Czym jest obraz artystyczny, postawa artystyczna artysty. Grafika. obraz artystyczny. rzeczywistość artystyczna

Sztuka zajmuje najważniejsze miejsce w teorii estetyki. Bada jego rolę w życiu, wzorce rozwoju i cechy charakterystyczne. Estetyka uważa sztukę za formę estetycznego poznawania świata. Sztuka jest sposobem odzwierciedlania życia i myślenia w formie obrazów artystycznych. Źródłem obrazów artystycznych jest rzeczywistość. Artysta odwzorowując świat, myśli przenośnie i emocjonalnie, oddziałując swoimi dziełami na uczucia i umysły ludzi, stara się wywołać w nich podobne emocje i myśli.

Specyfika sztuki polega na tym, że oddziałuje ona na człowieka poprzez swoje walory estetyczne, poprzez wpływ systemu obrazów artystycznych. Artystyczny obraz kojarzy się nie tylko z obrazowością zmysłowo-konkretnego myślenia, ale także z abstrakcyjnymi koncepcjami, zawiera w sobie głębię i oryginalność znaczącego artyzmu;

W istocie obrazu artystycznego można wyróżnić pewne poziomy. Abstrakcyjny poziom myślenia artystycznego jest idealny, gdy pojawia się świadomość pomysł artystyczny a kreacja wizerunku jest operacją intelektualną. Następny poziom to poziom mentalny, gdzie istotna jest rola nieświadomych mechanizmów twórczości artystycznej. To jest poziom uczucia artystyczne i emocje, dzięki którym obrazy dzieła przeżywane są w procesie percepcji. Obraz artystyczny wiąże się z estetycznym podejściem do niego, z uczuciami, z ocenami, z potrzebami. Wreszcie trzeci poziom istnienia obrazu artystycznego ma charakter materialny, tj. w jakiej materialnej „skorupie” obraz jest prezentowany: w kolorze, w dźwięku, w słowach, w ich kombinacjach.

Badając obraz artystyczny, należy wziąć pod uwagę wszystkie te poziomy: idealny, mentalny, materialny.

W sztuce trafność przedstawienia natury nie tworzy sama w sobie dzieła, powstaje ono dopiero wtedy, gdy obraz staje się obrazem artystycznym, w którym dany przedmiot lub zjawisko zostaje oświetlone myślą i uczuciem twórcy.

Wizerunek artystyczny jest efektem pewnej orientacji twórczej autora i wiąże się z naturą jego talentu. Sztuka jest w zasadzie obrazem rzeczywistości postrzeganej zmysłowo, jednak stopień jej artystycznego uogólnienia jest różny. Aby właściwie zrozumieć naturę obrazu artystycznego, należy wziąć pod uwagę także taki najważniejsze punkty jako indywidualność wizji artysty i jego ideału estetycznego.

Te dwa punkty są ze sobą powiązane, a jednocześnie stosunkowo niezależne. Ideał estetyczny pełni funkcję przewodnika dla autora, kieruje jego wizją, wyznacza go wyjątkowość konkretnego czasu historycznego. A jednocześnie każdy twórca widzi świat na swój własny sposób i indywidualność wizja artystyczna autor wzbogaca wizję estetyczną jako całość, poszerza zakres postrzegania świata. Indywidualność wizji artysty może być ledwo zauważalna lub odwrotnie, wyraźnie wyrażona, ale w każdym razie jest wymagana w utalentowanym dziele sztuki.

Najważniejszą kategorią literatury, która określa jej istotę i specyfikę, jest obraz artystyczny. Jakie jest znaczenie tej koncepcji? Oznacza zjawisko, które autor twórczo odtwarza w swojej twórczości. Obraz w dziele sztuki jawi się jako wynik znaczących wniosków pisarza na temat jakiegoś procesu lub zjawiska. Osobliwością tej koncepcji jest to, że pomaga ona nie tylko zrozumieć rzeczywistość, ale także stworzyć własny fikcyjny świat.

Spróbujmy prześledzić, czym jest obraz artystyczny, jakie są jego rodzaje i środki wyrazu. Przecież każdy pisarz stara się przedstawić pewne zjawiska w taki sposób, aby pokazać swoją wizję życia, jego tendencje i wzorce.

Co to jest obraz artystyczny

Krajowa krytyka literacka zapożyczyła słowo „obraz” ze słownika kijowskiego kościoła. Ma znaczenie - twarz, policzek, a jego przenośne znaczenie to obraz. Ale dla nas ważne jest, aby przeanalizować, czym jest obraz artystyczny. Rozumiemy przez to konkretny, czasem uogólniony obraz życia ludzi, który niesie ze sobą wartość estetyczna i jest tworzony poprzez fikcję. Element lub część dzieła literackiego, która ma niezależne życie- taki jest obraz artystyczny.

Taki obraz nazywa się artystycznym nie dlatego, że jest identyczny z rzeczywistymi przedmiotami i zjawiskami. Autor po prostu przekształca rzeczywistość za pomocą swojej wyobraźni. Zadaniem obrazu artystycznego w literaturze nie jest po prostu kopiowanie rzeczywistości, ale przekazywanie tego, co najważniejsze i istotne.

Tym samym Dostojewski włożył w usta jednego ze swoich bohaterów słowa, że ​​rzadko można rozpoznać osobę na fotografii, bo twarz nie zawsze mówi o najważniejszych cechach charakteru. Na zdjęciach na przykład Napoleon wydaje się niektórym głupi. Zadaniem pisarza jest ukazanie tego, co najważniejsze, specyficznego w obliczu i charakterze. Tworząc obraz literacki, autor używa słów, aby w indywidualnej formie oddać ludzkie postacie, przedmioty i zjawiska. Przez obraz literaturoznawcy rozumieją:

1. Pismo dzieło sztuki, bohaterowie, pismo i ich postacie.
2. Przedstawianie rzeczywistości w konkretnej formie za pomocą obrazów werbalnych i tropów.

Każdy obraz stworzony przez pisarza niesie ze sobą szczególną emocjonalność, oryginalność, skojarzalność i pojemność.

Zmiana form obrazu artystycznego

Wraz ze zmianą ludzkości zmieniają się także obrazy rzeczywistości. Istnieje różnica między tym, jak obraz artystyczny wyglądał 200 lat temu, a tym, jak wygląda teraz. W dobie realizmu, sentymentalizmu, romantyzmu i modernizmu autorzy przedstawiali świat na różne sposoby. Rzeczywistość i fikcja, rzeczywistość i ideał, ogólny i indywidualny, racjonalny i emocjonalny - wszystko to zmieniło się wraz z rozwojem sztuki. W epoce klasycyzmu pisarze podkreślali walkę uczuć z obowiązkiem. Często bohaterowie wybierali obowiązek i poświęcali osobiste szczęście w imię interesów publicznych. W epoce romantyzmu pojawili się zbuntowani bohaterowie, którzy odrzucili społeczeństwo lub ono je odrzuciło.

Realizm wprowadził do literatury racjonalną wiedzę o świecie i nauczył rozpoznawać związki przyczynowo-skutkowe pomiędzy zjawiskami i przedmiotami. Modernizm nawoływał pisarzy do rozumienia świata i człowieka za pomocą irracjonalnych środków: inspiracji, intuicji, wglądu. Dla realistów na pierwszym planie jest człowiek i jego relacja ze światem zewnętrznym. Romantycy interesują się światem wewnętrznym swoich bohaterów.

Czytelników i słuchaczy można też w pewnym sensie nazwać współtwórcami obrazów literackich, bo ważna jest ich percepcja. Idealnie byłoby, gdyby czytelnik nie tylko biernie stał z boku, ale przepuszczał obraz poprzez własne uczucia, myśli i emocje. Od czytelników różne epoki Ujawniają się zupełnie inne strony obrazu artystycznego, jaki przedstawił pisarz.

Cztery typy obrazów literackich

Obraz artystyczny w literaturze jest klasyfikowany na różnych podstawach. Wszystkie te klasyfikacje tylko się uzupełniają. Jeśli podzielimy obrazy na typy ze względu na liczbę tworzących je słów lub znaków, wówczas wyróżniają się następujące obrazy:

• Małe obrazy w formie szczegółów. Przykładem detalu obrazu jest słynny stos Plyuszkina, konstrukcja w formie hałdy. Bardzo wyraźnie charakteryzuje swojego bohatera.
• Wnętrza i krajobrazy. Czasami są częścią wizerunku danej osoby. Tym samym Gogol nieustannie zmienia wnętrza i krajobrazy, czyniąc je środkiem do tworzenia postaci. Teksty krajobrazowe są bardzo łatwe do wyobrażenia czytelnikowi.
• Obrazy postaci. Zatem u Lermontowa w centrum wydarzeń znajduje się osoba ze swoimi uczuciami i myślami. Postacie są również powszechnie nazywane bohaterami literackimi.
• Złożone systemy literackie. Jako przykład możemy przytoczyć obraz Moskwy w liryce Cwietajewy, Rosji w twórczości Bloka i Petersburga u Dostojewskiego. Jeszcze bardziej złożonym systemem jest obraz świata.

Klasyfikacja obrazów według cech rodzajowych i stylistycznych

Wszelkie dzieła literackie i artystyczne dzieli się zwykle na trzy typy. W związku z tym obrazy mogą być:

• liryczny;
• epicki;
• dramatyczny.

Każdy pisarz ma swój własny styl portretowania bohaterów. Daje to powód, aby klasyfikować obrazy na:

• realistyczny;
• romantyczny;
• surrealistyczne.

Wszystkie obrazy tworzone są według pewnego systemu i praw.

Podział obrazów literackich ze względu na charakter ich ogólności

Charakteryzuje się niepowtarzalnością i oryginalnością indywidualne obrazy. Zostały wymyślone przez wyobraźnię samego autora. Indywidualne obrazy używany przez romantyków i pisarzy science fiction. W dziele Hugo „Notre-Dame de Paris” czytelnicy mogą zobaczyć niezwykłego Quasimodo. Volan jest indywidualnością w powieści Bułhakowa „Mistrz i Małgorzata” oraz Demonem w dziele Lermontowa pod tym samym tytułem.

Ogólny obraz, przeciwny do indywidualnego, jest charakterystyczny. Zawiera charaktery i moralność ludzi określonej epoki. Tacy są bohaterowie literaccy Dostojewskiego w „Braciach Karamazow”, „Zbrodni i karze”, w sztukach Ostrowskiego, w „Sagach Forsyte’a” Galsworthy’ego.

Najwyższy poziom charakterystycznych postaci to typowy obrazy. Były one najbardziej prawdopodobne dla danej epoki. To typowi bohaterowie, których najczęściej spotyka się w fikcji realistycznej. Literatura XIX wiek. To Ojciec Goriot i Gobsek Balzaca, Platon Karatajew i Anna Karenina Tołstoja, Madame Bovary Flauberta. Czasami tworzenie obrazu artystycznego ma na celu uchwycenie społeczno-historycznych cech epoki i uniwersalnych cech charakteru ludzkiego. Lista takich wieczne obrazy Można wymienić Don Kichota, Don Juana, Hamleta, Obłomowa, Tartuffe’a.

Ramy poszczególnych postaci wykraczają poza to obrazy-motywy. Są one stale powtarzane w tematach dzieł jakiegoś autora. Jako przykład można przytoczyć „wiejską Ruś” Jesienina czy „Piękną damę” Bloka.

Nazywa się typowymi obrazami spotykanymi nie tylko w literaturze poszczególnych pisarzy, ale także narodów i epok topos. Tacy rosyjscy pisarze jak Gogol, Puszkin, Zoszczenko, Płatonow posługiwali się w swoich pismach toposowym obrazem „małego człowieka”.

Nazywa się uniwersalnym obrazem człowieka, który jest nieświadomie przekazywany z pokolenia na pokolenie archetyp. Zawiera postacie mitologiczne.

Narzędzia do kreowania wizerunku artystycznego

Każdy pisarz, na miarę swoich możliwości, odsłania obrazy za pomocą dostępnych mu środków. Najczęściej czyni to poprzez zachowanie bohaterów w określonych sytuacjach, poprzez swoją relację ze światem zewnętrznym. Spośród wszystkich środków obrazu artystycznego ważną rolę odgrywa charakterystyka mowy bohaterowie. Autor może skorzystać monologi, dialogi, wewnętrzne wypowiedzi danej osoby. Do wydarzeń zachodzących w książce pisarz może przytoczyć własne opis autora.

Czasami czytelnicy dostrzegają ukryty, ukryty sens w dziełach, który nazywa się podtekst. Ogromne znaczenie charakterystyka zewnętrzna bohaterowie: wzrost, ubiór, sylwetka, mimika, gesty, barwa głosu. Łatwiej nazwać to portretem. Prace niosą ze sobą ogromny ładunek semantyczny i emocjonalny bliższe dane, wyrażanie szczegółów . Aby wyrazić znaczenie zjawiska w formie obiektywnej, autorzy używają symbolika. Pomysł na siedlisko konkretnej postaci daje opis wyposażenia wnętrza pokoju - wnętrze.

W jakim porządku charakteryzuje się literaturę literacką?

obraz postaci?

Kreowanie artystycznego wizerunku człowieka jest jednym z najważniejszych zadań każdego autora. Oto, jak możesz scharakteryzować tę lub inną postać:

1. Wskaż miejsce postaci w systemie obrazów dzieła.
2. Opisz go z punktu widzenia typu społecznego.
3. Opisz wygląd bohatera, portret.
4. Wymień cechy jego światopoglądu i światopoglądu, zainteresowań umysłowych, zdolności i nawyków. Opisz co robi, jego zasady życiowe i wpływ na innych.
5. Opisz sferę uczuć bohatera, cechy jego przeżyć wewnętrznych.
6. Przeanalizuj stosunek autora do bohatera.
7. Odkryj najważniejsze cechy charakteru bohatera. Jak autorka odkrywa je, inne postacie.
8. Przeanalizuj działania bohatera.
9. Nazwij osobowość mowy postaci.
10. Jaki jest jego stosunek do natury?

Zdjęcia mega, makro i mikro

Czasem tekst dzieła literackiego postrzegany jest jako megaobraz. Ma swoją wartość estetyczną. Literaturoznawcy przyznają mu najwyższą wartość gatunkową i niepodzielną.

Obrazy makro służą do przedstawiania życia w większych lub mniejszych segmentach, obrazach lub częściach. Kompozycja makroobrazu składa się z małych, jednorodnych obrazów.

Mikroobraz ma najmniejszy rozmiar tekstu. Może mieć formę niewielkiego wycinka rzeczywistości przedstawionej przez artystę. Może to być jedno słowo frazowe (Zima. Mróz. Poranek.) Lub zdanie, akapit.

Obrazy-symbole

Cechą charakterystyczną takich obrazów jest ich metaforyczność. Niosą głębię semantyczną. Zatem bohater Danko z dzieła Gorkiego „Stara kobieta Izergil” jest symbolem absolutnej bezinteresowności. W książce przeciwstawia mu się inny bohater – Larra, będąca symbolem egoizmu. Pisarz tworzy literacki obraz-symbol dla ukrytego porównania, aby ukazać jego przenośne znaczenie. Najczęściej symbolikę można znaleźć w dziełach lirycznych. Warto przypomnieć wiersze Lermontowa „Klif”, „Na dzikiej północy stoi samotnie…”, „Liść”, wiersz „Demon”, balladę „Trzy palmy”.

Wieczne obrazy

Istnieją obrazy, które nie blakną; łączą w sobie jedność elementów historycznych i społecznych. Takie postacie w literaturze światowej nazywane są wiecznymi. Od razu przychodzą mi na myśl Prometeusz, Edyp, Kasandra. Każda inteligentna osoba dodałaby do tej listy Hamleta, Romea i Julię, Iskandera, Robinsona. Istnieją nieśmiertelne powieści, opowiadania i teksty, w których nowe pokolenia czytelników odkrywają niespotykaną dotąd głębię.

Artystyczne obrazy w tekstach

Teksty zapewniają niezwykłe spojrzenie na zwykłe rzeczy. Bystre oko poety dostrzega to, co najzwyklejsze i przynoszące szczęście. Obraz artystyczny w wierszu może być najbardziej nieoczekiwany. Dla niektórych jest to niebo, dzień, światło. Bunin i Jesienin mają brzozę. Obrazy ukochanej osoby obdarzone są szczególną czułością. Bardzo często pojawiają się obrazy-motywy, takie jak: kobieta-matka, żona, panna młoda, kochanek.

1. Obraz artystyczny: znaczenie terminu

2. Właściwości obrazu artystycznego

3. Typologia (odmiany) obrazów artystycznych

4. Szlaki artystyczne

5. Obrazy-symbole artystyczne

1. Obraz artystyczny: znaczenie terminu

W najogólniejszym sensie obraz jest zmysłową reprezentacją określonej idei. Obrazy nazywane są postrzeganymi empirycznie i prawdziwie zmysłowymi dzieło literackie obiekty. Są to obrazy wizualne (obrazy natury) i słuchowe (dźwięk wiatru, szelest trzciny). Węchowy (zapach perfum, aromat ziół) i smakowy (smak mleka, ciastek). Obrazy mają charakter dotykowy (dotyk) i kinetyczny (związany z ruchem). Za pomocą obrazów pisarze wyznaczają w swoich utworach obraz świata i człowieka; wykrywać ruch i dynamikę działania. Obraz jest także pewną formacją holistyczną; myśl zawarta w przedmiocie, zjawisku lub osobie.

Nie każdy obraz staje się artystyczny. Artyzm obrazu polega na jego szczególnym – estetycznym – przeznaczeniu. Uchwycił piękno natury, świata zwierząt, człowieka i relacji międzyludzkich; odsłania tajemną doskonałość bytu. Obraz artystyczny ma świadczyć o pięknie, które służy dobru wspólnemu i potwierdza światową harmonię.

Z punktu widzenia struktury dzieła literackiego najważniejszym składnikiem jego formy jest obraz artystyczny. Obraz to wzór na „ciele” przedmiotu estetycznego; główny mechanizm „przekazujący” mechanizmu artystycznego, bez którego niemożliwy jest rozwój działania i rozumienie znaczenia. Jeśli dzieło sztuki jest podstawową jednostką literatury, to obraz artystyczny jest podstawową jednostką twórczości literackiej. Za pomocą obrazów artystycznych modelowany jest obiekt refleksji. Obraz wyraża krajobraz i obiekty wewnętrzne, wydarzenia i działania bohaterów. Na obrazach widnieje intencja autora; główna, ogólna idea jest ucieleśniona.

Tak więc w ekstrawagancji A. Greena „Szkarłatne żagle” główny temat miłości w dziele znajduje odzwierciedlenie w centralnym obrazie artystycznym - szkarłatnych żaglach, co oznacza wzniosłe romantyczne uczucie. Artystycznym obrazem jest morze, do którego zagląda Assol, czekając na biały statek; zaniedbana, niewygodna tawerna Menners; zielony robak pełzający wzdłuż linii ze słowem „patrz”. Obraz artystyczny (obraz zaręczyn) to pierwsze spotkanie Graya z Assolem, kiedy młody kapitan zakłada mu na palec pierścionek narzeczonej; Wyposażenie statku Graya szkarłatne żagle; picie wina, którego nikt nie powinien pić itp.

Wyróżnione przez nas artystyczne obrazy: morze, statek, szkarłatne żagle, tawerna, robak, wino – to najważniejsze detale formy ekstrawagancji. Dzięki tym szczegółom twórczość A. Greena zaczyna „żyć”. Otrzymuje głównych bohaterów (Assol i Gray), miejsce ich spotkania (morze), a także jego stan (statek ze szkarłatnymi żaglami), środek (spojrzenie za pomocą robaka) i wynik (zaręczyny, ślub).

Za pomocą obrazów pisarz potwierdza jedną prostą prawdę. Chodzi o „czynienie tak zwanych cudów własnymi rękami”.

W aspekcie literatury jako formy sztuki obraz artystyczny jest kategorią centralną (i symbolem) twórczość literacka. Jest uniwersalną formą panowania nad życiem i jednocześnie metodą jego zrozumienia. Jest to rozumiane w obrazach artystycznych działalność społeczna, specyficzne kataklizmy historyczne, uczucia i charaktery ludzkie, aspiracje duchowe. W tym aspekcie obraz artystyczny nie zastępuje po prostu zjawiska, które oznacza, ani go nie uogólnia cechy charakterystyczne. O tym się mówi prawdziwe fakty istnienie; zna je w całej ich różnorodności; odkrywa ich istotę. Modele istnienia rysowane są artystycznie, nieświadome intuicje i spostrzeżenia zostają zwerbalizowane. Staje się epistemologiczne; toruje drogę do prawdy, prototypu (w tym sensie mówimy o obrazie czegoś: świata, słońca, duszy, Boga).

Tak więc funkcję „dyrygenta” prototypu wszystkich rzeczy (boskiego obrazu Jezusa Chrystusa) przejmuje cały system obrazów artystycznych w opowiadaniu I. A. Bunina „Ciemne zaułki”, opowiadającym o nieoczekiwanym spotkaniu głównych postacie: Mikołaja i Nadieżdy, których niegdyś łączyła grzeszna miłość i wędrówka po labiryncie zmysłowości (w „ciemnych zaułkach” – zdaniem autora).

System figuratywny dzieła opiera się na ostrym kontraście Mikołaja (arystokraty i generała, który uwiódł i porzucił swoją ukochaną) a Nadieżdą (wieśniaczką, właścicielką karczmy, która nigdy nie zapomniała i nie wybaczyła swojej miłości).

Wygląd Mikołaja, mimo zaawansowanego wieku, jest niemal nieskazitelny. Nadal jest przystojny, elegancki i wysportowany. Na jego twarzy wyraźnie widać zaangażowanie i lojalność wobec swojej pracy. Jednak wszystko to jest tylko pozbawioną znaczenia powłoką; pusty kokon. W duszy genialnego generała jest tylko brud i „ohyda spustoszenia”. Bohater jawi się jako osoba samolubna, zimna, bezduszna i niezdolna do podjęcia działań nawet w celu osiągnięcia własnego osobistego szczęścia. Nie ma żadnego wzniosłego celu, żadnych aspiracji duchowych i moralnych. Unosi się za wolą fal, umarł w duszy. W dosłownym i przenośnym sensie Mikołaj podróżuje „brudną drogą” i dlatego bardzo przypomina własnego „tarantasa pokrytego błotem” pisarza z woźnicą wyglądającym jak zbój.

Pojawienie się nadziei, były kochanek Wręcz przeciwnie, Mikołaj nie jest zbyt atrakcyjny. Kobieta zachowała ślady dawnej urody, ale przestała o siebie dbać: przybrała na wadze, stała się brzydka, stała się „otyła”. Jednak w duszy Nadieżdy zachowała nadzieję na najlepsze, a nawet miłość. Dom bohaterki jest czysty, ciepły i przytulny, co świadczy nie o zwykłej pracowitości i trosce, ale także o czystości uczuć i myśli. A „nowy złoty wizerunek (ikona - P.K.) w rogu” wyraźnie wskazuje na religijność gospodyni, jej wiarę w Boga i Jego Opatrzność. Na podstawie tego obrazu czytelnik domyśla się, że Nadieżda znajduje prawdziwe źródło Dobra i wszelkiego Dobra; aby nie umierała w grzechu, lecz odrodziła się do życia wiecznego; że zostaje jej to dane za cenę poważnych cierpień psychicznych, za cenę porzucenia siebie.

Potrzeba skontrastowania dwojga głównych bohaterów opowieści wynika, zdaniem autora, nie tylko z ich nierówności społecznych. Kontrast podkreśla odmienność orientacja na wartości ci ludzie. Pokazuje szkodliwość obojętności głoszonej przez bohatera. A jednocześnie potwierdza wielką siłę miłości objawionej przez bohaterkę.

Za pomocą kontrastu Bunin osiąga kolejny, globalny cel. Autorka podkreśla centralny obraz artystyczny – ikonę. Ikona przedstawiająca Chrystusa staje się dla pisarza uniwersalnym środkiem duchowej i moralnej przemiany charakterów. Dzięki temu obrazowi prowadzącemu do Prototypu Nadieżda zostaje uratowana, stopniowo zapominając o koszmarnych „ciemnych zaułkach”. Dzięki temu Obrazowi również Mikołaj wkracza na drogę zbawienia, całując rękę ukochanej i otrzymując w ten sposób przebaczenie. Dzięki temu Obrazowi, w którym bohaterowie odnajdują całkowity spokój, czytelnik sam myśli o swoim życiu. Obraz Chrystusa wyprowadza go z labiryntu zmysłowości ku idei Wieczności.

Innymi słowy, obraz artystyczny jest obrazem uogólnionym życie ludzkie, przekształcona w świetle ideału estetycznego artysty; kwintesencja twórczo poznawalnej rzeczywistości. W obrazie artystycznym widoczna jest orientacja na jedność tego, co obiektywne i subiektywne, indywidualne i typowe. Jest ucieleśnieniem istnienia publicznego lub osobistego. Artystycznym nazywa się także każdy obraz, który ma przejrzystość (zmysłowy wygląd), wewnętrzną istotę (znaczenie, cel) i wyraźną logikę samoujawniania się.

2. Właściwości obrazu artystycznego

Obraz artystyczny ma szczególne cechy charakterystyczne (właściwości), które są dla niego unikalne. Ten:

1) typowość,

2) organiczne (żywotność),

3) orientacja na wartości,

4) niedopowiedzenie.

Typowość powstaje na gruncie ścisłego związku obrazu artystycznego z życiem i zakłada adekwatność odbicia istnienia. Obraz artystyczny staje się typem, jeśli uogólnia cechy charakterystyczne, a nie przypadkowe; jeśli modeluje prawdziwe, a nie wymyślone wrażenie rzeczywistości.

Dzieje się tak na przykład z artystycznym wizerunkiem starszego Zosimy z powieści F.M. Dostojewski „Bracia Karamazow”. Nazwany bohater jest najjaśniejszym typowym (zbiorowym) obrazem. Pisarz krystalizuje ten obraz po dokładnym przestudiowaniu monastycyzmu jako sposobu życia. Jednocześnie skupia się na więcej niż jednym prototypie. Autor zapożycza postać, wiek i duszę Zosimy od Starszego Ambrożego (Grenkowa), z którym osobiście spotkał się i rozmawiał w Optinie. Dostojewski bierze postać Zosimy z portretu Starszego Makariusza (Iwanowa), który był mentorem samego Ambrożego. Zosima „otrzymał” swój umysł i ducha od św. Tichona z Zadońska.

Dzięki typowości obrazów literackich artyści dokonują nie tylko głębokich uogólnień, ale także daleko idących wniosków; trzeźwo oceniać sytuację historyczną; Patrzą nawet w przyszłość.

To właśnie robi na przykład M.Yu. Lermontow w wierszu „Przepowiednia”, w którym wyraźnie przewiduje upadek dynastii Romanowów:

Nadejdzie rok, czarny rok Rosji,

Kiedy korona królewska upada;

Tłum zapomni o swojej dawnej miłości do nich,

A pokarmem wielu będzie śmierć i krew...

O organicznym charakterze obrazu decyduje naturalność jego ucieleśnienia, prostota wyrazu i potrzeba wpisania się w ogół. system figuratywny. Obraz staje się wówczas organiczny, gdy stoi na swoim miejscu i jest używany zgodnie z przeznaczeniem; kiedy migocze od nadanych mu znaczeń; kiedy z jego pomocą zaczyna funkcjonować najbardziej złożony organizm twórczości literackiej. Organiczna natura obrazu tkwi w jego żywotności, emocjonalności, wrażliwości, intymności; w tym, co czyni poezję poezją.

Weźmy na przykład dwa obrazy jesieni autorstwa tak mało znanych poetów chrześcijańskich, jak św. Barsanufiusz (Plikhankov) i L.V. Sidorow. Obaj artyści mają ten sam temat narracyjny (jesień), ale żyją nim i malują inaczej.

Artystyczny obraz

Artystyczny obraz - każde zjawisko twórczo odtworzone przez autora w dziele sztuki. Jest wynikiem zrozumienia przez artystę jakiegoś zjawiska lub procesu. Jednocześnie obraz artystyczny nie tylko odzwierciedla, ale przede wszystkim uogólnia rzeczywistość, odsłania w jednostce to, co wieczne, przemijające. O specyfice obrazu artystycznego decyduje nie tylko to, że obejmuje on rzeczywistość, ale także to, że tworzy nowy, fikcyjny świat. Artysta stara się selekcjonować takie zjawiska i przedstawiać je w taki sposób, aby wyrazić swoją wizję życia, swoje rozumienie jego trendów i wzorców.

Zatem „obraz artystyczny to specyficzny, a jednocześnie uogólniony obraz życia ludzkiego, stworzony za pomocą fikcji i mający znaczenie estetyczne” (L. I. Timofeev).

Obraz jest często rozumiany jako element lub część artystycznej całości, zwykle fragment, który wydaje się mieć samodzielne życie i treść (np. symboliczne obrazy, jak „żagiel” M. Yu Lermontowa).

Obraz artystyczny staje się artystyczny nie dlatego, że jest skopiowany z życia i przypomina realny przedmiot lub zjawisko, ale dlatego, że za pomocą wyobraźni autora przekształca rzeczywistość. Obraz artystyczny nie tylko i nie tyle kopiuje rzeczywistość, ile raczej stara się przekazać to, co najważniejsze i istotne. Tak więc jeden z bohaterów powieści Dostojewskiego „Nastolatek” powiedział, że fotografie bardzo rzadko mogą dać prawidłowy obraz osoby, ponieważ nie zawsze ludzka twarz wyraża główne cechy charakteru. Dlatego np. Napoleon sfotografowany w pewnym momencie może wydawać się głupi. Artysta musi znaleźć w twarzy to, co najważniejsze, charakterystyczne. W powieści L. N. Tołstoja „Anna Karenina” amator Wroński i artysta Michajłow namalowali portret Anny. Wydaje się, że Wroński zna Annę coraz lepiej, rozumie ją coraz głębiej. Ale portret Michajłowa wyróżniał się nie tylko podobieństwem, ale także tym szczególnym pięknem, które tylko Michajłow mógł odkryć, a którego Wroński nie zauważył. „Trzeba ją było poznać i pokochać, jak ja kochałem, żeby znaleźć ten najsłodszy wyraz jej duszy” – pomyślał Wroński, choć z tego portretu rozpoznał dopiero „ten najsłodszy wyraz jej duszy”.

Na różnych etapach rozwoju człowieka obraz artystyczny przybiera różne formy.

Dzieje się tak z dwóch powodów:

zmienia się sam temat obrazu – osoba,

Zmieniają się także formy jej odzwierciedlenia w sztuce.

Odbicie świata (a co za tym idzie tworzenie obrazów artystycznych) przez artystów realistów, sentymentalistów, romantyków, modernistów itp. ma specyficzne cechy. W miarę rozwoju sztuki relacje między rzeczywistością a fikcją, rzeczywistością a ideałem, ogólnym i indywidualnym , zmiany racjonalne i emocjonalne itp.

Na przykład w obrazach literatury klasycystycznej na pierwszy plan wysuwa się walka uczuć z obowiązkiem i gadżety niezmiennie wybierają to drugie, poświęcając osobiste szczęście w imię interesów państwa. Artyści romantyczni natomiast wychwalają bohatera zbuntowanego, samotnika, który odrzucił społeczeństwo lub został przez nie odrzucony. Realiści dążyli do racjonalnego poznania świata, identyfikując związki przyczynowo-skutkowe pomiędzy przedmiotami i zjawiskami. A moderniści głosili, że świat i człowieka można poznać jedynie za pomocą środków irracjonalnych (intuicja, wgląd, inspiracja itp.). W centrum dzieł realistycznych znajduje się człowiek i jego relacja ze światem zewnętrznym, romantyków, a później modernistów interesuje przede wszystkim świat wewnętrzny swoich bohaterów.

Choć twórcami obrazów artystycznych są artyści (poeci, pisarze, malarze, rzeźbiarze, architekci itp.), to w pewnym sensie ich współtwórcami są ci, którzy te obrazy postrzegają, czyli czytelnicy, widzowie, słuchacze itp. Zatem idealny czytelnik nie tylko biernie odbiera obraz artystyczny, ale także wypełnia go własnymi myślami, uczuciami i emocjami. Różni ludzie I różne epoki odsłonić różne jego strony. W tym sensie obraz artystyczny jest niewyczerpany, jak samo życie.

Artystyczne sposoby tworzenia obrazów

Charakterystyka mowy bohatera :

- dialog– rozmowa dwóch, czasem większej liczby osób;

- monolog- mowa jednej osoby;

- monolog wewnętrzny- wypowiedzi jednej osoby, przybierające formę mowy wewnętrznej.

Podtekst – niewyrażony bezpośrednio, ale dający się odgadnąć stosunek autora do przedstawionego, ukrytego, ukrytego znaczenia.

Portret – przedstawienie wyglądu bohatera jako sposobu na jego scharakteryzowanie.

Szczegóły –wyrazisty detal w dziele, niosący ze sobą znaczny ładunek semantyczny i emocjonalny.

Symbol - obraz wyrażający znaczenie zjawiska w formie obiektywnej .

Wnętrze -projektowanie wnętrz, środowisko życia ludzi.

CELE:

• dać wyobrażenie o istocie dzieła sztuki i jego strukturze;
• rozwijać umiejętności analizy dzieł sztuki;
• rozwijać umiejętność rozróżniania różne sposoby tworzenie obrazy artystyczne oraz umiejętność ich wyjaśniania i uzasadniania.

1) Cechy dzieła sztuki.

2) Pojęcie i specyfika obrazu artystycznego.

3) Podstawowe typy uogólnień artystycznych.

Dzieło sztuki można rozpatrywać jako system trójpoziomowy. Specyfika dzieła objawia się w istnieniu i współdziałaniu tych poziomów. Oczywiście dzieło sztuki jest przede wszystkim artefaktem, wytworem działalności człowieka i nie ma w nim nic konkretnego. Ale artefakt artystyczny ma dwie ważne cechy: jest artefaktem, czyli rzeczą wyjątkową, i jest tekstem - przedmiotem. Drugi to artefakt – tekst, który ucieleśnia i przekazuje pewne informacje; jest to świadomie stworzony przekaz, przeznaczony przez osobę dla osoby, która go odbierze. Dzieło sztuki jest zatem modelowaniem i przekazywaniem pewnych informacji. Artysta tworzy tekst i wie, że tworzy go jako wiadomość od siebie do innych ludzi. Informacja literacka to tekst, który człowiek powinien umieć przeczytać. Sztuka jest formą kontaktu pomiędzy jedną osobą a drugą . Kolejną ważną cechą tekstów literackich jest ich walor estetyczny. Estetyczna organizacja samego tekstu opiera się na żądaniu twórcy, aby stworzyć coś doskonałego, a ta jakość estetyczna jest tworzona dla postrzegającego. I choć współczesny odbiorca sztuki staje się podmiotem praktycznego działania, jeśli uczestniczy np. w wydarzeniu, to i tutaj działanie to ma charakter kontemplacyjny, współtwórczy, a nie mający na celu osiągnięcie praktyczny wynik. Teksty artystyczne sztuki współczesnej są coraz bardziej zaszyfrowane, mimo to tekst ten ze swej natury nadal pozostaje przekazem skierowanym do publiczności.

Co tekst przekazuje jako produkt? działalność artystyczna?

Tutaj również są dwa poziomy. Przejdźmy od razu do poziomu informacji czysta forma do treści dzieła sztuki. W sztuce współczesnej informacja nie ma już charakteru obiektywno-poznawczego, sztuka nie przekazuje już wiedzy o rzeczywistości. W XX wieku estetyka doszła do wniosku, który przynosi sztuka cenne informacje, informacja o znaczeniu świata dla człowieka i relacji człowieka do świata. Ale informacja o wartości ma także swoją specyfikę w sztuce. Jeśli ta informacja ma charakter motywujący do ciała (napis na słupie: nie wtrącaj się – to zabije), to nie wystarczy. Sztuka modeluje i przekazuje duchowe i wartościowe informacja, informacja niosąca życie ludzkiego ducha.

Drugą cechą informacji jest to, że sztuka zapewnia wyjątkowość synteza informacji o wartości duchowej. Informacja, którą nazywamy artystyczną, jest fuzją różnych typów informacji: informacji o charakterze estetycznym, informacji o charakterze ideologicznym. Jest to dzieło sztuki współczesnej, które niesie ze sobą dyrektywę dotyczącą interpretacji światopoglądu. Sztuka współczesna często modeluje pewne stany i intencje ludzkiej świadomości, sztuka natomiast modeluje świadomość typu holistycznego, takie jest jej specyficzne zadanie.

Sztuka modeluje więc za pomocą tekstów szczególną rzeczywistość, uwidacznia pewną świadomość. Ale co najważniejsze, jak objawia się człowiekowi, jak jest nam dany i jak objawia się w działalności artystycznej.

Sztuka istnieje jako szczególna, wewnętrznie wartościowa rzeczywistość, która jest zarówno warunkowa, jak i bezwarunkowa. Dostrzegamy świat sztuki, który nie jest wobec nas zewnętrzny, ale z mocą nas chwyta, zamienia w część siebie, a im bardziej nas wciąga, tym zdecydowaniej mówimy, że jest to świat artystyczny. Człowiek zaczyna czuć, że żyje wyjątkowym życiem i dotyczy to każdego dzieła sztuki. Dlaczego istnieje rzeczywistość, jaka jest istota sztuki?

Obraz artystyczny to struktura świadomości artystycznej, metoda i przestrzeń artystycznego poznawania świata, istnienia i komunikowania się w sztuce. Obraz artystyczny istnieje jako idealna struktura w przeciwieństwie do dzieła sztuki, rzeczywistości materialnej, z której percepcji powstaje obraz artystyczny.

Problem zrozumienia obrazu artystycznego polega na tym, że wyjściowa semantyka obrazu koncepcyjnego oddaje epistemologiczny związek sztuki z rzeczywistością, związek, który czyni sztukę rodzajem podobieństwa prawdziwe życie, prototyp. Dla sztuki XX wieku, która porzuciła podobieństwo do życia, jej figuratywność staje się wątpliwa.

Jednak doświadczenie zarówno sztuki, jak i estetyki XX wieku podpowiada, że ​​kategoria „obraz artystyczny” jest konieczna, ponieważ obraz artystyczny odzwierciedla ważne aspekty świadomości artystycznej. To właśnie w kategorii obrazu artystycznego jest najważniejsza specyficzne cechy sztuce istnienie obrazu artystycznego wyznacza granice sztuki.

Jeżeli do obrazu artystycznego podejdziemy funkcjonalnie, to jawi się on jako: po pierwsze, kategoria oznaczająca istotę sztuki doskonały sposób działalność artystyczna; po drugie, jest to struktura świadomości, dzięki której sztuka rozwiązuje dwa istotne problemy: zapanowanie nad światem – w tym sensie obraz artystyczny jest sposobem na zapanowanie nad światem; i przekazywanie informacji artystycznej. Obraz artystyczny okazuje się więc kategorią wyznaczającą całe terytorium sztuki.

W dziele sztuki można wyróżnić dwie warstwy: materialno-zmysłową ( tekst literacki) i zmysłowo-nadzmysłowy (obraz artystyczny). Dzieło sztuki jest ich jednością.

W dziele sztuki obraz artystyczny istnieje w potencjalnym, możliwym świecie skorelowanym z percepcją. Dla postrzegającego obraz artystyczny rodzi się na nowo. Percepcja jest artystyczna w takim stopniu, w jakim wpływa na obraz artystyczny.

Obraz artystyczny pełni rolę swoistego podłoża (substancji) świadomości artystycznej i informacji artystycznej. Obraz artystyczny to specyficzna przestrzeń działania artystycznego i jej wytworów. W tej przestrzeni dzieją się doświadczenia związane z bohaterami. Obraz artystyczny to szczególna, specyficzna rzeczywistość, świat dzieła sztuki. Ma złożoną strukturę i zróżnicowaną skalę. Jedynie w abstrakcji obraz artystyczny może być postrzegany jako struktura ponadindywidualna, w rzeczywistości obraz artystyczny jest „związany” z podmiotem, który go wygenerował lub postrzega, jest obrazem świadomości artysty lub odbiorcy;

Obraz artystyczny realizowany jest poprzez indywidualny stosunek do świata, co prowadzi do wariantowej wielości obrazu artystycznego istniejącej na poziomie percepcji. I w sztukach performatywnych - i na poziomie performansu. W tym sensie użycie określeń „Mój Puszkin”, „Mój Chopin” itp. jest uzasadnione. A jeśli zadać pytanie, gdzie istnieje autentyczna sonata Chopina (w głowie Chopina, w nutach, w wykonaniu)? Jasna odpowiedź na to pytanie jest prawie niemożliwa. Kiedy mówimy o „wielokrotności wariantów”, mamy na myśli „niezmienniczą”. Obraz, jeśli jest artystyczny, ma pewne cechy. Bezpośrednio dany osobie cechą obrazu artystycznego jest integralność. Obraz artystyczny nie jest podsumowaniem; rodzi się on skokowo w umyśle artysty, a potem postrzegającego. W świadomości twórcy żyje on jako samonapędzająca się rzeczywistość. (M. Tsvetaeva - „Dzieło sztuki rodzi się, a nie tworzy”). Każdy fragment obrazu artystycznego ma charakter samoruchu. Inspiracja to stan psychiczny człowieka, w którym rodzą się obrazy. Obrazy jawią się jako szczególna rzeczywistość artystyczna.

Jeśli sięgniemy do specyfiki obrazu artystycznego, pojawia się pytanie: czy obraz jest obrazem? Czy możemy mówić o zgodności pomiędzy tym, co widzimy w sztuce, a światem obiektywnym, gdyż głównym kryterium obrazowania jest zgodność.

Stare, dogmatyczne rozumienie obrazu wychodzi z interpretacji korespondencji i wpada w kłopoty. W matematyce istnieją dwa rozumienia korespondencji: 1) izomorficzna - jeden do jednego, przedmiotem jest kopia. 2) homomorficzny - częściowa, niepełna zgodność. Jaką rzeczywistość odtwarza dla nas sztuka? Sztuka jest zawsze transformacją. Obraz dotyczy rzeczywistości wartościowej – to właśnie znajduje odzwierciedlenie w sztuce. Oznacza to, że prototypem sztuki jest relacja wartości duchowych między podmiotem a przedmiotem. Mają bardzo złożoną strukturę, a jej rekonstrukcja jest ważnym zadaniem sztuki. Nawet najbardziej realistyczne dzieła nie dają nam po prostu kopii, co nie neguje kategorii korespondencji.

Przedmiot sztuki nie jest przedmiotem jako „rzeczą samą w sobie”, ale przedmiotem istotnym dla podmiotu, czyli posiadającym cenną obiektywność. W temacie ważna jest postawa, stan wewnętrzny. Wartość przedmiotu można ujawnić jedynie w odniesieniu do stanu przedmiotu. Dlatego zadaniem obrazu artystycznego jest znalezienie sposobu na powiązanie podmiotu i przedmiotu we wzajemnych relacjach. Wartościowym znaczeniem przedmiotu dla podmiotu jest jego jawne znaczenie.

Obraz artystyczny jest obrazem rzeczywistości relacji duchowo-wartościowych, a nie przedmiotu samego w sobie. A o specyfice obrazu decyduje zadanie – stać się sposobem na urzeczywistnienie tej szczególnej rzeczywistości w umyśle drugiej osoby. Obrazy są za każdym razem odtworzeniem, posługując się językiem formy artystycznej, pewnych relacji duchowych i wartościowych. W tym sensie można mówić w ogóle o specyfice obrazu w ogóle i o uwarunkowaniu obrazu artystycznego przez język, za pomocą którego jest tworzony.

Rodzaje sztuki dzielą się na dwa duża klasa- figuratywne i niefiguratywne, w nich obraz artystyczny istnieje na różne sposoby.

W pierwszej klasie sztuk, językach artystycznych, relacje wartości modelowane są poprzez odtworzenie przedmiotów, a strona subiektywna ujawniana jest pośrednio. Takie artystyczne obrazy żyją, ponieważ sztuka posługuje się językiem odtwarzającym strukturę zmysłową – sztukami wizualnymi.

Model drugiej klasy sztuk, za pomocą ich języka, rzeczywistości, w której dany jest nam stan podmiotu w jedności z jego semantyczną, wartościową reprezentacją sztuk niepięknych; Architektura to „zamrożona muzyka” (Hegel).

Obraz artystyczny jest szczególnym idealnym modelem rzeczywistości aksjologicznej. Obraz artystyczny pełni obowiązki modelarskie (co zwalnia go z obowiązku pełnego podporządkowania się). Obraz artystyczny jest sposobem przedstawienia rzeczywistości tkwiącym w świadomości artystycznej, a jednocześnie wzorem relacji duchowych i wartościowych. Dlatego obraz artystyczny stanowi jedność:

Cel - Subiektywny

Temat - Wartość

Zmysłowy - nadzmysłowy

Emocjonalne - Racjonalne

Doświadczenia - Refleksje

Świadomy - Nieświadomy

Cielesny - Duchowy (Dzięki swojej idealności obraz pochłania nie tylko duchowe i psychiczne, ale także fizyczne i psychiczne (psychosomatyczne), co wyjaśnia skuteczność jego wpływu na osobę).

Połączenie tego, co duchowe i fizyczne, w sztuce staje się wyrazem złączenia się ze światem. Psychologowie udowodnili, że podczas percepcji następuje identyfikacja z obrazem artystycznym (jego prądy przez nas przepływają). Tantryzm zlewa się ze światem. Jedność tego, co duchowe i fizyczne, uduchawia i humanizuje fizyczność (chciwie jedz i tańcz zachłannie). Jeśli przed martwą naturą odczuwamy głód, oznacza to, że sztuka nie wywarła na nas duchowego wpływu.

W jaki sposób ujawnia się to, co subiektywne, aksjologiczne (intonacja) i nadzmysłowe? Ogólna zasada tutaj: wszystko, co nie jest przedstawione, zostaje ujawnione przez to, co przedstawione, subiektywne - przez obiektyw, wartościowe - przez obiektyw itp. Wszystko to realizuje się w wyrazistości. Dlaczego tak się dzieje? Dwie możliwości: pierwsza – sztuka koncentruje rzeczywistość związaną z daną wartością, znaczeniem. Prowadzi to do tego, że obraz artystyczny nigdy nie daje nam pełnego odwzorowania przedmiotu. A. Baumgarten nazwał obraz artystyczny „skondensowanym Wszechświatem”.

Przykład: Petrov-Vodkin „Boys Playing” - nie interesuje go specyfika natury, indywidualność (zamazuje twarz), ale wartości uniwersalne. „Odrzucone” nie ma tu żadnego znaczenia, bo odrywa od istoty.

Drugi przypadek to podtekst. Mamy do czynienia niejako z podwójnym obrazem. To właśnie podtekst okazuje się najbardziej wyrazisty. Podtekst pobudza naszą wyobraźnię, a wyobraźnia czerpie z osobistych doświadczeń – w ten sposób się angażujemy.

Kolejną ważną funkcją sztuki jest transformacja. Kontury przestrzeni zmieniają się, schemat kolorów, proporcje ciał ludzkich, porządek czasu (zatrzymuje się chwila). Sztuka daje nam możliwość egzystencjalnego połączenia z czasem (M. Proust „W poszukiwaniu straconego czasu”).

Każdy obraz artystyczny jest jednością tego, co realistyczne i konwencjonalne. Konwencjonalność jest cechą artystycznej świadomości figuratywnej. Ale konieczne jest minimum podobieństwa do życia, ponieważ mówimy o komunikacji. Różne typy sztuki mają różny stopień podobieństwa do życia i konwencjonalności. Abstrakcjonizm jest próbą odkrycia nowej rzeczywistości, ale zachowuje element podobieństwa do świata.

Warunkowość - bezwarunkowość (emocji). Dzięki warunkowości planu podmiotowego powstaje bezwarunkowość planu wartości. Światopogląd nie zależy od obiektu: Petrov-Vodkin „Kąpiel czerwonego konia” (1913) - na tym zdjęciu, zdaniem samego artysty, wyrażono jego przeczucie wojna domowa. Transformacja świata w sztuce jest sposobem ucieleśnienia światopoglądu artysty.

Inny uniwersalny mechanizm świadomości artystycznej i figuratywnej: cecha przemiany świata, którą można nazwać zasadą metafory (warunkowe przyrównanie jednego przedmiotu do drugiego; B. Pasternak: „...było to jak pchnięcie w rapier...” – o Leninie). Sztuka odsłania inne zjawiska jako właściwości jakiejś rzeczywistości. Następuje włączenie do systemu właściwości bliskich danemu zjawisku, a jednocześnie pojawia się natychmiastowo pewne pole wartościowo-semantyczne; Majakowski – „Piekło miasta”: dusza to szczeniak z kawałkiem liny. Zasadą metafory jest warunkowe podobieństwo jednego przedmiotu do drugiego, przy czym im dalej znajdują się te przedmioty, tym bardziej metafora jest nasycona znaczeniami.

Zasada ta sprawdza się nie tylko w metaforach bezpośrednich, ale także w porównaniach. Pasternak: Dzięki metaforze sztuka rozwiązuje ogromne problemy, które decydują o specyfice sztuki. Jedno wchodzi w drugie i nasyca drugie. Dzięki specjalnemu język artystyczny(u Woznesenskiego: jestem Goya, potem jestem gardłem, jestem głosem, jestem głodem) każda kolejna metafora w znaczący sposób wypełnia drugą: poeta jest gardłem, za pomocą którego wyrażane są pewne stany świata. Dodatkowo rym wewnętrzny oraz poprzez system akcentowania i aliteracji współbrzmień. W metaforze działa zasada wachlarza – czytelnik rozkłada wachlarz, który zawiera już wszystko w złożonej formie. Działa to w całym systemie tropów: ustanawiając pewne podobieństwo zarówno w epitetach (przymiotnik ekspresyjny - rubel drewniany), jak i w hiperbolach (przesadzona wielkość), synekdochach - obciętych metaforach. Eisenstein ma pince-nez lekarza w filmie „Pancernik Potiomkin”: kiedy lekarz zostaje wyrzucony za burtę, pince-nez lekarza pozostaje na maszcie. Inną techniką jest porównanie, które jest rozszerzoną metaforą. Od Zabołockiego: „Prosto łysi mężowie siedzą jak strzał z pistoletu”. W rezultacie modelowany obiekt zostaje obrośnięty wyrazistymi powiązaniami i ekspresyjnymi relacjami.

Ważnym narzędziem figuratywnym jest rytm, który zrównuje segmenty semantyczne, z których każdy niesie określoną treść. Następuje pewnego rodzaju spłaszczenie, zagniecenie nasyconej przestrzeni. Yu. Tynyanov - szczelność serii wersetów. W wyniku powstania jednolitego systemu bogatych relacji powstaje pewna energia wartości, realizowana w nasyceniu akustycznym wersetu i pewne znaczenie, państwo. Zasada ta jest uniwersalna w odniesieniu do wszystkich rodzajów sztuki; w rezultacie mamy do czynienia z poetycko zorganizowaną rzeczywistością. Plastycznym ucieleśnieniem zasady metafory u Picassa jest „Kobieta jest kwiatem”. Metafora tworzy kolosalną koncentrację informacji artystycznej.

Trzy główne typy uogólnień artystycznych w historii sztuki charakteryzują się różnicą w treści tego, co ogólne, oryginalnością indywidualności i logiką relacji między ogółem a jednostką. Wyróżnijmy następujące typy:

1) Idealizacja. Idealizację jako rodzaj artystycznego uogólnienia spotykamy w starożytności, średniowieczu i epoce klasycyzmu. Istotą idealizacji jest szczególna ogólność. Wartości doprowadzone do pewnej czystości pełnią funkcję uogólnienia. Zadanie polega na wyizolowaniu idealnych esencji przed zmysłowym ucieleśnieniem. Jest to nieodłączne od tych typów świadomości artystycznej, które są zorientowane na ideał. W klasycyzmie gatunki niskie i wysokie są ściśle oddzielone. Wysokie gatunki reprezentuje na przykład obraz N. Poussina „Królestwo Flory”: mit przedstawiany jako fundamentalne istnienie bytów. Jednostka nie odgrywa tutaj niezależnej roli, unikatowe cechy są z niej eliminowane i pojawia się obraz najbardziej wyjątkowej harmonii. Przy takim uogólnieniu pomija się chwilowe, codzienne cechy rzeczywistości. Zamiast codziennego otoczenia pojawia się idealny krajobraz, jak ze snu. Jest to logika idealizacji, której celem jest afirmacja istoty duchowej.

2) Typizacja. Rodzaj uogólnienia artystycznego charakterystyczny dla realizmu. Osobliwością sztuki jest ujawnienie pełni tej rzeczywistości. Logika ruchu prowadzi tutaj od konkretu do ogółu, ruch, który zachowuje nadrzędne znaczenie samego konkretu. Stąd specyfika typizacji: ukazanie ogólników w prawach życia. Tworzy się obraz naturalny dla tej klasy zjawisk. Typ - ucieleśnienie najbardziej cechy charakterystyczne danej klasy zjawisk, jakie istnieją w rzeczywistości. Stąd związek typizacji z historyzmem myślenia artysty. Balzac nazywał siebie sekretarzem towarzystwa. Marks nauczył się więcej z powieści Balzaca niż z pism ekonomistów politycznych. Typologiczną cechą charakteru rosyjskiego szlachcica jest wypadanie z systemu, dodatkowa osoba. Generał potrzebuje tutaj wyjątkowej jednostki, empirycznie pełnokrwistej, posiadającej unikalne cechy. Połączenie wyjątkowej, niepowtarzalnej specyfiki z ogółem. Tutaj indywidualizacja staje się drugą stroną typizacji. Kiedy mówią o typizacji, od razu mówią o indywidualizacji. Postrzegając typowe obrazy, trzeba żyć swoim życiem, wówczas powstaje wewnętrzna wartość tego konkretnego. Pojawiają się wizerunki wyjątkowych ludzi, które artysta indywidualnie rozpisuje. Tak myśli sztuka, typizując rzeczywistość.

Praktyka artystyczna XX wieku wszystko pomieszała, a realizm już dawno przestał być ostatecznością. Wiek XX pomieszał wszystkie metody artystycznej generalizacji: można znaleźć typizację o nastawieniu naturalistycznym, gdzie sztuka staje się dosłownym lustrem. Popadanie w konkrety, które tworzą wręcz szczególną rzeczywistość mitologiczną. Na przykład hiperrealizm, który kreuje tajemniczą, dziwną i ponurą rzeczywistość.

Ale w sztuce XX wieku pojawia się także nowy sposób artystyczne uogólnienie. A. Gułyga ma dokładną nazwę tej metody artystycznego uogólnienia – typologizacja. Przykładem są prace graficzne E. Neizvestnego. Picasso ma portret G. Steina - transfer ukryte znaczenie człowieku, maska ​​na twarz. Widząc ten portret, modelka powiedziała: Nie jestem taka; Picasso natychmiast odpowiedział: Taki będziesz. I naprawdę taka się stała, kiedy dorosła. To nie przypadek, że sztuka XX wieku fascynuje się maskami afrykańskimi. Schematyzacja formy sensorycznej obiektu. „Les Demoiselles d'Avignon” Picassa.

Istota typologizacji: typologizacja narodziła się w epoce dystrybucji wiedza naukowa; jest to artystyczne uogólnienie mające na celu świadomość wielowiedzącą. Typologia idealizuje to, co ogólne, ale w przeciwieństwie do idealizacji artysta przedstawia nie to, co widzi, ale to, co wie. Typologia mówi więcej o ogółu niż o jednostce. Liczba pojedyncza sięga skali i banału, zachowując przy tym pewną plastyczną ekspresję. W teatrze można pokazać koncepcję imperialności, koncepcję chlestakowizmu. Sztuka uogólnionego gestu, sztampowej formy, w której detale modelują nie empiryczną, ale ponadempiryczną rzeczywistość. Picasso „Owoc” - schemat jabłka, portret „Kobieta” - schemat kobieca twarz. Mitologiczna rzeczywistość niosąca ze sobą kolosalne doświadczenia społeczne. Picasso „Kot trzymający ptaka w zębach” to obraz, który namalował w czasie wojny. Ale szczytem twórczości Picassa jest Guernica. Portret Dory Maar – obraz typologiczny, początek analityczny, analityczna praca z wizerunkiem osoby.