Artysta Kramskoj Iwan Nikołajewicz. Kramskoj Iwan Nikołajewicz. Zwiększony sens życia

01.07.2020

Rosyjski malarz i rysownik, mistrz gatunku, historyczny i malarstwo portretowe; krytyk sztuki

Iwan Kramskoj

Krótka biografia

Iwan Nikołajewicz Kramskoj(8 czerwca 1837, Ostrogożsk - 5 kwietnia 1887, Petersburg) - rosyjski malarz i rysownik, mistrz gatunku, malarstwa historycznego i portretowego; krytyk sztuki.

Po ukończeniu szkoły rejonowej w Ostrogożu Kramskoj był urzędnikiem w Dumie Ostrogoskiej. W 1853 roku zaczął retuszować fotografie. Rodak Kramskoya, M.B. Tulinov, nauczył go kilku technik „wykańczania portretów fotograficznych akwarelami i retuszem”, następnie przyszły artysta pracował dla charkowskiego fotografa Jakowa Pietrowicza Danilewskiego. W 1856 r. I. N. Kramskoy przybył do Petersburga, gdzie zajmował się retuszem w słynnym wówczas studiu fotograficznym Aleksandrowskiego.

W 1857 roku Kramskoy wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu jako student profesora Markowa.

Bunt czternastu. Artel artystów

Portret artysty Szyszkina. (1880, Muzeum Rosyjskie)

W 1863 roku Akademia Sztuk Pięknych przyznała mu małą nagrodę złoty medal za obraz „Mojżesz wydobywający wodę ze skały”. Przed ukończeniem studiów na Akademii pozostało już tylko napisać program na wielki medal i otrzymać emeryturę za granicą. Rada Akademii zorganizowała dla studentów konkurs na temat z sag skandynawskich „Uczta w Walhalli”. Wszystkich czternastu absolwentów odmówiło rozwijania tego tematu i złożyło petycję, aby każdy mógł wybrać temat według własnego wyboru. Kolejne wydarzenia zapisały się w historii sztuki rosyjskiej jako „Bunt Czternastu”. Rada Akademii odmówiła, a profesor Tone zauważył: „Gdyby zdarzyło się to wcześniej, wszyscy bylibyście żołnierzami!” 9 listopada 1863 roku Kramskoj w imieniu swoich towarzyszy powiedział radzie, że „nie śmiąc myśleć o zmianie regulaminu akademickiego, pokornie zwracają się do rady o zwolnienie ich z udziału w konkursie”. Wśród tych czternastu artystów byli: I. N. Kramskoy, B. B. Wenig, N. D. Dmitriev-Orenburgsky, A. D. Litovchenko, A. I. Korzukhin, N. S. Shustov, A. I. Morozov, K. E. Makovsky, F. S. Zhuravlev, K. V. Lemokh, A. K. Grigoriev, M. I. Peskov, V. P. Kreitan i N.P. Pietrow. Artyści, którzy opuścili Akademię, utworzyli „Petersburski Artel Artystów”, który istniał do 1871 roku.

W 1865 roku Markov zaprosił go do pomocy w malowaniu kopuły katedry Chrystusa Zbawiciela w Moskwie. Z powodu choroby Markowa całe główne malowanie kopuły wykonał Kramskoj wraz z artystami Wenigiem i Koshelevem.

W latach 1863-1868 wykładał w Szkole Rysunkowej Towarzystwa Zachęty Artystów. W 1869 r. Kramskoy otrzymał tytuł akademika.

Wędrowny

Grób I. N. Kramskoja na cmentarzu Tichwin w Ławrze Aleksandra Newskiego (St. Petersburg)

W 1870 roku powstało Stowarzyszenie Podróżników Mobilnych wystawy sztuki”, którego jednym z głównych organizatorów i ideologów był Kramskoj. Pod wpływem idei rosyjskich rewolucjonistów demokratycznych Kramskoj bronił zgodnej z nimi opinii o wysokiej roli społecznej artysty, podstawowych zasadach realizmu, moralnej istocie sztuki i jej narodowości.

Iwan Nikołajewicz Kramskoj stworzył szereg portretów wybitnych rosyjskich pisarzy, artystów i osoby publiczne(np. Lew Nikołajewicz Tołstoj, 1873; I. I. Szyszkin, 1873; Paweł Michajłowicz Tretiakow, 1876; M. E. Saltykov-Szchedrin, 1879 - wszystkie znajdują się w Galerii Trietiakowskiej; portret S. P. Botkina (1880) - Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu ).

Jednym z najsłynniejszych dzieł Kramskoja jest „Chrystus na pustyni” (1872, Galeria Trietiakowska).

Następca humanistycznych tradycji Aleksandra Iwanowa, Kramskoj stworzył religijny punkt zwrotny w myśleniu moralnym i filozoficznym. Dramatycznym doświadczeniom Jezusa Chrystusa nadał głęboko psychologiczną interpretację życiową (idea heroicznego poświęcenia). Wpływ ideologii widoczny jest w portretach i obrazach tematycznych – „N. A. Niekrasow w tym okresie Najnowsze piosenki„”, 1877-1878; „Nieznany”, 1883; „Niepocieszony żal”, 1884 - wszystko w Galerii Trietiakowskiej.

Koperta pocztowa ZSRR, 1987:
150 lat od narodzin Kramskoja

Demokratyczna orientacja twórczości Kramskoja, jego krytyczne, wnikliwe sądy o sztuce i ciągłe badania nad obiektywnymi kryteriami oceny cech sztuki i ich wpływu na nią, rozwinęły sztukę demokratyczną i światopogląd na sztukę w Rosji w ostatniej tercji XIX wieku .

W ostatnich latach Kramskoy zachorował na tętniaka serca. Artysta zmarł na tętniaka aorty 24 marca (5 kwietnia) 1887 roku podczas pracy nad portretem doktora Rauchfussa, kiedy nagle zgiął się i upadł. Rauchfuss próbował mu pomóc, ale było już za późno. I. N. Kramskoj został pochowany na Cmentarzu Prawosławnym w Smoleńsku. W 1939 r. prochy przeniesiono na cmentarz Tichwiński w Ławrze Aleksandra Newskiego wraz z ustawieniem nowego pomnika.

W Carskim Siole znajduje się kompozycja rzeźbiarska Kramskoj i Nieznane autorstwa rzeźbiarza Aleksandra Taratynowa.

Rodzina

Zofia Nikołajewna Kramska (1840-1919, z domu Prochorowa) - żona
- Mikołaj (1863-1938) – architekt
- Zofia – córka, artystka, wyparta
- Anatolij (02.01.1865-1941) - urzędnik Departamentu Spraw Kolejowych Ministerstwa Finansów
- Marek (? −1876) – syn

Adresy w Petersburgu

1863 - apartamentowiec A. I. Likhacheva - Aleja Sredny, 28;
1863-1866 - 17 linia V.O., budynek 4, mieszkanie 4;
1866-1869 - Prospekt Admirała, budynek 10;
1869 - 24.03.1887 - dom Eliseeva - linia Birzhevaya, 18, lok. 5.

Galeria

Prace Kramskoya

Syreny, 1871

Chrystus na pustyni, 1872

Słynny Wędrowiec, jeden z głównych reformatorów sztuka XIX wieku wieku malarz i portrecista Iwan Nikołajewicz Kramskoj mógł pozostać w historii sztuki rosyjskiej, malując jedynie portret „Nieznanego”. Obraz jest jednym z diamentów Moskwy Galeria Trietiakowska- znany wszystkim w przestrzeni poradzieckiej. „Nieznane” nazywane jest rosyjską Giocondą.

Jednak artysta dał światu setki obrazów, które zachwycają, zadziwiają i wabią. Wśród nich są „Noc księżycowa”, „Kopalnia Mojżesza”, „Syreny”, „Chrystus na pustyni”. Udaliśmy się wczesna młodość„Bunt czternastu”, który stworzył stowarzyszenie Wędrowców, subtelny krytyk sztuki - Kramskoj stał się ideologiem całego pokolenia artystów realistów.

Dzieciństwo i młodość

Artysta urodził się latem 1837 roku w podmiejskiej osadzie Nowaja Sotnia koło Ostrogożska, w obwodzie woroneskim. Wychowywał się w rodzinie urzędnika i kupca.

Największym marzeniem rodziców było to, aby Wania dorosła i została urzędniczką, ale plany te zostały niechcący pokrzyżowane przez sąsiadującego z nią artystę-samouka Michaiła Tulinova. Otworzył świat sztuki małemu Kramskoyowi i nauczył go malować akwarelami. Od tego czasu chłopiec przy każdej okazji chwytał za ołówek i szkicował otaczający go świat.

W wieku 12 lat Iwan Kramskoj ukończył kurs w Szkole Ostrogożskiej, uzyskując dyplomy ze wszystkich przedmiotów. W tym samym roku nastolatek stracił ojca i poszedł do pracy. Dostał pracę w Dumie Miejskiej, gdzie jego ojciec pracował wcześniej jako urzędnik. Kramskoj zajmował się kaligrafią i brał udział jako mediator w polubownych badaniach gruntów. Chęć rysowania nie zniknęła, a facet dostał pracę jako retuszer dla fotografa, z którym podróżował po całej Rosji.

Wydarzenie, które miało miejsce w 1853 roku, zmieniło biografię Iwana Kramskoja. Kiedy skończył 16 lat, do Ostrogożska przybył pułk smoków, a wraz z nim fotograf Jakow Danilewski. Młody artysta wszedł na służbę Danilewskiego. Praca retuszera przyniosła Kramskojowi 2 ruble. 50 kopiejek miesięcznie, ale co najważniejsze, utalentowany fotograf wiele nauczył młodego człowieka przez 3 lata pracy Ivana dla niego. Wraz z nim artysta przeniósł się z prowincjonalnego miasta prowincjonalnego do Petersburga.

W północnej stolicy Iwan Kramskoj przeniósł się do innego fotografa, Aleksandrowskiego. W tym czasie umiejętności młodego retuszera osiągnęły taki poziom, że nazwano go „bogiem retuszu”. Już wtedy w Kramskoy obudził się utalentowany portrecista. Dzięki swojemu asystentowi Aleksandrowski został fotografem rodziny cesarskiej i otrzymał „Orła”, a Iwan został zaproszony do słynnego studia fotograficznego Andrieja Denyera. Elita Petersburga ustawiła się w kolejce po wyretuszowane zdjęcie Kramskoja.

W Petersburgu Iwan Kramskoj spełnił marzenie, które pielęgnował od dzieciństwa: wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych. Młody człowiek został przydzielony do grupy profesora Aleksieja Markowa. Już w pierwszych latach przyszły malarz stał się liderem młodzieży akademickiej.

W 1863 roku utalentowany artysta otrzymał medale Mały Srebrny i Mały Złoty. Kramskoy był tylko trochę odsunięty od głównej nagrody - Wielkiego Złotego Medalu i płatnej 6-letniej podróży zagranicznej: na konkursie kreatywnym musiał narysować obraz na proponowany temat.

Jednak 14 z 15 kandydatów do medalu odmówiło przedstawienia fabuły z mitologii skandynawskiej – rosło zainteresowanie gatunkiem realistycznym, obrazami przedstawiającymi życie codzienne. Rebeliantom dowodził Iwan Kramskoj. Studenci nie otrzymali prośby o narysowanie innej, niemitycznej fabuły i opuścili egzamin końcowy.

Malarstwo

Po ukończeniu akademii Kramskoy zorganizował i kierował Artelem Wolnych Artystów, w skład którego wchodzili absolwenci i ludzie o podobnych poglądach. Mistrzowie przyjmowali zamówienia na portrety i kopie słynne obrazy, ilustrowane książki.

Iwan Kramskoj był pod wrażeniem swojej ciężkiej pracy: malował portrety, szukał klientów, rozdawał pieniądze, przyjmował studentów. Stał się jednym z nich. XIX wieku artysta zaczął malować kopuły moskiewskiej katedry Chrystusa Zbawiciela: Kramskoy w latach studenckich wykonywał szkice na tekturze.

W 1869 roku malarz po raz pierwszy udał się do Europy, aby zapoznać się ze sztuką Zachodu. Wrażenia, jakie odniósł rosyjski mistrz po zapoznaniu się z eksponatami galerii sztuki w stolicach europejskich, okazały się sprzeczne. W przeciwieństwie do wielu jego rodaków, sztuka zachodnia go nie zachwycała.

Po powrocie do domu artysta popadł w konflikt z kolegą z artelu: naruszając zasady „czternastki”, przyjął płatny wyjazd zagraniczny z Akademii Sztuk Pięknych. Kramskoy opuścił artel. Bez niego społeczność szybko się rozpadła.

Malarz założył nowe stowarzyszenie twórcze, nazywając je Stowarzyszeniem Wędrujących Wystaw Artystycznych. Współzałożycielami spółki wraz z Kramskojem byli Grigorij Myasoedov. Artyści z Pieredwiżników przeciwstawiali się zwolennikom akademizmu i organizowali objazdowe wystawy we wszystkich miastach imperium, popularyzując sztukę i przybliżając ją ludziom.

Na wystawach Wędrowców, którzy chcieli kupić swoje ulubione obrazy. Jeden z nich, „Noc majowa” Kramskoja, kupił filantrop i galerzysta. Artysta namalował mistyczną fabułę inspirowaną historią z Małej Rusi.

W 1872 r. Iwan Kramskoj wykonał ostatnie pociągnięcia płótna „Chrystus na pustyni”, które stało się jego najsłynniejsze dzieło. Tretiakow natychmiast kupił obraz za 6 tysięcy rubli. Dzieło wywołało sensację, a macierzysta uczelnia malarza prawie przyznała Kramskoyowi tytuł profesora, ale ten odmówił.

Ale Iwan Kramskoj zyskał największą sławę wśród współczesnych jako portrecista. Według współczesnych malarza jego obrazy Siergieja Botkina są całkowicie podobne do bohaterów i przekazują postacie wewnętrzne światło natura.

Artysta zaprezentował światu płótno „Mina Moiseev” w 1882 roku. Miłośnicy Kramskoja i koneserzy sztuki nazywają portret chłopa najlepszym dziełem rosyjskiego malarza. W rzeczywistości Mina Moiseev to szkic, szkic do płótna „Chłop z uzdą”, namalowanego później. Dzieło to jest żywym przykładem humanisty Kramskoja, który kochał i rozumiał naród rosyjski.

XIX wieku Iwan Kramskoj zadziwił i podzielił społeczeństwo swoim obrazem „Nieznany”. Przedstawiona kobieta nie należy do wyższych sfer. Jest ubrana wg ostatnie słowo moda tamtych lat, która wśród szlachetnych pań była uważana za nieprzyzwoitą.

Krytyk Władimir Stasow wydał werdykt w sprawie obrazu, nazywając go „Kokotką w wózku”. Wielu współczesnych zgodziło się, że portret przedstawiał bogatą kobietę. Tretiakow odmówił zakupu obrazu - kupił go przemysłowiec Paweł Kharitonenko.

Technika malarska Kramskoya to subtelna kompletność, staranne i szczegółowe przedstawienie twarzy. Artysta nie malował pejzaży, ale na płótnach „Noc majowa” i „Noc księżycowa” znakomicie przedstawił światło księżyca.

Iwan Kramskoj słusznie nazywany jest ideologicznym przywódcą ruchu Pieriewiżników, najwybitniejszym przedstawicielem sztuki demokratycznej XIX wieku. Portrety artysty są zaskakująco ludzkie i uduchowione.

Życie osobiste

Młody artysta poznał swoją przyszłą żonę Sofię Prochorową jeszcze podczas studiów w akademii. Kochał dziewczynę tak bardzo, że zignorował krążący za nią szlak plotek. Reputacja Sonyi nie była nienaganna: przed spotkaniem z Kramskojem Prokhorova żyła w cywilnym małżeństwie z żonatym artystą, zbyt późno dowiadując się o swoim „niewolnym” statusie.

Jednak dla Iwana Kramskoja Sophia stała się wzorem czystości i wierności. Żona podzieliła się z nim latami trudów i braku pieniędzy; artysta konsultował się z nią podczas pracy i prosił o modlitwę, gdy zaczyna nowe płótno.

Sofya Kramskaya urodziła mężowi sześcioro dzieci. Dwóch z nich – synowie – zmarło w odstępie 3 lat. NA słynny obraz„Niepocieszony żal” przedstawia żonę malarza. Ivan Kramskoy tworzył płótno przez 4 lata.

W ślady ojca poszła ulubiona córka artysty, Zofia Kramska. W latach trzydziestych wpadła w lodowisko represji.

Śmierć

W ciągu ostatnich 5-6 lat życia artysta sygnalizował silny suchy kaszel: u Kramskoja zdiagnozowano dusznicę bolesną (tętniak serca). Zastrzyki z morfiny pomogły złagodzić ból. Artystę leczył Siergiej Botkin, który ukrywał przed pacjentem nazwę śmiertelnej choroby. Iwan Kramskoj dowiedział się o tym przez przypadek, czytając objawy w encyklopedii medycznej, niedbale pozostawionej przez Botkina na stole.

Przyczyną śmierci malarza była choroba serca (tętniak aorty). Zmarł w pracy – malując portret doktora Karla Rauchfusa. Kramskoy nie żył 2 miesiące przed swoimi 50. urodzinami.

Został pochowany na cmentarzu Tichwińskim w Ławrze Aleksandra Newskiego.

Fabryka

1880 – „Księżycowa noc”
1882 – „Mina Moiseev”
1871 – „Syreny”
1872 – „Chrystus na pustyni”
1873 – „Portret artysty I. I. Szyszkina”
1873 – „Portret Lwa Nikołajewicza Tołstoja”
1877 – „Portret cesarzowej Marii Aleksandrownej”
1878 – „D. I. Mendelejew”
1881 – „Portret damy”
1883 – „Nieznany”
1884 – „Nieukojony żal”
1886 – „Aleksander III”
1883 – „Portret syna Siergieja”
1878 – „N. A. Niekrasow w okresie „Ostatnich pieśni”

Kramskoj, Iwan Nikołajewicz

Artysta, ur. 27 maja 1837, zm. 25 marca 1887 r. „Urodziłem się” – napisał I. N. Kramskoj w swojej autobiografii – „w mieście powiatowym Ostrogożsk w obwodzie woroneskim, w podmiejskiej osadzie Nowa Sotnia, od rodziców przypisanych do lokalnego filistynizmu. W wieku 12 lat przegrałem mój ojciec, o ile pamiętam, był bardzo surowym człowiekiem. Mój ojciec, jeśli się nie mylę, był w radzie miejskiej jako dziennikarz, ale mój dziadek, według podań, był tak zwanym rezydentem wojskowym i, zdaje się, był też jakiś urzędnik na Ukrainie. Moja genealogia nie sięga dalej. Studiowałem najpierw u piśmiennego sąsiada, a potem w szkole rejonowej w Ostrogożu, gdzie ukończyłem kurs z różnymi wyróżnieniami, świadectwami zasług. z ocenami „5” ze wszystkich przedmiotów, jako pierwszy uczeń, o czym świadczy moje ówczesne świadectwo, miałem zaledwie 12 lat, a mama zostawiła mnie jeszcze na rok w klasie maturalnej, bo byłem za młody w następnym roku dali mi to samo świadectwo, z tymi samymi ocenami, tylko ze zmianą roku, nie mając środków na przeniesienie mnie do gimnazjum w Woroneżu, gdzie bardzo chciałem iść, zostawili mnie w rodzinnym mieście i zacząłem praktykować kaligrafię w tej samej dumie miejskiej, gdzie miejsce mojego ojca zajmował wówczas mój starszy brat (15 lat starszy ode mnie). Następnie przez jakiś czas służył u zaprzyjaźnionego geodety. Nie wiem, jak wcześnie zainteresowałem się malarstwem. Pamiętam tylko, że mając 7 lat rzeźbiłem z gliny Kozaków, a potem, po ukończeniu szkoły, rysowałem wszystko, na co wpadłem, ale w szkole nie byłem w tym najlepszy, było nudno A.S. Suvorin Kramskoy wspomina rysunek w szkole: „W drugiej klasie dostaliśmy do wyboru wiele oryginałów i pamiętam, że wybraliśmy litografię św. Wiadomo, że u takiego nauczyciela nie pozostał długo i przy pierwszej nadarzającej się okazji wrócił z powrotem do Ostrogożska. Tutaj poznał zapalonego miłośnika malarstwa, później wybitną postać w dziedzinie fotografii, M. B. Tulinova i całymi dniami rysował, korzystając z rad i przyborów kreślarskich swojego nowego znajomego, który chętnie mu je dostarczał.

Tymczasem Ostrogożsk odrodził się: rozpoczęła się kampania sewastopolska, Ostrogożsk był w drodze korpusu wojskowego, a różne pułki przychodziły i odchodziły. Wśród przybyszów był fotograf z Charkowa Ya P. Danilevsky. Przed kampanią oficerowie spieszyli się z zamówieniem portretów, a Danilewski miał tyle pracy, że musiał zwrócić się do Tulinowa po materiały fotograficzne; spotkali się i kiedy retuszer Danilewskiego odszedł, ponownie zwrócił się do Tulinowa i zaprosił go, aby zajął miejsce retuszera. Tulinow stanowczo odmówił, ale pamiętając o swoim przyjacielu Kramskoju, obiecał Danilewskiemu, że znajdzie retuszera. Kramskoj był niezwykle zadowolony z oferty Tulinova, pod jego kierownictwem szybko nauczył się nauki retuszu i zgodził się na warunki, które przedstawił mu Danilewski. Matka Kramskoja przez długi czas nie zgadzała się, aby jej syn dołączył do „Żyda” (Danilewski był ochrzczonym Żydem), a nawet wyjechała z nim Bóg wie dokąd. Dopiero po wielu wysiłkach udało się przekonać staruszkę, aby nie sprzeciwiała się trzyletniej praktyce syna u fotografa. „To była ciężka szkoła” – mówi Kramskoj o życiu z Danilewskim i dodaje: „Fotograf był Żydem!” Pracując ciężko dla swojego mistrza, Kramskoj jednocześnie dużo i pilnie czytał; Od wczesnej młodości uzależnił się od czytania i pożerał wszystko, co mu się ukazało, co wydrukowano; długo myślał o tym, co przeczytał, próbując zrozumieć to, czego nie rozumiał; Z głębokim zainteresowaniem i uwagą słuchał nielicznych znajomych na temat artystów, sztuki i Akademii. Z całego serca pragnął pojechać do Petersburga na studia wyższe; Kramskoj uważał akademię za swego rodzaju świątynię, „wierząc, że zastanie tam tych samych natchnionych nauczycieli i wielkich malarzy, o których czytał, ucząc płomiennymi przemówieniami młodych mężczyzn, którzy z szacunkiem ich słuchali”, jak pisze w jednym liście. Po uzgodnionych trzech latach służby u Danilewskiego natychmiast przeniósł się do Petersburga i wstąpił do Akademii, na szczęście wtedy (1857) do przyjęcia nie były wymagane żadne egzaminy ustne. Jak nie raz powtarzał I. N. Kramskoj, ze względu na to, że pawilony fotograficzne w większości przypadków były bardzo złe, portrety wyszły wyjątkowo słabe i dopiero dzięki retuszerowi zaczęły przypominać oryginały. Aby uzyskać większy sukces w swojej pracy, Kramskoy musiał pamiętać twarze klientów i za to, jego zdaniem, wiele zawdzięcza temu, że był przyzwyczajony do tak zdumiewającego uchwycenia rysów twarzy i przeniesienia ich na płótno lub papier. Otrzymanie 2 rubli od Danilewskiego. 50 kopiejek miesięcznie I. N. Kramskoj, po przybyciu do Petersburga, wkrótce został bez środków do życia, a ponieważ „nigdy nie otrzymał od nikogo ani grosza, ani od swojego brata, ani od matki, ani od żadnego dobroczyńcy”, zostałem retuszerem dla fotografa Aleksandrowskiego. Od Aleksandrowskiego Kramskoj przeszedł do Denyera i dzięki jego talentowi do retuszowania (Kramsky był nazywany „bogiem retuszowania”) to zdjęcie zostało wykonane jako pierwsze w stolicy. Praca Denyera jako retuszera była stosunkowo dobrze opłacana, a sytuacja finansowa Kramskoja poprawiła się tak bardzo, że miał okazję przeprowadzić się do małego trzypokojowego mieszkania gdzieś na Wyspie Wasiljewskiej. Tutaj, u Kramskoja, jego towarzysze z Akademii zbierali się prawie codziennie i podczas pracy toczyli niekończące się dyskusje o sztuce, a duszą tych wieczorów był zawsze sam właściciel. Ta grupa studentów odegrała znaczącą rolę podczas całego pobytu Kramskoja w Akademii. Zarówno Kramskoj, jak i jego przyjaciele wkrótce musieli gorzko rozczarować profesorami akademickimi: zamiast oczekiwanych praktycznych rad, instrukcji i wyjaśnień usłyszeli jedynie zupełnie bezsensowne uwagi - „to jest długie, a to jest krótkie, to jest dobre, a to jest źle”, ale dlaczego tak się stało - nie było sposobu, aby to osiągnąć i „tylko koleżeństwo, powiada Kramskoj, popchnęło masy do przodu, dało przynajmniej część wiedzy, opracowało przynajmniej niektóre techniki i pomogło im poradzić sobie z ich problemami zadania…”.

Kramskoj był pod wielkim wrażeniem obrazu Iwanowa „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, który ukazał się w 1858 roku. „To nie jest obraz, ale słowo” – powiedział Kramskoj. W artykule „Spojrzenie na malarstwo historyczne” Kramskoj tak mówi o malarstwie Iwanowa: „Twoje malarstwo będzie szkołą, w której wzmocnią się inne postacie, a także wielu młodszemu pokoleniu pokaże, jaki jest ich cel Godzina Starości malarstwo historyczne uderzony, a przed Twoim obrazem żaden z młodych artystów nie będzie się szczerze modlił i szczerze w głębi ducha płakał z powodu utraty wiary w ludzi, i żaden z nich nie wyda przerażającego krzyku o pustce i jałowości ludzkiego serca i nikt z nich nie poczuje gigantycznej mocy do wykonania całej brzydoty i pustki rasa ludzka i do wszystkiego, do czego ludzkość doszła swoim egoizmem, niewiarą i wiedzą. Tak, twoje malarstwo jest dla artystów!” Tak napisał dwudziestoletni samouk! Kramskoja bardzo zainteresował Iwanow, „jego pozycja, jego los…” i przedwczesna śmierć wielkiego artysty uderzyła Kramskoj w głębi i sile swego talentu artystycznego miał wiele wspólnego z Iwanowem, ale tym, co jeszcze bardziej zbliża go do tego artysty, jest to samo poszukiwanie prawdy, to samo głębokie i przemyślane podejście do sztuki, do malarstwa. , artystom takim jak Iwanow... Kramskoj pisze o sobie do Repina: „Każda fabuła, każda myśl, każdy obraz rozpadał się bez śladu po bezlitosnej analizie”.

Tymczasem zajęcia Kramskoja w Akademii były bardzo udane. W 1860 roku ukazał się jego pierwszy obraz, pierwsze doświadczenie własny skład: „Śmiertelnie ranny Leński” na podstawie wiersza Puszkina; za tę pracę otrzymał drugi srebrny medal. Rok później na wystawie akademickiej oprócz obrazu Kramskoya „Modlitwa Mojżesza po przejściu Izraelitów przez Morze Czerwone” pojawiło się jeszcze siedem portretów jego twórczości. W 1862 roku wyszło z jego warsztatu niedokończone dzieło programowe do II złotego medalu „Kampania Olega do Konstantynopola”, w dwóch dużych egzemplarzach: z obrazu J. Kapkowa „Czcionka Siloe” dla kościoła akademickiego oraz z obrazu J. Kapkowa „Czcionka Siloe” dla kościoła akademickiego P. Petrovsky „Anioł niesie pasterzom” wieść o Narodzeniu Chrystusa”, a także szereg portretów.

W 1862 roku Kramskoy został nauczycielem w szkole rysunku Cesarskiego Towarzystwa Zachęty Sztuki, która wówczas znajdowała się pod kierunkiem posła Dyakonowa. Kramskoy zareagował chętnie i entuzjastycznie na nowy dla niego biznes. Jego nauczanie w szkole stanowi uderzający kontrast w stosunku do systemu, z którym Kramskoy zetknął się w Akademii Sztuk Pięknych. W szkole „znalazł – jak wspomina jedna z jego uczennic, E.P. Mikhaltseva – uczniów, którzy gorąco chcieli się uczyć, ale nie mieli odpowiedniego przygotowania; robiliśmy duże kompozycje, nie znając anatomii, nie wiedząc nawet, jak narysować oko lub nos prawidłowo i prawidłowo”. Kramskoj natychmiast wytknął uczniom ich niedociągnięcia i wielu przekonanych o słuszności jego słów, którzy niemal wyobrażali sobie występy dzień wcześniej na wystawach, odważnie wróciło do rysowania części ciała z gipsowych modeli.” Widząc całkowitą nieznajomość anatomii, Kramskoj zaczął czytać krótki kurs z tej nauki. Sukcesy swoich uczniów były tak bliskie jego sercu, że nigdy nie odmówił spojrzenia na ich pracę w domu, promując sukces pracy swoimi praktycznymi radami. Aby zjednoczyć zarówno nauczycieli, jak i studentów, organizował wieczory rysunkowe, podczas których uczniowie mogli pracować, otaczając się takimi artystami jak Köhler, Korzukhin, M.P. Klodt, Benzeman, sam Kramskoy i inni. Jednym słowem Kramskoy ożywił szkołę swoją postawą i przyniósł jej ogromne korzyści , a od jego ówczesnych uczniów wyszło wiele młodych dziewcząt i chłopców, którzy poświęcili się sztuce i usprawiedliwili nadzieje, jakie pokładał w nich Kramskoy, I. E. Repin, N. A. Yaroshenko z wdzięcznością wspominają czas, kiedy pracowali pod przewodnictwem Kramskoja. i wierzą, że zawdzięczają mu wiele swoich sukcesów. W 1863 r. Kramskoj ukończył prace programowe dla drugiego złotego medalu „Mojżesz wydobywa wodę z kamienia” i otrzymał pożądaną nagrodę, a także przypisano mu pracę z zeszłego roku. Ponadto w tym samym roku wykonał kilka portretów i 45 rysunków, 8 kartonów przedstawiających Boga Zastępów z Duchem Świętym, dwie ręce, Chrystusa i 4 apostołów na kopułę Soboru Chrystusowego w Moskwie, częściowo na podstawie szkicu autorstwa A. Markow. Do realizacji pozostał jeszcze program otrzymania I złotego medalu, który zapewnia tak szeroką ścieżkę rozwoju talentów oraz wsparcie finansowe wyjazdu zagranicznego w charakterze emerytki rządowej.

Ale potem wydarzyło się wydarzenie, które dramatycznie wpłynęło na resztę życia artysty. Faktem jest, że w 1863 roku Rada Akademii uchwaliła nowe zasady dla ubiegających się o I złoty medal, na tyle trudne dla zawodników i tak ograniczające ich w swobodnej pracy, że złożyli wnioski o ich unieważnienie lub przynajmniej o dokładną interpretację . Ani na pierwszą prośbę, ani na drugą nie otrzymano odpowiedzi. Następnie zawodnicy wybrali delegację, która osobiście rozmawiała z członkami rady akademickiej; Kramskoj był jednym z zastępców. Z wyjątkiem tylko jednego, wszyscy członkowie rady przyjęli poselstwo bardzo chłodno, wyrażając posłom całkowity brak współczucia i potępienie dla ich przedsięwzięcia, a dopiero F. Bruni zaszczepił w nich nadzieję na pomyślne zakończenie sprawy ... Ale ta słaba nadzieja nie miała się spełnić i radą dla wszystkich Podyktował 14 zawodnikom jeden program - „Uczta w Walhalli”. Tutaj wszyscy prosili o zwolnienie z udziału w konkursie, a jedynie o wręczenie dyplomów za tytuł artysty i na zawsze opuścili mury Akademii.

Według Kramskoya to wydarzenie obudziło go, ponieważ życie studenta nie dawało możliwości prawidłowego rozwoju. „I nagle wstrząs... Obudziłem się... 1963, 9 listopada, kiedy z programu zrezygnowało 14 osób. Jedyny dobry dzień w moim życiu, uczciwie i dobrze przeżyty. To jedyny dzień, który pamiętam z czystym i szczera radość ” – pisze Kramskoj w liście do Repina w styczniu 1874 r. Po opuszczeniu Akademii wszyscy byli zawodnicy postanowili nie rozproszyć się, ale połączyć się i pracować, tworząc artel artystyczny. Kramskoy stał się duszą tego przedsięwzięcia.

Ciężko pracował, aby zrealizować ten pomysł i bliżej niż wszyscy inni członkowie artelu wziął sobie do serca wszystkie jego sprawy - szczerze cieszył się z jego sukcesów, serce go bolało z niepowodzeń lub gdy zauważył, że wybuchła iskra niezgody między członkowie. Ściśle i czujnie dbał o to, aby członkowie artelu regularnie płacili ustalony procent od wykonanej pracy i bez wahania wpłacili w 1869 roku 3000 rubli. procent wynagrodzenia otrzymanego za malowanie kopuły Soboru Chrystusowego w Moskwie wraz z Wenigiem i N. Koshelevem. Artel nie zgodził się na ten procent, ale sam nalegał. Niemniej jednak artel wkrótce się rozpadł; po kilku latach dało się zauważyć, że więź moralna łącząca członków artelu zaczyna słabnąć; jeden z członków artelu zaczął zabiegać o wysłanie przez Akademię Sztuk Pięknych za granicę na koszt publiczny... Kramskoj był tym oburzony, tym bardziej, że pozostali członkowie artelu nie widzieli w tym czynie nic szczególnie nagannego renegata Artela. Ta historia zakończyła się opuszczeniem artelu przez Kramskoja. A artel artystyczny, po całkowitym rozpadzie, wkrótce przestał całkowicie istnieć.

Ale ten artystyczny artel został zastąpiony czymś większym - powstało „stowarzyszenie wystaw objazdowych”. I wszystko, co najlepsze w artelu artystycznym, na którego czele stał Kramskoj, przeszło w szeregi członków nowego partnerstwa, którego pomysł powstania został wymyślony w 1868 roku przez członka artelu, artystę G. G. Myasoedova - to musiało się spełnić dopiero dwa lata później.

Przez cały ten czas Kramskoy pracował niestrudzenie; zaczyna zdobywać sławę dzięki swoim wspaniałym portretom, np. I. I. Szyszkinowi (1869), Książęowi. E. A. Vasilchikova (1867), gr. D. A. Tołstoj (1869) - za swoje ostatnie portrety otrzymał tytuł akademika, księcia. Vasilchikova (1867) i niektórzy. itd. W 1869 r. po raz pierwszy na krótki czas wyjechał za granicę. W Dreźnie był pod wielkim wrażeniem Madonny Sykstyńskiej. W liście do żony z 19 listopada 1869 roku czytamy: „Żadna książka, żaden opis, nic innego nie jest w stanie tak dokładnie oddać fizjonomii człowieka, jak jej obraz”. „Madonna Rafaela” – pisze w innym miejscu – jest dziełem naprawdę wielkim i prawdziwie wiecznym, nawet wtedy, gdy ludzkość przestanie w to wierzyć, gdy badania naukowe (na tyle, na ile nauka będzie w stanie to zrobić) ujawnią faktyczne cechy historyczne obu tych osób.”

Najbardziej błyskotliwym okresem działalności Kramskoja były lata siedemdziesiąte. Podczas nich dał wiele wspaniałych portretów: wielkich książąt Pawła i Sergiusza Aleksandrowicza (1870), F. Wasiliewa, M. Antokolskiego, T. G. Szewczenko (1871), I. Ya Szyszkina, gr. P. Valuev (1873), Goncharov, N. Yaroshenko (1874), Y. Polonsky (1875), D. V. Grigorowicz, Mielnikow, spadkobierca carewicza Aleksandra Aleksandrowicza (1876), Niekrasow, S. T. Aksakowa, A. D. Litowczenko, Ławrowska na scenie Yu. F. Samarina (1877-1878), M. E. Saltykov-Shchedrin, S.P. Botkin, I.I. Shishkin, wielki książę Siergiej Aleksandrowicz, cesarzowa Maria Aleksandrowna i wielu innych; Prace te na zawsze ugruntowały jego reputację jako wybitnego artysty portretowego. Najjaśniejszym i najbardziej uderzającym portretem pod względem ekspresji, techniki i koloru jest portret A. D. Litowczenki: „Twarz Litowczenki żyje, jego oczy błyszczą” – według V. V. Stasowa – „w portrecie Litowczenki można poczuć inspirację, potężny impuls , tworzenie jedno za jednym zamachem, niekontrolowana pasja. Nie da się powiedzieć inaczej o tym niesamowitym dziele Kramskoya. Ponadto od grupa ogólna Wśród jego błyskotliwych portretów znajduje się portret pisarza D. V. Grigorowicza, portret E. Ławrowskiej, pierwotnie prezentowany na scenie, A. S. Suvorina, I. I. Szyszkina i Władimira Sołowjowa. Oprócz portretów w latach siedemdziesiątych pojawiło się kilka obrazów - „Noc majowa”, „Hunter in Pull”, „Pszczelarz”, „Chrystus na pustyni”, „Noc księżycowa” oraz półobraz, półportret - „The Kontemplator” oraz najwspanialsze szkice – „Leśniczy”, „Obrażony żydowski chłopiec” (dzieło najbardziej niezwykłe pod względem siły wyrazu), „Młynarz”; Takich obrazów i szkiców było niewiele, przeważającą większość stanowiły portrety. Kramskoj pisze w swojej autobiografii: „wtedy (od 1870 r.) były portrety, portrety i portrety, zarówno ołówkiem, jak i farbami, i czymkolwiek, co wchodziło w grę”.

Zauważono już, jak wielkie wrażenie zrobił na Kramskoju obraz Iwanowa „Pojawienie się Mesjasza”, a pomysł stworzenia „własnego” Chrystusa nigdy go nie opuścił, a kiedy obraz Kramskoja „Chrystus na pustyni” pojawił się w 1872 r. , publiczność przyjęła to zdjęcie entuzjastycznie, krytycy ze współczuciem. W liście do A.D. Chirkina z 27 grudnia 1873 r. Kramskoj napisał: „Kiedy przyszedł mi do głowy pomysł napisania Po raz pierwszy, po roku pracy wyjechałem za granicę w 1869 r., aby zobaczyć wszystko, co miało dokonano w ten sposób i poszerzyć zakres fabuły, wzbogaconej znajomością galerii.” „Widziałem” – pisze dalej, ta dziwna postać ją obserwowała, widziałem ją jak żywą i pewnego dnia nagle o mało się na nią nie natknąłem: ona tam siedziała, z założonymi rękami, z pochyloną głową Nie zauważyła mnie i po cichu odeszłam na palcach, żeby jej nie przeszkadzać, i wtedy nie mogłam już o niej zapomnieć…” Tak stworzył swojego Chrystusa – cichego, spokojnego, zamyślonego, majestatycznego!

W latach siedemdziesiątych Kramskoy napisał najlepsze i najciekawsze listy; - jego korespondencja została następnie opublikowana i stanowi jedną z najciekawszych książek literatury rosyjskiej. Szczególnie w listach do I. E. Repina i młodego, przedwcześnie zmarłego artysty krajobrazu F. A. Wasiliewa wyraźnie uchwycono głęboki i dociekliwy umysł Kramskoja. Listy te to seria wspaniałych artykułów o sztuce, niesamowitych cechach współcześni artyści i ich dzieła; te listy to żywe i wspaniałe karty w historii sztuki rosyjskiej... W kwietniu 1876 roku Kramskoj po raz drugi wyjechał za granicę i najpierw udał się do Rzymu. „Włochy (a zwłaszcza Rzym – pisze Kramskoj do P.M. Tretiakowa w kwietniu 1876 r.) nie zrobiły na mnie żadnego wrażenia”. Z Rzymu udał się do Neapolu, następnie do Pompejów i tutaj dużo pracował. Po przeprowadzce do Paryża Kramskoj, oprócz pracy nad obrazami, zaczął tworzyć dużą akwafortę - portret carewicza Aleksandra Aleksandrowicza. Kramskoj wrócił z podróży w grudniu tego samego roku. Powodem tak szybkiego powrotu były z jednej strony okoliczności rodzinne, a z drugiej: „Widziałem wszystko lub prawie wszystko, co ze względu na warunki polityczne w Europie widziałem” – napisał wkrótce do P. M. Tretiakowa. przed opuszczeniem Paryża. Kiedy Kramskoj skończył „Chrystusa na pustyni”, napisał w cytowanym już liście do A.D. Chirkina w grudniu 1873 r.: „Ponownie myślę o powrocie do Chrystusa, to jest początek” „… ale co powiesz , pisze dalej na przykład o następującej scenie: kiedy był sądzony, żołnierze na dziedzińcu, znudzeni bezczynnością, naśmiewali się z Niego na wszelkie możliwe sposoby i nagle wpadli na szczęśliwy pomysł ubioru tego pokornego człowieka jako król; teraz cały kostium klauna był gotowy; Teraz zgłaszają się panom, aby raczyli popatrzeć; wszystko, co było na podwórzu, w domu, na balkonach i galeriach, wybuchło głośnym śmiechem szlachta klaszcze przychylnie, a on tymczasem stoi spokojny, niemy, blady jak prześcieradło, a tylko zakrwawiona dłoń pali w policzek od uderzenia w twarz. Ognie ledwo zaczynają świtać, wszystko jest jak jest się mówi.” W innym liście do I. Repina z 6 stycznia 1874 r. Kramskoj napisał: „Przecież muszę jeszcze raz wrócić do Chrystusa”. I dalej: „Muszę to zrobić, nie mogę przejść do następnego w kolejce, nie pozbywając się tego!” Kramskoy ciężko pracował nad tym obrazem; wszystkie figury, które miały się w nim znaleźć, zostały wyrzeźbione z gliny - (aż 150 sztuk), aby ułatwić artyście układanie grup. Kramskoy pracował nad tym przez około pięć lat. Ale „Chrystus na pustyni” odniósł nieporównanie większy sukces i mocniejszy niż ten obraz: „Witaj, królu żydowski!”

W latach osiemdziesiątych spod jego pędzla wyszło znacznie więcej portretów; są gorsze od najlepszych portretów namalowanych przez Kramskoya w latach siedemdziesiątych, ale nadal pozostają wyjątkowe pod względem niesamowitych zalet. Portrety: cesarz Aleksander Aleksandrowicz - następnie podarowany Muzeum Cesarza Aleksandra III przez A. A. Połowcowa, - I. I. Szyszkin, S. P. Botkin, V. V. Samoiłow, Lemoch, A. I. Sokołow, niedokończony portret V. W. Wierieszczagina, on sam i jego córka, wielki książę Włodzimierz Aleksandrowicza, - napisane dla A. A. Połowcowa, - A. S. Suvorina, A. S. Kolcowa, A. G. Rubinsteina przy fortepianie - to najbardziej niezwykłe z tych, które Kramskoj napisał w latach osiemdziesiątych. Oprócz tych portretów Kramskoy napisał wiele szkiców, duża liczba rysunki „Nieznany” (bogato ubrana piękność na wózku inwalidzkim) oraz dwa wspaniałe obrazy: - „Noc księżycowa” i „Smutek nieukojony”; ostatnie zdjęcie to cały wiersz w kolorach; Twarz kobiety przy trumnie jest zadziwiająco pełna smutku...

Kramskoj z zamiłowaniem pracował nad rycinami z mocną wódką (akwaforta) i już w 1872 r., jak wynika z listu Kramskoja do F.A. Wasiliewa z 22 lutego 1872 r., miał własną pracownię akwaforty. Większość rycin Kramskoya jest doskonała; są soczyste, przyjemne i skuteczne. Do najlepszych z nich należy bardzo duży portret carewicza Aleksandra Aleksandrowicza, półmetrowy portret cesarzowej Marii Aleksandrownej na łożu śmierci; jeden 3/4 w lewo, drugi z profilu (wydrukowano tylko 25 egzemplarzy); portret artysty A. I. Iwanowa; sięgający do piersi portret Tarasa Szewczenki w futrze i futrzanej czapce „Chrystus na pustyni” z własnego obrazu; szkice do obrazu „Noc majowa” (dwie ryciny).

Kramskoj pracował niestrudzenie w ostatnich latach swojego życia... Ale poważna choroba coraz bardziej go osłabiała; kaszel dławił go i dręczył. Ciągłe złe samopoczucie, tak trudne do wyleczenia, znacznie zmieniło charakter Kramskoja; stał się niezwykle drażliwy; jego poglądy na rosyjskie malarstwo i rosyjskich artystów zmieniły się i stały się pesymistyczne. Życie w Kramskoju zanikało, ale jego talent i siła artystyczna były w nim nadal silne. Śmierć spowodowana tętniakiem była natychmiastowa. Kramskoj upadł, pracując przy sztalugach nad portretem doktora Rauchfussa, z pędzlami w rękach, w ożywionej rozmowie. A ten niedokończony portret Rauchfusa jest jasnym i błyskotliwym dowodem na to, jaką siłę artystyczną miał Kramskoy do ostatniej chwili swojego życia. - Reprezentowany przez Kramskoja Sztuka rosyjska I Społeczeństwo rosyjskie miał wybitnego artystę, wrażliwego krytyka i natchnionego bojownika o wszystko, co świeże, dobre i utalentowane, niestrudzonego bojownika z rutyną, z wszelkimi hamulcami opóźniającymi rozwój bliskiej mu twórczości rodzimej. Wiele z jego krytycznych artykułów pozostanie przez wiele lat niezwykle ważnych dla wszystkich, a zwłaszcza dla młodych artystów - znajdą w nich szereg żywych, błyskotliwych idei, prawdziwych i słusznych poglądów na sztukę współczesną.

V.V. Stasov, „Iv. Nikol. Kramskoy”. SPb. 1887”; „Iw. Nikol. Kramskoy, jego życie, korespondencja i artykuły krytyczne wobec sztuki. SPb. 1888”; N. Sobko, „Ilustrowany katalog obrazów, rysunków i rycin I. N. Kramskoja. 1887 St. Petersburg.”; W. Stasow, „Północ. Vestn.” 1888 Księga V. „Kramskoj i artyści rosyjscy” tomy I i II wszystkich dzieł. V. V. Stasov, „Biuletyn Europy” 1887 Art. V. Stasov; I. E. Repin. „Wspomnienia” s. 1-76.

IV. Łazarewski.

(Połowcow)

Kramskoj, Iwan Nikołajewicz

Znany malarz (1837-1887). Urodzony w Ostrogożsku, w biednej rodzinie mieszczańskiej, początkowe wykształcenie pobierał w szkole powiatowej. Od dzieciństwa był samoukiem rysunku, a następnie za radą jednego z miłośników rysunku zaczął zajmować się akwarelą. W wieku szesnastu lat został retuszerem u charkowskiego fotografa. Po przeprowadzce do Petersburga w 1856 roku kontynuował tę samą działalność z najlepszymi fotografami stolicy. W następnym roku zdecydowałem się wstąpić do akademii. gdzie wkrótce zrobił szybki postęp w rysunku i malarstwie. Jako uczeń prof. A. T. Markowa otrzymał mały srebrny medal za czerpanie z życia (w 1858 r.), ten sam medal za obraz „Umierający Lenski” (w 1860 r.) i duży srebrny medal. medal za szkic z życia (w 1861 r.) i mały złoty medal za obraz namalowany według programu: „Mojżesz wylewa wodę z kamienia”. K. miał walczyć o duży złoty medal, jednak w tym czasie wśród młodych artystów akademickich narodziły się i dojrzewały wątpliwości co do prawidłowości nauczania akademickiego, którzy złożyli do rady uczelni petycję o umożliwienie im wyboru tematu każdy obraz zgodnie ze swoimi skłonnościami do rywalizacji o duży złoty medal. Akademia zareagowała nieprzychylnie na proponowaną innowację [Jeden z profesorów akademii, architekt Ton, nawet w ten sposób scharakteryzował próbę młodych artystów: „w dawnych czasach zostałbyś za to wyrzucony z żołnierza.”], jak w rezultacie 14 młodych artystów pod przewodnictwem K. odmówiło w 1863 roku pisania na zadany przez akademię temat „Uczta w Walhalli” i opuściło akademię. Najpierw, aby znaleźć środki do życia, utworzyli artel artystyczny, aw 1870 roku niektórzy z nich, dołączając do młodych moskiewskich artystów, na czele z Myasojedowem, założyli stowarzyszenie wystaw objazdowych (patrz). K. został portrecistą. W jego dalszym działalność artystyczna , K. nieustannie okazywał pragnienie obrazów – dzieł wyobraźni i chętnie mu się poddawał, gdy pozwalały na to okoliczności życia codziennego. Będąc jeszcze akademikiem, przyniósł wielkie korzyści swemu profesorowi Markowi, spędzając rok na rysowaniu kartonów na sufit w kościele Zbawiciela (w Moskwie), według szkiców Markowa. Następnie K. musiał napisać na tych kartonach, wspólnie z towarzyszami z akademii, B. Wenigiem, Żurawlewem i Koszelewem, sam strop, który pozostał niedokończony z powodu braku porozumienia Markowa z I. Makarowem, któremu początkowo powierzył to zadanie praca. Do najlepszych dzieł malarstwa nieportretowego K. należą: „Noc Majowa” (według Gogola), „Dama w księżycową noc”, „Smutek nieukojony”, „Leśniczy”, „Kontemplator”, „Chrystus na pustyni ” i kilka innych. Wiele pracy włożył w skomponowanie obrazu „Jezus Chrystus wyśmiewany jako król żydowski” – obrazu, który nazwał „Śmiechem” i pokładał w nim wielkie nadzieje. Nie był jednak w stanie zapewnić sobie takiego utrzymania, aby całkowicie poświęcić się tej pracy, która wciąż była daleka od ukończenia. Rysował portrety (tzw. „sos”, zob. Rysunek) i dużo pisał; Spośród nich portrety S.P. Botkina, I.I. Szyszkina, Grigorowicza, pani Vogau, rodziny (portrety kobiece) Gunzburgów, żydowskiego chłopca, A.S. Suvorina, nieznanego, gr. L. N. Tołstoj, gr. Litke, gr. D. A. Tołstoj, Gonczarow i wielu innych. Wyróżnia je całkowite podobieństwo i utalentowana charakterystyka osoby, z której namalowano portret; wspomniany obraz „Niepocieszony żal” jest właściwie portretem, który posiada wszystkie walory i zalety obrazu. Jednak nie wszystkie jego dzieła mają jednakową siłę, co sam bez wahania przyznał; czasami nie interesował się osobą, od której miał pisać, a potem stawał się już tylko sumiennym rejestratorem. K. rozumiał także pejzaż i choć nie namalował ani jednego tego rodzaju obrazu, zarówno w „Nocy majowej”, jak i w drugiej „Nocy”, doskonale oddał w świetle księżyca nie tylko postacie ludzkie, ale także ustawienie krajobrazu. Technika malarska K. była subtelną pełnią, przez niektórych uznawaną czasem za niepotrzebną lub nadmierną. Mimo to K. pisał szybko i pewnie: w ciągu kilku godzin portret nabrał podobieństwa: pod tym względem portret doktora Rauchfusa, ostatnie umierające dzieło K., jest niezwykły. [Portret został namalowany pewnego ranka, ale pozostał niedokończony, gdyż K. pracował nad tym, zmarł.]. Wiele prac K. znajduje się w słynnej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie [Nawiasem mówiąc, obrazy „Smutek nieukojony”, „Chrystus na pustyni” i „Noc majowa”; portrety p. M. Tretyakova, gr. L. N. Tołstoj, D. V. Grigorowicz, N. A. Niekrasow, P. I. Melnikov, V. V. Samoilov, M. E. Saltykov i inni, rysunki: „W pobliżu zielonego dębu Lukomorye” (atrament i biały ołówek), portret V. Wasistowa (tusz), N. Yaroshenko (akwarela ) itp.]. K. zajmował się także grawerowaniem na miedzi za pomocą mocnej wódki; Wśród wykonanych przez niego rycin najlepsze były portrety cesarza Aleksandra III, gdy był on jego następcą – Carewiczem, Piotrem Wielkim i T. Szewczenko. Czy K. stanie się duży? malarz historyczny- trudno powiedzieć. Racjonalność zwyciężyła nad wyobraźnią, jak sam przyznał zarówno w intymnej rozmowie, jak i w korespondencji, stawiając I. E. Repina ponad sobą pod względem talentu. W ogóle K. był bardzo wymagający wobec artystów, przez co zyskał sobie wielu krytyków, ale jednocześnie był wobec siebie surowy i dążył do samodoskonalenia. Jego uwagi i opinie na temat sztuki nie miały charakteru wyłącznie osobistych przekonań, lecz miały zazwyczaj charakter poglądowy, o ile jest to powszechnie możliwe w sprawach estetycznych. Jego głównym wymaganiem jest treść i narodowość dzieła sztuki, ich poezja; ale nie mniej niż to, domagał się dobrego malarstwa. W tym względzie należy zwrócić na niego uwagę, co można zobaczyć, czytając jego korespondencję, opublikowaną przez A. Suvorina według przemyśleń i pod redakcją V. V. Stasova [„Iwan Nikołajewicz K., jego życie, korespondencja i artystyczne artykuły krytyczne”( Petersburg, 1888).]. Nie można powiedzieć, że oceniał prawidłowo na podstawie pierwszego wrażenia, zawsze jednak w mniejszym lub większym stopniu motywował do zmiany zdania. Czasami jego zdanie wahało się przez długi czas, dopóki nie znalazł kompromisu. K. nie miał dużego wykształcenia, zawsze tego żałował i nadrabiał ten brak ciągłą, poważną lekturą i wspólnotą inteligentnych ludzi, dzięki czemu sam był pożytecznym rozmówcą dla artystów [K. Znany jest także z działalności pedagogicznej, jako nauczyciel od 1862 roku w szkole rysunku Towarzystwa Zachęty Artystów. Zobacz wspomnienia jego uczniów E.K. Gaugera i E.N. Mikhaltsevy we wspomnianej książce V. Stasova.]. Znaczący ślad pozostawił w sobie swoją działalnością antyakademicką, która rozpoczęła się w 1863 r., od chwili opuszczenia uczelni przez niego i jego towarzyszy; nieustannie agitował na rzecz zasad wolności rozwój artystyczny młodzież. Choć w ostatnich latach życia wydawał się skłonny do pogodzenia się z akademią, tłumaczy się to tym, że myślał i miał nadzieję poczekać na możliwość jej przekształcenia zgodnie ze swoimi podstawowymi poglądami. Wynika z tego jasno, że nie był agitatorem z zamiłowania do agitacji, którą był gotowy przerwać, gdy tylko uwierzył, że jego ukochany cel można osiągnąć w inny sposób. Ogólnie rzecz biorąc, znaczenie K. w historii sztuki rosyjskiej jest dwojakie; jako artysta i osoba publiczna.

F. Pietruszewski.

(Brockhausa)

Kramskoj, Iwan Nikołajewicz

(Kramskoi), malarz – rytownik i portrecista; rodzaj. 1837, zm. 1887; akademik od 1869; należał do Towarzystwa Wędrowców i tylko z tego powodu nie otrzymał tytułu profesora. - Zajmowałem się także litografią.

Jego ryciny:

1. Wizerunek opiekunki Ak. cienki chłop Ignacy Pirogow, w szerokim kaftanie i łykowych butach; pełna długość, 3/4 prawdziwe. Brak podpisu.

2. Portret do biustu akademika Ruprechta. Sub.: „I. Kramskoj”.

3. Portret do biustu Tarasa Szewczenki w kapeluszu z jagnięcej skóry. Sub.: „I. Kramskoy 1871. - T. Szewczenko”. Umieszczone w albumie: „Pierwsze eksperymenty rosyjskich akwafortystów. 1871”.

4. Portret do popiersia cesarza Piotra I, 3/4 w prawo, z obrazu hrabiego P.S. Strogonow. Sub.: „I. Kramskoj 1875”. Umieszczone w albumie: „Pamięci Piotra Wielkiego. St. Petersburg. 1872.” Duży liść. Pierwsze wrażenia przed podpisaniem.

5-8. Cztery karty do katalogu ilustrowanego drugiej wystawy objazdowej z 1873 r., a mianowicie: 5. Strona tytułowa z napisem: „Druga | objazdowa | wystawa. | 1873”. Widok na wystawę z obrazem Kramskoja: W tle Zbawiciel na pustyni. Brak podpisu.

6. Zbawiciel na pustyni. Brak podpisu.

7. Dwie głowy ze szkiców (typów chłopskich) Kramskoja i portretów Dostojewskiego, Turgieniewa, Pogodina i Dahla, z oryginałów W. Perowa. Również bez podpisu.

8. Na jednym arkuszu portrety: Niekrasowa, Szczedrina i Majkowa, dwa pierwsze z obrazów Ge i Majkowa z obrazów W. Perowa; poniżej rycina M.K. Klodta z obrazu: „Grunty orne”. Arkusz ten pozostał niepublikowany.

9. Pięć rycin na jednej kartce w albumie trzeciej wystawy objazdowej z 1874 r., przedstawiających szkice i obrazy Kramskoja z tej wystawy, a mianowicie: „Pszczelarz” - portret P.A. Valueva; pełnometrażowy portret I.I. Szyszkina; szkic głowy mężczyzny w kapeluszu oraz „Obrażony żydowski chłopiec”. Wszystkie oprócz ostatniego sygnowane są: „Kramskoj”.

10. Szkic do obrazu: „Noc majowa. | Kramskoy | 1874”. Przym. do albumu „Skladchina”, 1875 za zgodą cenzury 23 kwietnia 1874 i adresem Exp. zagot. państwo B. Pierwsze wrażenia przed podpisaniem.

11. Pełnowymiarowy portret cesarza Aleksandra Aleksandrowicza (dziedzica). Z obrazu Kramskoya, który był na przodzie. Wystawa 1876 nr 21.

piszę. Niedokończony, aż do sesji (na głowę) w Pałacu Aniczkowa.

II. Wykończone przed podpisaniem na żółtym papierze.

III. Z podpisem: „I. Kramskoy”, w języku chińskim. papier. Sprzedawane w ramach subskrypcji za 100 rubli.

IV. Z podpisem: „Władca HIV. Carewicz Aleksander Aleksandrowicz. Grawerowany. I.N. Kramskoj”. Z adresem Kadara w Paryżu, na specjalnej tablicy.

12-13. Dwie ryciny do książki M.P. Botkin: „A.A. Iwanow, jego życie i korespondencja. St. Petersburg. 1880”, a mianowicie: 12. Portret Iwanowa, prawie z profilu, po lewej stronie; na podstawie rysunku wykonanego w Rzymie w 1846 roku przez jego brata, architekta Siergieja Andra. Iwanow i 13. Chrystus ogłasza drugie przyjście swoim uczniom. Z obrazu Iwanowa.

14. Cesarzowa Maria Aleksandrowna na łożu śmierci. Obraz jest w połowie długości, 3/4 w lewo. podst. „I. Kramskoj”.

15. Ona jest taka sama; obraz w połowie długości; profil po lewej stronie, bez podpisu. Obydwa nie były na sprzedaż.

B. Litografie.

1-2. Łaźnie rzymskie, z map. prof. Bronnikova, Francesca da Rimini i Paolo da Paolento, z map. Myasoedova; Litografie te znajdują się w Chudożu. Autograf 1869

3. Wędrowiec, z obrazu V. Perowa; pokój w Hoodzie. Autograf 1870. wyd. Szloch. Arteli Hood.

4-5. Dwie litografie z podpisem: „I. Kramskoj 1874”; na dużym arkuszu; umieszczone w wydaniu Golaszkina: „Wieczory pod Dikanką” i przedstawiają sceny z opowieści Gogola: „Straszna zemsta”, a mianowicie: Katerina wędruje po gajach dębowych, a jeździec uniósł czarnoksiężnika nad otchłań. Drukowane w tonacji.

6. Portret do popiersia poety Niekrasowa z faksymile jego podpisu: „Nick. podst. „Kramskoj | 77”. Dołączona do czasopisma „Światło 1878”. Są dowody, żadnych faksów.

7. Maska Michała Anioła, sygnowana: „I. Kramskoy 78”. Litografia ta została narysowana przez Kramskoya z okazji obchodów 400-lecia Michała Anioła przez naszą Akademię Sztuk Pięknych, ale nie została opublikowana.

Duży Encyklopedia radziecka

- (1837 1887), rosyjski malarz, rysownik i krytyk sztuki. Ideologiczny przywódca ruchu demokratycznego w sztuce rosyjskiej lat 60. i 80. XIX wieku. Studiował w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych (1857 63). Uczył w Szkole Rysunkowej College of Arts (1863-68). Inicjator... ... Encyklopedia sztuki

Znany malarz (1837 1887). Urodzony w Ostrogożsku, w biednej rodzinie mieszczańskiej. Od dzieciństwa jestem samoukiem rysunku; Następnie za radą miłośnika rysunku zacząłem pracować nad akwarelą. Początkowo był retuszerem w Charkowie,... ... Słownik biograficzny

- (1837-1887), malarz, rysownik i krytyk sztuki, ideologiczny przywódca ruchu demokratycznego w sztuce rosyjskiej lat 60. i 80. XIX wieku. Studiował w Akademii Sztuk Pięknych (185763), akademik od 1869. Wykładał w Szkole Rysunku Akademii Sztuk Pięknych (186368).… … Encyklopedyczny podręcznik „St. Petersburg”

Głównym kierunkiem jego twórczości jest malarstwo portretowe i historyczne.

Urodził się 27 maja w obwodzie woroneskim. Ojciec Kramskoja był urzędnikiem w miejscowej dumie. OIwan pobierał naukę w Szkole Ostrogskiej, którą ukończył w wieku dwunastu lat.

Ukończył szkołę ze świadectwem zasług, dobrze się uczył. W roku, w którym otrzymał pierwszą edukację, młody człowiek stracił ojca. Iwan musiał pracować na pół etatu w tej samej Dumie, w której pracował jego ojciec, pełniąc funkcję skryby w Dumie.

W wieku 15 lat Kramskoy był uczniem malarza ikon Ostrog, od którego przez rok uczył się swoich umiejętności. Pracował także jako retuszer dla fotografa pochodzącego z Charkowa i zarabiał na życie wędrując po Imperium Rosyjskim, fotografując różne wydarzenia.

Mieszkaniec Charkowa przedstawił Kramskoyowi swoją firmę. Ivan zaczął podróżować z fotografem po całym kraju przez trzy lata. W tym czasie doskonalił swoje umiejętności w zakresie retuszu.

W 1857 r. Los sprowadził Kramskoja do stolicy Cesarstwa. W Petersburgu pracował w studiu fotograficznym i wkrótce wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych. W 1863 roku Kramskoy otrzymał mały złoty medal od Akademii Sztuk Pięknych za obraz „Mojżesz wydziela wodę ze skały”.

Warto zauważyć, że Iwan Nikołajewicz był obdarzony pewną charyzmą i był z natury przywódcą. Przez lata studiów na Akademii udało mu się dobrze ugruntować swoją pozycję i zyskać duży autorytet wśród zespołu jej studentów.

Aby ukończyć Akademię Sztuk Pięknych i otrzymać duży złoty medal, który obiecał wyjazd na emeryturę do krajów europejskich, musiał napisać serię prac.

Rada Akademii zaproponowała 14 absolwentom, w tym Iwanowi Nikołajewiczowi, temat malarstwa – sceny z mitologii skandynawskiej. Wszystkich 14 uczniów odmówiło napisania pracy na ten temat, uznając go za bardzo oderwany od prawdziwego życia.

Artyści złożyli radzie propozycję, aby każdy z nich wybrał temat swojej pracy. Rada odmówiła. Artyści z kolei zwrócili się do rady o wykluczenie ich z konkursu. Wydarzenie to przeszło do historii kultury rosyjskiej jako „Bunt Czternastu”.

14 rebeliantów utworzyło „Petersburg Artel Artystów”, który powstał z inicjatywy Iwana Nikołajewicza. Rok 1870 upłynął pod znakiem powstania Stowarzyszenia Wędrujących Wystaw Artystycznych; Kramskoja należy uważać za ideologicznego inspiratora i założyciela tej organizacji.

Iwan Kramskoj jest autorem wielu wspaniałych portretów rosyjskich postaci różne dziedziny społeczeństwo. Portrety cesarza Aleksandra III, Szyszkina, Botkina, Tołstowa, Tretiakowa... To wszystko dzieło jego rąk.

Biografia artysty zawiera wiele dobrych obrazów Kramskoya, które są dziś znane wszystkim. Kramskoj to znacząca postać w historii Rosji, która wywarła ogromny wpływ na rozwój sztuki artystycznej w Rosji. W rzeczywistości był wychowawcą kolejnego pokolenia rosyjskich artystów realistów.

Iwan Nikołajewicz Kramskoj zmarł 24 marca 1887 r. bezpośrednio w pracy - malował portret doktora Rauchfusa i nagle upadł. Lekarz próbował pomóc artyście, ale on nadal był bezsilny.

Iwan Nikołajewicz Kramskoj przez całe życie starał się postawić sztukę twarzą w twarz z życiem, aby stała się ona skutecznym narzędziem jej aktywnego poznania. Wybitny artysta, który odegrał ogromną rolę w powstaniu szkoła narodowa malarstwo, przewodził słynnemu „buntowi czternastu”, stał na czele Artelu Artystów i Stowarzyszenia Wędrowców, był jednym z tych, których życie i twórczość niezmiennie służyły wzmocnieniu najbardziej rewolucyjnych, najbardziej zaawansowanych idei swoich czasów.

Obrazy Iwana Kramskoja

Zwiększony sens życia

Iwan Nikołajewicz napisał w swojej biografii: „Urodziłem się w 1837 r., 27 maja (według starej sztuki.-W.R.), w mieście powiatowym Ostrogożsk, obwód woroneski, w podmiejskiej osadzie Nowa Sotna, od rodziców przydzielonych do lokalny filistynizm. Kiedy miałem 12 lat, straciłem ojca, bardzo surowego człowieka, o ile pamiętam. Mój ojciec służył w Dumie Miejskiej, jeśli się nie mylę, jako dziennikarz (tj. urzędnik – V.R.); Mój dziadek według opowieści... też był jakimś urzędnikiem na Ukrainie. Moja genealogia już się nie wznosi”.

W schyłkowym wieku artysta ironicznie zauważył, że „okazał się kimś w rodzaju «człowieka»”. W jego autobiografii można wyczuć pewną gorycz, ale jednocześnie uzasadnioną dumę człowieka, który uciekł z „dna” i stanął u boku najwybitniejszych postaci swoich czasów. Malarz opisał, jak przez całe życie zabiegał o wykształcenie, ale udało mu się ukończyć jedynie szkołę rejonową w Ostrogożsku, choć został tam „pierwszym uczniem”. „…Nigdy nikomu tak nie zazdrościłem… jak człowiekowi prawdziwie wykształconemu” – zauważa Kramskoj, wspominając, że po szkoleniu został tym samym urzędnikiem w dumie miejskiej, co jego ojciec.

Młody człowiek wcześnie zainteresował się sztuką, ale pierwszą osobą, która to zauważyła i wsparła, był lokalny artysta-amator i fotograf Michaił Borysowicz Tulinow, któremu Kramskoj był wdzięczny przez całe życie. Przez pewien czas uczył się malarstwa ikonowego, następnie w wieku szesnastu lat „miał okazję się z tego wyrwać miasto powiatowe z jednym charkowskim fotografem.” Przyszły artysta podróżował z nim „dużą połowę Rosji przez trzy lata jako retuszer i akwarelista. To była ciężka szkoła…” Ale ta „surowa szkoła” przyniosła Kramskoyowi znaczne korzyści, wzmocniła jego wolę i ukształtowała trwały charakter, wzmacniając jedynie jego pragnienie zostania artystą.

Sądząc po wpisach w pamiętniku, młody Iwan Kramskoj był młodzieńcem pełnym entuzjazmu, ale w 1857 roku do Petersburga przybył mężczyzna, który dokładnie wiedział, czego chce i jak to osiągnąć. Początek samodzielnej drogi przyszłego malarza przypadł na trudny dla całej Rosji czas. Właśnie się skończyło Wojna krymska, zaznaczając miażdżącą militarną i polityczną porażkę autokracji, budząc jednocześnie świadomość społeczną zarówno ludzi zaawansowanych, jak i szerokich mas.

Monolit Akademii Cesarskiej

Zniesienie znienawidzonej pańszczyzny było tuż za rogiem, a postępowa Rosja nie tylko żyła w oczekiwaniu na nadchodzące zmiany, ale także przyczyniała się do nich na wszelkie możliwe sposoby. Alarm „Dzwonu” Hercena zabrzmiał potężnie, młodzi raznochintsy rewolucjoniści pod wodzą N. G. Czernyszewskiego przygotowywali się do walki o wyzwolenie ludu. I nawet sfera „wysokiej” sztuki, tak daleka od praktycznego życia, uległa urokowi wiatru zmian.

Jeśli poddaństwo było głównym hamulcem rozwoju wszystkich dziedzin życia społecznego, to cytadelą konserwatyzmu w dziedzinie sztuki była utworzona w połowie XVIII wieku Cesarska Akademia Sztuk Pięknych. Będąc głosicielką oficjalnych doktryn i przestarzałych już zasad estetycznych, nie pozwalała, aby obszar „piękna” miał cokolwiek wspólnego z rzeczywistością. Jednak jej uczniowie w drugiej połowie lat 50. i na początku lat 60. coraz częściej odczuwali, że życie stawia przed sztuką zupełnie inne wymagania. Znaczące słowa N. G. Czernyszewskiego „piękne jest życie” stały się oprawą programową dla całej postępowej inteligencji rosyjskiej i młodych postaci rodzącej się rosyjskiej sztuki demokratycznej. Wnieśli nowe nastroje społeczne do Akademii Sztuk Pięknych, nawiązali bliskie kontakty ze studentami Uniwersytetu, Akademii Medyczno-Chirurgicznej, gdzie studiowali bohaterowie powieści Czernyszewskiego „Co robić?”. Dmitrij Łopuchow i Aleksander Kirsanow to typowi pospólstwo, rówieśnicy I. Kramskoja.

Po przybyciu do Petersburga Iwan Nikołajewicz cieszył się już opinią doskonałego retuszera, co otworzyło mu drzwi w pracowni najlepszych stołecznych fotografów I. F. Aleksandrowskiego i A. I. Denyera. Ale kariera odnoszącego sukcesy rzemieślnika nie mogła go zadowolić. Kramskoj coraz częściej myślał o wstąpieniu do Akademii Sztuk Pięknych.

Rysunki Kramskoja natychmiast uzyskały aprobatę Rady Akademii, a jesienią 1857 roku został już uczniem profesora A. T. Markowa. W ten sposób spełniło się jego ukochane marzenie i trzeba powiedzieć, że Kramskoj uczył się bardzo pilnie, ciężko pracował nad rysunkiem, którego kultura w Akademii była bardzo wysoka, z powodzeniem pracował nad szkicami na tematy historyczne i mitologiczne, otrzymując wszystkie wymagane nagrody.

Ale młody malarz nie czuł prawdziwej satysfakcji. Człowiek myślący, oczytany, coraz wyraźniej odczuwał zasadniczą rozbieżność między starymi doktrynami artystycznymi a prawdziwe życie. Zaledwie kilka miesięcy po wstąpieniu Kramskoja do Akademii dzieło A. A. Iwanowa „Pojawienie się Chrystusa ludziom” zostało przywiezione z Włoch do Petersburga. Powrót artysty do Rosji po prawie trzydziestoletniej nieobecności, a potem nagła śmierć i wrażenie, jakie obraz wywarł na współczesnych, stając się głównym dziełem życia wielkiego mistrza, odegrały ogromną rolę w kształtowaniu świadomości artysty. wyłaniająca się zaawansowana część rosyjskiej inteligencji.

„Bunt czternastu”

Sam Iwan Nikołajewicz Kramskoj najlepiej wypowiadał się o zamieszkach 14 w swoim liście do swojego starego przyjaciela M. B. Tulinowa: „Mój drogi Michaił Borysowicz! Uwaga! 9 listopada, czyli w ostatnią sobotę, na Akademii miała miejsce następująca okoliczność: 14 studentów złożyło wniosek o wydanie dyplomów na tytuł artysty klasowego. Na pierwszy rzut oka nie ma tu nic zaskakującego.

Wolni ludzie, wolni studenci, mogą opuścić zajęcia, kiedy chcą. Prawda jest jednak taka, że ta 14-tka to nie zwykli studenci, ale ludzie, których serce zależy na pierwszym złotym medalu. Było tak: miesiąc wcześniej złożyliśmy prośbę o umożliwienie swobodnego wyboru tematów, ale nasza prośba została odrzucona... i postanowiliśmy oddać jedną fabułę historykom, a fabułę pisarzom gatunkowym, którzy od niepamiętnych czasów wybierali ich poddani. W dniu zawodów, 9 listopada, pojechaliśmy do biura i postanowiliśmy wszyscy razem pojechać do Rady i dowiedzieć się, co Rada zdecydowała. A zatem na pytanie inspektora: którzy z nas są historykami, a którzy gatunkowi? Aby wszyscy razem weszli na salę konferencyjną, odpowiedzieliśmy, że wszyscy jesteśmy historykami. Na koniec wzywa się ich przed Radę, aby wysłuchali zadania. Wejdźmy. F. F. Lwow przeczytał nam fabułę: „Uczta w Walhalli” - z mitologii skandynawskiej, gdzie bohaterowie-rycerze walczą na zawsze, gdzie przewodniczy bóg Odyn, dwa kruki siedzą na jego ramionach, a dwa wilki u jego stóp i wreszcie tam, gdzieś na niebie, pomiędzy kolumnami, miesiąc prowadzony przez potwora w postaci wilka i mnóstwo innych bzdur. Potem Bruni wstała i jak zawsze podeszła do nas, żeby wyjaśnić fabułę. Ale jeden z nas, mianowicie Kramskoj, rozłącza się i mówi, co następuje: „Prosimy przed Radą o pozwolenie powiedzenia kilku słów” (cisza, wzrok wszystkich skierowany na mówiącego). „Dwa razy składaliśmy petycję, ale Rada nie uznała za możliwe zrealizowania naszej prośby; My, nie czując się uprawnieni do nalegania i nie śmiąc myśleć o zmianie regulaminu akademickiego, pokornie prosimy o zwolnienie nas z udziału w konkursie i wydanie nam dyplomów do tytułu artysty.

Przez kilka chwil panuje cisza. Wreszcie Gagarin i Ton wydają dźwięki: „wszystko?” Odpowiadamy: „wszystko” i wychodzimy, a w następnym pokoju składamy petycje do kierownika sprawy... I tego samego dnia Gagarin w liście do Dołgorukowa poprosił, aby nic nie pojawiło się w literaturze bez uprzedniej jego recenzji ( Gagarina). Jednym słowem znaleźliśmy się w trudnej sytuacji. Odcięliśmy więc własne rekolekcje i nie chcemy wracać, i niech Akademia będzie zdrowa na swoje stulecie. Wszędzie spotykamy się z sympatią dla naszej akcji, dlatego jeden, wysłany przez pisarzy, poprosił mnie, abym przekazał mu słowa, które wypowiedziałem w Radzie, do publikacji. Ale na razie milczymy. A ponieważ do tej pory trzymaliśmy się mocno za ręce, żeby nie popaść w ruinę, postanowiliśmy trzymać się dalej, żeby stworzyć stowarzyszenie artystyczne, czyli razem pracować i żyć razem. Proszę o rady i uwagi dotyczące praktycznego projektu i zasady ogólne, odpowiedni dla naszego społeczeństwa... I teraz wydaje nam się, że jest to możliwe. W naszej ofercie znajdują się: portrety, ikonostasy, kopie, oryginalne obrazy, rysunki do publikacji i litografii, rysunki na drewnie, słowem wszystko, co wiąże się z naszą specjalnością... Oto program nie do końca jasny, jak można się domyślić Widzieć..."

W liście tym artysta nie tylko odsłania perypetie konfrontacji młodych artystów z Akademią, ale także widzi perspektywy na przyszłość, które nie są jeszcze do końca jasne, ale bardzo śmiałe i nie ograniczone egoistycznymi celami własnego przetrwania . Po tym incydencie wszczęto inwigilację tajnej policji nad Kramskojem i jego towarzyszami, która trwała wiele lat. Oto nazwiska czternastu uczestników „buntu”: malarze I. Kramskoj, A. Morozow, F. Żurawlew, M. Pieskow, B. Wenig, P. Zabołotski, N. Szustow, A. Litowczenko, N. Dmitriew , A. Korzuchin, A. Grigoriew, N. Pietrow, K. Lemoch i rzeźbiarz W. Kreitan.

Wszystkim nakazano pilne opuszczenie warsztatów, ale pozostawiona bez środków do życia młodzież i tak odniosła wielkie zwycięstwo, którego znaczenie w tamtym czasie ledwo rozumiała. Był to pierwszy podbój rosyjskiej demokratycznej sztuki realistycznej. Wkrótce Kramskoy wraz z ludźmi o podobnych poglądach rozpoczął praktyczną realizację swojego pomysłu - utworzenie pierwszego niezależnego „stowarzyszenia artystycznego” - Artel Artystów.

Kramskoy oczami Repina

Po wyrzuceniu z Akademii Kramskoj zostaje nauczycielem w szkole Towarzystwa Zachęty Sztuki, wśród której uczniów „był utalentowany młody człowiek, który właśnie przybył do Petersburga z Ukrainy”, podobnie jak kiedyś sam Kramskoj marzył o wstąpieniu do Akademii Sztuk - Ilya Repin.

Sam Ilya Efimovich opisuje swoje pierwsze spotkanie z Kramskojem: „Jest niedziela, godzina dwunasta po południu. W klasie panuje żywe podekscytowanie, Kramskoja jeszcze nie ma. Czerpiemy z głowy Milona z Krotonu... W klasie jest głośno... Nagle zapadła zupełna cisza... I zobaczyłem chudego mężczyznę w czarnym surducie wchodzącego pewnym krokiem do klasy. Myślałem, że to ktoś inny: inaczej wyobrażałem sobie Kramskoja. Zamiast pięknego, bladego profilu, ta miała szczupłą twarz o wysokich kościach policzkowych i gładkie czarne włosy zamiast brązowych loków sięgających do ramion, a taką postrzępioną, cienką brodę można spotkać tylko u uczniów i nauczycieli. - Kto to jest? – szepczę do przyjaciela. - Kramskoj! Nie wiesz? – jest zaskoczony. A więc taki właśnie jest!.. Teraz spojrzał na mnie; zdaje się, że zauważył. Jakie oczy! Nie możesz się ukryć, mimo że są małe i siedzą głęboko w zatopionych orbitach; szary, świecący... Co za poważna twarz! Ale jego głos jest miły, szczery, mówi z podekscytowaniem... Ale też go słuchają! Porzucili nawet swoją pracę i stali z otwartymi ustami; Widać, że starają się zapamiętać każde słowo.”

Repin, podobnie jak wielu rosyjskich artystów (sam Kramskoj pisał wspaniale, podobnie jak Perow), Repin okazał się utalentowanym pisarzem. W swoim eseju „Iwan Nikołajewicz Kramskoj (Pamięci nauczyciela)” ze swoją charakterystyczną impulsywnością tworzy bardzo żywy, wyrazisty portret literacki. „Kramskoj na stronach Repina jest w ruchu, w walce, nie jest zamrożoną figurą woskową panoptykonu, jest właśnie bohaterem fascynującej historii, bogatej w epizody” – napisał później K. Czukowski.

Repin stworzył obraz, który niemal w najdrobniejszych szczegółach pokrywa się z „Autoportretem” namalowanym przez Kramskoja w 1867 roku i który wyróżniał się niezwykle obiektywnymi cechami. Na zdjęciu nic nie odwraca naszej uwagi od najważniejszej rzeczy – twarzy bohatera z surowym, przenikliwym spojrzeniem szarych oczu. Inteligencja, wola, powściągliwość - to główne cechy osobowości artysty, które są wyraźnie widoczne na płótnie. Dumne poczucie własnej wartości można okazywać bez popisywania się i pozowania. Wszystko jest proste i naturalne w wyglądzie zewnętrznym malarza i na swój sposób harmonijne we wnętrzu. Kolorystyka portretu jest prawie monochromatyczna, pociągnięcie pędzla jest dynamiczne, a przed nami uznana głowa pierwszego petersburskiego Artelu Artystów.

Stworzenie Artela

Na fasadzie domu nr 2/10, położonego na rogu Alei Mayorova i Alei Admirała w Petersburgu, znajduje się tablica pamiątkowa z napisem: „W tym domu od 1866 do 1870 roku wielki rosyjski artysta Iwan Nikołajewicz Kramskoj mieszkał i pracował. Mieścił się tu zorganizowany przez niego Artel, zrzeszający czołowych artystów realistów lat 60.”. Ale w rzeczywistości Artel Artystów nie od razu zdobył lokal w centrum stolicy, niedaleko Placu Pałacowego.

Wszystko zaczęło się znacznie skromniej. Wspominając organizację Artela, Kramskoj napisał do Stasowa przed śmiercią: „... wtedy trzeba było przede wszystkim jeść, jeść, ponieważ wszystkie 14 osób miało dwa krzesła i jeden stół na trzech nogach. Ci, którzy choć coś mieli, natychmiast odpadli.” „Po długich naradach” – napisał Repin – „doszli do wniosku, że za zgodą rządu należy zorganizować Artel Artystów - coś w rodzaju firmy artystycznej, warsztatu i biura, przyjmującego zamówienia z ulicy, ze znakiem i zatwierdzonym statutem. Wynajęli duże mieszkanie w XVII linii Wyspy Wasiljewskiej i tam przeprowadzali się (w większości), aby mieszkać razem. A potem natychmiast ożyli i poweselili. Wspólny duży, jasny hol, wygodne biura dla wszystkich, własne gospodarstwo domowe prowadzone przez żonę Kramskoja – to wszystko ich dodało otuchy. Życie stało się przyjemniejsze i pojawiły się pewne zamówienia. Społeczeństwo to siła.” Tak powstało pierwsze stowarzyszenie artystów zorganizowane przez Kramskoja. Pozwoliło to wielu utalentowanym artystom nie tylko przetrwać, ale osiągnąć sukces, uznanie i niezależność finansową, co ostatecznie doprowadziło do całkowitego upadku organizacji.

Życie osobiste i zainteresowania psychologią

Iwan Nikołajewicz był zawsze pewien, że wybraniec będzie jego wiernym przyjacielem i podzieli z nim wszystkie trudy życia artysty. Zofia Nikołajewna, która została jego żoną, w pełni ucieleśniała jego marzenia o osobistym szczęściu. W jednym z listów artysty do żony czytamy: „...nie tylko nie przeszkadzasz mi być artystą i towarzyszem moich towarzyszy, ale to tak, jakbyś sam stał się prawdziwym artelowcem.. .”. Kramskoy wielokrotnie malował portrety Sofii Nikołajewnej. I choć byłoby zbyt odważne nazwać ją „muzą artysty”, niewątpliwie była dla niego kobietą idealną. Najlepszym tego potwierdzeniem są jej wizerunki powstałe w portretach z lat 60. Cechą wspólną wszystkich obrazów jest integralność, niezależność i duma ich bohaterki, co pozwala dostrzec w niej „nową kobietę”, która jednocześnie nie zatraciła swojej prawdziwej kobiecości, poezji i miękkości.

Cechy te są szczególnie widoczne w jej portrecie graficznym, znajdującym się w Galerii Trietiakowskiej (lata 60. XIX w.). Młoda, urocza i delikatna kobieta o silnym charakterze, o czym świadczy energiczny obrót głowy i surowe, ale otwarte spojrzenie.

Malarstwo „Czytanie. Portret S. N. Kramskoja” namalowany w 1863 roku przypomina liryczne portrety kobiece z początku XIX wieku. Kolorystyka obrazu opiera się na połączeniu odcieni jasnej zieleni, fioletu i innych delikatnych barw. Dużą rolę na płótnie odgrywa pejzaż oraz kilka starannie dobranych dodatków, które pomagają oddać oczywistą atrakcyjność bohaterki portretu. Młoda para Kramskojów została sfotografowana w 1865 r. przez ich wspólnego przyjaciela, „pracownika artelu” N.A. Kosheleva. Na obrazie „Kramskoj z żoną” widzimy scenę liryczną: Zofia Nikołajewna gra na pianinie, a Iwan Nikołajewicz zamyślony jest przy akompaniamencie jej muzyki.

W latach 60. Kramskoy stworzył wiele graficznych portretów swoich przyjaciół: N. A. Kosheleva, małżonków Dmitriewa-Orenburgskiego, M. B. Tulinova, I. I. Shishkina, coraz bardziej wzmacniając ich psychologizm. To prawda, że szybko rozwijająca się wówczas fotografia zaczęła wypierać grafikę artystyczną i drogie portrety malarskie. Wydawało się, że aparat ma do dyspozycji absolutnie wszystko, że potrafi nie tylko dokładnie uchwycić wygląd pozującej osoby, ale także korzystnie podkreślić niezbędne szczegóły stroju, bogatego wyposażenia, biżuterii itp. Jednak, jak pokazał czas, Jednej rzeczy nie mógł zrobić – zajrzeć do wnętrza człowieka, dokonać pewnej oceny społecznej i psychologicznej. Było to możliwe jedynie w portrecie stworzonym przez artystę.

Właśnie o to chodzi – poprawę portret psychologiczny– wielu mistrzów było zajętych, m.in. N.N. Ge, V.G. Perow i I.N. Kramskoj. Potężny wzrost Rosjanina realistyczny portret zbiegło się z początkiem ery Wędrowców i końcem ery Artela, która z czasem utraciła swoje pierwotne znaczenie.

Stowarzyszenie Wędrowców

Wspaniały pomysł stworzenia TPHV, który odegrał dużą rolę w życiu sztuki rosyjskiej, należał do grona wybitnych artystów moskiewskich i petersburskich, a bezpośrednim inicjatorem inicjatywy był słynny artysta gatunkowy G. G. Myasoedov. Skierował list do Artela, znajdując tam wsparcie jedynie u poszczególnych członków, przede wszystkim I.N. Kramskoj.

W 1870 roku powstała organizacja zdolna wyzwolić rosyjską sztukę demokratyczną spod kurateli państwowej i zjednoczyć zaawansowanych artystów wokół stowarzyszenia opartego na zasadzie osobistego interesu materialnego wszystkich jej członków. Głównym celem Partnerstwa był rozwój sztuki. Praktyka wystaw objazdowych otworzyła możliwość bezpośredniej komunikacji artystów z szeroką publicznością, poruszając jednocześnie najbardziej palące problemy naszych czasów.

W ciągu kilkudziesięciu lat wielu najlepsze prace P.M. nabył Wanderers do swojej kolekcji. Tretiakow. 28 listopada (12 grudnia, nowy styl) 1871 roku odbyła się w Petersburgu pierwsza wystawa Partnerstwa. Warto zaznaczyć, że to Kramskoj, człowiek o niezwykle silnych zasadach i przekonaniach, zawdzięczał utworzonemu Stowarzyszeniu Wędrujących Wystaw Sztuki to, że bardzo szybko przerosło ono zadania organizacji wystawienniczej i stało się prawdziwą szkołą zaawansowanej sztuki rosyjskiej.

Sam Iwan Nikołajewicz, organizując Partnerstwo i kierując jego twórczym życiem, znalazł w nim „pożywkę”, która pozwoliła mu osiągnąć własne wyżyny artystyczne. Okres rozkwitu działalności Stowarzyszenia Wędrowców zbiegł się z okresem rozkwitu twórczości Kramskoja, zarówno jako malarza, jak i krytyka-publicysty, autora szeregu bardzo poważnych artykułów, w których wyraził swoje przemyślenia na temat losów sztuki i swój wysoki cel społeczny.

W licznych listach do różnych osób można przeczytać wiele ciekawych uwag Kramskoja na temat wielkich mistrzów przeszłości oraz współczesnych artystów rosyjskich i europejskich. Najbardziej niezwykłym momentem krytycznych refleksji artysty było to, że pisał je nie tyle, aby pouczać innych, ale aby wyrazić ogromną i ciągłą pracę wewnętrzną, która dokonywała się w nim samym.

Kramskoj w swoich poglądach estetycznych był konsekwentnym zwolennikiem nauk wielkich demokratów V.G. Belinsky i N.G. Czernyszewskiego. Pisał wierząc, że podstawą może być tylko samo życie twórczość artystyczna: „To niedobrze, gdy sztuka staje się prawodawcą!.. Poważne interesy ludu muszą zawsze wyprzedzać te mniej istotne”.

Kramskoj argumentował, że „sztuka nie może być niczym innym jak tylko narodową. Nigdzie i nigdy nie było innej sztuki, a jeśli istnieje tzw. sztuka uniwersalna, to tylko dlatego, że została wyrażona przez naród, który wyprzedził powszechny rozwój człowieka. A jeśli kiedyś w odległej przyszłości Rosji będzie przeznaczone zająć takie miejsce wśród narodów, to sztuka rosyjska, będąc głęboko narodową, stanie się uniwersalna”.

Obraz Chrystusa

W okresie rozkwitu sztuki impresjonistycznej we Francji Repin, który odwiedził Paryż i podziwiał ich twórczość, napisał, że „my”, czyli tzw. Rosjanie to „zupełnie inny naród, w dodatku w rozwoju (artystycznym – V.R.) jesteśmy we wcześniejszej fazie”. W odpowiedzi na uwagę Kramskoja, że rosyjscy artyści muszą w końcu „zbliżyć się do światła, w stronę kolorów”, Repin mówi: „... naszym zadaniem jest zadowolenie. Twarz, dusza człowieka, dramat życia, wrażenia natury, jej życie i znaczenie, duch historii - to nasze tematy... nasze kolory są narzędziem, muszą wyrażać nasze myśli, naszą kolorystykę nie jest eleganckim spotem, musi wyrażać nam nastrój obrazu, jego duszę, musi pozycjonować i chwytać całego widza, jak akord w muzyce.”

Należy zauważyć, że podobne idee wyrażało wówczas wiele osobistości kultury rosyjskiej z F.M. Dostojewski do M.P. Musorgski. Zostały one również bezpośrednio zawarte w pracach I.N. Kramskoj.

Najważniejszym dziełem w twórczości artysty był obraz „Chrystus na pustyni” (1872), pokazany na drugiej wystawie Stowarzyszenia Wędrowców, którego pomysł miał już dawno. Artysta opowiadał, że stała się ona skarbnicą najważniejszych dla niego idei: „Pod wpływem szeregu wrażeń zadomowiło się we mnie bardzo trudne poczucie życia. Widzę wyraźnie, że w życiu każdego człowieka, mniej lub bardziej stworzonego na obraz i podobieństwo Boga, przychodzi taki moment, kiedy zastanawia się, czy iść w prawo, czy w lewo?.. Wszyscy wiemy, jak zwykle kończy się takie wahanie. Rozwijając myśl dalej, obejmując ludzkość w ogóle, uważam, zgodnie z własne doświadczenie, z mojego małego oryginału i tylko od niego samego, mogę się domyślić straszliwego dramatu, jaki rozegrał się w czasie kryzysów historycznych. A teraz mam straszną potrzebę powiedzenia innym, co myślę. Ale jak to stwierdzić? Jak, w jaki sposób można mnie zrozumieć? Z natury język hieroglifów jest dla mnie najbardziej przystępny. I wtedy pewnego dnia... ujrzałem postać siedzącą głęboko zamyśloną... Jego myśli były tak poważne i głębokie, że ciągle zastawałem go w tej samej pozycji... Stało się dla mnie jasne, że był zajęty ważną sprawą dla niego tak ważne, że powodowało straszliwe zmęczenie fizyczne, jest niewrażliwy... Kto to był? Nie wiem. Najprawdopodobniej była to halucynacja; Chyba go naprawdę nie widziałem. Wydawało mi się, że to najlepiej pasuje do tego, co chciałem powiedzieć. Tutaj nawet nie musiałem niczego wymyślać, po prostu próbowałem skopiować. A kiedy skończył, nadał mu bezczelną nazwę. Ale gdybym mógł to napisać w czasie, gdy go obserwowałem, czy to jest Chrystus? Nie wiem…”.

Jak długo i ciężko artysta pracował nad stworzeniem tego „właściwego” obrazu, możemy ocenić po ogromnej liczbie rysunków i szkiców wykonanych w ramach przygotowań do głównej pracy. Znaczenie tego obrazu dla Kramskoja można ocenić po tym, że kontynuował on swoje dzieło nawet po zawieszeniu go w Galerii Trietiakowskiej.

Artysta przedstawił Chrystusa siedzącego na szarych, zimnych kamieniach, pustynna gleba jest martwa, wydaje się, że Jezus wędrował tam, gdzie nie dotarła wcześniej żadna ludzka stopa. Subtelna równowaga poziomu horyzontu, dzieląca przestrzeń pracy na pół, Jego postać jednocześnie dominuje w przestrzeni płótna, narysowana na tle nieba jako wyraźna sylwetka i pozostaje w harmonii z ziemskim światem przedstawionym na płótnie. To tylko pomaga artyście pogłębić wewnętrzny dramat swojego bohatera. Na obrazie nie ma akcji, ale widz zdaje się odczuwać życie ducha, dzieło myśli Syna Bożego, decydującego o jakiejś ważnej sprawie.

Jego stopy są zranione ostrymi kamieniami, jego sylwetka jest pochylona, ręce boleśnie zaciśnięte. Tymczasem wychudzone oblicze Jezusa nie tylko wyraża jego cierpienie, ale mimo wszystko wyraża ogromną siłę woli, bezgraniczną wierność idei, której podporządkował całe swoje życie.

„Usiadł tak, gdy słońce było jeszcze przed nim, usiadł zmęczony, wyczerpany, najpierw oczami szedł za słońcem, potem nie zauważył nocy, a o świcie, kiedy słońce miało wzejść za nim, on nadal siedział bez ruchu. I nie można powiedzieć, że był całkowicie niewrażliwy na doznania: nie, pod wpływem nadchodzącego porannego chłodu odruchowo przycisnął łokcie do ciała i tylko jednak wydawało się, że usta mu wyschły, sklejone od długa cisza i tylko oczy zdradzały pracę jego wewnętrznych uczuć, chociaż nic nie widzieliśmy…”

Autor zwraca się do swoich współczesnych, poruszając w tym dziele duże i odwieczne problemy uniwersalne, stawiając przed nimi trudną kwestię wyboru ścieżki życiowej. W Rosji było wówczas wielu ludzi gotowych poświęcić się w imię prawdy, dobra i sprawiedliwości. Młodzi rewolucjoniści, którzy wkrótce stali się bohaterami wielu dzieł literatury i malarstwa demokratycznego, przygotowywali się do „wyjścia między lud”. Ścisły związek obrazów Kramskoja z życiem był oczywisty, ale artysta chciał stworzyć program pracy: „A więc to nie jest Chrystus, to znaczy nie wiem, kto to jest. Jest to wyraz moich osobistych przemyśleń. W którym momencie? Przemiana. Co następuje? Ciąg dalszy w następnej książce.” Tą właśnie „następną książką” miało być płótno „Śmiech” („Witaj, królu żydowski!”, 1877-1882).

W 1872 roku Kramskoj napisał do F.A. Wasiliewa: „Trzeba napisać kolejnego „Chrystusa”, zdecydowanie musimy, to znaczy nie on sam, ale ten tłum, który śmieje się na całe gardło, całą siłą swego ogromnego zwierzęce płuca... Ten śmiech prześladuje mnie już od tylu lat. Nie chodzi o to, że jest to trudne, że jest to trudne, ale o to, że jest trudne, że się śmieją. Chrystus stoi przed tłumem, wyśmiewany, opluwany, ale „jest spokojny jak posąg, blady jak prześcieradło”. „Dopóki nie mówimy poważnie o dobroci, o uczciwości, jesteśmy w zgodzie ze wszystkimi, staramy się poważnie realizować idee chrześcijańskie, zobaczymy, jaki będzie śmiech dookoła. Ten śmiech podąża za mną wszędzie, gdziekolwiek idę, wszędzie go słyszę.”

„Poważne realizowanie idei chrześcijańskich” dla artysty wcale nie oznaczało afirmacji dogmatów oficjalnego prawosławia, była to chęć stanięcia w obronie autentycznej moralności i człowieczeństwa. Główny bohater „Śmiechu” był uosobieniem nie tylko idei samego Kramskoja, ale ogólnie odzwierciedlał myśli wielu uczciwych przedstawicieli tamtych czasów, dla których bezpośrednie spotkanie z chamstwem, wszechniszczycielskim cynizmem i chciwością dobitnie udowodnił, że abstrakcyjne dobro po prostu nie jest w stanie pokonać realnego zła.

Teksty

W życiu Kramskoja, w połowie jego życia, rozegrał się pewien dramat, podobny do tego, jaki przeżył Iwanow u kresu swojej podróży. Artystce zaczęło się wydawać, że twórcza porażka, która go spotkała (praca „Śmiech” nigdy nie została ukończona), była konsekwencją błędnego przyjętego przez niego stanowiska ideologicznego jako całości. Wątpliwości te zrodził utopijny maksymalizm, charakterystyczny dla wielu czołowych przedstawicieli rosyjskiej inteligencji. Artysta zdołał rozwiązać trudne zadanie, które na próżno próbował zrealizować w formie serii prac o Chrystusie, w swoich wspaniałych portretach z lat 70. i 80., ucieleśniających jego ideę osobowości o wysokim charakterze moralnym w dużej galerii obrazów zaawansowanych rosyjskich pisarzy, naukowców, artystów i postaci scenicznych

W tych samych latach 70. Kramskoy napisał wiele niezwykłych dla niego wcześniej dzieł lirycznych, czego uderzającym przykładem jest obraz „Inspekcja starego domu” (1873), opowiadający historię opuszczonego i zawalającego się „ szlachetne gniazdo", do którego powrócił po wielu latach nieobecności jego właściciel. „Stary rasowy pan, kawaler” w końcu „po długim, bardzo długim czasie przybywa do swojej rodzinnej posiadłości i zastaje ją w ruinie: w jednym miejscu zawalił się sufit, wszędzie pełno pajęczyn i pleśni, a jest ich mnóstwo portretów przodków na ścianach. Prowadzą go ramiona dwóch kobiecych osobowości… Za nimi stoi kupujący – gruby handlarz…”.

Widzimy starszego mężczyznę, który powoli porusza się po pokojach w opuszczonej rodzinnej posiadłości. Wszedł więc do salonu, obwieszonego portretami swoich przodków, pociemniałymi od czasu, zobaczył antyczne meble w szarych płóciennych pokrowcach, wydaje się, że nawet powietrze w tym starym domu jest pomalowane na zadymione i zakurzone tony, czas się tu zatrzymał i nieśmiałe światło z okien nie jest w stanie rozproszyć ciemności przeszłości.

Jak wspomniał N.A. w swoich listach. Mudrogel jest jednym z najstarszych pracowników Galerii Trietiakowskiej, najprawdopodobniej „Kramskoy przedstawił się na obrazie „Inspekcja starego domu”. Świadectwo współczesnego człowieka jest niewątpliwie interesujące, choć nawet jeśli jest to prawdą, artysta nie tylko przymierzył tę smutną i liryczną sytuację. Kramskoj nadał kreowanemu przez siebie obrazowi szerokie znaczenie poetyckie i głębokie znaczenie społeczne.

Jak wiadomo, obraz pozostał niedokończony. Być może Kramskoy, jako osoba aktywna, aktywna, czysto „społeczna”, po prostu nie pozwolił sobie na relaks, wejście na kanał liryczny, pokonując w sobie tę słabość, aby pracować nad dziełami o zupełnie innym znaczeniu społecznym, co ważniejsze, jego zdaniem w warunkach złożonej sytuacji społecznej i artystycznej w Rosji lat 70. XIX w. „W zasadzie nigdy nie lubiłem portretów, a jeśli robiłem je znośnie, to tylko dlatego, że kochałem i kocham ludzką fizjonomię… Portretem zostałem z konieczności” – pisał Iwan Nikołajewicz. Wiadomo jednak, że sama „konieczność” nie mogła uczynić z niego wybitnego mistrza portretu.

Portret Tołstoja

Konieczność udowodnienia, że według idei Czernyszewskiego „osobowość ludzka jest najwyższe piękno w świecie dostępnym naszym zmysłom” obudził w Kramskoju żywe zainteresowanie „fizjonomią człowieka”. Dzięki zainteresowaniu artysty odzwierciedleniem ludzkiej duszy portrety stworzone przez mistrza w tej epoce były nieocenionym wkładem w rosyjską sztukę piękną lat 60. i 80. XIX wieku.

„Portrety, które teraz masz” – napisał do niego I. E. Repin w 1881 r., „przedstawiają twarze drogiego narodu, jego najlepszych synów, którzy swoją bezinteresowną działalnością przynieśli pozytywne korzyści dla dobra i dobrobytu ojczyzny, którzy wierzył w jego lepszą przyszłość i walczył o tę ideę...” Iwan Nikołajewicz Kramskoj stał się jednym z założycieli galerii portretów, dzięki której możemy dziś zobaczyć twarze ludzi, którzy odegrali ogromną rolę w historii i sztuce Rosja. Jednym z nich był Lew Nikołajewicz Tołstoj, którego pierwsze portrety namalował Kramskoj.

Do kolekcji trafiło portret wielkiego rosyjskiego pisarza cenione marzenie Tretiakowa, ale jak dotąd nikomu nie udało się przekonać Lwa Nikołajewicza do pozowania. Z drugiej strony był Kramskoj, który próbował namówić kolekcjonera, aby pomógł młodym utalentowany artysta F. Wasiliew, który umierał na suchoty na Krymie. W rezultacie w 1873 roku Kramskoj, chcąc spłacić dług Wasiliewa wobec Tretiakowa, namówił Tołstoja do zrobienia dwóch portretów: jeden przeznaczony był dla kolekcjonera, drugi dla domu pisarza w Jasnej Polanie.

Iwan Nikołajewicz pracował nad obydwoma płótnami równolegle, starając się unikać absolutnej tożsamości. W rezultacie rodzina pisarza wybrała portret z bardziej intymną interpretacją Lwa Nikołajewicza, w którym jest on zanurzony w sobie. Tretiakow dostał portret, na którym pisarz zdaje się zwracać do widza. W ten sposób artyście udało się jednocześnie stworzyć dwa zasadniczo różne obrazy artystyczne.

Obydwa portrety mają wiele cech wspólnych. Po pierwsze neutralne tło, dzięki któremu umiejscowienie postaci w przestrzeni przestaje odgrywać jakąkolwiek rolę. Po drugie, ręce modelki są przedstawione jedynie w sposób ogólny. Po trzecie, artysta świadomie unikał wyrazistej, malowniczej kolorystyki. Taka powściągliwość plastycznego rozwiązania pozwoliła przenieść całą uwagę na twarz czterdziestopięcioletniego Tołstoja - otwartą, prostą, otoczoną gęstą brodą i męsko strzyżonymi włosami.

Najważniejsze w tworzonych portretach są oczy pisarza, wyrażające ciężką pracę myśli inteligentnej i wykształconej osoby. Z obrazu Kramskoja Tołstoj patrzy na nas „nieustępliwie i surowo, a nawet chłodno... nie pozwalając sobie ani na chwilę zapomnieć o zadaniu obserwacji i analizy. Zostaje naukowcem, a jego tematem jest dusza ludzka” – tak swoje wrażenie opisał wybitny radziecki krytyk sztuki D.V. Sarabyanov. To zrozumienie potężnego intelektu Tołstoja stało się głównym celem i, oczywiście, stanowiło główną trudność, przed jaką stanął artysta w tej pracy.

Portrety wielkich

Kramskoj namalował wiele portretów na zamówienie Tretiakowa, składając hołd temu niezwykłemu człowiekowi. Tak więc w 1871 roku artysta namalował ze fotografii portret wielkiego ukraińskiego poety Tarasa Grigoriewicza Szewczenki. A zimą 1876 roku Iwan Nikołajewicz szczególnie zbliżył się do rodziny kolekcjonera, pracując nad portretami żony Tretiakowa Wiery Nikołajewnej i samego Pawła Michajłowicza, w którym zawsze widział nie kupca, ale intelektualistę i prawdziwego patriotę narodu rosyjskiego kultury, który mocno wierzył, że „rosyjska szkoła malarstwa nie będzie ostatnia”. W mały portret 1876, wyróżniający się pewnym „kameralnym” podejściem artystycznym, Kramskoj starał się wyrazić społeczne znaczenie osobowości portretowanej osoby.

Na zlecenie Tretiakowa artysta stworzył dwa obrazy wielkiego rosyjskiego poety-demokraty N.A. Niekrasow (1877–1878), pierwszy z nich to portret Mikołaja Aleksiejewicza, drugi to obraz „Niekrasow w okresie ostatnich pieśni”. Pracę nad tymi utworami komplikowała poważna choroba poety. Artystce udawało się go malować czasami tylko przez dziesięć do piętnastu minut dziennie, ale do 30 marca 1877 roku portret N. A. Niekrasowa był gotowy.

Ale to nie on ma największą wartość, ale obraz „Niekrasow w okresie ostatnich pieśni”, w którym dobór detali domowych pomógł stworzyć dokładny obraz poeta. Blady, ubrany na biało, ciężko chory Niekrasow siedzi na łóżku, całkowicie pogrążony w myślach. A fotografie N. A. Dobrolyubova i I. S. Turgieniewa zawieszone na ścianach jego gabinetu, a także popiersie V. G. Bielińskiego, ideologicznego mentora i wielkiego przyjaciela Niekrasowa, oddają atmosferę bogatego, intensywnego życia twórczego, dając poczucie, że wielki poeta nieśmiertelny.

Co ciekawe, jeśli przyjrzeć się bliżej powierzchni płótna obrazu, łatwo zauważyć, że krzyżuje się na nim kilka szwów. Wizerunek głowy poety wykonany jest na odrębnym fragmencie, którego pierwotne położenie jest łatwe do ustalenia. Podobno mistrz najpierw przedstawił nieuleczalnie chorego poetę w pozycji leżącej, później przestawiając kompozycję dla większej wyrazistości. Niekrasow docenił talent Kramskoja, wręczając mu egzemplarz swojej książki „Ostatnie pieśni”, na której stronie tytułowej napisał: „Na pamiątkę po Kramskoju. N. Niekrasow 3 kwietnia.”

Praca Kramskoja nad wizerunkami wybitnego satyryka M.E. Saltykowa-Szczedrina okazała się jeszcze bardziej złożona i trwała kilka lat. Jeden z dwóch portretów stworzonych przez artystę również przeznaczony był do kolekcji Tretiakowa i powstawał w latach 1877–1879, podlegając nieustannym przeróbkom. Po ukończeniu obrazu Kramskoj pisze do Tretiakowa, że ten portret „wyszedł naprawdę bardzo podobny”, mówiąc o jego cechach artystycznych, mistrz szczególnie podkreśla: „Obraz... wyszedł murugaya i wyobraźcie sobie - z zamiarem”.

Podobnie jak w portrecie Tołstoja, kolorystyka dzieła jest bardzo matowa i ponura. Artysta stawia więc w centrum uwagi twarz Szczedrina, jego wysokie czoło, żałobnie opuszczone kąciki ust i, co najważniejsze, jego wymagające, pytające spojrzenie. Dłonie odgrywają dużą rolę w kreowaniu wizerunku pisarza satyrycznego – zamknięte, o cienkich, splecionych palcach, są zdecydowanie arystokratyczne, ale wcale nie pańskie.

Jednoczący pomysł na portrety L.N. Tołstoja, N.A. Niekrasowa, M.E. Saltykov-Shchedrin, P.M. Tretiakow, stał się ideą wysokiego obywatelstwa. Kramskoj widział w nich duchowych przywódców narodu, postępowych ludzi swoich czasów. Odcisnęło to piętno na sposobie przedstawiania portretowanych. Artysta celowo „zawęził” granice swojej osobowości, aby podkreślić jej społeczne znaczenie. Zdaniem Kramskoja nic nie powinno odwracać uwagi widza od najważniejszej rzeczy - duchowego składnika bohaterów jego portretów, dlatego kolor płócien jest tak matowy.

Kiedy artysta malował portrety pisarzy, artystów, którzy jego zdaniem nie kumulowali tak silnie „duchowego ładunku” epoki, uczynił obrazowo-plastyczne rozwiązanie dzieł bardziej swobodnym, bardziej zrelaksowanym, co sprawiło, że wizerunki ludzie, których przedstawił żywych i spontanicznych. Do tego rodzaju dzieł należy portret Iwana Iwanowicza Szyszkina, wykonany przez malarza w 1873 roku. Dzieło to, podobnie jak obraz „Niekrasow w okresie „Ostatnich pieśni”, należy do kategorii malarstwa portretowego, ponieważ łączy w harmonijną całość dwie zasady - portret i pejzaż.

Obraz natury stworzony w tej pracy nie jest jedynie naturalnym tłem dla wizerunku mistrza krajobrazu, ale żywiołem, w którym on żył i tworzył. Liryczny, a zarazem majestatyczny krajobraz (czyste, błękitne niebo z unoszącymi się po nim jasnymi chmurami, tajemnicza sylwetka lasu i wysokie trawy u stóp Szyszkina) nie tyle odtwarza wygląd konkretnego obszaru, ile raczej reprezentuje uogólniony wyraz rosyjskiej natury, tak jak ją przedstawiano w latach 70., w tym samego I. I. Szyszkina.

Artysta starał się podkreślić swoją nierozerwalną jedność z otaczającym światem. Smukła, ale potężna sylwetka pejzażysty, jego otwarta twarz o silnej woli, zewnętrzna prostota, a jednocześnie niezaprzeczalna wielkość jego wyglądu, sposób, w jaki spokojnie i po mistrzowsku spogląda w nieskończone odległości, wszystko to trafnie oddaje ideę Kramskoja Szyszkin jako „męska szkoła”, „kamień milowy w rozwoju rosyjskiego krajobrazu”.

Później, w 1880 roku, Kramskoj namalował kolejny portret wielkiego śpiewaka rosyjskiej natury. W nim artysta ponownie będzie zdumiony swoją siłą fizyczną, zauważając, że wraz z wiekiem osobowość Szyszkina stała się bogatsza i bardziej złożona.

Niezwykły dar portrecisty

Wśród wielu portretów rosyjskich pisarzy i artystów namalowanych w latach 70., z których większość namalował Kramskoj na zlecenie P. M. Tretiakowa, znalazły się wizerunki I.A. Goncharova, I.E. Repina, Ya.P. Połoński, PI Melnikov-Pechersky, M.M. Antokolsky, S.T. Aksakova, F.A. Wasilijewa, M.K. Klodta i wielu innych.

Na szczególną uwagę zasługują dwa portrety - pisarza Dmitrija Wasiljewicza Grigorowicza (1876) i malarza Aleksandra Dmitriewicza Litowczenko (1878).

Tworząc portret autora popularnego wówczas opowiadania „Anton Nędzny”, mistrz wyraźnie zauważył zwyczajową lordowską postawę Grigorowicza oraz pewną protekcjonalność i samozadowolenie w jego spojrzeniu, charakterystyczne dla osoby nieprzyzwyczajonej do zagłębiania się w złożoność historii życie wokół niego. Gest dłoni z pince-nez w złotej oprawie, ściskanej w cienkich palcach, jest dobitnie teatralny. „To nie jest portret, ale tylko scena, dramat!... Więc Grigorowicz siedzi przed tobą ze wszystkimi swoimi kłamstwami, francuskim felietonizmem, przechwałkami i śmiesznością” – entuzjastycznie napisał V.V. Stasov do Kramskoja. Choć sam artysta, który kilka lat później napisał list do słynnego wydawcy A.S. Suvorina, starał się odeprzeć zarzut oczywistej stronniczości, zapewniając, że nie chce „zrobić niczego śmiesznego poza całkowicie naturalną fascynacją widzialnym”. charakterystyczna forma, bez podkreśleń.” Ile w tym prawdy, prawdopodobnie nigdy się nie dowiemy, ale jedno jest absolutnie jasne - dziś portret D. V. Grigorowicza przyciąga właśnie pasja artysty do „widocznej charakterystycznej formy”, która była kluczem do stworzenia zaskakująco jasnego i żywy obraz człowieka.

Jeszcze mocniej wyraża się to w wielkoformatowym portrecie A. D. Litowczenki. Artysta ubrany w gruby ciemnobrązowy płaszcz ukazany jest na jasnoszarym, zielonkawym tle. Nieznacznie „rozmazując” ruchomy kontur zarysowujący sylwetkę, Kramskoy podkreślił naturalną swobodę swojego modela. Poza Litowczenki jest niezwykle wyrazista, prawa ręka który jest ułożony za plecami ze swobodnym ruchem, i lewa ręka z wdziękiem trzyma cygaro znajomym gestem. Palce nie są rysowane, a jedynie obrysowane kilkoma precyzyjnymi, dynamicznymi pociągnięciami. To nie przypadek, że Kramskoj „rozmazał” brzeg rękawa okalającego to ramię i celowo uczynił go niejasnym. W ten sposób przekonująco przekazał naturalną bezpośredniość gestu, dokładnie korespondującą z żywym, zmiennym wyrazem twarzy bohatera portretu, otoczonej bujną brodą. Można się tylko domyślać wzoru ust, ale czarne jak węgiel oczy portretowanej osoby są tak przenikliwie ostre, że w najlepszy możliwy sposób wyrażając całą spontaniczność swojej natury, że cały wizerunek Litowczenki jest postrzegany „jak żywy”. Artysta z niezwykłą precyzją operuje oszczędnymi, ale niezwykle wyrazistymi detalami: stożkowata czapka swoimi konturami doskonale dopełnia sylwetkę postaci artysty jako całości, podobnie jak jasnożółte rękawiczki, od niechcenia wystające z kieszeni płaszcza Litowczenki, dopełnić jego wizerunek.

Portret A. D. Litowczenki to bez wątpienia jeden z największych sukcesów twórczych Kramskoja. Jego obraz okazał się tak żywy i jaskrawo indywidualny dzięki wysokim walorom malarskim tego obrazu „pod względem ognia, pasji i witalności szybkiego wykonania, podobnego do improwizowanego” (V. Stasov).

Iwan Nikołajewicz nie „maluje” już pędzlem, jak to miało miejsce w wielu jego obrazach, ale pisze szerzej, z temperamentem, budując kolorem plastyczną formę, uprzedzając najlepsze portrety I.E. Repina. Uderzony jego wyrazistą ekspresją, M.P. Musorgski odpowie na swoje dzieło w następujący sposób: „Zbliżając się do portretu Litowczenki, odskoczyłem…” – pisał do W.W. Stasowa. - Co za cudowny Kramskoy! To nie jest płótno – to życie, sztuka, moc, to, czego szuka się w twórczości!”

Kim stał się do tego czasu sam artysta, możemy zobaczyć dzięki jego „Autoportretowi” z 1874 roku. Obraz jest niewielkiego formatu i wyraźnie namalowany „dla siebie”. Bogate, ciemnoczerwone tło pomaga stworzyć na portrecie atmosferę podkreślonej koncentracji. Kramskoj, patrząc we własną twarz, pokazuje, jak z biegiem lat wzrósł jego spokój i wytrwałość, wypracowane przez trudne życie i ciągłą pracę. Jego spojrzenie stało się znacznie głębsze i smutniejsze niż na autoportrecie z 1867 roku, na którym mistrz zdawał się publicznie deklarować wybraną przez siebie pozycję artysty-wojownika. Teraz, nie cofając się ani na krok z obranej ścieżki, przyznaje przed sobą, jak ogromnej siły psychicznej wymaga ta wytrwałość i odwaga.

„Do tej pory panu Kramskojowi tylko się to udawało męskie portrety„” – napisał jeden z obserwatorów siódmego magazynu mobilnego, „ale obecna wystawa pokazała, że portret kobiecy, który sprawia nieporównywalnie więcej trudności, jest dla niego równie przystępny”.

Słuszna uwaga, zwłaszcza biorąc pod uwagę, że przed Kramskojem w malarstwie rosyjskim nie istniał tak demokratyczny typ kobiecego portretu, którego rozwój należy wyłącznie do niego.

Wizerunek narodu rosyjskiego

Kramskoj często pisał, że mieszkając w Petersburgu, odczuwał cały ciężar opresyjnej atmosfery społecznej; mówił nawet, że „petersburski klimat”, któremu zawsze starał się stawić czoła, „zabija rosyjską sztukę i artystów”. W tym poczuciu miał wielu ludzi o podobnych poglądach. Przypomnijmy A. S. Puszkina, który stwierdził, że Północ jest mu „szkodliwa”, K. P. Bryullowa, który po powrocie z Włoch pławił się w promieniach chwały, ale pisał, że „jest zmartwiony”, bo „boi się klimat i niewola”.

„Wyciąga mnie z Petersburga” – napisał Kramskoj. „Mam tego dość!” Dokąd Cię to ciągnie, dlaczego jest Ci niedobrze?.. Gdzie jest spokój? I byłoby to niczym, gdyby nie bogaty i niewyobrażalnie ogromny materiał leżący poza miastami, tam, w głębinach bagien, lasów i nieprzejezdnych dróg. Jakie twarze, jakie figury! Tak, wody Baden-Baden pomagają innemu, Paryż i Francja pomagają innemu, a trzeci... suma i wolność! Szybko reagując na pojawiające się „wychodzenie do ludzi” artysta napisał, że „siedząc w centrum… zaczyna się tracić nerwy szerokiego, wolnego życia; Peryferia są zbyt daleko, a ludzie mają tak wiele do zaoferowania! Mój Boże, co za ogromna wiosna! Wystarczy mieć uszy do słuchania i oczy do patrzenia… To mnie wyciąga, tak mnie to ciągnie!” To właśnie wśród ludzi widział Kramskoj główna siłażycia, odkrywając w nim nowe źródło twórczych inspiracji.

Obrazy chłopów w twórczości I. N. Kramskoya są bardzo różnorodne. To „Kontemplator” (1876, Muzeum Sztuki Rosyjskiej w Kijowie), człowiek filozofujący, poszukiwacz wiecznej prawdy, pszczelarz żyjący w jedności z naturą („Pszczelarz”, 1872) oraz „Mały człowiek z Stick” (1872, muzeum sztuki w Tallinie) – uciskany stary chłop, który przeżył długie, pozbawione radości stulecie. Są i inne wizerunki, jak bohater obrazu „Wójt wsi” (Melnik, 1873), pełen wewnętrznej godności, czy potężny, surowy mężczyzna na płótnie „Głowa chłopa” z 1874 r. (Galeria Obrazów Penza K.A. Sawickiego ).

Jednak najbardziej znaczącym dziełem o tematyce ludowej był obraz „Leśniczy” z 1874 roku. W związku z nią Kramskoj pisze do P. M. Tretiakowa: „...mój szkic w podziurawionym kulami kapeluszu powinien zgodnie z planem przedstawiać jednego z tych typów (istnieją wśród narodu rosyjskiego), którzy mają duże znaczenie społeczne i społeczne system polityczny życie ludowe zrozumieć własnymi umysłami i w których kryje się głęboko zakorzenione niezadowolenie graniczące z nienawiścią. Od takich ludzi w trudnych chwilach Stenka Razinowie i Pugaczowie zbierają swoje gangi, a w zwykłych czasach działają sami, gdziekolwiek i jakkolwiek jest to konieczne, ale nigdy nie zawierają pokoju. Wiem, że to nieatrakcyjny typ, ale wiem też, że jest wielu takich jak on, widziałem ich.

W późny okres kreatywnością, do której odniósł się także artysta temat chłopski. W 1882 r. Powstało „studium rosyjskiego chłopa” - portret Miny Moiseev. W 1883 r. - płótno „Chłop z uzdą” (Muzeum Sztuki Rosyjskiej w Kijowie). W tych dwóch pracach mistrz stworzył dwa diametralnie przeciwstawne obrazy, malowane jednak z tego samego modelu.

Późny okres twórczości

Pomimo politycznej porażki myśli demokratycznej w Rosji lat 70. i 80. XIX wieku, która została dosłownie zmiażdżona przez reżim, rosyjska sztuka demokratyczna przeżyła niespotykany dotąd rozkwit. Znaczące zmiany zaszły w życiu Stowarzyszenia Wędrujących Wystaw Artystycznych; na pierwszy plan wysunęły się prace takich tytanów rosyjskiej sztuki plastycznej, jak I. E. Repin i V. I. Surikov. Iwan Nikołajewicz Kramskoj nadal ciężko pracował. Pomimo wysokiego autorytetu, jaki artysta cieszył się wśród współczesnych, jego twórczość stawała się coraz trudniejsza. Dowodem na to jest niedokończony przez wiele lat obraz „Śmiech”, którego sama idea nie odpowiadała już potrzebom społeczeństwa. W rezultacie Kramskoyowi pozostały tylko portrety.

W tym okresie artysta z charakterystyczną umiejętnością i psychologią malował portrety I. I. Szyszkina, wybitnej postaci medycyny rosyjskiej S. P. Botkina i artysty V. V. Samoilowa. Co więcej, Kramskoy nie tylko wyglądał przyzwoicie w porównaniu z młodszymi portrecistami, takimi jak I. E. Repin i N. A. Yaroshenko, ale nadal pełnił dla nich rolę „nauczyciela”. Z kolei ich płótna nosiły odzwierciedlenie sztuki Kramskoja.

Niemniej jednak artysta zrozumiał, że musi gdzieś się rozwijać, szukać nowych dróg swojej twórczości. Próbuje swoich sił w portrecie ceremonialnym, szukając nowych rozwiązań oświetleniowych i kolorystycznych, dusiąc się jednocześnie pod ciężarem ciągłych zleceń. Spiesząc się, aby jak najlepiej utrzymać rodzinę i zdając sobie sprawę, że kończą mu się siły, Kramskoy spieszył się między czasochłonnymi poszukiwaniami twórczymi a szybką realizacją pracy, która czasami nie prowadziła do najlepszych rezultatów. Artysta, cieszący się wielkim szacunkiem, a nawet honorem, traktował te niepowodzenia poważnie.

Zmieniły się wymagania, jakie samo życie stawiało sztuce, a co za tym idzie systemu artystycznego musiał się zmienić. W 1883 roku w MUZHVIZ młody artysta K. A. Korovin, uczeń A. K. Savrasova i V. D. Polenova, napisał szkic „Dziewczyna z chóru”, wykorzystując niezwykły motyw i bardzo odważne techniki malarskie. Nawet Polenov, zaznajomiony z twórczością francuskich impresjonistów, był zdumiony tym odważnym eksperymentem artysty, uznając, że znacznie wyprzedził swoje czasy. Jednak wkrótce bliski przyjaciel Korovina, V. A. Serow, napisał swoją „Dziewczynę z brzoskwiniami” (1887), zmieniając portret dwunastoletniej Wiery, córki słynnego moskiewskiego przemysłowca S. I. Mamontowa, w promienny obraz młodości.

Próbując uchwycić istotę nowych trendów, Kramskoy namalował „Nieznane” (1883) - jeden z jego najbardziej tajemniczych obrazów. Tak krytyk sztuki N. G. Mashkovtsev opisuje obraz: „Młoda kobieta jest przedstawiona w wózku na tle pałacu Aniczkowa, pomalowanego na rdzawą czerwień. Kolor ten łagodzi zimowa mgła, podobnie jak kontury architektury. Tym wyraźniej na pierwszy plan wysuwa się postać kobieca. Jest ubrana z całym luksusem mody. Oparła się o tył powozu obitego ciemnożółtą skórą. Na jej twarzy maluje się duma kobiety świadomej swego uroku. W żadnym innym portrecie Kramskoy nie przywiązywał tak dużej wagi do akcesoriów - aksamitu, jedwabiu, futra. Ciemna rękawiczka, szczelnie otulająca dłoń niczym druga skóra, cienka i przezroczysta, przez którą można wyczuć żywe ciało, jest napisana szczególnym ciepłem. Kim ona jest, ta urzekająca kobieta, pozostaje nieznane.”

Wielu uważa, że Kramskoy przedstawił Annę Kareninę jako symbol nowej pozycji kobiet w społeczeństwie, takiej, jaka powinna być. Ta wersja ma zarówno zwolenników, jak i przeciwników, ale bardziej słuszne byłoby założenie, że artysta I.N. Kramskoj i pisarz L.G. Tołstoj, tworząc swoje kobiece wizerunki, włożyli w nie coś więcej niż portret konkretnej kobiety, a mianowicie swoją koncepcję ideału współczesnej kobiety. Podobnie jak Tołstoj, Kramskoj, broniąc ludzkiej godności kobiety, postawił sobie za zadanie próbę urzeczywistnienia swojej idei moralnej i estetycznej kategorii piękna poprzez widoczną, „obiektywną” atrakcyjność modelki.

W 1884 roku artysta ukończył obraz „Niepocieszony żal”, powstały pod koniec lat 70. Fabuła płótna inspirowana jest osobistym smutkiem mistrza – wczesną śmiercią jego dwóch najmłodszych synów. Poprzez tę pracę, zawierającą niezwykłą jak na artystę liczbę szkiców (pokazujących, jak ważne było to dla Kramskoja), przekazał swój smutek i smutek swojej żony Sofii Nikołajewnej. Wkładając w obraz wiele osobistych, głęboko ukrytych rzeczy, malarz jednocześnie starał się maksymalnie rozszerzyć i pogłębić jego treść. Precyzyjnie i oszczędnie dobrane elementy wprowadzają nas w atmosferę domu, w którym nastał wielki smutek, przekazany jednak bardzo powściągliwie, bez melodramatycznych ekscesów, dopiero czerwonawy blask zniczy migoczących za kurtyną sugeruje jego przyczynę.

Kompozycyjnym i semantycznym centrum płótna jest dramatyczny wizerunek kobiety. Jej napięta, wyprostowana sylwetka, żałobny wyraz niewidzących oczu, podniesiona do ust chusteczka, świadcząca o ledwo powstrzymywanym łkaniu, ukazują całą głębię jej cierpienia. Taka psychologiczna wyrazistość obrazu nie była dla artysty łatwa. „Szczerze współczuję smutkowi mojej matki” – Kramskoj napisał do P. M. Tretiakowa. „Długo szukałem czystej formy i w końcu zdecydowałem się na tę formę…” To właśnie ścisła forma, osiągnięta bez zbędnej teatralności, pozwoliła mu stworzyć wizerunek osoby o silnej woli, a monumentalna konstrukcja płótna pozwoliła przekazać uczucia i przeżycia jako osobisty dramat, który mistrz stara się wznieść do poziomu poziom dużego zjawiska społecznego.

Należy zauważyć, że w przeciwieństwie do portretów z lat 70., w których uczucia bohaterów Kramskoja były naznaczone raczej piętnem wysokiego obywatelstwa, postacie później działażyjesz w znacznie bardziej zamkniętym świecie osobistych doświadczeń.

Z listów Kramskoja do przyjaciół dowiadujemy się, jak trudny był dla niego ostatni okres życia. W 1883 roku pisze do P.M. Tretiakow: „...wyznaję, że okoliczności są wyższe niż mój charakter i wola. Życie mnie złamało i nie zrobiłem tego, co chciałem i co powinienem był zrobić…” W tym samym czasie napisano list do artysty P. O. Kovalevsky'ego: „Przez długi czas pracowałem w ciemności. Nie ma już przy mnie nikogo, kto niczym głos sumienia czy trąba archanioła powiadomiłby człowieka: „Dokąd on idzie? Czy jesteś na prawdziwej drodze, czy się zgubiłeś?” Nie można już ode mnie oczekiwać niczego więcej, przestałem już oczekiwać od siebie.

Niemniej jednak mistrz pracował aż do ostatniego dnia. Prowadził sesje portretowe przez pięć godzin dziennie, nieustannie krzycząc z bólu, ale niemal nie zauważając tego, był tak zafascynowany procesem twórczym. Tak też było w ostatnim dniu życia malarza. Czując o poranku przypływ wigoru, namalował portret doktora Rauchfusa. Nagle jego wzrok się zatrzymał i padł prosto na swoją paletę. Był 24 marca 1887 roku.

„Nie pamiętam bardziej serdecznego i wzruszającego pogrzebu!.. Pokój z twoimi prochami, potężny Rosjaninie, który wyłoniłeś się z nicości i brudu buszu” – napisał później I. E. Repin o pożegnaniu ze swoim starym przyjacielem podczas jego ostatniego pogrzebu podróż.

Również w 1887 roku zorganizowano dużą pośmiertną wystawę dzieł wielkiego rosyjskiego mistrza, której towarzyszyło wydanie szczegółowego ilustrowanego katalogu. Rok później ukazała się książka poświęcona życiu i twórczości Iwana Nikołajewicza Kramskoja.