Pojawienie się gatunku „martwa natura” w Holandii jest darem protestantyzmu. W czasach katolickich głównym odbiorcą artystów był Kościół, a malarstwo ograniczało się oczywiście do tematów religijnych i budujących. Kalwinizm nie uznawał ikon i sztuki kościelnej w ogóle. Malarze poszukiwali nowego rynku zbytu i znaleźli go w domach karczmarzy, kupców i rolników.

W Holandii obrazy przedstawiające przedmioty nazywano „stilleven”, co można przetłumaczyć zarówno jako „martwa natura, modelka”, jak i „ciche życie”, co bardzo trafnie oddaje specyfikę Holenderska martwa natura.
Uwaga artystów spadła z nieba na ziemię; teraz nie były one zainteresowane pobożnymi refleksjami, ale dokładnym studiowaniem szczegółów świata materialnego. Ale w Stworzeniu szukali Stwórcy.

„Pan dał nam dwie księgi: księgę Pisma Świętego i księgę stworzenia. Z pierwszego dowiadujemy się o Jego miłosierdziu jako Zbawiciela, z drugiego – o wielkości Stwórcy” – pisał średniowieczny filozof Alan z Lille. Stworzenie uczestniczy także w historii zbawienia: człowiek upadł przez jabłko, a przez chleb i wino odzyskuje zbawienie. Symbolika zawarta w obrazie również pozostaje z poprzednich tradycji.

Pierwsze jeszcze nawet są proste – chleb, kieliszek wina, owoce, ryba, bekon. Ale wszystkie znajdujące się w nich przedmioty są symboliczne: ryba jest symbolem Jezusa Chrystusa; mięso - śmiertelne ciało; nóż jest symbolem poświęcenia; cytryna jest symbolem niezaspokojonego pragnienia; kilka orzechów w łupinie - dusza związana grzechem; jabłko przypomina Upadek; wino lub winogrona są symbolem Krwi; chleb jest symbolem Ciała Chrystusa. Owady, ludzkie czaszki, potłuczone naczynia i martwa zwierzyna, często obecne w kompozycjach obrazów, przypominają o kruchości ziemskiej egzystencji. Muszla to muszla pozostawiona przez istotę, która kiedyś w niej żyła; zwiędłe kwiaty są symbolem śmierci. Motyl zrodzony z kokonu oznacza zmartwychwstanie.

W wyniku działalności Holenderskiej Kompanii Wschodnioindyjskiej, która wyposażała statki handlowe dla Daleki Wschód W holenderskich sklepach sprzedawano przyprawy, chińską porcelanę, jedwab i inne egzotyczne towary. Ponadto na Przylądku Dobrej Nadziei, w Indonezji, Surinamie, na Antylach i w całej Azji powstały kolonie holenderskie. Kolonie wzbogaciły kraj, a martwe natury zaczęto wypełniać ziemskim bogactwem: obrusami dywanowymi, srebrnymi kielichami, macicą perłową. Proste jedzenie zastąpiono ostrygami, szynką, owoce egzotyczne. Symbolika ustępuje miejsca naiwnemu podziwowi dla stworzenia ludzkich rąk.

Funkcja Malarstwo holenderskie istniała specjalizacja artystów według gatunku. W obrębie gatunku martwej natury istniał nawet podział na osobne tematy, a poszczególne miasta miały swoje ulubione rodzaje martwej natury, a jeśli malarzowi zdarzyło się przenieść do innego miasta, często radykalnie zmieniał swoją sztukę i zaczynał malować te odmiany gatunku, który był tam popularny.

Haarlem stał się miejscem narodzin charakterystyczny wygląd Holenderska martwa natura - „śniadanie”. Obrazy Petera Claesa przedstawiają nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Blaszany talerz, śledź lub szynka, bułka, kieliszek wina, zmięta serwetka, cytryna lub gałązka winogron, sztućce – skromny i precyzyjny dobór elementów sprawia wrażenie zastawionego stołu dla jednej osoby.

Na obecność osoby wskazuje „malowniczy” nieład wprowadzony do układu rzeczy i atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana poprzez transmisję środowiska świetlno-powietrznego. Dominujący szarobrązowy odcień łączy obiekty w jeden obraz, a sama martwa natura staje się odzwierciedleniem indywidualnych gustów i stylu życia danej osoby.

Inny mieszkaniec Haarlemu, Willem Heda, działał w tym samym duchu co Klas. Kolorystyka jego obrazów jest nadal w większym stopniu podporządkowana jedności tonalnej, dominuje w niej szaro-srebrny ton, podkreślony wizerunkiem srebrnych lub cynowych naczyń. Dla tej kolorowej powściągliwości obrazy zaczęto nazywać „monochromatycznymi śniadaniami”.

W Utrechcie rozwinęła się bujna i elegancka martwa natura kwiatowa. Jej głównymi przedstawicielami są Jan Davids de Heem, Justus van Heysum i jego syn Jan van Heysum, który szczególnie zasłynął dzięki starannemu pisaniu i jasnej kolorystyce.

Uniwersytet w Lejdzie stworzył i udoskonalił rodzaj filozoficznej martwej natury „vanitas” (marność nad marnościami). Na obrazach Harmena van Steenwijka i Jana Davidsa de Heema przedmioty uosabiające ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty sztuki, cenne naczynia) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce) zestawione są z czaszką lub klepsydrą dla przypomnienia o przemijaniu życia.

W połowie stulecia temat skromnych „śniadań” w twórczości Willema van Elsta, Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena przekształcił się w luksusowe „bankiety” i „desery”. Złocone kielichy, chińska porcelana i fajans z Delft, dywanowy obrus, południowe owoce podkreślają zamiłowanie do wdzięku i bogactwa, które zadomowiło się w społeczeństwie holenderskim w połowie stulecia. W związku z tym „monochromatyczne” śniadania zastępowane są soczystym, bogatym kolorystycznie, złoto-ciepłym smakiem.

Na przykładzie obrazu „Śniadanie z szynką” Pietera Claesa porozmawiajmy o holenderskiej martwej naturze.
Przedstawia stół nakryty białym obrusem. W centrum martwej natury znajduje się danie z różową szynką. Szynka ma świeżo ścięty brzeg. W pobliżu, na tym samym naczyniu, leży nóż z piękną rzeźbioną rączką. Po prawej stronie naczynia widać gałązkę oliwną z brzoskwiniami. Na powierzchni owocu widać czarne kropki. To ślady robaków. Po lewej stronie naczynia stoi kieliszek wina. Odbicia światła na ściankach szklanego szkła ożywiają obraz. Obok szklanki stoi miedziany dzbanek z otwartą pokrywką. Gałąź winogron, przedstawiona obok kieliszka i dzbanka, zdaje się otaczać oba naczynia. Na krawędzi stołu artysta przedstawił metalowy talerz z chlebem, którego złocista skórka przyciąga wzrok. Orzechy włoskie są rozrzucone na białym obrusie, niektóre są już popękane. Pozorny nieporządek sugeruje poczucie niedawnej obecności człowieka.

Artysta z niezwykłą umiejętnością przekazuje kolor każdego przedmiotu. Powściągliwa szaro-złota oliwkowa paleta tonów jednoczy elementy. Każdy z obiektów umiejscowiony jest tak, aby odbiorca mógł dostrzec jego fakturę, objętość i najdrobniejsze szczegóły. Artysta doskonale oddaje fakturę każdego przedmiotu: aksamitność brzoskwiń, matowo-wilgotną powierzchnię winogron, przezroczystość szkła, soczystość szynki. Zaokrąglone kontury naczyń, szklanek i naczyń przecinają się, a ich płynny rytm przekazuje harmonię i integralność. Patrząc na obraz, ma się wrażenie niestabilnej równowagi. Talerz chleba zaraz spadnie. Centrum kompozycyjnym niewątpliwie stanowi danie z szynką. To najjaśniejszy punkt na zdjęciu. Artysta przedstawia ten temat realistycznie. Obrus ​​nie zakrywa całkowicie całego stołu. Tam, gdzie obrus nie sięga, widać prosty drewniany stół, bez żadnych ozdób. Artysta za pomocą kontrastu barw eksponuje rzeczywistość.

Holenderscy artyści osiągnęli wielkie osiągnięcia w tworzeniu sztuki o realistycznym kierunku, w naturalny sposób przedstawiającej rzeczywistość, właśnie dlatego, że na taką sztukę było zapotrzebowanie w holenderskim społeczeństwie.

Dla holenderskich artystów malarstwo sztalugowe było ważne w sztuce. Płótna Holendrów tego czasu nie mają takich samych wymiarów jak dzieła Rubensa i wolą nie decydować monumentalno-dekoracyjny zadaniami klientami holenderskich malarzy byli wysłannicy rządzącej organizacji przywódczej, ale także drugiej klasy – mieszczanie i rzemieślnicy.

Jedną z głównych trosk holenderskich malarzy był człowiek i środowisko. Główne miejsce w malarstwie holenderskim zajmował codzienny gatunek oraz portret, pejzaż i martwa natura. Im lepiej malarze bezstronnie i dogłębnie przedstawiali świat przyrody, tym liczniejsze były znaczące i wymagające tematy ich twórczości.

Holenderscy malarze produkowali dzieła na sprzedaż i sprzedawali swoje obrazy na targach. Ich prace kupowali głównie ludzie z m.in górne warstwy społeczeństwa składały się z bogatych chłopów, rzemieślników, kupców i właścicieli fabryk. Zwykłych ludzi nie było na to stać, dlatego z przyjemnością oglądali i podziwiali obrazy. Ogólne rozporządzanie sztuką w okresie rozkwitu XVII wieku pozbawiło tak potężnych konsumentów, jak dwór, szlachta i kościół.

Prace powstały w niewielkim formacie, dostosowanym do skromnego i niezbyt dużych rozmiarów wyposażenia holenderskich domów. Jedną z ulubionych rozrywek Holendrów było malarstwo sztalugowe, ponieważ był otwarty na odzwierciedlenie rzeczywistości działań z dużą wiarygodnością i na różne sposoby. Obrazy Holendrów przedstawiają bliską im rzeczywistość swojego kraju; chcieli zobaczyć to, co dobrze im znane – morze i statki, przyrodę swojej krainy, swojego domu, przebieg codziennego życia, to, co jest dla nich ważne. otaczali ich wszędzie.

Jedna ważna atrakcja w nauce środowisko pojawiły się w malarstwie holenderskim w tak naturalnych formach i z tak wyraźną ciągłością, jak nigdzie indziej w sztuce holenderskiej tamtych czasów. W związku z tym związana jest również głębia jego skali: powstały w nim portrety i pejzaże, martwe natury i gatunki codziennego użytku. Kilka z nich to martwa natura, malowanie domu To one jako pierwsze rozwinęły się w Holandii w dojrzałych formach i rozkwitły do ​​tego stopnia, że ​​stały się jedynym przykładem tego gatunku.

W pierwszych dwóch dekadach dominował nastrój poszukiwania głównych artystów holenderskich, przeciwdziałających prawicy kierunki artystyczne, - pociąg do prawidłowego odtworzenia rzeczywistości, do dokładności jej wyrażenia. Nie przez przypadek holenderscy artyści zainteresowali się sztuką Caravaggia. Działalność tzw. utrechckich karawaggistów – G. Honthorsta, H. Terbruggena, D. Van Baburena – ukazała wpływ na holenderską kulturę artystyczną.

Malarze holenderscy tworzyli w latach 20. - 30. XVII wieku główny widok odpowiedni obraz drobnofigurowy przedstawiający sceny z życia zwykłych chłopów i ich codziennych zajęć. W latach 40. - 50 malowanie domu to jeden z głównych gatunków, którego twórcy w historii zyskali miano „małego Holendra” – czy to ze względu na prostotę fabuły, czy też z powodu niewielkich rozmiarów obrazów, a może z obu powodów. Wizerunki chłopów na obrazach przesiąknięte są cechami dobrodusznego humoru Adriana van Ostade. Był demokratycznym pisarzem życia codziennego i gawędziarzem zabawnym. Jana Steena.

Jednym z najważniejszych malarzy portretowych Holandii, twórcą holenderskiego portretu realistycznego był Franza Halsa. Swoją sławę przyniosły mu zbiorowe portrety cechów strzeleckich, w których wyrażał ideały młodej republiki, poczucie wolności, równości i koleżeństwa.

Szczyt kreatywności Realizm holenderski Jest Harmensa van Rijna Rembrandta, wyróżniająca się niezwykłą żywotnością i emocjonalnością, głębokim człowieczeństwem obrazów i dużą rozpiętością tematyczną. Malował obrazy historyczne, biblijne, mitologiczne i codzienne, portrety i pejzaże, był jednym z największych mistrzów akwaforty i rysunku. Ale niezależnie od techniki, jaką stosował, w centrum jego uwagi zawsze znajdowała się osoba, jej wewnętrzny świat. Często odnajdywał swoich bohaterów wśród holenderskiej biedoty. W swoich pracach Rembrandt łączył siłę i przenikanie cech psychologicznych z wyjątkowym mistrzostwem malarstwa, w którym główne znaczenie zyskują schludne odcienie światłocienia.

W pierwszej tercji XVII w. ukształtowały się poglądy na holenderski pejzaż realistyczny, który rozkwitł w połowie stulecia. Pejzaż holenderskich mistrzów to nie przyroda w ogóle, jak na obrazach klasycystów, ale krajobraz narodowy, specyficznie holenderski: wiatraki, pustynne wydmy, kanały, po których latem pływają łódki, a zimą łyżwiarze. Artyści starali się oddać atmosferę pory roku, wilgotnego powietrza i przestrzeni.

Martwa natura żywo rozwinęła się w malarstwie holenderskim i wyróżnia się niewielkimi rozmiarami i charakterem. Petera Claesa I Willema Hedę najczęściej przedstawiały tzw. śniadania: dania z szynką lub pasztetem na stosunkowo skromnie podanym stole. Niedawna obecność człowieka jest wyczuwalna w nieładzie i naturalności, z jaką ułożone są rzeczy, które mu właśnie służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana. W umiejętnym ułożeniu przedmioty są pokazane w taki sposób, że można poczuć wewnętrzne życie rzeczy, nie bez powodu Holendrzy nazywają martwą naturę „still leven” - „ciche życie”, a nie „nature morte” - „ martwa natura”.

Martwa natura. Petera Claesa i Willema Hedy

Subtelność i prawdziwość w odtwarzaniu rzeczywistości łączą holenderscy mistrzowie z bystry zmysł piękno ujawniające się w każdym jego zjawisku, nawet najbardziej niepozornym i codziennym. Ta cecha holenderskiego geniuszu artystycznego objawiła się chyba najwyraźniej w martwej naturze; nieprzypadkowo ten gatunek był ulubieńcem Holandii.

Holendrzy nazywali martwą naturę „stilleven”, co oznacza „spokojne życie” i słowo to nieporównywalnie trafniej wyraża znaczenie, jakie holenderscy malarze nadawali obrazowaniu rzeczy niż „nature morte” – martwa natura. W przedmiotach nieożywionych dostrzegli szczególne, ukryte życie związane z życiem człowieka, jego sposobem życia, przyzwyczajeniami i upodobaniami. Malarze holenderscy stworzyli wrażenie naturalnego „bałaganu” w układzie rzeczy: pokazali pokrojony placek, obraną cytrynę ze skórką zwisającą spiralnie, niedokończony kieliszek wina, płonącą świecę, otwartą książkę – zawsze się wydaje że ktoś dotknął tych przedmiotów, po prostu ich użył, zawsze odczuwa się niewidzialną obecność osoby.

Czołowi mistrzowie holenderskiej martwej natury połowa XVII stulecia byli Pieter Claes (1597/98-1661) i Willem Heda (1594-ok. 1680). Ulubionym motywem ich martwych natur są tzw. „śniadania”. W „Śniadaniu z homarem” V. Khedy obiekty różne kształty i materiały - dzbanek do kawy, szkło, cytryna, gliniane naczynie, srebrny talerz itp. - są porównywane ze sobą, aby ujawnić cechy i atrakcyjność każdego z nich. Używając różnorodnych technik, Heda doskonale oddaje materiał i specyfikę ich faktury; Tym samym odbicia światła grają inaczej na powierzchni szkła i metalu: na szkle - jasne, o ostrych konturach, na metalu - blade, matowe, na złoconym szkle - błyszczące, jasne. Wszystkie elementy kompozycji łączy światło i kolor - szaro-zielona kolorystyka.

W „Martwej naturze ze świecą” P. Klassa niezwykła jest nie tylko trafność odwzorowania walorów materialnych przedmiotów – kompozycja i oświetlenie nadają im dużej wyrazistości emocjonalnej.

Martwe natury Klassa i Khedy przepełnione są szczególnym nastrojem, który zbliża się do siebie - jest to nastrój intymności i komfortu, rodzący ideę ugruntowanego i spokojnego życia domu mieszczańskiego , gdzie króluje dobrobyt i gdzie we wszystkim wyczuwa się troskę ludzkich rąk i uważne oczy właściciela. Malarze holenderscy potwierdzają wartość estetyczną rzeczy, a martwa natura niejako pośrednio gloryfikuje sposób życia, z którym ich istnienie jest nierozerwalnie związane. Dlatego można go uznać za jeden z artystyczne ucieleśnienia ważny temat sztuki holenderskiej - temat życia osoby prywatnej. Główną decyzję otrzymała w r obraz gatunkowy.[&&] Rotenberg I.E. Europa Zachodnia sztuka XVII V. Moskwa, 1971;

W drugiej połowie XVII wieku w społeczeństwie holenderskim zaszły zmiany: wzrosło pragnienie burżuazji wobec arystokracji. Skromne „Śniadania” Klasa i Hedy ustępują miejsca bogatym „deserom” Abrahama van Beijerna I Willema Kalfa, na które składały się efektowne naczynia gliniane, naczynia srebrne, cenne kielichy i muszle w martwych naturach. Struktury kompozycyjne stają się bardziej złożone, a kolory bardziej dekoracyjne. W konsekwencji martwa natura traci swoją demokrację, intymność, duchowość i poezję. Zamienia się w wspaniałą dekorację domów wysokiej rangi klientów. Mimo całej swojej dekoracyjności i kunsztu wykonania, późne martwe natury zapowiadają upadek wielkiego holenderskiego malarstwa realistycznego, który rozpoczął się na początku XVIII wieku i był spowodowany degeneracją społeczną holenderskiej burżuazji w ostatniej tercji XVII wieku. wieku, rozprzestrzenianie się nowych trendów w sztuce związanych z pociąganiem burżuazji do gustów francuskiej szlachty. Sztuka holenderska traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy, traci swoją tożsamość narodową i wkracza w okres długiego upadku.

Martwa natura („Stilleven” – po niderlandzku „ciche życie”) – to wyjątkowa i dość popularna gałąź malarstwa holenderskiego. Holenderskie malarstwo martwej natury z XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją holenderskich mistrzów w tym gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” zwykle obejmuje różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – zabite ptaki i zwierzynę łowną. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i śpiących, różnych ptaków – to tylko niektóre z najbardziej znane tematy martwe natury. Podsumowując, te poszczególne działki charakteryzują duże zainteresowanie Holendrów tymi działkami Życie codzienne i ich ulubione zajęcia oraz zamiłowanie do egzotyki odległych krain (w kompozycjach pojawiają się dziwaczne muszelki i owoce). Często w pracach z motywami „żywej” i „martwej” natury pojawia się podtekst symboliczny, łatwo zrozumiały dla wykształconego widza XVII wieku.

Zatem zestawienie poszczególnych przedmiotów mogłoby służyć jako wskazówka kruchości ziemskiej egzystencji: więdnące róże, kadzielnica, świeca, zegar; lub związane z nawykami potępionymi przez moralność: drzazgi, fajki; lub wskazywał na romans; pisanie, instrumenty muzyczne, kociołek. Nie ulega wątpliwości, że znaczenie tych kompozycji jest znacznie szersze niż ich treść symboliczna.

Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim swoje ekspresja artystyczna, kompletność, zdolność odsłaniania życia duchowego obiektywnego świata. Preferując obrazy wielkoformatowe, z dużą ilością wszelkiego rodzaju obiektów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do jak największej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej.

Martwa natura to jeden z gatunków, w których uprawia się język holenderski cechy narodowe pojawił się szczególnie wyraźnie. Martwe natury przedstawiające skromne naczynia, tak powszechne w malarstwie holenderskim i bardzo rzadkie w malarstwie flamandzkim, czy martwe natury z przedmiotami gospodarstwa domowego klas zamożnych. Martwe natury Pietera Claesa i Willema Hedy, spowijane zimnym, rozproszonym światłem, o niemal monochromatycznej kolorystyce, czy późniejsze martwe natury Willema Kalfa, gdzie, zgodnie z wolą artysty, złote oświetlenie ożywia formy i żywe kolory przedmioty ze zmierzchu. Wszystkie mają wspólne cechy narodowe, które nie pozwolą na pomieszanie ich z malarstwem innej szkoły, w tym pokrewnej flamandzkiej. W holenderskiej martwej naturze zawsze panuje atmosfera spokojnej kontemplacji i szczególnego zamiłowania do przekazywania realnych form namacalnie materialnego świata.

De Heem zyskał światowe uznanie dzięki swoim wspaniałym obrazom kwiatów i owoców. Połączył szczegółowość obrazu w najdrobniejszych szczegółach z genialnym doborem kolorów i wyrafinowanym smakiem kompozycji. Malował kwiaty w bukietach i wazonach, w których często fruwały motyle i owady, wianki z kwiatów w niszach, okna i wizerunki Madonn w szarościach, girlandy z owoców, martwe natury z kieliszkami wypełnionymi winem, winogronami i innymi owocami i przetworami. Hem po mistrzowsku wykorzystał możliwości kolorystyczne i osiągnął wysoki stopień przezroczystość, jego obrazy przyrody nieożywionej są całkowicie realistyczne. Jego obrazy znajdują się w prawie wszystkich ważniejszych galeriach sztuki. Malarstwo martwej natury, które wyróżniało się swoim charakterem, rozpowszechniło się w XVII-wiecznej Holandii. Holenderscy artyści wybierali do swoich martwych natur szeroką gamę obiektów, wiedzieli, jak je idealnie zaaranżować, ujawnić cechy charakterystyczne każdego przedmiotu i jego życie wewnętrzne nierozerwalnie związane z życiem człowieka. XVII-wieczni malarze holenderscy Pieter Claes (ok. 1597 - 1661) i Willem Heda (1594 - 1680/1682) malowali liczne wersje „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, ciasta z jeżynami, kruche szklane kieliszki do połowy wypełnione winem na stole stół, z niesamowitą umiejętnością oddania koloru, objętości i faktury każdego przedmiotu. Niedawna obecność danej osoby jest zauważalna w nieładzie, przypadkowości układu rzeczy, które właśnie jej służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest ściśle przemyślana i znaleziona. Powściągliwa szaro-złota, oliwkowa paleta tonalna łączy obiekty i nadaje szczególne brzmienie czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękkiego jedwabiu niebieskiej wstążki. Z czasem „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Claesa i Hedy ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beyerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beyerena są surowe pod względem kompozycji, bogate emocjonalnie i kolorowe. Przez całe życie Willem Kalf malował w sposób swobodny i demokratyczne „kuchnie” – garnki, warzywa i arystokratyczne martwe natury, dobierając wykwintne przedmioty szlachetne, pełne powściągliwej szlachetności, jak srebrne naczynia, filiżanki, muszle nasycone wewnętrznym spalaniem zabarwienie. W dalszy rozwój martwa natura podąża tymi samymi ścieżkami, co wszyscy inni Sztuka holenderska, tracąc swoją demokrację, swoją duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura staje się ozdobą domu wysoko postawionych klientów. Mimo całej swojej dekoracyjności i umiejętnego wykonania, późne martwe natury zapowiadają upadek malarstwa holenderskiego. Degeneracja społeczna i znana arystokratyzacja burżuazji holenderskiej w ostatniej tercji XVII w. dają początek tendencji do zbieżności z poglądami estetycznymi szlachty francuskiej i prowadzą do idealizacji obrazy artystyczne, ich szlifowanie. Sztuka traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy i wkracza w okres długotrwałego upadku. Poważnie wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i głównego ośrodka artystycznego.

Willem Heda (ok. 1594 - ok. 1682) – jeden z pierwszych mistrzów języka niderlandzkiego martwa natura XVII wieku, którego dzieła były wysoko cenione przez współczesnych. Szczególnie popularny w Holandii był ten rodzaj malarstwa zwany „śniadaniem”. Stworzono je z myślą o każdym guście: od bogatych po skromniejsze. Obraz „Śniadanie z Krabem” wyróżnia się dużymi rozmiarami, nietypowymi dla martwej natury holenderskiej (Załącznik I). Ogólna kolorystyka pracy jest zimna, srebrno-szara z kilkoma różowawymi i brązowymi plamami. Kheda znakomicie przedstawiła nakryty stół, na którym w starannie przemyślany nieład ułożone są składniki śniadania. Na talerzu leży krab, przedstawiony ze wszystkimi jego osobliwościami, obok niego żółknąca cytryna, której wdzięcznie wycięta skórka, zwinięta, zwisa. Po prawej zielone oliwki i pyszna bułka ze złotą skórką. Szklane i metalowe naczynia dodają martwej naturze solidności, a ich kolor niemal zlewa się z całością.

Natalia MARKOWA,
Kierownik Działu Grafiki Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina. A, S, Puszkin

Martwa natura w XVII-wiecznej Holandii

Można powiedzieć, że czas działał jak obiektyw aparatu: wraz ze zmianą ogniskowej zmieniała się skala obrazu, aż w kadrze pozostały tylko przedmioty, a wnętrze i postacie zostały wypchnięte z obrazu. Martwą naturę „martwą naturę” można znaleźć na wielu obrazach holenderskich artystów z XVI wieku. Nakryty stół z „Portretu rodzinnego” Martina van Heemskercka (ok. 1530) łatwo wyobrazić sobie jako samodzielny obraz. Muzea państwowe, Kassel) lub wazon z kwiatami z kompozycji Jana Brueghela Starszego. Sam Jan Brueghel zrobił coś takiego, pisząc już na samym początku XVII wieku. pierwsza niezależna martwa natura kwiatowa. Pojawiły się około roku 1600 – ten czas uważany jest za datę narodzin gatunku.

Martina van Heemskerka. Portret rodzinny. Fragment. OK. 1530. Muzea Państwowe, Kassel.

W tym momencie O nie było jeszcze jak tego zdefiniować. Termin „martwa natura” powstał we Francji w XVIII wieku. i dosłownie przetłumaczone oznacza „martwą naturę”, „martwą naturę” (nature morte). W Holandii obrazy przedstawiające przedmioty nazywano „stilleven”, co można przetłumaczyć zarówno jako „martwa natura, modelka”, jak i „ciche życie”, co znacznie trafniej oddaje specyfikę holenderskiej martwej natury. Ale to ogólna koncepcja wszedł do użytku dopiero od 1650 roku, a wcześniej obrazy nazywano zgodnie z tematyką obrazu: b lumentopf – wazon z kwiatami, banketje – nakryty stół, fruytage – owoce, toebackje – martwe natury z akcesoriami do palenia, doodshoofd - obrazy z czaszką. Już z tego zestawienia jasno wynika, jak wielka była różnorodność przedstawionych obiektów. Rzeczywiście, cały otaczający ich obiektywny świat zdawał się rozlewać na obrazy holenderskich artystów.

Abrahama van Beurena. Martwa natura z homarami. XVII w. Kunsthaus w Zurychu

W sztuce oznaczało to rewolucję nie mniejszą niż ta, jaką przeprowadzili Holendrzy w sferze gospodarczej i społecznej, zdobywając niezależność od władzy katolickiej Hiszpanii i tworząc pierwsze demokratyczne państwo. Podczas gdy ich współcześni we Włoszech, Francji i Hiszpanii skupiali się na tworzeniu ogromnych kompozycji religijnych na ołtarze kościelne, obrazów i fresków o tematyce mitologii starożytnej do sal pałacowych, Holendrzy malowali małe obrazy z widokami zakątków rodzimego krajobrazu, tańcami w wiejski festyn lub domowy koncert w domu mieszczańskim, sceny w wiejskiej karczmie, na ulicy lub w domu spotkań, zastawione stoły ze śniadaniem lub deserem, czyli charakter „niski”, bezpretensjonalny, nieprzyćmiony starożytnością lub Renesansowa tradycja poetycka, z wyjątkiem może współczesnej poezji holenderskiej. Kontrast z resztą Europy był wyraźny.

Obrazy rzadko powstawały na zamówienie, lecz przeważnie były swobodnie sprzedawane na targowiskach dla wszystkich i miały zdobić pokoje w domach mieszkańców miast, a nawet bogatszych wieśniaków. Później, w XVIII i XIX wieki, kiedy życie w Holandii stało się trudniejsze i rzadsze, te domowe kolekcje malarstwa były szeroko sprzedawane na aukcjach i chętnie kupowane do kolekcji królewskich i arystokratycznych w całej Europie, skąd ostatecznie wyemigrowały do największe muzea pokój. Kiedy w połowie XIX w. artyści na całym świecie zwrócili się w stronę przedstawiania otaczającej ich rzeczywistości, obrazów holenderskich mistrzów z XVII wieku. był dla nich wzorem we wszystkich gatunkach.

Jana Venixa. Martwa natura z białym pawiem. 1692. Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg

Cechą malarstwa holenderskiego była specjalizacja artystów według gatunku. W obrębie gatunku martwej natury istniał nawet podział na osobne tematy, a poszczególne miasta miały swoje ulubione typy martwej natury, a jeśli malarzowi zdarzyło się przenieść do innego miasta, często gwałtownie zmieniał swoją sztukę i zaczynał malować te odmiany gatunku, który był tam popularny.

Haarlem stał się kolebką najbardziej charakterystycznego rodzaju holenderskiej martwej natury – „śniadania”. Obrazy Petera Claesa przedstawiają nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Blaszany talerz, śledź lub szynka, bułka, kieliszek wina, zmięta serwetka, cytryna lub gałązka winogron, sztućce – skromny i precyzyjny dobór elementów sprawia wrażenie zastawionego stołu dla jednej osoby. Na obecność osoby wskazuje „malowniczy” nieład wprowadzony do układu rzeczy i atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana poprzez transmisję środowiska świetlno-powietrznego. Dominujący szarobrązowy odcień łączy obiekty w jeden obraz, a sama martwa natura staje się odzwierciedleniem indywidualnych gustów i stylu życia danej osoby.

Inny mieszkaniec Haarlemu, Willem Heda, działał w tym samym duchu co Klas. Kolorystyka jego obrazów jest jeszcze bardziej podporządkowana jedności tonalnej, dominuje w niej odcień szaro-srebrny, podkreślony wizerunkiem naczyń srebrnych lub cynowych. Dla tej kolorowej powściągliwości obrazy zaczęto nazywać „monochromatycznymi śniadaniami”.

Abrahama van Beurena. Śniadanie. XVII wiek Muzeum Puszkina im. Puszkin, Moskwa

W Utrechcie rozwinęła się bujna i elegancka martwa natura kwiatowa. Jej głównymi przedstawicielami są Jan Davids de Heem, Justus van Huysum i jego syn Jan van Huysum, który szczególnie zasłynął dzięki starannemu pisaniu i jasnej kolorystyce.

W Hadze, centrum rybołówstwa morskiego, Pieter de Putter i jego uczeń Abraham van Beyeren udoskonalili przedstawienie ryb i innych mieszkańców morza; kolor ich obrazów mieni się blaskiem łusek, w których występują plamy różu, czerwieni i migają niebieskie kolory. Uniwersytet w Lejdzie stworzył i udoskonalił rodzaj filozoficznej martwej natury „vanitas” (marność nad marnościami). Na obrazach Harmena van Steenwijka i Jana Davidsa de Heema przedmioty uosabiające ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty sztuki, cenne naczynia) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce) zestawione są z czaszką lub klepsydrą dla przypomnienia o przemijaniu życia. Bardziej demokratyczna martwa natura „kuchenna” powstała w Rotterdamie w twórczości Florisa van Schotena i Francois Reykhalsa, a jego najlepsze osiągnięcia kojarzone są z nazwiskami braci Cornelisa i Hermana Saftlevenów.

W połowie stulecia temat skromnych „śniadań” w twórczości Willema van Aalsta, Juriana van Strecka, a zwłaszcza Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena przekształcił się w luksusowe „bankiety” i „desery”. Złocone kielichy, chińska porcelana i fajans z Delft, dywanowy obrus, południowe owoce podkreślają zamiłowanie do wdzięku i bogactwa, które zadomowiło się w społeczeństwie holenderskim w połowie stulecia. W związku z tym „monochromatyczne” śniadania zastępowane są soczystym, bogatym kolorystycznie, złoto-ciepłym smakiem. Wpływ światłocienia Rembrandta sprawia, że ​​kolory na obrazach Kalfa błyszczą od wewnątrz, poetyzując obiektywny świat.

Willema Kalfa. Martwa natura z filiżanką Nautilusa i chińską porcelanową misą. Muzeum Thyssena – Bornemisza, Madryt

Mistrzami przedstawiania „trofeów myśliwskich” i „zagrod drobiu” byli Jan-Baptiste Wenix, jego syn Jan Wenix i Melchior de Hondecoeter. Ten rodzaj martwej natury stał się szczególnie rozpowszechniony w drugiej połowie - końcu wieku w związku z arystokracją mieszczańską: zakładaniem majątków ziemskich i rozrywką myśliwską. Malowanie dwa najnowsi artyści wykazuje wzrost dekoracyjności, koloru i chęci uzyskania efektów zewnętrznych.

Niesamowitą zdolność malarzy holenderskich do przekazywania świata materialnego w całym jego bogactwie i różnorodności docenili nie tylko współcześni, ale także Europejczycy w XVIII i XIX wieku, którzy widzieli w martwych naturach przede wszystkim i tylko to genialne mistrzostwo; przekazującą rzeczywistość. Jednak dla samych Holendrów w XVII wieku obrazy te były pełne znaczeń, stanowiły pokarm nie tylko dla oczu, ale i umysłu. Obrazy wchodziły w dialog z odbiorcami, przekazując im ważne prawdy moralne, przypominając o ułudzie ziemskich radości, daremności ludzkich dążeń, kierując myśli w stronę filozoficznych rozważań na temat sensu życia ludzkiego.

Dziś poznamy jednego z najlepsi mistrzowie Holenderska luksusowa martwa natura Autor: WILLEM KALF 1619-1693

Willem Kalf był szóstym dzieckiem w rodzinie bogatego kupca sukna z Rotterdamu i członka rady miejskiej Rotterdamu. Ojciec Willema zmarł w 1625 roku, gdy chłopiec miał 6 lat. Matka kontynuowała rodzinny biznes, ale bez większych sukcesów.

Nie ma informacji, u jakiego artysty Kalf studiował; być może jego nauczycielem był Hendrik Poth z Haarlemu, gdzie mieszkali krewni Kalfów. Na krótko przed śmiercią matki w 1638 roku Willem wyjechał rodzinne miasto i przeniósł się do Hagi, a następnie w latach 1640-41. osiadł w Paryżu.

Tam, dzięki ich „ chłopskie wnętrza ”, pisany w tradycji flamandzkiej, bliski twórczości Davida Teniersa i innych artystów XVII wieku, Kalf szybko zyskał uznanie.

W jego rustykalnych wnętrzach postacie ludzkie schodziły raczej na dalszy plan, a cała uwaga widza skupiała się na dobrze oświetlonych, kolorowych i pomysłowo rozmieszczonych owocach, warzywach i rozmaitych przedmiotach gospodarstwa domowego.

Tutaj stworzył nowy mundur umiejętnie pogrupowana martwa natura z drogimi, bogato zdobionymi przedmiotami (głównie butelkami, talerzami, szklankami) wykonanymi z materiałów odbijających światło - złota, srebra, cyny czy szkła. Umiejętności tego artysty osiągnęły swój szczyt w amsterdamskim okresie jego twórczości w hipnotyzującym „ LUKSUSOWA MARTWA NATURA»

Martwa natura z rogiem do picia należącym do Cechu Łuczników św. Sebastiana, homarem i kieliszkami - Willem Kalf. Około 1653 r.

Ta martwa natura jest jedną z najbardziej znanych.

Powstał w 1565 roku dla cechu łuczników amsterdamskich. Kiedy artysta pracował nad tą martwą naturą, róg był nadal używany podczas spotkań cechowych.

To wspaniałe naczynie wykonane jest z rogu bawolego, zapięcie jest ze srebra, jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz miniaturowe postacie ludzi w kształcie rogu – ta scena opowiada nam o cierpieniach św. Sebastiana, patrona łuczników.

Tradycja dodawania obranej cytryny do wina nadreńskiego wzięła się stąd, że Holendrzy uważali ten rodzaj wina za zbyt słodkie.

Homar, róg wina z błyszczącą, filigranową srebrną obwódką, przezroczyste kieliszki, cytryna i turecki dywan są wykonane z tak niezwykłą starannością, że powstaje złudzenie, że są prawdziwe i można je dotknąć ręką.

Rozmieszczenie każdego elementu jest wybierane z taką starannością, aby grupa jako całość tworzyła harmonię koloru, kształtu i faktury. Ciepłe światło otaczające przedmioty nadaje im dostojeństwa drogocenności biżuteria, a ich rzadkość, przepych i fantazyjność odzwierciedlają wyrafinowane gusta holenderskich kolekcjonerów w XVII wieku – w czasach, gdy martwe natury cieszyły się ogromną popularnością.

Martwa natura z dzbankiem i owocami. 1660

W 1646 roku Willem Kalf powrócił na jakiś czas do Rotterdamu, następnie przeniósł się do Amsterdamu i Hoorn, gdzie w 1651 roku poślubił Kornelia Plouvier, córka protestanckiego pastora.

Kornelia była znaną kaligrafką i poetką, przyjaźniła się z Constantijnem Huygensem, osobistym sekretarzem trzech namiestników młodej Republiki Holenderskiej, szanowanym poetą i prawdopodobnie najbardziej doświadczonym znawcą światowego teatru i sztuka muzyczna swoich czasów.

W 1653 r małżonkowie przeniósł się do Amsterdamu, gdzie mieli czworo dzieci. Pomimo swojego bogactwa Kalf nigdy nie nabył własnego domu.

Martwa natura z czajnikiem.

W okresie amsterdamskim Kalf zaczął włączać do swoich doskonałych martwych natur egzotyczne przedmioty: chińskie wazony, muszle oraz niewidziane dotąd owoce tropikalne – na wpół obrane pomarańcze i cytryny. Przedmioty te sprowadzono do Holandii z Ameryki; były ulubionymi przedmiotami prestiżu zamożnych mieszczan, którzy afiszowali się ze swoim bogactwem.

Martwa natura z łodzikiem i miską chińską.

Holendrzy kochali i rozumieli dobre wnętrze, wygodne nakrycie stołu, na którym wszystko, czego potrzebujesz, jest pod ręką, wygodne przybory - w otaczającym człowieka świecie materialnym.

W centrum widzimy elegancki kubek nautilusa wykonany z muszli, a także piękny chiński wazon. Na zewnątrz ozdobiony jest ośmioma płaskorzeźbionymi postaciami przedstawiającymi ośmiu nieśmiertelnych w taoizmie, stożek na wieczku to zarys buddysty. Lew.
Tę martwą naturę uzupełnia tradycyjny perski dywan Kalfa i cytryna z cienką spiralą skórki.

Piramida przedmiotów tonie w mgle zmierzchu, czasem jedynie odbicia światła wskazują kształt rzeczy. Natura stworzyła muszlę, rzemieślnik zamienił ją w kielich, artysta namalował martwą naturę, a my cieszymy się całym tym pięknem. W końcu umiejętność dostrzegania piękna to także talent.

Martwa natura ze szklanym kielichem i owocami 1655.

Jak wszystkie martwe natury tamtych czasów, dzieła Kalfa miały wyrażać ikonograficzną ideę kruchości – „memento mori” („pamiętaj o śmierci”), aby służyć jako ostrzeżenie, że wszystko, co żywe i nieożywione, jest ostatecznie przemijające.

Martwa natura z owocami i filiżanką Nautilusa.1660g

Dla Kalfa ważne było jednak coś innego. Przez całe życie interesował się grą światła i jego wpływem na otoczenie różne materiały, zaczynając od faktury wełnianych dywanów, poprzez jasny połysk metalowych przedmiotów ze złota, srebra czy cyny, delikatny blask porcelany i wielobarwnych muszli, a skończywszy na tajemniczym połysku brzegów najpiękniejszych szklanek i wazonów w stylu weneckim.

Martwa natura z chińską wazą.

Deser.

Przed wejściem do Ermitażu w 1915 roku obraz „Deser” znajdował się w kolekcji słynnego rosyjskiego geografa i podróżnika P. P. Semenowa-Tyana-Szańskiego, wielkiego konesera i miłośnika sztuki holenderskiej i flamandzkiej.

Jasny promień światła wyciąga z półmroku misę owoców, brzoskwinię na srebrnej tacy i pomięty biały obrus. Szklane i srebrne kielichy nadal odbijają światło, a cienki kieliszek fletowy wypełniony winem niemal wtapia się w tło.

Artystka po mistrzowsku oddała fakturę każdego przedmiotu: szkła, malowanego fajansowego talerza, złoconego kielicha, orientalnego dywanu, śnieżnobiałej serwetki. Obraz ukazuje silny wpływ, jaki malarstwo Rembrandta wywarło na Kalfa: przedmioty ukazane są na ciemnym tle, jasne światło jakby je ożywiał, otulając ciepłem złotych promieni.

Martwa natura z porcelanowym wazonem, pozłacanym dzbankiem i szklankami

Pronk Martwa natura z miską Holbein, filiżanką Nautilusa, szklanym kielichem i talerzem z owocami

Przemyślaną w najdrobniejszych szczegółach kompozycję martwych natur Kalfa zapewniają nie tylko określone zasady, ale także wyjątkowy i złożony kierunekSwieta.

Wartościowe przedmioty – pocięte kielichy, często do połowy wypełnione winem – wyłaniają się z ciemności tła stopniowo, po pewnym czasie. Często ich kształt można jedynie zaskakująco odgadnąć w odbiciu promieni światła. Nikomu poza Kalfem nie udało się tak realistycznie pokazać światła przenikającego przez muszlę łodzika. Całkowicie słusznie Kalf nazywany jest „Vermeerem malarstwa martwej natury”, a w niektórych miejscach Kalf go przewyższył.

Od 1663 roku Kalf mniej pisał, zajął się handlem sztuką i stał się poszukiwanym znawcą sztuki.

Willem Kalf zmarł w wieku 74 lat w wyniku upadku w drodze do domu podczas powrotu z wizyty.

Dzięki swoim wyjątkowym zdolnościom wizualnym, w połączeniu z doskonałym wykształceniem i rozległą wiedzą z zakresu nauk przyrodniczych, znacznie poszerzył iluzjonistyczne możliwości martwej natury. Jego dzieła są niedoścignionymi przykładami tej sztuki.