Esej: Idea i środki artystyczne jej ucieleśnienia w wierszu Requiem A. Achmatowej. Achmatowa A

14.10.2019

poemat żałobny Achmatowa

Główną ideą wiersza „Requiem” jest wyraz żalu ludu, bezgranicznego żalu. Cierpienie ludu i liryczna bohaterka łączą się. Empatia, złość i melancholia czytelnika, które odczuwa się podczas czytania wiersza, osiągane są poprzez efekt połączenia wielu środków artystycznych. Co ciekawe, wśród tych ostatnich praktycznie nie ma hiperboli. Najwyraźniej dzieje się tak dlatego, że smutek i cierpienie są tak wielkie, że nie ma potrzeby ani możliwości ich wyolbrzymiania.

Wszystkie epitety dobrane są tak, aby budzić grozę i wstręt do przemocy, ukazywać spustoszenie miasta i wsi oraz podkreślać mękę. Melancholia jest „zabójcza”, kroki żołnierzy są „ciężkie”, Ruś jest „niewinna”, „czarne marusi” (samochody więźniarskie, inaczej „czarny lejek)”. Często używany jest epitet „kamień”: „kamienne słowo”, „skamieniałe cierpienie” itp. Wiele epitetów jest bliskich ludowym: „gorąca łza”, „ wielka rzeka”itp. Ogólnie rzecz biorąc, motywy ludowe są w wierszu bardzo mocne, gdzie związek między bohaterką liryczną a ludźmi jest szczególny:

I nie modlę się tylko za siebie,

I o wszystkich, którzy tam byli ze mną

i w przenikliwe zimno i w lipcowym upale

Pod oślepiającą czerwoną ścianą.

Na uwagę zasługuje ostatnia linijka. Epitety „czerwony” i „ślepy” w odniesieniu do muru tworzą obraz ściany czerwonej od krwi i zaślepionej łzami wylanymi przez ofiary i ich bliskich.

W wierszu nie brakuje porównań. Ale wszyscy w ten czy inny sposób podkreślają głębię żalu, rozmiar cierpienia. Niektóre nawiązują do symboliki religijnej, z której często korzysta Achmatowa. W wierszu zawarty jest obraz bliski wszystkim matkom, Matki Chrystusa, w milczeniu znoszącej swój smutek. Niektóre porównania nie zostaną wymazane z pamięci:

Werdykt... I natychmiast popłyną łzy,

Już daleko od wszystkich,

Jakby bólem życie zostało wyrwane z serca...

I znowu motywy ludowe: „A staruszka zawyła jak ranne zwierzę”. „Będę, jak Streltsy, wyć pod wieżowcami Kremla”. Musimy pamiętać historię, gdy Piotr I dokonał egzekucji na setkach zbuntowanych łuczników. Achmatowa niejako personifikuje się w obrazie Rosjanki z czasów barbarzyństwa (XVII w.), która ponownie wróciła do Rosji.

Wydaje mi się, że w wierszu użyte są przede wszystkim metafory. „Góry uginają się przed tym smutkiem…” Od tej metafory rozpoczyna się wiersz. Narzędzie to pozwala osiągnąć niesamowitą zwięzłość i wyrazistość. „A gwizdki lokomotywy zaśpiewały krótką pieśń pożegnalną”, „Nad nami stanęły gwiazdy śmierci”, „Wiła się niewinna Ruś”. A oto kolejny: „I przepal noworoczny lód swoimi gorącymi łzami”.

W wierszu jest wiele innych środków artystycznych: alegorie, symbole, personifikacje i ich kombinacje są niesamowite. Wszystko razem tworzy potężną symfonię uczuć i doświadczeń.

Śmierć i szaleństwo to stany bliskie sobie. Ale szaleństwo gorsze niż śmierć, bo szalony człowiek jest zdolny do wszystkiego, nawet do samobójstwa. I Anna Achmatowa - silny mężczyzna, nie może pozwolić sobie na szaleństwo, musi dalej żyć i tworzyć.

Aby zapomnieć koszmar, człowiek się budzi. I zapomnieć o prawdziwym koszmarze? Chyba trzeba iść spać. I pewnie dlatego wiersz kończy się w stylu kołysanki:

I nawet z wieków spokojnych i brązowych,

Roztopiony śnieg płynie jak łzy,

A gołąb więzienny brzęczy w oddali,

A statki płyną spokojnie wzdłuż Newy.

Kiedy człowiek czuje się źle i samotny, zamyka się w sobie. I stopniowo zaczyna wszystko inaczej postrzegać, rozwija w sobie inne wartości. Śmierć nie jest mu już straszna. Oznacza to, że człowiek dojrzewa duchowo i widzi zupełnie inny sens życia i śmierci. Z reguły ostatnią częścią requiem jest modlitwa o udzielenie wiecznego pokoju. Jest to radosny i jasny motyw płynący z serca wypełnionego nadzieją. Nadzieja na błogość, na życie wieczne w raju. Wręcz przeciwnie, Anna Achmatowa tego nie chce. Prosi o wzniesienie jej pomnika, aby nie zapomnieć o okropnościach tego życia. Aby ona i ludzie o tym pamiętali nawet po jej śmierci.

Wtedy nawet w błogosławionej śmierci się boję

Zapomnij o dudnieniu czarnego marusa,

Zapomnij, jak nienawistnie zatrzasnęły się drzwi

A stara kobieta zawyła jak zranione zwierzę.

Boi się o tym zapomnieć, bo w tej chwili to jest sens jej życia. Aby nie przeżyć życia na próżno, aby w sercach ludzi pozostawić pamięć o sobie i swoim czasie, sięga po motyw pomnika. Prosi o wzniesienie sobie pomnika pod Murem Więziennym, „gdzie stałam przez trzysta godzin i gdzie nie otworzono mi zasuwy”. Oznacza to, że nie jest to pomnik Achmatowej, nie jej muzy, ale pomnik wszystkich ofiar represji, które były torturowane w latach 30. i innych strasznych latach. Można powiedzieć, że nigdy, ani w literaturze rosyjskiej, ani światowej, nie pojawił się tak niezwykły obraz - pomnik Poety. „Requiem” Anny Achmatowej jest utworem prawdziwie ludowym, nie tylko w tym sensie, że wiersz był odzwierciedleniem wielkiej tragedii ludowej, ale także w formie poetyckiej, bliskiej ludowej przypowieści. Podsumowując, do tego, co zostało powiedziane, możemy jedynie dodać słowa Wiktora Astafiewa, które trafnie oddają stan ducha lirycznej bohaterki, ideę całego wiersza: „Matki! Matki! Dlaczego poddałeś się dzikiej ludzkiej pamięci, pogodziłeś się z przemocą i śmiercią? Przecież bardziej niż ktokolwiek inny, najodważniej cierpisz z powodu swojej pierwotnej samotności, w swojej świętej i zwierzęcej tęsknocie za swoimi dziećmi.

Los Anny Andreevny Achmatowej w latach porewolucyjnych był tragiczny. W 1921 r. rozstrzelano jej męża, poetę Nikołaja Gumilowa. W latach trzydziestych jego syn został aresztowany pod fałszywymi zarzutami; straszliwym ciosem, „kamiennym słowem” zapadł wyrok śmierci, który później zastąpiono obozami; potem prawie 20 lat czekania na syna. W obozie zginął najbliższy przyjaciel Osipa Mandelstama. W 1946 r. wydano dekret Żdanowa, w którym zniesławiono Achmatową i Zoszczenkę oraz zamknięto przed nimi drzwi czasopism; Jej wiersze zaczęto publikować dopiero w 1965 roku.

We wstępie do „Requiem”, które Anna Andreevna komponowała w latach 1935–1940 i opublikowanego w latach 80., wspomina: „W strasznych latach Jeżowszczyny spędziłam 17 miesięcy w więzieniach w Leningradzie”. Wiersze zawarte w „Requiem” mają charakter autobiograficzny. „Requiem” opłakuje żałobników: matkę, która straciła syna; żona, która straciła męża. Achmatowa przeżyła oba dramaty, ale za jej osobistym losem kryje się tragedia całego narodu.

Nie, i nie pod obcym niebem,

I nie pod ochroną obcych skrzydeł, -

Byłem wtedy z moimi ludźmi,

Zamieszanie, w którym niestety byli moi ludzie.

Empatia, złość i melancholia czytelnika, które odczuwa się podczas czytania wiersza, osiągane są poprzez efekt połączenia wielu środków artystycznych. „Cały czas słyszymy różne głosy, - mówi Brodski o „Requiem”. - potem już tylko kobieta, potem nagle poetka, a potem przed nami Maria. Oto głos „kobiecy” pochodzący ze smutnych rosyjskich piosenek:

Ta kobieta jest chora

Ta kobieta jest sama

Mąż w grobie, syn w więzieniu,

Módlcie się za mnie. Oto „poetka”:

Powinienem ci pokazać, szyderco

I ulubieniec wszystkich przyjaciół,

Wesołemu grzesznikowi Carskiego Sioła,

Co stanie się z twoim życiem.

Oto Dziewica Maryja, ponieważ linie więzienia ofiarnego utożsamiają każdą matkę-męczennicę z Maryją:

Magdalena walczyła i płakała,

Ukochany uczeń zamienił się w kamień,

A gdzie Matka stała milcząco,

Dlatego nikt nie odważył się spojrzeć.

W wierszu Achmatowa praktycznie nie używa hiperboli, najwyraźniej dzieje się tak dlatego, że żal i cierpienie są tak wielkie, że nie ma potrzeby ani możliwości ich wyolbrzymiania. Wszystkie epitety dobrane są tak, aby budzić grozę i wstręt do przemocy, ukazywać spustoszenie miasta i wsi oraz podkreślać mękę. Melancholia jest „zabójcza”, kroki żołnierzy „ciężkie”, Ruś „niewinna”, „czarne marusi” (samochody więźniarskie). Często używany jest epitet „kamień”: „kamienne słowo”, „skamieniałe cierpienie”. Wiele epitetów jest bliskich ludowym: „gorąca łza”, „wielka rzeka”. W wierszu bardzo mocno dominują motywy ludowe, w których związek lirycznej bohaterki z ludem jest szczególny:

I nie modlę się tylko za siebie,

I o wszystkich, którzy byli tam ze mną

I w przenikliwym zimnie, i w lipcowym upale

Pod oślepiającą czerwoną ścianą.

Czytając ostatnią linijkę, widzisz przed sobą ścianę czerwoną od krwi i zaślepioną łzami wylanymi przez ofiary i ich bliskich.

W wierszu Achmatowej jest wiele metafor, które pozwalają nam w zaskakująco krótki i wyrazisty sposób przekazać nam myśli i uczucia: „A gwizdki lokomotywy zaśpiewały krótką pieśń rozstania”, „I przepalcie noworoczny lód swoimi gorącymi łzami .”

W wierszu pojawia się także wiele innych chwytów artystycznych: alegorie, symbole, personifikacje. Razem odzwierciedlają głębokie uczucia i doświadczenia.

Anna Andreevna Achmatowa z godnością wytrzymała wszystkie ciosy losu i przeżyła długie życie i dał ludziom wspaniałe dzieła.

Wstęp

2.1 Krótki przegląd twórczość A.A. Achmatowej

Wniosek

Wstęp

Anna Achmatowa żyła długo według standardów ludzkich i poetyckich. „I kto by uwierzył, że od tak dawna jestem poczęta i dlaczego o tym nie wiedziałam” – napisała w wieku siedemdziesięciu lat. W późniejszych wierszach i prozie ostatnie lata Achmatowa nie raz powtarzała, że przeżyła nie tylko swoich krewnych, bliskich, przyjaciół, współczesnych poetów, ale także wielu czytelników jej pierwszych książek („...Już za Acheronem / trzy czwarte moich czytelników…”); pierwsi czytelnicy „Różańca” są mniej liczni, niż żubry pod Puszczą Białowieską…”).

Ale życie Achmatowej było nie tylko długie, przeżyła tak wiele tragicznych rzeczy, które wystarczyłyby na życie kilku ludzi. Czas, w którym Achmatowa „pozostała na ziemi”, okazał się pełen wydarzeń o prawdziwie globalnym znaczeniu. W jednej ze swoich „oficjalnych” biografii napisała: „Jestem szczęśliwa, przeżyłam te lata i widziałam wydarzenia, które nie miały sobie równych”.

Dla krytyków literackich lat 70. i 80., którzy z radością podchwycili i zacytowali to zdanie, był to doskonały powód, aby wciągnąć dysydentkę Achmatową w owczarnię poeci radzieccy który zdał sobie sprawę z wielkości Rewolucja Październikowa, „który wywrócił losy ludzkości do góry nogami”. Rzeczywiście odwróciła wiele losów, w tym Anny Achmatowej, a ta rewolucja była tragiczna i bezlitosna.

Na podstawie powyższych faktów sformułowaliśmy temat naszych badań: „Idea i środki artystyczne jej ucieleśnienia w wierszu A.A. Achmatowa „Requiem”

Obiektem naszych badań jest wiersz A.A. Achmatowa „Requiem”.

Przedmiotem opracowania jest idea i środki artystyczne jej ucieleśnienia w wierszu A.A. Achmatowa „Requiem”.

Celem pracy jest scharakteryzowanie idei i środków artystycznych jej ucieleśnienia w wierszu A.A. Achmatowa „Requiem”

Metody badawcze: analiza literatura teoretyczna, uogólnienie, analiza kontekstowa.

Cele badawcze:

1.Przeanalizuj literaturę literacką dotyczącą tematu badawczego.

2.Omów podstawowe pojęcia pracy.

.Scharakteryzuj ideę i środki artystyczne jej ucieleśnienia w wierszu A.A. Achmatowa „Requiem”.

Rozdział I. Teoretyczne podstawy studiowania poezji A.A. Achmatowej

1 Pomysł na grafikę

Autor daje się poznać przede wszystkim jako nosiciel tej czy innej idei bytu i jego zjawisk. A to determinuje zasadnicze znaczenie w kompozycji sztuki jej strony ideologicznej i semantycznej, coś, co działo się przez cały XIX-XX wiek. często nazywany „ideą” (od starożytnej greckiej idei - koncepcja, reprezentacja).

Słowo to jest zakorzenione w filozofii od dawna, już od starożytności. Ma dwa znaczenia. Po pierwsze, idea to zrozumiała, wykraczająca poza rzeczywistość istota przedmiotów, prototyp rzeczy (Platon i jego następca, myśl średniowieczna), synteza pojęcia i przedmiotu (Hegel). Po drugie, w ciągu ostatnich trzech stuleci myśliciele zaczęli kojarzyć idee ze sferą subiektywnego doświadczenia, z wiedzą o bycie. Tak więc angielski filozof przełomu XVII-XVIII wieku. J. Locke w „Eseju o ludzkim rozumie” rozróżniał idee jasne i niejasne, realne i fantastyczne, adekwatne i nieadekwatne do swoich pierwowzorów, spójne i niezgodne z rzeczywistością. Tutaj pomysł jest oczywiście własnością podmiotu.

W odniesieniu do sztuki i literatury słowo „idea” jest używane w obu znaczeniach. W estetyce heglowskiej i następujących po niej teoriach idea artystyczna zbiega się z tym, co tradycyjnie nazywa się tematem. Oto esencja egzystencjalna pojmowana i uchwycona przez twórcę dzieła. Jednak coraz częściej i uparcie mówiono o idei w sztuce (zarówno w XIX, jak i XX wieku) jako o sferze podmiotowości autora, jako o zespole myśli i uczuć wyrażanych w dziele, należących do jego twórcy.

Już w XVIII wieku zwrócono uwagę na subiektywną orientację dzieł sztuki: „Teza o prymacie idei, myśli w dziełach sztuki<...>charakteryzuje estetykę racjonalistycznego Oświecenia.” Twórca dzieł sztuki w tym czasie, a zwłaszcza na przełomie XVIII i XIX w., był postrzegany nie tylko jako mistrz („naśladowca” natury czy wcześniejszych przykładów sztuki), ale nie jako bierny kontemplator dzieł sztuki. pewnych bytów zrozumiałych, ale jako wyraznik pewnego zakresu uczuć i myśli. Według F. Schillera w sztuce „pustka czy treść zależy bardziej od podmiotu niż od przedmiotu”; Siła poezji polega na tym, że „podmiot zostaje powiązany z ideą”2. Autor (artysta) pojawiał się w teoriach przełomu XVIII i XIX w. jako przedstawiciel określonego stanowiska, punktu widzenia. Idąc za Kantem, który wprowadził termin „ pomysł estetyczny„, sferę podmiotowości artystycznej zaczęto określać terminem idea. W tym samym znaczeniu używano wyrażeń „duch poetycki” i „koncepcja”. Według Goethego „w każdym dziele sztuki<...>wszystko sprowadza się do koncepcji.”3

Obecna w utworach idea artystyczna (koncepcja autorska) obejmuje zarówno ukierunkowaną przez autora interpretację i ocenę pewnych zjawisk życiowych (co podkreślali pedagodzy od Diderota i Lessinga po Bielińskiego i Czernyszewskiego), jak i ucieleśnienie filozoficznego spojrzenia na świat w jego integralność, która wiąże się z duchowym ujawnieniem się autora (o tym uparcie wypowiadali się teoretycy romantyzmu).

Myśl wyrażona w dziele jest zawsze nacechowana emocjonalnie. Pomysł artystyczny to swego rodzaju fuzja uogólnienia i uczucia, którą za Heglem V. G. Bieliński w piątym artykule o Puszkinie nazwał patosem („patos jest zawsze pasją rozpalaną w duszy człowieka przez ideę”1). To właśnie odróżnia sztukę od bezstronnej nauki i przybliża ją do dziennikarstwa, esejów, wspomnień, a także do codziennego rozumienia życia, które jest także na wskroś wartościujące. Specyfika właściwych idei artystycznych nie polega na ich emocjonalności samej w sobie, ale na skupieniu się na świecie w jego estetycznym wyglądzie, na zmysłowych formach życia.

Idee (koncepcje) artystyczne różnią się od uogólnień naukowych, filozoficznych, publicystycznych swoim miejscem i rolą w życiu duchowym ludzkości. Często poprzedzają późniejsze rozumienie świata, o czym pisali Schelling i Ap. Grigoriew. Ideę tę, nawiązującą do estetyki romantycznej, uzasadnił M. M. Bachtin. "Literatura<...>często antycypowane ideologie filozoficzne i etyczne.<...>Artysta ma wrażliwy słuch na tych, którzy rodzą się i stają<...>problemy.” W chwili narodzin „niekiedy słyszy je lepiej niż ostrożniejszy «człowiek nauki», filozof czy praktyk. Kształtowanie się myśli, woli i uczuć etycznych, ich wędrówki, jeszcze niesformalizowane szukanie rzeczywistości, ich nudna fermentacja w głębinach tak zwanej „psychologii społecznej” – wszystko to jeszcze nie rozcięty strumień powstającej ideologii odbija się i załamuje w treści dzieła literackie" Podobna rola artysty - jako zwiastuna i proroka - realizowana jest w szczególności w społeczno-historycznych koncepcjach „Borysa Godunowa” A. S. Puszkina i „Wojny i pokoju” L. N. Tołstoja, w opowiadaniach i opowiadaniach F. Kafka, który mówił o okropnościach totalitaryzmu jeszcze zanim on się przyjął, oraz w wielu innych dziełach.

Jednocześnie w sztuce (przede wszystkim werbalnej) szeroko odciskają się idee, koncepcje, prawdy, które już (a czasem od bardzo długiego czasu) utrwaliły się w doświadczeniu społecznym. Jednocześnie artysta jest rzecznikiem tradycji, jego sztuka dodatkowo potwierdza to, co znane, ożywiając je, nadając mu ostrości, bezpośredniości i nowej przekonywalności. Dzieło o tak znaczącej treści w duchowy i ekscytujący sposób przypomina ludziom o tym, co znajome i uważane za oczywiste, okazało się na wpół zapomniane, wymazane ze świadomości. Sztuka w tym aspekcie wskrzesza stare prawdy i daje im nowe życie. Oto obraz teatr ludowy w wierszu A. Bloka „Balagan” (1906): „Wleczcie się, żałobne zrzędy, / Aktorzy, opanujcie swoje rzemiosło, / Aby chodząca prawda / Sprawiła wszystkim ból i światło”.

Jak widać, sztuka (posłużmy się oceną V. M. Żyrmuńskiego) wykazuje żywe zainteresowanie tym, co „przyniosła ze sobą” nowa era” i do wszystkiego, co od dawna jest zakorzenione, do „utrwalonej” mentalności.

2 Środki wyrazu artystycznego chodźmy działać

Stylistyka jest rozwiniętą dziedziną nauki o literaturze, która posiada bogatą i dość rygorystyczną terminologię. Palma w konstruowaniu teorii mowy artystycznej należy do szkoły formalnej (V. B. Szkłowski, R. O. Yakobson, B. M. Eikhenbaum, G. O. Vinokur, V. M. Zhirmunsky), której odkrycia wywarły poważny wpływ na późniejszą krytykę literacką. Szczególnie ważne w tym obszarze są prace V.V. Winogradowa, który badał mowę artystyczną w jej korelacji nie tylko z odpowiadającym mu językiem norma literacka, ale także ze wspólnym językiem.

Pojęcie i terminy stylistyki stały się tematem wielu podręczników, wśród których naturalne jest umieszczanie książek B.V. Tomaszewskiego, zachowując swoją żywotność do dziś. Dlatego w naszej pracy ta część poetyki teoretycznej jest podana zwięźle i podsumowując, bez scharakteryzowania odpowiednich terminów, których jest bardzo wiele (porównanie, metafora, metonimia, epitet, elipsa, asonans itp.).

Mowa dzieł literackich niczym gąbka intensywnie chłonie różnorodne formy aktywności mowy, zarówno ustnej, jak i pisanej. Przez wiele stuleci pisarze i poeci znajdowali się pod aktywnym wpływem oratorium i zasad retoryki. Arystoteles zdefiniował retorykę jako umiejętność „znajdowania”. możliwe sposoby przekonania na dowolny temat”

Pierwotnie (w starożytnej Grecji) retoryka była teorią elokwencji, zbiorem zasad kierowanych do mówiących. Później (w średniowieczu) zasady retoryki rozszerzono na pisanie kazań i listów, a także na prozę literacką. Zadaniem tej dziedziny wiedzy w dzisiejszym rozumieniu jest „nauczanie sztuki tworzenia tekstów określonych gatunków” – zachęcanie mówców do wypowiadania się w sposób efektowny i przekonujący; Przedmiotem tej nauki są „warunki i formy skutecznej komunikacji”.

Retoryka dostarczyła literaturze bogatego pożywienia. Kształcenie mowy artystycznej na przestrzeni wieków (zwłaszcza w zakresie wysokie gatunki, czym jest epopeja, tragedia, oda) kierował się doświadczeniem oratorskim, podporządkowując się zaleceniom i regułom retoryki. I nieprzypadkowo epoki „przedromantyczne” (od starożytności po klasycyzm włącznie) określane są jako etap kultury retorycznej, którego cechami charakterystycznymi są „poznawczy prymat tego, co ogólne nad tym, co szczegółowe” i „racjonalna redukcja konkretnego faktu do uniwersaliów.”

W czasach romantyzmu (i później) retoryka w jej znaczeniu dla literatury zaczęła budzić wątpliwości i nieufność. Dlatego V. G. Belinsky w artykułach z drugiej połowy lat czterdziestych XIX wieku uparcie przeciwstawiał się zasadzie retorycznej w twórczości pisarzy. przestarzały) z naturalnością, która jest dobra na współczesność. Przez retorykę miał na myśli „dobrowolne lub mimowolne zniekształcenie rzeczywistości, fałszywą idealizację życia”. Literatura tego czasu wyraźnie osłabiła (choć nie wyeliminowała całkowicie) swoje wieloletnie związki z oratorską kwiecistością.

Kultura europejska, zauważył Yu. M. Lotman, w XVII-XIX wieku. ewoluowała od postawy przestrzegania zasad i od złożoności retorycznej (klasycyzm) do prostoty stylistycznej. A mowa swobodnie konwersacyjna, nie przestrzegająca retoryki, coraz usilniej przesuwała się na czoło sztuki słowa. Dzieło A. S. Puszkina w tym zakresie umiejscowione jest niejako na „skrzyżowaniu” dwóch tradycji kultury mowy: retorycznej i potocznej. Znacząca jest także ledwie zauważalna parodia oratorskiego wstępu do opowiadania „Agent na stacji”, którego tonacja ostro odbiega od późniejszej naiwnej narracji; i stylistyczna niejednorodność „Jeźdźca miedzianego” (odyczny wstęp i smutna, pozbawiona ozdób opowieść o losach Eugeniusza); oraz różnica w sposobie mówienia bohaterów „Mozarta i Salieriego”, w pierwszym przypadku konwersacyjna łatwa, w drugim podniosła retorycznie, podniosła.

Mowa potoczna (lingwiści nazywają ją „nieskodyfikowaną”) wiąże się z komunikacją (rozmową) między ludźmi, przede wszystkim w ich życiu prywatnym. Jest wolna od regulacji i ma tendencję do zmiany swoich form w zależności od sytuacji. Rozmowa (rozmowa) jako najważniejsza forma kultury ludzkiej umocniła się i zadeklarowała już w starożytności. Sokrates w dialogach Platona „Protagoras” i „Fedon” mówi: „Wzajemne porozumiewanie się w rozmowie to jedno, a wystąpienia publiczne to zupełnie co innego”. I zauważa, że on sam „w ogóle nie zajmuje się sztuką mowy”, gdyż mówiący często jest zmuszony pożegnać się z prawdą, aby osiągnąć swój cel. W swoim traktacie „O obowiązkach” (Księga 1. § 37) Cyceron scharakteryzował rozmowę jako bardzo ważne „ogniwo” życie ludzkie: „Mowa oratoryjna ma wielka wartość Jednakże w kwestii zdobycia sławy „uczucie i przystępność rozmowy przyciągają ludzkie serca”. Umiejętności konwersacyjne utworzyły potężną, wielowiekową tradycję kulturową, która obecnie przeżywa kryzys.

Rozmowa jako najważniejszy rodzaj komunikacji między ludźmi i mowa potoczna, która ją realizuje, znajdują szerokie odzwierciedlenie w rosyjskiej literaturze klasycznej. Przypomnijmy sobie „Biada dowcipu”, „Eugeniusz Oniegin”, wiersze N. A. Niekrasowa, powieści i opowiadania N. S. Leskowa, sztuki A. N. Ostrowskiego i A. P. Czechowa. Można powiedzieć, że pisarze XIX wieku przeorientowali się z formuł deklamatorsko-oratorskich, retoryczno-poetyckich na mowę codzienną, zrelaksowaną, „konwersacyjną”. Zatem w wierszach Puszkina, zdaniem L. Ya Ginzburga, miał miejsce swego rodzaju „cud przekształcenia zwykłego słowa w słowo poetyckie”.

Znamienne, że w XIX-XX w. sztuka słowa w ogóle jest postrzegana przez pisarzy i naukowców jako wyjątkowa forma wywiadu (rozmowy) pomiędzy autorem a czytelnikiem. Według angielskiego pisarza R. Stevensona „literatura we wszystkich swoich postaciach to nic innego jak cień dobrej rozmowy”. A. A. Ukhtomski uważał, że podstawową zasadą wszelkiej twórczości literackiej jest nieugaszone i nienasycone pragnienie znalezienia rozmówcy według własnego serca. Pisanie, zdaniem naukowca, powstaje „z żalu” – „z niezaspokojonej potrzeby posiadania rozmówcy i przyjaciela”.

Tkanka werbalna dzieł literackich, jak widać, jest głęboko związana z mową ustną i jest przez nią aktywnie stymulowana.

Mowa literacka często przybiera także formę pisanych form mowy niefikcjonalnej (liczne powieści i opowiadania o charakterze epistolarnym, proza w formie pamiętników i pamiętników). Zorientowanie literatury – jeśli mamy na uwadze jej wielowiekowe doświadczenia – w kierunku pisanych form mowy jest drugorzędne w stosunku do jej powiązań z mową ustną.

„Wchłaniając” różne formy mowy niefikcjonalnej, literatura łatwo i chętnie dopuszcza odstępstwa od normy językowej i wprowadza innowacje w sferze aktywności mowy. Pisarze potrafią pełnić rolę twórców języka, czego wyraźnym przykładem jest poezja W. Chlebnikowa. Mowa artystyczna nie tylko skupia bogactwa języków narodowych, ale także je wzmacnia i dalej tworzy. I to właśnie w sferze sztuki słowa kształtuje się język literacki. Niezaprzeczalnym potwierdzeniem tego jest dzieło A. S. Puszkina.

Środki mowy artystycznej są heterogeniczne i wieloaspektowe. Stanowią one system, co zostało odnotowane w pracach napisanych z udziałem R.O. Yakobson i N.S. Trubetskoya „Tezy praskiego koła językowego” (1929), który podsumowuje osiągnięcia szkoły formalnej na polu studiów język poetycki. Wskazano tu główne warstwy mowy artystycznej.

Są to, po pierwsze, środki leksykalne i frazeologiczne, czyli zbiór słów i wyrażeń mających różne pochodzenie i „dźwięki” emocjonalne: zarówno powszechnie używane, jak i rzadko używane, w tym także nowe formacje; zarówno języki ojczyste, jak i obce; zarówno dotrzymujące normy języka literackiego, jak i odbiegające od niej, czasem dość radykalnie, jak wulgaryzmy i język „obsceniczny”. Do jednostek leksykono-frazeologicznych przylegają zjawiska morfologiczne (właściwie gramatyczne) języka. Są to na przykład przyrostki zdrobniałe, zakorzenione w rosyjskim folklorze. Gramatycznej stronie mowy artystycznej poświęcona jest jedna z prac R. O. Yakobsona, w której podjął on próbę analizy systemu zaimków (pierwszej i trzeciej osoby) w wierszach Puszkina „Kochałem cię...” i „Co jest w moim imieniu dla Ty." „Kontrasty, podobieństwa i zbieżności różnych czasów i liczb” – twierdzi naukowiec, „formy i głosy słowne faktycznie odgrywają wiodącą rolę w komponowaniu poszczególnych wierszy”. I zauważa, że w tego rodzaju poezji „figury gramatyczne” zdają się tłumić obrazy alegoryczne.

Jest to po drugie semantyka mowy w wąskim znaczeniu tego słowa: przenośne znaczenia słów, alegorie, tropy, a przede wszystkim metafory i metonimie, w których A. A. Potebnya widział główne, a nawet jedyne źródło poezji i obrazowości. W tym aspekcie literatura artystyczna przekształca i dalej tworzy skojarzenia werbalne, w które bogata jest aktywność mowy ludzi i społeczeństwa.

W wielu przypadkach (szczególnie charakterystycznych dla poezji XX wieku) zaciera się granica między znaczeniami bezpośrednimi i figuratywnymi, a słowa, można by rzec, zaczynają swobodnie krążyć po przedmiotach, nie desygnując ich bezpośrednio. W wierszach św. Mallarmé, A. A. Blok, M. I. Tsvetaeva, O. E. Mandelstam, B.L. W Pasternaku dominują nie uporządkowane refleksje czy opisy, ale zewnętrznie zdezorientowana autoekspresja - mowa „podekscytowana”, niezwykle nasycona nieoczekiwanymi skojarzeniami. Poeci ci wyzwolili sztukę werbalną od norm logicznie zorganizowanej mowy. Doświadczenie zaczęło być wyrażane w słowach w sposób bardziej swobodny i nieskrępowany.

Dalsza (po trzecie, czwarta, piąta...) mowa artystyczna zawiera warstwy adresowane do wewnętrznego ucha czytelnika. Są to zasady fonetyczne, intonacyjno-syntaktyczne i rytmiczne, do których się odniesiemy.

Rozdział II. Teoretyczne podstawy badania idei i środków artystycznych jej ucieleśnienia w wierszu A.A. Achmatowa „Requiem”

1 Krótki przegląd twórczości A.A. Achmatowej

Pierwszy tomik wierszy A. A. Achmatowej „Wieczór” ukazał się w marcu 1912 r. w nakładzie 300 egzemplarzy i zawierał 46 wierszy. Debiut młodego autora spotkał się z sympatią krytyków. Recenzenci zauważyli, że „Achmatowa jest już uznaną artystką, poetką, która łączy dwa pozytywne cechy: doskonałość kobiecości z wzruszającą i wyrafinowaną intymnością”; „...na młodego poetę wpłynął najpierw Kuzmin, a potem, co na pierwszy rzut oka dziwne, I.F. Annensky”. I jeszcze jedno: „Odnalezienie literackiej genealogii Achmatowej nie jest trudne. Oczywiście należy pamiętać (wśród poetów rosyjskich) I. Annenskiego i Kuźmina, Sołoguba i Bloka”.

Achmatowa do końca życia pracowała nad „Wieczorem”, włączając swoje wiersze w różnych publikacjach. W zbiorze „Wiersze” (Biblioteka Poezji Radzieckiej. M., 1961) Achmatowa po raz pierwszy umieściła w „Wieczorze” 5 wierszy z tzw. „Notatnika Kijowskiego” (inna nazwa to „Przedwieczór”), napisany głównie w 1909 r., ale później znacznie zmieniony. Wiersze te otwierają „Wieczór” w jego ostatnim tomie życiowym „Bieg czasu” (1965). Generalnie skład „Wieczoru” w tej książce jest okrojony (prawdopodobnie ze względów cenzuralnych) w porównaniu ze zbiorem „Z sześciu ksiąg” z 1940 roku.

W ostatnich latach życia stosunek Achmatowej do jej pierwszych wierszy był raczej chłodny. W jednej ze swoich notatek autobiograficznych napisała: „Poeta ma sekretną relację ze wszystkim, co kiedyś skomponował i często zaprzeczają one temu, co czytelnik myśli o danym wierszu. Na przykład z mojej pierwszej książki „Wieczór” (1912) podobają mi się teraz tylko wersety:

Podobny do Twojego.

Wydaje mi się nawet, że wiele moich wierszy wyrosło z tych wersów... To samo, o czym tak często wspominają krytycy, pozostaje mi zupełnie obojętne.

Ale Achmatowa nigdy nie była obojętna na los swojej pierwszej książki. Po wydaniu zbioru „Bieg czasu” (1965), planując nowe wydanie swoich utworów, wymyśliła poetycki motto do „Wieczór”, napisane jakby na zlecenie Gumilowa.

DO WIECZORU (1910)

Czy jesteś lilią, łabędziem czy dziewicą?

Wierzyłem w twoje piękno, -

Profil twojego Pana w chwili gniewu

Wyryty na tarczy anioła.

Ze wszystkich książek Achmatowej „Różaniec” odniósł największy sukces, a jednocześnie wywołał najwięcej kontrowersyjnej krytyki. Drugi zbiór poety miał wcielić w życie założenia nowego ruchu literackiego – akmeizmu w opozycji do symboliki. Ale nie wszyscy recenzenci zgodzili się widzieć w sukcesie „Różańca” jedynie twórcze zwycięstwo jednego z przedstawicieli nowego kierunku. I tak zasadniczo pozostający poza trendami poeta Borys Sadowski w recenzji o charakterystycznym tytule „Koniec akmeizmu” przeciwstawia A. Achmatową „Cechowi poetów”, słusznie odnajdując w tej książce motywy upodabniające ją do tragiczny tekst Aleksandra Bloka: „Pani Achmatowa, niewątpliwie utalentowana poetka, tylko poetka, nie poetka. W poezji Achmatowej wyczuwa się coś na kształt Bloka, jego czułą radość i ostrą melancholię; można powiedzieć, że w poezji Achmatowej ostra wieża wysokości Bloku przebija jak igła samotne, czułe serce”. I dalej, oddzielając Achmatową od Acmeizmu, B. Sadovskoy napisał: „Teksty Achmatowej to zwykły smutek, skrucha i męka, ale prawdziwy akmeista musi być zadowolony z siebie, jak Adam przed upadkiem. W samym zadaniu akmeizmu nie ma tragedii, nie ma doświadczenia zaświatów, czyli nie ma w nim elementów autentycznego liryzmu”.

W 1964 roku, przemawiając w Moskwie podczas wieczoru poświęconego pięćdziesiątej rocznicy wydania „Różańca”, poeta Arsenij Tarkowski powiedział: „Wraz z „Różańcem” nadszedł czas powszechnego uznania dla Achmatowej. Przed rewolucją żadna książka nowego rosyjskiego poety nie była wydawana tyle razy, co „Różaniec”. Chwała otworzyła jej bramy natychmiast, w ciągu jednego dnia, w ciągu jednej godziny. Święte miejsce stało puste, odkąd Safona przestała istnieć. Poezja Achmatowej rozprzestrzeniała się nie tylko w przyszłość, ale także niejako w przeszłość, a rozłam między ostatni wiersz Grecka poetka i pierwsi Rosjanie przestali wydawać się tacy wielcy”. Takie pochwały wczesnej poezji nieco zirytowały Achmatową - widziała w nich niedocenianie siebie późna twórczość. „Te pochwały nie są w mojej randze i Safona nie ma z tym nic wspólnego…” – te jej wiersze wydają się być bezpośrednią odpowiedzią na pochwalne słowa Tarkowskiego. A jednak „Różaniec” był i pozostaje, choć nie najdoskonalszy, ale z pewnością najdoskonalszy słynna książka poetka Anna Achmatowa.

W 1916 r., W przededniu publikacji książki „Białe stado”, Osip Mandelstam napisał w recenzji zbioru wierszy „Almanach muz”: „W ostatnich wierszach Achmatowej nastąpił punkt zwrotny w kierunku… religijna prostota i powaga: powiedziałbym, że po kobietach przyszła kolej na żony. Pamiętaj: „...pokorna, nędznie ubrana, ale majestatycznie wyglądająca żona”. Głos wyrzeczenia w wierszach Achmatowej staje się coraz silniejszy i obecnie jej poezja jest bliska stania się jednym z symboli wielkości Rosji”. „Białe Stado” ukazało się we wrześniu 1917 roku nakładem wydawnictwa Hyperborey w nakładzie 2000 egzemplarzy. Zawiera 83 wiersze oraz wiersz „Nad morzem”.

Wszystkie recenzje trzeciej książki poety, nieliczne jak na ówczesne warunki, zwracały uwagę na jej odmienność stylistyczną od dwóch pierwszych. A. A. Słonimski dostrzegł w wierszach tworzących „Białe stado” „nowe, pogłębione postrzeganie świata”, co jego zdaniem wiązało się z przewagą zasady duchowej w trzeciej księdze nad „zmysłową” , „bardzo kobiecy”, a duchową zasadę potwierdza, zdaniem krytyka, „pewien rodzaj spojrzenia Puszkina z zewnątrz”. Inny wybitny krytyk tamtych czasów, K.V. Mochulsky, wiązał „gwałtowną zmianę w twórczości Achmatowa” z wnikliwą uwagą poety na zjawiska rosyjskiej rzeczywistości lat 1914–1917: „Poeta pozostawia daleko za sobą krąg intymnych przeżyć, komfortu „granatowego pokoju”, kula wielobarwnego jedwabiu zmiennych nastrojów, wykwintnych emocji i kapryśnych melodii. Staje się bardziej rygorystyczny, surowy i silniejszy. Wychodzi na otwarte niebo - a od słonego wiatru i stepowego powietrza jego głos rośnie i staje się silniejszy. W jego poetyckim repertuarze pojawiają się obrazy Ojczyzny, rozbrzmiewa głuchy huk wojny, słychać cichy szept modlitwy”. Samotność lirycznych bohaterek „Wieczorów” i „Różańca” w trzeciej książce Achmatowej zastępuje chóralna polifonia. W ten sposób poeta zdaje się łączyć świadomość powszechna.

Zasada chóralna, polifonia, staje się teraz głównym elementem systemie artystycznym Achmatowa.

W latach 1919 i 1920 Anna Achmatowa prawie nigdy nie pisała wierszy. Wydany w kwietniu 1921 r. zbiór „Babki” zawierał zaledwie 36 wierszy, w większości powstałych w latach 1917–1918. lub nawet związane z czymś więcej wczesny okres. W „Bantanie” Achmatowa zdawała się dopełniać poszczególne wątki liryczne „Białego Stada”. Odnośnie tematów dot życie społeczne(rewolucja, wojna domowa), następnie zostają ujawnione w „Babce” jako osobne, znaczące wiersze, ale większość wierszy tego planu, napisanych w 1921 r., owocnym dla Achmatowej, znalazła się w kolejnej książce poety.

Achmatowa dwukrotnie umieściła „Babkę” jako oddzielny rozdział w książce „Anno Domini”. Jednak w głównych wydawnictwach ostatnich lat jego życia („Z sześciu ksiąg” i „Bieg czasu”) „Blanka” ukazała się jako samodzielna książka, w nieco skróconej formie w porównaniu z pierwszym wydaniem.

Zbiór „Anno Domini” ukazał się w dwóch wydaniach, które znacząco się od siebie różniły. Pierwsza ukazała się w 1922 roku pod tytułem „Anno Domini MCMXXI” – co w tłumaczeniu z łaciny oznacza „W Roku Pańskim 1921”. Prawie wszystkie wiersze zawarte w tej publikacji powstały w 1921 roku, jednym z najbardziej owocnych lat w twórczości Achmatowej. Wydanie drugie ukazało się w Berlinie w 1923 roku nakładem wydawnictw „Petropolis” i „Alkonost” pod tytułem: „Anno Domini” (wyd. 2, uzupełnione). W tym wydaniu znajdują się nowe wiersze, napisane głównie w 1922 r., a także w formie ostatnia sekcja, wcześniej samodzielny „Babka”. W skróconej formie zbiór „Anno Domini” znalazł się w późniejszych zbiorach Achmatowej. „Anno Domini” to piąta książka Achmatowej. Spotkało się to z mieszanymi recenzjami krytyków. Oszczerstwa krytyków takich jak G. Lelevich, który oskarżał „pobożną dziewicę Annę” o „mistyczny nacjonalizm”, zraniły Achmatową niewiele bardziej niż protekcjonalna obojętność M. Kuzmina, Yu Tynyanova, M. Shaginyana, którzy widzieli elementy starego Achmatowska maniera w „Anno Domini”. Dokładniej niż inne kryzys sytuacji, który faktycznie był w książce, uświadomił sobie K. Mochulsky, który jako „beznadziejność melancholii, grozę samotności, wieczną separację i próżne oczekiwanie” zauważył stan umysłu bohaterka liryczna. Jednak K. Mochulsky słusznie zauważył, że „uczucia ponadosobowe wyciągają poetę z drugiego przeklętego kręgu miłości i nienawiści - miłości do ojczyzny i wiary w swoje powołanie”. N. Osinsky w artykule „Pędy trawy” (Prawda, 1922) napisał, że „Po śmierci A. Bloka Achmatowa niewątpliwie zajmuje pierwsze miejsce wśród rosyjskich poetów… Rewolucja wypaliła wszystko, co symboliczne i obyczajowe z jej wierszy . Ogromne doświadczenia osobiste nadały tym wierszom gorzki kolor i smak. Bolszewik N. Osinski nazwał nowe wiersze Achmatowej „dokumentem epoki”, a samą Achmatową „najlepszym rosyjskim poetą naszych czasów”.

W latach 1924–1940 wiersze Anny Andreevny Achmatowej nie ukazywały się w prasie radzieckiej. Dopiero w 1940 roku ukazał się zbiór „Z sześciu ksiąg”. W przygotowaniu kolekcji czynnie brali udział Y. Tynyanov i M. Lozinsky. Cykl „Trzcina”, zmuszony do nazwania „Wierzbą”, różni się od wszystkich poprzednich książek A. Achmatowej tym, że nie ma wewnętrznej fabuły. Z tych wierszy – o celowo mieszanej chronologii – trudno sobie wyobrazić, jak przebiegał rozwój twórczości Achmatowej. I choć zbiór „Z sześciu ksiąg” został przyjęty entuzjastycznie zarówno przez czytelników, jak i kilku krytyków, jego życie okazało się krótkie. W notatce na ten temat Achmatowa pisze: „Na losy tej książki wpłynęła następująca okoliczność: Szołochow nominował ją do Nagrody Stalina (1940). Wspierali go A.N. Tołstoj i Niemirowicz-Danczenko. Nagrodę miał otrzymać N. Asiejew za wiersz „Początek Majakowski”. Rozpoczęły się donosy i wszystko, co jest wymagane w takich przypadkach; „Z sześciu książek” zostało zakazane i wyrzucone z księgarń i bibliotek.”

W listopadzie 1945 r. w „Literackiej Gazecie” w dziale „Książki przyszłości” Anna Achmatowa napisała: „Obszerny zbiór moich wierszy lirycznych (1909–1945), liczący około czterech tysięcy wierszy, powinien zostać opublikowany na początku 1946 r. w Goslitizdat . Częścią księgozbioru będą dawne księgi. Ostatnia sekcja nazywa się „Nieparzysta”. „Dziwny” zawiera wiersze z lat wojny, głównie wiersze poświęcone Leningradowi, oraz niewielki cykl „Księżyc w zenicie”, który uważam za serię szkiców do wiersza o Azja Środkowa, w którym spędziłem dwa i pół roku i z którym nie rozstałem się jeszcze twórczo.” Zbiór ten został przepisany na maszynie, a cały nakład (10 000 egzemplarzy) został zniszczony w związku z dekretem o czasopismach „Zwiezda” i „Leningrad”. W tym samym czasie w 1946 r. Achmatowa przekazała wydawnictwu „ Pisarz radziecki» rękopis książki „Dziwne”. Rękopis zwrócono jej w 1952 r. „w związku z upływem okresu przechowywania archiwalnego”. Jeśli ta wersja „Dziwnego” zawierała wiersze z lat 1936–1946, ułożone chronologicznie, to z biegiem czasu Achmatowa zaczęła spisywać na pustych kartkach zwracanego jej rękopisu wiersze powstałe w kolejnych latach, naruszając w ten sposób chronologię. Ostateczny plan Odda obejmuje wiersze z lat 1940-1962. Ma podtytuł: „Siódma księga wierszy”, a jej treść wykazuje wiele podobieństw z cyklem „Siódma księga”, zawartym w zbiorze „Upływ czasu” (1965). W cyklu tym znajduje się dział „Dziwne”, zawierający wiersze z ostatnich lat.

Kiedy w 1952 roku wydawnictwo zwróciło Achmatowej rękopis jej wierszy „Dziwne”, przesłane tam jeszcze w 1946 roku, rozpoczęła pracę nad nową, „siódmą książką”, nadając jej tytuł „Bieg czasu”. Ale nie tylko o zmianę tytułu chodziło: istotnie zmienił się charakter wierszy zawartych w „Upływie czasu”. W latach 60 w dziele Achmatowej, wraz z obiektywno-historyczną, wzmacnia się zasada społeczno-filozoficzna, znajdując wyraz w samej strukturze wiersza. Jeśli wiersze o ostrym brzmieniu społecznym (pisane z reguły we wcześniejszych latach) nie są ograniczone ściśle określoną liczbą wierszy, to poetyckie filozofofemy ostatnich lat z reguły skłaniają się ku ulubionej formie poetyckiej Achmatowej - czterowierszowi . Często dwie zasady – społeczna i filozoficzna – łączą się organicznie, jak na przykład w czterowierszu „Upływ czasu”, który miał otwierać książkę. Zasada chronologii, już słabo przestrzegana przez Achmatową w poprzednich książkach, w Upływie czasu zostaje zasadniczo naruszona. Stało się tak dlatego, że w latach 60. Achmatowa po raz pierwszy postanowiła spisać kilka wierszy z lat 30., które do tej pory żyły tylko w jej pamięci lub w pamięci jej bliskich przyjaciół. Po XXII Zjeździe KPZR Achmatowa tak bardzo wierzyła w osłabienie roli cenzury, że umieściła wiersze z „Zeszytu skarbów” w „Ucieczce czasu”. „Pamiętnik skarbów” lub „Dzikie mięso”, jak żartobliwie nazwała ten cykl, zawierał najskrytsze przemyślenia Achmatowej na temat osobistej odpowiedzialności poety za przydzielony mu czas historyczny. Cykl „Z wierszy lat 30.”, a także cykl „Wianek dla zmarłych” zadecydowały o losach „Upływu czasu”. Nie pozwolił na to wpływowy w najwyższych kręgach biurokratycznych i literackich krytyk literacki E.F. Knipowicz, któremu przesłano do recenzji rękopis książki Achmatowej. W rezultacie nazwą „Bieg czasu” nadano nie siódmej książce, ale zbiorowi składającemu się ze wszystkich opublikowanych wcześniej książek Achmatowej, ale znacznie oczyszczonych przez cenzurę

pomysł artystyczny Poezja Achmatowa

2.2 Pomysł i środki artystyczne jego ucieleśnienia w wierszu A.A. Achmatowa „Requiem”

W latach 1935–1940 powstało „Requiem”, opublikowane dopiero pół wieku później – w 1987 r. i będące odzwierciedleniem osobistej tragedii Anny Achmatowej – losów jej i jej syna Lwa Nikołajewicza Gumilowa, bezprawnie represjonowanych i skazanych na śmierć.

„Requiem” stało się pomnikiem wszystkich ofiar tyranii Stalina. „W strasznych latach Jeżowszczyny spędziłem siedemnaście miesięcy w więziennych kolejkach” – „Od siedemnastu miesięcy krzyczę, wołając cię do domu…”

I kamienne słowo upadło

Na mojej wciąż żywej piersi.

Nie ma sprawy, bo byłem gotowy

Poradzę sobie z tym jakoś.

Mam dzisiaj dużo do zrobienia:

Musimy całkowicie zabić naszą pamięć,

Trzeba, żeby dusza zamieniła się w kamień,

Musimy nauczyć się żyć na nowo.

Wiersze o tak tragicznej intensywności, obnażające i potępiające despotyzm stalinizmu, były niebezpieczne i po prostu niemożliwe do zapisania w chwili ich pisania. Zarówno sam autor, jak i kilku bliskich przyjaciół zapamiętało tekst na pamięć, od czasu do czasu sprawdzając siłę swojej pamięci. W ten sposób pamięć ludzka na długi czas zamieniła się w „papier”, na którym odciśnięto „Requiem”.

Bez Requiem nie da się zrozumieć życia, twórczości ani osobowości Anny Andreevny Achmatowej. Co więcej, bez Requiem nie da się zrozumieć literatury współczesny świat oraz te procesy, które miały miejsce i zachodzą w społeczeństwie. Mówiąc o „Requiem” Achmatowej, A. Urban wyraża opinię, że „żył wcześniej” – w tych fragmentach, które w latach 30. ukazały się jako osobne wiersze. Żył w kawałkach papieru przepisywanych ręcznie lub pisanych na maszynie do pisania! Krytyk uważa, że „publikacja „Requiem” na zawsze położyła kres legendzie Achmatowej „jako poetki wyłącznie kameralnej”.

"Przedstawiciel" srebrny wiek” kultury rosyjskiej, dzielnie przemierzała XX wiek do nas, świadków jego ostatnich dziesięcioleci. Droga jest trudna, tragiczna, na skraju rozpaczy.” Ale autorka artykułu zwraca uwagę, że nawet w „swoim najbardziej gorzkim dziele Requiem Anna Achmatowa (jest to także własność wielkiej literatury rosyjskiej) zachowuje wiarę w sprawiedliwość historyczną”.

„W zasadzie nikt nie wie, w jakiej epoce żyje. Na początku lat 90. nasz naród nie wiedział, że żyje w przededniu pierwszej wojny europejskiej i rewolucji październikowej” – napisała Achmatowa.

Ta głęboka uwaga ujawniła w autorze artystę i historyka zarazem. W jej życiu i twórczości odczuwamy nieposkromiony „bieg czasu”; odnajdujemy nie zewnętrzne procesy historyczne epoki, w której żyjemy, ale żywe uczucia, dalekowzroczność wnikliwej artystki.

Obecnie czasopismo literacko-artystyczne „Październik” w 1987 roku opublikowało na swoich łamach w całości „Requiem”. W ten sposób wybitne dzieło Achmatowej stało się „wiedzą publiczną”. To niezwykły dokument epoki, oparty na faktach z własnego życiorysu, będący dowodem prób, przez jakie przechodzili nasi rodacy.

Znów zbliżała się godzina pogrzebu.

Widzę, słyszę, czuję Cię...

..................

Chciałbym zwracać się do wszystkich po imieniu,

Tak, lista została zabrana i nie ma gdzie się dowiedzieć...

.................

Pamiętam je zawsze i wszędzie,

Nie zapomnę o nich nawet w nowych kłopotach...

Anna Andreevna zasłużenie cieszy się wdzięcznym uznaniem czytelników, a duże znaczenie jej poezji jest powszechnie znane. Ściśle proporcjonalnie do głębokości i szerokości jej idei, jej „głos” nigdy nie opada do szeptu i nie wznosi się do krzyku – ani w godzinach narodowego żalu, ani w godzinach narodowego triumfu.

Z powściągliwością, bez krzyku i napięcia, w sposób epicko beznamiętny, o przeżywanym żalu mówi się: „Przed tym smutkiem góry się uginają”.

Anna Achmatowa tak definiuje biograficzne znaczenie tego żalu:

„Mężu w grobie, synu w więzieniu, módlcie się za mną”. Wyraża się to bezpośredniością i prostotą, spotykaną jedynie w wysokim folklorze. Ale nie chodzi tu tylko o osobiste cierpienie, choć samo to wystarczy do tragedii. To cierpienie rozwija się w ramach: „Nie, to nie ja, to ktoś inny cierpi”, „I modlę się nie tylko za siebie, ale za wszystkich, którzy byli tam ze mną. » Wraz z publikacją „Requiem” i sąsiadujących z nim wierszy twórczość Anny Achmatowej nabiera nowego znaczenia historycznego, literackiego i społecznego.

To właśnie w „Requiem” lakonizm poety jest szczególnie zauważalny. Oprócz prozaicznego „Zamiast przedmowy” jest tam tylko około dwustu linijek. A Requiem brzmi jak epopeja.

Lata te stały się dla Achmatowej czasami najtrudniejszymi próbami w jej życiu. Była świadkiem nie tylko II wojny światowej rozpętanej przez faszyzm, która wkrótce rozprzestrzeniła się na ziemię jej Ojczyzny, ale także innej, nie mniej straszliwej wojny prowadzonej przez Stalina i jego popleczników z własnym narodem.

Potworne represje lat 30., jakie spadły na jej przyjaciół i ludzi o podobnych poglądach, zniszczyły także jej dom rodzinny: najpierw aresztowano i zesłano jej syna, studenta, a następnie męża N.N. Punina. Sama Achmatowa żyła przez te wszystkie lata w ciągłym oczekiwaniu na aresztowanie. Wiele miesięcy spędziła w długich i smutnych kolejkach więziennych, aby przekazać przesyłkę synowi i dowiedzieć się o jego losach. W oczach władz była osobą wyjątkowo niewiarygodną: jej pierwszy mąż, N. Gumilow, został w 1921 r. rozstrzelany za działalność „kontrrewolucyjną”. Doskonale zdawała sobie sprawę, że jej życie wisi na włosku i z niepokojem słuchała pukania do drzwi. Wydawać by się mogło, że w takich warunkach pisanie było nie do pomyślenia, a ona tak naprawdę nie pisała, to znaczy nie zapisywała swoich wierszy, porzucając pióro i papier. L.K. Chukovskaya pisze w swoich wspomnieniach o tym, jak uważnie poetka czytała szeptem swoje wiersze, ponieważ loch był bardzo blisko. Jednak pozbawiona możliwości pisania Anna Achmatowa przeżyła jednocześnie swój największy rozwój twórczy w tych latach. Wielki smutek, ale jednocześnie wielka odwaga i duma ze swego ludu stanowią podstawę wierszy Achmatowej z tego okresu.

Głównym osiągnięciem twórczym i obywatelskim Achmatowej w latach 30. było stworzone przez nią „Requiem”, poświęcone latom „Wielkiego Terroru” - cierpieniom represjonowanego narodu.

Nie, i nie pod obcym niebem,

I nie pod ochroną obcych skrzydeł, -

Byłem wtedy z moimi ludźmi,

Gdzie, niestety, byli moi ludzie.

„Requiem” składa się z dziesięciu wierszy. Przedmowa prozatorska, nazwana przez Achmatową „Zamiast przedmowy”, „Dedykacja”, „Wprowadzenie” i dwuczęściowy „Epilog”. Ukrzyżowanie zawarte w Requiem również składa się z dwóch części. Z „Requiem” nawiązuje się także wiersz „Nie na próżno cierpieliśmy razem…”, napisany później. Z niego Anna Andreevna zaczerpnęła słowa: „Nie i nie pod obcym firmamentem…” jako motto do „Requiem”, ponieważ według poetki nadały ton całemu wierszowi, będąc jego muzycznym i semantycznym klawisz. „Dobroczyńcy” radzili porzucić te słowa, chcąc w ten sposób przejść dzieło przez cenzurę.

„Requiem” ma żywotną podstawę, co bardzo wyraźnie zostało wyrażone w małej części prozatorskiej – „Zamiast przedmowy”.

Już tutaj wyraźnie widać wewnętrzny cel całego dzieła - ukazanie strasznych lat Jeżowszczyny. I to jest historia.

Razem z innymi cierpiącymi Achmatowa stanęła w kolejce do więzienia: „Pewnego dnia ktoś mnie „zidentyfikował”. Wtedy stojąca za mną kobieta o niebieskich ustach, która oczywiście nigdy w życiu nie słyszała mojego imienia, obudziła się z charakterystycznego dla nas wszystkich odrętwienia i zapytała mnie do ucha (wszyscy tam mówili szeptem) :

Czy możesz to opisać?

I powiedziałem:

Potem coś w rodzaju uśmiechu przemknęło przez to, co kiedyś było jej twarzą.

W tym małym fragmencie wyraźnie wyłania się epoka – straszna, beznadziejna. Idea pracy odpowiada słownictwu:

Achmatowej nie rozpoznano, ale, jak często wtedy mówiono, „zidentyfikowano” usta kobiety „siniały” z głodu i wyczerpania nerwowego; wszyscy mówią tylko szeptem i tylko „do ucha”.

Jest to konieczne - w przeciwnym razie dowiedzą się, „zidentyfikują”, „uważą go za niewiarygodnego” - wroga. Achmatowa, wybierając odpowiednie słownictwo, pisze nie tylko o sobie, ale o wszystkich na raz, mówi o „odrętwieniu”, „charakterystyce” każdego. Przedmowa do wiersza stanowi drugą kluczową część utworu. Pomaga nam zrozumieć, że wiersz został napisany „na zamówienie”. Kobieta „z niebieskimi ustami” pyta ją o to, jako o ostatnią nadzieję na jakiś triumf sprawiedliwości i prawdy. I Achmatowa bez wahania podejmuje się tego rozkazu, tego ciężkiego obowiązku. I to jest zrozumiałe: w końcu będzie pisać o wszystkich i o sobie, mając nadzieję na czas, kiedy naród rosyjski „wszystko zniesie”. I szerokie, jasne...

„Requiem” powstało w r różne lata. Na przykład „Poświęcenie” jest oznaczone marzec 1940 r. Ujawnia konkretne „adresy”.

Mówimy o kobietach oddzielonych od aresztowanych. Przemawia bezpośrednio do tych, których opłakują. To ich bliscy, którzy idą na ciężką pracę lub egzekucję. Tak Achmatowa opisuje głębię tego smutku: „Przed tym smutkiem góry się uginają, wielka rzeka nie płynie. „Bliscy czują wszystko: „mocne bramy więzienia”, „dziury skazańców” i śmiertelną melancholię skazanych.

Słyszymy tylko nienawistne zgrzytanie kluczy...

Tak, kroki żołnierzy są ciężkie...

I znowu podkreśla się powszechne nieszczęście, powszechny smutek:

Szli przez dziką stolicę...

I niewinna Ruś wiła się

Słowa „Rus wiła się” i „dziki kapitał” z największą trafnością oddają cierpienie narodu i niosą ze sobą ogromny ładunek ideologiczny. We wstępie znajdują się także konkretne obrazy. Oto jeden ze skazanych, którego nocą zabierają „czarni marusi”. Ma na myśli także swojego syna.

Na twoich ustach są zimne ikony

Śmiertelny pot na czole.

Został zabrany o świcie, ale świt jest początkiem Dnia, a tutaj świt jest początkiem niepewności i głębokiego cierpienia. Cierpienie nie tylko osoby odchodzącej, ale także tych, którzy za nią podążali, „jak na wynos”. I nawet folklorystyczny początek nie wygładza się, ale podkreśla dotkliwość przeżyć niewinnie skazanych:

Cichy Don płynie cicho

Żółty księżyc wchodzi do domu.

Miesiąc nie jest jasny, jak zwykle się o nim mówi i pisze, ale żółty, „żółty miesiąc widzi swój cień!” Ta scena jest wołaniem o syna, ale nadaje tej scenie szersze znaczenie.

Jest jeszcze inny konkretny obraz. Obraz miasta. A nawet konkretne miejsce: „Stanie pod krzyżami” (nazwa więzienia). Ale w obrazie miasta nad Newą jest nie tylko „przepych Puszkina” i piękno z jego piękną architekturą, jest jeszcze ciemniejszy niż Petersburg, znany wszystkim z dzieł N.A. Niekrasow i F.M. Dostojewski. To miasto – dodatek do gigantycznego więzienia, rozpościerający swoje okrutne budynki nad martwą i nieruchomą Newą.

I zwisał jak niepotrzebny wisiorek

W pobliżu ich więzień Leningrad

W tych słowach, w których pojawia się miasto, można wyczuć zarówno współczucie, jak i litość żywa twarz.

Czytelnik jest zszokowany poszczególnymi scenami opisanymi przez autora w wierszu. Autor nadaje im szerokie znaczenie ogólne, aby podkreślić główną ideę dzieła – pokazać nie odosobniony przypadek, ale ogólnonarodową żałobę. Oto scena aresztowania, w której mówimy o wielu synach, ojcach i braciach. Achmatowa pisze także o dzieciach w ciemnym pokoju, chociaż jej syn nie miał dzieci. Dlatego żegnając się z synem, ma na myśli jednocześnie nie tylko siebie, ale także tych, z którymi wkrótce połączy ją więzienna linia.

W „Requiem”, mówiąc o „żonach streczów” wyjących pod kremlowskimi wieżami, pokazuje krwawą drogę wiodącą od ciemności czasów do współczesności. Niestety, ta krwawa droga nigdy nie została przerwana, a w latach represji pod rządami Stalina, który deptał „Prawa Ludu”, stała się jeszcze szersza, tworząc całe morza niewinnej krwi. Zdaniem Achmatowej żaden cel nie usprawiedliwia krwi, nawet w 1937 r. Jej przekonanie opiera się na chrześcijańskim przykazaniu „nie zabijaj”.

W „Requiem” niespodziewanie i smutno pojawia się melodia, przypominająca nieco kołysankę:

Cichy Don płynie cicho,

Żółty księżyc wchodzi do domu,

Wchodzi z kapeluszem z jednej strony,

Widzi żółty cień księżyca.

Ta kobieta jest chora.

Ta kobieta jest sama.

Mąż w grobie, syn w więzieniu,

Módlcie się za mnie.

Motyw kołysanki z nieoczekiwanym i na wpół delirycznym obrazem cichego Dona przygotowuje kolejny motyw, jeszcze straszniejszy, motyw szaleństwa, delirium i całkowitej gotowości na śmierć lub samobójstwo:

Szaleństwo już wisi na włosku

Połowa mojej duszy była pokryta,

I pije ogniste wino,

I wzywa do czarnej doliny.

Antyteza, która pojawia się gigantycznie i tragicznie w „Requiem” (Matka i stracony syn), nieuchronnie korelowała w umyśle Achmatowej z fabułą ewangelii, a ponieważ antyteza ta nie była jedynie przejawem jej życia osobistego i dotyczyła milionów matek i synów, Achmatowa uważała się za uprawnioną do artystycznego oparcia się na nim, co rozszerzyło zakres „Requiem” na ogromną, ogólnoludzką skalę. Z tego punktu widzenia wersety te można uznać za poetyckie i filozoficzne centrum całego dzieła, choć umieszczone są bezpośrednio przed „Epilogiem”.

„Epilog”, składający się z 2 części, najpierw przywraca czytelnikowi melodię i ogólne znaczenie „Przedmowy” i „Dedykacji”; tutaj ponownie widzimy obraz więziennej kolejki, ale tym razem jest to trochę uogólnione, symboliczne , nie tak konkretny jak na początku wierszy.

Nauczyłam się jak padają twarze,

Jak strach wygląda spod powiek.

Cierpienie pojawia się na policzkach...

Chciałbym zwracać się do wszystkich po imieniu,

Tak, lista została zabrana i nie ma gdzie się dowiedzieć,

Dla nich utkałam szeroką okładkę

Od biednych usłyszeli słowa

Takie wzniosłe, tak gorzkie i uroczyście dumne słowa - stoją gęste i ciężkie, jakby odlane z metalu na znak przemocy i ku pamięci przyszłych ludzi.

Druga część epilogu rozwija temat Pomnika, dobrze znany w literaturze rosyjskiej według Derzhavina i Puszkina, jednak pod piórem Achmatowej nabiera on zupełnie niezwykłego – głęboko tragicznego wyglądu i znaczenia. Można powiedzieć, że nigdy, ani w literaturze rosyjskiej, ani światowej, nie pojawił się tak niezwykły Pomnik Poety, stojący zgodnie z jego wolą i testamentem pod Murem Więziennym. To naprawdę pomnik wszystkich ofiar represji, torturowanych w latach 30. i innych strasznych latach.

Na pierwszy rzut oka dziwne pragnienie poetki brzmi wzniośle i tragicznie:

I jeśli kiedykolwiek w tym kraju

Planują mi postawić pomnik,

Wyrażam zgodę na ten triumf,

Ale tylko pod warunkiem - nie stawiaj go

Nie blisko morza, gdzie się urodziłem...

Nie w królewskim ogrodzie, w pobliżu cennego pnia.

I tutaj, gdzie stałem przez trzysta godzin

I gdzie nie otworzyli mi zasuwy.

A potem typowy AA. Wrażliwość i witalność Achmatowej.

I niech gołąb więzienny brzęcze w oddali,

A statki płyną spokojnie wzdłuż Newy.

„Requiem” Achmatowej jest dziełem prawdziwie ludowym nie tylko w tym sensie, że odzwierciedlało i wyrażało wielką tragedię ludową, ale także w formie poetyckiej, bliskiej ludowej przypowieści. „Utkany z prostych, «zasłyszanych» słów, jak pisze Achmatowa” – z wielką siłą poetycką i obywatelską wyraził swój czas i cierpiącą duszę narodu. „Requiem” nie było znane ani w latach 30., ani w latach następnych, ale na zawsze uchwyciło swój czas i pokazało, że poezja istnieje nadal, nawet wtedy, gdy zdaniem Achmatowej „poeta żył z zaciśniętymi ustami”.

Usłyszano zduszony krzyk stu milionów ludzi – to wielka zasługa Achmatowej.

Jedną z cech twórczości Achmatowej jest to, że pisała tak, jakby nie troszczyła się o czytelnika z zewnątrz – ani o siebie, ani o bliską osobę, która dobrze ją znała. I tego rodzaju powściągliwość poszerza adres. Jej „Requiem” jest całkowicie rozdarte. Jest napisany jakby na różnych kartkach papieru, a wszystkie wiersze tego żałobnego wiersza pamiątkowego są fragmentami. Sprawiają jednak wrażenie dużych i ciężkich bloków, które się poruszają i tworzą ogromną kamienną rzeźbę żalu. „Requiem” to skamieniały żal, genialnie stworzony z najprostszych słów.

Głęboka idea „Requiem” ujawnia się dzięki osobliwości talentu autora za pomocą brzmiących głosów określonego czasu: intonacji, gestów, składni, słownictwa. Wszystko mówi nam o określonych osobach pewnego dnia. Ta artystyczna precyzja w oddaniu atmosfery czasu zadziwia każdego czytającego dzieło.

W latach 30. nastąpiły zmiany w twórczości poety A. Achmatowej. Nastąpił swego rodzaju start, zakres wiersza rozszerzył się niepomiernie, obejmując obie wielkie tragedie – zbliżającą się II wojnę światową i wojnę, która się rozpoczęła i była prowadzona przez władze przestępcze przeciwko własnemu narodowi. I smutek matki („straszne oczy jej syna to skamieniałe stworzenie”), tragedia Ojczyzny i nieubłaganie zbliżające się cierpienia wojenne - wszystko weszło w jej wiersz, zwęgloło go i zahartowało. W tym czasie nie prowadziła pamiętnika. Zamiast pamiętnika, którego nie dało się prowadzić, spisywała swoje wiersze na osobnych kartkach papieru. Ale razem wzięte stworzyły obraz rozdartego i zrujnowanego domu, połamanego losu ludzi.

Tak z poszczególnych części Requiem powstaje obraz człowieka skazanego na zagładę:

Zdanie. I natychmiast popłyną łzy.

Już oddzieleni od wszystkich.

("Poświęcenie")

I podsumowanie:

A kiedy oszalały z udręki,

Nadchodziły już potępione pułki.

(„Wprowadzenie”)

Jak twarde strony pisma klinowego

Cierpienie pojawia się na policzkach,

Jak loki popiołu i czerni

Nagle stają się srebrne.

("Epilog")

Oto słowa wybrane z niezwykłą precyzją: „szalony z męki”, „na policzkach pojawia się cierpienie”, „już oddzielony od wszystkich”.

Intensyfikuje się to, co osobiste i osobiste. Zakres obrazu rozszerza się:

Gdzie są teraz mimowolni przyjaciele?

Moje dwa szalone lata?

Co widzą w syberyjskiej zamieci?

Co widzą w kręgu księżycowym?

Przesyłam im moje pożegnalne pozdrowienia.

W nurcie współczesnej literatury pamiętnikowej „Requiem” zajmuje miejsce szczególne. Trudno też o nim pisać, bo zdaniem młodego przyjaciela A. Achmatowej, poety L. Brodskiego, życie tamtych lat „uwieńczyło jej muzę wieńcem smutku”.

W. Vilenkin w swoich publikacjach pisze: „Jej „Requiem” najmniej potrzebuje naukowego komentarza. Jej ludowa geneza i skala poezji ludowej są oczywiste same w sobie. Toną w nich rzeczy osobiście przeżyte, autobiograficzne, zachowując jedynie ogrom cierpienia”. i „my”. To jest nasz smutek, to „wszędzie jesteśmy tacy sami”, to my słyszymy „ciężkie kroki żołnierzy”, to my spacerujemy po „dzikiej stolicy”. „Bohaterem tej poezji są ludzie... Każdy z nich uczestniczy, z jednej lub drugiej strony, w tym, co się dzieje. Ten wiersz przemawia w imieniu ludu.”

„Requiem” (łac. Requiem) – msza pogrzebowa. Wielu kompozytorów V.A. napisało muzykę do tradycyjnego łacińskiego tekstu Requiem. Mozarta, T. Berlioza, G. Verdiego. „Requiem” Achmatowej zachowuje pisownię łacińską, nawiązując do podstawy, pierwotnego źródła i tradycji. Nie bez powodu finał utworu, jego „Epilog”, przenosi tragiczną melodię wiecznej pamięci o zmarłym poza granice ziemskiej rzeczywistości:

I nawet z wieków spokojnych i brązowych,

Roztopiony śnieg płynie jak łzy,

„Requiem” wymagało od niej myślenia muzycznego, muzycznego układania poszczególnych odrębnych części – wierszy lirycznych – w jedną spójną całość. Warto zauważyć, że zarówno motto, jak i „Zamiast przedmowy”, napisane znacznie później niż główny tekst cyklu poetyckiego, są z nim związane organicznie – a mianowicie za pomocą muzyki. W formie „uwertury” - wstępu orkiestrowego, w którym rozgrywane są dwa główne tematy kompozycji: nierozerwalność losów lirycznej bohaterki z losami jej ludu, osobistego od generała, „ja” z „ My".

W swojej strukturze dzieło Achmatowej przypomina sonatę. Rozpoczyna się po krótkich taktach muzycznych z potężnym dźwiękiem chóru:

Góry uginają się przed tym smutkiem,

Wielka rzeka nie płynie

Ale bramy więzienia są mocne.

A za nimi „prycze skazańców”

I śmiertelna melancholia...

Obecność tutaj wersu Puszkina z wiersza „W głębinach rud syberyjskich” poszerza przestrzeń i daje dostęp do historii. Bezimienne ofiary przestają być bezimienne. Chronią je wielkie tradycje kochającej wolność literatury rosyjskiej. „A nadzieja wciąż śpiewa w oddali.” Głos nadziei nie opuszcza autora. Poetka stworzyła nie kronikę swojego życia, ale dzieło sztuki, które zawiera uogólnienia, symbolikę i muzykę.

A kiedy oszalały z udręki,

Maszerowały już skazane pułki,

I krótka piosenka pożegnalna

Zaśpiewały gwizdki lokomotywy.

Gwiazdy Śmierci stanęły nad nami...

Poszczególne słowa w takich kontekstach nabierają przerażającej wartości. Na przykład gwiazdy, wychwalane w fikcji jako magiczne, urzekające, tajemnicze w swoim pięknie, są tutaj gwiazdami śmierci. „Żółty księżyc”, choć nie ma tak negatywnej oceny, jest świadkiem cudzej żałoby.

Wielu literaturoznawców zastanawiało się: „Requiem” - co to jest: cykl poetycki czy wiersz. Jest napisany w pierwszej osobie, w imieniu „ja” – poety i bohatera lirycznego jednocześnie. A także złożone sploty autobiograficznej i dokumentalnej pozwalają odpowiedzieć na to pytanie twierdząco i zaklasyfikować to dzieło jako „mały wiersz” wśród wierszy XX wieku, choć z gatunkowego punktu widzenia „Requiem” nie jest prosty „orzech do zgryzienia”.

Achmatowa miała wysoki dar poety lirycznego; podstawą jej twórczości, składającej się z pojedynczych wierszy, jest także liryczny. To dało siłę powstałym w latach 1935-40 i niepublikowanym w tych latach fragmentom lirycznym, aby wytrzymać, nie rozpaść się pod najcięższymi uderzeniami czasu i powrócić do nas pół wieku później jako kompletne dzieło sztuki. Na pierwszy rzut oka odpowiedź jest prosta. W 1987 roku temat kultu jednostki Stalina i jego tragicznych konsekwencji dla ludzi stał się otwarty z tematów „zamkniętych”. A „Requiem” Achmatowej, opowiadające o tragedii, której osobiście doświadczył poeta w tamtych latach, uzyskało status najbardziej aktualnego dokumentu, dorównującego takim dzieła nowoczesne, jak wiersz Twardowskiego „Prawo pamięci”, powieści W. Dudincewa „Białe szaty”, „Życie i los” W. Grossmana, poezja i proza W. Szałamowa. Ale to wyjaśnienie leży na powierzchni i nie może w pełni zadowolić czytelnika. Przecież aby dzieło zbiegło się z czasami współczesnymi, aby pół wieku później powrócić do nowych pokoleń czytelników, zachowując swoją wartość artystyczną, oznacza to, że musi tę wartość artystyczną posiadać. Przekazują to w wierszu najdrobniejsze kapilary wiersza: jego rytmy, metrum, artystyczne środki językowe. I nawet jej „Zamiast przedmowy” nie jest do końca czystą prozą. To jest wiersz prozatorski.

Rozpuszczenie bohaterki we wspólnej tragedii, w której każdy ma tę samą rolę, dało prawo wierszowi:

Nie, to nie ja, to ktoś inny cierpi.

Nie mogłem tego zrobić.

Wszystko w „Requiem” jest powiększone, rozszerzone w granicach (Neva, Don, Yenisei) i sprowadza się do ogólnego przedstawienia – wszędzie. Tak więc, w odpowiedzi na wydarzenia z lat 30., A.A. Achmatowa odpowiedziała tragedią „Requiem”.

Poezja rosyjska znała wiele przykładów tego gatunku utwór muzyczny stał się formą myśli poetyckiej. Dla Achmatowej była to idealna forma opanowania tragicznej fabuły rosyjskiej historii, w której losy autora doszły do uniwersalnych uogólnień: poetyckie „ja” często wypowiada się w imieniu „my”. Soczewka autora wdziera się wszędzie: tam, gdzie zadomowił się smutek i śmierć, dostrzegając „tego, którego ledwo przyniesiono do okna”, „i tego, który nie depcze ojczyzny”. „I ta, która kręcąc piękną głową, powiedziała: „Przychodzę tu, jakbym wracała do domu”. Autorka nie traci z oczu „już oddzielonej od wszystkich” i „nieświadomych przyjaciół” przechadzających się po szaleństwie. miasto i „tłum potępionych”.

Za pomocą środków artystycznych, wizualnych i ekspresyjnych A.A. Achmatowa ujawnia główną ideę swojej twórczości – ukazanie szerokości i głębi ludzkiego żalu, tragedii życia w latach 30.

Zatem twórczy sukces poetki w latach 30. był ogromny. Oprócz wierszy stworzyła dwa znaczące wiersze - „Requiem” i „Wiersz bez bohatera”. Fakt, że ani „Requiem”, ani inne dzieła Achmatowej z lat 30. nie były czytelnikowi znane, w niczym nie umniejsza ich znaczenia w historii poezji rosyjskiej, gdyż wskazują, że w tych trudne lata literatura, zmiażdżona nieszczęściem i skazana na milczenie, istniała nadal – pomimo terroru i śmierci.

Wniosek

Wydarzenia historyczne tamtej epoki odbiły się echem w osobistym i twórczym losie Achmatowej: egzekucja męża, aresztowania i wygnanie syna, głód i bieda, dekret zakazujący publikacji poezji oraz wrogość jej działalności wobec ZSRR system, izolacja literacka, długie okresy poetyckiej ciszy, ścisła cenzura itp., s.

Poezja Achmatowej jest integralną częścią współczesnej kultury rosyjskiej i światowej.

Poezja to sam poeta i jego czas, jego duch i walka z niesprawiedliwością w imię szlachetności i piękna.

Wiersze A. Achmatowej oddają cechy czasu z całym jego potwornym okrucieństwem. Nikt nigdy nie powiedział o nim prawdy z taką gorzką bezlitosnością:

Krzyczę od siedemnastu miesięcy,

Wzywam cię do domu.

Rzuciłem się do stóp kata,

Jesteś moim synem i moim horrorem.

Wszystko jest schrzanione na zawsze

I nie mogę tego zrozumieć

Kim jest bestia, kim jest człowiek,

A jak długo trzeba będzie czekać na egzekucję?

Bezbronna i bezpośrednia, w nieludzkich warunkach wobec zalegalizowanych zbrodni, nie tylko opłakiwała te mroczne dni, ale także zwyciężyła je: „Nie zapomnij” („Requiem”)

Czas Achmatowej przeszedł gwałtowne zmiany i była to droga wielkich strat i strat. Tylko poeta wielka moc, głęboka esencja i wola mogły temu sprostać i przeciwstawić się wszystkiemu mocą swojej prawdziwej sztuki.

A. Achmatowa, która w młodości zachwycała świat wersami autentycznych, czułych i subtelnych tekstów, w tym strasznym punkcie zwrotnym była zarówno stanowcza, jak i nieugięta, bezpośrednia i majestatyczna.

Wykaz używanej literatury

1.Averintsev S.S. Poetyka starożytnej Grecji i literatura światowa // Poetyka literatury starożytnej Grecji. M., 1981. S. 8, 6.

2.Starożytna retoryka. M., 1978. S. 19.

.Asmus V.F. Niemiecka estetyka XVIII wieku. M., 1962. S. 70. O teoretycznym rozumieniu podmiotowości artystycznej w XVIII-XIX w. (od Lessinga do Hegla i Bielińskiego)

4.Achmatowa A.A. Ulubione: Wiersze. Wiersze. - M.: AST, 2002. - 640 s.

5.Achmatowa A.A. Teksty. - M.: EKSMO, 2003. - 383 s.

.Achmatowa A.A. Dzieła: W 2 tomach - M.: Prawda, 1990. - T. 1. - 448 s.

.Achmatowa A.A. Wiersze. - M .: „Rosja Radziecka”, 1977. - 527 s.

8.Bieliński V. G. Poli. kolekcja cit.: W 13 tomach M., 1956. T. 10. s. 15.

9.Bieliński V. G. Poli. kolekcja cit.: W 13 tomach M., 1956. T. 7. s. 312.

10.Wprowadzenie do literaturoznawstwa: Seminarium dla specjalności filologicznych Uniwersytetu / wyd. Pospelow G.N. - M.: Szkoła wyższa, 1976. - S. - 37.

11.Vilenkin V. W stu pierwszym lustrze. - M. 1987.

12.Gindin S.I. Retoryka i problem struktury tekstu//Dubois J. i in. Retoryka ogólna/Przetłumaczone z języka francuskiego, M., 1986. s. 364.

.Ginzburg L. Ya. O tekstach. s. 211. s. 224-225.

14.Durishin D. Teoria porównawczego badania literatury. - M.: Postęp, 1979. - S. - 29, 42

15.Żimurski V. Twórczość Anny Achmatowej. - L. 1973.

16.Ilyin I. A. Talent i twórcza kontemplacja // Ilyin I. A. Samotny artysta. M., 1993. S. 262-272.

17.Kwiatkowski A.P. Słownik poetycki. - M .: „Encyklopedia radziecka”, 1966. - S. - 17, 28.

18.Krótka encyklopedia literacka / rozdz. wyd. AA Surkow. - M .: „Encyklopedia radziecka”, 1962. - S. - 23, 92.

.Krótki słownik terminy literackie/ Opracowano przez L.I. Timofiejew. - M.: Edukacja, 1985. - S. - 58, 77.

20.Croce B. Estetyka jako nauka o wyrazie i jako językoznawstwo ogólne. M., 2000. - s. 111-117.

21.Literatura i sztuka / Opracowane przez A.A. Worotnikow. - Mińsk: Żniwa, 1996. - S. - 35, 62.

22.Literacki słownik encyklopedyczny / Pod generałem. wyd. V.M. Kożewnikowa. - M.: „Encyklopedia radziecka”, 1987. - S. - 76, 99

23.Malyukova L.N. A. Achmatowa: Epoka, osobowość, twórczość. - Taganrog, 1996.

24.Miedwiediew P. N. Metoda formalna w krytyce literackiej (Bachtin pod maską. Druga maska). M., 1993. s. 22-23.

.Michajłowa N. I. „Wityizm to potężny dar”: A. S. Puszkin i rosyjska kultura oratorska swoich czasów. M., 1999.

.Pawłowski A.I. Anna Achmatowa, życie i praca. - M.: „Oświecenie” 1991.

.Platon. Wybrane dialogi. s. 83, 231, 246.

.Rudneva E. G. Pathos dzieła sztuki. M., 1977.

.Tomashevsky B.V. Teoria literatury. Poetyka; To on. Stylistyka. wydanie 2. kor. i dodatkowe L., 1983.

.Ukhtomsky A. A. Intuicja sumienia. s. 287.

31.Chrapczenko M.B. Twórcza indywidualność pisarza i rozwoju literatury. - M.: „Pisarz radziecki”, 1975. - S. - 63, 74.

32.Cyceron. O starości. O przyjaźni. O obowiązkach. M., 1974. S. 112. Zobacz też s. 92-93.

33.Osoba czytająca. M., 1983. s. 240.

34.Chernets L.V. O teorii tropów poetyckich//Biuletyn Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego. Filologia. 2001. Nr 2.

35.Ekhenbaum B. Anna Achmatowa. Doświadczenie analityczne. - L. 1960.

36.Yakobson R. O. Poezja gramatyki i gramatyka poezji // Semiotyka. M., 1983. S. 462, 469.

Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w studiowaniu jakiegoś tematu?

Nasi specjaliści doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Prześlij swoją aplikację wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.

Wiersz „Requiem” napisany przez A. Achmatową opisuje wszystkie okropności wielkiego „czerwonego” terroru. Aby ukazać wielki smutek ludu, także ten swój, osobisty, autor w wierszu posługuje się szeregiem tropów, z wyjątkiem hiperboli. Poetka wierzyła, że smutek ludzki jest tak wielki, że większy być nie może.
W napisanym w imieniu poetki rozdziale „Poświęcenie” stopień cierpienia, żalu, którego człowiek nie może znieść, wyraża się metaforycznie już w pierwszym wersie: „Góry uginają się przed tym smutkiem”. Metafory „...gwizdki lokomotywy zaśpiewały krótką pieśń rozstania”, „wiła się niewinna Ruś” ukazują okrutne czasy, kiedy na podstawie donosu można było aresztować każdego.
Sytuacja zakleszczenia, A. Achmatowa ukazuje okrutną rzeczywistość za pomocą pojemnych epitetów. Są to „bramy więzienne”, „dziury skazańców”, „nienawistne zgrzytanie”, „ciężkie stopnie” i inne. Przedstawiono epitet „śmiertelna melancholia”, ujawniający ogólny stan człowieka konkretny przykład: „Wyrok... I zaraz popłyną łzy, jestem już oddzielony od wszystkich...”, czyli od tych, którzy jeszcze wierzą i mają nadzieję.
Główny aktor Wiersz jest kobietą-matką. Głównym wydarzeniem było aresztowanie jego syna. Achmatowa stara się pokazać nie tyle wydarzeń, co świat wewnętrzny bohaterki. Bohaterka porównuje się z „rozciągniętymi żonami”, a dla ukazania całego matczynego bólu poetka posługuje się następującym porównaniem: „jakby bólem życie wyjmowano z serca”.
Aby lepiej wyobrazić sobie sytuację dwoistości bohaterki: czasem cierpi, czasem zdaje się przyglądać z boku, poetka posługuje się jednością rozkazu, czyli anaforą:
Ta kobieta jest chora, ta kobieta jest sama.” Patrząc na siebie z zewnątrz, bohaterka nie może uwierzyć, że jest w stanie przetrwać cały smutek, który ją spotkał: śmierć męża, aresztowanie syna. Zdanie tytułowe „Noc”. – to ostateczny cel bohaterki. Tylko w zapomnieniu może być spokojna.
Rozdział „Werdykt” podkreśla temat „skamieniałości”, czyli śmierci duszy. Poetka w metaforyczny sposób opisuje proces utraty nadziei, który pozwolił żyć, stan skostnienia. „I kamienne słowo spadło na moją wciąż żywą pierś”. Temat dualności wyraża się tutaj poprzez przeciwieństwo „kamień” i „żywy”. I chociaż bohaterka wciąż jest zdolna do żywego postrzegania rzeczywistości, jej dusza jest całkowicie skamieniała. Metafora „Szaleństwo okryło już swoim skrzydłem połowę Duszy” tylko to wzmacnia.
umarła, ale poetka żyła. W „Epilogu” wyraźnie wyczuwalny jest indywidualny głos poety, jego „ja”. Achmatowa tworzy requiem nie dla tych, którzy są w obozach, ale dla tych, którzy pozostali przy życiu. Jedynie poeta zachował zmysłowość. Podkreślają to powtórzenia leksykalne: „Widzę, słyszę, czuję cię”. Dopóki ktoś pamięta o zmarłych, oni nadal żyją. Na potwierdzenie tego poetka posługuje się w ostatnim rozdziale „Epilogu” duża liczba anafora.

A. A. Achmatowa to rosyjska poetka, która podzieliła tragiczny los Rosji w XX wieku. Rok po urodzeniu Anny rodzina Gorenko przenosi się do Carskiego Sioła, o którym...
„Marina Iwanowna Cwietajewa to wybitna zawodowa poetka, która wraz z Pasternakiem i Majakowskim na wiele lat zreformowała rosyjską wersyfikację. Taki wspaniały poeta jak Achmatowa, która jest taka...
W każdej książce przedmowa jest pierwszą i zarazem ostatnią rzeczą; służy albo jako wyjaśnienie celu eseju, albo jako uzasadnienie i odpowiedź na krytykę. Ale...
Chciałbym zadzwonić do wszystkich po imieniu, ale lista została zabrana i nie ma gdzie się dowiedzieć. Dla nich utkałem szeroką zasłonę z biednych, ich zasłyszanych słów. A....
Anna Achmatowa: życie i twórczość Na przełomie wieków minionych i obecnych, choć nie dosłownie chronologicznie, w przededniu rewolucji, w epoce wstrząsanej dwiema wojnami światowymi, w...
1937 Straszna karta w naszej historii. Pamiętam nazwiska: O. Mandelstam, W. Szałamow, A. Sołżenicyn... Dziesiątki, tysiące nazwisk. A za nimi są kalekie losy, beznadziejny żal, strach,...
Anna Achmatowa napisała jasną kartę w historii światowej poezji. Jej twórczość jest bogata i różnorodna. Wielu naukowców sięgnęło po analizę jej tekstów, zgłębiło problematyczną i tematyczną treść i...
Rozdział 1 Nigdy nie rozmawiaj z nieznajomymi „Pewnego wiosennego dnia, o godzinie niezwykle gorącego zachodu słońca, w Moskwie, nad Stawami Patriarchy, pojawiło się dwóch obywateli”. „Pierwszy nie był...
I Przesłanki powstania wiersza (tragiczny los Achmatowej). II Tradycje stworzenia dzieło poetyckie. 1) pieśń ludowa, poetycka, chrześcijańska. 2) epitety, metafory. III Achmatowa to poetka godna podziwu....
Anna Andreevna Achmatowa musiała wiele przejść. Straszne lata, które zmieniły cały kraj, nie mogły nie wpłynąć na jego losy. Wiersz „Requiem” był dowodem na wszystko...
AKT PIERWSZY Ogród publiczny na wysokim brzegu Wołgi, wiejski widok za Wołgą. Na scenie znajdują się dwie ławki i kilka krzaków. SCENA PIERWSZA Kuligin siedzi na ławce...
Struktura artystyczna powieści „Eugeniusz Oniegin” opiera się na zasadzie, która później pozwoliła nazwać ją „encyklopedią rosyjskiego życia”, a samego Puszkina „poetą rzeczywistości”. Ten...
(1889 – 1966) Poetka. Po rozpadzie rodziny rodziców w 1905 r. matka z dziećmi przeprowadziła się do Jewpatorii, a stamtąd do Kijowa. Achmatowa ukończyła tam studia...
(analiza środków językowych i artystycznych) Czy rzeczywiście żadnemu z nich (nowym pokoleniom) nie jest pisane do największej radości: czytania na przykład „Jeźdźca z brązu”, podziwiania każdego rytmicznego ruchu, każdego…
Anna Andreevna Achmatowa i jej pełne miłości teksty są zrozumiałe chyba dla każdego. Literatura rosyjska, a zwłaszcza poezja, zna wiele przykładów przejmujących kobiecych opowieści – bez względu na...

I Warunki powstania wiersza (tragiczny los Achmatowej).
II Tradycje tworzenia dzieła poetyckiego.
1) pieśń ludowa, poetycka, chrześcijańska.
2) epitety, metafory.
III Achmatowa to poetka godna podziwu.

Los Anny Andreevny Achmatowej w latach porewolucyjnych był tragiczny. W 1921 r. rozstrzelano jej męża, poetę Nikołaja Gumilowa. W latach trzydziestych jego syna aresztowano pod fałszywymi zarzutami, zapadł wyrok śmierci straszliwym ciosem, „kamiennym słowem”, które później zastąpiły obozy, po czym syn czekał prawie dwadzieścia lat. W obozie zginął najbliższy przyjaciel Osipa Mandelstama. W 1946 r. wydano dekret Żdanowa, który zniesławił Achmatową i Zoszczenkę, zamknął przed nimi drzwi czasopism i dopiero w 1965 r. zaczęto publikować jej wiersze.
We wstępie do „Requiem”, które Anna Andreevna komponowała w latach 1935–1040 i opublikowanego w latach 80., wspomina: „W strasznych latach Jeżowszczyny spędziłam siedemnaście miesięcy w więzieniach w Leningradzie”. Wiersze zawarte w „Requiem” mają charakter autobiograficzny. „Requiem” opłakuje żałobników: matkę, która straciła syna, żonę, która straciła męża. Achmatowa przeżyła oba dramaty, jednak za jej osobistym losem kryje się tragedia całego narodu.

Nie i nie pod cudzym firmamentem,
I nie pod ochroną skrzydeł innych ludzi, -
Byłem wtedy z moimi ludźmi,
Gdzie, niestety, byli moi ludzie.
Empatia, złość i melancholia czytelnika, które odczuwa się podczas czytania wiersza, osiągane są poprzez efekt połączenia wielu środków artystycznych. „Cały czas słyszymy różne głosy” – Brodski mówi o „Requiem” – „potem tylko głos kobiety, potem nagle poetka, a potem przed nami Maryja”. Oto głos „kobiecy” pochodzący ze smutnych rosyjskich piosenek:

Ta kobieta jest chora
Ta kobieta jest sama
Mąż w grobie, syn w więzieniu,
Módlcie się za mnie.
Oto „poetka”:
Powinienem ci pokazać, szyderco
I ulubieniec wszystkich przyjaciół,
Wesołemu grzesznikowi Carskiego Sioła,
Co stanie się z twoim życiem
Oto Dziewica Maryja, ponieważ linie więzienia ofiarnego utożsamiają każdą matkę-męczennicę z Maryją:
Magdalena walczyła i płakała,
Ukochany uczeń zamienił się w kamień,
A gdzie Matka stała milcząco,
Dlatego nikt nie odważył się spojrzeć.
W wierszu Achmatowa praktycznie nie używa hiperboli, najwyraźniej dzieje się tak dlatego, że żal i cierpienie są tak wielkie, że nie ma potrzeby ani możliwości ich wyolbrzymiania. Wszystkie epitety dobrane są tak, aby budzić grozę i wstręt do przemocy, ukazywać spustoszenie miasta i wsi oraz podkreślać mękę. Melancholia jest „zabójcza”, kroki żołnierzy „ciężkie”, Ruś „niewinna”, „czarne marusi” (samochody więźniarskie). Często używany jest epitet „kamień”: „kamienne słowo”, „skamieniałe cierpienie”. Wiele epitetów jest bliskich ludowym: „gorąca łza”, „wielka rzeka”. W wierszu bardzo mocno dominują motywy ludowe, w których związek lirycznej bohaterki z ludem jest szczególny:

I nie modlę się tylko za siebie,
I o wszystkich, którzy tam byli ze mną
I w dotkliwym głodzie, i w lipcowym upale
Pod oślepiającą czerwoną ścianą.

Czytając ostatnią linijkę, widzisz przed sobą ścianę czerwoną od krwi i zaślepioną łzami wylanymi przez ofiary i ich bliskich.
W wierszu Achmatowej jest wiele metafor, które pozwalają w zaskakująco krótki i wyrazisty sposób przekazać nam myśli i uczucia: „A gwizdki lokomotywy zaśpiewały krótką pieśń rozłąki”, „Gwiazdy śmierci stanęły nad nami / I niewinna Ruś wiłeś się”, „I przepal noworoczny lód swoimi gorącymi łzami”.
W wierszu pojawia się także wiele innych chwytów artystycznych: alegorie, symbole, personifikacje. Razem tworzą głębokie uczucia i doświadczenia.
Anna Andreevna Achmatowa z godnością wytrzymała wszystkie ciosy losu, żyła długo i dała ludziom wspaniałe dzieła.