La créativité des grands artiste français Henri Matisse

impressionne par sa connaissance subtile de la couleur, les nuances de transition des demi-teintes, son travail sur la forme, la composition et les solutions ambiguës, inspiré par un coup de vent, des herbes en fleurs, l'intérieur d'une pièce ou un joli corps féminin, il a trouvé l'inspiration partout. Par exemple, une photo "Nu bleu" (1907) presque silhouette, simple et sans détails inutiles, juste l'essence corps féminin sans embellissement ni exagération.

Matisse est né dans une province du nord de la France, mais rêvant d'une carrière d'artiste, il s'installe à Paris, le Centre de tous les arts. Cependant, Henri peint d'abord des tableaux dans une palette sombre, en s'appuyant sur son expérience déjà établie. art européen, étant à la recherche de ma palette et de mon propre style.

"Nature morte" 1890

"Femme lisant" 1894

Ou dans le style impressionniste...

"Table à dîner" 1897

pointillisme

"Luxe, calme et volupté" 1904 Centre Georges Pompidou, Paris

Il est intéressant de noter qu'il n'a trouvé une compréhension de la couleur et de la lumière que dans le sud de la France. Le stimulus était les couleurs vives d'une station ensoleillée, quand ses propres sentiments ne pouvaient plus rester silencieux et se déversaient sur les toiles avec un son intense dans le contraste des couleurs complémentaires.

« Fenêtre ouverte", 1905

Il se retrouve finalement dans une nouvelle direction : le fauvisme, qui proclame l'éclat des couleurs et la simplification des formes, ce que personne n'avait jamais fait auparavant. Cela vaut au moins la peine de regarder le portrait de sa femme Amélie, qui l’a inspiré à créer une débauche de couleurs et de combinaisons de couleurs.

«Femme au chapeau» (Portrait d'une épouse), 1904

Matisse a réussi à exprimer harmonieusement le sentiment émotionnel de la réalité.

"Le bonheur de l'existence (la joie de vivre)", 1905-06. Fondation Barnes, Université Lincoln, Merion, Pennsylvanie

Le monde de Matisse- c'est un monde de danses et de pastorales, de musique et d'instruments de musique, de beaux vases, de fruits juteux et de plantes de serre, de récipients divers, de tapis et de tissus colorés, de figurines en bronze et de vues infinies depuis la fenêtre (le motif préféré de l'artiste). Le style se distingue par la souplesse de ses lignes, tantôt intermittentes, tantôt rondes, véhiculant des silhouettes et des contours variés, le rythmant clairement et strictement pensé. Laconisme moyens artistiques, les harmonies coloristiques, combinant soit des consonances contrastées vives, soit l'équilibre de grandes taches locales, servent l'objectif principal de l'artiste : transmettre le plaisir de la beauté sensuelle des formes extérieures.

"Harmonie en couleurs rouges" 1908. Ermitage

L'un des premiers à apprécier le talent de Matisse fut l'homme d'affaires et collectionneur russe Sergueï Ivanovitch Chtchoukine. En 1908, il commande à l'artiste trois panneaux décoratifs pour sa maison à Moscou, réalisés en trois couleurs primaires, écrivant le code couleur de la danse et de la musique : Danse (1910), inspiré des impressions des saisons russes de S. Diaghilev, des performances d’Isadora Duncan et de la peinture de vases grecs.

Musique (1910) chanter et jouer de divers instruments

Et "Bain" (Méditation), ne reste que dans les croquis. Ces peintures sont dominées par des couleurs vives et des compositions remplies de personnages bougeant en dansant ou en jouant. instruments de musique les personnes nues symbolisent les éléments naturels – l’air, le feu et la terre.
Après avoir visité Saint-Pétersbourg, il a déclaré : «J'ai vu hier une collection d'icônes anciennes. Ici grand art. Je suis amoureux de leur simplicité touchante, qui m'est plus proche et plus chère que les peintures de Fra Angelico. Je suis heureux d'être enfin arrivé en Russie. J'attends beaucoup de l'art russe, car je sens que d'innombrables richesses sont emmagasinées dans l'âme du peuple russe ; Le peuple russe est encore jeune. Il n’a pas encore eu le temps de gaspiller la chaleur de son âme.

DANS monde moderne ses combinaisons de couleurs vibrantes, ses formes et textures contrastées inspirent de nombreux artistes, et sont également utilisées dans la publicité (ex. logos, emblèmes), notamment dans les textiles, etc.

"Figure sur fond d'ornement" 1925-26. Centre Pompidou, Paris

"Chambre maure" 1923

"Odalisque en pantalon rouge" 1917

"Femme maure aux mains levées" 1923

Dans une œuvre célèbre "Piano" Matisse exprime son attitude envers la guerre à travers des nuances grises et mélancoliques et des formes géométriques tordues. Si vous regardez attentivement, vous pouvez voir une poupée dans le coin, c'est peut-être comme la personnification des victimes de guerre, des soldats malheureux et civils qui sont morts sur les champs de bataille.

Il est intéressant de noter que Matisse a créé environ quatre-vingt-dix œuvres de sa muse, amante et assistante. Lydia Delectorskaïa, qui a vécu avec lui pendant 22 ans avant sa mort.

"Odalisque au Magnolia" 1924

Matisse a sans aucun doute été inspiré peinture célèbre La "Grande Odalisque" de Jean Ingres, où Ingres idéalise certaines caractéristiques de son modèle afin d'atteindre l'idéalité et, en même temps, souligner l'expressivité de la forme.

Jean Auguste Dominique Ingres "Grande Odalisque", 1814. Persienne, Paris

Amadeo Modigliani, qui l’estimait beaucoup, s’est également inspiré de l’œuvre d’Ingres en peignant « Nu couché ».

"Nu couché" Amédée Modigliani, 1917

De plus, le représentant de l'expressionnisme abstrait, Mark Rothko, a également été impressionné par Matisse et de nombreuses œuvres ont été créées sous son influence directe.

Par exemple, regardez un tableau de Matisse "Porte"

Dans le thème de son intrigue préférée « Open Window », comme ici

Inspiré par la toile Matisse "L'Atelier Rouge" (1911),

Rothko peint son interprétation de cet atelier.

A la fin des années 40. les couleurs des intérieurs peints par Matisse redeviennent extrêmement saturées.

"Intérieur rouge, nature morte sur une table bleue" (1947)

"Rideau égyptien" (1948)

Il aimait voyager, appréciant les traditions et coutumes des autres pays, leur architecture, leurs habitants et leur nature exotique. Il est particulièrement tombé amoureux de Nice, avec ses couleurs vives et l'atmosphère relaxante du sud, où il vivait dernières années la vie avec Lydia. Sans aucun doute, son voyage au Maroc a également joué un rôle, laissant une empreinte avec l'apparition de paysages lumineux et lumineux et de compositions figuratives dont les couleurs contrastaient fortement les unes avec les autres. Il admirait également les gratte-ciel de New York. Mais c'est à la France que Matisse doit la création de femmes vêtues de tenues exotiques sur fond décoratif. L'artiste était ami avec Pablo Picasso, avec qui il a réalisé plusieurs expositions communes ; il a même créé plusieurs compositions dans l'esprit du cubisme.

Même alité pour cause de maladie, il a continué à travailler, développant une technique de composition d'image à partir de bouts de papier, ce qui lui a donné l'opportunité de réaliser la synthèse tant attendue du dessin et de la couleur.

Matisse : « Aujourd’hui je me tourne vers des matières plus mates et accessibles, ce qui m’oblige à rechercher de nouveaux moyens d’expression. Les papiers découpés me permettent de peindre avec de la couleur. Pour moi, c'est une question de simplification. Au lieu de dessiner un contour et de le remplir de peinture - chacun changeant l'autre - je peins directement en couleur, ce qui est d'autant plus calculé qu'il n'est pas nécessaire de le déplacer. Cette simplification garantit la précision de la connexion des deux processus, qui forment désormais un tout. Ce n'est pas un début, mais une fin. »

Son très œuvre célèbre dans cette technique « Icare », comme l'une des illustrations du livre « Jazz ».

"Icare", 1947

D'autres illustrations ne sont pas moins intéressantes par leur simplicité rythmique et leur expressivité.

Matisse : « Parfois des difficultés surgissaient : des lignes, des volumes, des couleurs... et quand je les combinais, tout s'effondrait, car l'un détruisait l'autre. Il m'a fallu recommencer, chercher la musique et la danse, trouver l'équilibre et éviter les conventions. Nouveau décollage, nouvelles tentatives, découvertes... Il ne suffit pas de placer les couleurs les unes à côté des autres, aussi belles soient-elles : il faut aussi que ces couleurs interagissent entre elles. Sinon c'est la cacophonie..."

Matisse : " Couper directement dans la couleur me rappelle un sculpteur sculptant directement dans la pierre.

Aujourd’hui, une image similaire peut être vue dans son interprétation moderne, par exemple dans Pomme

Ou dans jeux olympiques

Et aussi dans vêtements

D'après Matisse D. Ik Brun, artiste néerlandais et illustrateur, crée personnage célèbre Miffy.

Surmontant la douleur, il a créé pour avoir le temps...

Un des derniers travaux Matisse énorme collage "Escargot" (1953).

Matisse : "Confiance la ligne passe de la profonde conviction de l'artiste. La sculpture que vous voyez là-haut sur le mur, ressemblant à une acanthe et une volute, est un escargot stylisé. Au début, j'ai dessiné un escargot d'après nature, je le tenais entre deux doigts, je le dessinais et je le redessinais à nouveau. J'ai pris conscience de son déroulement et j'ai créé dans mon esprit le signe de la coquille déjà purifié. Puis j'ai pris les ciseaux. Il fallait établir une relation entre l'objet observé et son observateur. J'ai placé cet escargot dans un grand jardin. Mais alors le général mouvement musical, et j'ai retiré l'escargot. Je l'ai mis de côté, en attendant la bonne opportunité. Je répète encore une fois qu'il faut être sincère et qu'une œuvre d'art n'existe véritablement que lorsqu'elle est remplie d'émotions et exécutée en toute sincérité, et non selon un programme convenu. Ainsi, on peut, sans gêne, regarder les œuvres d'artistes païens qui ont précédé les primitifs chrétiens. Mais quand on se retrouve devant certaines œuvres de la Renaissance, dont les matériaux sont somptueux, riches, provocateurs, alors on est gêné de voir les sentiments chrétiens véhiculés avec tant de faste et de sophistication. Oui, je le dis sincèrement : ces tableaux sont faits pour les riches. L'artiste s'abaisse au niveau de son mécène. Dans l'art païen, l'artiste est une personne de chair et de sang, naturelle et honnête avec elle-même, son sentiment est sincère. Il n'y a pas de dualité. Et dans la dualité de l’art de la Renaissance, on retrouve trop souvent le désir de l’artiste de plaire à son mécène.

Dans l'œuvre du créateur de mode anglais Paul Smith on peut trouver des parallèles avec « l'Escargot » : dans les vêtements, les accessoires, les imprimés de différentes couleurs, la conception de parfums, les voitures. Voyons?!

Yves Saint Laurent créé des collections basées sur l'artiste.

Sa dernière inspiration était de travailler chez Chapelle du Roser ou Chapelle du Rosaire, Chapelle Matisse, a été construit entre 1949 et 1951.

Pour cela, l'artiste a réalisé des peintures murales, des vitraux colorés, un autel en pierre et une croix en bronze montées sur le toit, et a également réalisé des croquis de vêtements liturgiques de différentes couleurs. Les murs de la chapelle sont recouverts de dalles blanches sur lesquelles sont appliquées des images sans visage en un fin contour noir, « comme si elles contenaient l’infini ». La ligne ascétique et abrupte donne une impression d’extrême ouverture, presque de nudité. Il faut une tension de pensée spirituelle pour comprendre la perfection.

Les murs noirs et blancs de la chapelle prennent des couleurs lorsque la lumière du jour les éclaire, passant à travers les vitraux, « transformant la lumière physique en lumière spirituelle ».

Un éclairage époustouflant est créé par trois couleurs - le bleu le plus pur, le jaune éblouissant et le vert vif, dont le design simple et strict donne une sensation de plénitude spirituelle.

Tout est incroyablement biologique.

Matisse : «J'ai longtemps apprécié la lumière du soleil et c'est seulement ensuite que j'ai tenté de m'exprimer à travers la lumière de l'esprit.»

Matisse Escolier Raymond

"LA JOIE DE VIVRE"

"LA JOIE DE VIVRE"

Comment forcer les gens à admettre que l’âme de Matisse était liée à l’ordre, à la discipline et à la tradition ?

C'est l'époque de la création de « La Joie de vivre » (collection Barnes), grande composition décorative et lyrique qui fit scandale au Salon des Indépendants en 1906.

"Joy of Life" - l'hymne du fauvisme, chanson de victoire, qui devient aussi un chant du cygne, car Matisse entrevoit désormais de nouvelles sources d'inspiration, plus rares et plus profondes.

Et pourtant, dans cette grande toile, si méditerranéenne par son esprit et sa composition, tout préfigurait l'extase dionysiaque de la « Danse » et de la « Musique ». Formes sensuelles allongées, groupes d’amoureux, ronde effrénée qui animera désormais les toiles de Matisse, bord de mer sauvage, forêt bleue, mer azur sont subordonnés à un rythme puissant et victorieux. Le tableau le doit bien sûr à l'arabesque, mais aussi à l'extravagance des couleurs ouvertes, des tons profonds, de la peinture pure, ainsi qu'à ce qui nous renvoie aux émotions et instincts primitifs. « L'instinct est retrouvé », s'écria alors Apollinaire.

« Les plus marquants, note Maurice Denis quelques mois plus tard, sont sans doute les « matisses » exposées cette année au Salon d'Automne entre le Courbet noir et le salon véritablement vénitien de Gauguin.

Les « Matisses » - bien sûr, Matisse lui-même et certains de ses disciples, comme Friez, sont dotés d'une sensibilité extraordinaire - rivalisent d'éclat et s'efforcent de recréer la lumière.

Qu'arrivent-ils à recréer à partir de lumière du soleil- il s'agit d'une sensation de douleur dans les yeux, de scintillement, d'une sensation douloureuse de cécité, de vertiges. ce qui se produit généralement lorsque vous regardez un mur blanc ou une esplanade par un bel après-midi d'été.

Leur esthétique leur permet de tenter de vous éblouir. Ils ne craignent pas l’éclairage le plus dur et utilisent les couleurs les plus vives pour le transmettre. Des traits multicolores sur fond de toile blanche, des taches, des traits, un peu de couleur pure - et cela suffit pour transmettre toute la puissance de la lumière du soleil. De quelle distance sommes-nous Plages du Nord» et « Bords de Seine » de Seurat ! Comme les « Meules de foin » de Monet étaient sages ! Mais il faut surtout noter à quel point les modes de représentation sont différents (je ne parle pas de la technique de peinture - c'est trop évident, mais de l'effet d'optique). De la théorie des impressionnistes, il ne restait qu'une extrême simplicité dans les moyens de représentation. L’ancienne gamme diatonique de Chevreuil a cédé la place au chromatisme avec toutes ses nuances, ses transitions brusques de tons, ses dissonances et l’opposition des couleurs pures aux gris neutres.

Cela ne devrait pas nous surprendre qu'une personne extérieure au « corps des artistes » (je veux dire Gertrude Stein) semble avoir fait preuve ce jour-là de bien plus de perspicacité que Maurice Denis, l'artiste qui était l'un de nos meilleurs critiques d'art. Il n’existe en tout cas pas d’interprétation plus correcte de ce célèbre tableau : « Matisse travaillait à cette époque à son premier grand panneau décoratif, La Joie de vivre.

Il a réalisé pour cela des croquis, d'abord petits, puis grands et enfin gigantesques. C'est dans cette œuvre que Matisse incarne pour la première fois consciemment l'idée de​​déformer le dessin du corps humain afin d'obtenir l'harmonie et une plus grande signification des couleurs primaires, qu'il mélange uniquement avec le blanc. Il utilisait constamment ce schéma brisé, tout comme en cuisine on utilise du vinaigre ou du citron, ou on recourt à des coquilles d'œufs pour alléger le café. Cézanne est arrivé à ses lignes brisées et incomplètes par nécessité. Matisse a fait ça exprès."