A principios del siglo XX apareció nuestro calendario. nuevas vacaciones, cuyo nombre sonaba como un eslogan revolucionario: "Día Internacional de la Mujer, solidaridad de las trabajadoras en la lucha por la igualdad de derechos".
Afortunadamente, con el tiempo, este día adquirió un significado completamente diferente y para nosotros el 8 de marzo es una fiesta de belleza y encanto femenino.
Queriendo combinar lo histórico con lo agradable, hemos recopilado varias pinturas de mujeres trabajadoras dulces, coquetas y fuertes de grandes artistas, ¡eternas cautivas de la belleza y las virtudes femeninas!
Alexey Venetsianov, originario de Moscú, visitó el pueblo por primera vez a la edad de 35 años, cuando después de su boda Los recién casados fueron a visitar a los padres de su esposa a la provincia de Tver.
El artista estaba tan fascinado por la naturaleza que inmediatamente tuvo el deseo de establecerse en las extensiones rusas y compró una finca en Safonovka.
Es aquí donde pinta el cuadro “Sobre el campo arado”. Toda la obra de Venetsianov está impregnada de poesía; sus pinturas dedicadas a la vida campesina idealizan la vida del pueblo.
Desde pequeña, Zinaida Serebryakova está enamorada de las pinturas de Venetsianov. en ella primeras pinturas Se puede sentir una conexión invisible con la obra del escritor ruso de la vida cotidiana. Las campesinas de Venetsianov, cien años después, parecen seguir viviendo en sus pinturas.
Las muchachas del pueblo del artista son majestuosas, con un porte regio; realizan tranquilamente su trabajo diario: ¡verdadera poesía de espiritualidad!
Zinaida Evgenievna Serebryakova "Cosecha"
1915, 177×142cm.
Los cuadros “Cosecha” y “Lienzo Blanqueador” se clasifican como las mejores obras Zinaida Serebryakova. Fueron pintados en la finca de la familia Neskuchnoye en la provincia de Jarkov, donde desde 1898 la familia Serebryakov pasaba el verano y el otoño.
En 1914, después de un largo viaje al norte de Italia, Zinaida llegó a Neskuchnoye e inmediatamente comenzó a trabajar en el cuadro "La cosecha".
Estudiar la creatividad de los artistas. Renacimiento italiano, visto recientemente en museos y galerías, se siente en la composición de construcción clásica, y la monumentalidad de las formas enfatiza la belleza de las figuras femeninas en el contexto de un paisaje con campos de trigo que se extienden de manera desigual más allá del horizonte.
Estas pinturas se consideran las últimas pinturas idílicas de la Rusia prerrevolucionaria.
Zinaida Evgenievna Serebryakova." Blanqueamiento del lienzo "
1917, 141,8×173,6cm.
Encaje, polvos, lápiz labial: todo lo que una mujer encantadora necesita...
Las damas francesas también trabajan incansablemente en los cuadros de los artistas. Durante la época rococó, la profesión más de moda entre las mujeres de la ciudad era la de sombrerera.
Trajes elegantes y lujosos, corsés, bordados y encajes eran todos pensamientos de las mujeres, ¡porque era necesario mantenerse al día con la creadora de tendencias Madame Pompadour!
Y las fantasías de las jóvenes doncellas fueron encarnadas por expertos de todos los oficios: sombrereros.
Francois Boucher en el cuadro "La sombrerera" parece estar espiando la habitación y espiando a las damas que discuten sobre el futuro modelo.
Francois Boucher. "La sombrerera"
53x64cm. En el siglo XVIII, durante la Ilustración en Francia, era costumbre en el arte alabar y afirmar las virtudes del tercer estado, y en la pintura en buena forma
Se consideró la sencillez y la naturalidad.
Jean-Baptiste Greuze en la película "La lavandera" no sólo representa a un joven trabajador elegante y encantador, sino que glorifica el trabajo duro.
En Rusia, en la segunda mitad del siglo XVIII, Grez se convirtió en un artista de moda, la nobleza noble competía entre sí para encargarle retratos, la propia emperatriz Catalina II, siguiendo el consejo de Diderot, compró el cuadro "El paralítico" al artista.
Por supuesto, tal popularidad de la obra de Greuze no pasó desapercibida para la pintura rusa; sus pinturas tuvieron una gran influencia en el retrato ruso;
Jean-Baptiste Greuze "La lavandera"
1761, 32×40 cm.
encajeras Vasily Tropinin fue llamado "Sueños rusos" por su encanto retratos femeninos . Por primera vez en la pintura rusa creó nuevo tipo retrato de género - imagen poética
chicas en el trabajo.
Las jóvenes bellezas de los cuadros “La encajera” y “El orfebre”, ocupadas con su trabajo, apartan la vista por un momento y miran con picardía al espectador.
Vasili Andreevich Tropinin. "El orfebre"
1826, 64×81cm.
Tropinin era un artista siervo y sólo a la edad de 47 años recibió su libertad. Es simbólico que fue 1823, el año en que se escribió “La encajera”, el que le dio a la artista libertad y reconocimiento oficial.
Este año muestra sus obras por primera vez en la Academia de las Artes y el artista recibe el título de “académico designado”. Así, un retrato íntimo de una mujer urbana trajo libertad y éxito a su creador.
Tropinina "La encajera"
ama de casa Familiar
Puedes hacerte muchas preguntas al mirar un cuadro. Por ejemplo, ¿por qué una joven con un vestido elegante y cuentas destripa un pájaro? ¿Tiene una familia numerosa porque la cena incluye una buena cantidad de platos?
¿Quién está representado en la imagen? ¿Quizás el artista representó a su esposa y por eso mira al espectador con tanto cariño? Esta opción es bastante posible: la imagen en historia cotidiana El de Strozzi es una gran rareza y con su esposa bien podría haber hecho una excepción.
Bernardo Strozzi "El Cocinero"
1625, 185×176cm.
Autor de la imagen - artista italianoÉpoca barroca con una biografía notable. El carácter aventurero de Strozzi se reflejó en todas sus actividades: en su juventud ingresó en la Orden de los Capuchinos y se hizo sacerdote, luego estudió pintura en el taller del artista genovés Sorri y al mismo tiempo trabajó como ingeniero naval en la flota genovesa.
Más tarde, el artista escapó del monasterio y se escondió de la persecución de los monjes en Venecia. Pero Strozzi nunca abandonó la pintura. Su tema principal fueron los retratos, escenas religiosas y mitológicas, y manera creativa La pintura de Caravaggio tuvo una gran influencia.
La “profesión” de pastora alguna vez fue muy popular y los artistas recurrieron a ella a menudo. Imagen conmovedora Encontramos a una pastora de mediana edad en las obras de Van Gogh, que retrató a sencillos aldeanos con especial calidez y amor.
Mira el color de la imagen: amarillo. Los campos de trigo, el color del sol y el calor, contrastan suavemente con la capa azul de la pastora, una técnica frecuente en las obras del artista, pero que no evoca sentimientos de ansiedad, como en sus otras pinturas.
Van Gogh transmite sus sentimientos con una precisión inusual con matices de color. No importa qué torbellinos se desaten, la mujer está tranquila y sumisa. destino difícil...Y nuestro dominante y sentimiento sincero cuando ves esta imagen - "empatía".
Vicente Van Gogh. "vaquera"
1889, 52,7×40,7cm.
El artista creó esta obra durante un tratamiento en Saint-Rémy, en el sur de Francia. Durante este período de 1889-1890, estudió la obra del fundador de la escuela de Barbizon, Jean Francois Millet, y durante este tiempo hizo copias de 23 de sus cuadros, entre ellos "La pastora" (aunque es difícil llamar a Van Gogh está pintando una copia).
Vincent le escribe a su hermano sobre su ocupación:
“Les aseguro que estoy muy interesado en hacer copias, y como ahora no tengo modelos, no abandonaré el trabajo en la figura con la ayuda de estas copias.
Utilizo reproducciones en blanco y negro de Delacroix y Millet como si fueran sujetos de la vida real. Y luego improviso el color, aunque por supuesto no exactamente como si lo estuviera haciendo yo mismo, sino intentando recordar sus pinturas.
Sin embargo, este “recordar”, la confusa armonía de sus colores... es mi interpretación”.
Comparando las pinturas de los dos artistas, parece que Van Gogh pintó a la pastora en su imaginación.
Mijo "Pastora" 1, Mijo "Pastora" 2.
Jean Baptiste Chardin observó la vida de la gente común y corriente y escribió historias sobre ellos. la vida cotidiana. El cuadro “La lavandera” irradia un tranquilo confort hogareño, donde todo se calienta con las preocupaciones de la anfitriona.
Mientras mamá lava la ropa, el hijo está ocupado con su sencilla diversión. Las imágenes infantiles siempre están presentes en las pinturas de Chardin, enfatizando el amor de una madre por su hijo. La demostración de estas relaciones le ayuda a crear una atmósfera espiritual de calidez y una vida modesta, pero significativa y plena, para la gente del pueblo.
El trabajo de las mujeres en las pinturas del artista se equipara a un trabajo noble realizado con especial diligencia y amor.
Jean Baptiste Simeón Chardin. "La lavandera"
Editoriales laboristas socialistas - nosotros Nuevo Mundo¡vamos a construirlo!
Las mujeres en el país soviético están dominando nuevas profesiones. Aquí no se trata simplemente de algunos amantes de la moda occidentales: ¡una mujer soviética puede construir un metro!
En la serie gráfica de los años 30 de Alexander Samokhvalov, los retratos de niñas que trabajaban como trabajadoras del metro encarnaban el ideal del trabajo socialista.
En estas obras rebosan entusiasmo, energía juvenil, optimismo y fuerza: construiremos un nuevo país. Aquí está con un taladro, con una pala, hermosa, fuerte y feliz, ¡puede con cualquier cosa!
El artista se unió al camino ideológico del país; cree sinceramente en la creación universal en beneficio de un futuro brillante. Y los impulsos espirituales del artista son una materia bastante tangible, ¡basta con mirar las obras!
¿Con qué frecuencia admiramos obras de arte sin pensar en quién está representado en ellas? En la memoria sólo quedan los nombres de los miembros de la realeza, y se desconoce la identidad de la niña, cuya silueta brumosa es visible en la esquina de la imagen. Hoy contará sobre las mujeres que posaron para cuadros famosos de los artistas.Aficionado. medios de comunicación.
Mona Lisa holandesa
La famosa "Mona Lisa holandesa", "La joven con un pendiente de perla" de Jan Vermeer fue pintada alrededor de 1665. Durante mucho tiempo, la pintura se llamó simplemente "La joven con un turbante", su nombre moderno lo recibió recién en el siglo XX. La representación de turbantes en las pinturas se ha vuelto popular desde el siglo XV, y Vermeer utiliza a menudo este detalle del baño en sus retratos. Toda la imagen está escrita en genero especial“troni”, que denotaba la imagen de la cabeza de una persona.
La "Mona Lisa holandesa" ha sido llamada durante mucho tiempo "La chica del turbante"
Fiel a su nombre, la atención del espectador se centra en un gran pendiente de perla.
Según la versión más común, se cree que su pequeña hija María posó para el retrato de Vermeer, aunque algunos investigadores todavía sugieren que podría tratarse de la hija del mecenas del artista, el filántropo Ruyven. María fue una de los 15 hijos de Vermeer; su matrimonio fue verdaderamente feliz. El artista amaba a su esposa y ella a menudo posaba para él en sus cuadros.
Retrato místico de la joven Lopukhina
El retrato de María Ivanovna Lopukhina, una de las representantes de la familia condal de Tolstoi, es uno de los más obras famosas El artista ruso Borovikovsky. Fue pintado en 1797 y actualmente se conserva en la Galería Tretyakov.
El retrato de M. I. Lopukhina es una de las obras más famosas de Borovikovsky
El poeta Yakov Polonsky dedicó sus poemas a la niña representada en el retrato: “Ella falleció hace mucho tiempo, y esos ojos ya no están allí, y se fue esa sonrisa que expresaba silenciosamente el sufrimiento, la sombra del amor y los pensamientos. la sombra de la tristeza, pero Borovikovsky salvó su belleza”. El artista utiliza tradicionales. pintura de retrato técnica: rodear al personaje con objetos que ayuden a caracterizarlo. Estas son las características del paisaje ruso, un delicado chal y capullos de rosa caídos.
El retrato de Lopukhina es considerado el más poético de la obra de Borovikovsky.
Curiosamente, el retrato de María Lopukhina se utilizó durante mucho tiempo para asustar a las jóvenes. El caso es que poco después de pintar el cuadro, una joven de 21 años murió de tisis. Muchos creían que el retrato parecía haberle quitado la vida y que si las niñas miraban el cuadro, pronto también morirían.
Chica con paraguas de los cuadros de Monet.
El famoso cuadro de Claude Monet "Campo de amapolas en Argenteuil" fue pintado en 1873. Esta pintura apareció en una exposición de los impresionistas en 1874, cuando por primera vez se declararon como un grupo separado. Las dos figuras en primer plano son Camila, la esposa de Monet, y su hijo Jean.
El cuadro de Claude Monet "Campo de amapolas en Argenteuil" fue pintado en 1873.
Monet pintó, como era su costumbre, al aire libre, tratando de capturar la atmósfera de ligereza y movimiento. hecho interesante, al que pocas personas prestan atención: en la esquina izquierda de la imagen hay otra pareja similar, una mujer con un niño. Un camino apenas perceptible serpentea entre las dos parejas.
La pintura representa a dos parejas, una de las cuales es la esposa y el hijo de Monet.
La historia de amor de Monet y Camila fue trágica: el padre de Monet amenazó más de una vez con privar a su hijo de su manutención si no se separaba de su amada. Vivieron separados durante mucho tiempo, pero Monet no pudo durar mucho sin su familia. Sin embargo, el artista le pedía a menudo a su esposa que posara para sus cuadros. Podemos ver a Camila tanto en el lienzo “Dama de Verde” como entre “Mujeres en el Jardín”. También hay varios retratos separados de Camila y su hijo. Y cuando Camila murió, pintó su retrato póstumo, que se diferencia del resto de obras del artista.
Monet pintó un retrato póstumo de su esposa bajo la impresión de su muerte
Impresionado por la muerte de su amada esposa, Monet pintó su retrato póstumo
La actriz que cautivó a Renoir
Auguste Renoir, uno de los artistas impresionistas más famosos, amaba y supo representar la belleza femenina. La actriz Jeanne Samari era su modelo favorita. Renoir le pintó 4 retratos, pero el más famoso fue “Retrato de la actriz Jeanne Samary”. Fue escrito en 1877 y ahora se conserva en el Museo Pushkin de Moscú.
Los tonos principales utilizados en el retrato son el rosa y el verde.
Zhanna provenía de una familia de teatro y no eligió su campo por mucho tiempo. Hizo su debut teatral en el papel de Dorina en Tartufo de Moliere y su fama creció rápidamente. Antes de casarse, la niña iba a menudo al estudio de Renoir y posaba para él. Es cierto que asistía a las sesiones de forma irregular y esto enfureció al artista. Pero quedó completamente fascinado por la gracia de la actriz, por lo que una y otra vez la invitó a convertirse en su modelo. Pero su fama y felicidad no duraron mucho: murió a los 33 años a causa del tifus.
Bailarina con la flexibilidad de una serpiente.
El famoso autor de "La joven de los melocotones" Valentin Serov, tras conocer a Ida Rubinstein en París en 1910, le pidió que sirviera de modelo para el nuevo cuadro. Antes de eso, posó para muchos artistas: Kees van Dongen, Antonio de la Gándara, André de Segonzac, Leon Bakst y más tarde para Romaine Brooks.
El retrato de Ida Rubenstein fue comprado casi de inmediato a Serov.
Pero fue el retrato del artista ruso el que se convirtió en el más famoso. La pintura fue comprada casi de inmediato al autor y colocada en la colección del Museo Ruso.
La hija de Serov, Olga, escribió que, en realidad, Ida no era tan delgada en absoluto y el artista la estilizó deliberadamente.
Ida Rubinstein fue una famosa bailarina y actriz rusa. De 1909 a 1911 actuó como parte de la compañía de Sergei Diaghilev. Rubinstein era alta, pero su gracia asombró al público y fue descrita como una bailarina “con la flexibilidad de una serpiente y la plasticidad de una mujer”. Los papeles de Cleoparta y Zobeida se convirtieron en sus papeles estrella. Después de dejar Diaghilev, creó su propia compañía, en la que actuó durante mucho tiempo. Y en 1921 incluso protagonizó la película italiana "El barco".
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En primer lugar sabemos dos cosas sobre el cuadro: su autor y, posiblemente, la historia del lienzo. Pero no sabemos mucho sobre el destino de quienes nos miran desde los lienzos.
sitio web Decidí hablar de mujeres cuyos rostros nos resultan familiares, pero sus historias no.
Zhanna Samari
Auguste Renoir, Retrato de la actriz Jeanne Samary, 1877
La actriz Jeanne Samari, aunque no pudo convertirse en una estrella de teatro (interpretó principalmente a sirvientas), tuvo suerte en otra cosa: durante algún tiempo vivió no lejos del estudio de Renoir, quien pintó cuatro retratos de ella en 1877-1878, con lo que haciéndola famosa mucho más de lo que podría hacerla carrera de actor. Zhanna actuó en obras de teatro desde los 18 años, a los 25 se casó y dio a luz a tres hijos, e incluso escribió un libro para niños. Pero esta encantadora dama, lamentablemente, no vivió mucho: a la edad de 33 años enfermó de fiebre tifoidea y murió.
Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, "La dama del armiño"
1489-1490
Cecilia Gallerani era una niña de una noble familia italiana, que a los 10 años (!) ya estaba comprometida. Sin embargo, cuando la niña tenía 14 años, el compromiso se rompió por razones desconocidas y Cecilia fue enviada a un monasterio, donde conoció (o todo se organizó) con el duque de Milán, Ludovico Sforza. Comenzó una aventura, Cecilia quedó embarazada y el duque instaló a la niña en su castillo, pero luego llegó el momento de contraer matrimonio dinástico con otra mujer, a quien, por supuesto, no le gustó la presencia de su amante en su casa. Luego, después de que Gallerani dio a luz, el duque tomó a su hijo y la casó con el empobrecido conde.
En este matrimonio, Cecilia tuvo cuatro hijos, dirigió casi el primer salón literario de Europa, visitó al duque y disfrutó jugando con su hijo desde nuevo amante. Después de un tiempo, el marido de Cecilia murió, llegó la guerra, ella perdió su bienestar y encontró refugio en la casa de la hermana de la esposa del mismo Duque; fue en relaciones tan maravillosas que logró estar con la gente. Después de la guerra, Gallerani devolvió su propiedad, donde vivió hasta su muerte a la edad de 63 años.
Zinaida Yusupova
VIRGINIA. Serov, “Retrato de la princesa Zinaida Yusupova”, 1902
La heredera rusa más rica, la última de la familia Yusupov, la princesa Zinaida era increíblemente hermosa y, a pesar de que su favor era buscado, entre otros, por personas augustas, quería casarse por amor. Ella cumplió su deseo: el matrimonio fue feliz y tuvo dos hijos. Yusupova dedicó mucho tiempo y esfuerzo a actividades caritativas y, después de la revolución, continuó en el exilio. Su amado hijo mayor murió en un duelo cuando la princesa tenía 47 años y ella apenas pudo soportar esta pérdida. Con el estallido de los disturbios, los Yusupov abandonaron San Petersburgo y se establecieron en Roma, y tras la muerte de su marido, la princesa se trasladó con su hijo a París, donde pasó el resto de sus días.
María Lopukhina
VL Borovikovsky, “Retrato de M.I. Lopukhina", 1797
Borovikovsky pintó muchos retratos de mujeres nobles rusas, pero éste es el más encantador. María Lopukhina, representante de la familia de los condes Tolstoi, está representada aquí a la tierna edad de 18 años. El retrato fue encargado por su marido Stepan Avraamovich Lopukhin poco después de la boda. La facilidad y una mirada ligeramente arrogante parecen ser una pose común para un retrato de este tipo de la era del sentimentalismo o signos de una disposición melancólica y poética. El destino de este chica misteriosa Resultó triste: apenas 6 años después de pintar el cuadro, María murió de tisis.
Giovanina y Amacilia Pacini
Karl Bryullov, “Amazona”, 1832
La "Amazona" de Bryullov es brillante retrato ceremonial, en el que todo es lujo: el brillo de los colores, el esplendor de los cortinajes y la belleza de las modelos. Representa a dos niñas que llevaban el apellido Pacini: la mayor, Giovanina, está sentada sobre un caballo, la más joven, Amatzilia, la mira desde el porche. La pintura fue encargada a Karl Bryullov, su amante de toda la vida, por su madre adoptiva, la condesa Yulia Pavlovna Samoilova, una de las mujeres mas bellas Rusia y heredera de una fortuna colosal. La condesa garantizó una gran dote para sus hijas mayores. Pero resultó que a la vejez estaba prácticamente en quiebra, y luego hijas adoptivas Giovanina y Amazilia cobraron a la condesa el dinero y los bienes prometidos a través del tribunal.
Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, "El nacimiento de Venus"
1482-1486
El famoso cuadro de Botticelli representa a Simonetta Vespucci, la primera belleza del Renacimiento florentino. Simonetta nació en una familia adinerada, a los 16 años se casó con Marco Vespucci (un pariente de Amerigo Vespucci, quien "descubrió" América y le dio su nombre al continente). Después de la boda, los recién casados se instalaron en Florencia y fueron recibidos en la corte de Lorenzo de Medici, que en aquellos años era famosa por sus magníficas fiestas y recepciones.
Hermosa, al mismo tiempo muy modesta y amigable, Simonetta rápidamente se enamoró de los hombres florentinos. El propio gobernante de Florencia, Lorenzo, intentó cortejarla, pero su hermano Giuliano la buscaba más activamente que nadie. La belleza de Simonetta inspiró a muchos artistas de la época, entre los que se encontraba Sandro Botticelli. Se cree que desde el momento en que se conocieron, Simonetta fue el modelo de todas las Vírgenes y Venus pintadas por Botticelli. A la edad de 23 años, Simonetta murió de tisis, a pesar de los esfuerzos de los mejores médicos de la corte. Después de eso, el artista representó a su musa solo de memoria, y en su vejez legó ser enterrado junto a ella, lo cual se hizo.
Vera Mamontova
VIRGINIA. Serov, “La muchacha de los melocotones”, 1887
lo mas pintura famosa El retrato maestro de Valentin Serov fue pintado en la finca del rico industrial Savva Ivanovich Mamontov. Todos los días, durante dos meses, su hija Vera, de 12 años, posó para el artista. La niña creció y se convirtió en chica encantadora, casado amor mutuo para Alexander Samarin, perteneciente al famoso familia noble. Después de un viaje de luna de miel a Italia, la familia se instaló en la ciudad de Bogorodsk, donde nacieron tres hijos, uno tras otro. Pero inesperadamente, en diciembre de 1907, apenas cinco años después de la boda, Vera Savvishna murió de neumonía. Tenía sólo 32 años y su marido nunca se volvió a casar.
Alexandra Petrovna Struyskaya
F.S. Rokotov, “Retrato de Struyskaya”, 1772
Este retrato de Rokotov es como una media pista aireada. Alexandra Struyskaya tenía 18 años cuando se casó con un viudo muy rico. Existe la leyenda que para su boda su marido le regaló nada menos que nueva iglesia. Y toda mi vida le escribí poesía. No se sabe con certeza si este matrimonio fue feliz, pero todos los que visitaron su casa prestaron atención a lo diferentes que eran los cónyuges entre sí. Durante 24 años de matrimonio, Alexandra le dio a su marido 18 hijos, 10 de los cuales murieron en la infancia. Después de la muerte de su marido, vivió otros 40 años, administró firmemente la propiedad y dejó a sus hijos una fortuna considerable.
Galina Vladimirovna Aderkas
B.M. Kustodiev "La esposa del comerciante tomando el té", 1918
"La esposa del mercader tomando el té" de Kustodiev es una verdadera ilustración de esa Rusia brillante y bien alimentada, donde hay ferias, carruseles y el "crujido del pan francés". El cuadro fue pintado en el año de hambruna posrevolucionaria de 1918, cuando uno sólo podía soñar con tal abundancia.
Galina Vladimirovna Aderkas, una baronesa natural de una familia cuya historia se remonta a un caballero de Livonia del siglo XVIII, posó para la esposa del comerciante en este retrato. En Astracán, Galya Aderkas era compañera de casa de los Kustodiev, desde el sexto piso; La esposa del artista llevó a la niña al estudio después de notar el colorido modelo. Durante este período, Aderkas era muy joven, estudiante de primer año de medicina, y en los bocetos su figura parece mucho más delgada. Después de graduarse en la universidad y trabajar durante algún tiempo como cirujana, dejó la profesión y años soviéticos cantó en un coro ruso, participó en doblajes de películas, se casó y empezó a actuar en el circo.
Lisa del Giocondo
Leonardo da Vinci, "Mona Lisa", 1503-1519.
Quizás uno de los retratos más famosos y misteriosos de todos los tiempos sea este. famosa mona Lisa del gran Leonardo. Entre las muchas versiones sobre quién es el propietario de la legendaria sonrisa, en 2005 se confirmó oficialmente la siguiente: el lienzo representa a Lisa del Giocondo, la esposa del comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo. Es posible que el retrato haya sido encargado al artista para conmemorar el nacimiento de un hijo y la compra de una casa.
Junto con su marido, Lisa crió cinco hijos y, muy probablemente, su matrimonio se basó en el amor. Cuando su marido murió a causa de la peste y Lisa también sufrió esta grave enfermedad, una de las hijas no tuvo miedo de llevar a su madre a su casa y la abandonó. Mona Lisa se recuperó y vivió algún tiempo con sus hijas, muriendo a la edad de 63 años.
El retrato en pintura es un género. bellas artes, en el que los artistas no logran tanto parecido externo cuanto intentan reflejar carácter interno la persona representada. Un retrato puede ser individual o colectivo; el maestro artista crea una imagen típica de una época determinada.
Historia del genero
Cómo se desarrolló durante la época del arte antiguo. En la isla de Creta, durante las excavaciones, se encontraron muchos frescos con imágenes de mujeres. Otros monumentos artísticos se remontan a Egipto, donde se descubrieron tablas de madera con retratos representados mediante la técnica de la encáustica (son pinturas a base de cera). Durante la Edad Media, los retratos en pintura existían sólo para representar a los donantes y formaban parte del conjunto general. composición artística sobre temas religiosos.
El apogeo de la pintura recayó en el Renacimiento. Los artistas del Renacimiento predicaron ideas humanistas y tomaron como base el mundo del individuo; los paisajes y los interiores recibieron un modesto papel de fondo. La obra maestra de esa época fue La Gioconda, y su autor Leonardo da Vinci se hizo famoso durante siglos.
Tiziano hizo una gran contribución al desarrollo del género; creó toda una galería de retratos de sus contemporáneos. Los autorretratos de artistas como Jan van Eyck y Alberto Durero son ejemplos para muchos retratistas.
Retrato de una mujer en pintura.
El tema eterno del arte es la representación de la imagen de una mujer. Cada época trazó su propio ideal de mujer, y su carácter atrajo atención especial muchos artistas. Mirando el retrato de aquellos tiempos, podemos ver cómo la apariencia y mundo interior influenciado por ciertos eventos vida pública, arte, literatura, moda.
El arte ruso en general, y el retrato en pintura en particular, muestran cómo el ideal de belleza femenina ha cambiado a lo largo de los siglos. Esto se debe a un cambio de cosmovisión, hábitos, costumbres, con un cambio de sistemas de gobierno y generaciones.
Imágenes de mujeres
A finales del siglo XVIII, el retrato ruso en pintura alcanzó su apogeo. Y uno de los temas más importantes y populares es la representación del encanto femenino. En los lienzos vemos mujeres coquetas y seductoras. Y en los retratos de artistas extranjeros, las damas y jóvenes rusas parecen muñecas, sonríen tímidamente y juguetonamente, y esto hace que una se parezca a la otra.
Artistas rusos I.P. Argunov, D.G.Levitsky, V.L. Borovikovsky ve a una mujer de otra manera. Aportan revitalización psicológica y concreción de carácter al retrato de una mujer. En la pintura intentan transmitir una imagen viva y real de la moral, los gustos y la moda de la era de la omnipotencia femenina. Vemos todo el espectro. personajes femeninos: belleza fría arrogante y ensoñación tierna y suave, coquetería y modestia, encanto espiritual y severo secreto con aislamiento. Pero dominar los corazones de los hombres es lo principal.
Nuevos ideales
La era del romanticismo del siglo XIX fue diseñada para mostrar la sensibilidad especial y los movimientos sutiles del alma de la mujer. Las obras de Karamzin y Zhukovsky tuvieron una gran influencia en los artistas de principios de siglo, por ejemplo, O.A. Kiprensky. Sus lienzos reflejaban todas las características del romanticismo en el género del retrato. En la pintura y la música, así como en la poesía de esta época, se demandaban motivos de experiencias líricas personales y la misteriosa belleza de la antigüedad nativa (la ópera romántica "La tumba de Askold" de A. N. Verstovsky). de 1835 fue especialmente popular).
Pero a mediados de siglo, la sublimidad y el ensueño de las imágenes femeninas desaparecieron sin dejar rastro. De las pinturas de este período se pueden estudiar las tendencias de la moda. Las plumas de los sombreros, las joyas y los encajes se dibujan cuidadosamente; dejándose llevar por los detalles, los artistas a menudo se olvidan del personaje mismo. La arrogancia reina en las imágenes de bellezas seculares, y esa calidez y sencillez ya no están presentes.
Pero algunos artistas de principios de siglo, en particular Venetsianov y Tropinin, en busca de imágenes "vivas" recurren a a la gente común. Surgió un movimiento de retratos femeninos “comunes”, creando una imagen idealizada de una mujer trabajadora.
Pinturas de K.S. Petrova-Vodkina
El nuevo siglo se caracteriza por la búsqueda de nuevas formas en el género del retrato. En pintura (el sexto grado de la escuela en lecciones de arte estudia en detalle el tema “ Imágenes de mujeres") los artistas miran al pasado y al futuro en busca del ideal femenino. El tema de la maternidad y la feminidad ocupa gran lugar en las obras de V. Petrov-Vodkin. En la obra “Madre”, el artista logró una revelación completa del tema. Su pintura es un canto a la felicidad familiar y la santidad del amor. En la imagen de la madre sentimos fuerza moral, pureza y sublimidad; abrazando al niño contra ella, ella se parece a la Virgen.
Cuadro “Nuestra Señora. La ternura de los corazones malvados” fue escrita por él durante la Primera Guerra Mundial; es la respuesta emocional del artista a los sangrientos acontecimientos de aquellos tiempos. Creó una imagen sublime y reverente, que en términos de profundidad de impacto es una de las más poderosas de su obra.
La imagen de una mujer ha cambiado de época en época, pero ha conservado los principales rasgos perdurables: belleza, ternura, maternidad.
Rembrandt van Rijn Saskia como Flora. mujer en forma flora(flores). Así se descifra esta imagen. Las flores en las manos de Saska son como una varita mágica. La diadema parece una corona. La mujer misma es como la reina de la vida salvaje.
Rafael Santi Madonna de Rafael. La imagen es antigua, pero hermosa. Los artistas resaltan en sus obras sólo las cosas más bellas, y ésta es una madre con sus hijos. Rafael Santi decidió no diferenciarse de otros artistas y pintó el cuadro "Madonna". Creo que esta imagen es digna de honor y de una alta calificación.
Rafael Santi Dama con unicornio. La imaginación del artista era exquisita. Pintar una dama con un unicornio, criatura que es en sí misma una creación mágica, no podía dejar de convertirse en tema del venerable arte del propio Raphael Santi. Creo que no tiene sentido hablar de la belleza de una dama. Esta mujer es excelente.
Rafael Santi. Pequeña Virgen de Cowper. pintor italiano y
arquitecto, uno de los más
grandes artistas en todas partes
historia mundial, maestro
Madonnas, representaba a otra Virgen con cabello rubio y un niño en brazos. Me asombra la sencillez de su rostro y de su mirada.
Sandro Botticelli Virgen y el Niño con ángeles. La imagen muestra claramente que incluso los ángeles admiran la belleza sobrenatural de este incomparable hermosa mujer. Sus manos se acercan a ella, como las manos de los bebés se acercan a su madre. Los ángeles son embajadores de Dios.
Sandro Botticelli. Venus y Marte. El cuadro fue pintado en 1483. escrito tal vez
encargado por una familia de comerciantes
Vespucci. Un historiador ha sugerido que Marte se representa con la cara cerrada.
ojos, como es
bajo la influencia
estupefacientes. Y si es cierto o no, nadie lo sabe.
Zinaida Serebryakova Enfermera con un niño. Qué hermosas y magníficas son las mujeres rusas. Y ser madre también es una hazaña. Ser madre de hijos y lucir siempre bien no sólo es un gran arte, sino también un trabajo duro.
Ivan Petrovich Argunov Retrato de la emperatriz Catalina II. 1762 IP Argunov
recibió un pedido responsable
- creando un retrato
Emperatriz Catalina II. viendo tu retrato
escrito por Iván
Petrovich “de memoria”, Catalina era
Estoy gratamente sorprendido.
Ivan Petrovich Argunov Pinturas de Argunov. Retrato de Lobanova-Rostovskaya. solo mirala cintura delgada. Las mujeres de esa época intentaban cuidar su figura lo mejor posible. Trajes hermosos y exuberantes, decorados. piedras preciosas Lucen magníficos incluso en las mujeres más feas.
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Ivan Petrovich Argunov Retrato de una mujer desconocida vestida de campesina. uno de los más famosos
obras de ruso
artista. Retrato
desconocido refleja interés
a temas campesinos,
apareció en ese momento en
Sociedad rusa. El interés es causado por el origen del propio autor.
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