Super artiste français-impressionniste Claude Monet ( Pièce Oscar-Claude), (1840-1926) aimait peindre des fleurs. Il a peint des fleurs tout au long de sa vie, différentes périodes la créativité. Plus souvent des fleurs de jardin et des fleurs sauvages, moins souvent des fleurs coupées dans des vases.
Les fleurs étaient sa passion. Monet a dit que par-dessus tout dans la vie, il adorait deux choses : la peinture et le jardinage. C'est pourquoi il éprouva le plus grand plaisir à représenter des fleurs dans ses peintures.
Il a toujours peint même les membres de sa famille entourés de fleurs, soulignant ainsi son amour sincère pour eux.
« C'est peut-être grâce aux fleurs que je suis devenu artiste », disait Claude Monet à propos de lui-même.
Un des premières œuvres Claude Monet "Femmes au jardin", 1866-1867, Musée d'Orsay, Paris.
Les figures féminines sont représentées sur cette toile de manière très stylisée. L'artiste met toute l'accent sur les jeux d'ombre et de lumière, sur le feuillage des arbres et des fleurs. Monet cherche toujours son propre style ; il reste encore cinq ans avant la date officielle de naissance de l'impressionnisme.
Le modèle des trois femmes était Camille Doncier, 19 ans, future épouse de Claude Monet.
La toile est très grande, ses dimensions sont de 2,05 sur 2,55 m.
L'artiste avait l'intention d'exposer ce tableau au Salon de Paris en 1967, mais le jury l'a rejeté.
À la fin de la vie de Claude Monet, alors qu'il était déjà un maître reconnu et renommé, le gouvernement français acheta à l'artiste le tableau « Femmes au jardin » en 1921 pour 200 mille francs.
Sainte Andrée
| "Terrasse à Sainte-Andresse", ca. 1867, Musée métropolitain d'art, New York. Ce tableau représente la famille de l’artiste, qui vivait dans la petite ville portuaire de Saint-Andresse, près du Havre, sur la côte normande. Le père de Monet et sa tante Madame Lecadre sont assis dans des fauteuils. Jeanne-Margarita, une parente éloignée de Monet, se tient à la balustrade avec un jeune homme. On peut dire que c'est une scène de famille en arrière-plan paysage marin. Mais regardez comment sont dessinées les fleurs au premier plan de l’image ! Avec quelle réussite Monet a transmis la texture des couleurs et les jeux d'ombres et de lumière. |
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| "Jardin fleuri à Sainte-Andresse", ca. 1866, Musée d'Orsay, Paris. | |
| "Adolphe Monet lisant dans le jardin des Coteaux à Saint-Andresse", v. 1866 |  |
| "Dame au jardin", 1867, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg. Le tableau représente Jeanne-Marguerite Lecadre, une parente éloignée de Claude Monet, dans le jardin de Sainte-Andresse. |
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Argenteuil, 1872 - 1977
Claude Monet a toujours voulu avoir son propre jardin, où il pourrait travailler paisiblement en plein air.
Fin 1871, Claude Monet et sa famille s'installent à Argenteuil. C'était alors une petite station balnéaire près de Paris, à 12 km du centre-ville, située sur les rives pittoresques de la Seine. Argenteuil fait désormais partie de Grand Paris. A Argenteuil, Monet possède sa propre maison et son premier jardin. Il me semble que c'est à Argenteuil qu'ils ont été créés meilleures peintures Claude Monet. Ce fut la période la plus brillante de son œuvre. Les tableaux de Monet sont généralement légers, mais c’est à Argenteuil que ses toiles rayonnent tout simplement de joie. Apparemment, c'étaient les plus années heureuses sa vie. Presque tous les tableaux peints à Argenteuil représentent Camille, la première épouse bien-aimée de Claude Monet.
Dans ces années-là, Argenteuil était un lieu de villégiature privilégié des Parisiens ; des régates de voile y étaient régulièrement organisées. Conduit à Argenteuil Chemin de fer, y arriver depuis Paris était simple et rapide. Non seulement Monet, mais aussi d'autres artistes impressionnistes, Manet, Renoir, Sisley, Caillebotte, ont peint leurs paysages à Argenteuil.
| L'ami de l'artiste Renoir l'a capturé au travail à Argenteuil, et grâce à cela nous pouvons voir à quoi ressemblait le jardin de Claude Monet et comment il peignait en plein air. Pierre Auguste Renoir "Monet peignant dans son jardin à Argenteuil", 1873 |
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| Et Edouard Manet a peint un portrait de famille de l'artiste sur fond de jardin fleuri. Edouard Manet "La famille de Monet dans leur jardin à Argenteuil", 1874, Metropolitan Museum of Art, New York. Le tableau représente Claude Monet s'occupant des fleurs, sa femme Camille et son fils Jean. Jardin, fleurs et poules. Dans 10 ans, Claude Monet aura tout cela à Giverny. |
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| Pierre Auguste Renoir "Madame Monet et son fils", 1974. Galerie nationale, Washington. Camille Monet et son fils Jean. Ce tableau était conservé dans la collection de Claude Monet à Giverny. Fils cadet l'artiste Michel Monet la vendit en 1952, dans une période de dévastation totale à Giverny. Après plusieurs reventes sous la volonté du dernier propriétaire en 1970, ce tableau entre à la National Gallery de Washington. |
| "La Maison de l'Artiste à Argenteuil", 1873. Institut des Arts, Chicago. |  |
| "Le jardin de Monet à Argenteuil", 1873 |  |
| "Maisons à Argenteuil", 1873, Ancienne Galerie Nationale, Berlin. L'été, Argenteuil était littéralement ensevelie sous les fleurs. |
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| "Fleurs au bord du fleuve à Argenteuil", 1877, Musée d'art Pola, Hakone, Japon. La Seine à Argenteuil est très pittoresque, à cet endroit elle forme un beau méandre. Claude Monet était fasciné par le fleuve et la nature d'Argenteuil, il travaillait ici avec enthousiasme en plein air. |
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| "Camille Monet sur un banc dans le jardin." 1873 Musée métropolitain d'art, New York. Comme toujours, un jardin, et comme toujours, des fleurs. |
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| "Jean Monet sur un vélo-cheval." 1872 Musée métropolitain d'art, New York. Même en peignant le portrait de son fils, Claude Monet n'a pas oublié les fleurs. Il préfère capturer sur ses toiles sur fond de fleurs tous les événements marquants de sa vie. |
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| "Dans le pré", 1876 La toile représente l’épouse de l’artiste, Camille Monet, lisant un livre dans un pré, entouré de fleurs des prés. |
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| "Pommiers en fleurs", 1873. Incroyable! |
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| "La famille de l'artiste dans le jardin", 1875 |  |
| "Dans le jardin", 1875 Ce tableau représente apparemment le même coin du jardin que le précédent, quelques mois plus tard seulement, à l'automne. |
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| « Femme au parapluie » (« Marcher : Camille Monet avec son fils Jean »), 1875, National Gallery of Art, Washington. | |
| "Camille Monet avec son fils", 1875, Musée beaux-Arts, Boston, États-Unis. |  |
| "Coin de jardin à Montgeron", env. 1876, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg. Montgeron est une petite ville de la banlieue parisienne, située à 18,5 km au sud-est du centre-ville. C'est aujourd'hui l'une des banlieues sud-est de Paris. |
 "Femme au parapluie dans un jardin à Argenteuil", 1875. |
 "Promenade, Argenteuil", 1875. |
 "Promenade à Argenteuil", 1875, Musée Marmottan-Monet, Paris. |
 "Jardin", 1872. |
 "Camille Monet au jardin", 1873. |
 "Camille Monet à la fenêtre. Argenteuil", 1873. |
 "Rive de Seine près du pont d'Argenteuil", 1874. |
 "Camille et Jean Monet dans le jardin d'Argenteuil", 1873. |
 "Camille Monet dans le jardin de sa maison à Argenteuil", 1876, Metropolitan Museum of Art, New York. |
"Glaïeuls" D'ACCORD. 1876. Institut des Arts, Détroit, États-Unis. |
 "Filles au jardin", 1875, Galerie nationale de Prague. |
 "Camilla au parapluie vert", 1876. |
 "Porte du Jardin de Vétheuil", 1876. |
 "Jardin", 1876. |
 "Jardin, Mauves", 1877. |
Très série intéressante"Lilas". Comparer:
Champs de coquelicots
Un des plus peinture célèbre Le « Champ de coquelicots » de Claude Monet (1873, musée d'Orsay, Paris) a été peint à Argenteuil, non loin du domicile de l'artiste. Le tableau représente l'épouse de Monet, Camille, et son fils Jean. Vraisemblablement, sa femme et son fils ont également servi de modèles pour les figures de la dame avec l'enfant en arrière-plan.
Regardez avec quelle expressivité l'artiste a peint des coquelicots écarlates et des renoncules jaunes. Camille et Jean sont littéralement enterrés sous les coquelicots, en parfaite harmonie avec la nature du soleil. jour d'été.
Monet a choisi un très bon angle pour sa peinture : des coquelicots écarlates sont situés dans la partie inférieure gauche du tableau, en diagonale le long de laquelle Camille et Jean marchent. On a l'impression que les coquelicots s'étendent au-delà de la toile.
Les champs de coquelicots fascinaient Monet. Il y revient à plusieurs reprises dans son œuvre. Il était attiré par le contraste des coquelicots rouges et de l'herbe verte.
"Été. Champ de coquelicots", 1875, collection privée.
"Champ de coquelicots près de Vétheuil" 1879.
"Champ de coquelicots dans un creux près de Giverny", 1885. Musée des Beaux-Arts, Boston.
"Champ de coquelicots", vers 1890. Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg.
"Champ d'avoine aux coquelicots", 1890. Musée art contemporain, Strasbourg.
"Champ de coquelicots à Giverny." 1890-1891 Institut des Arts, Chicago.
"Champ de coquelicots rouges près de Giverny", 1895. Musée des Beaux-Arts de Virginie, Richmond, États-Unis.
Champs de tulipes
Claude Monet s'est rendu plusieurs fois en Hollande. Et bien sûr, je ne pouvais pas rester indifférent aux tulipes. Il a créé une série de peintures représentant les principales attractions de la Hollande : les champs de tulipes et les moulins à vent.
"Champs de tulipes à Sassenheim, près de Leiden", 1886, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, États-Unis.
"Champs de tulipes et moulins à vent à Rheinsburg", 1886, collection privée.
"Champs de tulipes en Hollande", 1886. Musée d'Orsay, Paris.
"Champ de tulipes en Hollande." 1886, Musée Marmottan-Monet, Paris.
Vétheuil, 1879 - 1881
"Le Jardin de l'Artiste à Vétheuil", 1880. Galerie nationale, Washington.
En 1879, la famille de Monet s'installe à Vétheuil, un petit village au bord de la Seine à 65 km au nord-ouest de Paris. Ici Claude Monet a eu son deuxième fils, Michel, mais, malheureusement, sa première épouse Camille est décédée bientôt.
La famille Monet vécut à Vétheuil jusqu'en 1881.
Claude Monet rencontre la famille d'Alice Hoschedé, qu'il connaît déjà depuis plusieurs années. Ils vivent ensemble et Alice est devenue plus tard sa seconde épouse. Mais dans les tableaux de Claude Monet, Alice Goschede, contrairement à Camille, est très rare. Ses filles, belles-filles de Claude Monet, ont servi de modèles aux tableaux de l'artiste.
 "Fleurs au bord de la Seine près de Vétheuil", 1880. |
 "Alice Goshede dans le jardin", 1881. Future seconde épouse de Claude Monet. |
 "Escalier à Vétheuil", 1881. |
"L'Île aux Fleurs près de Vétheuil", 1880, Metropolitan Museum of Art, New York. |
 "Fleurs à Vétheuil", 1881. |
 "Fleurs à Vétheuil", 1881. |
Fleurs dans un vase
Claude Monet aimait avant tout les jardins et les fleurs sauvages, mais il peignait aussi parfois des natures mortes et des bouquets de fleurs coupées.
"Fleurs de printemps", 1864. On ignore actuellement où se trouve le tableau.
Bien entendu, il est encore difficile de reconnaître dans ce tableau le futur grand artiste impressionniste.
"Chrysanthèmes", 1878. Musée d'Orsay, Paris.
"Bouquet de mauve", 1880.
"Tournesols", 1881. Musée métropolitain d'art, New York.
"Chrysanthèmes" 1882. Musée métropolitain d'art, New York.
"Coquelicots violets", 1883. Musée Boijmans van Beuningen, Rotterdam, Pays-Bas.
"Anémones", env. 1885, collection privée.
"Deux vases avec des chrysanthèmes." 1888, collection privée.
Giverny 1883 - 1926
En 1883, la famille de Claude Monet s'installe à Giverny. C'est un petit village situé dans une région pittoresque au bord de la rivière Epte, à son confluent avec la Seine, à environ 80 km de Paris. Claude Monet vivra à Giverny pour le reste de sa vie.
A cette époque, il était déjà devenu artiste célèbre et une personne assez riche. En 1890, il put acheter la maison de Giverny où vivait sa famille. Il a équipé un atelier spacieux dans la maison.
Claude Monet a considérablement agrandi son jardin et y a construit un étang, dont l'eau provenait d'un réservoir de prise d'eau spécial construit sur la rivière Epte.
Dans ces années-là, Claude Monet s'intéresse à culture japonaise, les estampes japonaises, en particulier les estampes des grands artiste japonais Hokusaï.
Pour entretenir le jardin, Monet engagea un jardinier japonais qui l'aida à aménager le jardin en Style japonais. Monet lui-même a été directement impliqué dans la planification du jardin. L'artiste s'est abonné à la revue Revue horticole et a commandé des plantes et des fleurs chez différents pays paix.
C'est ce jardin qui est devenu amour principal V dernières années la vie de l'artiste. Il y a travaillé, il l'a écrit sous toutes les formes, avec différents points, à différents moments de la journée. Le jardin devient la principale source d'inspiration de l'artiste.
Monet a fait pousser diverses fleurs dans le jardin, des nénuphars ont poussé dans l'étang et le célèbre « pont japonais » a été jeté sur l'étang. Il pouvait passer des heures à admirer son jardin, observant les moindres changements d'éclairage et de météo.
À l’automne 1899, Claude Monet commence à peindre sa célèbre série des « Nymphéas », à laquelle il travaillera jusqu’à la fin de ses jours.
Claude Monet dans son jardin avec un bassin de nénuphars en arrière-plan, 1905.
Claude Monet dans son jardin, ca. 1917 Photo : Étienne Clémentel.
Les images semblent un peu « colorées » et floues, puisqu'il s'agissait de photographies stéréoscopiques, elles devaient être vues à travers des lunettes colorées spéciales, l'image deviendrait alors en trois dimensions.
Claude Monet (à droite) dans son jardin à Giverny. 1922 Photo tirée des archives du New York Times.
Le célèbre étang aux nénuphars et le pont japonais.
Dans les premiers tableaux de la série « Nymphéas », Claude Monet représente un étang avec un pont japonais, sur fond de végétation luxuriante du jardin.
DANS derniers travaux ah, représentant un étang avec des nénuphars, il a délibérément déformé toutes les règles de perspective acceptées, a abandonné la ligne d'horizon et n'a peint que de l'eau avec des nénuphars. Les nénuphars flottant sur l'eau sont souvent coupés par les bords de la toile, créant l'impression que le véritable étang est quelque chose de plus grand que ce qui est représenté sur le tableau.
Cette série de « Nymphéas » comprend plus de 60 tableaux.
| "Nénuphars." 1906 Institut des Arts, Chicago. |  |
| "Nénuphars", 1916. Musée national de l'art occidental, Tokyo. Cette immense toile de 2 mètres est l’une des plus expressives de la série « Nymphéas ». Des îles de nénuphars roses et jaunes se trouvent sur la surface bleu foncé, vert foncé et même violette de l'eau de l'étang. Le tableau est tout en mouvement, on y voit les racines entrelacées des nénuphars. Les fleurs de nénuphar dépassent littéralement de la surface de l’eau. Claude Monet ressentait la nature très subtilement et pouvait en transmettre toutes les subtilités et les teintes sur ses toiles. |
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| "Nénuphars." 1920-26 Musée de l'Orangerie, Paris. |
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En 1980, la maison et le jardin de Claude Monet à Giverny sont ouverts au public. C'est aujourd'hui l'un des musées les plus appréciés des touristes de la banlieue parisienne.
Claude Monet. Coquelicots. 1773 Musée d'Orsay, Paris
"Maki", l'un des plus oeuvres célébres Claude Monet, j'ai vu dans . Cependant, je ne l’ai pas bien regardé à ce moment-là. En tant que fan, j’ai tout simplement été époustouflé par tous les chefs-d’œuvre qui se trouvent dans ce musée !
Plus tard, bien sûr, j’ai regardé correctement « Poppies ». Et j’ai découvert que je n’avais même pas remarqué plusieurs détails intéressants dans le musée. Si vous regardez l’image de plus près, vous vous posez probablement au moins trois questions :
- Pourquoi les coquelicots sont-ils comme ça ? grandes tailles?
- Pourquoi Monet a-t-il représenté deux paires de personnages presque identiques ?
- Pourquoi l'artiste n'a-t-il pas dessiné le ciel sur la photo ?
Je répondrai à ces questions dans l'ordre.
1. Pourquoi les coquelicots sont-ils si gros ?
Les coquelicots sont représentés en très grande taille. La plupart d’entre eux sont aussi gros que la tête de l’enfant représenté. Et si vous prenez les coquelicots de l'arrière-plan et les rapprochez des personnages au premier plan, ils seront alors complètement plus grands que les têtes de l'enfant et de la femme représentée. Pourquoi une telle irréalité ?
À mon avis, Monet a délibérément augmenté la taille des coquelicots : il Encore une fois a choisi de transmettre une impression visuelle vive plutôt que le réalisme des objets représentés.
Ici, d'ailleurs, on peut faire un parallèle avec sa technique de représentation des nénuphars dans travaux ultérieurs.
Pour plus de clarté, regardez des fragments de peintures avec des nénuphars années différentes(1899-1926). L'œuvre du haut est la plus ancienne (1899), celle du bas est la plus récente (1926). Évidemment, au fil du temps, les nénuphars sont devenus de plus en plus abstraits et moins détaillés.
Apparemment, « Coquelicots » n’est qu’un signe avant-coureur de la prédominance de l’abstraction dans les peintures ultérieures de Monet.
Peintures de Claude Monet. 1. En haut à gauche : Nénuphars. 1899 G. Collection privée. 2. En haut à droite : Nénuphars. 1908 g. Collection privée. 3. Au milieu : Étang avec des nénuphars. 1919 Musée métropolitain d'art, New York. 4. En bas : Lys. 1926 Musée d'art Nelson-Atkins, Kansas City.
2. Pourquoi y a-t-il deux paires de figures identiques sur l’image ?
Il s’avère qu’il était également important pour Monet de montrer du mouvement dans sa peinture. Il y est parvenu d'une manière inhabituelle, représentant un chemin à peine visible sur une colline au milieu des fleurs, comme foulé entre deux paires de personnages.
Au pied de la colline aux coquelicots se trouvent sa femme Camille et son fils Jean. Camilla est traditionnellement représentée avec un parapluie vert, tout comme dans le tableau « Femme au parapluie ».
Sur la colline se trouve un autre couple composé d'une femme et d'un enfant, pour qui Camilla et son fils ont probablement également posé. C'est pourquoi les deux couples sont si semblables.
Claude Monet. Coquelicots. Fragment. 1873 Musée d'Orsay, Paris.
Cette paire de personnages sur la colline est peut-être représentée uniquement pour l'effet visuel de mouvement recherché par Monet.
3. Pourquoi Monet n’a-t-il pas peint le ciel ?
Autre point notable : remarquez à quel point le ciel est mal dessiné, jusque dans les zones dénudées de la toile laissées sur place.
Claude Monet. Coquelicots. Fragment. 1873
Je peux supposer que l'essentiel réside dans la technique même de l'impressionnisme : Monet a peint des tableaux en quelques heures, voire quelques minutes, afin de représenter les jeux de lumière et de couleurs à un certain moment de la journée. Par conséquent, il n’y avait pas toujours assez de temps pour tous les éléments du paysage. Travailler sur tous les détails est le travail du studio, pas du travail en extérieur.
À propos, le tableau « Coquelicots » a également été exposé lors de la première exposition impressionniste en 1874, dont j'ai parlé plus en détail dans l'article
L'impressionnisme est apparu en France dans les années 1860 et a bouleversé les idées traditionnelles sur la peinture. En regardant les peintures ensoleillées, vivantes et remplies de lumière des artistes de ce mouvement, il est difficile de croire que leurs œuvres n'ont pas été reconnues pendant longtemps et ont été considérées comme une déviation des canons de la peinture classique. "Autour du Monde" vous invite à voyager à travers la France et à découvrir comment différents coins les pays sont représentés dans les œuvres d’artistes impressionnistes.
Claude Monet. "Champ de coquelicots à Argenteuil" (1873)
Le tableau "Champ de coquelicots..." a été peint par Monet à Argenteuil, une ville située à seulement 10 kilomètres de Paris et qui était au XIXe siècle un lieu de villégiature préféré des habitants de la capitale. Monet et sa famille ont vécu dans cette banlieue pendant sept ans et ont créé de nombreuses plein de fleurs et les couleurs des toiles.
A Argenteuil, l'artiste travaille beaucoup en plein air : il a toujours été attiré par la possibilité de représenter sur toile un certain fragment de temps, d'action et d'espace. Le tableau « Champ de coquelicots à Argenteuil » reflète une autre passion de l'artiste : son amour des fleurs. Monet a même un jour qualifié son jardin de son principal chef-d'œuvre.
Ce tableau est clairement divisé en plusieurs parties dont la plus importante est celle qui représente des fleurs écarlates, contrastant avec la partie droite vide de la toile. On voit également deux couples peints avec l’épouse de l’artiste Camille et son fils aîné Jean. Leur disposition contribue à structurer l’espace du tableau et à transmettre le mouvement capturé.
En travaillant sur le tableau, Monet n'a pas mélangé les peintures, mais a appliqué des traits Couleurs différentes, que l’œil humain perçoit comme différentes nuances de couleurs. Dans le même temps, l’artiste a peint avec plus de soin des choses plus significatives. Ainsi, l'accent est mis ici sur les fleurs et la partie supérieure des figures humaines au premier plan, tandis que le champ à droite de l'image et le ciel sont moins clairement définis.
Pierre-Auguste Renoir. "Pont de Chatou" (1875)
Chatou est un autre coin pittoresque de la France, apprécié des artistes d'un nouveau mouvement. On l'appelle souvent l'île des impressionnistes, car à cet endroit la Seine se divise en deux bras. Comme Argenteuil sa voisine, la ville de Chatou règne au XIXe siècle une atmosphère de gaieté et d'activité bruyante.
Les gens venaient ici pour nager, faire du bateau ou pique-niquer, et ces scènes simples se reflétaient dans les peintures des impressionnistes. L'établissement du Père Fournaise, sous le pont de Chatou, où l'on pouvait non seulement passer la nuit mais aussi louer des chambres, était le lieu favori de Renoir. C’est dans cet établissement que l’artiste réalise son tableau « Le petit-déjeuner des rameurs », dans lequel il représente ses connaissances et amis. En 1990, le restaurant Maison Fournaise a été restauré et abrite aujourd'hui un petit musée.
Le tableau "Pont de Chatou" diffère de la plupart des œuvres de Renoir. Contrairement à Monet, l'artiste aimait beaucoup plus représenter les gens et préférait également une palette de couleurs plus saturée. Et pourtant, « Le Pont de Chatou » est un paysage dans lequel les gens apparaissent comme des figures sombres et floues. Le pont est dessiné avec plus de soin que les autres éléments. De plus, la navigation de plaisance populaire est représentée ici. Le paysage est caractérisé par des lignes floues et un environnement lumineux et enfumé. L'absence de figures humaines clairement définies crée un sentiment de distance, et la lumière et palette de couleurs aide-nous à voir la joie dans l’ordinaire.
Frédéric Basile. "Paysage au bord du Lez" (1870)
Grâce au paysage de Basile, nous voyageons du centre de la France au sud, jusqu’à la région natale de l’artiste. Le nom de Basile est beaucoup moins connu que ceux de ses amis Monet et Renoir, puisqu'il est décédé à l'âge de 28 ans. « Paysage au bord du Lez » est l'une des dernières œuvres de l'artiste : peu de temps après avoir terminé son travail sur la toile, Basile s'est porté volontaire pour la guerre franco-prussienne, où il est décédé peu de temps après.
L'artiste a réalisé le paysage en un temps record court instant, tout cela lui a pris un peu plus de deux mois. Pendant qu'il travaillait, les proches de Basil étaient absents et ne l'ont pas distrait du tableau. De plus, il connaissait bien la région. Ainsi, dans une lettre à son frère, il indique exactement quel lieu il représente : « La rive du Lez près du moulin près de Navilau et la route de Clappier ».
Le tableau est très différent des paysages de Monet et de Renoir, puisque Basile préférait peindre le soleil à son zénith, et aussi représenter une lumière crue, différente de la lumière en apesanteur et enfumée sur les toiles de ses amis. Basil utilise également des couleurs vives et contrastées et est plus précis et minutieux lorsqu'il travaille sur les détails de l'image. Grâce à cela, on peut reconnaître dans la toile « Paysage des bords du Lez » des arbres et une végétation caractéristiques du sud de la France.
Camille Pissarro. "Pont Boildieu à Rouen un jour de pluie" (1896)
Camille Pissarro est entré dans l'histoire de l'impressionnisme comme un maître du paysage urbain. Il a peint plusieurs tableaux représentant Rouen, située dans le nord de la France. Pissarro s'est rendu dans cette ville après avoir vu le cycle de Claude Monet consacré à la cathédrale de Rouen.
Pissarro, comme Monet, utilise la lumière et l'air pour créer des toiles. Il est attiré par la possibilité de représenter la ville comme un organisme vivant en mouvement constant. Il utilise des couleurs plus sombres et des coups de pinceau plus épais, mais ses peintures semblent plus réalistes. Cette perspective inhabituelle s’explique souvent par le fait que Pissarro peignait depuis la fenêtre d’un hôtel.
L'artiste a cherché à refléter sur toile les caractéristiques industrielles qui émergent progressivement dans l'apparence de la ville. C'est ce qui intéresse Pissarro à Rouen qui, malgré son architecture raffinée, fin XIX siècle est devenue une ville portuaire et un centre industriel.
Paul Cézanne. "Vue de la Baie de Marseille depuis l'Estac" (1885)
Le paysage de Paul Cézanne nous ramène encore une fois au sud de la France, mais en même temps il est complètement différent des tableaux déjà évoqués. La toile de Cézanne, même pour un spectateur non averti, semble plus audacieuse que les œuvres d'autres impressionnistes. Ce n’est pas un hasard si l’artiste est souvent appelé le père de l’art moderne.
Né dans le sud du pays, Cézanne représente souvent des paysages du sud dans ses tableaux. Les environs du village de pêcheurs d'Estac deviennent l'un de ses sujets de prédilection dans ses paysages. Dans les années 1880, Cézanne, pour tenter d'échapper aux troubles familiaux, vient à l'Estac et peint une dizaine de tableaux dans lesquels il représente la baie de Marseille.
"Vue de la Baie de Marseille depuis l'Estac" est l'une des œuvres culminantes de cette période et permet de voir les traits de la peinture de Cézanne qui ont influencé Pablo Picasso. Nous parlons principalement des traits horizontaux denses particuliers de l’artiste, ainsi que de l’utilisation de traits aussi profonds et couleurs riches comme le jaune orangé. Cézanne parvient à obtenir une image tridimensionnelle de l'eau grâce à l'utilisation de différentes nuances de couleur bleue, ainsi que des inclusions vertes et violettes. Comme d'autres impressionnistes, Cézanne aimait peindre la mer, le ciel et les montagnes, mais à son image ils semblent plus denses et clairement définis.