Peter Klass „Śniadanie z szynką” 1647 g

Eksperci twierdzą, że każda martwa natura ma swoją własną ukryte znaczenie co było zrozumiałe dla współczesnych. I możemy się tylko domyślać, co i komu artysta chciał powiedzieć.

G Holenderskie malarstwo martwej natury z XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją holenderskich mistrzów w tym gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” zwykle obejmuje różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – zabite ptaki i zwierzynę łowną. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i śpiących, różnych ptaków – to tylko niektóre z najbardziej znane tematy martwe natury.

Podsumowując, te poszczególne działki charakteryzują duże zainteresowanie Holendrów tymi działkami życie codzienne i ich ulubione zajęcia oraz zamiłowanie do egzotyki odległych krain (w kompozycjach pojawiają się dziwaczne muszelki i owoce). Często w pracach z motywami „żywej” i „martwej” natury pojawia się podtekst symboliczny, łatwo zrozumiały dla wykształconego widza XVII wieku.

Zatem zestawienie poszczególnych przedmiotów mogłoby służyć jako wskazówka kruchości ziemskiej egzystencji: więdnące róże, kadzielnica, świeca, zegar; lub związane z nawykami potępionymi przez moralność: drzazgi, fajki; lub wskazywał na romans; list, instrumenty muzyczne, frytkownica Nie ulega wątpliwości, że znaczenie tych kompozycji jest znacznie szersze niż ich treść symboliczna.

Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim swoje ekspresja artystyczna, kompletność, zdolność odsłaniania życia duchowego obiektywnego świata.

W przeciwieństwie do Flamandów, którzy preferują obrazy wielkoformatowe z dużą ilością wszelkiego rodzaju przedmiotów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do jak największej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej. Martwa natura („Stilleven” – po niderlandzku „ciche życie”) to dziedzina wyjątkowa i dość popularna Malarstwo holenderskie.

Holenderska martwa natura z XVII wieku

Peter Klass „Fajka i kociołek” 1636

Balthasar van der Ast „Martwa natura z owocami”

Balthasar van der Ast „Talerz z owocami i muszlami” 1630 g

Melchior de Hondecoeter „Ptaki w parku”

Bartholomeus van der Hels „Nowy rynek w Amsterdamie” 1666

Willem claes Hedp „Śniadanie z krabem” 1648

Ferdynand Bol „Martwa gra”

Abraham Minion „Owoce”

Melchior de Hondecoeter „Trofea myśliwskie”

Johannes Lemans „Martwa natura z polowania”

Martina Bullema de Stomme. „Martwa natura z filiżanką Nautilusa”

Willema Hedę. „Martwa natura z szynką”. 1656

Jana Brueghela Starszego. „Kwiaty w drewnianej doniczce”. 1606/07

Ambrosius Bosshart Starszy. „Bukiet kwiatów w niszy”. 1618 gr

Balthasara van der Asta. „Kosz z kwiatami”. 1622

Hansa Bollongiera. „Martwa natura z kwiatami”. 1639

Nicholasa Gilliesa. „Nakryty stół” 1611

Florisa van Dycka. „Martwa natura z serem”. OK. 1615

Jacoba van Hulsdoncka. „Martwa natura z karczochami, rzodkiewkami, szparagami, śliwkami i brzoskwiniami w koszu”. 1608-1647

Klara Peters. „Stół serwowany” 1611

Willema Claesa Hedy. „Martwa natura ze srebrnym dzbankiem i ciastem”. 1645

Petera Claesa. „Martwa natura z solniczka.” OK. 1644

Gerrita Willemsa Hedy. „Martwa natura z glinianym dzbanem”

Florisa Gerritsa van Schotena. „Martwa natura z owocami, warzywami i sceną kolacji w Emaus”. 1630

Cornelisa Delffa. „Martwa natura w kuchni”. 1610-1620

Pomimo tego, że nazwa gatunku przetłumaczona z francuskiego oznacza „martwą naturę”. Dlaczego w ustach Holendrów kompozycje przedmiotów nieożywionych, barwnie ukazane na płótnie, oznaczały życie? Tak, te obrazy były tak jasne, niezawodne i wyraziste, że nawet najbardziej niedoświadczeni koneserzy podziwiali realizm i namacalność szczegółów. Ale to nie tylko to.

Holenderska martwa natura jest próbą opowiedzenia o tym, jak żywy i blisko jest każdy przedmiot, w który wpleciona jest każda cząstka tego świata złożony świat osobą i uczestniczy w tym. Holenderscy mistrzowie tworzyli genialne kompozycje i potrafili tak dokładnie oddać kształt, odcienie kolorów, objętość i fakturę przedmiotów, że zdawali się przechowywać dynamikę ludzkich działań. Oto pióro, które jeszcze nie ostygło z dłoni poety z błyszczącą kroplą atramentu, oto przekrojony granat ociekający sokiem rubinowym, a oto bochenek ugryziony i rzucony na zmiętą serwetkę... I przy jest to jednocześnie zaproszenie do czarującego podziwiania i cieszenia się wspaniałością i różnorodnością natury.

Motywy i malownicze obrazy

Holenderska martwa natura jest niewyczerpana pod względem bogactwa tematów. Niektórych malarzy łączyła pasja do kwiatów i owoców, inni specjalizowali się w przybliżonej prawdziwości kawałków mięsa i ryb, jeszcze inni z miłością tworzyli na płótnie przybory kuchenne, a czwarta poświęciła się tematyce nauki i sztuki.

Holenderska martwa natura z początku XVII wieku wyróżnia się przywiązaniem do symboliki. Przedmioty mają ściśle określone miejsce i znaczenie. Jabłko pośrodku obrazu opowiada historię upadku pierwszego człowieka, natomiast pokrywająca je kiść winogron opowiada historię odkupieńczej ofiary Chrystusa. Pusta muszla, która niegdyś była domem dla mięczaka morskiego, mówi o kruchości życia, więdnących i uschniętych kwiatach – o śmierci, a wylatujący z kokonu motyl zwiastuje zmartwychwstanie i odnowę. W ten sposób pisze Balthasar Ast.

Artyści nowego pokolenia zaproponowali już nieco inne rozwiązanie Holenderska martwa natura. Malarstwo „oddycha” nieuchwytnym urokiem ukrytym w zwykłych rzeczach. Do połowy napełniona szklanka, serwowanie porozrzucanych na stole dań, owoców, pokrojonego ciasta – autentyczność detali doskonale oddają kolor, światło, cienie, refleksy i refleksy, przekonująco kojarzące się z fakturą tkaniny, srebra, szkła i żywność. Są to obrazy Pietera Claesa Hedy.

Na początku XVIII wieku holenderska martwa natura skłaniała się ku imponującej estetyce szczegółów. Królują tu eleganckie porcelanowe misy ze złoceniami, miseczki wykonane z misternie skręconych muszli i przepięknie ułożone na naczyniu owoce. Nie da się patrzeć na płótna Willema Kalfa czy Abrahama van Beyerena bez blaknięcia. Holenderski staje się niezwykle powszechny, ujęty ręką mistrza, mówiący szczególnym, zmysłowym językiem i komunikujący się malarstwo harmonia i rytm. Obecne w martwej naturze linie, sploty i odcienie łodyg, pąków, otwartych kwiatostanów zdają się tworzyć złożoną symfonię, zmuszając widza nie tylko do podziwiania, ale także do ekscytującego przeżywania niezrozumiałego piękna świata.

Niesamowite zjawisko w historii światowej sztuki plastycznej miało miejsce w Europie Północnej w XVII wieku. Nazywana jest holenderską martwą naturą i uważana za jedno z najwybitniejszych dzieł malarstwa olejnego.

Koneserzy i profesjonaliści żywią głębokie przekonanie, że w historii sztuki nie widziano nigdy tak wielu wspaniałych mistrzów, którzy dysponowali najwyższą technologią i stworzyli tak wiele arcydzieł światowej klasy, żyjąc na niewielkim skrawku kontynentu europejskiego.

Nowe znaczenie zawodu artysty

Szczególne znaczenie, jakie zawód artysty nabył w Holandii od początku XVII wieku, było wynikiem pojawienia się, po pierwszych rewolucjach antyfeudalnych, początków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy ludności miejskiej mieszczanie i zamożni chłopi. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy ukształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderska martwa natura stała się poszukiwanym produktem na wschodzącym rynku.

Na północnych ziemiach Holandii najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne ruchy chrześcijaństwa, które zrodziły się w walce z katolicyzmem. Ta okoliczność między innymi sprawiła, że ​​martwa natura Holendrów stała się głównym gatunkiem całych cechów artystycznych. Duchowi przywódcy protestantyzmu, zwłaszcza kalwiniści, zaprzeczali zbawiającemu duszę znaczeniu rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, a nawet wyrzucili muzykę ze sztuki. kościoła, co zmusiło malarzy do poszukiwania nowych tematów.

W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływami katolickimi, sztuki piękne rozwijały się według różnych praw, ale bliskość terytorialna powodowała nieuniknione wzajemne oddziaływanie. Naukowcy - historycy sztuki - odnajdują wiele, co łączy martwą naturę holenderską i flamandzką, zwracając uwagę na ich nieodłączne zasadnicze różnice i unikalne cechy.

Wczesna martwa natura kwiatowa

„Czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku, przybiera szczególne formy w Holandii i symboliczne imię„spokojne życie” – wciążrówne. Holenderska martwa natura pod wieloma względami była odzwierciedleniem prężnej działalności Kompanii Wschodnioindyjskiej, która sprowadzała ze Wschodu niespotykane wcześniej w Europie luksusowe towary. Z Persji firma sprowadziła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii i to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych urzędów, sklepów i banków.

Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobro swoich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów i cebul tulipanów były tak zwanym produktem reklamy wizualnej: plakatami i broszurami. Dlatego holenderska martwa natura z kwiatami to przede wszystkim dokładne botanicznie przedstawienie kwiatów i owoców, a jednocześnie wypełnione wieloma symbolami i alegoriami. Są to najlepsze obrazy całych warsztatów, na których czele stoją Ambrosius Bosschaert Starszy, Jacob de Geyn Młodszy, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar i inni.

Nakrywamy stoły i śniadania

Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło uniknąć wpływów nowych public relations i rozwój gospodarczy. Holenderskie malarstwo martwej natury z XVII wieku było dochodowym towarem i organizowano duże warsztaty, aby „produkować” obrazy. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podłoże pod obrazy - deski lub płótno, gruntowali je, robili ramy itp. Zacięta konkurencja, jak u każdego relacje rynkowe, doprowadziło do podniesienia jakości martwych natur do bardzo wysokiego poziomu.

Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. Kompozycje kwiatowe malowano w wielu holenderskich miastach – Utrechcie, Delft, Hadze, jednak to właśnie Haarlem stał się ośrodkiem rozwoju martwych natur przedstawiających serwowane stoły, jedzenie i gotowe posiłki. Takie obrazy mogą mieć różną skalę i charakter, od skomplikowanych i wielotematycznych po lakoniczne. Pojawiły się „Śniadania” – martwe natury holenderskich artystów przedstawiające różne etapy posiłku. Przedstawiają obecność osoby w postaci okruszków, ugryzionych bułek itp. Opowiadali ciekawe historie, pełen aluzji i moralizujących symboli typowych dla ówczesnego malarstwa. Za szczególnie znaczące uważa się obrazy Nicholasa Gilliesa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Roelofa Cootsa i innych.

Tonalna martwa natura. Pietera Claesa i Willema Claesa Hedy

Dla współczesnych symbole wypełniające tradycyjną holenderską martwą naturę były istotne i zrozumiałe. Treść obrazów przypominała wielostronicowe książki i za to je szczególnie ceniono. Istnieje jednak koncepcja, która nie mniej imponuje zarówno nowoczesnym koneserom, jak i miłośnikom sztuki. Nazywa się to „tonalną martwą naturą”, a najważniejsze są w niej najwyższe umiejętności techniczne, niesamowicie wyrafinowany kolor, niesamowita umiejętność przekazywania subtelnych niuansów oświetlenia.

Cechy te są w pełni spójne z malarstwem dwóch czołowych mistrzów, których obrazy zaliczane są do najlepszych przykładów martwej natury tonalnej: Petera Claesa i Willema Claesa Heeda. Wybrali kompozycje z niewielkiej liczby obiektów, pozbawionych jasne kolory i szczególna dekoracyjność, która nie przeszkodziła im w stworzeniu rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z biegiem czasu.

Próżność marności

Temat kruchości życia, równości przed śmiercią zarówno króla, jak i żebraka, był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. Natomiast w malarstwie znalazło to wyraz w obrazach przedstawiających sceny, w których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazywa się vanitas - od łacińskiego „marności nad marnościami”. Popularności martwych natur, na wzór traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Lejdzie.

Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu holenderskich mistrzów tamtych czasów: Jacoba de Geina Młodszego, Davida Geina, Harmena Steenwijka i innych. Najlepsze przykłady „vanitas” nie są prostymi opowieściami grozy, nie wywołują nieświadomej grozy, ale spokojna i mądra kontemplacja, wypełniona myślami o tym, co najważniejsze ważne kwestie istnienie.

Malowidła sztuczek

Obrazy są od późnego średniowiecza najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz, na którą mogła sobie pozwolić rosnąca populacja miast. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli pozwoliły im umiejętności, stworzyli „trompe l'oeil” lub „trompe l'oeil” z francuskiego trompe-l'oeil - złudzenie optyczne, że typowa holenderska martwa natura - kwiaty i owoce, jest martwa ptaki i ryby, czy przedmioty związane z nauką - książki, przyrządy optyczne itp. - zawierały całkowitą iluzję rzeczywistości. Książka, która wysunęła się z przestrzeni obrazu i zaraz spadnie, mucha, która wylądowała na wazon, który chcesz trzasnąć – typowy temat dla malarstwa-wabika.

Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu trompe l'oeil - Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych - często przedstawiają wbudowaną w ścianę niszę z półkami, na których znajduje się masa najróżniejszych rzeczy. Techniczny kunszt artysty w przekazywaniu faktur i powierzchni, światła i cienia był tak duży, że sama ręka sięgnęła po książkę lub szklankę.

Czas świetności i zachodu słońca

DO połowa XVII wieku wieku główne odmiany martwej natury na obrazach holenderskich mistrzów osiągają swój najwyższy szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, ponieważ dobrobyt mieszczan rośnie, a bogate naczynia, cenne tkaniny i obfitość jedzenia nie wyglądają obco we wnętrzu miejskiej kamienicy lub bogatej wiejskiej posiadłości.

Obrazy powiększają się, zadziwiają różnorodnością faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to osiągnąć, tradycyjną holenderską martwą naturę - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - uzupełniają egzotyczne owady lub małe zwierzęta i ptaki. Oprócz tworzenia zwykłych alegorycznych skojarzeń, artysta często wprowadzał je po prostu dla zabawy pozytywne emocje, aby zwiększyć atrakcyjność komercyjną działki.

Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reichals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzących czasów, gdy istotna stała się zwiększona dekoracyjność i tworzenie imponującego wrażenia.

Koniec złotego wieku

Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów dla malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, a sama koncepcja złotego wieku, jaką znało malarstwo holenderskie, odeszła do przeszłości. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących stron.

Na przykładzie obrazu „Śniadanie z szynką” Pietera Claesa porozmawiajmy o holenderskiej martwej naturze.
Przedstawia stół nakryty białym obrusem. W centrum martwej natury znajduje się danie z różową szynką. Szynka ma świeżo ścięty brzeg. W pobliżu, na tym samym naczyniu, leży nóż z piękną rzeźbioną rączką. Po prawej stronie naczynia widać gałązkę oliwną z brzoskwiniami. Na powierzchni owocu widać czarne kropki. To ślady robaków. Po lewej stronie naczynia stoi kieliszek wina. Odbicia światła na ściankach szklanego szkła ożywiają obraz. Obok szklanki stoi miedziany dzbanek z otwartą pokrywką. Gałąź winogron, przedstawiona obok kieliszka i dzbanka, zdaje się otaczać oba naczynia. Na krawędzi stołu artysta przedstawił metalowy talerz z chlebem, którego złocista skórka przyciąga wzrok. Orzechy włoskie są rozrzucone na białym obrusie, niektóre są już popękane. Pozorny nieporządek sugeruje poczucie niedawnej obecności człowieka.

Artysta z niezwykłą umiejętnością przekazuje kolor każdego przedmiotu. Powściągliwa szaro-złota oliwkowa paleta tonów jednoczy elementy. Każdy z obiektów umiejscowiony jest tak, aby odbiorca mógł dostrzec jego fakturę, objętość i najdrobniejsze szczegóły. Artysta doskonale oddaje fakturę każdego przedmiotu: aksamitność brzoskwiń, matowo-wilgotną powierzchnię winogron, przezroczystość szkła, soczystość szynki. Zaokrąglone kontury naczyń, szklanek i naczyń przecinają się, a ich płynny rytm przekazuje harmonię i integralność. Patrząc na obraz, ma się wrażenie niestabilnej równowagi. Talerz chleba zaraz spadnie. Centrum kompozycyjnym stanowi niewątpliwie danie z szynką. To najjaśniejszy punkt na zdjęciu. Artysta przedstawia ten temat realistycznie. Obrus ​​nie zakrywa całkowicie całego stołu. Tam, gdzie obrus nie sięga, widać prosty drewniany stół, bez żadnych ozdób. Artysta za pomocą kontrastu barw eksponuje rzeczywistość.

Natalia MARKOWA,
Kierownik Działu Grafiki Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina. A, S, Puszkin

Martwa natura w XVII-wiecznej Holandii

Można powiedzieć, że czas działał jak obiektyw aparatu: wraz ze zmianą ogniskowej zmieniała się skala obrazu, aż w kadrze pozostały tylko przedmioty, a wnętrze i postacie zostały wypchnięte z obrazu. „Kraki martwej natury” można spotkać na wielu obrazach Holenderscy artyści XVI wiek Łatwo to przedstawić w formie niezależne malarstwo zastawiony stół z Portretu rodzinnego Martina van Heemskercka (ok. 1530 r.). Muzea państwowe

, Kassel) lub wazon z kwiatami z kompozycji Jana Brueghela Starszego. Sam Jan Brueghel zrobił coś takiego, pisząc już na samym początku XVII wieku. pierwsza niezależna martwa natura kwiatowa. Pojawiły się około roku 1600 – ten czas uważany jest za datę narodzin gatunku.

Martina van Heemskerka. Portret rodzinny. Fragment. OK. 1530. Muzea Państwowe, Kassel. W tym momencie O wszedł do użytku dopiero od 1650 roku, a wcześniej obrazy nazywano zgodnie z tematyką obrazu: b lumentopf – wazon z kwiatami, banketje – nakryty stół, fruytage – owoce, toebackje – martwe natury z akcesoriami do palenia, doodshoofd - obrazy z czaszką. Już z tego zestawienia jasno wynika, jak duża była różnorodność przedstawionych obiektów.

Rzeczywiście, cały otaczający ich świat obiektywny zdawał się rozlewać na obrazy holenderskich artystów.

Abrahama van Beurena. Martwa natura z homarami. XVII w. Kunsthaus w Zurychu W sztuce oznaczało to rewolucję nie mniejszą niż ta, jakiej dokonali Holendrzy w sferze gospodarczej i społecznej, uniezależniając się od władzy katolickiej Hiszpanii i tworząc pierwszą państwo demokratyczne

. Podczas gdy ich współcześni we Włoszech, Francji i Hiszpanii skupiali się na tworzeniu ogromnych kompozycji religijnych na ołtarze kościelne, obrazów i fresków o tematyce mitologii starożytnej do sal pałacowych, Holendrzy malowali małe obrazy z widokami zakątków rodzimego krajobrazu, tańcami w wiejski festyn lub domowy koncert w domu mieszczańskim, sceny w wiejskiej karczmie, na ulicy lub w domu spotkań, zastawione stoły ze śniadaniem lub deserem, czyli charakter „niski”, bezpretensjonalny, nieprzyćmiony starożytnością lub Renesansowa tradycja poetycka, z wyjątkiem może współczesnej poezji holenderskiej. Kontrast z resztą Europy był wyraźny. Obrazy rzadko powstawały na zamówienie, lecz przeważnie były swobodnie sprzedawane na targowiskach dla wszystkich i miały zdobić pokoje w domach mieszkańców miast, a nawet bogatszych wieśniaków. Później, w XVIII i XIX wieki , kiedy życie w Holandii stało się trudniejsze i rzadsze, te domowe kolekcje malarstwa były szeroko sprzedawane na aukcjach i chętnie kupowane do kolekcji królewskich i arystokratycznych w całej Europie, skąd ostatecznie wyemigrowały do największe muzea pokój. Kiedy w połowa 19

V. artyści na całym świecie zajęli się przedstawianiem otaczającej ich rzeczywistości, obrazami holenderskich mistrzów z XVII wieku. był dla nich wzorem we wszystkich gatunkach. Jana Venixa. Martwa natura z białym pawiem. 1692.

Cechą malarstwa holenderskiego była specjalizacja artystów według gatunku. W obrębie gatunku martwej natury istniał nawet podział na osobne tematy, a poszczególne miasta miały swoje ulubione rodzaje martwej natury, a jeśli malarzowi zdarzyło się przenieść do innego miasta, często radykalnie zmieniał swoją sztukę i zaczynał malować te odmiany gatunku, który był tam popularny.

Haarlem stał się miejscem narodzin charakterystyczny wygląd Holenderska martwa natura - „śniadanie”. Obrazy Petera Claesa przedstawiają nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Blaszany talerz, śledź lub szynka, bułka, kieliszek wina, zmięta serwetka, cytryna lub gałązka winogron, sztućce – skromny i precyzyjny dobór elementów sprawia wrażenie zastawionego stołu dla jednej osoby. Na obecność osoby wskazuje „malowniczy” nieład wprowadzony do układu rzeczy i atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana poprzez transmisję środowiska świetlno-powietrznego. Dominujący szarobrązowy odcień łączy obiekty w jeden obraz, a sama martwa natura staje się odzwierciedleniem indywidualnych gustów i stylu życia danej osoby.

Inny mieszkaniec Haarlemu, Willem Heda, działał w tym samym duchu co Klas. Kolorystyka jego obrazów jest nadal w większym stopniu podporządkowana jedności tonalnej, dominuje w niej szaro-srebrny ton, podkreślony wizerunkiem srebrnych lub cynowych naczyń. Dla tej kolorowej powściągliwości obrazy zaczęto nazywać „monochromatycznymi śniadaniami”.

Abrahama van Beurena. Śniadanie. XVII wiek

Muzeum Puszkina im. Puszkin, Moskwa

W Hadze, centrum rybołówstwa morskiego, Pieter de Putter i jego uczeń Abraham van Beyeren udoskonalili przedstawienie ryb i innych mieszkańców morza; kolor ich obrazów mieni się blaskiem łusek, w których występują plamy różu, czerwieni i migają niebieskie kolory.

Uniwersytet w Lejdzie stworzył i udoskonalił rodzaj filozoficznej martwej natury „vanitas” (marność nad marnościami). Na obrazach Harmena van Steenwijka i Jana Davidsa de Heema przedmioty uosabiające ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty sztuki, cenne naczynia) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce) zestawione są z czaszką lub klepsydrą dla przypomnienia o przemijaniu życia. Bardziej demokratyczna martwa natura „kuchenna” powstała w Rotterdamie w twórczości Florisa van Schotena i Francois Reykhalsa, a jego najlepsze osiągnięcia kojarzone są z nazwiskami braci Cornelisa i Hermana Saftlevenów.

W połowie stulecia temat skromnych „śniadań” w twórczości Willema van Aalsta, Juriana van Strecka, a zwłaszcza Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena przekształcił się w luksusowe „bankiety” i „desery”. Złocone kielichy, chińska porcelana i fajans z Delft, dywanowy obrus, południowe owoce podkreślają zamiłowanie do wdzięku i bogactwa, które zadomowiło się w społeczeństwie holenderskim w połowie stulecia. W związku z tym „monochromatyczne” śniadania zastępowane są soczystym, bogatym kolorystycznie, złoto-ciepłym smakiem. Wpływ światłocienia Rembrandta sprawia, że ​​kolory na obrazach Kalfa błyszczą od wewnątrz, poetyzując obiektywny świat.

Willema Kalfa. Martwa natura z filiżanką Nautilusa i chińską porcelanową misą. Muzeum Thyssena – Bornemisza, Madryt Mistrzami przedstawiania „trofeów myśliwskich” i „zagrod drobiu” byli Jan-Baptiste Wenix, jego syn Jan Wenix i Melchior de Hondecoeter. Ten rodzaj martwej natury stał się szczególnie rozpowszechniony w drugiej połowie - końcu wieku w związku z arystokracją mieszczańską: zakładaniem majątków ziemskich i rozrywką myśliwską. Malowanie dwa najnowsi artyści

wykazuje wzrost dekoracyjności, koloru i chęci uzyskania efektów zewnętrznych. Niesamowitą zdolność malarzy holenderskich do przekazywania świata materialnego w całym jego bogactwie i różnorodności docenili nie tylko współcześni, ale także Europejczycy w XVIII i XIX wieku, którzy widzieli w martwych naturach przede wszystkim i tylko to genialne mistrzostwo; przekazującą rzeczywistość. te obrazy były pełne znaczeń, dawały pożywienie nie tylko dla oczu, ale i dla umysłu. Obrazy wchodziły w dialog z odbiorcami, przekazując im ważne prawdy moralne, przypominając o ułudzie ziemskich radości, daremności ludzkich dążeń, kierując myśli w stronę filozoficznych rozważań na temat sensu życia ludzkiego.