es realmente historia ordinaria, y como prueba, la nueva actitud de Alexander Aduev, tan de moda hoy: "Nadie le debe nada a nadie". Pero, ¿los Aduev siempre pensarán que los nuevos valores falsos son la felicidad, o el karma y la decepción superarán a los héroes?

“Perspectivas ocultas” (Contemporáneo), dirigida por Evgenia Arie

Otra actuación de Sovremennik, donde brilla Chulpan Khamatova, esta vez sobre cómo cambia la vida de una persona pacífica en tiempo de paz, pero debido a la guerra. Sarah (Chulpan) es una fotoperiodista militar que, mientras hacía su trabajo, fue volada por una mina. Está post-coma, tiene el pelo corto debido a la quimioterapia reciente. Sarah sólo puede conciliar el sueño con la ayuda de un puñado de somníferos y antidepresivos, pero ni siquiera ellos pueden salvarla de los dolores de conciencia. Trabajando en lugares conflictivos, entra en contacto con la muerte todos los días: está bajo un objetivo, escucha los gemidos de los heridos y el silencio de los muertos. La misión de Sarah no es ayudarlos, sino ser observadora, tomar fotografías, transmitir la verdad a los demás. ¿Es una hazaña: ver cómo matan a los niños, pero no interferir en ese mismo segundo? Estos pensamientos no pueden dejar de preocupar a Sarah. Y en la mente del espectador que ve la obra de Margulis "El tiempo se detiene", aparece el cortometraje "Una centésima de segundo", sobre periodistas en guerra, que ganó el Festival de Cine de Manhattan en 2007.

“Katerina Izmailova” (Teatro Bolshoi), directora Rimas Tuminas

Para muchos, una reevaluación de valores se produce inmediatamente después de entrar por primera vez en la etapa Histórica. Teatro Bolshói, pero si esta revalorización es más bien material, entonces se producirá una revalorización de los valores familiares y personales después de ver "Katerina Izmailova".

Rimas Tuminas tradujo “Lady Macbeth” de una manera tan inusual distrito de mtsensk"en cierto modo germano-lituano, lo cual no es fácil estilo narrativo Leskova está empezando a parecer fresca y relevante. La producción de gran formato es un éxito rotundo de público y crítica y ha sido nominada a tantas premios de teatro, que “La La Land” nunca fue ni siquiera soñada. ¿Quizás el espectador ruso simplemente esté cerca de esta mujer pecadora que prefirió la pasión cegadora a las reglas de un Domostroy confiable?

“El Pasajero” (Nueva Ópera), director Sergei Shirokov

The Passenger es una ópera declaración sobre el Holocausto. Historia campo de concentración Lo veremos aquí desde dos lados opuestos: el prisionero y el capataz. El espectador comprende absolutamente la tragedia del prisionero. Pero la posición de la supervisora, que incluso después de la guerra sigue estando sinceramente convencida de que sus acciones eran una causa justa, lleva al espectador a un callejón sin salida. Al principio, la supervisora ​​se dejó llevar por el rápido ascenso en las filas del asesinato, y ahora intenta explicar que mató con justicia.

El efecto total de inmersión en la tragedia de una psicología enferma se crea gracias a los efectos visuales modernos de la artista Larisa Lomakina, conocida por el público en general por su trabajo en las actuaciones de Konstantin Bogomolov. Larisa literalmente lleva al espectador a la fresca cubierta del transatlántico, luego a las lúgubres y húmedas prisiones fascistas y luego al interior del monumento a Yad Vashem.

El trabajo fundamental en el vestuario estuvo a cargo de Igor Chapurin. Uno sólo puede adivinar lo difícil que es moralmente crear disfraces para los prisioneros de los campos de concentración para el escenario. La ópera de Moisés Weinberg, alumno de Shostakóvich, puesta en escena por el director de televisión Serguéi Shirokov es el plato fuerte de la nueva temporada teatral.

“Sasha, saca la basura” (TsIM), director Viktor Ryzhakov

3 nominaciones por " máscara dorada"y otro trabajo de Viktor Ryzhakov con dramaturgia moderna. Esta obra fue escrita por la dramaturga ucraniana Natalya Vorozhbit recientemente, durante los años de la guerra fratricida, que le quitó el sostén de la familia a la familia de los personajes principales. Su esposa y su hija embarazada quedaron completamente solas. Pero este año sin un hombre cambiará su visión de la vida. Las olas de movilización en Ucrania no disminuyen y parece que incluso los soldados caídos están siendo llamados a filas. Pero ¿qué pasa si se invoca al padre y al marido caídos? Para el público esto es misticismo, pero para las heroínas es realidad. ¿Están preparados para revivir una vez más los nervios de la guerra y afrontar de nuevo la muerte de un ser querido?

La actuación de pequeño formato fue creada con elementos inmersivos, cuando el público se siente simultáneamente en el escenario, cerca de un acantilado escarpado y en estrecha brecha, y en la cocina ucraniana, donde se sirve borscht recién hecho. En “Ilusiones” (Teatro de Arte Chéjov de Moscú), Svetlana Ivanova-Sergeeva interpreta a una mujer que ha perdido a su marido y se pasa toda la actuación horneando un pastel. En "Sasha" en el TsIM, una mujer que ha perdido a su marido, que saluda al público con borscht. Y estos dos son perfectos diferentes imagenes una actriz, cada una de las cuales te hace pensar en el amor, la vida, el deber, la honestidad y lo eterno.

“Rabbit Hole” (Teatro en Malaya Bronnaya), director Sergei Golomazov

Aunque Nastasya Samburskaya está involucrada en la obra, su título no es una referencia a las "madrigueras de conejos" de versiones posteriores del juego de Los Sims, sino una reminiscencia del libro de Carroll "Alicia en el país de las maravillas".

¿Qué profundidad tiene la “madriguera del conejo” en Malaya Bronnaya? En la obra de David Lindsay-Abaire se desarrolla una tragedia a la que no se puede sobrevivir: una madre pierde a su hijo. La crisis que ha llegado a su vida es dolorosa. Pero eso no significa un callejón sin salida. Después de todo, el drama psicológico de Golomazov es una actuación en la que derramamos un mar de lágrimas para al final experimentar la iluminación y comprender que podemos encontrar la fuerza para afrontar cualquier dolor en la vida, incluso cuando la persona ya no está. alrededor.

El papel principal en la obra lo desempeña Yulia Peresild. Por supuesto, no le dará al espectador un plan claro sobre cómo afrontar los horrores del destino, pero le enseñará a ser libre en su dolor y le dirá que todos tienen derecho a elegir cómo afrontar sus problemas personales. apocalipsis. Después de salir del pasillo, una persona se da cuenta: si sufres, no hagas sufrir a los que te rodean, ellos tienen sus propias desgracias, sobre las cuales pueden guardar silencio.

Cada una de estas actuaciones te ayuda a mirar el mundo desde un nuevo ángulo. Como dijo el personaje de Robin Williams en la película Dead Poets Society: "Me paré en la mesa para recordarme que debía mirar las cosas desde afuera". diferentes puntos visión. Desde aquí el mundo parece completamente diferente. Si no me cree, pruébelo usted mismo”.

Lisa Lerner– observador de teatro, bloguero, creador de conferencias originales sobre la historia del teatro en Rusia y en el extranjero.