Un million de tourments (Gontcharov). Gontcharov « Un million de tourments » – synopsis

28.04.2019

Gontcharov Ivan Alexandrovitch

Gontcharov Ivan Alexandrovitch

Un million de tourments

Ivan Alexandrovitch Gontcharov

Un million de tourments

(Étude critique)

Malheur à l'esprit, Griboïedova. -- Le bénéfice de Monakhov, novembre 1871

Bien entendu, toutes les célébrités de première grandeur n’ont pas été admises dans le soi-disant « temple de l’immortalité ». Ils en ont tous beaucoup, et d'autres, comme Pouchkine, par exemple, ont bien plus de droits à la longévité que Griboïedov. Ils ne peuvent pas être proches et placés l'un à côté de l'autre. Pouchkine est immense, fécond, fort, riche. Il est à l’art russe ce que Lomonossov est aux Lumières russes en général. Pouchkine a repris toute son époque, il en a lui-même créé une autre, a donné naissance à des écoles d'artistes - il a tout pris à son époque, sauf ce que Griboïedov a réussi à prendre et sur quoi Pouchkine n'était pas d'accord.

Malgré le génie de Pouchkine, ses principaux héros, comme les héros de son siècle, pâlissent déjà et appartiennent au passé. Des créatures brillantes tout en continuant à servir de modèles et de sources à l’art, ils deviennent eux-mêmes l’histoire. Nous avons étudié « Onéguine », son époque et son environnement, l'avons pesé, déterminé le sens de ce type, mais on ne retrouve plus de traces vivantes de cette personnalité dans siècle moderne, même si la création de ce type restera indélébile dans la littérature. Même les héros ultérieurs du siècle, par exemple Pechorin de Lermontov, qui représentent, comme Onéguine, leur époque, se transforment en pierre, mais dans l'immobilité, comme des statues sur des tombes. Nous ne parlons pas des types plus ou moins brillants apparus plus tard, qui ont réussi à aller dans la tombe du vivant des auteurs, laissant derrière eux quelques droits à la mémoire littéraire.

On a qualifié d'immortelle la comédie "Le Mineur" de Fonvizine, et à juste titre - sa période animée et chaude a duré environ un demi-siècle : c'est énorme pour une œuvre de mots. Mais maintenant, dans "Le Mineur", il n'y a plus une seule allusion à la vie, et la comédie, ayant atteint son objectif, s'est transformée en monument historique.

"Malheur de l'esprit" est apparu avant Onéguine, Pechorin, leur a survécu, a traversé indemne la période Gogol, a vécu ces un demi-siècle depuis son apparition et vit toujours sa vie impérissable, survivra à bien d'autres époques et ne perdra pas sa vitalité .

Pourquoi cela, et qu’est-ce que ce « Malheur de l’esprit » ?

La critique n’a pas fait bouger la comédie de la place qu’elle occupait autrefois, comme si elle ne savait pas où la placer. L’évaluation orale était en avance sur l’évaluation imprimée, tout comme la pièce elle-même était en avance sur l’impression. Mais les masses lettrées l’apprécièrent réellement. Réalisant immédiatement sa beauté et n'y trouvant aucun défaut, elle déchira le manuscrit en morceaux, en vers, en hémistiches, et disperse tout le sel et la sagesse de la pièce dans discours familier, comme si elle avait transformé un million en dix kopecks, et avait tellement émaillé la conversation des paroles de Griboïedov qu'elle avait littéralement épuisé la comédie jusqu'à la satiété.

Mais la pièce a réussi ce test - et non seulement n'est pas devenue vulgaire, mais elle a semblé devenir plus chère aux lecteurs, elle a trouvé en chacun un mécène, un critique et un ami, comme les fables de Krylov, qui n'ont pas perdu leur pouvoir littéraire, ayant passé du livre à la parole vivante.

La critique imprimée a toujours traité avec plus ou moins de sévérité uniquement la représentation scénique de la pièce, touchant peu à la comédie elle-même ou s'exprimant dans des critiques fragmentaires, incomplètes et contradictoires. Il a été décidé une fois pour toutes que la comédie était une œuvre exemplaire, et avec cela tout le monde a fait la paix.

Que doit faire un acteur lorsqu’il réfléchit à son rôle dans cette pièce ? Se fier uniquement à son propre jugement manquerait de toute estime de soi, et écouter le discours de l’opinion publique après quarante ans est impossible sans se perdre dans de mesquines analyses. Il reste, parmi les innombrables chœurs d'opinions exprimées et exprimées, à s'attarder sur quelques conclusions générales, le plus souvent répétées, et à construire sur elles votre propre plan d'évaluation.

Certains valorisent dans la comédie une image de la morale moscovite d'une certaine époque, la création de types vivants et leur regroupement habile. La pièce entière semble être un cercle de visages familiers au lecteur et, de plus, aussi défini et fermé qu'un jeu de cartes. Les visages de Famusov, Molchalin, Skalozub et d'autres étaient gravés dans la mémoire aussi fermement que les rois, les valets et les dames des cartes, et tout le monde avait une conception plus ou moins cohérente de tous les visages, à l'exception d'un seul - Chatsky. Ils sont donc tous dessinés correctement et strictement, et sont donc devenus familiers à tout le monde. Seulement à propos de Chatsky, beaucoup sont perplexes : qu'est-ce qu'il est ? C'est comme s'il avait une sorte de cinquante-troisième carte mystérieuse dans le pont. S'il y avait peu de désaccord dans la compréhension des autres, à propos de Chatsky, au contraire, les divergences ne sont pas encore terminées et ne se termineront peut-être pas avant longtemps.

D'autres, rendant justice à l'image de la morale, de la fidélité aux types, valorisent davantage sel épigrammatique langage, satire vivante - moralité, que la pièce, comme un puits inépuisable, fournit encore à chacun à chaque étape de la vie quotidienne.

Mais les deux connaisseurs passent presque sous silence la « comédie » elle-même, l’action, et beaucoup nient même le mouvement scénique conventionnel.

Malgré cela, cependant, chaque fois que le personnel dans les rôles change, les deux juges se rendent au théâtre, et à nouveau des discussions animées surgissent sur l'exécution de tel ou tel rôle et sur les rôles eux-mêmes, comme si dans nouvelle pièce.

Toutes ces diverses impressions et le point de vue de chacun qui en découle constituent la meilleure définition de la pièce, c'est-à-dire que la comédie « Malheur de l'esprit » est à la fois une image de la morale et une galerie de types vivants, et un toujours - une satire acérée et brûlante, et avec cela, c'est une comédie, et disons pour nous-mêmes - surtout une comédie - qu'il est peu probable que l'on retrouve dans d'autres littératures, si nous acceptons la totalité de toutes les autres conditions énoncées. En tant que tableau, c’est sans aucun doute énorme. Sa toile capture une longue période de la vie russe, de Catherine à l'empereur Nicolas. Le groupe de vingt visages reflétait, comme un rayon de lumière dans une goutte d'eau, tout l'ancien Moscou, sa conception, son esprit d'alors, son moment historique et ses mœurs. Et cela avec une telle complétude et une telle certitude artistiques et objectives que seuls Pouchkine et Gogol ont été donnés dans notre pays.

Dans une image où il n'y a pas une seule tache pâle, pas un seul trait ou son étranger, le spectateur et le lecteur se sentent encore aujourd'hui, à notre époque, parmi les êtres vivants. Tant le général que les détails, tout cela n'a pas été composé, mais a été entièrement tiré des salons de Moscou et transféré au livre et à la scène, avec toute la chaleur et avec toute « l'empreinte spéciale » de Moscou - de Famusov au moindres détails, au prince Tugoukhovsky et au valet de pied de Petrouchka, sans qui le tableau serait incomplet.

Cependant, pour nous, ce n’est pas encore tout à fait terminé. image historique: nous ne nous sommes pas suffisamment éloignés de l'époque pour qu'un abîme infranchissable se dresse entre elle et notre époque. La coloration n’était pas du tout lissée ; le siècle ne s'est pas séparé du nôtre, comme un morceau coupé : nous en avons hérité quelque chose, même si les Famussov, Molchalin, Zagoretsky et autres ont changé au point de ne plus rentrer dans la peau des types de Griboïedov. Les traits durs sont bien sûr devenus obsolètes : plus aucun Famusov n'invitera désormais Maxim Petrovich à devenir un bouffon et à citer Maxim Petrovich comme exemple, du moins pas d'une manière aussi positive et évidente. Molchalin, même devant la servante, n'avoue désormais plus secrètement les commandements que son père lui a légués ; un tel Skalozub, un tel Zagoretsky sont impossibles même dans un arrière-pays lointain. Mais aussi longtemps qu’il y aura un désir d’honneurs en dehors du mérite, aussi longtemps qu’il y aura des maîtres et des chasseurs pour plaire et « recevoir des récompenses et vivre heureux », tandis que les commérages, l’oisiveté et le vide régneront non comme des vices, mais comme des vices. éléments vie publique, - d'ici là, bien sûr, ils clignoteront société moderne caractéristiques des Famusov, Molchalin et autres, il n’est pas nécessaire que cette « empreinte spéciale » dont Famusov était fier soit effacée de Moscou même.

Bien entendu, les modèles humains universels subsistent toujours, même s'ils se transforment également en types méconnaissables en raison de changements temporaires, de sorte que, pour remplacer les anciens, les artistes doivent parfois mettre à jour, après de longues périodes, les traits fondamentaux de la morale et de la nature humaine en général. qui apparaissaient autrefois dans les images, les revêtant de chair et de sang nouveaux dans l'esprit de leur temps. Tartuffe, bien sûr... type éternel, Falstaff est un personnage éternel, mais tous deux ainsi que de nombreux prototypes similaires de passions, de vices, etc., disparaissant eux-mêmes dans le brouillard de l'antiquité, ont presque perdu leur image vivante et se sont transformés en une idée, en un concept conventionnel, dans nom commun vice, et pour nous ils ne servent plus de leçon vivante, mais de portrait d'une galerie historique.

Cela peut notamment être attribué à la comédie de Griboïedov. Dans ce document, la coloration locale est trop vive et la désignation des personnages eux-mêmes est si strictement délimitée et fournie avec une telle réalité de détails que les traits humains universels peuvent difficilement se démarquer des positions sociales, des rangs, des costumes, etc.

En tant qu'image de la morale moderne, la comédie "Woe from Wit" était en partie un anachronisme même lors de sa parution dans les années 30...

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La comédie "Woe from Wit" se démarque d'une manière ou d'une autre dans la littérature et se distingue par sa jeunesse, sa fraîcheur et sa vitalité plus forte que les autres œuvres du monde. Elle est comme un homme centenaire, autour duquel chacun, après avoir vécu son temps à son tour, meurt et se couche, et il marche, vigoureux et frais, entre les tombes des vieillards et les berceaux des hommes nouveaux. Et il ne vient à l’esprit de personne qu’un jour son tour viendra.
Le rôle principal, bien sûr, est le rôle de Chatsky, sans lequel il n'y aurait pas de comédie, mais il y aurait peut-être une image de la morale. Chatsky est non seulement plus intelligent que tous les autres, mais aussi positivement intelligent. Son discours est plein d'intelligence et d'humour. Il a du cœur et, en plus, il est impeccablement honnête. En un mot, ce n’est pas seulement une personne intelligente, mais aussi une personne développée, dotée de sentiments ou, comme le recommande sa servante Lisa, il est « sensible, joyeux et vif ». Chatsky, apparemment, se préparait sérieusement à ses activités. Il « écrit et traduit bien », dit Famusov à propos de lui et de son esprit élevé. Bien sûr, il a voyagé pour de bonnes raisons, a étudié, lu, s'est apparemment mis au travail, a eu des relations avec des ministres et s'est séparé - il n'est pas difficile de deviner pourquoi. «Je serais heureux de servir, mais être servi est écoeurant», laisse-t-il lui-même entendre.
Il aime sérieusement, considérant Sophia comme sa future épouse. Il est venu à Moscou et à Famusov, évidemment pour Sophia et pour Sophia seule.
Deux comédies semblent s'emboîter l'une dans l'autre : l'une, pour ainsi dire, est privée, mesquine, domestique, entre Chatsky, Sofia, Molchalin et Liza : c'est l'intrigue amoureuse, le motif quotidien de toutes les comédies. Lorsque le premier est interrompu, un autre apparaît inopinément dans l'intervalle, et l'action recommence, une comédie privée se transforme en bataille générale et se noue.
Pendant ce temps, Chatsky a dû boire la coupe amère jusqu'au fond - sans trouver de « sympathie vivante » chez personne, et partir, n'emportant avec lui qu'« un million de tourments ». Chatsky est impatient de " vie libre", " s'engager " dans la science et l'art et exige " le service de la cause, pas des individus ". Il dénonce les mensonges et tout ce qui est devenu obsolète, qui se noie nouvelle vie, « vie libre ». Tout son esprit et toutes ses forces sont consacrés à cette lutte. Non seulement pour Sophia, mais aussi pour Famusov et tous ses invités, « l'esprit » de Chatsky, qui brillait comme un rayon de lumière dans toute la pièce, éclata à la fin dans ce tonnerre au cours duquel, comme le dit le proverbe, les hommes sont baptisés. . Il suffisait d'une explosion, d'une bataille, et cela a commencé, obstiné et chaud - un jour dans une maison, mais ses conséquences se sont répercutées dans tout Moscou et la Russie.
Chatsky, même s'il a été trompé dans ses attentes personnelles, n'a pas trouvé « le charme des réunions, la participation vivante », puis il a lui-même aspergé le sol mort d'eau vive - emportant avec lui « un million de tourments » - des tourments de tout : de l'« esprit », du « sentiment offensé », le rôle de Chatsky est un rôle passif : il ne peut en être autrement. C'est le rôle de tous les Chatsky, même s'il est toujours victorieux. Mais ils ne connaissent pas leur victoire, ils ne font que semer et d’autres récoltent. Chatsky est brisé par la quantité de pouvoir ancien, lui infligeant à son tour un coup mortel avec la qualité du pouvoir nouveau. Il est l’éternel dénonciateur des mensonges cachés dans le proverbe : « seul sur le terrain n’est pas un guerrier ». Non, un guerrier, s'il est Chatsky, et un vainqueur en plus, mais un guerrier avancé, un tirailleur et toujours une victime.
Chatsky est inévitable à chaque changement d'un siècle à l'autre. Il est peu probable que Chatsky de Griboïedov vieillisse un jour, et avec lui toute la comédie. Chatsky, à notre avis, est la personnalité la plus vivante de tous les héros de comédie. Sa nature est plus forte et plus profonde que celle des autres personnes et ne pourrait donc pas être épuisée dans la comédie.

Très brièvement L'article est consacré à la pièce intemporelle et toujours d'actualité de Griboïedov « Malheur à l'esprit », une société gâtée par la moralité conventionnelle, et à Chatsky, un combattant de la liberté et dénonciateur du mensonge qui ne disparaîtra pas de la société.

Ivan Gontcharov note la fraîcheur et la jeunesse de la pièce « Woe from Wit » :

Elle est comme un homme centenaire, autour duquel chacun, après avoir vécu son temps à son tour, meurt et se couche, et il marche, vigoureux et frais, entre les tombes des anciens et les berceaux des nouveaux.

Malgré le génie de Pouchkine, ses héros « pâlissent et appartiennent au passé », tandis que la pièce de Griboïedov est apparue plus tôt, mais leur a survécu, estime l'auteur de l'article. Les masses lettrées l'ont immédiatement démantelé en guillemets, mais la pièce a résisté à cette épreuve.

« Woe from Wit » est à la fois une image de la morale et une galerie de types vivants, et « une satire éternellement aiguë et brûlante ». "Le groupe des vingt visages reflétait... tout le vieux Moscou." Gontcharov note l'exhaustivité artistique et la certitude de la pièce, qui n'a été donnée qu'à Pouchkine et Gogol.

Tout a été extrait des salons de Moscou et transféré dans le livre. Les traits des Famusov et des Molchalin persisteront dans la société aussi longtemps que les commérages, l'oisiveté et la flagornerie continueront d'exister.

Le rôle principal est le rôle de Chatsky. Griboïedov attribuait le chagrin de Chatsky à son esprit, « et Pouchkine lui refusait tout esprit ».

Contrairement à Onéguine et Pechorin, incapables de faire des affaires, Chatsky se préparait à une activité sérieuse : il étudiait, lisait, voyageait, mais se séparait des ministres pendant raison connue: "Je serais heureux de servir, mais être servi est écœurant."

Les disputes de Chatsky avec Famusov révèlent le but principal de la comédie : Chatsky est un partisan des idées nouvelles, il condamne les « traits les plus ignobles du passé » que représente Famusov.

Deux camps se formèrent, ou, d'une part, tout un camp des Famusov et de tous les frères des « pères et aînés », de l'autre, un combattant ardent et courageux, « l'ennemi de la quête ».

Une histoire d'amour se développe également dans la pièce. L'évanouissement de Sophia après la chute de Molchalin de son cheval aide Chatsky à presque en deviner la raison. Perdant « l'esprit », il attaquera directement son adversaire, même s'il est déjà évident que Sophia, selon ses propres mots, lui est plus chère que les « autres ». Chatsky est prêt à mendier ce qui ne peut être mendié : l'amour. Dans son ton suppliant, on entend des plaintes et des reproches :

Mais a-t-il cette passion ?
Ce sentiment ? Cette ardeur ?
Pour qu'à part toi, il ait le monde entier
Cela ressemblait-il à de la poussière et de la vanité ?

Plus on entend de larmes dans le discours de Chatsky, estime Gontcharov, mais "les restes de son esprit le sauvent d'une humiliation inutile". Sophia se trahit presque lorsqu'elle dit à propos de Molchalin que « Dieu nous a réunis ». Mais elle est sauvée par l’insignifiance de Molchalin. Elle dessine son portrait à Chatsky, sans s'apercevoir qu'il ressort vulgaire :

Regardez, il a gagné l'amitié de tout le monde dans la maison ;
Il a servi sous les ordres de son père pendant trois ans,
Il est souvent en colère inutilement,
Et il le désarmera par le silence...
...les personnes âgées ne mettront pas les pieds hors du seuil...
...Ne coupe pas les étrangers au hasard, -
C'est pourquoi je l'aime.

Chatsky se console après chaque éloge de Molchalin : « Elle ne le respecte pas », « Elle ne le met pas dans un sou », « Elle est méchante, elle ne l'aime pas ».

Une autre comédie vivante plonge Chatsky dans les abysses de la vie moscovite. Ce sont les Gorichev - un gentleman dégradé, « un mari-garçon, un mari-serviteur, l'idéal des maris de Moscou », sous la chaussure de sa femme mièvre et mièvre, c'est Khlestova, « un vestige du siècle de Catherine, avec un un carlin et une petite fille arap", "une ruine du passé" le prince Piotr Ilitch, un escroc évident Zagoretsky, et "ces NN, et tous leurs discours, et tout le contenu qui les occupe!"

Avec ses remarques caustiques et ses sarcasmes, Chatsky les retourne tous contre lui. Il espère trouver la sympathie de Sophia, ignorant la conspiration contre lui dans le camp ennemi.

« Un million de tourments » et « malheur ! » - c'est ce qu'il a récolté pour tout ce qu'il a réussi à semer. Jusqu'à présent, il était invincible : son esprit frappait sans pitié les points sensibles de ses ennemis.

Mais la lutte le fatiguait. Il est triste, bilieux et pointilleux, note l'auteur, Chatsky tombe presque en état d'ébriété et confirme la rumeur répandue par Sophia sur sa folie.

Pouchkine a probablement nié son esprit à Chatsky à cause de dernière scène Acte 4 : ni Onéguine ni Pechorin ne se seraient comportés comme Chatsky dans l'entrée. Ce n'est pas un lion, ce n'est pas un dandy, il ne sait pas comment et ne veut pas se montrer, il est sincère, donc son esprit l'a trahi - il a fait de telles bagatelles ! Ayant espionné la rencontre entre Sophia et Molchalin, il joua le rôle d'Othello, auquel il n'avait aucun droit. Gontcharov note que Chatsky reproche à Sophia de « l'avoir attiré avec espoir », mais elle n'a fait que le repousser.

Pendant ce temps, Sofia Pavlovna n'est pas individuellement immorale : elle pèche avec le péché de l'ignorance, de la cécité, dans lequel tout le monde vivait...

Pour transmettre le sens général de la moralité conventionnelle, Gontcharov cite le distique de Pouchkine :

La lumière ne punit pas les illusions,
Mais cela leur demande des secrets !

L’auteur note que Sophia n’aurait jamais vu le jour de cette moralité conditionnelle sans Chatsky, « par manque de chance ». Mais elle ne peut pas le respecter : Chatsky est son éternel « témoin de reproche », il lui a ouvert les yeux sur vrai visage Molchaline. Sophia est « un mélange de bons instincts et de mensonges, un esprit vif sans aucune trace d'idées et de croyances,... un aveuglement mental et moral... » Mais cela appartient à son éducation, dans sa propre personnalité il y a quelque chose. "chaud, tendre, voire rêveur."

Les femmes ont seulement appris à imaginer et à ressentir et n’ont pas appris à penser et à savoir.

Gontcharov note que dans les sentiments de Sophia pour Molchalin, il y a quelque chose de sincère, qui rappelle Tatiana de Pouchkine. "La différence entre eux, c'est l'empreinte de Moscou." Sophia est tout aussi prête à se livrer amoureusement ; elle ne trouve pas répréhensible d'être la première à entamer une liaison, tout comme Tatiana. Sofia Pavlovna a l'étoffe d'une nature remarquable ; ce n'est pas pour rien que Chatsky l'aimait. Mais Sophie était amenée à aider la pauvre créature, à l'élever à elle-même, puis à régner sur lui, « à le rendre heureux et à avoir en lui un esclave éternel ».

Chatsky, dit l'auteur de l'article, ne fait que sème, et d'autres récoltent ; sa souffrance réside dans le désespoir du succès. Un million de tourments constituent la couronne d'épines des Chatsky - des tourments de tout : de l'esprit, et encore plus des sentiments offensés. Ni Onéguine ni Pechorin ne conviennent à ce rôle. Même après le meurtre de Lensky, Onéguine l'emmène avec lui au « morceau de kopeck » du tourment ! Chatsky est différent :

Il réclame de l'espace et de la liberté pour son âge : il demande du travail, mais ne veut pas servir, et stigmatise la servilité et la bouffonnerie.

L’idée d’une « vie libre » est la liberté de toutes les chaînes d’esclavage qui enchaînent la société. Famusov et d'autres sont d'accord en interne avec Chatsky, mais la lutte pour l'existence ne leur permet pas de céder.

Il est l’éternel dénonciateur des mensonges cachés dans le proverbe : « Seul sur le terrain n’est pas un guerrier ». Non, un guerrier, s'il est Chatsky, et un vainqueur en plus, mais un guerrier avancé, un tirailleur et toujours une victime.

Il est peu probable que cette image vieillisse bien. Selon Gontcharov, Chatsky est la personnalité la plus vivante en tant que personne et interprète du rôle qui lui a été confié par Griboïedov.

...Les Chatsky vivent et ne se traduisent pas dans la société, se répétant à chaque pas, dans chaque maison, où les vieux et les jeunes cohabitent sous le même toit... Chaque entreprise qui nécessite une mise à jour évoque l'ombre de Chatsky...

« Deux comédies semblent s'imbriquer l'une dans l'autre » : une petite histoire d'amour et une histoire privée, qui se joue dans grande bataille.

Gontcharov parle ensuite de la mise en scène de la pièce sur scène. Il estime que le jeu ne peut prétendre à la fidélité historique, puisque « la trace vivante a presque disparu, et la distance historique est encore proche. L’artiste doit recourir à la créativité, à la création d’idéaux, selon le degré de sa compréhension de l’époque et de l’œuvre de Griboïedov. » C'est la condition de la première étape. La seconde est performance artistique langue:

Un acteur, comme un musicien, est obligé... de penser au son de la voix et à l'intonation avec laquelle chaque vers doit être prononcé : cela signifie parvenir à une subtile compréhension critique de toute poésie...

« Où, sinon depuis la scène, peut-on souhaiter entendre une lecture exemplaire d’œuvres exemplaires ? C’est de la perte de performance littéraire dont se plaint à juste titre le public.

Dans son étude critique« Un million de tourments » de I.A. Gontcharov a décrit "Woe from Wit" comme une satire vivante et tranchante, mais en même temps comme une comédie qui montre la morale et les moments historiques de Moscou et de ses habitants.

Dans la pièce, Griboïedov a abordé tout à fait questions importantes tels que : l'éducation, l'éducation, le devoir civique, le service à la patrie, servage et le culte de tout ce qui est étranger. L'ouvrage décrit une grande période de la vie du peuple russe, de Catherine à l'empereur Nicolas, symbolisée par un groupe de 20 invités à la réception de Famusov, à laquelle participe Chatsky - personnage principal comédies. L'écrivain a montré la lutte du passé et du présent dans les images de la société Chatsky et Famus.

Lorsque Chatsky arrive chez Famusov pour rendre visite à sa bien-aimée Sophia, il rencontre des gens vivant dans le mensonge et l'hypocrisie. Les gens qui sont seulement intéressés dîners et des danses qui ne s'intéressent pas du tout à la nouveauté. Chatsky personnifie une personne dotée d'une nouvelle structure d'esprit et d'âme, inspirée par de nouvelles idées et connaissances, qui recherche de nouveaux horizons. Il est dégoûté de servir la patrie uniquement pour le bien des rangs et de la richesse.

Et Sophie ? Sophia n'aimait pas Chatsky, l'a trompé, choisissant Molchalin, borné, qui sait où et qui servir. Après avoir déclaré Chatsky fou, Sophia rejoint les « bourreaux » de Chatsky, qui rient et se moquent de lui.

Dans la société de Famusov, Chatsky reste incompris. Il voit et comprend l'horreur du servage et le fait que ce monde appartient à ces messieurs qui ne se soucient absolument pas des problèmes. les gens ordinaires et l'État, ils sont davantage soucieux de leur propre bien. Dans le même temps, Chatsky ne comprend pas comment il est possible d'échanger une personne contre un chien, ou de retirer un enfant à ses parents, pour satisfaire la volonté du maître.

Malheureusement, ni ses discours ni ses souffrances ne dérangent personne, et en exprimant tout ce qu'il a accumulé, Chatsky retourne encore plus tout le monde contre lui-même. Et il s'oppose aux gens qui valorisent le pouvoir et la richesse, mais qui ont très peur de l'illumination et de la vérité. Il explique comment le progrès de la société est associé au développement de la personnalité, à l'épanouissement de la science et à l'illumination. Mais hélas, tout cela est étranger et étranger à la société du vieux Moscou. Ils lui font toujours remarquer à ses ancêtres qu'il doit être le même. Chatsky est très intelligent et instruit et ne comprend pas comment vous ne pouvez pas vivre, mais seulement jouer votre rôle. Ridicule et incompris, il quitte la maison de Famusov avec ses tourments non résolus.

Gontcharov estime que Chatsky a été brisé par la quantité de pouvoir ancien, mais à son tour, il lui a porté un coup mortel avec la qualité du nouveau pouvoir, commençant ainsi un nouveau siècle.

Œuvre immortelle célèbre classique"Woe from Wit" de Griboïedov, qui a été et continue d'être joué dans de nombreux théâtres du monde au fil du temps, n'a pas perdu de sa pertinence.

« Malheur à l'esprit » de Griboïedov. –

Spectacle-bénéfice de Monakhov, novembre 1871

La comédie «Woe from Wit» se démarque d'une manière ou d'une autre dans la littérature et se distingue par sa jeunesse, sa fraîcheur et sa vitalité plus forte que les autres œuvres du monde. Elle est comme un homme centenaire, autour duquel chacun, après avoir vécu son temps à son tour, meurt et se couche, et il marche, vigoureux et frais, entre les tombes des vieillards et les berceaux des hommes nouveaux. Et il ne vient à l’esprit de personne qu’un jour son tour viendra.

Malgré le génie de Pouchkine, ses principaux héros, comme les héros de son siècle, pâlissent déjà et appartiennent au passé. Ses brillantes créations, continuant de servir de modèles et de sources à l'art, deviennent elles-mêmes l'histoire. Nous avons étudié Onéguine, son époque et son environnement, pesé et déterminé le sens de ce type, mais on ne retrouve plus de traces vivantes de cette personnalité dans le siècle moderne, même si la création de ce type restera indélébile dans la littérature. Même les héros ultérieurs du siècle, par exemple Pechorin de Lermontov, qui représentent, comme Onéguine, son époque, se transforment cependant en pierre dans l'immobilité, comme des statues sur des tombes. Nous ne parlons pas des types plus ou moins brillants apparus plus tard, qui ont réussi à aller dans la tombe du vivant des auteurs, laissant derrière eux quelques droits à la mémoire littéraire.

Appelé immortel la comédie « Le Mineur » de Fonvizine - et à fond - sa période animée et chaude a duré environ un demi-siècle : c'est énorme pour une œuvre de mots. Mais maintenant, dans "Le Mineur", il n'y a plus une seule allusion à la vie vivante, et la comédie, ayant atteint son objectif, est devenue un monument historique.

Pourquoi cela, et qu’est-ce que ce « Malheur de l’esprit » ?

La critique n’a pas fait bouger la comédie de la place qu’elle occupait autrefois, comme si elle ne savait pas où la placer. L'évaluation orale était en avance sur l'évaluation imprimée, tout comme la pièce elle-même était bien en avance sur l'impression. Mais les masses lettrées l’apprécièrent réellement. Réalisant immédiatement sa beauté et ne trouvant aucun défaut, elle déchira le manuscrit en morceaux, en vers, en demi-vers, répandit tout le sel et la sagesse de la pièce dans un discours familier, comme si elle avait transformé un million en morceaux de dix kopecks, et la conversation fut tellement pimentée par les paroles de Griboïedov qu'elle épuisa littéralement la comédie jusqu'à la satiété.

Mais la pièce a également réussi ce test - et non seulement elle n'est pas devenue vulgaire, mais elle a semblé devenir plus chère aux lecteurs, trouvant en chacun d'eux un mécène, un critique et un ami, comme les fables de Krylov, qui n'ont pas perdu leur puissance littéraire, étant passé du livre à la parole vivante.

Il a été décidé une fois pour toutes que la comédie était une œuvre exemplaire - et avec cela tout le monde a fait la paix.

Que doit faire un acteur lorsqu’il réfléchit à son rôle dans cette pièce ? Se fier uniquement à son propre jugement ne suffit à aucune fierté, et écouter parler l’opinion publique après quarante ans est impossible sans se perdre dans de mesquines analyses. Il reste, parmi les innombrables chœurs d'opinions exprimées et exprimées, à s'attarder sur quelques conclusions générales, le plus souvent répétées, et à construire sur elles votre propre plan d'évaluation.

Certains valorisent dans la comédie une image de la morale moscovite d'une certaine époque, la création de types vivants et leur regroupement habile. La pièce entière semble être un cercle de visages familiers au lecteur et, de plus, aussi défini et fermé qu'un jeu de cartes. Les visages de Famusov, Molchalin, Skalozub et d'autres étaient gravés dans la mémoire aussi fermement que les rois, les valets et les dames des cartes, et tout le monde avait une conception plus ou moins cohérente de tous les visages, à l'exception d'un seul - Chatsky. Ils sont donc tous dessinés correctement et strictement, et sont donc devenus familiers à tout le monde. Seulement à propos de Chatsky, beaucoup sont perplexes : qu'est-ce qu'il est ? C'est comme s'il était la cinquante-troisième carte mystérieuse du jeu. S'il y avait peu de désaccord dans la compréhension des autres, à propos de Chatsky, au contraire, les divergences ne sont pas encore terminées et ne se termineront peut-être pas avant longtemps.

D'autres, rendant justice à l'image de la morale, à la fidélité des types, valorisent le sel plus épigrammatique du langage, la satire vivante - la morale, dont la pièce, comme un puits inépuisable, fournit encore à chacun à chaque étape de la vie quotidienne.

Mais les deux connaisseurs passent presque sous silence la « comédie » elle-même, l’action, et beaucoup nient même le mouvement scénique conventionnel.

Malgré cela, cependant, chaque fois que le personnel dans les rôles change, les deux juges se rendent au théâtre et de nouveau des discussions animées surgissent sur l'exécution de tel ou tel rôle et sur les rôles eux-mêmes, comme dans une nouvelle pièce.

Toutes ces diverses impressions et le point de vue de chacun qui en découle constituent la meilleure définition de la pièce, c'est-à-dire que la comédie « Malheur de l'esprit » est à la fois une image de la morale et une galerie de types vivants, et un toujours - une satire acérée et brûlante, et c'est pour cela qu'il s'agit d'une comédie et, disons pour nous, avant tout d'une comédie – qu'on peut difficilement trouver dans d'autres littératures, si l'on accepte l'ensemble de toutes les autres conditions énoncées. En tant que tableau, c’est sans aucun doute énorme. Sa toile capture une longue période de la vie russe, de Catherine à l'empereur Nicolas. Le groupe de vingt visages reflétait, comme un rayon de lumière dans une goutte d'eau, tout l'ancien Moscou, sa conception, son esprit d'alors, son moment historique et ses mœurs. Et cela avec une telle complétude et une telle certitude artistiques et objectives que seuls Pouchkine et Gogol ont été donnés dans notre pays.

Dans une image où il n'y a pas une seule tache pâle, pas un seul trait ou son étranger, le spectateur et le lecteur se sentent encore aujourd'hui, à notre époque, parmi les êtres vivants. Tant le général que les détails, tout cela n'est pas composé, mais entièrement tiré des salons de Moscou et transféré au livre et à la scène, avec toute la chaleur et avec toute « l'empreinte spéciale » de Moscou - de Famusov au plus petit touches, au prince Tugoukhovsky et au valet de pied Persley, sans lesquels le tableau ne serait pas complet.

Cependant, pour nous, il ne s'agit pas encore d'un tableau historique complètement achevé : nous ne nous sommes pas éloignés de l'époque suffisamment loin pour qu'un abîme infranchissable se dresse entre elle et notre époque. La coloration n’était pas du tout lissée ; le siècle ne s'est pas séparé du nôtre, comme un morceau coupé : nous en avons hérité quelque chose, même si les Famussov, Molchalin, Zagoretsky et autres ont changé au point de ne plus rentrer dans la peau des types de Griboïedov. Les traits durs sont bien sûr devenus obsolètes : plus aucun Famusov n'invitera désormais Maxim Petrovich à devenir un bouffon et à citer Maxim Petrovich comme exemple, du moins pas d'une manière aussi positive et évidente. Molchalin, même devant la servante, tranquillement, n'avoue plus les commandements que son père lui a légués ; un tel Skalozub, un tel Zagoretsky sont impossibles même dans un arrière-pays lointain. Mais aussi longtemps qu’il y aura un désir d’honneurs en dehors du mérite, aussi longtemps qu’il y aura des maîtres et des chasseurs pour plaire et « recevoir des récompenses et vivre heureux », alors que les commérages, l’oisiveté et le vide domineront non pas comme des vices, mais comme des vices. éléments de la vie sociale - aussi longtemps, bien sûr, que les traits des Famusov, Molchalin et autres brilleront dans la société moderne, il n'est pas nécessaire que cette « empreinte spéciale » dont Famusov était fier soit effacée de Moscou même.

Bien entendu, les modèles humains universels subsistent toujours, même s'ils se transforment également en types méconnaissables en raison de changements temporaires, de sorte que, pour remplacer les anciens, les artistes doivent parfois mettre à jour, après de longues périodes, les traits fondamentaux de la morale et de la nature humaine en général. qui apparaissaient autrefois dans les images, les revêtant de chair et de sang nouveaux dans l'esprit de leur temps. Tartuffe, bien sûr, est un type éternel, Falstaff est un personnage éternel, mais tous deux, ainsi que de nombreux prototypes similaires encore célèbres de passions, de vices, etc., disparaissant dans le brouillard de l'antiquité, ont presque perdu leur image vivante et se sont transformés en une idée, en un concept conventionnel, un nom commun pour le vice, et pour nous ils ne servent plus de leçon vivante, mais de portrait d'une galerie historique.

Cela peut notamment être attribué à la comédie de Griboïedov. Dans ce document, la coloration locale est trop vive et la désignation des personnages eux-mêmes est si strictement définie et fournie avec une telle réalité de détails que les traits humains universels peuvent difficilement se distinguer des positions sociales, des rangs, des costumes, etc.

En tant qu'image de la morale moderne, la comédie « Malheur de l'esprit » était en partie un anachronisme, même lorsqu'elle est apparue sur la scène moscovite dans les années trente. Déjà Shchepkin, Mochalov, Lvova-Sinetskaya, Lensky, Orlov et Saburov ne jouaient pas sur le vif, mais sur nouvelle légende. Et puis les traits aigus ont commencé à disparaître. Chatsky lui-même tonne contre le « siècle passé » lorsque la comédie a été écrite, et elle a été écrite entre 1815 et 1820.

Comment comparer et voir (dit-il)
Ce siècle et ce siècle passé,
La légende est fraîche, mais difficile à croire,

et à propos de son époque, il s'exprime ainsi :

Maintenant tout le monde respire plus librement,

Grondé ton pour toujours je suis impitoyable, -

dit-il à Famusov.

Par conséquent, il ne reste plus qu'un peu de la couleur locale : la passion du rang, la flagornerie, le vide. Mais avec certaines réformes, les rangs peuvent s'éloigner, la flagornerie à la mesure de la laquais de Molchalinsky se cache déjà dans l'obscurité, et la poésie du front a cédé la place à une direction stricte et rationnelle des affaires militaires.

Mais il reste encore quelques traces vivantes, qui empêchent encore le tableau de se transformer en un bas-relief historique achevé. Cet avenir est encore loin devant elle.

Sel, épigramme, satire, ce vers familier, semble-t-il, ne mourra jamais, tout comme l'esprit russe vif et caustique et vivant dispersé en eux, que Griboïedov a emprisonné, comme une sorte de sorcier spirituel, dans son château, et il s'y disperse avec un rire diabolique. Il est impossible d’imaginer qu’un autre discours, plus naturel, plus simple, plus tiré du vivant, puisse un jour apparaître. La prose et le vers se confondent ici en quelque chose d'inséparable, semble-t-il, pour qu'il soit plus facile de les retenir en mémoire et de remettre en circulation toute l'intelligence, l'humour, les plaisanteries et la colère de l'esprit et de la langue russes rassemblés par l'auteur. Cette langue a été donnée à l'auteur de la même manière qu'elle a été donnée à un groupe de ces individus, qu'elle a été donnée à sens principal la comédie, comment tout s'est réuni, comme s'il se déversait d'un coup, et que tout formait une comédie extraordinaire - à la fois au sens étroit, comme une pièce de théâtre, et au sens large, comme la comédie de la vie. Il ne pouvait s'agir que d'une comédie.

Laissant de côté les deux aspects principaux de la pièce, qui parlent si clairement d'eux-mêmes et ont donc la majorité des admirateurs - à savoir le tableau de l'époque, avec un groupe de portraits vivants, et le sel du langage - commençons par se tourner vers la comédie comme pièce de théâtre, alors comment faire de la comédie en général, pour elle sens général, à sa raison principale en public et signification littéraire Parlons enfin de sa prestation sur scène.

Nous avons depuis longtemps l'habitude de dire qu'il n'y a pas de mouvement, c'est-à-dire pas d'action dans une pièce. Comment ça, il n'y a aucun mouvement ? Il y a - vivant, continu, depuis la première apparition de Chatsky sur scène jusqu'à son dernier mot : « Calèche pour moi, calèche !

Il s'agit d'une comédie subtile, intelligente, élégante et passionnée, au sens technique, fidèle aux petits détails psychologiques, mais presque insaisissable pour le spectateur, car masquée par les visages typiques des héros, le dessin ingénieux, la couleur de le lieu, l'époque, le charme de la langue, avec toutes les forces poétiques répandues si abondamment dans la pièce. L'action, c'est-à-dire l'intrigue elle-même, devant ces aspects capitaux, semble pâle, superflue, presque inutile.

Ce n'est qu'en conduisant dans l'entrée que le spectateur semble se rendre compte de la catastrophe inattendue qui a éclaté entre les personnages principaux et se rappeler soudain de l'intrigue comique. Mais même dans ce cas, pas pour longtemps. Le sens énorme et réel de la comédie grandit déjà devant lui.

Le rôle principal, bien sûr, est le rôle de Chatsky, sans lequel il n'y aurait pas de comédie, mais il y aurait peut-être une image de la morale.

Griboïedov lui-même attribuait le chagrin de Chatsky à son esprit, mais Pouchkine lui refusait tout esprit.

On pourrait penser que Griboïedov, par amour paternel pour son héros, l'a flatté dans le titre, comme pour avertir le lecteur que son héros est intelligent et que tout le monde autour de lui ne l'est pas.

Mais Chatsky est non seulement plus intelligent que tous les autres, mais aussi positivement intelligent. Son discours est plein d'intelligence et d'humour.

Onéguine et Pechorin se sont révélés incapables d'agir, de jouer un rôle actif, même s'ils ont tous deux vaguement compris que tout autour d'eux était pourri. Ils étaient même « embarrassés », portaient en eux du « mécontentement » et erraient comme des ombres avec une « paresse ardente ». Mais, méprisant le vide de la vie, la seigneurie oisive, ils succombèrent à lui et ne pensèrent ni à le combattre ni à s'enfuir complètement. L'insatisfaction et l'amertume n'ont pas empêché Onéguine d'être un dandy, de « briller » au théâtre, lors d'un bal et dans un restaurant à la mode, flirtant avec les filles et les courtisant sérieusement en mariage, et Pechorin de briller d'un ennui intéressant et de plonger sa paresse et son amertume entre la princesse Mary et Beloy, puis faire semblant de leur être indifférent devant le stupide Maxim Maksimych : cette indifférence était considérée comme la quintessence du donjuanisme. Tous deux languissaient, étouffaient dans leur environnement et ne savaient que vouloir. Onéguine a essayé de lire, mais a bâillé et a abandonné, parce que lui et Pechorin ne connaissaient que la science de la « tendre passion », et pour tout le reste, ils ont appris « quelque chose et d'une manière ou d'une autre » - et ils n'avaient rien à faire.

Chatsky, apparemment, au contraire, se préparait sérieusement à l'activité. "Il écrit et traduit bien", dit Famusov à son sujet, et tout le monde parle de sa grande intelligence. Bien sûr, il a voyagé pour de bonnes raisons, a étudié, lu, s'est apparemment mis au travail, a eu des relations avec des ministres et s'est séparé - il n'est pas difficile de deviner pourquoi :

Je serais heureux de servir, mais être servi est écoeurant, -

il laisse entendre lui-même. Il n’y a aucune mention de « la paresse ardente, de l’ennui oisif », et encore moins de « la tendre passion », en tant que science et métier. Il aime sérieusement, considérant Sophia comme sa future épouse.

Pendant ce temps, Chatsky a dû boire la coupe amère jusqu'au fond - ne trouvant chez personne une « sympathie vivante » et partant, n'emportant avec lui qu'un « million de tourments ».

Ni Onéguine ni Pechorin n'auraient agi de manière aussi stupide en général, notamment en matière d'amour et de jumelage. Mais ils sont déjà devenus pâles et transformés pour nous en statues de pierre, et Chatsky reste et restera toujours en vie pour sa « stupidité ».

Le lecteur se souvient bien sûr de tout ce que Chatsky a fait. Retraçons légèrement le déroulement de la pièce et essayons d'en souligner l'intérêt dramatique de la comédie, le mouvement qui parcourt toute la pièce, comme un fil invisible mais vivant reliant entre elles toutes les parties et tous les visages de la comédie.

Chatsky court vers Sophia, directement du wagon, sans s'arrêter chez lui, lui embrasse passionnément la main, la regarde dans les yeux, se réjouit du rendez-vous, espérant trouver une réponse à son ancien sentiment - et ne la trouve pas. Il a été frappé par deux changements : elle est devenue inhabituellement plus jolie et s'est refroidie envers lui - également inhabituel.

Cela l'intriguait, le bouleversait et l'irritait un peu. En vain, il essaie de saupoudrer le sel de l'humour dans sa conversation, jouant en partie avec sa force, qui, bien sûr, était ce que Sophia aimait avant lorsqu'elle l'aimait - en partie sous l'influence de l'agacement et de la déception. Tout le monde comprend, il a traversé tout le monde - du père de Sophia à Molchalin - et avec quels traits appropriés il dessine Moscou - et combien de ces poèmes sont entrés dans le discours vivant ! Mais tout est vain : souvenirs tendres, bons mots, rien n'y fait. Il ne souffre que de la froideur d'elle jusqu'à ce que, touchant Molchalin de manière caustique, il la touche aussi. Elle lui demande déjà avec une colère cachée s'il lui est arrivé de « dire des choses gentilles à propos de quelqu'un » et disparaît à l'entrée de son père, trahissant Chatsky à ce dernier presque avec sa tête, c'est-à-dire le déclarant le héros du rêve raconté à son père auparavant.

A partir de ce moment, un duel brûlant s'ensuit entre elle et Chatsky, l'action la plus vivante, une comédie au sens étroit, à laquelle deux personnages, Molchalin et Liza, participent étroitement.

Chaque étape de Chatsky, presque chaque mot de la pièce est étroitement liée au jeu de ses sentiments pour Sophia, irrité par une sorte de mensonge dans ses actions, qu'il a du mal à démêler jusqu'à la toute fin. Tout son esprit et toutes ses forces sont consacrés à cette lutte : elle a servi de motif, de motif d'irritation, à ces « millions de tourments », sous l'influence desquels il ne pouvait jouer que le rôle que lui avait indiqué Griboïedov, un rôle d'une importance bien plus grande et bien plus grande que l'amour raté, en un mot, le rôle pour lequel toute la comédie est née.

Chatsky remarque à peine Famusov, répond froidement et distraitement à sa question, où étais-tu ? "Est-ce que je m'en soucie maintenant?" - il dit et, promettant de revenir, s'en va en disant de ce qui l'absorbe :

Comme Sofia Pavlovna est devenue plus jolie pour vous !

Lors de sa deuxième visite, il recommence à parler de Sofia Pavlovna. « Elle n'est pas malade ? a-t-elle ressenti de la tristesse ? - et à tel point qu'il est bouleversé et alimenté par le sentiment de sa beauté épanouie et de sa froideur à son égard, que lorsque son père lui demande s'il veut l'épouser, il demande distraitement : « Que veux-tu ? Et puis, indifféremment, par pudeur seulement, il ajoute :

Laisse-moi te courtiser, que me dirais-tu ?

Et presque sans écouter la réponse, il commente avec lenteur le conseil de « servir » :

Je serais heureux de servir, mais être servi est écoeurant !

Il est venu à Moscou et à Famusov, évidemment pour Sophie et à Sophie seule. Il ne se soucie pas des autres ; Même maintenant, il est ennuyé de n'avoir trouvé que Famusov à sa place. "Comment pourrait-elle ne pas être là?" - se demande-t-il en se souvenant de son ancien amour de jeunesse, que « ni la distance, ni le divertissement, ni le changement de lieu » n'ont refroidi en lui - et il est tourmenté par sa froideur.

Il s'ennuie et discute avec Famusov - et seul le défi positif de Famusov à une dispute fait sortir Chatsky de sa concentration.

Ça y est, vous êtes tous fiers :
Si seulement nous pouvions voir ce que nos pères ont fait

» dit Famussov et dresse ensuite un tableau si grossier et si laid de la servilité que Chatsky ne pouvait pas le supporter et, à son tour, faisait un parallèle entre le siècle « passé » et le siècle « présent ».

Mais son irritation est toujours contenue : il semble avoir honte d'avoir décidé de dégriser Famusov de ses idées ; il s'empresse d'insérer qu'« il ne parle pas de son oncle », que Famusov a cité en exemple, et invite même ce dernier à gronder son âge, enfin, il essaie par tous les moyens d'étouffer la conversation, voyant comment Famusov a couvert ; ses oreilles, il le calme, s'excuse presque.

Ce n'est pas mon désir de prolonger les disputes, -

dit-il. Il est prêt à entrer à nouveau en lui-même. Mais il est réveillé par l’allusion inattendue de Famusov à propos d’une rumeur sur le jumelage de Skalozub.

C'est comme s'il épousait Sofyushka... etc.

Chatsky dressa les oreilles.

Comme il s'agite, quelle agilité !

« Et Sophie ? N'y a-t-il pas vraiment un palefrenier ici ? - dit-il, et bien qu'ensuite il ajoute :

Ah - dis à l'amour la fin,
Qui s'en ira pendant trois ans ! -

mais lui-même n'y croit toujours pas, à l'instar de tous les amoureux, jusqu'à ce que cet axiome amoureux se joue sur lui jusqu'au bout.

Famusov confirme son allusion au mariage de Skalozub, imposant à ce dernier l'idée de «l'épouse du général» et l'invite presque évidemment à un matchmaking.

Ces allusions au mariage ont éveillé les soupçons de Chatsky quant aux raisons du changement de Sophia à son égard. Il a même accepté la demande de Famusov d'abandonner les « fausses idées » et de garder le silence devant l'invité. Mais l'irritation était déjà crescendo 1
Augmentation ( italien.).

Et il est intervenu dans la conversation, pour l'instant avec désinvolture, puis, agacé par les éloges maladroits de Famusov sur son intelligence, etc., il a haussé le ton et s'est résolu par un monologue aigu :

« Qui sont les juges ? etc. Ici commence une autre lutte, importante et sérieuse, toute une bataille. Ici, en quelques mots, le motif principal est entendu, comme dans une ouverture d'opéra, et le véritable sens et le véritable but de la comédie sont évoqués. Famusov et Chatsky se sont lancés le défi :

Si seulement nous pouvions voir ce que nos pères ont fait
Vous devriez apprendre en regardant vos aînés ! -

Le cri militaire de Famusov a été entendu. Qui sont ces anciens et ces « juges » ?