Šajā rakstā jūs redzēsiet Sanktpēterburgu pilsētas prezentēts mākslas galerija"Māksla-brīze". Šeit apkopoti dažādu autoru darbi, kas tapuši gadā dažādi stili un metodes. Visiem šiem darbiem ir viena kopīga iezīme – tie attēlo Sanktpēterburgu, kādu to redzēja mākslinieks.
Pilsētas ainava, kā glezniecības žanrs, veidojās diezgan vēlu, 18. gs. Tieši tad pilsētas sāka iegūt savu moderno raksturu un strauji pieauga pilsētu iedzīvotāju skaits. Pirms tam tikai daži viduslaiku mākslinieki uz saviem audekliem attēloja pilsētas. Šie attēli bija ļoti primitīvi, tiem trūka topogrāfiskās precizitātes un tie kalpoja, lai norādītu notikumu vietu, kam bija veltīts attēla sižets. Priekšteči pilsētas ainava glezniecībā var saukt Holandiešu mākslinieki 17. gadsimts, ko veidojuši Vermērs no Delftas, J. Gojens un Dž. Ruisdeels. Tieši viņu darbos var atrast pilsētas ainavu, kādu esam pieraduši redzēt mūsdienu gleznās.
Mūsdienu mākslinieki, kas izstāda savas pilsētas ainavas Sanktpēterburgas mākslas galerijā Ar-Breeze, attēlo Sanktpēterburgu kā galvenokārt miglainu piejūras pilsētu ar rosīgu dzīvi un lielisku arhitektūru. Lielākā daļa gleznu veidotas impresionisma un klasikas stilā. Krāsu bagātība un spēja piepildīt audeklu ar gaismu, ko nodrošina impresionisma glezniecības tehnika, ļauj vispilnīgāk atspoguļot šīs Ņevas pilsētas garu!
Korovins Konstantīns Aleksejevičs ir izcils krievu mākslinieks, dekorators, viens no lielākajiem krievu māksliniekiem gadsimtu mijā (19-20). Korovins - plenēra meistars, ainavu autors, žanra gleznas, klusās dabas, portreti. Mākslinieks dzimis Maskavā. Mācījies Sanktpēterburgā un Maskavā pie Savrasova un Poļenova. Konstantīns Korovins bija asociācijas “Association of Mobile mākslas izstādes", "Krievijas mākslinieku savienība" un "Mākslas pasaule". Viņš tiek uzskatīts par vienu no ievērojamākajiem "krievu impresionisma" pārstāvjiem.
Korovina daiļradē redzama vēlme panākt sintētiskus gleznieciskus risinājumus caur gaismas un ēnu modulācijām un tonālo attiecību harmoniju. Tie ir “Ziemeļu idille” (1886), “Pie balkona. Spānijas sievietes Leonora un Ampara" (1888), "Hammerfest. Northern Lights" (1895) un citi. Un blakus citādas “Korovina” ievirzes lietām - krievu privātoperas solista T. S. Ļubatoviča portrets (80. gadu 2. puse), kas piesaista ar izsmalcinātu koloristisko koncepciju, gavilīgi svētku tēlu vai agrīnā laika skici. 1890. gadu “Parīzes kafejnīca”, kur Korovins pirmo reizi tik dvēseliski nodeva Francijas galvaspilsētas gaisa smalko gleznaino “aromātu”.
Korovina metodes kodols ir spēja visparastāko un pat nepārprotami nepievilcīgāko motīvu pārveidot par augstas estētiskās izrādes palīdzību, izmantojot precīzi saskatītu un it kā acumirklī notvertu krāsu saturu.
Parīze Korovina gleznās
Uzturēšanās Parīzē, gatavojoties Pasaules izstādei – šī uzturēšanās bija otršķirīga un daudz nozīmīgāka – māksliniecei atvēra acis uz mūsdienu. Franču glezniecība. Viņš pēta impresionistus, kuri tik ļoti saskan ar viņa tieksmēm, bet paliek sveši visām postimpresionisma kustībām. 1900. gados Korovins izveidoja savu slaveno sēriju “Parīze”. Atšķirībā no impresionistiem viņa uzskati par Parīzi ir gleznoti daudz tiešāk un emocionālāk. Tajās dominē meistara vēlme “salauzt šarmu, kas šobrīd slēpjas ainavā” (pēc Korovina audzēkņa B. Jogansona vārdiem).
Mākslinieks meklē smalkākos pārejas un negaidītos stāvokļus pilsētas dzīvē - rīts Parīze, Parīze krēslā, vakars un nakts pilsēta(“Parīze, rīts”, 1906; “Parīze vakarā”, 1907; “Krēsla Parīzē”, 1911). Rīta dūmaka un uzlecošās saules trīcošā gaisma, ceriņu krēsla ar vēl neizbalējušiem koku zaļumiem un jau iedegas laternām, samtains blīvums tumši zils debesis un nakts Parīzes gaišā, drudžainā gaismas izkliede... Korovins šajās mazajās lietās sasniedz gandrīz dokumentālu vizuālā iespaida patiesumu, un tomēr tas noved pie apbrīnojama garīguma, senatnīga pilsētas tēla. Pateicoties sarežģītā krāsu-tonālā risinājuma metodei, nelielā skicē viņš panāca gan ekstrēmu izteiksmīgumu lielas gatavās gleznas līmenī, gan skatītāja aizraujošas emocionālās iesaistes efektu redzētajā.
"Es vēlos, lai skatītāja acs baudītu arī estētiski, tāpat kā dvēseles auss bauda mūziku," reiz teica Korovins.
Gleznu fotogrāfijas
Parīze Korovina gleznās
Tālāka attīstība Eiropas glezniecība saistīta ar impresionismu. Šis termins radās nejauši. Iemesls bija K. Monē ainavas nosaukums “Iespaids. Saullēkts" (skat. Pielikumu Nr. 1, 3. att.) (no franču impresijas - impresija), kas parādījās impresionisma izstādē 1874. gadā. Šo mākslinieku grupas pirmo publisko uzstāšanos, kurā bija K. Monē, E. Degā, O. Renuārs, A. Sislijs, K. Pisarro un citi, oficiālā buržuāziskā kritika sagaidīja ar rupju izsmieklu un vajāšanu. Tiesa, jau no 80. gadu beigām viņu glezniecības formālos paņēmienus pārņēma akadēmiskās mākslas pārstāvji, kas deva Degasam pamatu rūgti atzīmēt: "Mūs nošāva, bet tajā pašā laikā tika pārmeklētas mūsu kabatas."
Tagad, kad asas diskusijas par impresionismu ir pagātnē, diez vai kāds uzdrošināsies apstrīdēt, ka impresionisma kustība bija tālāks solis Eiropas reālistiskās glezniecības attīstībā. “Impresionisms, pirmkārt, ir realitātes vērošanas māksla, kas ir sasniegusi nepieredzētu izsmalcinātību” (V. N. Prokofjevs). Tiecoties pēc maksimālas spontanitātes un precizitātes redzamās pasaules nodošanā, viņi sāka gleznot galvenokārt brīvā dabā un paaugstināja dzīves skiču nozīmi, kuras gandrīz aizstāja. tradicionālais veids gleznas rūpīgi un lēnām tapušas studijā.
Konsekventi precizējot savu paleti, impresionisti glezniecību atbrīvoja no zemes un brūnām lakām un krāsām. Tradicionālais, “muzejiskais” melnums viņu audeklos dod vietu bezgala daudzveidīgai refleksu un krāsainu ēnu spēlei. Viņi ir neizmērojami paplašinājuši iespējas tēlotājmāksla, atklājot ne tikai saules, gaismas un gaisa pasauli, bet arī miglas skaistumu, nemierīgo dzīves atmosfēru liela pilsēta, nakts gaismas izkliede un nepārtrauktas kustības ritms.
Pateicoties pašai darba metodei brīvā dabā, ainava, tostarp viņu atklātā pilsētas ainava, impresionistu mākslā ieņēma ļoti nozīmīgu vietu. Par to, cik lielā mērā impresionistu mākslā organiski saplūda tradīcijas un jauninājumi, liecina, pirmkārt, izcilā 19. gadsimta gleznotāja Eduāra Manē (1832-1883) darbi. Tiesa, viņš pats sevi neuzskatīja par impresionisma pārstāvi un vienmēr izstādījās atsevišķi, taču ideoloģiskā un ideoloģiskā ziņā neapšaubāmi bija gan šīs kustības priekštecis, gan idejiskais līderis.
Savas radošās karjeras sākumā E. Manē tika izstumts (sabiedrības izsmiekls). Buržuāziskās publikas un kritiķu acīs viņa māksla kļūst par neglītā sinonīmu, un pats mākslinieks tiek dēvēts par “trako, kas glezno attēlu, trīc delīrija tremens” (M. de Montifaud) (sk. Pielikumu Nr. 1, 4. att.). Tikai tā laika visredzīgākie prāti spēja novērtēt Manē talantu. Viņu vidū bija arī Čārlzs Bodlērs un jaunais E. Zola, kurš paziņoja, ka Manē kungam ir paredzēta vieta Luvrā.
Impresionisms savu konsekventāko, bet arī tālejošāko izpausmi saņēma Kloda Monē (1840-1926) darbā. Viņa vārds bieži tiek saistīts ar tādiem šīs glezniecības metodes sasniegumiem kā netveramu apgaismojuma pārejas stāvokļu pārnese, gaismas un gaisa vibrācija, to savstarpējā saistība nemitīgo pārmaiņu un transformāciju procesā. "Tā, bez šaubām, bija liela uzvara mūsdienu mākslai," raksta V. N. Prokofjevs un piebilst: "Bet arī tās galīgā uzvara." Nav nejaušība, ka Sezans, kaut arī nedaudz polemiski saasināja savu pozīciju, vēlāk apgalvoja, ka Monē māksla ir "tikai acs".
Monē agrīnie darbi ir diezgan tradicionāli. Tajos joprojām ir cilvēku figūras, kas vēlāk arvien vairāk pārvēršas stafetēs un pamazām pazūd no viņa gleznām. 20. gadsimta 70. gados beidzot iezīmējās mākslinieka impresionistiskais stils, un turpmāk viņš pilnībā nodevās ainavai. Kopš tā laika viņš strādājis gandrīz tikai plenērā. Tieši viņa darbā tips beidzot ir nostiprinājies liela bilde- skice.
Monē bija viens no pirmajiem, kas izveidoja gleznu sēriju, kurā atkārtojas viens un tas pats motīvs dažādi laiki gadā un dienā, dažādos apgaismojuma un laikapstākļos (skat. Pielikumu Nr. 1, 5., 6. att.). Ne visas no tām ir vienādas, taču labākās šo sēriju gleznas pārsteidz ar to krāsu svaigumu, krāsu intensitāti un gaismas efektu mākslinieciskumu.
IN vēlais periods radošums Monē gleznās, pastiprinājās dekoratīvisma un plakanuma tendences. Krāsu spilgtums un tīrība pārvēršas to pretstatā, parādās sava veida bālganums. Runājot par vēlīnā impresionistu ļaunprātīgo “gaišo toni, dažu darbu pārvēršanu par izbalējušu audeklu”, E. Zola rakstīja: “Un šodien nav nekas cits kā plenērs... paliek tikai plankumi: portrets ir tikai plankums, figūras ir tikai plankumi, tikai plankumi.
Arī citi impresionistu mākslinieki lielākoties bija ainavu gleznotāji. Viņu darbi nereti nepelnīti palika ēnā līdzās patiesi kolorītajai un iespaidīgajai Monē figūrai, lai gan savā dabas redzējuma modrībā un gleznošanas prasmēs neatpalika par viņu. No tiem vispirms jāmin Alfrēda Sislija (1839-1899) un Kamila Pisarro (1831-1903) vārdi. Sislijas, pēc izcelsmes anglietes, darbiem raksturīga īpaša gleznieciska elegance. Spožs plenēra meistars, viņš prata nodot caurspīdīgo skaidrības gaisu ziemas rīts, viegla saules sasildītas miglas dūmaka, vējainā dienā debesīs skrienoši mākoņi. Tā klāsts izceļas ar toņu bagātību un toņu uzticamību. Mākslinieka ainavas vienmēr ir dziļas noskaņas piesātinātas, atspoguļojot viņa būtībā lirisko dabas uztveri (sk. 1. pielikumu, 7., 8., 9. att.).
Tas bija sarežģītāk radošais ceļš Pisarro, vienīgais mākslinieks, kurš piedalījās visās astoņās impresionistu izstādēs, Dž.Rēvalds viņu nosauca par šīs kustības “patriarhu”. Sākot ar Barbizoniem glezniecībā līdzīgām ainavām, viņš Manē un viņa jauno draugu iespaidā sāka darboties brīvā dabā, pamazām padarot gaišāku paleti. Pamazām viņš izstrādā savu impresionistisko metodi. Viņš bija viens no pirmajiem, kurš atteicās no melnās krāsas izmantošanas. Pisarro vienmēr bija sliecies uz analītisku pieeju glezniecībai, tāpēc arī viņa eksperimenti krāsu sadalīšanā - “divīzionisms” un “pointelisms”. Tomēr viņš drīz atgriežas pie impresionistiskā manieres, kādā viņa labākie darbi- brīnišķīga Parīzes pilsētas ainavu sērija (skat. Pielikumu Nr. 1, 10.,11.,12.,13. att.). Viņu kompozīcija vienmēr ir pārdomāta un līdzsvarota, to gleznojums ir krāsains un meistarīgs tehnikā.
Krievijā pilsētas ainavu impresionismā apgaismoja Konstantīns Korovins. "Parīze man bija šoks... impresionistiem... viņos es redzēju to, par ko mani lamāja Maskavā." Korovins (1861-1939) kopā ar savu draugu Valentīnu Serovu bija krievu impresionisma centrālās figūras. Lielajā franču kustības ietekmē viņš radīja savu savs stils, kurā tika sajaukti pamatelementi Franču impresionisms ar tā laika krievu mākslas bagātīgajām krāsām (sk. pielikumu Nr. 1, 15. att.).
18-19 gadsimtiem iezīmēja uzplaukuma periodu Eiropas māksla. Francijā imperators Napoleons III pavēlēja atjaunot Parīzi pēc karadarbības Francijas un Prūsijas kara laikā. Parīze ātri kļuva par to pašu "mirdzošo pilsētu", kāda tā bija Otrās impērijas laikā, un atkal pasludināja sevi par Eiropas mākslas centru. Tāpēc daudzi impresionistu mākslinieki savos darbos pievērsās mūsdienu pilsētas tēmai. Viņu darbos mūsdienu pilsēta nav briesmonis, bet gan dzimtene, kurā dzīvo cilvēki. Daudzi darbi ir caurstrāvoti ar spēcīgu patriotisma izjūtu.
Īpaši to var redzēt Kloda Monē gleznās. Viņš radīja vairāk nekā 30 gleznas ar Ruānas katedrāles skatiem visdažādākajos apgaismojuma un atmosfēras apstākļos. Piemēram, 1894. gadā Monē gleznoja divas gleznas - “ Ruānas katedrāle pusdienlaikā" un "Ruānas katedrāle vakarā". Abās gleznās ir attēlots viens un tas pats katedrāles fragments, taču atšķirīgos toņos - pusdienlaika siltos dzeltensārtos toņos un mirstošās krēslas gaismas aukstajos zilganos toņos. Gleznās krāsainais plankums pilnībā izšķīdina līniju, mākslinieks nodod nevis akmens materiālo svaru, bet it kā gaišu krāsainu aizkaru.
Impresionisti centās padarīt gleznu līdzīgu atvērts logs, caur kuru var redzēt reālā pasaule. Bieži viņi izvēlējās skatu no loga uz ielu. Slavenais K. Monē “Boulevard des Capucines”, kas gleznots 1873. gadā un parādīts pirmajā impresionisma izstādē 1874. gadā, ir lielisks šīs tehnikas piemērs. Šeit ir daudz jauninājumu - par ainavas motīvu izvēlēts skats uz lielu pilsētas ielu, taču mākslinieku interesē tās izskats kopumā, nevis atrakcijas. Visa cilvēku masa ir attēlota slīdošos triepienos, vispārināti, kuros ir grūti izdalīt atsevišķas figūras.
Monē šajā darbā rada acumirklīgu, tīri vizuālu iespaidu par tikko pamanāmu vibrējošo gaisu, par ielām, cilvēkiem un aizbraucošiem vagoniem, kas dodas dziļāk dziļumā. Tas iznīcina ideju par plakanu audeklu, radot telpas ilūziju un piepildot to ar gaismu, gaisu un kustību. Cilvēka acs steidzas bezgalībā, un nav robežu, kur tas varētu apstāties.
Augstais skata punkts ļauj māksliniekam atteikties no priekšplāna, un viņš nodod spožo saules gaismu pretstatā zilgani purpursarkanajām māju ēnām, kas guļ uz ielas bruģa. Saulainajai pusei Monē piešķir oranžu, zeltaini siltu, ēnu – violetu, bet viena viegla gaisa dūmaka piešķir visai ainavai tonālo harmoniju, un māju un koku kontūras izceļas gaisā, saules staru caurstrāvotas.
1872. gadā Havrā Monē gleznoja “Iespaids. Saullēkts" - skats uz Havras ostu, vēlāk prezentēts pirmajā impresionistu izstādē. Šeit mākslinieks acīmredzot beidzot ir atbrīvojies no vispārpieņemtā priekšstata par attēla objektu kā noteiktu apjomu un pilnībā veltījis atmosfēras mirkļa stāvokļa nodošanu zilos un rozā oranžos toņos. Patiesībā šķiet, ka viss kļūst netverams: Havras mols un kuģi saplūst ar svītrām debesīs un atspulgu ūdenī, un zvejnieku un laivu silueti priekšplānā ir tikai tumši plankumi, kas izveidoti ar dažiem intensīviem sitieniem. . Akadēmisko paņēmienu noraidīšanu, gleznošanu plenērā un neparastu priekšmetu izvēli tā laika kritiķi uzņēma naidīgi. Žurnālā "Charivari" iznākušais niknā raksta autors Luiss Lerojs pirmo reizi saistībā ar šo konkrēto gleznu izmantoja terminu "impresionisms" kā jaunas kustības definīciju glezniecībā.
Vēl viens izcils darbs, kas veltīts pilsētai, bija Kloda Monē glezna “Gare Saint-Lazare”. Monē gleznoja vairāk nekā desmit gleznas, pamatojoties uz Senlazaras dzelzceļa staciju, no kurām septiņas tika izstādītas 3. impresionisma izstādē 1877. gadā.
Monē īrēja nelielu dzīvokli Monsija ielā, kas atrodas netālu no stacijas. Māksliniekam tika dota pilnīga rīcības brīvība. Vilcienu kustība uz brīdi apstājās, un viņš skaidri redzēja peronus, kūpošo lokomotīvju kurtuves, kas bija piepildītas ar oglēm - lai tvaiki līst ārā no skursteņiem. Monē stingri “apmetās” stacijā, pasažieri viņu vēroja ar cieņu un bijību.
Tā kā stacijas izskats nepārtraukti mainījās, Monē veidoja tikai skices uz vietas, un, pamatojoties uz tām, studijā gleznoja pašas gleznas. Uz audekla mēs redzam lielu dzelzceļa stacija, pārklāts ar nojume, ko atbalsta dzelzs stabi. Kreisajā un labajā pusē ir peroni: viens sliežu ceļš ir paredzēts piepilsētas vilcieniem, otrs tālsatiksmes vilcieniem. Īpašā atmosfēra tiek nodota ar kontrastu, kas ir vājš apgaismojums stacijas iekšienē un spilgts, žilbinošs ielas apgaismojums. Dūmu un tvaiku, kas izkaisīti pa audeklu, līdzsvaro kontrastējošās apgaismojuma svītras. Dūmi sūcas visur, mirdzoši mākoņi virpuļo pret vājajiem ēku siluetiem. Šķiet, ka biezais tvaiks piešķir formu masīvajiem torņiem, pārklājot tos ar vieglu plīvuru, piemēram, plānāko zirnekļtīklu. Attēls ir krāsots maigos klusinātos toņos ar smalkām toņu pārejām. Tam laikam raksturīgie ātrie, precīzie komatu formas triepieni tiek uztverti kā mozaīka, skatītājam rodas iespaids, ka tvaiks vai nu izkliedējas, vai kondensējas.
Cits impresionistu pārstāvis C. Pisarro, tāpat kā visi impresionisti, mīlēja gleznot pilsētu, kas viņu valdzināja ar savu nebeidzamo kustību, gaisa plūsmu plūsmu un gaismas spēli. Viņš to uztvēra kā dzīvu, nemierīgu organismu, kas spēj mainīties atkarībā no gada laika un apgaismojuma pakāpes.
1897. gada ziemā un pavasarī Pisarro strādāja pie gleznu sērijas “Parīzes bulvāri”. Šie darbi atnesa māksliniekam slavu un piesaistīja kritiķu uzmanību, kuri viņa vārdu saistīja ar divīzijas kustību. Mākslinieks veidoja skices sērijai no Parīzes viesnīcas istabas loga un aprīļa beigās pabeidza darbu pie gleznām savā studijā Eragny. Šī sērija ir vienīgā Pissarro darbā, kurā mākslinieks ar maksimālu precizitāti centās iemūžināt dažādus laikapstākļus un saules gaismu. Piemēram, mākslinieks uzgleznoja 30 gleznas, kurās attēlots Monmartras bulvāris, aplūkojot to pa tā paša loga.
Gleznās “Boulevard Monmartre in Paris” meistars C. Pisarro meistarīgi izteica atmosfēras efektu bagātību, mākoņainas dienas krāsaino sarežģītību un smalkumu. Pilsētas dzīves dinamika, ko tik pārliecinoši iemieso gleznotāja ātrā ota, rada modernas pilsētas tēlu - ne ceremoniālu, ne oficiālu, bet gan satrauktu un dzīvu. Pilsētas ainava kļuva par galveno žanru šī izcilā impresionista - “Parīzes dziedātāja” darbā.
Īpašu vietu Pisarro daiļradē ieņem Francijas galvaspilsēta. Mākslinieks pastāvīgi dzīvoja ārpus pilsētas, bet Parīze viņu neatlaidīgi piesaistīja. Parīze viņu valdzina ar savu nemitīgo un universālo kustību – gājēju iešanu un pajūgu skriešanu, gaisa straumju plūsmu un gaismas spēli. Pisarro pilsēta nav saraksts ar ievērības cienīgām mājām, kas nokļuvušas mākslinieka redzeslokā, bet gan dzīvs un nemierīgs organisms. Šīs dzīves savaldzināti mēs neapzināmies to ēku banalitāti, kas veido Monmartras bulvāri. Lielo bulvāru nemierībā māksliniece rod neatkārtojamu šarmu. Pisarro iemūžināja Monmartras bulvāri kā rītu un dienu, vakaru un nakti, saules apspīdētu un pelēku, skatoties uz to no viena loga. Skaidrs un vienkāršs ielas motīvs, kas stiepjas tālumā, rada skaidru kompozīcijas pamatu, kas nemainās no audekla uz audeklu. Pavisam savādāk tika uzbūvēts nākamajā gadā no Luvras viesnīcas loga gleznotais audeklu cikls. Vēstulē savam dēlam, strādājot pie cikla, Pisarro uzsvēra šīs vietas atšķirīgo raksturu no bulvāriem, tas ir, Franču teātra laukuma un apkārtnes. Patiešām, tur viss steidzas pa ielas asi. Šeit visvairāk krustojas laukums, kas kalpoja kā gala pietura vairākiem omnibusu maršrutiem dažādi virzieni, un plašās panorāmas vietā ar gaisa pārpilnību mūsu acīm tiek parādīta slēgta priekšplāna telpa.
string(5796) "Pilsētas ainavas izcelšana atsevišķs žanrs arhitektoniskā ainava. Šīs kustības, kas attīstījās lineārās perspektīvas teorijas ietekmē, meistari redzēja savu galvenais uzdevums sarežģītas, rūpīgi izstrādātas kompozīcijas būvniecībā, ņemot vērā vienu, galveno skatījumu. Lielu ieguldījumu šī žanra attīstībā sniedza Itāļu mākslinieki Renesanse - Rafaels, Pjero della Frančeska, Andrea Mantenja. Gandrīz vienlaikus ar arhitektūras ainava Attīstījās arī cits virziens - pilsētas ainavu attēlošana. Vācu, nīderlandiešu un franču 16.-17.gadsimta gleznotāji no saviem ceļojumiem atnesa neskaitāmus albumus ar dabas skicēm. Līdz 17. gadsimta vidum CITY LANDSCAPE stingri ieņēma savas pozīcijas kā neatkarīgs žanrs, kļūstot par iecienītu holandiešu mākslinieku priekšmetu. Attēlojot Amsterdamas, Delftas, Hārlemas nostūrus, mākslinieki centās apvienot pilsētu ēku ģeometrisko skaidrību ar ikdienas epizodēm un ainavām. Īstus pilsētas skatus var atrast tādiem lielākajiem 17. gadsimta holandiešu māksliniekiem kā J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer of Delft. Viens no spilgtākajiem un veiksmīgākajiem šī perioda PILSĒTAS AINAVAS paraugiem ir Delftas Vermēra “Skats uz Delftas pilsētu”, kurš šo tēlu poētiski slavēja. dzimtajā pilsētā. 18. gadsimtā izveidojās īpašs ainavas žanra veids, kas cieši saistīts ar PILSĒTAINAINAVU - veduta. Veduta atkarībā no pilsētvides reprodukcijas rakstura tika sadalīta reālajā, ideālajā vai fantastiskā. Īstajā vedutā mākslinieks cītīgi un skrupulozi attēloja īstas ēkas īstā ainavā, reālas ēkas tika attēlotas izdomātas ainavas ielenkumā, un tā bija tikai autora iztēle. Šāda veida glezniecības ziedu laiki bija Venēcijas Veduta, bet Venēcijas Vedutas skolas vadītājs bija mākslinieks Antonio Kanaleto. Romantisma laikmetā mākslinieki saglabāja interesi par arheoloģisko pieminekļu, senlietu un seno tempļu attēlošanu. Deviņpadsmitā gadsimta vidū ainavu gleznotāji pievērsās žanra ainas. PILSĒTAS AINAVAS, kas attēlo Londonas skatus, parādās gravējumos Franču mākslinieks Gustavs Dore. Cits franču mākslinieks, PILSĒTAS AINAVAS meistars Honore Daumier arī interesējās par pilsētas skatiem, kaut arī Parīzi. Jauna lapa PILSĒTAS AINAVAS vēsturē atklāja impresionistu mākslinieki. Viņu uzmanību piesaistīja ielu raksti dažādos diennakts laikos, dzelzceļa stacijas, ēku silueti un kontūras. Vēlme nodot pilsētas dzīves ritmu, tvert pastāvīgi mainīgo atmosfēras stāvokli un apgaismojumu lika impresionistiem atklāt jaunus līdzekļus. mākslinieciskā izteiksme.
Gleznu sadaļā, kas veltīta PILSĒTAS AINAVAI, apskatāmi objekti, kas attēlo dažādas pilsētas, arhitektūras pieminekļi, ielas un atrakcijas. Šajā sadaļā jūs atradīsiet skatus uz Maskavu, Sanktpēterburgu, kā arī Romu un daudzām citām pilsētām. Piedāvājam iegādāties preces no sadaļas PILSĒTAS AINAVA mūsu Komisijas Antikvariātā. Sadaļa PILSĒTAS AINAVA tiek pastāvīgi atjaunināta, sekojiet līdzi jaunumiem. "
PILSĒTAS AINAVA ir tēlotājmākslas žanrs, kurā galvenā tēma ir pilsētas tēls, tās ielas un ēkas. Sākotnēji PILSĒTAS AINAVA nebija neatkarīgs žanrs, viduslaiku mākslinieki pilsētas ainavas izmantoja tikai kā rāmi Bībeles ainām. PILSĒTAS AINAVU jaunā veidā pārdomāja vecholandiešu meistari, kas ar īpašu rūpību un mīlestību iemūžināja apkārtējo pasauli.
Arhitektūras ainava veicināja PILSĒTAS AINAVAS nodalīšanu atsevišķā žanrā. Šīs kustības, kas attīstījās lineārās perspektīvas teorijas ietekmē, meistari savu galveno uzdevumu saskatīja sarežģītas, rūpīgi izstrādātas kompozīcijas konstruēšanā, ņemot vērā vienu, galveno skatījumu. Lielu ieguldījumu šī žanra attīstībā sniedza itāļu renesanses mākslinieki - Rafaels, Pjero della Frančeska, Andrea Mantenja. Gandrīz vienlaikus ar arhitektonisko ainavu attīstījās vēl viens virziens - pilsētvides ainavu attēlošana. Vācu, nīderlandiešu un franču 16.-17.gadsimta gleznotāji no saviem ceļojumiem atnesa neskaitāmus albumus ar dabas skicēm. Līdz 17. gadsimta vidum CITY LANDSCAPE stingri ieņēma savas pozīcijas kā neatkarīgs žanrs, kļūstot par iecienītu holandiešu mākslinieku priekšmetu. Attēlojot Amsterdamas, Delftas, Hārlemas nostūrus, mākslinieki centās apvienot pilsētu ēku ģeometrisko skaidrību ar ikdienas epizodēm un ainavām. Īstus pilsētas skatus var atrast tādiem lielākajiem 17. gadsimta holandiešu māksliniekiem kā J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer of Delft. Viens no spilgtākajiem un veiksmīgākajiem šī perioda PILSĒTAS AINAVAS paraugiem ir Delftas Vermēra “Skats uz Delftas pilsētu”, kurš poētiski slavināja savas dzimtās pilsētas tēlu. 18. gadsimtā izveidojās īpašs ainavas žanra veids, kas cieši saistīts ar PILSĒTAINAINAVU - veduta. Veduta atkarībā no pilsētvides reprodukcijas rakstura tika sadalīta reālajā, ideālajā vai fantastiskā. Īstajā vedutā mākslinieks cītīgi un skrupulozi attēloja īstas ēkas īstā ainavā, reālas ēkas tika attēlotas izdomātas ainavas ielenkumā, un tā bija tikai autora iztēle. Šāda veida glezniecības ziedu laiki bija Venēcijas Veduta, bet Venēcijas Vedutas skolas vadītājs bija mākslinieks Antonio Kanaleto. Romantisma laikmetā mākslinieki saglabāja interesi par arheoloģisko pieminekļu, senlietu un seno tempļu attēlošanu. Deviņpadsmitā gadsimta vidū ainavu gleznotāji pievērsās žanra ainām. PILSĒTAS SKATES, kas ataino Londonas skatus, atrodamas franču mākslinieka Gustava Dorē gravīrās. Cits franču mākslinieks, PILSĒTAS AINAVAS meistars Honore Daumier arī interesējās par pilsētas skatiem, kaut arī Parīzi. Impresionisma mākslinieki atvēra jaunu lappusi PILSĒTAINAINAS vēsturē. Viņu uzmanību piesaistīja ielu raksti dažādos diennakts laikos, dzelzceļa stacijas, ēku silueti un kontūras. Vēlme nodot pilsētas dzīves ritmu, tvert pastāvīgi mainīgo atmosfēras stāvokli un apgaismojumu, lika impresionistiem atklāt jaunus mākslinieciskās izteiksmes līdzekļus.
Gleznu sadaļā, kas veltīta PILSĒTAS AINAVAI, apskatāmi objekti, kuros attēlotas dažādas pilsētas, arhitektūras pieminekļi, ielas un apskates objekti. Šajā sadaļā jūs atradīsiet skatus uz Maskavu, Sanktpēterburgu, kā arī Romu un daudzām citām pilsētām. Piedāvājam iegādāties preces no sadaļas PILSĒTAS AINAVA mūsu Komisijas Antikvariātā. Sadaļa PILSĒTAS AINAVA tiek pastāvīgi atjaunināta, sekojiet līdzi jaunumiem.