फ़्लैंडर्स की पेंटिंग. 17वीं शताब्दी में फ़्लैंडर्स की कला। फ़्लैंडर्स और हॉलैंड में डच कला की कलात्मक परंपराएँ जारी रहीं। उनके आधार पर, संबंधित विकसित हुए - प्रस्तुति 17वीं शताब्दी की फ्लेमिश कला की विशिष्ट विशेषताएं

फ़्लैंडर्स की कला प्रमुख दिशा बारोक है।
फ्लेमिश बारोक से काफी भिन्न है
इटालियन: बारोक फॉर्म भरे गए
उत्साहपूर्ण जीवन और रंगीन समृद्धि की अनुभूति
शांति, सहजता की भावना, विकास की शक्ति
मनुष्य और प्रकृति.
कलात्मक संस्कृति का आधार यथार्थवाद है,
राष्ट्रीयता, उज्ज्वल प्रसन्नता,
गंभीरता.
शक्तिशाली को चित्रित करने में
रंगात्मकता पर आधारित अलंकरणवाद
प्रभाव

चित्रकारी

पीटर पॉल रूबेन्स (1577-1640)

फ्लेमिश स्कूल के प्रमुख
चित्रकारी।
गतिशील रूप, शक्ति
प्लास्टिक कल्पना,
सजावटी शुरुआत की विजय -
रूबेन्स के काम का आधार।
उनके चित्रों में अथक
प्राचीन नायक अपना जीवन जीते हैं
मिथक, ईसाई किंवदंतियाँ,
ऐतिहासिक शख्सियतें और लोग
लोग।
पी.पी.रूबेन्स सेल्फ-पोर्ट्रेट, 1638

"एलिवेशन ऑफ द क्रॉस" सीए. 1610-1611

"क्रॉस से उतरना" 1611-1614।

"बच्चनलिया" 1615-1620

"बेटी का अपहरण" सूअर का शिकार "ल्यूसिपस" 1619-1620। 1615-1620

"बेटी का अपहरण"
ल्यूसिप्पा"
1619-1620
"सूअर शिकार"
1615-1620

"पर्सियस और एंड्रोमेडा" 1620-1621

साइकिल "लाइफ़ ऑफ़ मैरी डे मेडिसी" (1622-1625)

20 साल की उम्र में रूबेन्स रचना करते हैं
20 बड़ी रचनाएँ
विषय पर
"मैरी डे मेडिसी का जीवन"
अभिप्रेत
सजावट के लिए
लक्ज़मबर्ग पैलेस.
यह इस प्रकार का है
सचित्र स्तोत्र
शासक के सम्मान में
फ्रांस
"मैरी डे मेडिसी का जन्म"
"पोर्ट्रेट प्रस्तुति"

"प्रॉक्सी द्वारा विवाह"
"मैरी डे मेडिसी का आगमन
मार्सिले"
"ल्योन में बैठक"

"मैरी डे मेडिसी का राज्याभिषेक"

इन्फेंटा इसाबेला की "चैम्बरमेड का पोर्ट्रेट" "बेटी का पोर्ट्रेट"

"एक नौकरानी का चित्र
इन्फेंटा इसाबेला"
ठीक है। 1625
"एक बेटी का चित्र"
1616

"किसान नृत्य" 1636-1640

एंथोनी वान डाइक (1599-1641)

12 साल की उम्र से रूबेन्स का छात्र।
एक प्रकार का चमकदार बनाया
कुलीन चित्र,
एक परिष्कृत की छवि
बुद्धिमान, कुलीन
व्यक्ति। वैन डाइक के नायक लोग हैं
नाजुक विशेषताओं के साथ,
दुःख से सराबोर,
स्वप्नदोष. वे सुंदर हैं
अच्छे व्यवहार वाला, शांति से भरा हुआ
आत्मविश्वास।
ए. वैन डाइक सेल्फ-पोर्ट्रेट, 1622-1623

"फैमिली पोर्ट्रेट", "पोर्ट्रेट वीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवीवी।" 1630

"पोर्ट्रेट ऑफ़ ए मैन", "पोर्ट्रेट ऑफ़ चार्ल्स I" 1620। ठीक है। 1635

"पुरुष चित्र"
1620
"चार्ल्स प्रथम का चित्र"
ठीक है। 1635

जैकब जॉर्डन (1593-1678)

कला, बंद करो
लोकतांत्रिक मंडल
फ्लेमिश समाज
हर्षित, पूर्ण
प्लेबीयन अशिष्टता और ताकत।
उन्होंने वेदी के चित्र और पेंटिंग बनाईं
पौराणिक विषयों पर.
मुझे चित्रों के नायक झाड़ियों में मिले
गांवों में भीड़,
शिल्प जिले.
बड़े, अजीब आंकड़े
अनोखा चरित्र और रीति
आम लोग।
जे. जॉर्डन का सेल्फ-पोर्ट्रेट, 1640

"एक व्यंग्यकार एक किसान से मिलने आया" सीए। 1620

"बीन किंग का पर्व" सीए. 1638

रूबेंस फ्रैंस स्नाइडर्स (1579-1657)

स्मारकीय और सजावटी स्थिर जीवन का एक प्रमुख गुरु
उनका स्थिर जीवन प्रचुर है
विभिन्न खाद्य पदार्थ: रसदार फल,
सब्जियाँ, मुर्गीपालन, हिरण, जंगली सूअर,
समुद्री और नदी मछली
मेजों पर ऊँचा ढेर
पैंट्री और बेंच, से लटकी हुई
फर्श पर ओक काउंटर,
दीवारों को लटकाओ.
चमकीले विपरीत रंग
पैमाने का अतिशयोक्ति देता है
असाधारण शक्ति की वस्तुएँ,
बेचैन करने वाली रेखाएँ जन्म देती हैं
गतिशील तूफ़ानी लय.
ए वैन डाइक, पोर्ट्रेट टुकड़ा
फ्रैंस स्नाइडर्स और उनकी पत्नी

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17वीं शताब्दी की शुरुआत में, राष्ट्रीय मुक्ति क्रांति के बाद, नीदरलैंड, जो स्पेनिश शासन के अधीन था, दो भागों में विभाजित हो गया। उत्तरी भाग - नीदरलैंड्स, जिसे हॉलैंड के नाम से भी जाना जाता है - ने स्वतंत्रता हासिल की, और प्रोटेस्टेंटवाद ने वहां जीत हासिल की। नीदरलैंड आज भी मौजूद है। दक्षिणी भाग, जिसे कभी फ़्लैंडर्स कहा जाता था, स्पेनिश शासन के अधीन रहा। इसे आधिकारिक तौर पर कैथोलिक नीदरलैंड के नाम से जाना जाने लगा। देश में कैथोलिक धर्म को जबरन संरक्षित किया गया। फ़्लैंडर्स आधुनिक बेल्जियम के क्षेत्र पर स्थित था, जिसने इसके उत्तर-पश्चिमी भाग पर कब्ज़ा कर लिया था।

यह वह देश है जिसमें उन्होंने काम किया। रूबेन्स को उस समय कलाकारों का राजा और राजाओं का कलाकार कहा जाता था। मास्टर को बड़ी संख्या में ऑर्डर मिले, क्योंकि सभी यूरोपीय राजाओं ने सचमुच यह देखने के लिए प्रतिस्पर्धा की कि उनके संग्रह में सबसे अधिक रूबेन्स पेंटिंग किसके पास होंगी। परिणामस्वरूप, प्रसिद्ध मास्टर ने एक पेंटिंग उत्पादन कंपनी की तरह कुछ का आयोजन किया। उन्होंने एक रेखाचित्र बनाया और मुख्य रचना की रूपरेखा प्रस्तुत की। फिर उनके सहायकों, जिनमें पोर्ट्रेट चित्रकार, लैंडस्केप चित्रकार, पशु चित्रकार और स्थिर जीवन चित्रकार शामिल थे, ने मिलकर एक चित्र बनाया। फिर रूबेन्स अपने ब्रश के साथ शीर्ष पर चले गए, चित्र की एकता की एक निश्चित भावना पैदा की, अपने हस्ताक्षर किए और कैनवास को कुछ राजा को एक प्रभावशाली राशि के लिए बेच दिया गया, पैसा कार्यशाला में विभाजित किया गया और सभी ने जीत हासिल की। और यदि आप एक रुबेंस कैनवास देखते हैं जिसका आकार दीवार का लगभग आधा है, तो इसे बिल्कुल इसी तरह से चित्रित किया गया था।

दूसरी बात यह है कि बेशक, उन्होंने पेंटिंग खुद ही बनाईं। पुश्किन संग्रहालय भाग्यशाली है कि उसके संग्रह में प्रसिद्ध मास्टर की कई मूल पेंटिंग हैं। सभी पुनर्स्थापना और रेडियोग्राफ़िक दस्तावेज़ इस बात की पुष्टि करते हैं कि कैनवास को शुरू से अंत तक रूबेन्स द्वारा स्वयं चित्रित किया गया था।

लेखक ने भगवान बैकस के उत्सवों से संबंधित एक कथानक का चित्रण किया - व्यंग्यकार, जंगल की बकरी के पैर वाली आत्माएं, जो बैकस के अनुचर का हिस्सा थीं। सिलीनस सहित हर कोई आनंदमय नशे में है। दरअसल, यह तस्वीर बिल्कुल अलग विषय को समर्पित है। यह उर्वरता, पृथ्वी की शक्ति, प्रकृति की शक्ति का विषय है। हम सोते हुए व्यंग्यकारों को देखते हैं, फिर नज़र रचना के ऊपरी दाएँ कोने में जागृत व्यंग्य पर जाती है, फिर व्यंग्य पर, जो अपनी गतिविधि के चरम पर होता है, और अंत में, सोते हुए सिलीनस पर जाता है। परिणाम ऋतुओं का एक प्रकार का चक्र है - सर्दी, वसंत, ग्रीष्म और शरद ऋतु। रचना एक एकल अंडाकार में फिट होती है और यह सब अग्रभूमि में शानदार रूपों द्वारा जोर दिया जाता है - गर्भवती व्यंग्यकार, अंगूर के गुच्छे। यानी हम बात कर रहे हैं धरती की उर्वरता, सर्दी के बाद प्रकृति के शाश्वत पुनर्जन्म की। अधिकांश शोधकर्ताओं के अनुसार, यही इस चित्र का विषय है।

रूबेन्स का एक और वास्तविक काम "द एपोथेसिस ऑफ़ द इन्फेंटा इसाबेला" है।

यह एक विजयी द्वार का एक रेखाचित्र है। जब फ़्लैंडर्स के गवर्नर, इन्फैंट फर्डिनेंड, स्पेन से आते हैं, तो शासक के औपचारिक स्वागत के लिए, लकड़ी, यहां तक ​​​​कि प्लाईवुड के दरवाजे भी बनाए जाते हैं और उन्हें पत्थर की तरह दिखने के लिए चित्रित किया जाता है। नया शासक ऐसे विजयी द्वार से शहर में प्रवेश करता है। यह परंपरा कम से कम पूरे आधुनिक काल में विद्यमान थी XVII-XVIII सदियोंविजयी द्वार अक्सर स्थापित किए जाते थे।

ट्रायम्फल गेट बनाते समय, रूबेन्स ने प्रशिक्षुओं, वास्तव में चित्रकारों के साथ काम किया। कलाकार को उन्हें दिखाना था कि इस गेट को कैसे रंगना है। देखिए, स्तंभों में से एक को लगभग चित्रित नहीं किया गया है। इसके बाद, उन्होंने थोड़ी और छाया लगाई, फिर उससे भी अधिक, और अंततः अंतिम संस्करण पूरा किया। दाईं ओर आप एक बमुश्किल रेखांकित छाया, फिर एक मोटी छाया और अंत में तैयार संस्करण भी देख सकते हैं।

वास्तव में, मास्टर ने अपने सहायकों को काम के विभिन्न चरण दिखाए; उन्होंने विजयी गेट स्थापित करने के लिए कुछ प्रकार के दृश्य निर्देश बनाए।

रूबेन्स ने अपनी कार्यशाला में केंद्रीय छवि को चित्रित किया। स्केच में, चित्रकार ने मृतक इन्फेंटा इसाबेला की विजय को दर्शाया। उसे बादलों पर चित्रित किया गया है। उसके बगल में तीन बच्चों वाली एक महिला है, यह दया का प्रतीक है, इस तथ्य का प्रतीक है कि इसाबेला फ़्लैंडर्स का दयालु शासक था। फ़्लैंडर्स - घुटनों के बल एक महिला प्रार्थना में उसकी ओर मुड़ती है, और वह उन्हें उत्तर देती है, फर्डिनेंड की ओर इशारा करती है और कहती है: "यहाँ आपका नया गवर्नर है।"

दाईं ओर आप देख सकते हैं कि कैसे स्पैनिश राजा फ़्लैंडर्स में एक नया गवर्नर भेजता है। "वह मेरे जैसा दयालु और दयालु शासक होगा" - यह विचार इसाबेला के हावभाव में पढ़ा जा सकता है। इस छवि के साथ, फर्डिनेंड की प्रशंसा की गई, उसकी चापलूसी की गई और संकेत दिया गया कि उससे क्या अपेक्षा की जाती है। द्वार अद्भुत ढंग से बनाये गये थे। इस रूपक से ड्यूक को यह दिखाना था कि फ़्लैंडर्स के लिए उसे किस प्रकार का शासक होना चाहिए था।

उन्होंने रूबेन्स की कार्यशाला में भी काम किया।

उन्होंने या तो रूबेन्स वर्कशॉप के नाम से या अपने नाम से काम किया। रूबेन्स की मृत्यु के बाद, जैकब जॉर्डन पेंटिंग के फ्लेमिश स्कूल के प्रमुख बने। संग्रहालय के संग्रह में जोर्डेन्स की कई कृतियाँ शामिल हैं।

- एक प्राचीन किंवदंती की एक छवि, ईसप की कहानी, कि कैसे एक शीतकालीन व्यंग्य वहां रहने वाले किसानों से मिलने के लिए पड़ोसी गांव में गया था। सर्दियों में ग्रीस के पहाड़ों में काफी ठंड हो सकती है, किसान ठंडे थे और अपने हाथों को गर्म करने के लिए उन पर फूंक मारते थे। व्यंग्यकार ने पूछा: "आप अपने हाथों पर क्यों फूंक मार रहे हैं?" किसान ने समझाया कि इस तरह वह अपने हाथ गर्म करता है। तब किसान ने व्यंग्यकार को साधारण रात्रि भोज के लिए अपने घर आमंत्रित किया। स्टू गरम हो गया और किसान उस पर फूंक मारने लगा। तब व्यंग्यकार ने पूछा: "अब आप स्टू पर क्यों फूंक मार रहे हैं, हम इसे और कहाँ गर्म कर सकते हैं, यह पहले से ही गर्म है?" किसान आश्चर्यचकित हुआ और बोला: "अब मैं इसे ठंडा करने के लिए इस पर फूंक मार रहा हूँ।" और व्यंग्यकार ने फैसला किया कि चूंकि किसी व्यक्ति के मुंह से ठंड और गर्मी दोनों आ सकती हैं, तो वह व्यक्ति अविश्वसनीय रूप से दो-मुंह वाला प्राणी है, उसके साथ दोस्ती करना उचित नहीं है, और इससे पहले कि बहुत देर हो जाए वह वापस जंगल में चला गया।

कुल मिलाकर दृश्य अविश्वसनीय रूप से यथार्थवादी दिखता है। जॉर्डन पौराणिक प्राचीन पात्रों को समकालीन पोशाक पहनाता है और वास्तव में, 17वीं शताब्दी के फ्लेमिश किसानों के लिए व्यंग्यकार की यात्रा को दर्शाता है। कलाकार इस दृश्य को और अधिक जीवंत बनाने के लिए ऐसा करता है, ताकि दर्शक और भी अधिक प्रभावित हो और इस कहानी की भावना से ओत-प्रोत हो, ताकि दर्शक पर अधिक प्रभाव डाला जा सके।

इस कमरे में कलाकार की कृतियाँ भी प्रस्तुत की जाती हैं।

- यह एक मास्टर है जिसने रूबेन्स की कार्यशाला में भी काम किया था और एक स्थिर जीवन चित्रकार था। संग्रहालय में खेल और सभी प्रकार की मछलियों को दर्शाने वाली आलीशान स्थिर कलाकृतियाँ हैं - "मछली की दुकान"।

ये फ्लेमिश स्थिर जीवन प्रचुरता, स्वाद की बात करते हैं। वे हमें थोड़े क्रूर लग सकते हैं, लेकिन उस समय के लोगों के लिए यह बहुतायत की एक आनंददायक तस्वीर थी।

संग्रह में कलाकार की पेंटिंग भी शामिल हैं; उनके संग्रह में कार्डिनल पल्लाविसिनी का एक चित्र भी शामिल है, जिसका श्रेय टिटियन को दिया जाता है। सबसे पहले उन्होंने रूबेन्स की कार्यशाला में काम किया, और फिर इंग्लैंड चले गए। मास्टर कुछ आदेशों को पूरा करने के लिए थोड़े समय के लिए वहां गए, और फिर स्थायी रूप से चले गए और, यह कितना भी विरोधाभासी क्यों न लगे, अंग्रेजी स्कूल ऑफ पेंटिंग के संस्थापकों में से एक बन गए।

एक उत्कृष्ट चित्रकार, औपचारिक चित्रांकन के संस्थापक। प्रदर्शनी में एक फ्लेमिश बुर्जुआ, व्यापारी स्टीवंस का चित्र और उनकी पत्नी का चित्र शामिल है। इन्हें बेहद गोपनीय तरीके से बनाया गया है.

यू.डी. कोल्पिंस्की (रूबेन्स टी.पी. पर परिचय और अनुभाग); नीदरलैंड का फ़्लैंडर्स में विभाजन ( 17वीं सदी से फ़्लैंडर्स का मतलब न केवल फ़्लैंडर्स था, जो दक्षिणी नीदरलैंड का सबसे समृद्ध क्षेत्र था, बल्कि संपूर्ण दक्षिणी नीदरलैंड भी था। ) और हॉलैंड डचों के विकास के कारण थाबुर्जुआ क्रांति

बुर्जुआ संबंधों का विकास, यदि पूरी तरह से निलंबित नहीं किया गया, फिर भी काफी धीमा हो गया। कई महत्वपूर्ण उद्योगों को काफी नुकसान हुआ। फ़्लैंडर्स का सबसे बड़ा शहर, एंटवर्प, 1576 में स्पेनिश सैनिकों द्वारा अपनी हार के बाद, विश्व व्यापार और मुद्रा बाजार के केंद्र के रूप में अपना पूर्व महत्व खो चुका है। फिर भी, 17वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के दौरान। देश, जो युद्ध की तबाही से उबर चुका था, ने कुछ आर्थिक सुधार का अनुभव किया।

निरंकुश-कुलीन ताकतों की जीत की स्थितियों में, पूंजीपति वर्ग को पूंजी के भूमि हिस्से में निवेश करने के लिए मजबूर होना पड़ा, जिसे उद्योग के क्षेत्र में आवेदन नहीं मिला। कृषि के साथ-साथ कुछ नए उद्योग (रेशम बुनाई, फीता, कांच) भी अच्छे से विकसित हुए। इस तथ्य के बावजूद कि यह वृद्धि सीमित और अस्थायी थी और राष्ट्र की राजनीतिक गतिविधि में गिरावट के माहौल में हुई थी, फिर भी यह संस्कृति के विकास पर प्रभाव डालने में मदद नहीं कर सका। लेकिन उत्तरार्द्ध के लिए और भी महत्वपूर्ण तथ्य यह था कि फ़्लैंडर्स में पराजित होने के बाद भी डच क्रांति ने लोगों के बीच अटूट ताकतों को जागृत किया, जिसका प्रभाव फ्लेमिश कलात्मक संस्कृति में स्पष्ट रूप से महसूस किया गया है।

17वीं सदी में फ़्लैंडर्स में प्रगतिशील सामाजिक रुझान मुख्य रूप से कला के क्षेत्र में सन्निहित थे, जहाँ उन्हें प्रमुख व्यवस्था और प्रमुख विचारधारा के साथ खुले विरोधाभास में प्रवेश किए बिना व्यक्त किया गया था।

फ्लेमिश कला का उत्कर्ष 17वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध को दर्शाता है। इसी समय उल्लेखनीय फ्लेमिश कला विद्यालय ने आकार लिया, जिसने इतिहास में उत्कृष्ट स्थान प्राप्त किया यूरोपीय संस्कृतिऔर जिसने रूबेंस, वैन डाइक, जॉर्डन, स्नाइडर्स, ब्रौवर जैसे उस्तादों को जन्म दिया।

महलों, मंदिरों और विभिन्न निगमों के आदेशों ने, विशेष रूप से सदी के पूर्वार्ध में, चित्रकला में स्मारकीय और सजावटी प्रवृत्तियों के व्यापक प्रसार में योगदान दिया। यह पेंटिंग में था कि फ्लेमिश संस्कृति की प्रगतिशील विशेषताएं पूरी तरह से व्यक्त की गईं: यथार्थवाद, राष्ट्रवाद, उज्ज्वल उत्साह, छवियों का गंभीर उत्सव।

फ़्लैंडर्स में, आधिकारिक तौर पर प्रमुख कला बारोक थी। इसके अलावा, यह इटली के साथ-साथ फ़्लैंडर्स था, जो 17वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में दिखाई दिया। कला में बारोक आंदोलन के गठन के मुख्य केंद्रों में से एक। हालाँकि, फ्लेमिश बारोक कई मायनों में इतालवी से काफी भिन्न था। रूबेन्स, जॉर्डन, स्नाइडर्स और अन्य उस्तादों की कला ने ऊंचे और गंभीर रूपों में फ्लेमिश समाज की महत्वपूर्ण शक्तियों द्वारा उत्पन्न जीवन-पुष्टि आशावाद की भावना को प्रतिबिंबित किया। रूबेंस की कला में व्यक्त फ़्लैंडर्स में बारोक के विकास की यही विशेषता थी, जिसने बारोक प्रणाली के ढांचे के भीतर यथार्थवादी विशेषताओं को विकसित करना संभव बना दिया, और, इसके अलावा, जितना संभव था उससे कहीं अधिक हद तक। इटली में।

फ़्लैंडर्स में सापेक्ष विकास की अवधि 17वीं शताब्दी के मध्य के आसपास समाप्त होती है। स्पैनिश निरपेक्षता के तहत, फ्लेमिश अर्थव्यवस्था में गिरावट आई। फ़्लैंडर्स का सामाजिक और सांस्कृतिक जीवन तेजी से स्थिर और रूढ़िवादी होता जा रहा है।

स्पैनिश संरक्षक की स्थापना और प्रमुख धर्म के रूप में कैथोलिक धर्म के संरक्षण ने 17वीं शताब्दी में फ्लेमिश धार्मिक वास्तुकला का कारण बना। जेसुइट्स द्वारा प्रचारित रोमन बारोक के रूपों का प्रसार। कुछ प्रारंभिक फ्लेमिश चर्च भवनों का प्रोटोटाइप रोम में गेसू चर्च था (जे. फ्रैंकार्ड द्वारा ब्रुसेल्स में 1606-1616 का जेसुइट चर्च, जो आज तक नहीं बचा है, एंटवर्प में सेंट चार्ल्स बोरोमियन चर्च, पी. हेसेन्स द्वारा) , 1614-1621). हालाँकि, जल्द ही फ़्लैंडर्स के आर्किटेक्ट स्थानीय परंपराओं के आधार पर बारोक का एक मूल संस्करण बनाने में सक्षम हो गए। यह योजना और वॉल्यूमेट्रिक-स्थानिक समाधानों की परिष्कार और मौलिकता से इतना अलग नहीं है, बल्कि गंभीर और उत्सवपूर्ण सजावट की सामान्य भावना से है, जिसने इमारतों के पहलुओं में अपनी सबसे पूर्ण अभिव्यक्ति पाई है। सदी के उत्तरार्ध के वास्तुकला के सर्वोत्तम कार्यों में सेंट चर्च का नाम लिया जा सकता है। माइकल इन लौवेन (1650-1666) जी. हेसियस द्वारा और ब्रुसेल्स चर्च ऑफ़ जॉन द बैपटिस्ट ऑफ़ द ऑर्डर ऑफ़ द बेगुइन्स (1657-1676)। इसके लेखक, मालिन (1617-1697) के लुकास फिदेरबे, जो 17वीं शताब्दी के सबसे प्रसिद्ध फ्लेमिश वास्तुकारों और मूर्तिकारों में से एक हैं, ने यहां तीन पेडिमेंट के रूप में एक मूल मुखौटा समाधान का उपयोग किया, जिनमें से केंद्रीय पार्श्व वाले पर हावी है। ट्रिपल और डबल पायलटर्स, कॉलम, वॉल्यूट्स, टूटे हुए पेडिमेंट और विभिन्न सजावटी रूपांकनों. एक जटिल और मनमौजी सिल्हूट की विशेषता वाली इस खूबसूरत इमारत के अलग-अलग तत्वों को एक साथ जोड़ने में फेदेरबे कामयाब रहे।

सबसे अधिक रुचि 17वीं शताब्दी के फ़्लैंडर्स की वास्तुकला में है। हालाँकि, यह सांस्कृतिक नहीं, बल्कि धर्मनिरपेक्ष निर्माण का प्रतिनिधित्व करता है, जिसमें सदियों से विकसित हुई स्थानीय परंपराएँ अधिक पूर्ण और स्पष्ट रूप से प्रकट हो सकती हैं। वे इतने मजबूत और महत्वपूर्ण थे कि रूबेन्स का अधिकार भी, जिनका फ़्लैंडर्स के कलात्मक जीवन के कई क्षेत्रों में प्रभाव निर्णायक था, उनके सामने शक्तिहीन था। इटली में रहते हुए, रूबेन्स ने जेनोआ का दौरा किया, जहां वह 16वीं शताब्दी की वास्तुकला के शानदार कार्यों से मंत्रमुग्ध हो गए। अपनी मातृभूमि में लौटने पर, उन्होंने जो वास्तुशिल्प रेखाचित्र पूरे किए, उन्हें निकोलस रिज्केमैन्स ने उकेरा और 1622 में एंटवर्प में प्रकाशित दो खंडों वाली पुस्तक "पैलेस ऑफ जेनोआ" का निर्माण किया। जेनोइस वास्तुकला का अध्ययन न केवल रूबेन्स के लिए था संज्ञानात्मक रुचि. अत्यधिक रचनात्मक गतिविधि के व्यक्ति, उन्होंने फ्लेमिश वास्तुकला में आमूल-चूल परिवर्तन का सपना देखा। उनकी राय में, जेनोइस पलाज़ो को फ़्लैंडर्स की नई धर्मनिरपेक्ष वास्तुकला के लिए एक मॉडल बनना था।

हालाँकि, फ्लेमिश धरती पर स्मारकीय महल का प्रकार विकसित नहीं हुआ। इटालियन भावना में इसे 1611-1618 में बनाया गया था। एंटवर्प में रूबेन्स का अपना घर केवल एक ही काम का है। छोटा पहनावा, जिसमें चित्रित अग्रभाग, प्रवेश द्वार और मंडप के साथ एक उद्यान वाली कई इमारतें शामिल थीं, बाद में मालिक से मालिक के पास चली गईं, और महत्वपूर्ण पुनर्निर्माण किया गया। 1937 में, इसके जीर्णोद्धार पर प्रमुख कार्य शुरू हुआ, जो 1947 में पूरा हुआ।

अब भी, इस तथ्य के बावजूद कि अपने वर्तमान स्वरूप में रूबेन्स का घर काफी हद तक पुनर्निर्माण का परिणाम है, कोई भी महान कलाकार के घर की रोमांचक अपील को महसूस कर सकता है, जिसमें डच आंतरिक सज्जा का घरेलू आराम वॉल्यूमेट्रिक की गंभीरता के साथ संयुक्त है- एक इटालियन पलाज़ो की स्थानिक संरचना। रूबेंस को प्रेरित करने वाले वास्तुशिल्प आदर्शों को सबसे अच्छे संरक्षित भागों के डिजाइन में विशिष्ट रूप से अपवर्तित किया गया था - तीन-स्पैन के रूप में मुख्य प्रवेश द्वार विजय स्मारक, बड़े पैमाने पर देहाती सजावट, मूर्तिकला सजावट के साथ सजाया गया है और एक सुंदर कटघरा के साथ-साथ एक छोटे से सुरुचिपूर्ण उद्यान मंडप में ताज पहनाया गया है।

रूबेन्स का घर 17वीं शताब्दी के फ्लेमिश धर्मनिरपेक्ष वास्तुकला के विकास की सामान्य तस्वीर में कुछ अपवाद का प्रतिनिधित्व करता है। पिछली शताब्दियों की तरह, तीन या चार कुल्हाड़ियों और एक उच्च पेडिमेंट के एक संकीर्ण अग्रभाग के साथ बहुमंजिला (पांच मंजिल तक) घर का प्रकार, जो मध्य युग में नीदरलैंड में उत्पन्न हुआ था, फ़्लैंडर्स में प्रमुख था। किनारे की खाली दीवारों से संपर्क करते हुए, इमारतें सड़क की ओर मुख करके खड़ी हो गईं, जिससे एक सतत सड़क इमारत बन गई।

17वीं शताब्दी की आवासीय वास्तुकला का विकास। फ़्लैंडर्स में इसने मुख्य रूप से युग के अनुरूप अग्रभागों के लिए वास्तुशिल्प और सजावटी डिजाइन के नए रूप बनाने का मार्ग अपनाया। त्रिकोणीय या चरणबद्ध पेडिमेंट की सख्त रेखाओं ने अधिक जटिल और विचित्र बारोक रूपरेखाओं का मार्ग प्रशस्त किया, अग्रभाग की सतह को बड़े पैमाने पर पायलटों, स्तंभों, कैरेटिड्स, मूर्तियों, बेस-रिलीफ और आभूषणों से सजाया गया था।

दुर्भाग्य से, 17वीं शताब्दी के फ्लेमिश वास्तुकला के सभी सुंदर स्मारक नहीं हैं। हमारे दिन आ गए हैं. बार-बार होने वाली आग और 1695 में फ्रांसीसी सैनिकों द्वारा ब्रुसेल्स में विशेष रूप से भीषण गोलाबारी ने उनमें से कई को नष्ट कर दिया। गोलाबारी के बाद, 1696-1720 में। वास्तुकार गुइलाउम डी ब्रुने (1649-1719) के नेतृत्व में, ब्रुसेल्स ग्रैंड प्लेस को बहाल किया गया था - यूरोप में उल्लेखनीय वर्गों में से एक, जो किसी को फ़्लैंडर्स में विकसित शहरी पहनावा के चरित्र का न्याय करने की अनुमति देता है।

पुराने शहर का केंद्र - ग्रैंड प्लेस - एक आयताकार वर्ग है जिसकी भुजाएँ 110 X 68 मीटर हैं। निरंतर परिधि विकास, केवल चौक की ओर जाने वाली संकीर्ण और अगोचर सड़कों के निकास से बाधित है, जो समूह को सख्त अलगाव का आभास देता है। . चौक के दक्षिणी किनारे पर स्थित, 15वीं शताब्दी का प्रसिद्ध टाउन हॉल, जो अपने पैमाने और अपने रूपों की सुंदरता के लिए खड़ा है, काफी हद तक अन्य इमारतों के स्थापत्य रूपों की पूरी विविधता को अपने अधीन करता है जो इसके साथ एक कलात्मक एकता बनाते हैं, इस तथ्य के बावजूद कि वर्ग का वास्तुशिल्प परिसर कभी-कभी काफी विषम इमारतों से बना होता है इस प्रकार, इसके पूरे पूर्वी हिस्से पर ड्यूक ऑफ ब्रैबेंट के महल का कब्जा था - 1698 में गुइलाउम डी ब्रुने द्वारा बनाई गई एक इमारत, जिसने अपने व्यापक अग्रभाग के साथ छह पुराने गिल्ड घरों को एकजुट किया था। लेकिन अपने स्वरूप में लगभग शास्त्रीय यह संरचना यहां परायी नहीं लगती। सामूहिकता की भावना ने ग्रैंड प्लेस बनाने वाले कारीगरों को सुझाव दिया कि चौक के उत्तरी किनारे पर टाउन हॉल को एक ओपनवर्क आर्केड के साथ अनाज बाजार की खूबसूरत इमारत के साथ जोड़ा जाए, जिसे व्यंजन रूपों में कुशलतापूर्वक शैलीबद्ध किया गया है, जिसे बेहतर रूप में जाना जाता है। राजा का घर. लेकिन कुछ भी वर्ग को इतना जीवंत नहीं बनाता ऊंची इमारतोंदुकानें और निगम, जिनमें से सबसे अच्छे पश्चिम की ओर बने हैं। अद्भुत सरलता के साथ, इन बहुमंजिला संकीर्ण अग्रभागों को हरे-भरे पेडिमेंट्स के साथ सजाया गया है, जिसमें वॉल्यूट्स को फूलों की मालाओं (फॉक्स हाउस) के साथ जोड़ा जाता है या जहाज के स्टर्न के एक असामान्य रूप का उपयोग किया जाता है, जैसा कि बोटमेन कॉर्पोरेशन हाउस में होता है। सुरुचिपूर्ण पोशाक के आभूषणों की छाप को गिल्डिंग के उपयोग से बढ़ाया जाता है, जो वर्ग की सभी इमारतों के सजावटी विवरणों को कवर करता है और समय के साथ अंधेरे हुए अग्रभागों पर मंद रूप से टिमटिमाता है।

फ्लेमिश मूर्तिकला 17वीं शताब्दी। वास्तुकला के साथ बारोक कला की सामान्य मुख्यधारा में विकसित हुआ। इसने न केवल इमारतों के अग्रभागों को बहुतायत से सजाया, बल्कि उनके अंदरूनी हिस्सों में भी इसे कई तरह से दर्शाया गया। फ़्लैंडर्स के गॉथिक और बारोक चर्च इस प्लास्टिक कला के उत्कृष्ट उदाहरणों को संरक्षित करते हैं: मृतकों की मूर्तियों के साथ कब्र के पत्थरों की सरकोफेगी, संगमरमर की वेदियां, आभूषणों से ढंके उपासकों के लिए नक्काशीदार बेंच, मूर्तिकला सजावट से समृद्ध लकड़ी के उपदेशात्मक मंच, कन्फेशनल आदि। स्थापत्य संरचनाएँऔर कैराटिड्स, बेस-रिलीफ और पदकों से सजाया गया। सामान्य तौर पर, अंत्येष्टि मूर्तियों के अपवाद के साथ जिसमें चित्र चित्र बनाए गए थे, फ्लेमिश मूर्तिकला में एक स्पष्ट सजावटी चरित्र था। उनकी कलात्मक भाषा की विशेषताओं की संरचना में दो शक्तिशाली स्रोत विलीन होते दिखे। एक ओर, यह बर्निनी के नेतृत्व में इतालवी मूर्तिकला थी, जिसका प्रभाव इस तथ्य से बढ़ा था कि अधिकांश फ्लेमिश मास्टर्स ने इटली का दौरा किया और उनमें से कुछ ने लंबे समय तक वहां काम किया। दूसरी ओर, स्थानीय कलात्मक परंपरा और मुख्य रूप से रूबेन्स की कला का प्रभाव अधिक शक्तिशाली था। बारोक रूपों में विकसित होकर, मूर्तिकला ने लोक शिल्प और पत्थर और लकड़ी की नक्काशी की प्राचीन परंपराओं के सदियों पुराने अनुभव को भी अवशोषित किया।

मूर्तिकला के क्षेत्र में फ़्लैंडर्स 17वीं शताब्दी। एक भी महान गुरु नहीं दिया. फिर भी, यहाँ निर्मित कार्यों का सामान्य कलात्मक स्तर बहुत ऊँचा था। हम प्रतिभाशाली मूर्तिकारों की एक पूरी श्रृंखला के बारे में बात कर सकते हैं जिन्होंने इस समय सफलतापूर्वक काम किया, जो अक्सर स्वामी, ब्रुसेल्स, एंटवर्प, मालिन और अन्य शहरों के मूल निवासियों के पारिवारिक राजवंशों द्वारा प्रतिनिधित्व किया जाता है।

मूर्तिकारों के ड्यूकसनॉय परिवार की गतिविधियाँ 17वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध से चली आ रही हैं। इसके नेता, जेरोम डुक्सनॉय (1570-1641 से पहले), ब्रुसेल्स ग्रैंडप्लेस के पास बने एक फव्वारे के लिए एक बेहद लोकप्रिय मूर्ति के लेखक थे, जिसमें एक शरारती बच्चे को पानी की धार छोड़ते हुए दर्शाया गया है, जिसे पुतला-पिस के नाम से जाना जाता है। मैनकेन (फ्लेमिश में - छोटा आदमी) लंबे समय से शहर के निवासियों का असली पसंदीदा रहा है, जो उसे "ब्रुसेल्स का सबसे बुजुर्ग नागरिक" कहते हैं। जेरोम के सबसे बड़े बेटे, फ्रांकोइस ड्यूकसनॉय (1594 - 1643), जिसे 1618 में आर्चड्यूक अल्बर्ट द्वारा रोम भेजा गया था, ने मुख्य रूप से इटली में काम किया, सेंट कैथेड्रल की सजावट में बर्निनी के साथ सहयोग किया। पेट्रा. रोम के कलात्मक वातावरण के प्रभाव ने काफी हद तक उनकी रचनात्मक उपस्थिति को निर्धारित किया, जिसके कारण उनकी कला फ़्लैंडर्स की तुलना में इटली से अधिक संबंधित है। उनके दूसरे बेटे, जेरोम ड्यूक्सनोय द यंगर (1602-1654) के काम में, राष्ट्रीय पहचान की विशेषताएं अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट हुईं।

मूल रूप से फ्रांकोइस द्वारा कमीशन किया गया था, लेकिन अनिवार्य रूप से जेरोम द्वारा बनाया गया, सेंट कैथेड्रल में आर्कबिशप ट्रिस्ट का मकबरा। गेन्ट में बवोना (1643-1654) उनके सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक है। सफेद और काले संगमरमर से बना, समाधि का पत्थर स्तंभों और स्तंभों से सुसज्जित एक संरचना है, जहां आर्चबिशप की लेटी हुई आकृति के साथ ताबूत के किनारों पर ईश्वर की माता और ईसा मसीह की प्रतिमाएं स्थित हैं।

एंटवर्प मास्टर्स, क्वेलिन्स के परिवार की कला से एक पूरे स्कूल का जन्म हुआ, जिसके संस्थापक फ्रांकोइस ड्यूक्सनॉय के छात्र आर्ट क्वेलिन द एल्डर (1609-1668) थे। 1650 से एम्स्टर्डम में काम करते हुए, वह सिटी हॉल की शानदार बाहरी और आंतरिक सजावट के निर्माता थे। एक हॉल में कैराटिड्स की विशाल आकृतियों और स्वतंत्र रूप से निष्पादित मल्टी-फिगर बेस-रिलीफ के साथ उनकी दीवार की सजावट विशेष रूप से प्रसिद्ध है। 1654 में एंटवर्प लौटने पर, मास्टर ने शहर के चर्चों के लिए कई मूर्तियां बनाईं।

सदी के उत्तरार्ध में, पहले से उल्लेखित लुकास फेइदेर्बे का काम विकसित हुआ, जिन्होंने शुरुआत में मूर्तिकला के क्षेत्र में काम किया था। मालिन्स्की मूर्तिकारों के परिवार के एक प्रतिनिधि, लुकास फेइदेर्बे को कार्यशाला में प्रशिक्षित किया गया था

रुबेंस, जो उसे अपने सभी छात्रों से अधिक प्यार करता था। फेदेरबे की मुख्य कृतियाँ उनके द्वारा मालिन में बनाई गईं और सेंट कैथेड्रल में स्थित हैं। रोमुअलड. यह एक विशाल, भव्य वेदी (1665-1666) है जो काले और सफेद संगमरमर से बनी है, जिसके शीर्ष पर सोने का पानी चढ़ा हुआ है, बेस-रिलीफ से सजाया गया है और सेंट की एक विशाल (3.75 मीटर) प्रतिमा से सुसज्जित है। रोमुअलड. आर्कबिशप क्रुसेन (1669) की समाधि का पत्थर भी बड़ी कुशलता से बनाया गया था। फ्लेमिश प्लास्टिक कला की परंपराएं बाहरी रूप से अधिक शानदार, लेकिन स्पष्ट रूप से इतालवी उदाहरणों की नकल करते हुए, लीज मास्टर जीन डेलकोर्ट द्वारा बिशप डी'एलोमोंट (1673 के बाद; गेन्ट, सेंट बावो कैथेड्रल) की कब्र की तुलना में अधिक दृढ़ता से व्यक्त की गई हैं। बर्निनी के छात्र। इस मूर्तिकार का काम, जो ब्रावुरा की विशेषताओं से चिह्नित है और रूपों की गतिशीलता पर जोर देता है, एक ही समय में अधिक पारंपरिक बारोक चरित्र था, डेलकोर्ट के कार्यों ने फ्लेमिश प्लास्टिक कला में बढ़ती धूमधाम और जटिलता की ओर बढ़ती प्रवृत्ति को प्रतिबिंबित किया। कलात्मक छवि.

17वीं सदी की शुरुआत में. फ़्लैंडर्स की पेंटिंग में, कारवागिस्ट दिशा विकसित हो रही थी, हालाँकि, यहाँ अन्य यूरोपीय देशों की तरह उतना महत्व नहीं था। यदि फ्लेमिश कारवागिस्ट थियोडोर रोम्बाउट्स (1597-1637) और जेरार्ड सेगर्स (1591-1651) ने अपने कार्यों में स्थापित टेम्पलेट का पालन किया, तो अब्राहम जानसेन्स (1575-1632) का काम अधिक मौलिकता और ताजगी की विशेषताओं से चिह्नित है। उनकी लोक-प्रकार की छवियों की परिपूर्णता और रूपक और पौराणिक रचनाओं की स्पष्ट सजावट में, राष्ट्रीय चित्रकला की परंपराओं के साथ सीधा संबंध महसूस किया जाता है। 1630 के दशक से फ्लेमिश कारवागिज़्म के स्वामी रूबेन्स की कला के प्रभाव में आए।

फ़्लैंडर्स के महानतम कलाकार और महान उस्तादों में से एक यूरोपीय चित्रकलासत्रवहीं शताब्दी पीटर पॉल रूबेन्स (1577-1640) का जन्म जर्मनी के सीजेन शहर में हुआ था, जहां रूबेन्स के पिता, एक वकील, जिन्होंने फ़्लैंडर्स के सार्वजनिक जीवन में कुछ भूमिका निभाई थी, नीदरलैंड में गृहयुद्ध के दौरान प्रवास कर गए थे। अपने पिता की मृत्यु के तुरंत बाद, माँ और उनका बेटा एंटवर्प लौट आए, जहाँ भविष्य के कलाकार ने उस समय के लिए उत्कृष्ट शिक्षा प्राप्त की।

व्यापक रूप से प्रतिभाशाली, मानव ज्ञान की संपूर्ण संपदा में महारत हासिल करने का प्रयास करते हुए, रूबेन्स ने बहुत पहले ही पेंटिंग में अपने जीवन का मुख्य व्यवसाय पाया। पहले से ही 1591 में, उन्होंने छोटे कलाकारों टोबीस वेरहाचट और एडम वैन नूर्ट के साथ पहली बार अध्ययन किया। फिर वह देर से डच रोमनवाद के एक प्रमुख प्रतिनिधि ओटो वैन वेन (वेनियस) के पास चले गए। लेकिन उपन्यासकारों की पेंटिंग की भावना रूबेन्स की प्रतिभा से अलग रही।

रूबेन्स के चित्रकला कौशल के निर्माण के लिए इतालवी पुनर्जागरण की कला और रूबेन्स के समकालीन इतालवी कला का प्रत्यक्ष अध्ययन बहुत महत्वपूर्ण था। 1600 से 1608 तक, रूबेन्स इटली में रहे और मंटुआ के ड्यूक, विन्सेन्ज़ो गोंजागा के दरबारी चित्रकार के रूप में सेवा की। पुनर्जागरण के महान आचार्यों के कार्यों की असंख्य प्रतियों, इटली के कलात्मक जीवन से घनिष्ठ परिचय ने रूबेन्स के कलात्मक क्षितिज का विस्तार किया। उच्च पुनर्जागरण के महान गुरुओं के काम का अध्ययन करते हुए, उन्हें उसी समय व्यवहारवाद पर काबू पाने के संघर्ष के अनुभव को ध्यान में रखने का अवसर मिला, जिसका नेतृत्व कारवागियो ने उस समय इटली में किया था। रूबेन्स द्वारा निःशुल्क व्यवस्था कारवागियो पेंटिंग"एन्टोम्बमेंट" स्पष्ट रूप से इस मास्टर के काम में रूबेन्स की रुचि को दर्शाता है। उच्च पुनर्जागरण के उस्तादों में, रूबेन्स ने विशेष रूप से लियोनार्डो दा विंची, माइकल एंजेलो और टिटियन के काम की सराहना की। लेकिन अपनी चित्रात्मक विशेषताओं और जीवन की भावना के संदर्भ में, रूबेन्स की कला, इतालवी पुनर्जागरण के साथ अपने सभी संबंधों के साथ, शुरू से ही एक स्पष्ट फ्लेमिश चरित्र थी। यह उल्लेखनीय है कि रूबेन्स की रचनात्मकता वास्तव में फ़्लैंडर्स लौटने पर और उन कलात्मक समस्याओं को हल करने की प्रक्रिया में सामने आई, जो उनके मूल देश में सार्वजनिक जीवन की स्थितियों ने उनके सामने रखी थीं।

आदेशों से अभिभूत, रूबेन्स ने एक विशाल कार्यशाला बनाई जिसमें प्रतिभाशाली फ्लेमिश कलाकारों के एक पूरे समूह को एक साथ लाया गया। कई यूरोपीय राजधानियों के महलों और मंदिरों को सजाते हुए, यहां बड़ी संख्या में बड़े कैनवस बनाए गए थे। स्केच आमतौर पर रूबेन्स द्वारा स्वयं बनाया गया था, जबकि ज्यादातर मामलों में पेंटिंग उनके सहायकों और छात्रों द्वारा पूरी की गई थी। जब पेंटिंग तैयार हो गई, तो रूबेन्स ने अपने ब्रश से उस पर काम किया, उसे पुनर्जीवित किया और मौजूदा कमियों को दूर किया। लेकिन रूबेन्स की सर्वश्रेष्ठ पेंटिंग शुरू से अंत तक स्वयं मास्टर द्वारा चित्रित की गईं। रूबेन्स की रचनात्मक उपलब्धियाँ और अपने समय के सबसे शिक्षित लोगों में से एक के रूप में उनका अधिकार, और अंततः, उनके व्यक्तित्व के आकर्षण ने फ़्लैंडर्स के सार्वजनिक जीवन में उनके उच्च स्थान को निर्धारित किया। उन्होंने अक्सर फ़्लैंडर्स के शासकों से महत्वपूर्ण राजनयिक कार्यभार संभाला और पूरे पश्चिमी यूरोप में बड़े पैमाने पर यात्रा की। उस समय के राजनेताओं और विशेष रूप से संस्कृति के प्रमुख प्रतिनिधियों के साथ उनका पत्राचार उनके क्षितिज की व्यापकता और उनके विचारों की समृद्धि से आश्चर्यचकित करता है। उनके पत्रों में कला के बारे में कई दिलचस्प निर्णय हैं जो रूबेन्स की प्रगतिशील कलात्मक स्थिति को स्पष्ट रूप से चित्रित करते हैं।

सामान्य तौर पर, रूबेन्स के काम को निम्नलिखित तीन चरणों में विभाजित किया जा सकता है: प्रारंभिक - 1620 तक, परिपक्व - 1620 से 1630 तक और देर से, उनके जीवन के अंतिम दशक को कवर करते हुए। रूबेन्स के रचनात्मक विकास की एक विशेषता यह थी कि एक चरण से दूसरे चरण में संक्रमण अचानक हुए बिना, धीरे-धीरे होता था। उनकी कला यथार्थवाद की निरंतर बढ़ती गहराई, जीवन के व्यापक कवरेज और बाहरी नाटकीय बारोक प्रभाव पर काबू पाने की दिशा में विकसित हुई, जिसकी विशेषताएं उनके काम के शुरुआती दौर में रूबेन्स की अधिक विशेषता थीं।

प्रारंभिक काल की शुरुआत में (लगभग 1611-1613 तक), कारवागियो का प्रभाव अभी भी रूबेन्स के काम में महसूस किया जा सकता है, विशेष रूप से वेदी और पौराणिक रचनाओं में, और चित्रों में - व्यवहारवाद की अंतिम गूँज। सच है, इन प्रभावों को छवि की समझ की तुलना में तकनीक में, रूप की कुछ विशेषताओं में अधिक महसूस किया जाता है। इस प्रकार, उनकी पहली पत्नी, इसाबेला ब्रैंट (1609-1610; म्यूनिख) के साथ स्व-चित्र कुछ हद तक कठोर तरीके से बनाया गया था। रूबेन्स शानदार वेशभूषा के सभी विवरण लिखते हैं और उत्कृष्ट और सटीक चित्र दिखाते हैं। रूबेन्स स्वयं और उनके चरणों में बैठी उनकी पत्नी को बाहरी सामाजिक अनुग्रह से भरी मुद्रा में दर्शाया गया है। और फिर भी, उनके आपस में गुंथे हुए हाथों की गति के सच्चे प्रतिपादन में, एक औपचारिक चित्र की परंपराएँ दूर हो जाती हैं। कलाकार ने दर्शकों को अपने प्यारे पति के प्रति अपनी पत्नी की भरोसेमंद कोमलता और युवा रूबेन्स के चरित्र की शांत प्रसन्नता दोनों को महसूस करने की अनुमति दी। ललित कला संग्रहालय में "एक युवा महिला का चित्रण" निष्पादन समय के संदर्भ में इस काम के करीब है। मॉस्को में ए.एस. पुश्किन।

"द एक्साल्टेशन ऑफ़ द क्रॉस" (सी. 1610-1611; एंटवर्प, कैथेड्रल) में यह स्पष्ट रूप से दिखाई देता है कि कैसे रूबेन्स कारवागियो और वेनेटियन की विरासत का अध्ययन करते समय प्राप्त अनुभव पर पुनर्विचार करते हैं। कारवागियो ने रूबेन्स को प्रकृति को उसकी संपूर्ण वस्तुनिष्ठ भौतिकता और महत्वपूर्ण चरित्र में देखने में मदद की। साथ ही, रूबेन्स के अभिव्यंजक आंकड़े ताकतों के ऐसे दयनीय तनाव, ऐसी गतिशीलता से ओत-प्रोत हैं जो कारवागियो की कला के लिए विदेशी थे। हवा के झोंके से झुका हुआ पेड़, क्रूस पर चढ़ाए गए ईसा मसीह के साथ क्रॉस उठाने वाले लोगों के तीव्र प्रयास, आकृतियों के तेज कोण, प्रकाश की बेचैन करने वाली चमक और तनाव से कांपती मांसपेशियों पर फिसलती छाया - सब कुछ तीव्र गति से भरा है। रुबेंस संपूर्ण को उसकी विविध एकता में पकड़ लेता है। प्रत्येक व्यक्ति अपने वास्तविक चरित्र को अन्य पात्रों के साथ बातचीत के माध्यम से ही प्रकट करता है।

सामान्य तौर पर, इस अवधि की रूबेन्स की पेंटिंग उनकी स्मारकीय सजावट, तेज और प्रभावी विरोधाभासों द्वारा प्रतिष्ठित हैं। यह निर्णय आंशिक रूप से रूबेन्स के कार्यों के उद्देश्य से निर्धारित किया गया था। वे वेदी रचनाएँ हैं जो चर्च के आंतरिक भाग में एक निश्चित स्थान रखती हैं। उनकी प्राकृतिक सेटिंग से छीनकर संग्रहालयों की दीवारों पर स्थानांतरित कर दी गई, रूबेन्स की वेदी रचनाएँ अब कभी-कभी कुछ हद तक कृत्रिम प्रभाव पैदा करती हैं। इशारे अतिशयोक्तिपूर्ण लगते हैं, पात्रों का मेल बहुत कठोर और सरल है, रंग का तार, हालांकि पूर्ण है, अत्यधिक मजबूत है।

वहीं, रूबेन्स ने अपनी बेहतरीन रचनाओं में खुद को केवल बाहरी प्रभावों तक ही सीमित नहीं रखा। इसका प्रमाण उनके एंटवर्प "डिसेंट फ्रॉम द क्रॉस" (1611-1614) से मिलता है। मसीह का भारी और मजबूत शरीर भारी प्रयास के साथ झुक जाता है, उसके प्रियजन उसके शरीर को लटकाए रखने की कोशिश करते हैं; घुटनों के बल बैठी मैग्डलीन उत्साहपूर्वक अपने हाथ मसीह की ओर बढ़ाती है; शोकाकुल आनंद में, मैरी अपने बेटे के शरीर को गले लगाने की कोशिश करती है। इशारे हिंसक और उग्र हैं, लेकिन संपूर्ण की सामान्य अतिरंजित अभिव्यक्ति के भीतर, भावनाओं और अनुभवों के क्रम बड़ी सच्चाई के साथ सन्निहित हैं। मैरी के चेहरे पर गहरा दुख झलकता है, मैग्डलीन की निराशा सच्ची है।

रूबेन्स की इस पेंटिंग की वक्तृत्वपूर्ण करुणा कायल है क्योंकि यह चित्रित घटना के ईमानदार अनुभव पर आधारित है - मृत नायक के लिए दोस्तों और रिश्तेदारों का दुःख। दरअसल, रूबेन्स को कथानक के धार्मिक-रहस्यमय पक्ष में कोई दिलचस्पी नहीं है। सुसमाचार मिथक में, वह जुनून और अनुभवों से आकर्षित होता है - महत्वपूर्ण, उनके मूल में मानवीय। रूबेन्स धार्मिक कथानक की पारंपरिकता पर आसानी से काबू पा लेते हैं, हालांकि औपचारिक रूप से यह पेंटिंग के आधिकारिक पंथ उद्देश्य के साथ संघर्ष नहीं करता है। इसलिए, हालांकि कई यूरोपीय देशों में बारोक पेंटिंग रूबेन्स की विरासत पर निर्भर थी, उनकी कला की सामग्री, उनके काम का मुख्य यथार्थवादी अभिविन्यास आधिकारिक बारोक द्वारा स्वीकार नहीं किया गया था, जो सजावटी नाटकीयता और एक जानबूझकर की प्रवृत्ति से ओत-प्रोत था। आधार और उदात्त का विरोध. 1610 के दशक में रचित रूबेंस की मौलिक रूप से सच्ची रचनाओं में, अस्तित्व की शक्तिशाली शक्ति, उसकी शाश्वत गति की भावना हमेशा स्पष्ट रूप से व्यक्त होती है। ऐसे हैं रूपक "पृथ्वी और जल का मिलन" (1612 और 1615 के बीच; लेनिनग्राद, हर्मिटेज के बीच), "द डिसेंट फ्रॉम द क्रॉस" की नाटकीय शक्ति, "लायन हंट" या "बोअर" में भयंकर संघर्ष की आनंदमय गंभीरता। हंट'' (ड्रेसडेन), ''द लास्ट जजमेंट'' (म्यूनिख) में करुण विश्व प्रलय, ''बैटल ऑफ द अमेजॉन'' (म्यूनिख) में जीवन और मृत्यु के लिए भीषण युद्ध में उलझे सेनानियों का रोष।

"ल्यूसिपस की बेटियों का बलात्कार" (1619-1620; म्यूनिख) एक पौराणिक विषय पर रूबेन्स की अपील का एक उदाहरण है। युवतियों का अपहरण करने वाले घुड़सवारों की चालें साहसी दृढ़ संकल्प और ऊर्जा से भरी हैं। महिलाओं के सुडौल शरीर, दया की गुहार लगाते हुए, चमकीले लहराते कपड़ों, काले और सुनहरे-लाल घोड़ों को पालने और अपहरणकर्ताओं के काले शरीर की पृष्ठभूमि के खिलाफ प्रभावी ढंग से खड़े होते हैं। रंगों की गूंजती धुन, इशारों की अशांति, पूरे समूह की फटी, बेचैन छाया स्पष्ट रूप से जीवन के जुनून के आवेग की शक्ति को व्यक्त करती है। कई "बेचानालिया" लगभग एक ही समय के हैं, जिनमें "बेचानालिया" (1615-1620; ललित कला का पुश्किन संग्रहालय) भी शामिल है।

"द रेप ऑफ़ द डॉटर्स ऑफ़ ल्यूसिपस" और "बेचानालिया", एक सचित्र अर्थ में, रूबेन्स (1620-1630) के काम में एक परिपक्व अवधि में संक्रमण का निर्माण करते हैं। चक्र "द लाइफ ऑफ मैरी डे मेडिसी" (1622-1625; लौवर), जो रूबेन्स की अन्य स्मारकीय और सजावटी रचनाओं के बीच एक महत्वपूर्ण स्थान रखता है, इस अवधि की शुरुआत का है। यह चक्र ऐतिहासिक शैली की उनकी समझ की बहुत विशेषता है। रूबेन्स अपने काम में न केवल प्राचीन ऐतिहासिक नायकों और उनके कार्यों का उल्लेख करते हैं, बल्कि समकालीन इतिहास का भी उल्लेख करते हैं। इस मामले में, रूबेन्स एक ऐतिहासिक पेंटिंग के कार्य को राजाओं या जनरलों के व्यक्तित्व और कार्यों की प्रशंसा के रूप में देखते हैं। उनकी भव्य और गंभीर ऐतिहासिक पेंटिंग 17वीं शताब्दी के कई दरबारी कलाकारों द्वारा अनुसरण किए जाने के लिए एक उदाहरण बन गईं। चक्र "द लाइफ़ ऑफ़ मैरी डे मेडिसी" में लक्ज़मबर्ग पैलेस के एक हॉल को सजाने के उद्देश्य से बीस बड़ी रचनाएँ शामिल हैं। इन चित्रों में हेनरी चतुर्थ की पत्नी के जीवन के मुख्य प्रसंगों को पुन: प्रस्तुत किया गया, जो उनकी मृत्यु के बाद फ्रांस के शासक बने। चक्र की सभी पेंटिंग फ्रैंक की भावना से बनाई गई थीं। मैरी डे मेडिसी की प्रशंसा और रूपक और पौराणिक पात्रों से सुसज्जित हैं। प्रशंसा के इस अनूठे सचित्र गीत को बड़ी प्रतिभा के साथ निष्पादित किया गया था और इसके दायरे में 17 वीं शताब्दी की बारोक कला के लिए भी एक असाधारण घटना का प्रतिनिधित्व किया गया था, जो बड़े स्मारकीय और सजावटी रचनाओं के लिए आंशिक था। पूरी श्रृंखला के लिए एक विशिष्ट कार्य "मार्सिले में मैरी डे मेडिसी का आगमन" है। मखमली-आच्छादित गैंगवे के साथ, शानदार पोशाक वाली मैरी डे मेडिसी एक शानदार गैली के किनारे से फ्रांस की धरती पर उतरती है। झंडे लहरा रहे हैं, सोने का पानी चढ़ा हुआ है और जरी चमक रही है। स्वर्ग में तुरही बजाती हुई महिमा एक महान घटना की घोषणा करती है। समुद्री देवता, सामान्य उत्साह से अभिभूत होकर, मैरी का स्वागत करते हैं। जहाज के साथ आने वाले नायड जहाज से फेंकी गई रस्सियों को घाट की खंभों पर बांधते हैं। फिल्म में बहुत सारा उत्सवी शोर और खुली अदालती चापलूसी है। लेकिन संपूर्ण नाटकीयता के बावजूद, रचना में आंकड़े स्वाभाविक रूप से और स्वतंत्र रूप से व्यवस्थित होते हैं।

चूँकि इस चक्र की पेंटिंग मुख्य रूप से रूबेन्स के छात्रों द्वारा बनाई गई थीं, इसलिए इसमें सबसे अधिक रुचि थी कलात्मकरूबेन्स द्वारा स्वयं लिखे गए रेखाचित्रों का प्रतिनिधित्व करते हैं, जिसके अनुसार रचनाएँ स्वयं उनकी कार्यशाला में साकार हुईं। हर्मिटेज में रखा गया "द कोरोनेशन ऑफ मैरी डे मेडिसी" का स्केच, एक अंडरपेंटिंग है, जिसे शीशे के कुछ स्ट्रोक से हल्के से छुआ गया है। यह छवि की असाधारण संक्षिप्तता और अत्यधिक अभिव्यक्ति के संयोजन से आश्चर्यचकित करता है। तीव्र अनुभूतिसंपूर्ण, चित्रित घटना में मुख्य बात पर प्रकाश डालते हुए, मिसे-एन-सीन की अद्भुत महारत, चित्र की रंगीन एकता की गहरी समझ, स्ट्रोक के स्वर और घनत्व के संबंध और उन्नयन रूबेन्स को अनुमति देते हैं। घटना का एक उज्ज्वल, जीवन-जैसी सहजता से भरा चित्र देने के लिए सबसे छोटा साधन। स्ट्रोक न केवल सटीक हो जाता है, बल्कि भावनात्मक रूप से भी अभिव्यंजक हो जाता है। तस्वीर के केंद्र में युवा दरबारी की आकृति को कई तेज़, समृद्ध स्ट्रोक के साथ चित्रित किया गया है, जो मांसपेशियों की आकृति की पतलीता, उसकी प्रकृति की अत्यधिक संयमित युवा ऊर्जा और उसके आंदोलन की तेज़ी को दर्शाता है, जिससे उसका उत्साह बढ़ता है। खड़ा करना। इसका लहराता हुआ लबादा शानदार है, जो छाया में लाल-गुलाबी और गहरे भूरे, काले रंग के कई स्ट्रोक में व्यक्त होता है। रूबेन्स की चित्रात्मक शैली की सहज स्वतंत्रता और तीव्र अभिव्यक्ति का व्यक्तिपरक मनमानी या जानबूझकर की गई लापरवाही से कोई लेना-देना नहीं है।

अपनी ऐतिहासिक रचनाओं में, रूबेन्स हमेशा खुद को शासकों के लिए एक शानदार प्रशंसात्मक गीत लिखने तक ही सीमित नहीं रखते हैं, जो अक्सर इसके योग्य नहीं होते हैं। को समर्पित कुछ रचनाओं में ऐतिहासिक घटनाओंपुरातनता, उन्होंने अपने विचार पर जोर दिया ऐतिहासिक नायक- अपने आदर्शों के लिए एक साहसी सेनानी। 17वीं शताब्दी के क्लासिकिस्टों के विपरीत। उसी समय, रूबेन्स ने भावना और जुनून पर कर्तव्य और तर्क की जीत का इतना महिमामंडन नहीं किया, बल्कि नायक की भावना और विचार की तत्काल एकता की सुंदरता को प्रकट किया, जो लड़ाई के लिए, कार्रवाई करने के लिए एक भावुक आवेग द्वारा जब्त कर लिया गया था। रूबेंस की इस तरह की ऐतिहासिक रचनाओं का एक उदाहरण ललित कला संग्रहालय में स्थित है। खोई हुई म्यूनिख पेंटिंग "म्यूसियस स्केवोला" के लिए ए.एस. पुश्किन स्केच।

मनुष्य के प्रति प्रशंसा और उसकी ज्वलंत भावनाओं और अनुभवों की संपत्ति "द एडोरेशन ऑफ द मैगी" (1624; एंटवर्प, संग्रहालय) और "पर्सियस एंड एंड्रोमेडा" (1620-1621; हर्मिटेज) में व्यक्त की गई थी। द एडोरेशन ऑफ द मैगी में, रूबेन्स ने अपनी पिछली वेदी रचनाओं की विशिष्ट नाटकीयता के क्षणों से खुद को मुक्त कर लिया। यह कैनवास उत्सवपूर्णता, छवियों की प्राकृतिक जीवन शक्ति और पात्रों की अभिव्यक्ति के संयोजन से प्रतिष्ठित है। इस काल की विशेषताएं पर्सियस और एंड्रोमेडा में पूरी तरह से प्रकट हुईं। रूबेन्स ने उस क्षण का चित्रण किया जब पर्सियस, समुद्री राक्षस को मारने के बाद, पेगासस से उतरा और एंड्रोमेडा के पास पहुंचा, एक चट्टान से जंजीर से बंधा हुआ था, जिसका उद्देश्य, प्राचीन मिथक के अनुसार, राक्षस को बलिदान देना था। उत्सव के बैनरों की तरह, पर्सियस के लाल रंग के लबादे की सिलवटें और नायक का मुकुट पहनने वाला विजय का नीला वस्त्र फड़फड़ाता है। हालाँकि, चित्र की सामग्री विजयी नायक की उदासीनता तक सीमित नहीं है। भारी कवच ​​पहने हुए, पर्सियस नग्न, खुशी से शर्मिंदा एंड्रोमेडा के पास जाता है और अत्यधिक कोमलता से उसके हाथ को छूता है। एंड्रोमेडा एक हल्की सुनहरी चमक से घिरा हुआ है, जो बाकी तस्वीर की अधिक भौतिक सघन रंग योजना का विरोध करता है। एंड्रोमेडा की रसीली नग्नता को ढकने वाली सुनहरी-शहद की चमक उसके शरीर को ढाँकने वाले सुनहरे ब्रोकेड घूंघट में साकार होती प्रतीत होती है। रूबेन्स से पहले किसी ने भी प्रेम की सुंदरता और महान आनंद को इतनी गहराई से नहीं गाया था, जिसने इसके रास्ते में आने वाली सभी बाधाओं पर विजय प्राप्त कर ली। साथ ही, यह पेंटिंग विशेष रूप से मानव शरीर को चित्रित करने में रूबेन्स के कौशल को पूरी तरह से प्रकट करती है। ऐसा लगता है कि यह जीवन के रोमांच से संतृप्त है - टकटकी की नमी, ब्लश का हल्का खेल, नाजुक त्वचा की मखमली मैटनेस को बहुत ही मनोरम और आश्वस्त रूप से व्यक्त किया गया है।

रुबेंस ड्राइंग के अद्भुत उस्ताद थे। चित्रों के लिए उनके प्रारंभिक चित्र छवि की सामान्य भावनात्मक स्थिति को व्यक्त करने के लिए, कुछ गतिशील स्ट्रोक और धब्बों में, उसके आंदोलन में लिए गए रूप के चरित्र को पकड़ने की उनकी क्षमता से आश्चर्यचकित करते हैं। रूबेन्स के चित्रों की विशेषता चौड़ाई और निष्पादन की स्वतंत्रता है: या तो कागज पर पेंसिल के दबाव को बढ़ाना या कमजोर करना, वह आकृति के विशिष्ट सिल्हूट को पकड़ता है, मांसपेशियों के तनावपूर्ण खेल को व्यक्त करता है ("द एलिवेशन ऑफ द क्रॉस" के लिए अध्ययन) ). "द बोअर हंट" के लिए प्रारंभिक चित्रों में से एक में, रूबेन्स ने आत्मविश्वास से प्रकाश और छाया के समृद्ध संयोजन के साथ आकृति को गढ़ा है, जो गांठदार, तनाव से झुके हुए पेड़ के तनों और टिमटिमाती रोशनी से व्याप्त पत्तियों के हल्के कांप के विरोधाभासों को व्यक्त करता है। चित्रात्मक अभिव्यंजना, उंची भावुकता, गतिशीलता की उत्कृष्ट समझ और तकनीक का कलात्मक लचीलापन रूबेन्स की ड्राइंग निपुणता की विशिष्ट विशेषताएं हैं।

रूबेन्स की चित्रात्मक भाषा का आकर्षण उनके परिपक्व काल के चित्रों में भी प्रकट होता है। रूबेन्स के काम में चित्र का उतना महत्व नहीं था जितना कि हेल्स, रेम्ब्रांट या वेलास्केज़ के काम में था। और फिर भी रूबेन्स के चित्र 17वीं शताब्दी की कला में एक अद्वितीय और महत्वपूर्ण स्थान रखते हैं। रूबेन्स का चित्र कुछ हद तक, नई ऐतिहासिक परिस्थितियों में, उच्च पुनर्जागरण चित्र की मानवतावादी परंपराओं को जारी रखता है। इतालवी पुनर्जागरण के उस्तादों के विपरीत, रूबेन्स संयमित लेकिन स्पष्ट रूप से चित्रित किए जा रहे विषय के प्रति अपने प्रत्यक्ष व्यक्तिगत दृष्टिकोण को व्यक्त करते हैं। उनके चित्र मॉडल के प्रति सहानुभूति, विनम्र सम्मान या हर्षित प्रशंसा की भावनाओं से भरे हुए हैं। इन सबके साथ, रूबेन्स के अपने मॉडलों के प्रति व्यक्तिगत रवैये में एक महत्वपूर्ण सामान्य विशेषता है। यह परोपकार है, छवि के नायक का एक सामान्य सकारात्मक मूल्यांकन। एक ओर, किसी व्यक्ति की छवि की यह समझ आधिकारिक बारोक चित्र के लक्ष्यों के अनुरूप है, जो "योग्य", "महत्वपूर्ण" व्यक्तियों के चित्रण के लिए समर्पित है; दूसरी ओर, मनुष्य के प्रति इस दृष्टिकोण में रूबेन्स के जीवन-पुष्टि आशावाद और मानवतावाद को अभिव्यक्ति मिली। इसलिए, रेम्ब्रांट और वेलाज़क्वेज़ के विपरीत, रूबेन्स, सामान्य तौर पर मॉडल के साथ समानता की विशेषताओं को सही ढंग से और ठोस रूप से व्यक्त करते हुए, इसकी शारीरिक और मनोवैज्ञानिक उपस्थिति की सभी व्यक्तिगत विशेषताओं को व्यक्त करने में बहुत गहराई तक नहीं जाते हैं। व्यक्ति के नैतिक जीवन में जटिल आंतरिक अंतर्विरोध उसकी दृष्टि के क्षेत्र से बाहर रहते हैं। प्रत्येक चित्र में, रूबेन्स, व्यक्तिगत लक्षणों की विशेषताओं से टूटे बिना, मॉडल की सामाजिक स्थिति की सामान्य विशेषताओं पर जोर देते हैं। सच है, शासकों के चित्रों में, उदाहरण के लिए मारिया डे मेडिसी (1622-1625; प्राडो) के चित्र में, चरित्र-चित्रण की सत्यता और जीवन शक्ति केवल एक औपचारिक बारोक चित्र की परंपराओं को तोड़ती है; इसलिए, कलाकार के करीबी या सामाजिक पदानुक्रम के शीर्ष पर नहीं रहने वाले लोगों के चित्र हमारे लिए बहुत अधिक कलात्मक मूल्य रखते हैं। डॉक्टर टुल्डेन (सी. 1615 - 1618; म्यूनिख), चैम्बरमेड (सी. 1625; हर्मिटेज) के चित्रों में? सुज़ाना फोरमैन (1620; लंदन) और कुछ स्व-चित्रों में रूबेन्स के चित्र का यह यथार्थवादी आधार सबसे लगातार दिखाई देता है।

चैंबरमेड के चित्र में, रूबेन्स ने एक हंसमुख युवा महिला के आकर्षण को व्यक्त किया। उसका चेहरा, उसके कॉलर के मोती सफेद फोम से घिरा हुआ, गर्म पृष्ठभूमि के खिलाफ खड़ा है; सुनहरे बालों की रोएंदार लटें उसकी कनपटी और माथे को ढाँक रही हैं। हल्के सुनहरे प्रतिबिंब, गर्म पारदर्शी छायाएं, स्वतंत्र रूप से रखी गई ठंडी हाइलाइट्स के साथ, जीवन के रोमांच को व्यक्त करती हैं। नौकरानी ने अपना सिर थोड़ा घुमाया, और प्रकाश और छाया उसके चेहरे पर सरक गईं, उसकी आँखों में प्रकाश की चिंगारी चमक उठी, बालों की लटें लहरा रही थीं और एक मोती की बाली छाया में मंद-मंद टिमटिमा रही थी।

अंतिम काल के रूबेन्स के चित्रों में, वियना संग्रहालय (लगभग 1638) में संग्रहीत उनका स्व-चित्र, उल्लेख के योग्य है। हालाँकि एक औपचारिक चित्र की विशेषताएं रचना में खुद को महसूस करती हैं, रूबेन्स की शांत मुद्रा में अभी भी बहुत अधिक स्वतंत्रता और सहजता है। कलाकार का चेहरा, दर्शक को ध्यान से और दयालुता से देखता हुआ, जीवन से भरा हुआ है। इस चित्र में, रूबेन्स एक प्रमुख पद पर बैठे व्यक्ति के अपने आदर्श की पुष्टि करते हैं, जो समृद्ध रूप से प्रतिभाशाली, बुद्धिमान और अपनी क्षमताओं में आश्वस्त है।

मास्टर के बाद के चित्रों में, कलाकार की दूसरी पत्नी, युवा ऐलेना फोरमैन के चित्र विशेष रूप से आकर्षक हैं। उनमें से सबसे अच्छा हेलेन फोरमेंट का अपने बच्चों के साथ (1636 के बाद) का लौवर चित्र है। इस चित्र में, बारोक औपचारिक चित्रांकन के सिद्धांतों का प्रभाव लगभग महसूस नहीं किया जाता है और शानदार सामान और शानदार कपड़े त्याग दिए जाते हैं; पूरी तस्वीर शांत और शांत खुशी की भावना से ओत-प्रोत है। माँ और बच्चों की छवि प्राकृतिक सहजता और साथ ही विशेष आकर्षण से भरपूर है। युवा माँ अपने सबसे छोटे बेटे को अपनी गोद में रखती है और विचारशील कोमलता के साथ अपना चेहरा उसकी ओर झुकाती है। एक हल्की सुनहरी चमक सभी रूपों को हल्की धुंध में ढँक देती है, लाल धब्बों की चमकदार ध्वनि को नरम कर देती है, और शांत और गंभीर आनंद का माहौल बनाती है। एक महिला - माँ और प्रेमी - के लिए एक भजन इस सांसारिक मैडोना में शानदार ढंग से सन्निहित है।

नग्न हेलेन फ़ोरमेंट का एक पूर्ण लंबाई वाला चित्र, जिसके कंधों पर मोटी फर से लिपटा हुआ एक फर कोट है ("फर कोट," 1638-1639; वियना) चित्र शैली से परे है। अपनी युवा पत्नी के कामुक आकर्षण को व्यक्त करके, रूबेन्स महिला सौंदर्य के अपने आदर्श का प्रतीक हैं। अद्भुत कौशल के साथ, रूबेन्स गहरे रोएँदार फर और नग्न शरीर के बीच, गुलाबी त्वचा के नाजुक रंग और चेहरे पर कर्ल की चमक के बीच विरोधाभासों का उपयोग करते हैं।

रूबेंस ने ऐलेना फोरमेंट को न केवल चित्रों में चित्रित किया है। हम "एंड्रोमेडा" (1638-1640; बर्लिन) और "बाथशेबा" (लगभग 1635; ड्रेसडेन) में उनकी विशेषताओं को पहचानते हैं। रूबेन्स के लिए, एक पेंटिंग आंखों के लिए एक दावत है, जो अस्तित्व की उत्सवपूर्ण समृद्धि के लिए उनके लालची प्रेम को संतुष्ट करती है। ड्रेसडेन कैनवास में, सीट के ऊपर फेंके गए कंबल के लाल रंग की ध्वनि और काले-भूरे रंग के साथ मेल खाता है गाढ़ा रंगफेंका हुआ फर कोट, नीग्रो लड़के के हरे-नीले कपड़े, उसके शरीर का जैतून-काला अंधेरा एक सुरीला राग बनाने के लिए डिज़ाइन किया गया है, जिसके खिलाफ बथशेबा के नग्न शरीर के रंगों की सारी समृद्धि सामने आती है। साथ ही, रूबेंस रूप और रंग की सबसे सूक्ष्म बारीकियों को व्यक्त करते हैं। यह काले लड़के की आंखों की सफेदी की चमक और उसके द्वारा बथशेबा को सौंपे गए पत्र के सफेद धब्बे के बीच तुलना है।

जीवन की कामुक समृद्धि, उसके शाश्वत आंदोलन का विषय रूबेन्स के "बेचानालिया" में सबसे प्रत्यक्ष अभिव्यक्ति पाता है। शराब के नशे में धुत्त फौन, व्यंग्यकार और व्यंग्यकार एक दंगाई भीड़ में चित्र पर आक्रमण करते हैं। कभी-कभी (द ट्रायम्फ ऑफ सिलीनस में, 1620 के दशक के उत्तरार्ध में; लंदन) भीड़ एक अंतहीन जुलूस का हिस्सा होने का आभास देती है, जो चित्र फ़्रेम से कट जाती है।

इस प्रकार की सबसे उल्लेखनीय कृतियों में से एक हर्मिटेज "बैचस" (1635 और 1640 के बीच) है। रूबेंस का बाचस टिटियन के सामंजस्यपूर्ण रूप से सुंदर बाचस (बाचस और एराडने) से बहुत दूर है। वाइन बैरल पर बैठे एक हंसमुख ग्लूटन की मोटी आकृति कुछ हद तक डी कस्टर द्वारा बनाई गई फ़्लैंडर्स के पेट लैम गुडज़क की छवि के करीब है। "बैचस" की पूरी रचना को अस्तित्व के शारीरिक आनंद के लिए एक स्पष्ट भजन के रूप में माना जाता है।

1610 के दशक में रूबेन्स के काम में इतना महत्वपूर्ण स्थान रखता है। सामान्य प्रकृति में बारोक, वेदी रचनाएँ बाद की अवधि में पृष्ठभूमि में फीकी पड़ जाती हैं और आमतौर पर कलाकार की भागीदारी के बिना ही कार्यशाला द्वारा पूरी की जाती हैं। जब गुरु स्वयं इस प्रकार के कार्यों की ओर मुड़ता है, तो वह यथार्थवादी अभिव्यक्ति से भरे कार्यों का निर्माण करता है। उनकी वेदी रचना "द विज़न ऑफ़ सेंट" इल्डेफोन्सा" (1630-1632; ब्रुसेल्स, हर्मिटेज में स्केच) इस संबंध में बहुत संकेत देता है। यह उल्लेखनीय है कि स्केच को वेदी पेंटिंग की तुलना में रचना के बहुत अधिक यथार्थवाद द्वारा प्रतिष्ठित किया गया है। तीन दरवाजों में कोई पारंपरिक विभाजन नहीं है, कोई मंडराते स्वर्गदूतों को चित्रित नहीं किया गया है, आदि। पात्रों की मुद्राएँ अधिक प्राकृतिक और सरल हैं। प्रकाश की एकता और हवा का संचरण रंग विरोधाभासों की तीक्ष्णता को नरम कर देता है। रचनात्मक संरचना की स्पष्टता में सुधार करते हुए, रूबेन्स ने एक साथ प्रारंभिक वेदी रचनाओं की अत्यधिक सजावट और कई पात्रों के साथ उनके अक्सर अत्यधिक अधिभार को त्याग दिया। कलाकार की यथार्थवादी आकांक्षाओं की बढ़ती परिपक्वता और निरंतरता ने उसे बाइबिल और प्राचीन विषयों की सीमाओं से परे जाने के लिए प्रोत्साहित किया होगा। यह आंशिक रूप से 1620 और 1630 के दशक में उनके काम में चित्रों और परिदृश्यों के फलने-फूलने के कारण था।

रूबेन्स का परिदृश्य डच परंपराओं को विकसित करता है, जिससे उन्हें एक नया वैचारिक अर्थ मिलता है कलात्मक मूल्य. वह मुख्य रूप से संपूर्ण प्रकृति की सामान्यीकृत छवि की समस्या को हल करता है; दुनिया के अस्तित्व की राजसी तस्वीर, मनुष्य और प्रकृति का स्पष्ट सामंजस्य उसे अपने उत्कृष्ट काव्यात्मक और साथ ही कामुक पूर्ण अवतार से प्राप्त होता है। दुनिया एक संपूर्ण है, और एक व्यक्ति शांति और खुशी से इसके साथ अपनी एकता महसूस करता है। रूबेन्स के पहले के परिदृश्य, उदाहरण के लिए "पत्थरों के वाहक" (सी. 1620; हर्मिटेज), कुछ अधिक नाटकीय रचना द्वारा प्रतिष्ठित हैं। अग्रभूमि में चट्टानें पृथ्वी की गहराई से तनाव के साथ ऊपर उठती हुई और गर्जना के साथ उसके आवरण को फाड़ती हुई प्रतीत होती हैं। भारी प्रयास से, घोड़े और लोग एक भारी भरी हुई गाड़ी को पहाड़ी सड़क के शिखर पर ले जाते हैं। रूबेन्स के बाद के परिदृश्य शांत और अधिक गंभीर हैं। प्रकृति की एक सामान्यीकृत और साथ ही बेहद ठोस छवि बनाने की उनकी क्षमता विशेष रूप से "द फार्म एट लाकेन" (1633; लंदन, बकिंघम पैलेस) में पूरी तरह से प्रकट होती है। नदी का पिछला पानी, समतल विस्तार की राजसी स्पष्टता, आकाश की ओर अपनी शाखाओं को फैलाते हुए पेड़, बादलों का दौड़ना लय का एक स्पष्ट सामंजस्य बनाता है जो दुनिया की शक्तिशाली सांस को व्यक्त करता है। मोटे झुंड, एक ग्रामीण महिला जो धीरे-धीरे जग लेकर रास्ते पर चल रही है, एक किसान अपने घोड़े को पानी के लिए ला रहा है, जीवन की राजसी सद्भाव की समग्र तस्वीर को पूरा करता है। "द वॉटरिंग प्लेस" में, आंख हरे-भरे रंग, चित्र को ढकने वाली चांदी-नीली रोशनी और पत्ते के कांपने और नमी की झिलमिलाहट के सूक्ष्म प्रतिपादन के साथ व्यापक सजावटी प्रभावों के संयोजन से प्रसन्न होती है।

हाल के दशकों में, रूबेन्स ने लोक जीवन का चित्रण करना शुरू कर दिया है। वह मुख्य रूप से उत्सव की ओर से उसकी रुचि रखती है। "केर्मेस" (सी. 1635 -1636; लौवर) में और विशेष रूप से "किसान नृत्य" (1636 और 1640 के बीच; प्राडो) में, रूबेन्स, 16वीं शताब्दी के डच यथार्थवादियों की परंपराओं से शुरू होकर, एक सामान्यीकृत छवि की ओर बढ़ते हैं लोगों की ताकत और महानता. लोक आधाररूबेन्स के वीरतापूर्ण आशावाद को यहां सबसे प्रत्यक्ष अभिव्यक्ति मिलती है। तीव्र नृत्य में, गोल नृत्य की गति फैलती है और फिर ढह जाती है। युवा किसान और किसान महिलाएँ अपने स्वास्थ्य और अपनी भरपूर प्रसन्नता से सुंदर हैं। शांत राजसी परिदृश्य एक उपजाऊ और शक्तिशाली भूमि की छवि को फिर से बनाता है। एक शक्तिशाली शाखायुक्त ओक का पेड़ अपने पत्तों से नर्तकियों पर छाया डालता है। शाखाओं के बीच बैठे बांसुरीवादक की आकृति ओक के पेड़ की गहराई से बढ़ती हुई प्रतीत होती है। भूमि। उनकी बांसुरी का संगीत स्वयं प्रकृति का आनंदमय और उन्मुक्त गीत है। रूबेन्स की किसानों की छवियों में रोजमर्रा की प्रामाणिकता का अभाव है, लेकिन उनकी उपस्थिति की स्वस्थ सादगी और उनकी प्रसन्नता के लिए प्रशंसा उन्हें फ़्लैंडर्स और उसके लोगों की अटूट ताकत और महानता के प्रतीक में बदल देती है।

रूबेन्स की कार्यशाला न केवल कई सबसे बड़े फ्लेमिश चित्रकारों के गठन का केंद्र थी; प्रजनन उत्कीर्णन के उस्तादों का एक नया एंटवर्प स्कूल भी यहां बनाया गया था, जिसने मुख्य रूप से रूबेन्स की मूल पेंटिंग, साथ ही साथ उनके सर्कल के कलाकारों को भी पुन: पेश किया। एक नियम के रूप में, उत्कीर्णन मूल से नहीं, बल्कि विशेष रूप से तैयार किए गए थे - ज्यादातर रूबेन्स के छात्रों द्वारा - ग्रिसेल चित्र। इस प्रकार, पेंटिंग की रंगीन छवि को टोनल-ग्राफिक छवि में अनुवादित किया गया; बदले में बड़े पैमाने पर कटौती ने उत्कीर्णक के कार्य को आसान बना दिया। आंशिक रूप से यह प्रारंभिक कार्यकलात्मक सामान्यीकरण की वह विशेष डिग्री निर्धारित की गई जो 17वीं शताब्दी की फ्लेमिश उत्कीर्णन को अलग करती है। अन्य पश्चिमी यूरोपीय स्कूलों के बीच। रूबेन्स ने सभी चरणों में उत्कीर्णक के काम की सक्रिय रूप से निगरानी की और अक्सर परीक्षण प्रिंटों में बदलाव करते हुए स्वयं इसमें हस्तक्षेप किया। प्रतिभाशाली उत्कीर्णन उस्तादों की आकाशगंगा में, लुकास वॉर्स्टरमैन (1595-1675) का उल्लेख सबसे पहले किया जाना चाहिए। हालाँकि रूबेन्स के साथ उनका रचनात्मक सहयोग थोड़े समय तक ही चला, लेकिन यह बनाई गई नक्काशी की संख्या और कलात्मक परिणामों दोनों में बेहद उपयोगी था। रूबेन्स की रचनात्मक योजना के बाद, वोर्स्टरमैन केवल काले और सफेद रंग के उपयोग से रूबेन्स की रचनाओं की रंगीन सामंजस्य की तीव्रता की भावना को व्यक्त करने में सक्षम थे, चमकदार रोशनी से समृद्ध मखमली छाया तक शानदार बदलाव के साथ चादरों को संतृप्त करने के लिए, समृद्ध करने के लिए और कभी-कभी कोमल और सूक्ष्म, कभी-कभी मजबूत और ऊर्जावान स्ट्रोक के साथ अभिव्यक्ति में विविधता लाएं। छाया में नीरस और शुष्क क्रॉस-हैचिंग की तकनीक से लगभग परहेज करना, जो अतीत में बहुत आम थी, और समोच्च रेखा की तेज रूपरेखा और विवरण के सूक्ष्म चित्रण को त्यागकर, मास्टर ने बड़े पैमाने पर, समृद्ध काले रंग पर अपनी नक्काशी को आधारित किया। और सफेद विरोधाभास, रूबेन्स की कला की गतिशील और गंभीर भावना को पूरी तरह से पकड़ते हैं। वॉर्स्टरमैन द्वारा रखी गई इस नई शैली की नींव उनके छात्रों और अनुयायियों द्वारा जारी और विकसित की गई, जो अभी भी वॉर्स्टरमैन की चौड़ाई और स्वतंत्रता हासिल नहीं कर सके, हालांकि उनमें पॉल पोंटियस (1603-1658) जैसे प्रतिभाशाली स्वामी थे, जो विशेष रूप से जाने जाते थे। प्रथम श्रेणी के चित्रकार के रूप में, बोल्स्वर्ट बंधु - बोथियस (सी. 1580-सी. 1634) और शेल्टे एडम (1581 - 1659), जिनकी सर्वश्रेष्ठ कृतियाँ रूबेन्स द्वारा परिदृश्यों से उत्कीर्णन हैं।

फ़्लैंडर्स में छेनी उत्कीर्णन उत्कीर्णन का प्रमुख प्रकार था, जिससे नक़्क़ाशी पृष्ठभूमि में चली गई। एंटवर्प स्कूल की नई शैली रूबेन्स सर्कल के एकमात्र वुडब्लॉक प्रिंट मास्टर क्रिस्टोफर जेगर (1596-सीए. 1652) के काम में भी प्रकट हुई।

रूबेन्स के बाद फ़्लैंडर्स में सबसे बड़ा चित्रकार उनका सबसे प्रतिभाशाली छात्र और युवा समकालीन, एंथोनी वान डाइक (1599-1641) था। वान डाइक के व्यक्तिगत भाग्य में, जो पूंजीपति वर्ग के धनी तबके से आए थे, जिन्होंने अपना पूरा जीवन कुलीन वर्ग के चुनिंदा दायरे में प्रवेश करने के प्रयास में बिताया, और अपने काम के विकास में, जिसने लोकतांत्रिक परंपराओं से प्रस्थान को चिह्नित किया राष्ट्रीय चित्रकला में, समकालीन फ्लेमिश समाज के अभिजातीकरण की सामान्य प्रक्रिया स्पष्ट रूप से परिलक्षित होती थी। लेकिन वान डाइक के सर्वोत्तम कार्यों में, एक स्वस्थ यथार्थवादी सिद्धांत संरक्षित है, उनके समय के लोगों की गहरी, सार्थक छवियां बनाई गई हैं।

वैन डाइक ने अपनी प्रारंभिक कलात्मक शिक्षा एंटवर्प में चित्रकार वैन बैलेन से प्राप्त की। उन्नीस वर्षीय लड़के के रूप में, वह रूबेन्स की कार्यशाला में आये। एक साल बाद, युवा कलाकार को एंटवर्प कॉरपोरेशन ऑफ़ पेंटर्स का सदस्य चुना गया। रूबेन्स ने अपने छात्र की प्रशंसा की, और जल्द ही वैन डाइक विभिन्न आदेशों को पूरा करने में उनके सहायक बन गए। इस अवधि के दौरान, गुरु ने धार्मिक विषयों पर गतिशील रचना के साथ चित्र बनाए। उनमें से कई रूबेंस (सेंट जेरोम, ड्रंकन स्ट्रॉन्ग; ड्रेसडेन) का मजबूत प्रभाव दिखाते हैं। हालाँकि, रूबेन्स की तुलना में, वैन डाइक की छवियां भावनाओं की सहज परिपूर्णता खो देती हैं, अधिक सुस्त, कम महत्वपूर्ण लगती हैं। मास्टर अक्सर उनकी बढ़ी हुई और आमतौर पर बाहरी रूप से समझी जाने वाली अभिव्यक्ति के लिए प्रयास करते हैं, जो उनके कुछ कैनवस को काल्पनिकता का स्पर्श देता है, जैसे, उदाहरण के लिए, म्यूनिख "सेंट की शहादत"। सेबस्टियन" (1618-1621)। वैन डाइक अधिक दिलचस्प है जहां वह अपने काम ("सेंट मार्टिन एंड द बेगर" के करीब आलंकारिक समाधान ढूंढता है। लेकिन विषय पेंटिंग्स वैन डाइक की सच्ची कॉलिंग नहीं थीं। उनकी प्रतिभा की सारी मौलिकता चित्रांकन के क्षेत्र में प्रकट हुई थी।

वैन डाइक को जन्मजात चित्रकार कहा जा सकता है। उन्होंने अपनी खुद की शैली बनाई चित्र कला, जिसने कई यूरोपीय देशों के उच्चतम क्षेत्रों में व्यापक लोकप्रियता हासिल की है। ग्राहक न केवल वान डाइक की उसी प्रकार के औपचारिक कुलीन चित्र की शानदार महारत से आकर्षित हुए। वान डाइक की कला की आकर्षक शक्ति मानव व्यक्तित्व का अंतर्निहित आदर्श थी, जिसका उन्होंने अपने कार्यों में अनुसरण किया।

वैन डाइक का आदमी रोजमर्रा की जिंदगी से ऊपर उठा हुआ लगता है; आंतरिक रूप से समृद्ध, वह सामान्यता की छाप से रहित है। कलाकार सबसे पहले अपना आध्यात्मिक परिष्कार दिखाने का प्रयास करता है। अपने सर्वश्रेष्ठ चित्रों में, वान डाइक ने, सतही आदर्शीकरण में पड़े बिना, महत्वपूर्ण और विशिष्ट छवियां बनाईं, जिनमें एक ही समय में एक अद्वितीय काव्यात्मक अपील है।

वैन डाइक के शुरुआती एंटवर्प चित्रों में उनके मूल शहर के महान नागरिकों, उनके परिवारों, कलाकारों को उनकी पत्नियों और बच्चों के साथ दर्शाया गया है। ये कार्य फ्लेमिश पेंटिंग (फैमिली पोर्ट्रेट, 1618 और 1620 के बीच, हर्मिटेज; कॉर्नेलिस वैन डेर गेस्ट का चित्र) की परंपराओं से निकटता से संबंधित हैं।

1620 में वैन डाइक ने इंग्लैंड और फिर इटली की यात्रा की। रोम में, उन्होंने वैज्ञानिक और राजनयिक कार्डिनल गुइडो बेंटिवोग्लियो (फ्लोरेंस, पिट्टी) का चित्र बनाया। यहां पहले से ही वान डाइक की कला के सिद्धांत स्पष्ट रूप से व्यक्त किए गए हैं। लाल पर्दे की पृष्ठभूमि के सामने एक कुर्सी पर बैठे कार्डिनल की छवि में एक विशिष्ट औपचारिक चरित्र है। लेकिन बाहरी प्रतिनिधित्वशीलता को किसी व्यक्ति के समृद्ध आंतरिक जीवन के रहस्योद्घाटन के साथ जोड़ा जाता है। प्रकाश बेंटिवोग्लियो के विचारशील, आध्यात्मिक चेहरे पर पड़ता है, जो विचार के गहन कार्य को व्यक्त करता है। यह महत्वपूर्ण है कि अपने बौद्धिक चरित्र-चित्रण में वान डाइक इस व्यक्ति की विशिष्टता पर जोर देते हैं और छवि में उत्साह का स्पर्श लाते हैं।

वैन डाइक जेनोआ में बसता है, जो एक कुलीन गणराज्य है जो व्यापार संबंधों के माध्यम से फ़्लैंडर्स के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है। वह शहर के सबसे बड़े कुलीन परिवारों का एक लोकप्रिय चित्रकार बन गया। विनीशियन पेंटिंग से परिचित होने से मास्टर की रचना तकनीक और उसका पैलेट समृद्ध होता है। वह राजसी बनाता है, अक्सर में पूर्ण उँचाईइतालवी कुलीनता के प्रतिनिधियों की चित्र छवियां। घृणित बुजुर्ग, कुलीन सज्जन, भारी, गहनों से सजी लंबी गाड़ियों वाली दुबली-पतली महिलाओं को जेनोआ के शानदार महलों के बैंगनी पर्दे और विशाल स्तंभों की पृष्ठभूमि में प्रस्तुत किया गया है। ये शानदार पर्यावरणीय चित्र-चित्र हैं।

जेनोइस काल के सभी कार्य समान मूल्य के नहीं हैं - उनमें से कुछ में एक निश्चित धर्मनिरपेक्ष अवैयक्तिकता व्याप्त है। लेकिन इस समय के सर्वश्रेष्ठ चित्रों में, जैसे बेंटिवोग्लियो के चित्र में, छवियों के एक अजीब उल्लास का आभास पैदा होता है। न्यूयॉर्क मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट के चित्र में मार्क्विस कैटरीना दुरज्जो एक असाधारण व्यक्ति के रूप में दिखाई देते हैं। छवि की आध्यात्मिकता इस अधिक अंतरंग और कुछ हद तक रोमांटिक चित्र के प्रकार के अनुरूप है। लेकिन अधिक पारंपरिक औपचारिक छवि के दायरे में भी, वैन डाइक छवियों को जीवन के रोमांच से भर देता है। युवा मार्क्विस बलबियानी (न्यूयॉर्क, मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट) के चित्र में सब कुछ असामान्य लगता है, जो एक विशेष परिष्कृत सुंदरता द्वारा चिह्नित है: लम्बा अनुपात, चेहरे का पीलापन और नाजुक निष्क्रिय हाथ, बेहतरीन से सजाए गए काले कपड़ों की भव्यता झिलमिलाते सोने के फीते का पैटर्न। लेकिन शायद जो सबसे अधिक लुभावना है वह आध्यात्मिक उत्थान, आंतरिक पुनरुद्धार की भावना है जो छवि में व्याप्त है।

वैन डाइक के अपने वतन लौटने पर, उनके काम का दूसरा एंटवर्प काल शुरू होता है (1627-1632)। इस समय, रूबेन्स एक लंबी राजनयिक यात्रा पर चले गए, और वैन डाइक, वास्तव में, फ़्लैंडर्स के पहले कलाकार बन गए। 1630 से वह आर्चड्यूक के दरबार में एक दरबारी कलाकार थे। वैन डाइक ने इस समय विभिन्न फ्लेमिश चर्चों के लिए कई वेदी छवियों के साथ-साथ पौराणिक विषयों पर पेंटिंग भी बनाईं। लेकिन, पहले की तरह, उनका मुख्य व्यवसाय चित्रांकन ही है। औपचारिक चित्रों की परंपरा में चित्रित गणमान्य व्यक्तियों और रईसों, सैन्य नेताओं और धर्माध्यक्षों, अमीर फ्लेमिश व्यापारियों की छवियों के साथ, वह वकीलों, डॉक्टरों और अपने साथी फ्लेमिश कलाकारों के चित्र बनाते हैं। रचनात्मकता की इस अवधि के दौरान वैन डाइक का जीवंत स्वभाव और फ्लेमिश कला की यथार्थवादी परंपराओं के साथ उनका संबंध विशेष रूप से स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ था। कलाकारों के चित्र उनकी विशेषताओं की सटीकता और सार्थकता से प्रतिष्ठित हैं: थके हुए, सख्त स्नाइडर्स (वियना, संग्रहालय), तेजतर्रार स्नेयर्स (म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक), अच्छे स्वभाव वाले क्रेयर (वियना, लिकटेंस्टीन गैलरी), डॉक्टर लाज़रस मचारकिज़स (1622-1630; हर्मिटेज), भाषाशास्त्री और प्रकाशक जान वैन डेन वाउवर (पुश्किन राज्य ललित कला संग्रहालय)। इन वर्षों के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक युवा सौंदर्य मारिया लुईस डी टैसिस (वियना, लिकटेंस्टीन गैलरी) का चित्र है। यह चित्र प्रतिनिधित्वशीलता की उस डिग्री को बरकरार रखता है जो वैन डाइक के जेनोइस कार्यों को प्रतिष्ठित करती है, और साथ ही यह जीवन शक्ति और शांत स्वाभाविकता से भरी एक छवि है।

चरित्र-चित्रण की तीक्ष्णता वैन डाइक के नक़्क़ाशी कार्यों में भी निहित है, जिसने 1627 में प्रकाशित "आइकॉनोग्राफी" बनाई, जो प्रसिद्ध समकालीन लोगों के नक़्क़ाशी-चित्रों का एक संग्रह है (एक सौ छवियों में से, सोलह को मास्टर ने अपने स्वयं के साथ बनाया था) हाथ, बाकी के लिए उन्होंने प्रारंभिक रेखाचित्र प्रदान किए)।

1632 में, वह इंग्लैंड चले गए और चार्ल्स प्रथम के दरबारी कलाकार बन गए। इंग्लैंड में, महत्वाकांक्षी वान डाइक को कुलीनता की उपाधि और नाइट की सुनहरी श्रृंखला प्राप्त हुई। मैरी रासवेन, जो एक बहुत ही प्राचीन लेकिन गरीब परिवार से थीं, के साथ अपनी शादी के लिए धन्यवाद, कलाकार ने प्रमुख अंग्रेजी अभिजात वर्ग की श्रेणी में प्रवेश किया। वह राजा, रानी और उनके बच्चों के कई चित्र बनाता है; संपूर्ण उच्च अंग्रेजी समाज उनके लिए पोज़ देने का सम्मान चाहता है।

कुछ में, विशेषकर शुरुआती कामइस अवधि के दौरान, वैन डाइक ने अभी भी अपनी प्रतिभा की ताकत बरकरार रखी है। छवियों का स्पष्ट अभिजात वर्ग भावनात्मक और मनोवैज्ञानिक परिष्कार के साथ संयुक्त है: फिलिप व्हार्टन (1632; न्यूयॉर्क, मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट), मैरी रासवेन (लगभग 1640; म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक), थॉमस व्हार्टन (1630 के दशक के अंत में) के चित्र। ; हर्मिटेज संग्रहालय). वैन डाइक की अंग्रेजी काल की उत्कृष्ट कृतियों में किंग चार्ल्स प्रथम (लगभग 1635; लौवर) का चित्र है। पारंपरिक तकनीकों में मास्टर द्वारा चित्रित चार्ल्स प्रथम के कई चित्रों के बीच, यह कैनवास अपने विशेष रूप से मूल डिजाइन के लिए खड़ा है। औपचारिक छवि के सिद्धांतों को यहां कई अन्य वैंडिक चित्रों की तरह जबरदस्ती प्रकट नहीं किया गया है, बल्कि अधिक अंतरंग व्याख्या में नरम किया गया है, जो, हालांकि, कलाकार के शानदार कौशल के लिए धन्यवाद, बिल्कुल भी नुकसान नहीं पहुंचाता है मॉडल की प्रतिनिधित्वशीलता का. राजा को एक परिदृश्य की पृष्ठभूमि में एक सुंदर आकस्मिक मुद्रा में चित्रित किया गया है; उसके पीछे एक नौकर एक उत्तम नस्ल का घोड़ा रखता है। पारदर्शी सिल्वर-ग्रे और फीके सुनहरे रंगों से भरपूर चित्र का रंग, इसकी उत्कृष्ट सुंदरता से अलग है। चार्ल्स प्रथम की छवि - लालित्य और अभिजात वर्ग का अवतार - वैन डाइक द्वारा काव्यात्मक है, और साथ ही, इस आदमी का आंतरिक सार, अभिमानी और कमजोर, तुच्छ और आत्मविश्वासी, एक आकर्षक सज्जन और छोटा- दृष्टिबाधित सम्राट को यहां बहुत ही सूक्ष्मता से व्यक्त किया गया है।

लेकिन वैन डाइक के काम में विरोधाभास पहले कभी इतने स्पष्ट नहीं थे, जितने अंग्रेजी काल में थे। उपरोक्त कार्यों के साथ, जो उनके उच्च कौशल की गवाही देते हैं, वैन डाइक, अपने महान ग्राहकों की इच्छाओं का पालन करते हुए, कई खाली, आदर्श चित्र बनाते हैं। उनके कार्यों की सुरम्य गुणवत्ता में भी गिरावट आ रही है। इस समय उनके कार्य की पद्धति ही सांकेतिक है। आदेशों से अभिभूत, वह, रूबेन्स की तरह, खुद को छात्र सहायकों से घेर लेता है। वैन डाइक ने एक दिन में कई चित्रों पर काम किया। मॉडल से स्केच बनाने में एक घंटे से अधिक का समय नहीं लगा, बाकी, विशेष रूप से कपड़े और हाथ, विशेष मॉडल के छात्रों द्वारा कार्यशाला में पूरा किया गया। पहले से ही दूसरे सत्र में, वैन डाइक ने चित्र को उतनी ही तेजी से पूरा किया। इस पद्धति से एक निश्चित मोहर की प्रधानता हो गई।

वैन डाइक की कलात्मक भूमिका अत्यंत महत्वपूर्ण थी और मुख्य रूप से उनकी मातृभूमि के बाहर ही प्रकट हुई। अंग्रेजी चित्रकार उनकी कला की परंपराओं पर भरोसा करते थे। दूसरी ओर, स्वर्गीय वान डाइक के आदर्शीकृत औपचारिक चित्र का प्रकार 17वीं और 18वीं शताब्दी के कई पश्चिमी यूरोपीय चित्रकारों के लिए एक मॉडल बन गया।

फ्लेमिश चित्रकला का तीसरा सबसे बड़ा प्रतिनिधि जैकब जॉर्डन (1593-1678) था। एक धनी एंटवर्प व्यापारी का बेटा, उसने अपना पूरा जीवन उसी में बिताया गृहनगर. एडम वैन नॉर्ट के साथ अध्ययन (1607 से) का जॉर्डन के कलात्मक विकास पर अधिक प्रभाव नहीं पड़ा। दूसरों की तुलना में, वह पुरानी नीदरलैंड पेंटिंग की यथार्थवादी परंपरा से अधिक निकटता से जुड़े हुए थे। आधुनिक इतालवी उस्तादों में से, उन्होंने कारवागियो की कला की सबसे अधिक सराहना की। जल्द ही पहचान मिल गई एक युवा कलाकार को. पहले से ही 1615 में उन्हें एंटवर्प चित्रकारों के गिल्ड के सदस्य का खिताब मिला, और 1621 में उन्हें इसका डीन चुना गया।

शायद किसी भी उस्ताद ने फ्लेमिश कला के मूल सिद्धांत को इतनी ताकत से व्यक्त नहीं किया, कभी-कभी कठोर कामुकता का संकेत भी ले लिया, जैसा कि जॉर्डन ने किया था। यह इस तथ्य से भी सुगम हुआ कि उन्होंने इटली का दौरा नहीं किया और इसके अलावा, इतालवी मॉडलों को अपनाने का प्रयास नहीं किया। जॉर्डन के काम, यहां तक ​​कि धार्मिक और पौराणिक विषयों पर भी, एक शैली के अर्थ में व्याख्या की जाती है; चरित्र, जो अक्सर रोजमर्रा की जिंदगी में दिए जाते हैं और हमेशा जीवन से लिखे जाते हैं, कभी-कभी बहुत कठिन लगते हैं। साथ ही, उनका काम रोजमर्रा की गद्यवादिता की विशेषताओं से रहित है - इसमें एक विशेष उत्सव का तमाशा और उत्साह का अटूट भंडार है। दुनिया की आशावादी धारणा की यह पूर्णता जॉर्डन को रूबेन्स के करीब लाती है। लेकिन, बाद वाले के विपरीत, जॉर्डन के पास कलात्मक सामान्यीकरण की इतनी शक्ति, इतना विशाल रचनात्मक दायरा और इतनी अटूट कल्पना नहीं है। उनकी कला कुछ हद तक एक-आयामी है।

जॉर्डन का कलात्मक व्यक्तित्व उनके शुरुआती कार्यों में पहले से ही स्पष्ट है। "द एडोरेशन ऑफ द शेफर्ड्स" (1618; स्टॉकहोम, संग्रहालय) में, मार्मिक सादगी से भरे किसानों ने एक युवा, बदसूरत फ्लेमिश महिला को गोद में एक बच्चे के साथ घेर लिया। बड़ी आकृतियाँ स्थान को सघन रूप से भर देती हैं; कलाकार उन्हें आकृतियों और वस्तुओं की स्पर्शनीय भौतिकता पर जोर देते हुए, मजबूत, विपरीत काइरोस्कोरो से गढ़ता है। सघन रचना की सरलता, बड़े-बड़े चित्रात्मक स्थानों पर बने रंगों की मधुरता, चित्रों की जीवंतता इस सरल दृश्य को महत्व देती है। यही विशेषताएं जॉर्डन के पौराणिक विषयों ("द एजुकेशन ऑफ ज्यूपिटर," लौवर; "मेलिएगर एंड अटलंता," ​​एंटवर्प) पर बनाई गई पेंटिंग्स को अलग करती हैं। और उनमें हम वही परिपूर्ण, मजबूत, जीवन से छीना हुआ पाते हैं लोक प्रकार. मास्टर के कार्य कम सफल होते हैं जिसमें वह अमूर्त रूपक छवियां बनाने का प्रयास करते हैं। इस प्रकार, ब्रुसेल्स पेंटिंग "प्रजनन क्षमता का रूपक" (लगभग 1625-1628; ब्रुसेल्स), जिसमें कई सुंदर विवरण हैं, आम तौर पर बड़े पैमाने पर आंकड़ों के साथ अतिभारित, काल्पनिक लगती है। जाहिर है, 1630 से पहले, पेंटिंग "मूसा कार्विंग वॉटर फ्रॉम ए रॉक" (कार्लज़ूए, संग्रहालय) को रचनात्मक डिजाइन में बोल्ड और मूल रूप से निष्पादित किया गया था।

जॉर्डन के काम की विशिष्टता उन कैनवस में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट होती है जिनमें शैली के रूपांकन प्रबल होते हैं। उन्होंने स्वेच्छा से लोक कहावतों, दंतकथाओं, कहावतों से कहानियाँ बनाईं, जो अच्छे उद्देश्य वाली और धूर्त उत्साह से भरी थीं। मास्टर के काम में कई पसंदीदा विषय थे, जिन पर वह बार-बार लौटते थे। इस प्रकार, म्यूनिख, कैसल, बुडापेस्ट और मॉस्को के संग्रहालयों में ईसप की कहानी के कथानक पर आधारित पेंटिंग "ए सैटियर विजिटिंग ए पीजेंट" के कई संस्करण हैं। वे एक किसान परिवार को भोजन करते हुए चित्रित करते हैं, जिसके पास बकरी के पैरों वाला व्यंग्यकार आता है। सबसे सफल पेंटिंग मॉस्को म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स की है। कल्पित कहानी के अनुसार, व्यंग्यकार लोगों के दोहरेपन से आश्चर्यचकित है - किसान का व्यवहार जो दलिया को ठंडा करने के लिए उस पर फूंक मारता है, जबकि पहले वह उन्हें गर्म करने के लिए अपने हाथों पर फूंक मारता था। जॉर्डन में, व्यंग्यकार और किसान दोनों एक ही प्रकृति के बच्चे हैं, शारीरिक रूप से मजबूत, सरल दिमाग वाले, कठोर जीवन शक्ति से भरे हुए। अपने असामान्य मेहमान के साथ भोजन और बातचीत में लीन, जिनकी उपस्थिति उनके घेरे में पूरी तरह से प्राकृतिक लगती है, किसान मेज के चारों ओर कसकर छिप गए। उनके भारी शरीर, लाल गाल वाले चेहरे, खुरदरे पैर और अग्रभूमि में एक मिट्टी का घड़ा प्लास्टिक की चातुर्य से व्यक्त किया गया है। चौड़े, घने ब्रश स्ट्रोक, सोनोरस नीले, लाल, पीले, सुनहरे-भूरे रंग के टोन के बड़े रंगीन धब्बे, रंगों में समृद्ध, मॉस्को पेंटिंग की पेंटिंग को अलग करते हैं।

जॉर्डन को विशेष रूप से बर्गर परिवारों को लापरवाही से दावत करते हुए चित्रित करना पसंद था उत्सव की मेज, फिर एक पारिवारिक संगीत कार्यक्रम के लिए एकत्र हुए। इन दृश्यों का चित्रण पारंपरिक लोक उत्सवों की उल्लासपूर्ण भावना को दर्शाता है। यदि रूबेन्स के कार्यों में समान प्रकृति के विषयों और छवियों को उच्च कलात्मक सामान्यीकरण की विशेषताओं से अलग किया जाता है, तो जॉर्डन के चित्रों में शैली के तत्व अधिक स्पष्ट रूप से व्यक्त किए जाते हैं। जिन विषयों पर वह बार-बार लौटे उनमें "बीन किंग" अवकाश की छवि भी थी। यह छुट्टी उस दिन मनाई जाती थी, जब किंवदंती के अनुसार, राजा शिशु मसीह की पूजा करने आते थे। दावत में उपस्थित व्यक्ति जिसके पास बीन के साथ पाई का एक टुकड़ा पका हुआ था, वह छुट्टी का राजा बन गया।

हर्मिटेज पेंटिंग "द बीन किंग" (सी. 1648) एक फ्लेमिश बर्गर के शोरगुल वाले परिवार को दर्शाती है। आदरणीय बूढ़ा व्यक्ति - परिवार का पिता - स्वयं "राजा", एक कागज़ का मुकुट पहने हुए, एक गिलास से शराब पीता है, और पूरी कंपनी उत्साही शराबी चिल्लाहट के साथ उसका स्वागत करती है। यह स्थान भोजन से भरी मेज के चारों ओर भारी आकृतियों से भरा हुआ है। इस पूरे बेचैन समूह में व्याप्त तीव्र हलचल बेलगाम मौज-मस्ती का आभास कराती है। प्रत्येक पात्र को सजीव एवं प्रभावशाली ढंग से चित्रित किया गया है। मास्टर की पेंटिंग शैली एक विशेष विस्तार तक पहुंचती है। जॉर्डन पहले से ही यहां तीखे काले और सफेद विरोधाभासों से बचता है। पेंटिंग को सुनहरे गुलाबी से सुनहरे भूरे रंग तक कई रंगों के साथ एक गर्म रंग योजना में डिज़ाइन किया गया है। भद्दे हास्य से भरपूर रोजमर्रा का दृश्यमास्टर स्मारकीय महत्व की विशेषताएं बताता है। जॉर्डन कई चित्रों के लेखक भी थे। उन्होंने गहरी मनोवैज्ञानिक छवियां बनाने का लक्ष्य नहीं रखा था। कुछ चित्र उनके चित्रों के करीब हैं (फैमिली पोर्ट्रेट, सी. 1615; हर्मिटेज)। जॉर्डन परिवार (मैड्रिड, प्राडो) का चित्र अधिक औपचारिक है।

1630 के दशक से जॉर्डन ने रूबेन्स के साथ मिलकर एंटवर्प में कई सजावटी कार्य किए। पहले से ही इस समय, और विशेष रूप से रूबेन्स की मृत्यु के बाद, जब जॉर्डन फ्लेमिश स्कूल के प्रमुख और कई सजावटी रूपक और पौराणिक रचनाओं के लेखक बन गए, जो कुलीन ग्राहकों के स्वाद को पूरा करते थे, गिरावट का दौर शुरू हुआ उसके काम में. रचना और आकृतियों का भारीपन, जो पहले कलाकार की विशेषता थी, अत्यधिक हो जाता है। बाद में काम करता हैकलाकार, कभी-कभी व्यक्तिगत विवरणों को चित्रित करने में रंगीनता और कौशल बनाए रखते हुए, आम तौर पर झूठी बारोक करुणा से भरे होते हैं।

17वीं शताब्दी की फ्लेमिश चित्रकला के सबसे विशिष्ट क्षेत्रों में से एक। वहाँ एक स्थिर जीवन था जो मुझे उस समय प्राप्त हुआ था स्वतंत्र अर्थ. स्थिर जीवन, अक्सर विशाल अनुपात तक पहुंचते हुए, फ्लेमिश कुलीन वर्ग के विशाल महलों की दीवारों के लिए सजावट के रूप में कार्य करता था। अंतरंग के विपरीत डच अभी भी जीवनफ्लेमिश स्थिर जीवन विषय रचना पर निर्भर करता है। रोजमर्रा की शैली के करीब के दृश्य दुकानों और रसोई में चित्रित किए जाते हैं; वस्तुओं की असीमित प्रचुरता के बीच मानव आकृतियाँ लुप्त हो गई हैं। फ्लेमिश कला का हर्षित चरित्र स्थिर जीवन में विशेष बल के साथ प्रकट हुआ; फ्लेमिश कलाकारों ने वस्तुगत दुनिया के विविध रूपों को व्यक्त करने में अपना शानदार कौशल दिखाया।

17वीं सदी में फ़्लैंडर्स का सबसे बड़ा स्थिर जीवन चित्रकार। रूबेन्स के साथी, फ्रैंस स्नाइडर्स (1579-1657) थे। स्नाइडर्स के विशाल कैनवस पर, मांस के शव, मारे गए परती हिरण, झींगा मछली, एक सूअर का सिर, विभिन्न प्रकार की रसदार, पकी सब्जियां और फल, मृत मुर्गे के ढेर, समुद्र और नदी की मछलियाँ काल्पनिक रूप से मेजों पर रखी हुई हैं, और ऐसा लगता है कि केवल चित्र फ़्रेम ही प्रकृति के उपहारों की इस अंतहीन प्रचुरता को सीमित करते हैं। सामान्य जैतून के स्वर से, सफेद, नीले, विशेष रूप से लाल (लॉबस्टर, मांस, जामुन, दुकानदार या दुकानदार के कपड़े) के मधुर धब्बे बाहर खड़े होते हैं। स्नाइडर्स के स्थिर जीवन के निर्माण में कुछ यादृच्छिकता एक एकल रंग संरचना के अधीन है, जो एक पूर्ण सजावटी संपूर्णता की छाप पैदा करती है।

रचनात्मकता की अपनी परिपक्व अवधि के दौरान, स्थिर जीवन (1618-1621) की प्रसिद्ध श्रृंखला में, जिसका उद्देश्य परोपकारी आर्कबिशप ट्रिस्ट के महल के लिए था, जो अब हर्मिटेज के हॉल को सजा रहा है, स्नाइडर्स ने "मछली", "फल" और " सब्जी” की दुकानें।

कलाकार प्रत्येक विषय को बहुत सावधानी से चित्रित करता है, लेकिन सबसे पहले वह स्थिर जीवन को समग्र रूप से देखता है, प्रकृति की समृद्धि की व्यापक छवि के लिए प्रयास करता है। स्नाइडर्स के उज्ज्वल, सुरुचिपूर्ण स्थिर जीवन उल्लासपूर्ण उत्सव से भरे हुए हैं और कम से कम उन्हें "मृत प्रकृति" कहा जा सकता है - वे जीवंत जीवन से भरे हुए हैं। यह गतिशीलता इस तथ्य से बढ़ जाती है कि कलाकार अपने स्थिर जीवन में जीवित प्राणियों का परिचय देता है (एक छोटा बंदर फल चुराता है, एक कुत्ता बिल्ली पर झपटता है, एक घोड़ा ऊपर आता है और सब्जियां खाता है, आदि)।

स्नाइडर्स जानवरों को चित्रित करने में एक महान विशेषज्ञ थे, जबकि उनके चित्रों में मानव आकृतियाँ सबसे कम अभिव्यंजक हैं; उन्हें अक्सर अन्य कलाकारों द्वारा चित्रित किया जाता था। यह अकारण नहीं है कि स्नाइडर्स के कई स्थिर जीवन उनकी विषय रचनाओं के करीब हैं - तेज़ गति वाले शिकार के दृश्य या शोरगुल वाले पोल्ट्री हाउस। शिकार के दृश्यों की अनूठी शैली, जिसमें स्नाइडर्स के करीबी चित्रकार पॉल डी वो (1596-1678) ने भी काम किया, फ्लेमिश कला में व्यापक हो गई, क्योंकि जंगली जानवरों के बीच भयंकर लड़ाई के लुभावने दृश्य का चित्रण किया जा रहा था। कुत्तों द्वारा शिकार किए जाने से फ्लेमिश स्वामी द्वारा समर्थित प्रभावों के लिए विशेष रूप से अनुकूल अवसर खुल गए।

फ्लेमिश स्टिल लाइफ के एक और उत्कृष्ट गुरु जान वीट (1611-1661) का काम अधिक संयमित और परिष्कृत है। स्नाइडर्स के विपरीत, वीथ शक्तिशाली स्मारकीय और सजावटी दायरे के कार्यों को बनाने का प्रयास नहीं करता है। उनका स्थिर जीवन बंद चित्रफलक पेंटिंग है, अधिक अंतरंग, वस्तुओं की पसंद में अधिक सख्त, एक स्पष्ट और कॉम्पैक्ट संरचना और रंग की दुर्लभ सुंदरता के साथ। ग्रे, नीले, इंडिगो, लाल, बकाइन-ग्रे, पीले-गुलाबी टोन के सूक्ष्म सामंजस्यपूर्ण बदलावों में, उन्होंने अटूट रंगीन विविधताएँ बनाईं। विशेष गुण के साथ, फेथ चित्रित वस्तुओं की बनावट को व्यक्त करता है: पक्षियों के नाजुक इंद्रधनुषी मोती-ग्रे पंख, एक खरगोश के मुलायम मुलायम फर, गहनों की तरह चमकते गीले अंगूर ("डेड गेम," पुश्किन म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स; "फल और तोता ", 1645, हर्मिटेज; "फल और फूल", ब्रुसेल्स, ललित कला संग्रहालय)।

17वीं शताब्दी के पूर्वार्ध के रूबेन्स, जॉर्डन, स्नाइडर्स और अन्य फ्लेमिश चित्रकारों की कृतियों के आगे, उनके समकालीन एड्रियन ब्रौवर (1605/06-1638) की कृतियाँ असामान्य लगती हैं। हालाँकि, इस मूल गुरु की कला किसी प्रकार की ऐतिहासिक दुर्घटना नहीं थी। ब्रौवर का काम, 16वीं सदी की चित्रकला और साहित्य में मौजूद चीज़ों को विकसित करना। किसी व्यक्ति के विचित्र हास्य चित्रण की परंपराएँ, फ्लेमिश समाज के निचले वर्गों के जीवन के छाया पक्षों को दर्शाती हैं। उन्होंने छोटी-छोटी शैली की रचनाएँ लिखीं, जिनमें गंदे, धुएँ से भरे शराबखानों के दृश्य कैद थे, जहाँ किसान, गरीब और आवारा लोग इकट्ठा होते थे। उनकी पेंटिंग्स में अक्सर शराब पीने की पार्टियों को दर्शाया जाता है जो हिंसक झगड़े, ताश के खेल, धूम्रपान करने वालों और क्रूर घरेलू उपचार में बदल जाती हैं। बोहेमियन शरारत की साहसी भावना ब्रौवर के कार्यों में व्याप्त है, जो उस समय फ्लेमिश कला पर हावी होने वाली कलात्मक प्रवृत्तियों के बिल्कुल विपरीत है।

एड्रियन ब्रौवर का जन्म औडेनार्डे शहर में कारीगरों के एक परिवार में हुआ था। एक युवा के रूप में वह हॉलैंड गए, जहां उन्होंने फ्रैंस हेल्स के साथ हार्लेम में अध्ययन किया होगा; हार्लेम और एम्स्टर्डम में काम किया। पेंटिंग के डच स्कूल ने युवा कलाकार को बहुत कुछ दिया, लेकिन वह अपनी मातृभूमि में एक स्वतंत्र गुरु के रूप में विकसित हुए, जहां वे 1631 में लौट आए। ब्रौवर की शुरुआती पेंटिंग्स में (उदाहरण के लिए, हॉलैंड में लिखी गई बर्लिन "स्कूल"), एकमुश्त कैरिकेचर की विशेषताएं प्रमुख हैं। विकृत चेहरों वाले बौने जैसे शैतानों का एक प्रकार का ढेर प्रस्तुत किया गया है। लेकिन उनके तीखे आंदोलनों और इशारों के प्रतिपादन में कोई भी उस पथ का अनुमान लगा सकता है जिसके साथ गतिशील रचनाओं, तात्कालिक परिवर्तनशील मुद्राओं और पात्रों की अभिव्यक्ति पर जोर देने वाले मास्टर ब्रौवर का काम आगे विकसित होता है। ये गुण संवेदनहीन क्रोध (ड्रेसडेन, मॉस्को, लेनिनग्राद के संग्रहालयों में पेंटिंग) या जुआ कार्ड गेम ("ताश खेलने वाले किसान", 1630 के दशक; म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक) से भरे नशे में होने वाले झगड़ों के चित्रण में प्रकट होते हैं। ब्रौवर के नायक, गरीबी और नशे से पीड़ित असभ्य लोग, अक्सर कड़वाहट और खालीपन की भावना से भरे होते हैं। लेकिन पिछले कुछ वर्षों में, उनकी कला, विचित्रता के कुछ तत्वों को बरकरार रखते हुए, गहरी और अधिक सार्थक हो गई है। शराबखानों में दृश्य कम तूफानी हो जाते हैं, और आवारा और जुआरियों को चिंतित करने वाली बुनियादी भावनाएं कम होने लगती हैं। ब्रौवर की कृतियाँ अधिक चिंतनशील चरित्र पर आधारित हैं, जो सौम्य हास्य से युक्त हैं। वह धूम्रपान करने वालों के एक समूह को शांतिपूर्वक आपस में बात करते हुए चित्रित करता है, या "किसान चौकड़ी" (म्यूनिख) जैसा चित्र बनाता है। इस बाद की पेंटिंग में चार निस्वार्थ रूप से गाते हुए किसानों और एक जलती हुई चूल्हे पर एक बच्चे के साथ एक मोटी फ्लेमिश महिला को दर्शाया गया है। हमेशा की तरह, ब्रौवर की छवियां जानबूझकर बिना रंग-बिरंगी हैं; इसमें किसानों को मुंह खोलकर गाते हुए दिखाया गया है, जो उन्हें एक अजीब अभिव्यक्ति देता है बदसूरत चेहरे. और साथ ही, चित्र में मानवीय गर्मजोशी और जीवन की सच्चाई का एहसास भी है। वह स्वेच्छा से लोगों की एकल आकृतियों को चित्रित करता है, जो कभी-कभी अपने उदास विचारों में डूबे रहते हैं, कभी गिटार बजाते हैं, कभी जानवरों के साथ स्नेहपूर्वक बात करते हैं ("मैन विद ए डॉग", ओस्टरबेक, हेल्ड्रिंग संग्रह; "द इनकीपर", म्यूनिख)। ये छवियां ब्रौवर की सहानुभूति से गर्म हैं आम आदमी कोऔर स्वयं कलाकार के व्यक्तित्व की छाप धारण करते हैं। और वास्तव में, अपने जीवन के अंतिम वर्षों में लिखे गए कथित सेल्फ-पोर्ट्रेट (द हेग, मेयरित्सुइस) में, वह एक ऐसी छवि बनाता है जो अपने समय के लिए अद्भुत है। हमारे सामने बोहेमियन का एक विशिष्ट प्रतिनिधि है: मैला, सभी बाहरी शालीनता के प्रति उदासीन, और साथ ही, एक जटिल आंतरिक जीवन एक बुद्धिमान, विचारशील चेहरे में परिलक्षित होता है।

अपने कलात्मक कौशल में, ब्रौवर अपने समय की उत्कृष्ट उपलब्धियों के स्तर पर खड़ा है। मुख्य तथा गौण दोनों ही पात्रों के चरित्र-चित्रण में वह विशेष मार्मिकता प्राप्त करते हैं। आकृतियों को हमेशा गति में चित्रित किया जाता है, उनके हावभाव अद्भुत सटीकता के साथ नोट किए जाते हैं; चेहरे के भावों पर जोर दिया जाता है, लेकिन वास्तविकता की भावना कभी नहीं खोती है ("बिटर मेडिसिन"; फ्रैंकफर्ट एम मेन, स्टैडेल इंस्टीट्यूट)।

उनके चित्रों की रचना में, दो योजनाएं आमतौर पर प्रतिष्ठित होती हैं: अग्रभूमि में पात्रों का मुख्य और बहुत कॉम्पैक्ट समूह होता है, गहराई में एक अर्ध-अंधेरा स्थान होता है। एक शराबख़ाना या शराबख़ाना, जिसमें आगंतुकों की आकृतियाँ हल्की-हल्की दिखाई देती हैं और ऐसा प्रतीत होता है कि रोजमर्रा की जिंदगी चल रही है। प्रकाश और छाया के संक्रमण की मदद से, अंतरिक्ष की गहराई और एकता की भावना प्राप्त की जाती है।

वायु पर्यावरण. ब्रौवर एक उत्कृष्ट रंगकर्मी हैं, उत्कृष्ट रंगीन संयोजनों के स्वामी हैं। उनके कैनवस आमतौर पर भूरे-जैतून टोन में डिज़ाइन किए जाते हैं; पृष्ठभूमि को हवादार भूरे और पीले रंग के टोन में चित्रित किया गया है, और अग्रभूमि में, चित्रित लोगों के कपड़ों में फीके नीले, क्रीम, गुलाबी, पीले रंगों के बारीक सामंजस्यपूर्ण रंगीन धब्बे उजागर होते हैं। ब्रौवर की पेंटिंग तकनीक स्वतंत्रता और कलात्मकता से प्रतिष्ठित है।

उनके जीवन के अंतिम वर्षों में ब्रौवर के परिदृश्य कार्य शामिल थे। वे सबसे विशुद्ध रूप से और सीधे तौर पर उनके काम की गीतात्मकता को व्यक्त करते हैं, जो उनकी शैली के चित्रों में छिपे रूप में प्रकट होती है। उनके परिदृश्यों में व्यक्तिगत अनुभव का स्पर्श है। उनमें से कुछ विशेष अंतरंगता की भावना से ओत-प्रोत हैं - उदाहरण के लिए, बर्लिन "लैंडस्केप विद ए शेफर्ड" में कलाकार एक नरम धूप वाले दिन का चित्रण करता है; सड़क के किनारे बैठा एक चरवाहा पाइप बजा रहा है, गरीब किसानों की झोपड़ियाँ फैले हुए पेड़ों की गहरी छाया में छिपी हुई हैं; प्रकृति शांति और सुकून से भरपूर है। ब्रौवर के अन्य परिदृश्य नाटकीय भावनाओं से ओत-प्रोत हैं। अक्सर, वह रात के परिदृश्यों को चित्रित करता है, जो चंद्रमा की असमान रोशनी से रोशन होते हैं, फटे हुए बादलों और हवा में सरसराहट करते पेड़ों पर फिसलते हैं ("राइजिंग मून के साथ टिब्बा लैंडस्केप"; बर्लिन)। कर्मचारियों की संख्या परिदृश्य के मिजाज (डकैतियों, हमलों, आवारा लोगों की एकाकी भयावह आकृतियों के दृश्य) के अनुरूप है। इन चित्रों में ब्रशवर्क एक तीव्र, बेचैन लय पर आधारित है। प्रकृति की अपनी गहरी व्यक्तिगत धारणा की प्रकृति के संदर्भ में, ब्रौवर फ्लेमिश कला में अकेले खड़े हैं, और इस संबंध में उनके परिदृश्य रेम्ब्रांट के परिदृश्यों के साथ अधिक समान हैं।

ब्रौवर की कला, अपनी रचना में गहराई से मौलिक, एक ही समय में अन्य राष्ट्रीय स्कूलों की कला में समान घटनाओं से जुड़ी थी, विशेष रूप से डच शैली. हालाँकि, फ्लेमिश मास्टर की कृतियाँ डच शैली के चित्रकारों की कृतियों से काफी भिन्न हैं। ब्रौवर अपनी आलंकारिक अवधारणा की निर्भीकता और कलाकार के जीवंत स्वभाव से उनसे आगे निकल जाते हैं। उनके कैनवस कई डच मास्टर्स में निहित बुर्जुआ सीमा, क्षुद्र रोजमर्रा की जिंदगी और सतही मनोरंजन की भावना से रहित हैं। वह स्पष्ट रूप से और स्पष्ट रूप से देखता है; उसकी रचनात्मकता की सीमा, जिसमें छवियों के विचित्र और गीतात्मक रंग दोनों शामिल हैं, बेहद व्यापक है।

ब्रौवर के कार्यों ने, जिसने आडंबरपूर्ण सत्यनिष्ठा और पाखंडी नैतिकता का तिरस्कार किया, "अच्छे समाज" के स्वाद को झकझोर दिया। ब्रौवर की कला को रेम्ब्रांट और रूबेन्स सहित उस समय के प्रमुख कलाकारों ने सराहा। लेकिन ब्रौवर के काम का कोई योग्य उत्तराधिकारी नहीं था। 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, देश के पतन की अवधि के दौरान, विभिन्न परिस्थितियों में कला का विकास हुआ। 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के फ्लेमिश चित्रकला के विशिष्ट गुरु डेविड टेनियर्स (1610-1690) थे। 1630 के दशक में कार्य करना ब्रौवर के साथ मिलकर, उन्होंने शैली चित्र बनाने में आंशिक रूप से उनका अनुकरण किया। लेकिन नरम चांदी के स्वर में चित्रित और छोटी आकृतियों से सजी उनकी खूबसूरत पेंटिंग, प्रकृति में मनोरंजक हैं। अनेक "केर्मेसेस" सजे-धजे, भले ही कुछ हद तक अश्लील, ग्रामीणों की दावतों और मनोरंजन को दर्शाते हैं, जो एक-दूसरे से बेहद मिलते-जुलते हैं। कभी-कभी उच्च वर्ग के सदस्यों द्वारा उन्हें कृपापूर्वक देखा जाता है। टेनियर्स की पेंटिंग्स को फ्लेमिश समाज के कुलीन वर्ग में भारी सफलता मिली। कलाकार ने फैशन और ग्राहकों की आवश्यकताओं का पालन किया। 1640 के दशक में. उनकी "लोकतांत्रिक" शैली को शानदार छवियों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था - शैतान, चुड़ैलों, सनकी उनके चित्रों में दिखाई देते हैं ("सेंट एंथोनी का प्रलोभन") - या मनोरंजक छोटी चीज़ों की छवियां - दृश्य जिनमें बंदरों को रसोई में विभिन्न काम करते हुए दर्शाया गया है या नाई ("रसोईघर में बंदर"; हरमिटेज संग्रहालय)। ऐसी पेंटिंग, बारीक चित्रित, रंग में सुखद, वास्तविक मनोरंजन से भी भरी होती हैं। बाद में, जब टेनियर्स स्टैडथोल्डर आर्कड्यूक लियोपोल्ड की आर्ट गैलरी के क्यूरेटर बन गए, तो उन्होंने जिज्ञासाओं और कला दीर्घाओं की अलमारियों के अंदरूनी हिस्सों को चित्रित करना शुरू कर दिया। ये उबाऊ, शुष्क कार्य केवल ऐतिहासिक और कलात्मक दस्तावेजों के रूप में दिलचस्प हैं, क्योंकि वे गैलरी में मौजूद कई अद्भुत कार्यों को पांडित्यपूर्ण सटीकता के साथ प्रस्तुत करते हैं। अपने जीवन के अंत में, फिर से किसान शैली की ओर मुड़ते हुए, टेनियर्स ने फ्लेमिश कला की यथार्थवादी परंपराओं से पूरी तरह से प्रस्थान किया, 18 वीं शताब्दी के देहाती और वीरतापूर्ण उत्सवों की भावना में दृश्यों का निर्माण किया।

17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। फ्लेमिश कला में रचनात्मक सुस्ती, छवियों के टुकड़े-टुकड़े होने, विदेशी मॉडलों, विशेषकर फ्रांस और हॉलैंड के कला विद्यालयों की आलोचनात्मक नकल का समय आ रहा था। दिवंगत फ्लेमिश मास्टर्स में से केवल जान सीबर्ग्स (1627-सीए. 1703) ही ध्यान देने योग्य हैं। उनके काम बहुत नीरस हैं. ये बदसूरत, देहाती फ्लेमिश किसान महिलाओं की छवियां हैं जो हरे-भरे लॉन पर झुंड की रखवाली कर रही हैं या सड़क के किनारे आराम से आराम कर रही हैं ("सोती हुई किसान महिलाओं के साथ लैंडस्केप"; म्यूनिख)। अक्सर कलाकार उज्ज्वल वन नदियों के छायादार घाटों को चित्रित करते हैं, जिसके माध्यम से महिलाएं अपने दामन छिपाकर गुजरती हैं, किसान अपने झुंडों को चलाते हैं या गाड़ी पर चलते हैं। साइबेरेक्ट्स के बड़े आकार के कैनवस को ठंडे, चांदी जैसे, कुछ हद तक कठोर चित्रात्मक तरीके से चित्रित किया गया है। गुरु बार-बार एक ही विषय, प्रकृति के एक ही कोने को बदलता रहता है। उनकी पेंटिंग्स में सब कुछ सरल, शांत, व्यवसायिक है। लेकिन, अपने समय के फ्लेमिश चित्रकारों के विपरीत, जिन्होंने जैक्स डी'आर्टोइस (1613-1686) की तरह, काल्पनिक, विशुद्ध रूप से सजावटी परिदृश्य बनाए या एक आदर्श क्लासिक परिदृश्य की ओर आकर्षित हुए, साइबेरेक्ट्स की पेंटिंग उनकी प्रकृति की वास्तविक छवि के करीब हैं। जन्मभूमि।

वे 17वीं शताब्दी में उच्च पूर्णता से प्रतिष्ठित थे। काम करता है एप्लाइड आर्ट्सफ़्लैंडर्स: उत्कृष्ट रूप से तैयार किया गया फीता, कीमती लकड़ियों और हाथीदांत से जड़ा हुआ शानदार फर्नीचर और विशेष रूप से टेपेस्ट्री। 14वीं शताब्दी से टेपेस्ट्री निर्माण देश का प्रमुख कला उद्योग रहा है। इसका मुख्य केन्द्र ब्रुसेल्स था। टेपेस्ट्री का व्यापक रूप से मंदिरों की सजावट के साथ-साथ फ्लेमिश कुलीनों और धनी व्यापारियों के राज्य अपार्टमेंटों में उपयोग किया जाता था। उनका उत्पादन पेंटिंग के उत्कर्ष से निकटता से जुड़ा था, जिसके प्रमुख मास्टर्स (रूबेंस और जॉर्डन सहित) ने टेपेस्ट्री के लिए कार्डबोर्ड बनाया था। 17वीं सदी की फ्लेमिश दीवार की लटकनें। बड़े आकार तक पहुँचने पर, उनकी रचनाएँ अधिक जटिल हो जाती हैं, और रंगीन संरचना विशेष तीव्रता प्राप्त कर लेती है। सजावटी और पुष्प रूपांकनों से युक्त विस्तृत और विविध सीमाओं की शुरूआत से भव्यता की छाप बढ़ जाती है। टेपेस्ट्री, जिसे अक्सर पूरी श्रृंखला में निष्पादित किया जाता है, बाइबिल, प्राचीन इतिहास के विषयों के साथ-साथ रूपक सामग्री वाली छवियों पर आधारित जटिल बहु-आकृति दृश्यों को चित्रित करती है। 17वीं शताब्दी का पूर्वार्द्ध फ़्लैंडर्स में ट्रेलिस उत्पादन में सबसे अधिक वृद्धि का समय था। सदी के अंत में, जब फ्रांसीसी कारख़ाना यूरोप में पहले स्थान पर थे, फ्रांसीसी स्वाद का प्रभाव ध्यान देने योग्य था, विशेष रूप से 18 वीं शताब्दी के दौरान बढ़ रहा था। फ्लेमिश टेपेस्ट्री की आलंकारिक संरचना का सजावटी पैमाना खो गया है, वीरतापूर्ण उत्सवों और देहाती दृश्यों का चित्रण फैशनेबल हो गया है, और फीके रंगों का उपयोग किया जाता है। यह महत्वपूर्ण है कि इस समय टेनियर्स की रमणीय ग्रामीण रचनाओं को विशेष लोकप्रियता मिली, जिसके आधार पर न केवल फ़्लैंडर्स में, बल्कि पश्चिमी यूरोप के अन्य देशों में भी कई टेपेस्ट्री बनाई गईं। अक्सर टेपेस्ट्री फ्लेमिश द्वारा नहीं, बल्कि फ्रांसीसी मास्टर्स द्वारा बनाए गए कार्डबोर्ड से बनाई जाती हैं।

यह वह समय था जब महान राष्ट्रीय कला विद्यालयइटली, फ़्लैंडर्स, स्पेन, फ़्रांस, हॉलैंड (आधुनिक नीदरलैंड के बारे में पढ़ें)। उनमें से प्रत्येक महत्वपूर्ण मौलिकता, एक जीवंत राष्ट्रीय पहचान को प्रकट करता है, जो किसी विशेष देश के ऐतिहासिक और सांस्कृतिक विकास की विशिष्टताओं, सामाजिक जीवन की प्रकृति और कलात्मक परंपराओं की बारीकियों से निर्धारित होती है।

साथ ही, 17वीं शताब्दी की कला, उस समय की संपूर्ण संस्कृति की तरह, कई विशेषताओं से प्रतिष्ठित है सामान्य सुविधाएं, युग के नए विश्वदृष्टि से जुड़ा हुआ, अपने आध्यात्मिक जीवन के सभी क्षेत्रों में प्रकट हुआ। वास्तविकता के साथ संबंध, इसके सबसे विविध पहलुओं और घटनाओं के साथ, पिछली अवधि की तुलना में अत्यधिक बहुपक्षीय और सक्रिय हो जाता है। विज्ञान, विशेषकर गणित, यांत्रिकी, खगोल विज्ञान, प्राकृतिक विज्ञान और भूगोल की अद्भुत सफलताएँ, दुनिया के विचार को एक असीमित, परिवर्तनशील और विरोधाभासी एकता के रूप में अत्यधिक विस्तारित और जटिल बनाती हैं। इस दुनिया के साथ मनुष्य के अविभाज्य संबंध, आसपास की वास्तविकता पर उसकी निर्भरता, उसके अस्तित्व की स्थितियों और परिस्थितियों पर स्पष्ट भावना है। इन विचारों के प्रकाश में, पुनर्जागरण की संस्कृति की मानवकेंद्रित विशेषता को अस्वीकार करना स्वाभाविक हो जाता है। न केवल मनुष्य, बल्कि वास्तविकता की संपूर्ण विविधता, मनुष्य के साथ उसके जटिल और बहु-मूल्यवान संबंध साहित्य और ललित कलाओं में रचनात्मक ज्ञान और समझ का विषय बन जाते हैं। इसीलिए, बड़े पैमाने पर पुनर्जागरण परंपराओं को विकसित करते हुए, 17वीं शताब्दी की कला ने अपने हितों के दायरे को बेहद विस्तारित किया। तदनुसार, इसके विषय और कथानक प्रदर्शनों की सूची समृद्ध हुई है, नई स्वतंत्र शैलियाँ विकसित हुई हैं, और जो पुनर्जागरण के दौरान पहले से मौजूद थीं उन्हें विकसित या गहरा किया गया है। विशेष रूप से, धार्मिक और पौराणिक विषय महत्वपूर्ण रूप से बदलते हैं और एक बहुत ही विविध व्याख्या प्राप्त करते हैं - बारोक मास्टर्स के काम में हिंसक करुणा और सजावट से लेकर यथार्थवादी कलाकारों के कार्यों में जीवन-विशिष्ट ठोसता और यहां तक ​​​​कि रोजमर्रा की विशेषताओं तक। लेकिन जीवन के विचारों की जटिलता और विविधता अब इन पारंपरिक शैलियों के रूपों में फिट नहीं होती है; उन्हें कलात्मक छवि और वास्तविकता के बीच अधिक तत्काल, प्रत्यक्ष संपर्क की आवश्यकता होती है। इसीलिए विशेष अर्थइस अवधि के दौरान चित्रांकन और परिदृश्य जैसी शैलियों का अधिग्रहण किया गया। किसी विशिष्ट व्यक्ति में, किसी व्यक्ति की शारीरिक बनावट और चरित्र की सभी व्यक्तिगत विशेषताओं में रुचि बढ़ने से, विशेष रूप से मनोवैज्ञानिक चित्र के विकास के लिए, चित्र कला का असाधारण विकास होता है। प्रकृति का बोध भी अधिक सार्थक एवं सक्रिय हो जाता है। दुनिया की एक नई समझ उसके जीवन, इसकी विविधता, मनुष्य के साथ इसके जटिल संबंधों को बेहतर ढंग से समझने की इच्छा में योगदान करती है। इस अवधि के दौरान प्रकृति की कलात्मक व्याख्या की सीमा बहुत व्यापक हो गई - एक भव्य पैमाने की छवि से जिसमें समग्र रूप से ब्रह्मांड की अवधारणा शामिल है (पॉसिन, रूबेन्स के कार्यों में) विशिष्ट राष्ट्रीय रूपांकनों का सटीक प्रतिबिंब ( डच कलाकारों की कला में)। प्रकृति का करीबी रचनात्मक अध्ययन अंतरिक्ष, प्रकाश व्यवस्था और उसके जीवन के सामान्य पैटर्न के हस्तांतरण में सबसे महत्वपूर्ण खोजों की ओर ले जाता है। इसीलिए 17वीं शताब्दी की भूदृश्य कला की उपलब्धियाँ उसके बाद के काल में इसके विकास का आधार बनीं।

पीटर पॉल रूबेन्स. क्रॉस उठाना. 1610-1611 के आसपास

फ्लेमिश कला, सबसे पहले, रूबेन्स और फिर रूबेन्स है। हालाँकि उसी समय फ़्लैंडर्स में अन्य उत्कृष्ट कलाकार भी थे, उन सभी को "रूबेन्स सर्कल", "रूबेन्स स्कूल" के रूप में माना जाता है, जैसे रूबेन्स के सूर्य के चारों ओर घूमने वाले ग्रह। 17वीं और 18वीं शताब्दी कई कलाकारों को जानती थी - खुशियों के प्रिय और भाग्य के पसंदीदा (कम से कम उन्हें इसी तरह चित्रित किया गया है, इसके आधार पर) ज्ञात तथ्यउनकी जीवनियाँ) वे सदैव प्रसन्न रहते थे, वे आजीवन प्रसिद्धि और सम्मान से घिरे रहते थे। यह इटली में बर्निनी और बाद में टाईपोलो था। इन दुर्लभ समृद्ध भाग्यशाली लोगों में से, रूबेन्स शायद सबसे खुश और सबसे समृद्ध थे। उनके छोटे समकालीन वेलाज़ेक्ज़ स्पेनिश सम्राट के दरबारी चित्रकार थे, और रूबेन्स फ़्लैंडर्स में स्पेनिश गवर्नरों के दरबारी चित्रकार थे; लेकिन वेलाज़ेक्ज़ एक मामूली अर्ध-सेवा की स्थिति में थे, और रूबेन्स ने उच्च राजनयिक पदों पर कब्जा कर लिया, अपने शानदार महल में रहते थे, और यूरोप में सबसे बड़ी कला कार्यशाला का नेतृत्व किया, जो यूरोपीय ताजपोशी राजकुमारों और अमीर कैथोलिक आदेशों का पालन करता था। वह असफलताओं और झटकों को नहीं जानता था, वह अपने छात्रों में खुश था, अपने परिवार में खुश था, यात्रा करता था और अमीर था। एक निश्चित पैटर्न के रूप में देखा जा सकता है कि "भाग्य के प्रिय" कलाकार निकले, हालांकि उल्लेखनीय रूप से प्रतिभाशाली, लेकिन सबसे गहन नहीं। और रूबेन्स कोई अपवाद नहीं है। वह एक चित्रकार के रूप में अद्भुत हैं, लेकिन एक कलाकार के रूप में बहुत गहरे नहीं हैं। उन्होंने अपनी कला की सोने की खान को लगन से विकसित किया, लेकिन एक तरफा, और उनकी बहुत ही उर्वरता अब एक कमी के रूप में महसूस की जाती है: शायद रूबेन्स अधिक महान होते यदि उन्होंने कम किया होता। लेकिन, जैसा भी हो, रूबेन्स का नाम एक संपूर्ण कलात्मक युग का प्रतीक है। एक ऐसा युग जब कला, दरबार के सुनहरे पिंजरे में बंद होकर और आंतरिक दरिद्रता के खतरे को महसूस करते हुए, अपने सभी बाहरी आकर्षणों के साथ खुद को इससे बचाती थी। जितने अधिक जुनून और सद्गुण के साथ, उन्होंने कैनवास पर वास्तविक कामुकता का भ्रम हासिल किया, समाज के जीवन में उनकी अपनी भूमिका उतनी ही अधिक भ्रामक, "खेल जैसी" हो गई।

फ़्लैंडर्स नीदरलैंड (वर्तमान बेल्जियम) का दक्षिणी भाग है, जो 16वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की क्रांतिकारी घटनाओं के बाद, स्पेन के संरक्षण में रहा और कैथोलिक दुनिया में शामिल हो गया, जबकि उत्तरी नीदरलैंड (हॉलैंड) अलग हो गया और स्वतंत्रता प्राप्त की। एक बुर्जुआ प्रोटेस्टेंट गणराज्य के रूप में। नीदरलैंड के विभाजन का मतलब उनकी कलात्मक परंपराओं में विभाजन था। तुलनात्मक रूप से कहें तो, फ़्लैंडर्स में इटालियनाइज़िंग धारा की जीत हुई, और हॉलैंड में वैन आइक और ब्रूगेल से आने वाली परंपराएँ। हालाँकि, 16वीं शताब्दी की तुलना में दोनों पंक्तियाँ बहुत बदल गई हैं, और राष्ट्रीय डच सिद्धांत अपने तरीके से फ्लेमिश बारोक में कम दृढ़ता से प्रतिबिंबित नहीं हुए थे। नई फ्लेमिश पेंटिंग की नींव रखने वाले रूबेंस ने कमजोर डच उपन्यासकारों से नहीं, बल्कि सीधे इटली की कला से शुरुआत की, जहां वह कई वर्षों तक अपनी युवावस्था में रहे, ड्यूक ऑफ मंटुआ के दरबार में काम किया। वह उच्च पुनर्जागरण के वेनेशियनों के कार्यों से प्रेरित थे - 17वीं शताब्दी के सर्वश्रेष्ठ चित्रकारों के निरंतर शिक्षक, साथ ही माइकल एंजेलो और आंशिक रूप से कारवागियो के कार्यों से। दरअसल, इटालियन बारोक रूबेन्स के लिए एक मॉडल नहीं था - 1608 में एंटवर्प लौटने के बाद, उन्होंने खुद ही बनाना शुरू कर दिया फ्लेमिश स्कूलबैरोक इटालियन के समानांतर है, और इसका अनुसरण नहीं करता है। और जिस तरह उनके चित्रों में गर्म अंडरपेंटिंग पारदर्शी ग्लेज़ के माध्यम से चमकती है, उसी तरह फ्लेमिश बारोक में मूल डच अंतर्निहित आधार स्पष्ट रूप से चमकता है। रूबेन्स और पीटर ब्रूगल में क्या समानता है? इस बीच, ब्रुगेल की कुछ रचनाएँ निश्चित रूप से फ्लेमिश बारोक का पूर्वाभास देती हैं: उदाहरण के लिए, चित्र "द हार्वेस्ट", जहाँ अग्रभूमि में एक किसान लालच से एक विशाल जग से शराब पीता है। ऐसा लगता है कि हमें केवल एक कदम उठाने की जरूरत है, इन ब्रुगेलियन किसानों को "खेतों और झरनों के देवताओं" में बदलना, और हमारे पास रूबेन्स की भावना में एक रचना होगी। न तो शानदार शिक्षा, न धर्मनिरपेक्ष पॉलिश, न ही इटली में जीवन ने रूबेन्स में "किसान" तत्व को नष्ट कर दिया। दुनिया के इस शालीन व्यक्ति, एक बुद्धिमान राजनयिक, ने अपनी मातृभूमि से ताजा रक्त के प्रवाह के साथ दरबारी कला को पुनर्जीवित किया।

उन्होंने बारोक कला में चरित्र की सापेक्ष स्वतंत्रता, सरल-दिमाग, कठोर कामुकता पैदा की और लोगों को प्राकृतिक स्वास्थ्य और प्राकृतिक शक्ति की प्रशंसा करने के लिए प्रेरित किया। और यह सब राजसी सजावट, धूमधाम, राजाओं की प्रशंसा की आवश्यकताओं के साथ सफलतापूर्वक जुड़ा हुआ था और चर्च से थोड़ा सा भी विरोध नहीं हुआ। इस बीच, धार्मिक भावना चुपचाप फ्लेमिश कला से दूर चली गई: यदि इटालियन बारोक में इसका थोड़ा सा हिस्सा है, तो फ्लेमिश बारोक में बिल्कुल भी नहीं है।

पीटर पॉल रूबेन्स. ल्यूसिपस की बेटियों का अपहरण। 1617

रूबेंस ने धार्मिक विषयों और विषयों दोनों पर समान तत्परता से पेंटिंग बनाई प्राचीन पौराणिक कथा- वे दोनों उसे काफी "मूर्तिपूजक" लगते हैं। हालाँकि, जेसुइट ऑर्डर रूबेन्स का मुख्य और निरंतर ग्राहक था। एक सच्चे बारोक कलाकार के रूप में, रूबेन्स ने नग्न और अर्ध-नग्न शरीरों को मजबूत, उत्तेजित गति में चित्रित किया और, जहां भी संभव हो, लड़ाई, संघर्ष, पीछा और गहन शारीरिक प्रयास के रूपांकनों को पेश किया। "घोड़े और लोग एक ढेर में मिश्रित" - रूबेन्स द्वारा लगभग सभी बड़े कमीशन चित्रों में ऐसा है। चाहे सूअर का शिकार हो या बैचेनलियन दावत, चाहे अमेज़ॅन लड़ रहे हों, चाहे पुरुष महिलाओं का पीछा कर रहे हों या महिला किसी पुरुष का पीछा कर रही हो - हर जगह संघर्ष का उत्साह, ताकतों का तनाव, पदार्थ का उबलता किण्वन है, जो बारोक वास्तुकला द्वारा अमूर्त रूप में व्यक्त किया गया है। और यहां तक ​​कि "द राइजिंग ऑफ द क्रॉस" में भी एक तनावपूर्ण लड़ाई है - एक भारी क्रॉस वाले लोगों के बीच लड़ाई, जिसे वे क्रूस पर चढ़ाए गए शरीर के साथ बड़े प्रयास से उठाते हैं। यहां मुद्दा सूली पर चढ़ाए गए लोगों की पीड़ा का नहीं है, बल्कि सूली पर चढ़ने वालों के प्रयासों का है।

पीटर पॉल रूबेन्स. शुक्र और बैचस. टुकड़ा. 1616-1620

इन लगातार, बार-बार, झगड़ों के अलग-अलग उद्देश्यों में, बहुत कुछ ऐसा है जो, आधुनिक राय में, थकाऊ और बाहरी है। उनके पीछे ख़ालीपन का भूत नज़र आता है। प्रयास लक्ष्य के अनुरूप नहीं है. ल्यूसिपस की बेटियों के अपहरण - दो ढीली नग्न सुंदरियां - के लिए घोड़ों के पालन-पोषण के साथ ऐसी अत्यधिक गतिशील रचना की आवश्यकता नहीं है और न ही इसे उचित ठहराया जाता है, जिसे रूबेन्स ने इस साजिश के लिए बनाया था। वैसे, कार्रवाई और उद्देश्य के बीच, बलों की अत्यधिक लामबंदी और सामान्य रूप से बाधाओं की महत्वहीनता के बीच ऐसी विसंगति बारोक शैली की विशिष्ट विशेषताओं में से एक है - एक शैली जो मौलिक रूप से एटेक्टोनिक है, समीचीनता की अवधारणा की उपेक्षा करती है। शक्तिशाली शरीर वाली बारोक मूर्तियों को बहुत संकीर्ण स्थानों में रखा गया है, बारोक घुड़सवारी स्मारकों को संकीर्ण पेडस्टल पर रखा गया है, शानदार विशाल इमारतों को कभी-कभी संकीर्ण गलियों में निचोड़ा जाता है, कमजोर आकृतियाँ वेशभूषा की भारी विलासिता के नीचे छिपी हुई हैं।

रूबेन्स की रचनाओं और पात्रों में उस आध्यात्मिक एकाग्रता और आंतरिक महत्व का अभाव है जो "आदिम" - प्राचीन गुरुओं के कार्य - हमेशा भरे रहते हैं। यही कारण है कि रूबेंस प्रजनन में खराब दिखते हैं, जबकि "आदिम" काले और सफेद प्रजनन में भी अपना सार बरकरार रखते हैं। रूबेन्स को केवल मूल में ही देखा जा सकता है: रूबेन्स की सराहना करने का अर्थ है उसकी वास्तव में सुंदर, समृद्ध, उज्ज्वल और पारदर्शी पेंटिंग, उसके गर्म रंग, एक जीवित शरीर की तरह सराहना करना। उसकी कोई धुंधली छाया नहीं है - सब कुछ चमकता है।

उन्होंने एक तरल पारदर्शी परत के साथ छाया में पेंट लगाया, ताकि गर्म लाल अंडरपेंटिंग इसके माध्यम से दिखाई दे, और रोशनी वाले क्षेत्रों को पेस्टी में चित्रित किया, यानी, अधिक सघनता से, लेकिन छाया और प्रकाश के बीच संक्रमण तेज नहीं हैं: सब कुछ कलात्मक रूप से सामान्यीकृत किया गया है और हल्के रंग के सामंजस्य में लाया गया है। रूबेन्स को लंबे, लहरदार स्ट्रोक के साथ लिखने की भी विशेषता है जो आकार का अनुसरण करते हैं: उदाहरण के लिए, वह ब्रश के एक आंदोलन के साथ बालों के कुछ घुंघराले बालों को रंगते हैं। रूबेन्स की चित्रात्मक शैली में इतनी मुक्त कलात्मकता है कि मूल में उनकी भारी रचनाएँ और भारी शरीर ऐसे नहीं लगते: वे हल्के दिखते हैं, एक अजीब अनुग्रह से भरे हुए। यह सब हर्मिटेज में "पर्सियस और एंड्रोमेडा" के सामने महसूस किया जा सकता है। रूबेन्स ने विशेष उस्ताद के साथ महिला नग्नता को चित्रित किया। एंड्रोमेडा की नग्नता, जैसा कि सामान्य तौर पर रूबेन्स द्वारा किया गया है, शास्त्रीय से बहुत दूर है: उत्तरी कलाकारों ने इतालवी वीनस की "प्राचीन" सख्त और साफ रेखाओं और अनुपात को कभी नहीं सीखा।

वैन डाइक। लॉर्ड्स जॉन और बर्नार्ड स्टुअर्ट का पोर्ट्रेट

उन्होंने अपनी खुद की घरेलू सुंदरियों को चित्रित किया - सुडौल, चौड़े कूल्हे और मोटा। रूबेन्स जानबूझकर शास्त्रीय प्रकार की सुंदरता से दूर चले गए: उन्होंने कहा कि किसी को गुलामी की नकल नहीं करनी चाहिए प्राचीन मूर्तियाँ, "हमारे युग में, त्रुटियों से भरे हुए, हम उनके जैसा कुछ बनाने से बहुत दूर हैं," और कहा कि अब मानव शरीर, अफसोस, प्राचीन लोगों से बहुत अलग हैं, "चूंकि अधिकांश लोग केवल पीने और प्रचुर मात्रा में पीने से अपने शरीर का व्यायाम करते हैं खाना।"

फिर भी, रूबेंस का एंड्रोमेडा सुंदर है। उसका नाजुक शरीर रोशनी बिखेरता हुआ प्रतीत होता है। रूबेंस की छाया में लाल रंग के साथ सुनहरे त्वचा टोन की सामान्य संतृप्ति यहां पर्सियस के लाल लबादे के प्रतिबिंबों से और भी बढ़ गई है - चित्र एक सुर्ख भोर के स्वर से भरा है। इसमें गति की कोई अत्यधिक शक्ति नहीं है, यह अपेक्षाकृत शांत है, यहाँ तक कि गेय भी है; गतिशीलता मुख्य रूप से कामदेवों द्वारा लाई जाती है, जो एंड्रोमेडा से सुनहरा घूंघट खींचते हैं, उसे पर्सियस को उसकी नग्नता की सारी सुंदरता दिखाते हैं, विक्ट्री की मदद करते हैं, जो पर्सियस को ताज पहनाता है, और अपने पंख वाले घोड़े के साथ इश्कबाज़ी करता है। ये चंचल कामदेव - "पुट्टी" - देर से पुनर्जागरण के बाद से और विशेष रूप से 17वीं और 18वीं शताब्दी में, हमेशा पौराणिक विषयों पर रचनाओं में निवास करते हैं, और कभी-कभी मैडोना के आसपास स्वर्गदूतों की भूमिका में दिखाई देते हैं। ऐसा लगता है कि कलाकार इन पंखों वाले नग्न बच्चों, फड़फड़ाने, खेलने, लड़खड़ाने और हर चीज में शामिल हुए बिना नहीं रह सकते।

वैन डाइक। आत्म चित्र। 1620 के दशक के अंत में

"पुट्टी", निश्चित रूप से, हमेशा प्यार का संरक्षण करती है: रूबेन्स की एक और हर्मिटेज पेंटिंग में - "वीनस और एडोनिस" - पवित्र एडोनिस वीनस से दूर भागता है, और कामदेव उसका पैर पकड़ लेता है। भोले-भाले और चालाक कामदेव पात्रों के इर्द-गिर्द उपद्रव करते हैं, सहानुभूति जताते हैं, कभी-कभी चिढ़ाते हैं और तरह-तरह की शरारतें करते हैं।

जैकब जॉर्डन. राजा पीता है. 1656 से पहले

उनके माध्यम से, घटनाएँ एक चंचल स्वर में आ जाती हैं और कुछ लापरवाह, आसान धारणा की रोशनी से रोशन हो जाती हैं जो "आनंदमय कला" को "गंभीर जीवन" से अलग करती है।

रूबेन्स अपने अंतिम समय में सबसे अधिक आकर्षक हैं, जब उन्होंने कम कमीशन वाली रूपक रचनाएँ और अपनी युवा पत्नी की प्रकृति और चित्रों को अधिक चित्रित किया। अपने जीवनकाल में इतने सारे तूफानी "बैचैनलिया" और "लड़ाइयाँ" पैदा करने के बाद, एक व्यक्ति के रूप में रूबेन्स में बिल्कुल भी उदासीन या युद्ध जैसा कुछ नहीं था: वह एक शांत, उदारवादी, अनुकरणीय और प्यार करने वाले पारिवारिक व्यक्ति थे।

एड्रियन ब्रौवर. शराबखाने का दृश्य

विधवा होने और ऐसा महसूस न करने पर, जैसा कि उन्होंने लिखा, "ब्रह्मचर्य के लिए तैयार," तिरपन साल की उम्र में उन्होंने सोलह वर्षीय ऐलेना फोरमैन से दोबारा शादी की; चित्रों को देखकर, वह काफी हद तक उनकी पहली पत्नी, इसाबेला ब्रांट से मिलती-जुलती थी - वही सुंदर, नम्र, स्पष्ट आंखों वाला रूप, जो रूबेन्स अक्सर अपनी दूसरी शादी से बहुत पहले अपने चित्रों में दिखाई देते हैं। ऐसा लगता है कि युवा ऐलेना फोरमेंट में रूबेन्स को एक महिला का अपना स्थायी आदर्श मिल गया। उनके चित्र सबसे अच्छे चित्रों में से हैं।

डेविड टेनियर्स. गाँव की छुट्टियाँ

दो बच्चों के साथ हेलेन फोरमेंट का प्रसिद्ध लौवर चित्र ब्रश की चमक और ताजगी से आश्चर्यचकित करता है: ऐसा लगता है कि इसे रेनॉयर द्वारा चित्रित किया जा सकता था। रूबेन्स का एक पसंदीदा छात्र था - वैन डाइक। युवावस्था में वे अपने शिक्षक से काफी प्रभावित थे और उनकी कार्यशाला में काम करते थे। रूबेन्स की कार्यशाला कई छात्रों का एक प्रकार का कलात्मक समुदाय थी जो शिक्षक का सम्मान करते थे और उन्हें आदेशों को पूरा करने में मदद करना एक सम्मान की बात मानते थे। बेशक, रूबेन्स स्वयं अपने नाम के तहत कार्यशाला से बाहर आने वाली हर चीज को निष्पादित नहीं कर सके - ये सभी वेदी रचनाएं, लैंपशेड और "विजय" की श्रृंखला जैसे कि रानी द्वारा कमीशन किए गए बीस कैनवस का चक्र "द लाइफ ऑफ मैरी डे मेडिसी" फ्रांस की। रूबेन्स ने रेखाचित्र बनाए (वैसे, रेखाचित्रों से, यह विशेष रूप से स्पष्ट है कि वह कितने प्रतिभाशाली गुरु थे), उनके छात्रों ने उनके आधार पर चित्र बनाए, और रूबेन्स ने फिर उन्हें अंतिम, निर्णायक स्पर्श, कलात्मक "रीटच" के साथ पूरा किया।

फ्रैंस स्नाइडर्स. लाल मेज़पोश पर एक कटोरे में फल

उनके निर्विवाद अधिकार ने उनके छात्रों को प्रेरित किया, लेकिन इन परिस्थितियों में एक स्वतंत्र रचनात्मक व्यक्ति के रूप में विकसित होना इतना आसान नहीं था: बहुमत रूबेन्स के रथ के विनम्र साथी बने रहे। वान डाइक इसी तरह के भाग्य से बच गए। अभी भी इक्कीस साल का एक जवान आदमी, रूबेन्स के घोंसले का यह प्रारंभिक बच्चा एंटवर्प छोड़कर इंग्लैंड और इटली के माध्यम से कई वर्षों की यात्रा पर चला गया, जहां उसे एक चित्रकार के रूप में अप्रत्याशित रूप से शानदार सफलता मिली, खासकर जेनोआ में , जेनोइस अभिजात वर्ग के बीच। कोई सोच सकता है कि कलाकार के व्यक्तिगत आकर्षण ने भी यहाँ एक निश्चित भूमिका निभाई।

युवा वान डाइक अत्यंत सुंदर था; उनकी सुंदरता ने उनकी रोमांटिक प्रेम कहानियों के बारे में कई मनगढ़ंत किंवदंतियों और उपाख्यानों को जन्म दिया। वान डाइक, जैसा कि हम उसे हर्मिटेज सेल्फ-पोर्ट्रेट में देखते हैं, शेक्सपियर के रोमियो नहीं तो कम से कम मर्कुटियो - सुंदर, मजाकिया मर्कुटियो जैसा दिखता है। ग्रे और सुनहरे रंग के शानदार पैलेट में यह चित्र अपने आप में बहुत अच्छा है। इस तरह से "कलाकार" की उपस्थिति की कल्पना आमतौर पर उन लोगों द्वारा की जाती है, जो अपनी आत्मा की सादगी में मानते हैं कि कलात्मक पेशे में लोगों के पास एक समान उपस्थिति होनी चाहिए। शायद केवल राफेल और वैन डाइक ही इस रोमांटिक विचार से पूरी तरह मेल खाते हैं।

सेल्फ-पोर्ट्रेट में, वैन डाइक के हाथ संकीर्ण और अच्छी तरह से तैयार हैं, लंबी उंगलियों के साथ गर्वित हाथ हैं। उनके चित्रों में अक्सर वही हाथ पाए जाते हैं, चाहे उन्होंने किसी को भी चित्रित किया हो। यहां तक ​​कि लियोनार्डो दा विंची ने भी देखा कि कलाकार अपने पात्रों को कुछ स्व-चित्र विशेषताएँ देते हैं। वैन डिज्क के लिए यह उसके हाथ हैं। वे अत्यंत कुलीन हैं, और वैन डाइक में अभिजात वर्ग के प्रति कमजोरी थी और वह खुद को एक कुलीन महसूस करता था, हालाँकि वह एक अमीर एंटवर्प बर्गर के परिवार से आया था। उनके काम के कई चित्र, पूरे यूरोपीय संग्रहालयों में बिखरे हुए, बहुत सुंदर हैं, प्रतिभा के साथ चित्रित हैं - वैन डाइक रूबेन्स के एक योग्य छात्र हैं - रंग में सुंदर, लेकिन कुछ हद तक नीरस।

वैन डाइक पहले से ही प्रसिद्ध अपनी मातृभूमि में लौट आए, कई वर्षों तक वहां रहे और इस फ्लेमिश काल के दौरान उन्होंने बहुत काम किया, बड़े चित्रों को चित्रित किया, लेकिन वे बहुत नाटकीय थे और उनके चित्रों से कमतर थे। इसके बाद वह फिर से इंग्लैंड चले गए, चार्ल्स प्रथम के दरबार में, जहां 1641 में केवल बयालीस वर्ष की आयु में उनकी मृत्यु हो गई। इंग्लैण्ड में उनकी प्रसिद्धि चरमोत्कर्ष पर पहुँच गयी। वह होल्बिन के बाद इस देश में आने वाले दूसरे महान यूरोपीय कलाकार थे, और एक चित्रकार भी थे। 18वीं शताब्दी के उत्कृष्ट अंग्रेजी चित्रकार - रेनॉल्ड्स, गेन्सबोरो - उनकी कला को अत्यधिक महत्व देते थे और वैन डाइक को अपना आध्यात्मिक पिता मानते थे। इस प्रकार, चित्रकला के फ्लेमिश स्कूल ने जड़ें जमा लीं और विदेशों में नई कोपलों को जन्म दिया। एक सच्चा, देशी फ्लेमिश, जो केवल अपनी मातृभूमि की हवा में सांस लेता था, जॉर्डन था: उसकी पेंटिंग्स जीवन के प्रति फ्लेमिश प्रेम और कुछ हद तक भारी तुच्छता का प्रतीक हैं। फ़्लैंडर्स में उन्हें नमकीन हास्य और नैतिकता की सादगी पसंद थी: यह कुछ भी नहीं था कि ब्रुसेल्स के निवासियों ने अपने चंचल प्रतीक को लड़के "मैननेक्विन पिस" की फव्वारा मूर्ति बनाया, जो 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में मूर्तिकार ड्यूकसनॉय द्वारा बनाई गई थी और खड़ी थी शहर के मुख्य चौराहे पर. आज तक, बेल्जियम में, "ब्रुसेल्स के सबसे प्राचीन नागरिक" के रूप में इस मजाकिया व्यक्ति के चंचल पंथ की परंपरा जारी है: उसे उपहार दिए जाते हैं, और यहां तक ​​कि "पुतला" के नाम पर एक विशेष बैंक खाता भी खोला गया है। -पिस”।

जॉर्डन ने भी स्वेच्छा से अपने चित्रों में "पुतला-पिस" के रूपांकनों को निभाया। हम कह सकते हैं: वैन डाइक जितना अति-कुलीन है, जॉर्डन प्रदर्शनात्मक रूप से सामान्य और असभ्य है। और फिर भी उनके बीच कुछ समानता है, विशेष रूप से "फ्लेमिश"। वैन डाइक की ड्रंकन स्ट्रॉन्ग शायद जॉर्डन द्वारा लिखी गई हो सकती है। वे रूबेन्सियन सिद्धांत, रूबेन्सियन स्कूल से संबंधित थे, जिसमें दोनों - परिष्कार और खुरदरापन - किसी तरह व्यवस्थित रूप से सह-अस्तित्व में थे।

जॉर्डन के दो पसंदीदा कथानक हैं - "द सैटियर विजिटिंग द पीजेंट" और "द किंग ड्रिंक्स": उन्होंने उन्हें विभिन्न संस्करणों में कई बार लिखा। पहला विशुद्ध रूप से रोजमर्रा और विनोदी के साथ पौराणिक बारोक शैली का एक मूल संलयन है। जंगलों का बकरी के पैर वाला देवता किसानों के अल्प भोजन में आसानी से उपस्थित हो जाता है और घर जैसा महसूस करता है: वह उसी सांसारिक मिट्टी से बना है, गठीला और भूरा है (एक संस्करण में, जॉर्डन ने व्यंग्यकार को एक बूढ़े दादा के रूप में चित्रित किया है), और मजाक करना भी पसंद करता है। वह लोगों के कुछ रीति-रिवाजों को नहीं समझता है, और जिज्ञासा से प्रश्न पूछता है। उनकी आदतें और हाव-भाव एक असली किसान की तरह हैं।

"द किंग ड्रिंक्स" "बीन किंग" का एक पारंपरिक फ्लेमिश उत्सव है: जो बीन को पाई में पकाता है उसे राजा के रूप में चुना जाता है। यहां दावत पूरे जोरों पर है - चीखें, शराबी चेहरे; हर कोई "राजा" का कठिन इलाज कर रहा है; भूरे बालों वाला, निश्चिंत, नशे में, तिरछा मुकुट पहने हुए, वह, हालांकि वास्तविक राजा नहीं है, मौज-मस्ती के तमाशे में विडम्बनापूर्ण शानदारता का स्पर्श जोड़ता है। जॉर्डन के आंकड़े बड़े और भारी हैं; वे चित्र के स्थान को मजबूती से घेरते हुए ढेर लगाते हैं।

जॉर्डन की पेंटिंग्स यह समझने में मदद करती हैं कि कैसे बारोक और उसके ब्रावुरा आंदोलन के पारंपरिक पौराणिक विषयों को फ्लेमिश मिट्टी पर तैयार किया गया और मिट्टी की परंपराओं के साथ जोड़ा गया। फ्लेमिश बर्गरों के विश्वदृष्टिकोण को बुतपरस्त पौराणिक कथाओं में अपने जैसा कुछ, अभिव्यक्ति का एक सफल रूप मिला। प्रजनन उत्सव, बैचेनिया, अप्सराओं और व्यंग्यकारों के प्रेम खेल - यहां ऐसा कुछ भी नहीं है जो परिचित न हो और उनसे संबंधित न हो। हम भी, जैसा कि जॉर्डन कहते हैं, जानते हैं कि कैसे मौज-मस्ती करनी है, महिलाओं से प्यार करना है और पृथ्वी के आशीर्वाद का आनंद प्राचीन देवताओं से कम नहीं है। इसे एक ईमानदार बर्गर के घर में बैचेनलिया या दावत कहने से क्या फर्क पड़ता है?

जीवन की अपनी समझ और जीवंत स्वर के संदर्भ में, जॉर्डन स्नाइडर्स के करीब है - केवल एक अलग शैली में। स्थिर जीवन के इतिहास में स्नाइडर्स एक प्रमुख भूमिका निभाता है। मारे गए शिकार, फलों और मछलियों का उनका स्थिर जीवन विशाल आकार का है; यह सांसारिक उदारता का प्रतीक है, हर उस चीज़ के लिए एक भजन है जिसका कुछ फ्लेमिश गर्गेंटुआ या लैमे गुडज़क, एक हंसमुख पेटू, "फ़्लैंडर्स का पेट", अपने दिल की सामग्री से आनंद ले सकता है।

और अंत में, ब्रौवर। उनकी "दावतें" सामाजिक सीढ़ी के सबसे निचले पायदान पर होती हैं और उतनी मज़ेदार नहीं होतीं। ब्रौवर का काम दक्षिणी और उत्तरी नीदरलैंड की कला के बीच एक जोड़ने वाली कड़ी है: इससे पता चलता है कि उनके बीच कोई अंतर नहीं था और उनके रास्ते इतने अलग नहीं थे। ब्रौवर अपनी युवावस्था में हॉलैंड में रहे और फिर फ़्लैंडर्स लौटकर डच शैली के चित्रकारों की भावना से काम करना जारी रखा। उनमें से कई लोगों की तरह, ब्रौवर ने अपने दर्शकों को गंदे, मंद रोशनी वाले शराबखानों में, शराबी, पतित मौज-मस्ती करने वालों के माहौल में पेश किया। उन्होंने दिखाया कि कैसे "नीचे" के ये निवासी जितना संभव हो सके उतना मज़ा करते थे, लड़ते थे, ताश खेलते थे, और कैसे वे उदास होकर किसी उदास कोने में बैठे रहते थे या हल्की सुलगती चिमनी के पास खुद को गर्म करने की कोशिश करते थे। ब्रौवर के पास कोई पौराणिक तत्व नहीं है, और फ्लेमिंग्स के बीच वह शायद एकमात्र ऐसा व्यक्ति है जिसमें अक्सर उदासी और यहां तक ​​कि त्रासदी के मूड होते हैं - नायकों की नाटकीय त्रासदी नहीं, बल्कि जीवन की रोजमर्रा की भयावहता। हर्मिटेज में उनकी पेंटिंग "रेवेलर्स" देखने लायक है। बस दो आकृतियाँ - एक चिथड़े-चिथड़े, सूजे हुए बूढ़े आदमी की निगाहें हाथ में गिलास थामे हैं और उसके बगल में, छाया में, एक मददगार व्यक्ति बुरा चरित्र- उसका शराब पीने वाला साथी। यह "बैचैनलिया" नहीं है - यह एक मौन, आनंदहीन आनंद है। ऐसे चित्रों में ब्रौवर हमें आलोचनात्मक यथार्थवादियों की याद दिलाते हैं मध्य 19 वींसदी, शायद पेरोव। टेनियर्स ने ब्रौवर की परंपराओं को जारी रखा, लेकिन वह बहुत अधिक सतही है - सामग्री और रूप दोनों में। उनके किसान दृश्य लगभग रमणीय हैं, वे रोकोको के पादरी के करीब हैं, हालांकि टेनियर्स फ्रेंच और इतालवी रोकोको के परिष्कार से बहुत दूर हैं। अपने सुखद हल्केपन के बावजूद, टेनियर्स को बर्गर परिवेश के ग्राहकों के साथ भारी सफलता मिली, ब्रौवर की तुलना में कहीं अधिक। फ्लेमिश कला का उदय अपेक्षाकृत अल्पकालिक था - 17वीं शताब्दी का पूर्वार्द्ध। शक्तिशाली रूबेन्स मंच छोड़ देता है - और फ्लेमिश पेंटिंगवह अपने स्कूल की प्रतिध्वनियों और पुनरावृत्तियों के साथ जीना शुरू कर देता है: यह जितना आगे बढ़ता है, उतना ही पीला और कमजोर होता जाता है। वहां की मूर्तिकला, हमेशा की तरह, एक मामूली जगह पर थी और केवल सजावटी थी। 18वीं शताब्दी में, दक्षिणी नीदरलैंड, साथ ही उत्तरी नीदरलैंड, अब कुछ भी मूल और नया उत्पादन नहीं कर रहे थे, एक कलात्मक प्रांत की स्थिति में आ गए थे।