Martwa natura holenderska z XVI – XVII w. - unikat gra umysłowa, w którym widz został poproszony o rozwikłanie pewnych znaków. To, co było łatwo zrozumiałe dla współczesnych, nie jest dziś jasne dla wszystkich i nie zawsze.
Co oznaczają przedmioty ukazane przez artystów?
Jan Kalwin (1509-1564, francuski teolog, reformator kościoła, założyciel kalwinizmu) nauczał, że rzeczy codzienne mają ukryte znaczenie, a za każdym obrazem powinna kryć się lekcja moralna. Przedmioty ukazane w martwej naturze mają wielorakie znaczenie: nadano im konotacje budujące, religijne lub inne. Na przykład ostrygi uważano za symbol erotyczny i było to oczywiste dla współczesnych: ostrygi rzekomo stymulowały potencję seksualną, a Wenus, bogini miłości, narodziła się z muszli. Z jednej strony ostrygi nawiązywały do doczesnych pokus, z drugiej otwarta muszla oznaczała duszę gotową opuścić ciało, czyli obiecywała zbawienie. Oczywiście nie było ścisłych zasad czytania martwej natury, a widz dokładnie odgadł, jakie symbole na płótnie chciał zobaczyć. Ponadto nie można zapominać, że każdy obiekt był częścią kompozycji i można go było odczytać na różne sposoby – w zależności od kontekstu i ogólnego przesłania martwej natury.Martwa natura kwiatowa
Do XVIII wieku bukiet kwiatów z reguły symbolizował słabość, ponieważ ziemskie radości są tak przemijające, jak piękno kwiatu. Symbolika roślin jest szczególnie złożona i niejednoznaczna, a w uchwyceniu ich znaczenia pomogły popularne w Europie w XVI i XVII wieku księgi emblematów, których alegorycznym ilustracjom i mottom towarzyszyły teksty objaśniające. Kompozycje kwiatowe nie były łatwe w interpretacji: ten sam kwiat miał wiele znaczeń, czasem wręcz przeciwnych. Na przykład narcyz wskazywał na narcyzm i był jednocześnie uważany za symbol Matki Bożej. W martwych naturach z reguły zachowano oba znaczenia obrazu, a widz miał swobodę wyboru jednego z dwóch znaczeń lub ich połączenia.
Kompozycje kwiatowe często uzupełniano owocami, drobnymi przedmiotami i wizerunkami zwierząt. Obrazy te wyrażały główną ideę dzieła, podkreślając motyw przemijania, rozkładu, grzeszności wszystkiego, co ziemskie i niezniszczalności cnót.
Jana Davidsa de Heema.
Kwiaty w wazonie.
Na obrazie Jana Davidsa de Heema, u podstawy wazonu, artysta przedstawił symbole kruchości: zwiędłe i połamane kwiaty, kruszące się płatki i suszone strąki grochu. Oto ślimak - kojarzy się z duszą grzesznika. W centrum bukietu widzimy symbole skromności i czystości: polne kwiaty, fiołki i niezapominajki. Otaczają je tulipany, symbolizujące przemijające piękno i bezsensowne marnotrawstwo (uprawa tulipanów w Holandii uważana była za jedno z najbardziej próżnych i w dodatku kosztownych zajęć); bujne róże i maki, przypominające kruchość życia. Kompozycję zwieńczają dwa duże kwiaty, które mają pozytywne znaczenie. Niebieska tęczówka reprezentuje odpuszczenie grzechów i wskazuje na możliwość zbawienia przez cnotę. Czerwony mak, tradycyjnie kojarzony ze snem i śmiercią, zmienił swoją interpretację ze względu na swoje umiejscowienie w bukiecie: tutaj oznacza odkupieńczą ofiarę Chrystusa.
Innymi symbolami zbawienia są kłosy chleba, a motyl siedzący na łodydze reprezentuje nieśmiertelną duszę.
Jana Baumana.
Kwiaty, owoce i małpa. Pierwsza połowa XVII wieku.
Malarstwo Jana Baumana „Kwiaty, owoce i małpa” - dobry przykład semantyczna wielowarstwowość i niejednoznaczność martwej natury i znajdujących się na niej obiektów. Na pierwszy rzut oka połączenie roślin i zwierząt wydaje się przypadkowe. W rzeczywistości ta martwa natura przypomina nam również o przemijaniu życia i grzeszności ziemskiej egzystencji. Każdy przedstawiony obiekt niesie ze sobą pewną ideę: ślimaka i jaszczurkę w tym przypadku wskazywać na śmiertelność wszystkiego, co ziemskie; tulipan leżący obok miski z owocami symbolizuje szybkie blaknięcie; muszle rozrzucone na stole wskazują na nierozsądną stratę pieniędzy; a małpa z brzoskwinią wskazuje na grzech pierworodny i zepsucie. Z drugiej strony trzepoczący motyl i owoce: kiście winogron, jabłek, brzoskwiń i gruszek mówią o nieśmiertelności duszy i pokutnej ofierze Chrystusa. Na innym, alegorycznym poziomie, przedstawione na obrazie owoce, owoce, kwiaty i zwierzęta reprezentują cztery żywioły: muszle i ślimaki – wodę; motyl - powietrze; owoce i kwiaty - ziemia; małpa - ogień.
Martwa natura w sklepie mięsnym
Petera Aartsena.
Sklep mięsny, czyli kuchnia ze sceną ucieczki do Egiptu. 1551
Wizerunek sklepu mięsnego tradycyjnie kojarzony jest z ideą życia fizycznego, personifikacją żywiołu ziemi, a także obżarstwom. Namalowany przez Petera Aartsena
Prawie całą przestrzeń zajmuje stół zastawiony jedzeniem. Widzimy wiele rodzajów mięsa: zabity drób i tuszki, wątróbkę i szynkę, szynki i kiełbasy. Obrazy te symbolizują nadmiar, obżarstwo i przywiązanie do cielesnych przyjemności. Skupmy się teraz na tle. Po lewej stronie obrazu, w otworze okiennym, znajduje się ewangeliczna scena ucieczki do Egiptu, która ostro kontrastuje z martwą naturą na pierwszym planie. Matka Boska podaje żebraczce ostatni bochenek chleba. Zwróć uwagę, że nad naczyniem znajduje się okno, w którym leżą w poprzek dwie ryby (symbol ukrzyżowania) - symbol chrześcijaństwa i Chrystusa. Po prawej w tle tawerna. Wesoła grupa zasiada przy stole przy ognisku, pije i zajada ostrygi, które jak pamiętamy kojarzą się z pożądaniem. Obok stołu wisi zarżnięte zwłoki, wskazujące na nieuchronność śmierci i przemijalność ziemskich radości. Rzeźnik w czerwonej koszuli rozcieńcza wino wodą. Scena ta nawiązuje do głównej idei martwej natury i nawiązuje do przypowieści o syn marnotrawny. Scena w karczmie, a także w zastawionym naczyniami sklepie mięsnym, mówi o próżnym, rozpustnym życiu, przywiązaniu do ziemskich przyjemności, przyjemnych dla ciała, ale wyniszczających dla duszy. W scenie ucieczki do Egiptu bohaterowie są praktycznie odwróceni tyłem do widza: wnikają głębiej w obraz, oddalając się od sklepu mięsnego. To metafora ucieczki od rozpustnego życia pełnego zmysłowych przyjemności. Porzucenie ich jest jednym ze sposobów zbawienia duszy.
Martwa natura w sklepie rybnym
Martwa natura z rybą jest alegorią żywiołu wody. Tego rodzaju dzieła, podobnie jak sklepy mięsne, często wchodziły w skład tzw. cyklu elementów pierwotnych i z reguły powstawały w celu dekoracji pałacowych jadalni. Na pierwszym planie obrazu Fransa Snydersa „Sklep rybny” przedstawiono wiele ryb. Występują tu okonie i jesiotry, karaś, sum, łosoś i inne owoce morza. Część została już pocięta, część czeka na swoją kolej. Te wizerunki ryb nie niosą ze sobą żadnego podtekstu – gloryfikują bogactwo Flandrii.
Fransa Snydersa.
Sklep rybny. 1616
Obok chłopca widzimy kosz z prezentami, które otrzymał na Mikołajki. Wskazują na to drewniane czerwone buciki przywiązane do kosza. Oprócz słodyczy, owoców i orzechów w koszyku znajdują się pałeczki – jako podpowiedź do edukacji „marchewką i kijem”. Zawartość koszyka mówi o radościach i smutkach ludzkiego życia, które nieustannie się uzupełniają. Kobieta wyjaśnia dziecku, że posłuszne dzieci otrzymują prezenty, a złe dzieci otrzymują karę. Chłopiec cofnął się z przerażeniem: myślał, że zamiast słodyczy otrzyma ciosy rózgami. Po prawej stronie widzimy otwór okienny, przez który widać plac miejski. Pod oknami stoi grupa dzieci i radośnie pozdrawia stojącego na balkonie marionetkowego błazna. Błazen jest nieodłącznym atrybutem ludowych uroczystości świątecznych.
Martwa natura z nakrytym stołem
W licznych wariacjach na temat nakryć stołu na płótnach holenderskich mistrzów widzimy chleb i ciasta, orzechy i cytryny, kiełbasy i szynki, homary i raki, dania z ostryg, ryb czy pustych muszli. Te martwe natury można zrozumieć w zależności od zestawu obiektów.
Gerrita Willemsa Hedy.
Szynka i sztućce. 1649
Na obrazie Gerrita Willemsa Hedy widzimy naczynie, dzbanek, wysoki szklany kielich i przewrócony wazon, garnek z musztardą, szynkę, zmiętą serwetkę i cytrynę. To tradycyjny i ulubiony zestaw Hedy. Układ obiektów i ich wybór nie są przypadkowe. Srebro stołowe symbolizuje ziemskie bogactwa i ich daremność, szynka - cielesne przyjemności, atrakcyjny wygląd i kwaśny w środku, cytryna uosabia zdradę. Zgaszona świeca wskazuje na kruchość i przemijalność ludzkiej egzystencji, bałagan na stole oznacza zniszczenie. Wysokie szkło typu „flet” (w XVII w. takie kieliszki służyły jako miarka ze znakami) jest równie kruche jak życie człowieka, a jednocześnie symbolizuje umiar i zdolność człowieka do panowania nad swoimi impulsami. Ogólnie rzecz biorąc, w tej martwej naturze, podobnie jak w wielu innych „śniadaniach”, temat próżności i bezsensu ziemskich przyjemności rozgrywa się za pomocą przedmiotów.
Petera Claesa.
Martwa natura z grillem, śledziem, ostrygami i fajką. 1624
Większość obiektów przedstawionych w martwej naturze Petera Claesa to symbole erotyczne. Ostrygi, fajka, wino odnoszą się do krótkich i wątpliwych przyjemności cielesnych. Ale to tylko jedna z możliwości czytania martwej natury. Spójrzmy na te obrazy z innej perspektywy. Zatem muszle są symbolami kruchości ciała; fajka, za pomocą której nie tylko palili, ale także puszczali bańki mydlane, jest symbolem nagłości śmierci. Współczesny Claesowi, holenderski poeta Willem Godschalk van Fockenborch, napisał w swoim wierszu „Moja nadzieja jest dymem”:
Jak widać, bycie jest jak palenie fajki,
I naprawdę nie wiem, jaka jest różnica:
Jeden to po prostu wiatr, drugi to tylko dym.
Temat przemijania ludzkiej egzystencji zostaje skontrastowany z nieśmiertelnością duszy, a oznaki słabości okazują się nagle symbolami zbawienia. Chleb i kieliszek wina w tle kojarzą się z Ciałem i Krwią Jezusa i wskazują na sakrament sakramentu. Śledź – kolejny symbol Chrystusa – kojarzy nam się z postem i wielkopostnym jedzeniem. A otwarte muszle z ostrygami mogą zmienić swoje negatywne znaczenie na dokładnie odwrotne, oznaczające duszę ludzką oddzieloną od ciała i gotową do wejścia w życie wieczne.
Różne poziomy interpretacji obiektów subtelnie mówią widzowi, że człowiek zawsze ma swobodę wyboru między tym, co duchowe i wieczne, a tym, co ziemskie, przemijające.
Vanitas, czyli martwa natura „naukowca”.
Gatunek tak zwanej „naukowej” martwej natury nazwano vanitas - w tłumaczeniu z łaciny oznacza „próżność marności”, innymi słowy - „memento mori” („pamiętaj o śmierci”). To najbardziej intelektualny rodzaj martwej natury, alegoria wieczności sztuki, kruchości ziemskiej chwały i życia ludzkiego
Juriana van Strecka.
Marność nad marnościami. 1670
Miecz i hełm z luksusowym pióropuszem na obrazie Juriana van Strecka wskazują na ulotność ziemskiej chwały. Róg myśliwski symbolizuje bogactwo, którego nie można zabrać ze sobą w inne życie. W „naukowych” martwych naturach często pojawiają się wizerunki otwartych książek lub beztrosko leżących papierów z napisami. Nie tylko zachęcają do myślenia o przedstawionych przedmiotach, ale także pozwalają wykorzystać je zgodnie z ich przeznaczeniem: czytać otwarte strony lub odtwarzać muzykę zapisaną w notatniku. Van Streck przedstawił szkic głowy chłopca i otwartą księgę: to tragedia Sofoklesa Elektra, przetłumaczona na język niderlandzki. Obrazy te wskazują, że sztuka jest wieczna. Ale strony książki są pogięte, a rysunek pomarszczony. Są to oznaki początku zepsucia, sugerujące, że po śmierci nawet sztuka nie będzie przydatna. Czaszka mówi także o nieuchronności śmierci, ale owinięty wokół niej kłos chleba symbolizuje nadzieję zmartwychwstania i życia wiecznego. DO połowa XVII wieku wieków czaszka spleciona z kłosem zboża lub zimozielonym bluszczem stanie się obowiązkowym tematem przedstawień w martwych naturach w stylu vanitas.
Willema Claesa Heddy. Martwa natura z ciastem, 1627
„Złotym” wiekiem martwej natury był wiek XVII, kiedy to ostatecznie ukształtowała się ona jako samodzielny gatunek malarstwa, zwłaszcza w twórczości Holendrów i artyści flamandzcy. Jednocześnie termin „ciche, zamrożone życie” (holenderski Stilleven, niemiecki Stilleben, angielski Still-life) zdawał się oznaczać martwe natury. Pierwsze „stillevens” miały prostą fabułę, ale już wtedy przedstawione na nich przedmioty niosły ze sobą także ładunek semantyczny: chleb, kieliszek wina, ryba – symbole Chrystusa, nóż – symbol ofiary, cytryna – symbol nieugaszone pragnienie; orzechy w łupinie - dusza spętana grzechem; jabłko przypomina jesień.
Stopniowo język symboliczny obrazu stawał się bogatszy.
Franciscus Geysbrechts, XVII wiek.
Znalezione na płótnach symbole miały przypominać o kruchości ludzkiego życia i przemijaniu przyjemności i osiągnięć:
Czaszka przypomina o nieuchronności śmierci.
Zgniłe owoce są symbolem starzenia się.
Dojrzałe owoce symbolizują płodność, obfitość, w przenośni bogactwo i dobrobyt.
Wiele owoców ma swoje znaczenie: jesień reprezentują gruszki, pomidory, owoce cytrusowe, winogrona, brzoskwinie i wiśnie oraz oczywiście jabłko. Figi, śliwki, wiśnie, jabłka czy brzoskwinie mają konotacje erotyczne.
Kiełki zbóż, gałęzie bluszczu czy wawrzynu (rzadko) są symbolem odrodzenia i cyklu życia.
Muszle morskie, czasem żywe ślimaki - muszla mięczaka to pozostałość po niegdyś żyjącym zwierzęciu, oznacza śmierć i śmiertelność.
Pełzający ślimak jest uosobieniem grzechu śmiertelnego lenistwa.
Duże małże oznaczają dwoistość natury, symbol pożądania, kolejny z grzechów głównych.
Bańki mydlane – krótkość życia i nagłość śmierci; nawiązanie do wyrażenia homo bulla – „człowiek jest bańką mydlaną”.
Dogasająca, dymiąca świeca (żużel) lub lampa oliwna; czapka do gaszenia świec - płonąca świeca jest symbolem duszy ludzkiej, jej zgaszenie symbolizuje odejście.
Stan nietrzeźwy, karty do gry lub kości, szachy (rzadko) - znak błędnego celu życiowego, poszukiwania przyjemności i grzesznego życia. Równość szans w hazard oznaczało także karygodną anonimowość.
Fajka jest symbolem ulotnych i nieuchwytnych ziemskich przyjemności.
Maska karnawałowa jest oznaką nieobecności w niej osoby. Przeznaczony również na świąteczną maskaradę, nieodpowiedzialną przyjemność.
Lustra, szklane (lustrzane) kule - lustro jest symbolem próżności, ponadto jest także oznaką odbicia, cienia, a nie rzeczywistym zjawiskiem.
Beyeren. Martwa natura z homarem, 1667
Rozbite naczynia, zwykle szklane szklanki. Pusta szklanka w porównaniu do pełnej symbolizuje śmierć.
Szkło symbolizuje kruchość, śnieżnobiała porcelana symbolizuje czystość.
Moździerz i tłuczek są symbolami męskiej i żeńskiej seksualności.
Butelka jest symbolem grzechu pijaństwa.
Nóż przypomina nam o ludzkiej wrażliwości i śmiertelności.
Klepsydry i zegarki mechaniczne - przemijanie czasu.
Instrumenty muzyczne, notatki - zwięzłość i ulotność życia, symbol sztuki.
Książki i mapy geograficzne (mappa mundi), pióro do pisania to symbol nauki. Kula ziemska, zarówno ziemia, jak i gwiaździste niebo.
Paleta z frędzlami, wieniec laurowy (zazwyczaj na głowie czaszki) to symbole malarstwa i poezji.
Litery symbolizują relacje międzyludzkie.
Przyrządy medyczne przypominają o chorobach i słabościach ludzkiego ciała.
Portfele z monetami, pudełka z biżuterią - biżuterią i kosmetykami mają na celu kreować piękno, kobiecą atrakcyjność, jednocześnie kojarzą się z próżnością, narcyzmem i grzechem śmiertelnym arogancji. Sygnalizują także nieobecność ich właścicieli na płótnie.
Broń i zbroja są symbolem mocy i potęgi, oznaczeniem tego, czego nie można zabrać ze sobą do grobu.
Korony i tiary papieskie, berła i kule, wieńce z liści są oznakami przejściowej ziemskiej dominacji, sprzeciwiającej się niebiańskiemu porządkowi świata. Podobnie jak maski symbolizują nieobecność tych, którzy je nosili.
Klucze - symbolizują władzę gospodyni domowej zarządzającej zapasami.
Ruiny symbolizują przejściowe życie tych, którzy kiedyś je zamieszkiwali.
Martwe natury często przedstawiały owady, ptaki i zwierzęta. Na przykład muchy i pająki uważano za symbole skąpstwa i zła, natomiast jaszczurki i węże za symbole oszustwa. Raki lub homary reprezentowały przeciwności losu lub mądrość.
Aleja Jacques’a Andre Josepha. Około 1670 r.
Księgą jest tragedia Sofoklesa „Elektra” – w tym przypadku symbol jest wielowartościowy. Umieszczając go w kompozycji, artysta przypomina o nieuchronności odpłaty za każdą zbrodnię, nie na ziemi, ale w niebie, gdyż właśnie ta myśl przenika tragedię. Motyw antyczny w takich martwych naturach często symbolizował ciągłość sztuki. NA strona tytułowa kryje się nazwisko tłumacza, słynnego holenderskiego poety Joosta van den Vondela, którego dzieła dotyczące starożytności i historie biblijne były tak aktualne, że był nawet prześladowany. Mało prawdopodobne, aby artysta umieścił Vondela przez przypadek – niewykluczone, że mówiąc o marności świata, postanowił wspomnieć o marności władzy.
Miecz i hełm są symbolem przejściowej chwały wojskowej.
Biało-czerwony pióropusz stanowi kompozycyjne centrum obrazu. Pióra zawsze oznaczają marność i marność. Obraz datowany jest na podstawie hełmu z pióropuszem. Lodewijk van der Helst przedstawił go w takim hełmie na swoim pośmiertnym portrecie admirała Stirlingwerfa w 1670 roku. Hełm admirała jest obecny w kilku kolejnych martwych naturach van Strecka.
Portret sangwinika. W przeciwieństwie do oleju, sangwina jest bardzo słabo zachowana, podobnie jak papier w przeciwieństwie do płótna. Arkusz ten mówi o daremności wysiłków artysty; postrzępione i podarte krawędzie mają tylko utwierdzić tę myśl.
Złota grzywka to marność luksusu.
Czaszka - w kultura starożytna atrybut Kronosa (Saturna), czyli symbol czasu. Koło fortuny zostało również przedstawione z czaszką. Dla chrześcijan jest to oznaka światowej próżności, mentalnej kontemplacji śmierci, cecha życia pustelniczego. Razem z nim przedstawieni byli św. Franciszek z Asyżu, św. Hieronim, Maria Magdalena i apostoł Paweł. Czaszka jest także symbolem życia wiecznego Chrystusa ukrzyżowanego na Kalwarii, gdzie według legendy pochowano czaszkę Adama. Ucho owinięte wokół czaszki jest symbolem nieśmiertelności duszy („Ja jestem chlebem życia” – J 6,48), nadziei na życie wieczne.
Stos starych papierów to marność wiedzy.
Róg prochowy na łańcuszku to bardzo charakterystyczny przedmiot Holenderska martwa natura. Tutaj najwyraźniej należy to interpretować jako coś, co przynosi śmierć, w przeciwieństwie do róg obfitości
Adrian van Utrecht „Vanitas”. 1642.
konwalie, fiołki, niezapominajki otoczone różami, goździkami, zawilcami - symbole skromności i czystości;
duży kwiat pośrodku kompozycji to „korona cnót”;
pokruszone płatki w pobliżu wazonu są oznaką słabości;
zwiędły kwiat jest oznaką zniknięcia uczuć;
irysy są znakiem Najświętszej Maryi Panny;
białe róże – miłość platoniczna i symbol czystości;
czerwone róże są symbolem namiętnej miłości i symbolem Najświętszej Maryi Panny;
czerwone kwiaty są symbolem odkupieńczej ofiary Chrystusa;
Biała lilia to nie tylko piękny kwiat, ale także symbol czystości Dziewicy Maryi;
niebieski i niebieskie kwiaty– przypomnienie niebiańskiego lazuru;
oset jest symbolem zła;
goździk - symbol przelanej krwi Chrystusa;
mak – alegoria snu, zapomnienia, symbol jednego z grzechów głównych – lenistwa;
zawilec - pomoc w chorobie;
tulipany - symbol szybko zanikającego piękna; uprawa tych kwiatów była uważana za jedno z najbardziej próżnych i daremnych zajęć; tulipan symbolizował także miłość, współczucie, wzajemne zrozumienie; biały tulipan - fałszywa miłość, czerwony tulipan - namiętna miłość (w Europie i Ameryce tulipan kojarzy się z wiosną, światłem, życiem, kolorami i jest uważany za przytulny, gościnny kwiat ; w Iranie, Turcji i innych krajach Wschodu tulipan kojarzony jest z uczuciami miłości i erotyzmu).
Pojawienie się gatunku „martwa natura” w Holandii jest darem protestantyzmu. W czasach katolickich głównym odbiorcą artystów był Kościół, a malarstwo ograniczało się oczywiście do tematów religijnych i budujących. Kalwinizm nie uznawał ikon i sztuki kościelnej w ogóle. Malarze poszukiwali nowego rynku zbytu i znaleźli go w domach karczmarzy, kupców i rolników.
W Holandii obrazy przedstawiające przedmioty nazywano „stilleven”, co można przetłumaczyć zarówno jako „martwa natura, model”, jak i „ spokojne życie", co bardzo trafnie oddaje specyfikę holenderskiej martwej natury.
Uwaga artystów skierowała się z nieba na ziemię; teraz nie były one zainteresowane pobożnymi refleksjami, ale dokładnym studiowaniem szczegółów świata materialnego. Ale w Stworzeniu szukali Stwórcy.
„Pan dał nam dwie księgi: księgę Pisma Świętego i księgę stworzenia. Z pierwszego dowiadujemy się o Jego miłosierdziu jako Zbawiciela, z drugiego – o wielkości Stwórcy” – pisał średniowieczny filozof Alan z Lille. Stworzenie uczestniczy także w historii zbawienia: człowiek upadł przez jabłko, a przez chleb i wino odzyskuje zbawienie. Symbolika zawarta w obrazie również pozostaje z poprzednich tradycji.
Pierwsze jeszcze nawet są proste – chleb, kieliszek wina, owoce, ryba, bekon. Ale wszystkie znajdujące się w nich przedmioty są symboliczne: ryba jest symbolem Jezusa Chrystusa; mięso - śmiertelne mięso; nóż jest symbolem poświęcenia; cytryna jest symbolem niezaspokojonego pragnienia; kilka orzechów w łupinie - dusza związana grzechem; jabłko przypomina Upadek; wino lub winogrona są symbolem Krwi; chleb jest symbolem Ciała Chrystusa. Owady, ludzkie czaszki, potłuczone naczynia i martwa zwierzyna, często obecne w kompozycjach obrazów, przypominają o kruchości ziemskiej egzystencji. Muszla to muszla pozostawiona przez istotę, która kiedyś w niej żyła; zwiędłe kwiaty są symbolem śmierci. Motyl zrodzony z kokonu oznacza zmartwychwstanie.
W wyniku działalności Holenderskiej Kompanii Wschodnioindyjskiej, która wyposażała statki handlowe na Daleki Wschód, w holenderskich sklepach sprzedawano przyprawy, chińską porcelanę, jedwab i inne egzotyczne towary. Ponadto na Przylądku Dobrej Nadziei, w Indonezji, Surinamie, na Antylach i w całej Azji powstały kolonie holenderskie. Kolonie wzbogaciły kraj, a martwe natury zaczęto wypełniać ziemskim bogactwem: obrusami dywanowymi, srebrnymi kielichami, macicą perłową. Proste jedzenie zastąpiono ostrygami, szynką, egzotyczne owoce. Symbolika ustępuje miejsca naiwnemu podziwowi dla stworzenia ludzkich rąk.
Cechą malarstwa holenderskiego była specjalizacja artystów według gatunku. W obrębie gatunku martwej natury istniał nawet podział na osobne tematy, a poszczególne miasta miały swoje ulubione rodzaje martwej natury, a jeśli malarzowi zdarzyło się przenieść do innego miasta, często radykalnie zmieniał swoją sztukę i zaczynał malować te odmiany gatunku, który był tam popularny.
Haarlem stał się kolebką najbardziej charakterystycznego rodzaju holenderskiej martwej natury – „śniadania”. Obrazy Petera Claesa przedstawiają nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Blaszany talerz, śledź lub szynka, bułka, kieliszek wina, zmięta serwetka, cytryna lub gałązka winogron, sztućce – skromny i precyzyjny dobór elementów sprawia wrażenie zastawionego stołu dla jednej osoby.
Na obecność osoby wskazuje „malowniczy” nieład wprowadzony do układu rzeczy i atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana poprzez transmisję środowiska świetlno-powietrznego. Dominujący szarobrązowy odcień łączy obiekty w jeden obraz, a sama martwa natura staje się odzwierciedleniem indywidualnych gustów i stylu życia danej osoby.
Inny mieszkaniec Haarlemu, Willem Heda, działał w tym samym duchu co Klas. Kolorystyka jego obrazów jest nadal w większym stopniu podporządkowana jedności tonalnej, dominuje w niej szaro-srebrny ton, podkreślony wizerunkiem srebrnych lub cynowych naczyń. Dla tej kolorowej powściągliwości obrazy zaczęto nazywać „monochromatycznymi śniadaniami”.
W Utrechcie rozwinęła się bujna i elegancka martwa natura kwiatowa. Jej głównymi przedstawicielami są Jan Davids de Heem, Justus van Huysum i jego syn Jan van Huysum, który szczególnie zasłynął dzięki starannemu pisaniu i jasnej kolorystyce.
Uniwersytet w Lejdzie stworzył i udoskonalił rodzaj filozoficznej martwej natury „vanitas” (marność nad marnościami). Na obrazach Harmena van Steenwijka i Jana Davidsa de Heema przedmioty uosabiające ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty sztuki, cenne naczynia) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce) zestawione są z czaszką lub klepsydrą dla przypomnienia o przemijaniu życia.
W połowie stulecia temat skromnych „śniadań” w twórczości Willema van Elsta, Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena przekształcił się w luksusowe „bankiety” i „desery”. Złocone kielichy, chińska porcelana i fajans z Delft, dywanowy obrus, południowe owoce podkreślają zamiłowanie do wdzięku i bogactwa, które zadomowiło się w społeczeństwie holenderskim w połowie stulecia. W związku z tym „monochromatyczne” śniadania zastępowane są soczystym, bogatym kolorystycznie, złoto-ciepłym smakiem.
Holenderscy artyści osiągnęli wielkie osiągnięcia w tworzeniu sztuki o realistycznym kierunku, w naturalny sposób przedstawiającej rzeczywistość, właśnie dlatego, że na taką sztukę było zapotrzebowanie w społeczeństwie holenderskim.
Dla Holenderscy artyści malarstwo sztalugowe odgrywało ważną rolę w sztuce. Płótna Holendrów tego czasu nie mają takich samych wymiarów jak dzieła Rubensa i raczej rozwiązują zadania nie monumentalno-dekoracyjne; klientami holenderskich malarzy byli wysłannicy rządzącego kierownictwa organizacji, ale także drugiej klasy - mieszczanie i rzemieślnicy.
Jedną z głównych trosk holenderskich malarzy był człowiek i środowisko. Głównym miejscem w malarstwie holenderskim było gatunek codzienny oraz portret, pejzaż i martwa natura. Im lepiej malarze bezstronnie i dogłębnie przedstawiali świat przyrody, tym liczniejsze były znaczące i wymagające tematy ich twórczości.
malarze holenderscy Wykonywali prace na sprzedaż, a swoje obrazy sprzedawali na jarmarkach. Ich prace kupowali głównie ludzie z m.in górne warstwy społeczeństwo zamożnych chłopów, rzemieślników, kupców, właścicieli fabryk. Zwykłych ludzi nie było na to stać, dlatego z przyjemnością oglądali i podziwiali obrazy. Ogólny układ sztuki w jej rozkwicie XVII wiek, pozbawiony tak potężnych konsumentów, jak dwór, szlachta i kościół.
Prace powstały w niewielkim formacie, dostosowanym do skromnego i niezbyt dużych rozmiarów wyposażenia holenderskich domów. Jedną z ulubionych rozrywek Holendrów było malarstwo sztalugowe, ponieważ był otwarty na odzwierciedlenie rzeczywistości działań z dużą wiarygodnością i na różne sposoby. Obrazy Holendrów przedstawiały bliską im rzeczywistość ich kraju; chcieli zobaczyć to, co było im dobrze znane – morze i statki, przyrodę ich ziemi, ich dom, przebieg codziennego życia, rzeczy. które otaczały ich wszędzie.
Jedna ważna atrakcja w nauce środowisko pojawiły się w malarstwie holenderskim w tak naturalnych formach i z tak wyraźną ciągłością, jak nigdzie indziej w sztuce holenderskiej tamtych czasów. W związku z tym związana jest również głębia jego skali: powstały w nim portrety i pejzaże, martwe natury i gatunki życia codziennego. Kilka z nich, martwa natura i malarstwo codzienne, jako pierwsze pojawiły się w Holandii w dojrzałych formach i rozkwitły do tego stopnia, że stały się jedynym przykładem tego gatunku.
W pierwszych dwóch dekadach wyraźnie ujawnia się główna tendencja poszukiwań głównych artystów holenderskich, przeciwstawiająca się właściwym nurtom artystycznym – dążenie do wiernego odwzorowania rzeczywistości, do trafności jej wyrazu. Nie przez przypadek holenderscy artyści zainteresowali się sztuką Caravaggia. Działalność tzw. utrechckich karawagistów – G. Honthorsta, H. Terbruggena, D. Van Baburena – ukazała wpływ na holenderską kulturę artystyczną.
Malarze holenderscy tworzyli w latach 20. - 30. XVII wieku widok główny odpowiedni obraz drobnofigurowy przedstawiający sceny z życia zwykłych chłopów i ich codziennych zajęć. W latach 40. - 50 malowanie domu to jeden z głównych gatunków, którego twórcy w historii zyskali miano „małego Holendra” – czy to ze względu na prostotę fabuły, czy też z powodu niewielkich rozmiarów obrazów, a może z obu powodów. Wizerunki chłopów na obrazach przesiąknięte są cechami dobrodusznego humoru Adriana van Ostade. Był demokratycznym pisarzem życia codziennego i gawędziarzem zabawnym. Jana Steena.
Jednym z najważniejszych malarzy portretowych Holandii, twórcą holenderskiego portretu realistycznego był Franza Halsa. Swoją sławę przyniosły mu zbiorowe portrety cechów strzeleckich, w których wyrażał ideały młodej republiki, poczucie wolności, równości i koleżeństwa.
Szczyt kreatywności Realizm holenderski Jest Harmensa van Rijna Rembrandta, wyróżniająca się niezwykłą żywotnością i emocjonalnością, głębokim człowieczeństwem obrazów i dużą rozpiętością tematyczną. Malował obrazy historyczne, biblijne, mitologiczne i codzienne, portrety i pejzaże, był jednym z największych mistrzów akwaforty i rysunku. Ale niezależnie od techniki, jaką stosował, w centrum jego uwagi zawsze znajdowała się osoba, jej wewnętrzny świat. Często odnajdywał swoich bohaterów wśród holenderskiej biedoty. W swoich pracach Rembrandt łączył siłę i penetrację cechy psychologiczne z wyjątkowym kunsztem malarskim, w którym najważniejszego znaczenia nabierają schludne tony światłocienia.
W pierwszej tercji XVII w. ukształtowały się poglądy na holenderski pejzaż realistyczny, który rozkwitł w połowie stulecia. Pejzaż holenderskich mistrzów to nie przyroda w ogóle, jak na obrazach klasycystów, ale krajobraz narodowy, specyficznie holenderski: wiatraki, pustynne wydmy, kanały, po których latem pływają łódki, a zimą łyżwiarze. Artyści starali się oddać atmosferę pory roku, wilgotnego powietrza i przestrzeni.
Martwa natura żywo rozwinęła się w malarstwie holenderskim i wyróżnia się niewielkimi rozmiarami i charakterem. Petera Claesa I Willema Hedę najczęściej przedstawiały tzw. śniadania: dania z szynką lub pasztetem na stosunkowo skromnie podanym stole. Niedawna obecność człowieka jest wyczuwalna w nieładzie i naturalności, z jaką ułożone są rzeczy, które mu właśnie służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana. W umiejętnym ułożeniu przedmioty są pokazane w taki sposób, że można poczuć wewnętrzne życie rzeczy, nie bez powodu Holendrzy nazywają martwą naturę „still leven” - „ciche życie”, a nie „nature morte” - „ martwa natura”.
Martwa natura. Petera Claesa i Willema Hedy
Subtelność i prawdziwość w odtwarzaniu rzeczywistości łączą holenderscy mistrzowie z bystry zmysł piękno ujawniające się w każdym jego zjawisku, nawet tym najbardziej niepozornym i codziennym. Ta cecha holenderskiego geniuszu artystycznego objawiła się chyba najwyraźniej w martwej naturze; nieprzypadkowo ten gatunek był ulubieńcem Holandii.
Holendrzy nazywali martwą naturę „stilleven”, co oznacza „spokojne życie” i słowo to nieporównywalnie trafniej wyraża znaczenie, jakie malarze holenderscy nadawali obrazowaniu rzeczy niż „nature morte” – martwa natura. W przedmiotach nieożywionych dostrzegli szczególne, ukryte życie związane z życiem człowieka, jego sposobem życia, przyzwyczajeniami i upodobaniami. Malarze holenderscy stworzyli wrażenie naturalnego „bałaganu” w układzie rzeczy: pokazali pokrojony placek, obraną cytrynę ze skórką zwisającą spiralnie, niedokończony kieliszek wina, płonącą świecę, otwartą książkę – zawsze się wydaje że ktoś dotknął tych przedmiotów, po prostu ich użył, zawsze odczuwa się niewidzialną obecność osoby.
Czołowi mistrzowie holenderskiej martwej natury połowa XVII stulecia byli Pieter Claes (1597/98-1661) i Willem Heda (1594-ok. 1680). Ulubionym motywem ich martwych natur są tzw. „śniadania”. W „Śniadaniu z homarem” V. Khedy przedmioty o różnych kształtach i materiałach – dzbanek do kawy, szklanka, cytryna, gliniane naczynie, srebrny talerz itp. – zostają ze sobą porównane w taki sposób, aby ujawnić cechy i atrakcyjność każdego z nich. Używając różnorodnych technik, Heda doskonale oddaje materiał i specyfikę ich faktury; Tym samym odbicia światła grają inaczej na powierzchni szkła i metalu: na szkle - jasne, o ostrych konturach, na metalu - blade, matowe, na złoconym szkle - błyszczące, jasne. Wszystkie elementy kompozycji łączy światło i kolor - szaro-zielona kolorystyka.
W „Martwej naturze ze świecą” P. Klassa niezwykła jest nie tylko trafność odwzorowania walorów materialnych przedmiotów – kompozycja i oświetlenie nadają im dużej wyrazistości emocjonalnej.
Martwe natury Klassa i Khedy przepełnione są szczególnym nastrojem zbliżającym się do siebie – jest to nastrój intymności i komfortu, rodzący ideę ugruntowanego i spokojnego życia mieszczańskiego domu , gdzie króluje dobrobyt i gdzie we wszystkim odczuwa się troskę ludzkie ręce i uważne oczy właściciela. Malarze holenderscy potwierdzają estetyczną wartość rzeczy, a martwa natura niejako pośrednio gloryfikuje sposób życia, z którym ich istnienie jest nierozerwalnie związane. Dlatego można go uznać za jeden z artystyczne ucieleśnienia ważny temat sztuki holenderskiej - temat życia osoby prywatnej. Główną decyzję otrzymała w r obraz gatunkowy.[&&] Rotenberg I. E. Sztuka zachodnioeuropejska XVII wieku. Moskwa, 1971;
W drugiej połowie XVII wieku w społeczeństwie holenderskim zaszły zmiany: wzrosło pragnienie burżuazji wobec arystokracji. Skromne „Śniadania” Klasa i Hedy ustępują miejsca bogatym „deserom” Abrahama van Beijerna I Willema Kalfa, na które składały się efektowne naczynia gliniane, naczynia srebrne, cenne kielichy i muszle w martwych naturach. Struktury kompozycyjne stają się bardziej złożone, a kolory bardziej dekoracyjne. W konsekwencji martwa natura traci swoją demokrację, intymność, duchowość i poezję. Zamienia się w wspaniałą dekorację domów wysokiej rangi klientów. Mimo całej swojej dekoracyjności i kunsztu wykonania, późne martwe natury zapowiadają upadek wielkiego holenderskiego malarstwa realistycznego, który rozpoczął się na początku XVIII wieku i był spowodowany degeneracją społeczną holenderskiej burżuazji w ostatniej tercji XVII wieku. wieku, rozprzestrzenianie się nowych trendów w sztuce związanych z pociąganiem burżuazji do gustów francuskiej szlachty. Sztuka holenderska traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy, traci swoją tożsamość narodową i wkracza w okres długiego upadku.
Martwa natura („Stilleven” – po niderlandzku „ciche życie”) – to wyjątkowa i dość popularna gałąź malarstwa holenderskiego. Holenderskie malarstwo martwej natury z XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją holenderskich mistrzów w tym gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” zwykle obejmuje różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – zabite ptaki i zwierzynę łowną. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i śpiących, różnych ptaków – to tylko niektóre z najbardziej znane tematy martwe natury. Łącznie te poszczególne tematy charakteryzują żywe zainteresowanie Holendrów tematyką życia codziennego, ulubionymi zajęciami i zamiłowaniem do egzotyki odległych krain (w kompozycjach pojawiają się dziwaczne muszle i owoce). Często w pracach z motywami „żywej” i „martwej” natury pojawia się podtekst symboliczny, łatwo zrozumiały dla wykształconego widza XVII wieku.
Zatem zestawienie poszczególnych przedmiotów mogłoby służyć jako wskazówka kruchości ziemskiej egzystencji: więdnące róże, kadzielnica, świeca, zegar; lub związane z nawykami potępionymi przez moralność: drzazgi, fajki; lub wskazywał na romans; pisanie, instrumenty muzyczne, kocioł. Nie ulega wątpliwości, że znaczenie tych kompozycji jest znacznie szersze niż ich treść symboliczna.
Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim swoje ekspresja artystyczna, pełnia, zdolność do objawienia życia duchowego obiektywny świat. Preferując obrazy wielkoformatowe, z dużą ilością wszelkiego rodzaju obiektów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do jak największej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej.
Martwa natura to jeden z gatunków, w którym szczególnie wyraźnie ujawniły się holenderskie cechy narodowe. Martwe natury przedstawiające skromne naczynia, tak powszechne w malarstwie holenderskim i bardzo rzadkie w malarstwie flamandzkim, czy martwe natury z przedmiotami gospodarstwa domowego klas zamożnych. Martwe natury Pietera Claesa i Willema Hedy, spowijane zimnym, rozproszonym światłem, o niemal monochromatycznej kolorystyce, czy późniejsze martwe natury Willema Kalfa, gdzie, zgodnie z wolą artysty, złote oświetlenie ożywia formy i żywe kolory przedmioty ze zmierzchu. Wszystkie charakteryzują się wspólnymi cechami narodowymi, które nie pozwolą na pomieszanie ich z malarstwem innej szkoły, w tym pokrewnej flamandzkiej. W holenderskiej martwej naturze zawsze panuje spokój kontemplacyjny i szczególna miłość do renderowania prawdziwe formy namacalny świat materialny.
De Heem zyskał światowe uznanie dzięki swoim wspaniałym obrazom kwiatów i owoców. Połączył szczegółowość obrazu w najdrobniejszych szczegółach z genialnym doborem kolorów i wyrafinowanym smakiem kompozycji. Malował kwiaty w bukietach i wazonach, w których często fruwały motyle i owady, wianki z kwiatów w niszach, okna i wizerunki Madonn w szarościach, girlandy z owoców, martwe natury z kieliszkami wypełnionymi winem, winogronami i innymi owocami i przetworami. Hem po mistrzowsku wykorzystał możliwości koloru i osiągnął wysoki stopień przezroczystości; jego obrazy przyrody nieożywionej są całkowicie realistyczne. Jego obrazy znajdują się w prawie wszystkich ważniejszych galeriach sztuki. Malarstwo martwej natury, które wyróżniało się swoim charakterem, rozpowszechniło się w XVII-wiecznej Holandii. Holenderscy artyści wybierali do swoich martwych natur szeroką gamę obiektów, wiedzieli, jak je idealnie zaaranżować, ujawnić cechy charakterystyczne każdego przedmiotu i jego życie wewnętrzne nierozerwalnie związane z życiem człowieka. XVII-wieczni malarze holenderscy Pieter Claes (ok. 1597 - 1661) i Willem Heda (1594 - 1680/1682) malowali liczne wersje „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, ciasta z jeżynami, kruche szklane kieliszki do połowy wypełnione winem na stole stół, z niesamowitą umiejętnością oddania koloru, objętości i faktury każdego przedmiotu. Niedawna obecność danej osoby jest zauważalna w nieładzie, przypadkowości układu rzeczy, które właśnie jej służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest ściśle przemyślana i znaleziona. Powściągliwy szarawo-złoty, oliwkowy zakres tonalny łączy obiekty i nadaje szczególne brzmienie czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękkiego jedwabiu niebieskiej wstążki. Z biegiem czasu „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Claesa i Hedy ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beyerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beyerena są surowe pod względem kompozycji, bogate emocjonalnie i kolorowe. Przez całe życie Willem Kalf malował w sposób swobodny i demokratyczne „kuchnie” – garnki, warzywa i arystokratyczne martwe natury, dobierając wykwintne przedmioty szlachetne, pełne powściągliwej szlachetności, jak srebrne naczynia, filiżanki, muszle nasycone wewnętrznym spalaniem zabarwienie. W dalszy rozwój martwa natura podąża tymi samymi ścieżkami, co wszyscy inni Sztuka holenderska, tracąc swoją demokrację, swoją duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura staje się ozdobą domu wysoko postawionych klientów. Mimo całej swojej dekoracyjności i umiejętnego wykonania, późne martwe natury zapowiadają upadek malarstwa holenderskiego. Degeneracja społeczna i dobrze znana arystokratyzacja mieszczaństwa holenderskiego w ostatniej tercji XVII w. dały początek tendencji do zbieżności z poglądami estetycznymi szlachty francuskiej, prowadzącej do idealizacji obrazów artystycznych i ich redukcji. Sztuka traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy i wkracza w okres długotrwałego upadku. Poważnie wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i głównego ośrodka artystycznego.
Willem Heda (ok. 1594 - ok. 1682) był jednym z pierwszych mistrzów holenderskiego malarstwa martwej natury XVII w., którego twórczość była wysoko ceniona przez współczesnych. Szczególnie popularny w Holandii był ten rodzaj malarstwa zwany „śniadaniem”. Stworzono je z myślą o każdym guście: od bogatych po skromniejsze. Obraz „Śniadanie z krabem” wyróżnia się nietypowym dla holenderskiej martwej natury charakterem. duży rozmiar(Załącznik I). Ogólna kolorystyka pracy jest zimna, srebrno-szara z kilkoma różowawymi i brązowymi plamami. Kheda znakomicie przedstawiła nakryty stół, na którym w starannie przemyślany nieład ułożone są składniki śniadania. Na talerzu leży krab, przedstawiony ze wszystkimi jego osobliwościami, obok niego żółknąca cytryna, której wdzięcznie wycięta skórka, zwinięta, zwisa. Po prawej zielone oliwki i pyszna bułka ze złotą skórką. Szklane i metalowe naczynia dodają martwej naturze solidności, a ich kolor niemal zlewa się z całością.
Niesamowite zjawisko w historii światowej sztuki pięknej miało miejsce w Europie Północnej w XVII wieku. Nazywana jest holenderską martwą naturą i uważana za jedno z najwybitniejszych dzieł malarstwa olejnego.
Koneserzy i profesjonaliści żywią głębokie przekonanie, że w historii sztuki nie widziano nigdy tak wielu wspaniałych mistrzów, którzy dysponowali najwyższą technologią i stworzyli tak wiele arcydzieł światowej klasy, żyjąc na niewielkim skrawku kontynentu europejskiego.
Nowe znaczenie zawodu artysty
Szczególne znaczenie, jakie zawód artysty nabył w Holandii od początku XVII wieku, było wynikiem pojawienia się, po pierwszych rewolucjach antyfeudalnych, początków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy ludności miejskiej mieszczanie i zamożni chłopi. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy ukształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderska martwa natura stała się poszukiwanym produktem na wschodzącym rynku.
Na północnych ziemiach Holandii najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne ruchy chrześcijaństwa, które zrodziły się w walce z katolicyzmem. Ta okoliczność między innymi sprawiła, że martwa natura Holendrów stała się głównym gatunkiem całych cechów artystycznych. Duchowi przywódcy protestantyzmu, zwłaszcza kalwiniści, zaprzeczali zbawiającemu duszę znaczeniu rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, a nawet wyrzucili muzykę ze sztuki. kościoła, co zmusiło malarzy do poszukiwania nowych tematów.
W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływami katolickimi, sztuki piękne rozwijały się według różnych praw, ale bliskość terytorialna powodowała nieuniknione wzajemne oddziaływanie. Naukowcy - historycy sztuki - odnajdują wiele, co łączy martwą naturę holenderską i flamandzką, zwracając uwagę na ich nieodłączne zasadnicze różnice i unikalne cechy.
Wczesna martwa natura kwiatowa
„Czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku, przybiera szczególne formy w Holandii i symboliczne imię„spokojne życie” – wciążrówne. Holenderska martwa natura pod wieloma względami była odzwierciedleniem prężnej działalności Kompanii Wschodnioindyjskiej, która sprowadzała ze Wschodu towary luksusowe, niespotykane wcześniej w Europie. Z Persji firma sprowadziła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii i to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych urzędów, sklepów i banków.
Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobro swoich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów i cebul tulipanów były tak zwanym produktem reklamy wizualnej: plakatami i broszurami. Dlatego holenderska martwa natura z kwiatami to przede wszystkim dokładne botanicznie przedstawienie kwiatów i owoców, a jednocześnie wypełnione wieloma symbolami i alegoriami. Są to najlepsze obrazy całych warsztatów, na których czele stoją Ambrosius Bosschaert Starszy, Jacob de Geyn Młodszy, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar i inni.
Nakrywamy stoły i śniadania
Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło uniknąć wpływu nowych stosunków społecznych i rozwoju gospodarczego. Holenderskie malarstwo martwej natury z XVII wieku było dochodowym towarem i organizowano duże warsztaty, aby „produkować” obrazy. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podłoże pod obrazy - deski lub płótno, gruntowali je, robili ramy itp. Zacięta konkurencja, jak u każdego relacje rynkowe, doprowadziło do podniesienia jakości martwych natur do bardzo wysokiego poziomu.
Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. Kompozycje kwiatowe malowano w wielu holenderskich miastach – Utrechcie, Delft, Hadze, jednak to właśnie Haarlem stał się ośrodkiem rozwoju martwych natur przedstawiających serwowane stoły, jedzenie i gotowe posiłki. Takie obrazy mogą mieć różną skalę i charakter, od skomplikowanych i wielotematycznych po lakoniczne. Pojawiły się „Śniadania” – martwe natury holenderskich artystów przedstawiające różne etapy posiłku. Przedstawiają obecność osoby w postaci okruchów, ugryzionych bułek itp. Opowiedzieli ciekawe historie, pełen aluzji i moralizujących symboli typowych dla ówczesnego malarstwa. Za szczególnie znaczące uważa się obrazy Nicholasa Gilliesa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Roelofa Cootsa i innych.
Tonalna martwa natura. Pietera Claesa i Willema Claesa Hedy
Dla współczesnych symbole wypełniające tradycyjną holenderską martwą naturę były istotne i zrozumiałe. Treść obrazów przypominała wielostronicowe książki i za to je szczególnie ceniono. Istnieje jednak koncepcja, która nie mniej imponuje zarówno nowoczesnym koneserom, jak i miłośnikom sztuki. Nazywa się to „tonalną martwą naturą”, a najważniejsze są w niej najwyższe umiejętności techniczne, niesamowicie wyrafinowany kolor, niesamowita umiejętność przekazywania subtelnych niuansów oświetlenia.
Cechy te są w pełni spójne z malarstwem dwóch czołowych mistrzów, których obrazy zaliczane są do najlepszych przykładów tonalnej martwej natury: Pietera Claesa i Willema Claesa Heeda. Wybrali kompozycje z niewielkiej liczby obiektów, pozbawionych jasne kolory i szczególna dekoracyjność, która nie przeszkodziła im w stworzeniu rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z biegiem czasu.
Próżność marności
Temat kruchości życia, równości przed śmiercią zarówno króla, jak i żebraka, był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. Natomiast w malarstwie znalazło to wyraz w obrazach przedstawiających sceny, w których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazywa się vanitas - od łacińskiego „marności nad marnościami”. Popularności martwych natur, na wzór traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Lejdzie.
Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu holenderskich mistrzów tamtych czasów: Jacoba de Geina Młodszego, Davida Geina, Harmena Steenwijka i innych. Najlepsze przykłady „vanitas” nie są prostymi opowieściami grozy, nie wywołują nieświadomej grozy, ale spokojna i mądra kontemplacja, wypełniona myślami o tym, co najważniejsze ważne kwestie istnienie.
Malowidła sztuczek
Obrazy są od późnego średniowiecza najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz, na którą mogła sobie pozwolić rosnąca populacja miast. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli pozwoliły im umiejętności, stworzyli „trompe l'oeil” lub „trompe l'oeil” z francuskiego trompe-l'oeil - złudzenie optyczne, że typowa holenderska martwa natura - kwiaty i owoce, jest martwa ptaki i ryby, czy przedmioty związane z nauką - książki, przyrządy optyczne itp. - zawierały całkowitą iluzję rzeczywistości. Książka, która wysunęła się z przestrzeni obrazu i zaraz spadnie, mucha, która wylądowała na wazon, który chcesz trzasnąć – typowy temat dla malarstwa-wabika.
Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu trompe l'oeil – Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych – często przedstawiają wbudowaną w ścianę niszę z półkami, na których znajduje się masa najróżniejszych rzeczy. Techniczny kunszt artysty w przekazywaniu faktur i powierzchni, światła i cienia był tak duży, że sama ręka sięgnęła po książkę lub szklankę.
Czas świetności i zachodu słońca
W połowie XVII wieku główne typy martwej natury na obrazach holenderskich mistrzów osiągnęły swój szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, ponieważ dobrobyt mieszczan rośnie, a bogate naczynia, cenne tkaniny i obfitość jedzenia nie wyglądają obco we wnętrzu miejskiej kamienicy lub bogatej wiejskiej posiadłości.
Obrazy powiększają się, zadziwiają różnorodnością faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to osiągnąć, tradycyjną holenderską martwą naturę - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - uzupełniają egzotyczne owady lub małe zwierzęta i ptaki. Oprócz tworzenia typowych alegorycznych skojarzeń, artysta często wprowadzał je po prostu dla pozytywnych emocji, aby zwiększyć komercyjną atrakcyjność fabuły.
Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reichals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzących czasów, gdy istotna stała się zwiększona dekoracyjność i tworzenie imponującego wrażenia.
Koniec złotego wieku
Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów dla malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, a sama koncepcja złotego wieku, jaką znało malarstwo holenderskie, odeszła do przeszłości. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących stron.