Wprowadzenie…………………………………………………………………………….3
1. Malarstwo jako forma sztuki…………………………………………….4
2. Rodzaj sztuki plastycznej – grafika……………………………4
3. Starożytna forma sztuki – rzeźba…………………...6
4.Architektura – sztuka projektowania i budowania………………………7
5. Główne kierunki i techniki sztuki współczesnej………..9
6. Sztuka kinetyczna………………………………………..14
Zakończenie…………………………………………………………….16
Lista referencji………………………………………………………...17
Wstęp
Pojęcie „sztuki” oznacza ogólnie twórczość artystyczną: literaturę, architekturę, rzeźbę, malarstwo, grafikę, sztukę dekoracyjną i użytkową, muzykę, taniec, teatr, kino i inne rodzaje działalności ludzkiej, połączone jako artystyczne i figuratywne formy refleksji rzeczywistość.
W historii estetyki istotę sztuki interpretowano jako naśladownictwo (mimesis), zmysłowy wyraz tego, co nadzmysłowe i tym podobne.
Estetyka traktuje sztukę jako formę świadomości społecznej, specyficzny rodzaj duchowego i praktycznego przyswajania świata, jako organiczną jedność twórczości, wiedzy, uznania i komunikacji międzyludzkiej, w wąskim znaczeniu – sztukę piękną, wysoki stopień umiejętności i mistrzostwo w dowolnej dziedzinie działalności człowieka.
Główne rodzaje sztuki: malarstwo, grafika, rzeźba, architektura, literatura, kino, teatr.
Rozważmy podstawowe pojęcia niektórych typów, trendów i technik współczesnej sztuki pięknej.
1. Malarstwo jako forma sztuki
Malarstwo to bardzo stara sztuka, która ewoluowała na przestrzeni wielu stuleci od malowideł naskalnych po najnowsze trendy w malarstwie XI wieku. Malarstwo ma szerokie możliwości realizacji idei od realizmu po abstrakcjonizm. W trakcie jego rozwoju zgromadzono ogromne skarby duchowe.
Pod koniec XIX-XX w. rozwój malarstwa staje się szczególnie złożony i sprzeczny. Różne ruchy realistyczne i modernistyczne zyskują prawo do istnienia.
Pojawia się malarstwo abstrakcyjne (awangardowe, abstrakcyjne, undergroundowe), które oznaczało odrzucenie figuratywności i aktywne wyrażanie osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalności i umowności koloru, przesady i geometryzacji form, dekoracyjności i asocjatywność rozwiązań kompozycyjnych.
W XX wieku Trwały poszukiwania nowych barw i technicznych środków tworzenia obrazów, co niewątpliwie doprowadziło do pojawienia się nowych stylów w malarstwie, jednak malarstwo olejne nadal pozostaje jedną z najbardziej ulubionych technik artystów.
2. Rodzaj sztuki plastycznej – grafika
Grafika (z gr. grapho – piszę, rysuję) to rodzaj sztuki plastycznej, który kojarzony jest z obrazami na płaszczyźnie. Grafika łączy w sobie rysunek, jako odrębną dziedzinę, oraz różne rodzaje grafiki drukowanej: drzeworyt (drzeworyt), metaloryt (akwaforta), litografię, linoryt, kartonoryt itp.
Rysunek zalicza się do grafik unikalnych, ponieważ każdy rysunek jest jedyny w swoim rodzaju. Dzieła wydrukowanych grafik można reprodukować (replikować) w wielu równorzędnych egzemplarzach – drukach. Każdy wydruk jest oryginałem, a nie kopią dzieła.
Rysunek jest podstawą wszelkich rodzajów grafiki i innych rodzajów sztuk pięknych. Z reguły obraz graficzny wykonywany jest na kartce papieru. Czasami artysta potrzebuje jedynie bardzo prostych środków – grafitowego ołówka lub długopisu – aby stworzyć graficzny rysunek. W pozostałych przypadkach do tworzenia swoich dzieł wykorzystuje skomplikowane urządzenia: prasę drukarską, kamienie litograficzne, wycinarki do linoleum czy drewna i wiele innych.
Termin „grafika” był pierwotnie używany wyłącznie w odniesieniu do pisma i kaligrafii. Sztuka pisma związana jest z grafiką już od czasów starożytnych. Nowe znaczenie i zrozumienie zyskała pod koniec XIX – na początku XX wieku, kiedy grafikę zdefiniowano jako samodzielną formę sztuki.
Językiem grafiki i jej głównymi środkami wyrazu są linia, kreska, kontur, plama i ton. Biała kartka papieru aktywnie uczestniczy w tworzeniu całościowego wrażenia dzieła graficznego. Wyrazisty design można osiągnąć nawet stosując wyłącznie czerń. Dlatego grafikę często nazywa się sztuką czerni i bieli. Nie wyklucza to jednak użycia koloru w grafice.
Granice pomiędzy grafiką a malarstwem są bardzo płynne, np. technika akwareli, pasteli, a czasem gwaszu zaliczana jest do tego czy innego rodzaju sztuki, w zależności od tego, w jakim stopniu użyto koloru, co dominuje w dziele – linia lub plamka, jaki jest jej cel.
Jedną z charakterystycznych cech grafiki jest szczególny związek przedstawianego obiektu z przestrzenią. Czysto białe tło arkusza, niezajęte przez obrazy, a nawet tło papieru pojawiające się pod warstwą kolorową są umownie postrzegane jako przestrzeń. Szczególnie wyraźnie widać to w grafika książkowa, gdy obraz umieszczony na pustej stronie odbierany jest jako umiejscowiony w przestrzeni wnętrza, ulicy, krajobrazu zgodnie z tekstem, a nie na zaśnieżonym polu.
Artystyczne i wyraziste zalety grafiki polegają na jej lakoniczności, pojemności obrazów, skupieniu i ścisłym doborze środków graficznych. Pewne niedopowiedzenie, umowne oznaczenie przedmiotu, jakby podpowiedź, stanowią o szczególnej wartości obrazu graficznego; mają one służyć aktywnej pracy wyobraźni widza.
Pod tym względem nie tylko starannie opracowane arkusze graficzne, ale także szybkie szkice, szkice z natury, szkice kompozycji mają niezależną wartość artystyczną.
Dostępne są różne gatunki grafiki (portret, krajobraz, martwa natura, gatunek historyczny itp.) i praktycznie nieograniczone możliwości przedstawiania i wyobraźniowej interpretacji świata.
.3. Starożytna forma sztuki - rzeźba
Rzeźba jest jedną z najstarszych form sztuki. Rzeźba (łac. sculptura, od sculpo - ciąć, rzeźbić, rzeźba, plastik) to rodzaj sztuki pięknej, której dzieła mają materialną trójwymiarową objętość. Same dzieła (posągi, popiersia, płaskorzeźby i tym podobne) nazywane są również rzeźbą.
Rzeźbę dzieli się na dwa typy: okrągłą, swobodnie umieszczoną w przestrzeni rzeczywistej oraz reliefową (płaskorzeźbę i płaskorzeźbę), w której trójwymiarowe obrazy umieszczone są na płaszczyźnie. Zgodnie ze swoim przeznaczeniem rzeźba może być sztalugowa, monumentalna, monumentalno-dekoracyjna. Osobno wyróżnia się rzeźba małych form. Według gatunku rzeźba dzieli się na portretową, codzienną (gatunek), zwierzęcą, historyczną i inne. Pejzaże i martwe natury można odtworzyć za pomocą środków rzeźbiarskich. Jednak głównym przedmiotem dla rzeźbiarza jest osoba, którą można ucieleśnić w różnych formach (głowa, popiersie, posąg, grupa rzeźbiarska).
Technologia wykonania rzeźby jest zazwyczaj złożona, wieloetapowa i wiąże się z dużą ilością pracy fizycznej. Rzeźbiarz rzeźbi lub rzeźbi swoje dzieło z litego materiału (kamienia, drewna itp.), usuwając nadmiar masy. Inny proces tworzenia objętości poprzez dodanie masy plastycznej (plasteliny, gliny, wosku itp.) nazywa się modelowaniem (plastikiem). Rzeźby tworzą także swoje dzieła poprzez odlewanie z substancji, które potrafią przejść ze stanu ciekłego w stan stały ( różne materiały, gips, beton, tworzywa sztuczne i tym podobne). Niestopiony metal do stworzenia rzeźby poddaje się obróbce poprzez kucie, ściganie, spawanie i cięcie.
W XX wieku Pojawiają się nowe możliwości rozwoju rzeźby. Tak więc w rzeźbie abstrakcyjnej używają niekonwencjonalne metody i materiały (drut, nadmuchiwane figurki, lustra itp.). Artyści wielu ruchów modernistycznych uznają przedmioty codziennego użytku za dzieła rzeźby.
Kolor, od dawna stosowany w rzeźbie (starożytność, średniowiecze, renesans), jest dziś aktywnie wykorzystywany w celu zwiększenia artystycznej wyrazistości rzeźby sztalugowej. Zwrot w stronę polichromii w rzeźbie lub jej porzucenie, powrót do naturalnej barwy materiału (kamienia, drewna, brązu itp.) kojarzą się z ogólny kierunek rozwój sztuki w danym kraju i w danej epoce
Nie jest tajemnicą, że malarstwo ma swoją typologię i dzieli się na gatunki. Zjawisko to ma swój początek w Europie w XV wieku, kiedy ukształtowało się pojęcie malarstwa pierwszej klasy, do którego zaliczały się obrazy o charakterze mitologicznym i historycznym, a do malarstwa drugiej kategorii zaliczały się pejzaże, portrety i martwe natury. Ale to sortowanie straciło na aktualności około 1900 roku, kiedy było zbyt wiele gatunków i stylów, a stosowanie jasnego podziału tylko na te dwie grupy byłoby zbyt staromodne. Dlatego chcę dzisiaj porozmawiać o współczesnych rodzajach malarstwa.
Martwa natura (śmierć natury- „martwa natura”) - obrazy rzeczy nieożywionych. Gatunek ten powstał w XV wieku i uzyskał niepodległość w XVII, dzięki Holenderscy artyści. Gatunek uniezależnił się wraz z nadejściem Złotego Wieku w Holandii; artystów rozpieszczała obfitość jedzenia i innych rzeczy, które wcześniej uważano za przedmioty luksusowe i bogactwo, na tej podstawie nadal istniał tak wąski gatunek, jak Holendrzy pojawiło się życie. Obecnie martwa natura jest szeroko rozpowszechnionym rodzajem malarstwa i cieszy się dużym zainteresowaniem wśród nabywców obrazów.
Portret- osoba lub grupa osób przedstawiona na zdjęciu. Zakres tego stylu jest bardzo niejasny; portret często pokrywa się z innymi stylami, takimi jak pejzaż czy martwa natura. Portrety mogą być również historyczne, pośmiertne lub religijne. Jest też autoportret, czyli wtedy, gdy artysta rysuje siebie.
Sceneria- bardzo ważny gatunek w malarstwie. Artysta maluje na nim dziewiczą lub przekształconą przez człowieka przyrodę lub teren. Już dawno wykroczył poza zwykłe gatunki morskie czy górskie, a dziś jest jednym z najbardziej powszechnych popularne typy malarstwo. Krajobrazy mogą być miejskie, wiejskie, morskie, górskie itp. Wcześniej pejzaże malowano wyłącznie w plenerze, kiedy artysta malował z życia to, co zobaczył. Praktyka ta staje się obecnie coraz mniej powszechna i współcześni artyści wolą pracować ze zdjęć.
Marina- ta sama martwa natura morska, tylko z poprawną nazwą. Mariny przedstawiają wydarzenia mające miejsce na morzu, bitwy, duże fale, statki towarowe itp. Wybitnym przedstawicielem tego gatunku był Iwan Aiwazowski.
Malarstwo historyczne- powstało z konieczności, w okresie renesansu artyści malowali ważne wydarzenia kulturalne i historyczne. Obrazy historyczne nie zawsze opiera się na historii, ale także zawiera różne typy obrazy takie jak: mitologia, ewangelia i wydarzenia biblijne.
Malarstwo bojowe- temat, który odsłania temat wojny i życia wojskowego. Artysta stara się przedstawić ważny, epicki, kluczowy moment bitwy lub bitwy. Jednocześnie niezawodność może stopniowo znikać w tle.
Malarstwo jest chyba najbardziej starożytny wygląd sztuka. Z powrotem prymitywna era Nasi przodkowie wykonywali wizerunki ludzi i zwierząt na ścianach jaskiń. To pierwsze przykłady malarstwa. Od tego czasu ten typ sztuka zawsze pozostawała towarzyszem życie ludzkie. Przykłady malarstwa współczesnego są liczne i różnorodne. Postaramy się jak najdokładniej omówić ten rodzaj sztuki, porozmawiać o głównych gatunkach, stylach, trendach i technikach w nim występujących.
Techniki malarskie
Przyjrzyjmy się najpierw podstawowym technikom malarskim. Jednym z najczęstszych jest olej. Jest to technika polegająca na wykorzystaniu farb stworzonych na na bazie oleju. Farby te nakłada się pociągnięciami. Z ich pomocą możesz stworzyć różnorodność różne odcienie, a także przekazywać niezbędne obrazy z maksymalnym realizmem.
Tempera- kolejna popularna technika. Mówimy o tym w przypadku stosowania farb emulsyjnych. Spoiwem w tych farbach jest jajko lub woda.
Gwasz- technika szeroko stosowana w grafice. Farbę gwaszową wykonuje się na bazie kleju. Można nim pracować na tekturze, papierze, kości czy jedwabiu. Obraz jest trwały, a linie wyraźne. Pastel- Jest to technika rysowania suchymi ołówkami, a powierzchnia powinna być szorstka. I oczywiście warto wspomnieć o akwarelach. Farbę tę zwykle rozcieńcza się wodą. Techniką tą uzyskuje się miękką i cienką warstwę farby. Szczególnie popularne Oczywiście wymieniliśmy tylko główne techniki, które są najczęściej stosowane w malarstwie. Są też inni.
Na czym najczęściej malowane są obrazy? Najpopularniejszym obrazem jest obraz na płótnie. Jest naciągany na ramę lub przyklejany do kartonu. Należy pamiętać, że w przeszłości dość często używano desek drewnianych. Dziś popularne jest nie tylko malowanie na płótnie, ale do tworzenia obrazów można wykorzystać dowolne inne płaskie materiały.
Rodzaje malarstwa
Istnieją 2 główne typy: sztaluga i monumentalne malarstwo. To drugie jest związane z architekturą. Do tego typu zalicza się malowanie sufitów i ścian budynków, dekorowanie ich obrazami wykonanymi z mozaiki lub innych materiałów, witrażami itp. Malarstwo sztalugowe nie jest kojarzone z konkretnym budynkiem. Można go przenosić z miejsca na miejsce. W malarstwo sztalugowe Istnieje wiele odmian (inaczej zwanych gatunkami). Przyjrzyjmy się im bardziej szczegółowo.
Gatunki malarstwa
Słowo „gatunek” ma pochodzenie francuskie. Tłumaczy się je jako „rodzaj”, „gatunek”. Oznacza to, że pod nazwą gatunku kryje się jakaś treść, a wymawiając jej nazwę, rozumiemy, o czym jest obraz, co w nim znajdziemy: ludzi, przyrodę, zwierzęta, przedmioty itp.
Portret
Najstarszym gatunkiem malarstwa jest portret. To obraz osoby, która przypomina tylko siebie i nikogo innego. Inaczej mówiąc, portret to obraz w malarstwie o indywidualnym wyglądzie, gdyż każdy z nas ma indywidualną twarz. Ten gatunek malarstwa ma swoje własne odmiany. Portret może być pełnej długości, do biustu lub można namalować tylko jedną twarz. Zauważmy, że nie każdy wizerunek osoby jest portretem, gdyż artysta może stworzyć na przykład „człowieka w ogóle”, nie kopiując go od nikogo. Jednak gdy portretuje konkretnego przedstawiciela rasa ludzka, następnie pracuje konkretnie nad portretem. Nie trzeba dodawać, że przykładów malarstwa tego gatunku jest wiele. Ale portret przedstawiony poniżej jest znany niemal każdemu mieszkańcowi naszego kraju. Mówimy o obrazie A. S. Puszkina, stworzonym w 1827 roku przez Kiprensky'ego.
Do tego gatunku możesz także dodać autoportret. W tym przypadku artysta przedstawia siebie. Jest portret pary, gdy zdjęcie przedstawia ludzi w parach; oraz portret grupowy, gdy przedstawiona jest grupa ludzi. Można to również zauważyć uroczysty portret, z których odmiana jest jeździecka, jedna z najbardziej uroczystych. W przeszłości było to bardzo popularne, ale obecnie takie dzieła są rzadkością. Jednak następny gatunek, o którym będziemy rozmawiać, jest istotny w dowolnym momencie. O czym mówimy? Można się tego domyślić, przeglądając gatunki, których jeszcze nie nazwaliśmy, charakteryzując malarstwo. Martwa natura jest jedną z nich. O tym teraz porozmawiamy, kontynuując spojrzenie na malarstwo.
Martwa natura
To słowo również ma francuskie pochodzenie i oznacza „martwą naturę”, chociaż jego znaczenie byłoby bardziej trafne: „natura nieożywiona”. Martwa natura to obraz obiektów nieożywionych. Są bardzo różnorodne. Zauważmy, że martwe natury mogą również przedstawiać „żywą naturę”: ciche motyle na płatkach, piękne kwiaty, ptaki, a czasem wśród darów natury można zobaczyć osobę. Będzie to jednak nadal martwa natura, ponieważ obraz żywej istoty nie jest w tym przypadku najważniejszy dla artysty.
Sceneria
Krajobraz to kolejne francuskie słowo oznaczające „widok na kraj”. Jest podobny do niemieckiego pojęcia „krajobrazu”. Krajobraz jest obrazem natury w jej różnorodności. Do tego gatunku dołączają następujące odmiany: krajobraz architektoniczny i bardzo popularne pejzaż morski, którą często nazywa się jednym słowem „marina”, a pracujących w niej artystów nazywa się malarzami morskimi. Liczne przykłady malarstwa z gatunku pejzażu morskiego można znaleźć w twórczości I.K. Jednym z nich jest „Tęcza” z 1873 roku.
Obraz ten jest namalowany w oleju i jest trudny do wykonania. Ale tworzenie krajobrazów w akwareli wcale nie jest trudne, dlatego na lekcjach rysunku w szkole powierzono to zadanie każdemu z nas.
Gatunek zwierzęcy
Następnym gatunkiem jest zwierzęcy. Tutaj wszystko jest proste - to obraz ptaków i zwierząt w naturze, w ich naturalnym środowisku.
Gatunek codzienny
Gatunek codzienny to przedstawienie scen z życia, życia codziennego, zabawnych „incydentów”, życie domowe i historie zwykłych ludzi zwyczajne środowisko. Możesz też obejść się bez historii - po prostu uchwyć codzienne czynności i sprawy. Takie obrazy są czasami nazywane malarstwo rodzajowe. Jako przykład weźmy zaprezentowane powyżej dzieło Van Gogha „Jedzący ziemniaki” (1885).
Gatunek historyczny
Tematyka malarstwa jest zróżnicowana, ale gatunek historyczny wyróżnia się osobno. To jest obraz bohaterów historycznych i wydarzenia. Przylega mu gatunek bitewny, przedstawiający epizody wojny i bitwy.
Gatunek religijno-mitologiczny
W gatunek mitologiczny dzieła malarskie powstały na motywach starożytnych i starożytnych opowieści o bogach i bohaterach. Należy zaznaczyć, że wizerunek ma charakter świecki i tym różni się od wizerunków bóstw przedstawionych na ikonie. Nawiasem mówiąc, malarstwo religijne to nie tylko ikony. Ona jednoczy różne prace pisane na tematy religijne.
Zderzenie gatunków
Im bogatsza jest zawartość gatunku, tym więcej pojawia się jego „towarzyszy”. Gatunki mogą się łączyć, powstaje więc malarstwo, którego nie da się umieścić w ramach żadnego z nich. W sztuce występuje zarówno ogólna (techniki, gatunki, style), jak i indywidualna (konkretne dzieło wzięte osobno). Oddzielny obraz też ma coś wspólnego. Dlatego wielu artystów może reprezentować ten sam gatunek, ale namalowane w nim obrazy nigdy nie są podobne. Kultura malarstwa ma takie cechy.
Styl
Styl to aspekt percepcja wzrokowa obrazy Może łączyć dzieła jednego artysty lub dzieła artystów określonego okresu, ruchu, szkoły lub miejscowości.
Malarstwo akademickie i realizm
Malarstwo akademickie to szczególny kierunek, którego kształtowanie wiąże się z działalnością europejskich akademii artystycznych. Pojawił się w XVI wieku w Akademii Bolońskiej, z której starano się naśladować mistrzów renesansu. Od XVI w. metody nauczania malarstwa zaczęto opierać na ścisłym przestrzeganiu zasad i przepisów, kierując się wzorcami formalnymi. sztuka w Paryżu uznawana była za jedną z najbardziej wpływowych w Europie. Propagowała estetykę klasycyzmu, która dominowała we Francji w XVII wieku. Akademia Paryska? Przyczyniwszy się do usystematyzowania edukacji, stopniowo przekształcał zasady kierunku klasycznego w dogmat. Tym samym malarstwo akademickie stało się kierunkiem szczególnym. W XIX wieku do najwybitniejszych przejawów akademizmu należały prace J. L. Jerome’a, Alexandre’a Cabannela i J. Ingresa. Klasyczne kanony zastąpiono realistycznymi dopiero na przełomie XIX i XX wieku. To właśnie realizm stał się na początku XX wieku podstawową metodą nauczania w szkołach wyższych i przekształcił się w system dogmatyczny.
Barokowy
Barok to styl i era sztuki charakteryzująca się arystokracją, kontrastem, dynamicznymi obrazami, prostymi detalami przy przedstawianiu obfitości, napięcia, dramatyzmu, luksusu, fuzji rzeczywistości i iluzji. Styl ten pojawił się we Włoszech w 1600 roku i rozprzestrzenił się w całej Europie. Caravaggio i Rubens to jego najwybitniejsi przedstawiciele. Barok często porównywany jest do ekspresjonizmu, jednak w przeciwieństwie do tego ostatniego nie wywołuje zbyt odrażających skutków. Obrazy tego stylu charakteryzują się dziś złożonością linii i bogactwem ozdób.
Kubizm
Kubizm to awangardowy ruch artystyczny, który pojawił się w XX wieku. Jej twórcą jest Pablo Picasso. Kubizm dokonał prawdziwej rewolucji w rzeźbie i malarstwie w Europie, inspirując powstanie podobnych ruchów w architekturze, literaturze i muzyce. Malarstwo artystyczne w tym stylu charakteryzuje się rekombinowanymi, połamanymi przedmiotami, które mają abstrakcyjną formę. Podczas ich przedstawiania wykorzystuje się wiele punktów widzenia.
Ekspresjonizm
Ekspresjonizm to kolejny ważny kierunek sztuka współczesna, który pojawił się w Niemczech w pierwszej połowie XX wieku. Początkowo obejmowała jedynie poezję i malarstwo, później rozprzestrzeniła się na inne dziedziny sztuki.
Ekspresjoniści przedstawiają świat subiektywnie, zniekształcając rzeczywistość, aby uzyskać większy efekt emocjonalny. Ich celem jest zmuszenie widza do myślenia. Ekspresja w ekspresjonizmie dominuje nad obrazem. Można zauważyć, że wiele dzieł charakteryzuje się motywami udręki, bólu, cierpienia, krzyku (przedstawione powyżej dzieło Edvarda Muncha nosi tytuł „Krzyk”). Artystów ekspresjonistów w ogóle nie interesuje rzeczywistość materialna; ich obrazy są pełne głębokich znaczeń i przeżyć emocjonalnych.
Impresjonizm
Impresjonizm to styl malarstwa nastawiony przede wszystkim na pracę w plenerze (plener), a nie w pracowni. Swoją nazwę zawdzięcza obrazowi „Impresja, wschód słońca” Claude’a Moneta, który widać na poniższym zdjęciu.
Słowo „wrażenie” na angielski- wrażenie. Obrazy impresjonistyczne przekazują przede wszystkim poczucie światła artysty. Główne cechy malarstwa w tym stylu to: ledwo widoczne, cienkie pociągnięcia; zmiany oświetlenia, precyzyjnie oddane (uwaga często skupia się na efekcie upływu czasu); otwarta kompozycja; prosty wspólny cel; ruch jako kluczowy element ludzkiego doświadczenia i percepcji. Najwybitniejszymi przedstawicielami takiego ruchu jak impresjonizm są Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.
Modernizm
Kolejnym kierunkiem jest modernizm, który zrodził się jako zespół trendów w różne dziedziny sztuki końca XIX i początku XX wieku. Paryski „Salon Odrzuconych” został otwarty w 1863 roku. Wystawiali się tu artyści, których obrazy nie zostały wpuszczone do oficjalnego salonu. Datę tę można uznać za datę powstania modernizmu jako odrębnego nurtu w sztuce. W przeciwnym razie modernizm nazywany jest czasem „inną sztuką”. Jego celem jest tworzenie obrazów wyjątkowych, odmiennych od innych. Cechą charakterystyczną dzieł jest szczególna wizja świata autora.
Artyści w swojej twórczości buntowali się przeciwko wartościom realizmu. Samoświadomość jest cechą charakterystyczną ten kierunek. Często prowadzi to do eksperymentów z formą, a także zamiłowania do abstrakcji. Przedstawiciele modernizmu zwracają uwagę na użyte materiały i proces pracy. szczególną uwagę. Za jego najwybitniejszych przedstawicieli uważa się Henry’ego Matisse’a (powyżej przedstawiono jego dzieło „Czerwony pokój” z 1908 roku) i Pabla Picassa.
Neoklasycyzm
Neoklasycyzm jest głównym kierunkiem malarstwa Europa Północna od połowy XVIII w. do końca XIX w. Charakteryzuje się powrotem do cech starożytnego renesansu, a nawet czasów klasycyzmu. Pod względem architektonicznym, artystycznym i kulturowym neoklasycyzm pojawił się jako odpowiedź na rokoko, które było postrzegane jako płytki i pretensjonalny styl w sztuce. Artyści neoklasycystyczni, dzięki dobrej znajomości praw kościelnych, starali się wprowadzić do swoich dzieł kanony. Unikali jednak prostego odtwarzania klasycznych motywów i tematów. Artyści neoklasyczni starali się osadzić swoje obrazy w ramach tradycji i tym samym wykazać się mistrzostwem gatunku. Neoklasycyzm pod tym względem jest bezpośrednio przeciwny modernizmowi, w którym improwizacja i wyrażanie siebie są uważane za cnoty. Do jego najsłynniejszych przedstawicieli zaliczają się Nicolas Poussin i Raphael.
Pop-art
Ostatnim kierunkiem, który rozważymy, jest pop-art. Pojawił się w Wielkiej Brytanii w połowie lat 50. ubiegłego wieku, a pod koniec lat 50. w Ameryce. Uważa się, że pop-art powstał jako reakcja na dominujące wówczas idee abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Mówiąc o tym kierunku, nie sposób nie wspomnieć, że w 2009 roku jeden z jego obrazów „Osiem Elvisów” został sprzedany za 100 milionów dolarów.
Gatunki malarskie pojawiały się, zyskiwały na popularności, zanikały, pojawiały się nowe, a w obrębie istniejących zaczęto wyodrębniać podtypy. Proces ten nie zatrzyma się, dopóki człowiek istnieje i próbuje uchwycić otaczający go świat, czy to przyrodę, budynki czy innych ludzi.
Wcześniej (aż do XIX w.) istniał podział gatunków malarskich na tzw. gatunki „wysokie” (francuski grand gatunek) i „niskie” (francuskie petit gatunek). Podział ten powstał w XVII wieku. i opierał się na przedstawionym temacie i fabule. W związku z tym do wysokie gatunki obejmowały: batalistyczne, alegoryczne, religijno-mitologiczne oraz niskie - portretowe, pejzażowe, martwe natury, zwierzęce.
Podział na gatunki jest dość dowolny, gdyż w obrazie mogą występować jednocześnie elementy dwóch lub więcej gatunków.
Animalistyka lub gatunek zwierzęcy
Animalizm, czyli gatunek zwierzęcy (od łacińskiego zwierzę – zwierzę) to gatunek, w którym głównym motywem jest wizerunek zwierzęcia. Można powiedzieć, że jest to jeden z najstarszych gatunków, bo... rysunki i postacie ptaków i zwierząt były obecne w życiu ludzi prymitywnych. Na przykład w znanym obrazie I.I. Szyszkin „Dzień dobry las sosnowy„Naturę przedstawia sam artysta, a niedźwiedzie przedstawia zupełnie inny artysta, specjalizujący się w przedstawianiu zwierząt.
I.I. Szyszkin „Poranek w sosnowym lesie” Jak można rozróżnić podgatunek? Gatunek hippiczny(od greckich hipopotamów - koń) - gatunek, w którym centrum obrazu stanowi wizerunek konia.
NIE. Sverchkov „Koń w stajni” Portret
Portret (od francuskiego słowa portret) to obraz, na którym centralny obraz przedstawia osobę lub grupę osób. Portret przekazuje nie tylko podobieństwo zewnętrzne, ale także odzwierciedla świat wewnętrzny i przekazuje uczucia artysty wobec osoby, której portret maluje.
TJ. Repin Portret Mikołaja II Gatunek portretowy dzieli się na indywidualny(obraz jednej osoby), grupa(obraz kilku osób), ze względu na charakter obrazu - do drzwi wejściowych gdy na obrazie jest przedstawiona osoba pełna wysokość na wyróżniającym się tle architektonicznym lub krajobrazowym oraz izba, gdy osoba jest przedstawiona do wysokości klatki piersiowej lub talii na neutralnym tle. Grupa portretów, połączona jakąś cechą, tworzy zespół, czyli galerię portretów. Przykładem mogą być portrety członków rodziny królewskiej.
Wyróżnia się osobno autoportret, w którym artysta przedstawia siebie.
K. Bryullov Autoportret Portret to jeden z najstarszych gatunków – pierwsze portrety (rzeźbiarskie) pojawiły się już w starożytny Egipt. Portret taki działał w ramach kultu życia pozagrobowego i był „sobowtórem” osoby.
Sceneria
Krajobraz (od francuskiego paysage – kraj, obszar) to gatunek, w którym centralnym obrazem jest obraz natury – rzek, lasów, pól, morza, gór. W krajobrazie najważniejsza jest oczywiście fabuła, ale nie mniej ważne jest oddanie ruchu i życia otaczającej przyrody. Z jednej strony przyroda jest piękna i budzi zachwyt, z drugiej jednak dość trudno oddać to na zdjęciu.
C. Monet „Pole maków w Argenteuil” Podgatunkiem krajobrazu jest pejzaż morski lub przystań(z francuskiego marine, włoskiego marina, z łac. marinus - morze) - obraz bitwy morskiej, morza lub innych wydarzeń rozgrywających się na morzu. Wybitnym przedstawicielem malarzy morskich jest K.A. Aiwazowski. Warto zauważyć, że artysta zapisał wiele szczegółów tego obrazu z pamięci.
I.I. Aiwazowski „Dziewiąta fala” Często jednak artyści starają się malować morze z życia, jak np. W. Turner za obraz „Zamieć. Parowiec przy wejściu do portu daje sygnał SOS po wejściu na płytką wodę” – spędził 4 godziny przy mostku kapitańskim statku płynącego w czasie sztormu.
W. Turner „Zamieć. Parowiec przy wejściu do portu daje sygnał SOS po wejściu na płytką wodę.” Element wody jest również przedstawiany w pejzażu rzecznym.
Oddzielnie przydziel pejzaż miejski, w którym głównym tematem obrazu są ulice i budynki miast. Rodzaj krajobrazu miejskiego to Weduta– obraz krajobrazu miejskiego w formie panoramy, z pewnością zachowaną skalę i proporcje.
A. Canaletto „Plac Świętego Marka”Istnieją inne rodzaje krajobrazu - wiejskie, przemysłowe i architektoniczne. W malarstwie architektonicznym tematem przewodnim jest obraz pejzażu architektonicznego, czyli tzw. budynki, konstrukcje; zawiera zdjęcia wnętrz (dekoracja wnętrz lokali). Czasami Wnętrze(z francuskiego intérieur - wewnętrzny) wyróżniony jako odrębny gatunek. Inny gatunek wyróżnia się w malarstwie architektonicznym — Capriccio(z włoskiego capriccio, kaprys, kaprys) - architektoniczny krajobraz fantasy.
Martwa natura
Martwa natura (z francuskiego nature morte – martwa natura) to gatunek poświęcony przedstawieniu obiektów nieożywionych, które są umieszczone we wspólnym środowisku i tworzą grupę. Martwa natura pojawiła się w XV-XVI wieku, ale jako odrębny gatunek pojawiła się w XVII wieku.
Pomimo tego, że słowo „martwa natura” tłumaczone jest jako martwa natura, na obrazach pojawiają się bukiety kwiatów, owoców, ryb, dziczyzny, potraw – wszystko wygląda „jak żywe”, tj. jak prawdziwa rzecz. Od momentu pojawienia się do dnia dzisiejszego jest to martwa natura ważny gatunek w malarstwie.
K. Monet „Wazon z kwiatami” Jako odrębny podgatunek możemy wyróżnić Vanitas(z łac. Vanitas - marność, marność) to gatunek malarstwa, w którym centralne miejsce na obrazie zajmuje ludzka czaszka, której wizerunek ma przypominać o marności i kruchości ludzkiego życia.
Obraz F. de Champagne przedstawia trzy symbole kruchości istnienia – Życie, Śmierć, Czas poprzez wizerunki tulipana, czaszki i klepsydry.
Gatunek historyczny
Gatunek historyczny – gatunek, w którym przedstawiane są obrazy ważne wydarzenia i społecznie istotne zjawiska z przeszłości lub teraźniejszości. Warto zauważyć, że obraz może być poświęcony nie tylko prawdziwym wydarzeniom, ale także wydarzeniom z mitologii lub na przykład opisanym w Biblii. Gatunek ten jest bardzo ważny dla historii, zarówno dla historii poszczególnych narodów i państw, jak i dla całej ludzkości. W obrazach gatunek historyczny może być nierozerwalnie związany z innymi rodzajami gatunków - portretem, pejzażem, gatunkiem bitewnym.
TJ. Repin „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana” 
K. Bryullov „Ostatni dzień Pompejów” Gatunek bitewny
Gatunek bitewny (od francuskiego bataille - bitwa) to gatunek, w którym obrazy przedstawiają kulminację bitwy, działania wojenne, moment zwycięstwa, sceny z życia wojskowego. Dla malowanie bitewne charakterystyczny obraz na obrazie duża ilość ludzie.
AA Deineka „Obrona Sewastopola” Gatunek religijny
Gatunek religijny to gatunek, w którym głównym fabuła– biblijne (sceny z Biblii i Ewangelii). Tematyka dotyczy malarstwa religijnego i ikon, różnica między nimi polega na tym, że obrazy o treści religijnej nie uczestniczą w nabożeństwach i dla ikony jest to główny cel. Ikonografia przetłumaczone z języka greckiego. oznacza „obraz modlitewny”. Gatunek ten był ograniczony ścisłymi ramami i prawami malarstwa, ponieważ ma nie odzwierciedlać rzeczywistości, ale przekazać ideę Bożej zasady, w której artyści szukają ideału. Na Rusi malarstwo ikonowe osiągnęło swój szczyt w XII-XVI wieku. Bardzo znane nazwiska malarze ikon – Teofan Grek (freski), Andriej Rublow, Dionizjusz.
A. Rublow „Trójca” Jak wyróżnia się etap przejściowy od malowania ikon do portretu Parsuna(zniekształcone z łacińskiego persona - osoba, osoba).
Parsun Iwana Groźnego. Autor nieznany Gatunek codzienny
Obrazy przedstawiają sceny życie codzienne. Często artysta pisze o tych momentach życia, których jest współczesny. Charakterystyczne cechy Gatunek ten charakteryzuje się realizmem obrazów i prostotą fabuły. Obraz może odzwierciedlać zwyczaje, tradycje i strukturę życia codziennego konkretnego narodu.
DO malowanie domu zawierać takie słynne obrazy jak „Przewoźnicy barek na Wołdze” I. Repina, „Trojka” W. Perowa, „Nierówne małżeństwo” W. Pukirewa.
I. Repin „Przewoźnicy barek na Wołdze” Gatunek epicko-mitologiczny
Gatunek epicko-mitologiczny. Słowo mit pochodzi z języka greckiego. „mythos”, co oznacza tradycję. Obrazy przedstawiają wydarzenia z legend, eposów, tradycji, starożytnych mitów greckich, starożytnych opowieści, wątków dzieł folkloru.
P. Veronese „Apollo i Marsjasz” Gatunek alegoryczny
Gatunek alegoryczny (od greckiej alegorii - alegoria). Obrazy są namalowane w taki sposób, że mają ukryte znaczenie. Nieistotne idee i koncepcje, niewidoczne dla oczu (moc, dobro, zło, miłość) są przekazywane poprzez obrazy zwierząt, ludzi i innych żywych istot o tak nieodłącznych cechach, które mają już utrwaloną symbolikę w ludzkich umysłach i pomagają zrozumieć ogólne znaczenie fabryka.
L. Giordano „Miłość i występki rozbrajają sprawiedliwość” Duszpasterski (z francuskiego pastorale - duszpasterski, wiejski)
Gatunek malarstwa, który gloryfikuje i poetyzuje proste i spokojne życie na wsi.
F. Boucher „Jesienne duszpasterstwo” Karykatura (z włoskiego caricare - przesadzić)
Gatunek, w którym kreując wizerunek świadomie się stosuje efekt komiczny poprzez wyolbrzymianie i zaostrzanie rysów, zachowań, ubioru itp. Celem karykatury jest obrażanie, w przeciwieństwie do np. karykatury (z zarzutu francuskiego), której celem jest po prostu wyśmiewanie. Z terminem „karykatura” ściśle powiązane są takie pojęcia, jak grafika popularna i groteska.
Nago (z francuskiego nu - nagi, rozebrany)
Gatunkiem, w którym obrazy przedstawiają nagie ciało ludzkie, jest najczęściej kobieta.
Tycjan Vecellio „Wenus z Urbino” Oszustwo lub trompe l'oeil (z francuskiego. trompe-l'oeil - złudzenie optyczne)
Genre, cechy charakterystyczne Który - specjalne ruchy, tworząc iluzję optyczną i pozwalając na zatarcie granicy pomiędzy rzeczywistością a obrazem, czyli tzw. mylące wrażenie, że obiekt jest trójwymiarowy, gdy jest dwuwymiarowy. Czasami blende wyróżnia się jako podtyp martwej natury, ale czasami w tym gatunku przedstawiani są także ludzie.
Per Borrell del Caso „Ucieczka przed krytyką” Aby dopełnić postrzeganie wabików, zaleca się rozważenie ich w oryginale, ponieważ reprodukcja nie jest w stanie w pełni oddać efektu jaki przedstawił artysta.
Jacopo de Barberi „Kopatwa i żelazne rękawiczki” Obraz tematyczny
Mieszanka tradycyjnych gatunków malarstwa (krajowego, historycznego, batalistycznego, pejzażowego itp.). Inaczej gatunek ten nazywany jest kompozycją figurową, jego charakterystycznymi cechami są: główną rolę osoba gra, koniecznie pokazana jest obecność akcji i społecznie istotna idea, relacje (konflikt interesów/charakterów) i akcenty psychologiczne.
W. Surikow „Bojaryna Morozowa” gotyk(z włoskiego gotico – niezwykły, barbarzyński) – okres w rozwoju sztuki średniowiecznej, obejmujący niemal wszystkie dziedziny kultury i rozwijający się na Zachodzie, Środku i częściowo Europa Wschodnia od XII do XV wieku. Gotyk dopełnił rozwój europejskiej sztuki średniowiecznej, powstałej na bazie osiągnięć kultury romańskiej, a w okresie renesansu sztukę średniowieczną uznawano za „barbarzyńską”. Sztuka gotycka miała charakter kultowy i tematykę religijną. Odnosił się do najwyższych boskich mocy, wieczności i chrześcijańskiego światopoglądu. Gotyk w swoim rozwoju dzieli się na wczesny gotyk, okres świetności, późny gotyk.
Słynne europejskie katedry, które turyści uwielbiają szczegółowo fotografować, stały się arcydziełami stylu gotyckiego. W projektowaniu wnętrz Gotyckie katedry odegrał ważną rolę rozwiązania kolorystyczne. W dekoracji zewnętrznej i wewnętrznej dominowała obfitość złoceń, jasność wnętrza, ażurowość ścian i krystaliczne rozcięcie przestrzeni. Materia była pozbawiona ciężaru i nieprzeniknioności, była jakby uduchowiona.
Ogromne powierzchnie okien wypełniły witraże z kompozycjami odtwarzającymi wydarzenia historyczne, opowieści apokryficzne, tematykę literacką i religijną, obrazy codzienne sceny z życia prostych chłopów i rzemieślników, którzy stworzyli wyjątkową encyklopedię sposobu życia w średniowieczu. Konony wypełniano od góry do dołu kompozycjami figuralnymi, które ujęto w medaliony. Połączenie światła i koloru w malarstwie techniką witrażową nadawało kompozycją artystyczną większą emocjonalność. Zastosowano różnorodne szkła: głęboki szkarłat, ognisty, czerwony, granatowy, zielony, żółty, granatowy, niebieski, ultramarynowy, szlifowany wzdłuż konturu wzoru... Okna nagrzewały się jak szlachetne klejnoty, przenikały światło zewnętrzne - odmieniły całe wnętrze świątyni i wprawiły odwiedzających w podniosły nastrój.
Dzięki gotyckiemu szkłu barwionemu narodziły się nowe walory estetyczne, a kolory nabrały najwyższej dźwięczności promiennej barwy. Czysty kolor stworzył atmosferę powietrza, pomalowaną na różne odcienie dzięki grze światła na kolumnach, podłogach i witrażach. Kolor stał się źródłem światła pogłębiającego perspektywę. Grube szyby, często nierówne, wypełniano nie do końca przezroczystymi bąbelkami, potęgując artystyczny efekt witrażu. Światło przechodzące przez nierówną grubość szkła rozszczepiło się i zaczęło grać.
Najlepsze przykłady autentycznych witraży gotyckich można podziwiać w katedrach w Chartres, Bourges i Paryżu (np. „Dziewica z Dzieciątkiem”). Nie mniejszym splendorem przepełnione są także „Ogniste koła” i „Rzucająca błyskawica” w katedrze w Chartres.
Od połowy I wieku do gamy barwnej zaczęto wprowadzać barwy złożone, uzyskiwane poprzez powielanie szkła. Takie niezwykłe witraże w styl gotycki zachowany w Sainte-Chapelle (1250). Kontury naniesiono na szkło brązową emalią, a kształty miały charakter płaski.
Epoka gotyku stała się rozkwitem sztuki miniaturowych książek, a także miniatur artystycznych. Umacnianie się tendencji świeckich w kulturze tylko intensyfikowało ich rozwój. Ilustracje z wielofigurowymi kompozycjami o tematyce religijnej zawierały różne realistyczne detale: wizerunki ptaków, zwierząt, motyli, ozdoby o motywach roślinnych i sceny codzienne. Prace francuskiego miniaturzysty Jeana Pussela przepełnione są szczególnym poetyckim urokiem.
W rozwoju francuskich miniatur gotyckich XIII i XIV wieku czołowe miejsce mieściła się szkoła paryska. Psałterz św. Ludwika obfituje w wielopostaciowe kompozycje ujęte w jeden motyw architektura gotycka, dlatego narracja nabiera niezwykłej harmonii (Luwr, Paryż, 1270). Postacie dam i rycerzy są pełne wdzięku, ich formy wyróżniają się płynnymi liniami, co stwarza iluzję ruchu. Bogactwo i gęstość kolorów, a także dekoracyjna architektura wzoru sprawiają, że te miniatury stają się wyjątkowymi dziełami sztuki i cennymi dekoracjami stron.
Styl księgi gotyckiej wyróżniają spiczaste kształty, kanciasty rytm, niepokój, filigranowe ażurowe wzory i płytkie kręte linie. Warto dodać, że w XIV i XV wieku ilustrowano także rękopisy świeckie. Księgi godzinowe, traktaty naukowe, zbiory pieśni miłosnych i kroniki wypełnione są wspaniałymi miniaturami. Miniatura, ilustrująca dzieła literatury dworskiej, ucieleśniała ideał rycerskiej miłości, a także sceny z otaczającego nas zwykłego życia. Podobnym dziełem jest rękopis Manesa (1320).
Z biegiem czasu Gothic stał się bardziej narracyjny. W „Wielkich Kronikach francuskich” z XIV w. wyraźnie widać chęć artysty wniknięcia w sens przedstawianego przez siebie wydarzenia. Jednocześnie książkom nadano dekoracyjną elegancję poprzez zastosowanie wykwintnych winiet i fantazyjnych ramek.
Miniatury gotyckie wywarły ogromny wpływ na malarstwo i wniosły żywy nurt w sztukę średniowiecza. Gotyk stał się nie tylko stylem, ale ogólnie ważnym ogniwem rozwój kulturalny społeczeństwo. Mistrzowie stylu z niesamowitą dokładnością potrafili odtworzyć obraz swoich współczesnych pod względem tematycznym i środowisko naturalne. Majestatyczne i uduchowione dzieła gotyckie otoczone są aurą niepowtarzalnego uroku estetycznego. Gotyk zrodził nowe rozumienie syntezy sztuk, a jego realistyczne podboje przygotowały drogę do przejścia do sztuki renesansu.