Como cualquier otro género fotográfico, la naturaleza muerta es imposible sin composición. Además, la naturaleza muerta es precisamente el género donde la composición juega un papel primordial y requiere la mayor atención. mucha atención desde el lado del fotógrafo. Después de todo, un reportaje se puede perdonar mucho si el autor captó un momento realmente bueno. Y las fotos de casa: ¿has notado cómo se conmueven las madres cuando ven a sus hijos en una fotografía, aunque sea mediocre? Es poco probable que esperemos la misma condescendencia del público al fotografiar una naranja con una botella. Para tener un efecto positivo, hay que intentarlo. Y, por supuesto, vale la pena comenzar con la composición del marco previsto.
Relativamente hablando, la composición en una naturaleza muerta es una combinación e interacción armoniosa de objetos en el marco. A través de la composición, puedes mostrarle constantemente al espectador todo lo que deseas, crear un ambiente, transmitir una idea e incluso contar una historia.
La composición de una naturaleza muerta se puede dividir en varios tipos:
- geométrico
- espacial
- color
composición geométrica
No es ningún secreto que todos los objetos tienen una forma geométrica (o casi geométrica). Tampoco es ningún secreto que es parte de la naturaleza humana asociar cada figura con algo específico. Por ejemplo, los ángulos están asociados inconscientemente con los punteros. Cuando miras un cuadrado o un rectángulo durante mucho tiempo, surge una sensación de estabilidad (tal vez porque nuestro subconsciente completa el dibujo de un edificio estable). Y el círculo crea una sensación de comodidad y calma. También vale la pena recordar que las líneas horizontales (una persona acostada) son mucho más tranquilas que las líneas verticales (una persona de pie). En cuanto a las diagonales, las líneas ascendentes, que van desde la esquina inferior izquierda a la superior derecha, parecen más intensas que las descendentes: todavía leemos de izquierda a derecha, y nuestra mirada tiene que “trepar” a través de la imagen para llegar a lo más alto. Pero también hay un cierto sentimiento de victoria escondido en esto, ¿no es así? Por el contrario, las líneas descendentes que van desde la parte superior izquierda a la inferior derecha se asocian tradicionalmente con la relajación, la tristeza o incluso el declive.
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Todos estos pequeños trucos pueden y deben usarse para sus propios fines: para transmitir el concepto, la idea de la foto.
Énfasis por espacio
Si es necesario resaltar un determinado objeto en una naturaleza muerta, asignándole el papel del personaje principal, aquí puedes jugar con la composición espacial. Por ejemplo, poner el tema principal en primer plano, delante de los demás. O ajuste la luz para que el elemento principal esté más iluminado y los objetos que están detrás y delante de él estén débilmente iluminados. O puedes hacer algo más astuto: encender una varita de incienso o soltarla. humo de cigarro, dibujando así una perspectiva aérea en el encuadre: la atención principal se centrará en los objetos frontales, ya que los lejanos se ahogarán en una bruma romántica.
También puedes jugar con los aspectos técnicos de la cámara: si quieres mostrar cada objeto en detalle, incluidos el fondo o las cortinas, entonces debes disparar con la apertura cerrada. Pero si es importante resaltar un sujeto, entonces es necesario abrir la apertura tanto como sea posible. No se deben ignorar las capacidades de la óptica: en fotogramas tomados con lentes gran angular, los objetos se distorsionan mucho y cuanto más cerca esté el objeto de la cámara, más grande aparecerá en relación con los distantes. Por el contrario, las distancias focales largas “recogen” la perspectiva, haciendo que el espacio sea mucho más plano.
composición de colores
Si la fotografía se realiza en blanco y negro, el conocimiento sobre las propiedades de los efectos de color no nos será de utilidad. Pero si el trabajo fotográfico está planificado en color, no se debe dejar de lado esta área de investigación. Volviendo nuestra atención a la psicología del color, veremos que cada uno de los colores tiene, además de su color original, su propio significado. Los colores cálidos (naranja, amarillo, rojo, terracota) nos recuerdan el verano, el sol, el calor. Esta es la primera asociación que surge al mirar una fotografía realizada en estos colores. Además, en un curso de pintura se puede aprender que estos objetos parecen visualmente más cercanos. No se puede decir lo mismo de los colores fríos: azul, verde, rosa, violeta: estos colores alejan ligeramente el objeto del espectador y generalmente se asocian con el invierno, el frío y el agua.
Es importante recordar el contraste, a veces se puede jugar con él, pero a menudo las combinaciones de colores mal pensadas repelen o distorsionan el significado de toda la producción. Si decides fotografiar un pepino sobre un fondo naranja, piensa si el fondo llamará la atención. ¿Y es esto lo que realmente querías lograr? También es necesario recordar que cualquier objeto tiene la capacidad de reflejar o absorber los tonos de color de los objetos cercanos, e incluso dos objetos del mismo color en el mismo fondo pueden verse diferentes precisamente debido a la diferencia en sus texturas.
La saturación del color también tiene un impacto en el espectador: composiciones en tonos suaves colores pasteles creará una sensación de paz y nostalgia, mientras que los colores brillantes y llamativos, por el contrario, son adecuados para llamar la atención, transmitir expresión y asertividad. Esta es la razón por la que los fotógrafos publicitarios adoran tanto los colores brillantes, mientras que la fotografía artística a menudo gravita hacia un tono apagado y tranquilo.
Por supuesto, cualquier composición debe obedecer por completo a la combinación de colores general, a la ley de la imagen; de lo contrario, se desmoronará. Por eso hay que tener cuidado con los contrastes de color, ya que pueden tener un impacto grave, tanto haciendo el trabajo más interesante como destruyéndolo colocando acentos innecesarios.
En blanco y negro
A pesar de la falta de color, la naturaleza muerta en blanco y negro tiene sus propias leyes, y el contraste también juega aquí un papel importante. En este caso, el color en sí se reemplaza por el tono: ¡un juego diferente, pero también tiene reglas!
Seguramente lo habrás notado mujeres gordas Rara vez visten de blanco. El caso es que el color blanco parece más voluminoso que el negro. En una fotografía en blanco y negro, el ojo capta primero los puntos más claros y sólo después pasa a los oscuros. Muchas ilusiones visuales se basan en este efecto: si miras una hoja con rayas blancas y negras, seguramente te parecerá que las rayas blancas son más anchas. Siempre debes tener en cuenta esta regla al configurar una composición, y también tener en cuenta que un objeto blanco brillante, ya sea en primer plano o en el fondo, seguramente aparecerá como lo principal en esta composición, y el ojo recaer principalmente sobre él.
Contrastes
Como ya se mencionó, los contrastes juegan papel especial. Al existir dentro de la misma composición de la imagen, pueden resaltar objetos y, a la inversa, ocultarlos. Una obra construida sobre fluctuaciones apenas perceptibles de luces y sombras sin puntos que centren la atención del espectador parece monótona, monótona e inexpresiva. Los fuertes contrastes crean tensión y dinámica.
Regla de los tercios
Por supuesto, cuando se habla de composición no se puede dejar de mencionar la regla de los tercios. Dibujando cuatro líneas en tu mente a través del marco (dos dividiéndolas en tres partes iguales horizontalmente y dos dibujadas verticalmente) podrás calcular la cantidad máxima. zonas efectivas marco: se ubican en los puntos donde las cuatro líneas se cruzan entre sí. Lo mejor es colocar el tema principal de la composición en estas zonas.
En realidad, la regla de los tercios es una regla simplificada de la proporción áurea, que será algo más difícil de conseguir. Para hacer esto, el marco debe dividirse en ocho partes horizontal y verticalmente. Y luego dibuja líneas a derecha e izquierda, así como abajo y arriba, a una distancia de 3/8. En la intersección de estas líneas habrá puntos de la proporción áurea. Pero dividir en tres partes es mucho más conveniente que en ocho partes, por lo que se usa con más frecuencia en la composición: la diferencia no es tan notable para el espectador, y la armonía en el encuadre, si se observa alguna de estas reglas, es obvio.
Ritmo
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El ritmo, es decir, la repetición de líneas iguales o similares, es una herramienta compositiva muy poderosa que permite manipular la mirada del espectador. Un “camino” de objetos alternos puede llevarte muy lejos. Pero no debes exagerar: el ritmo puede acabar con toda la composición, privándola de dinámica y volviéndola monótona.
Comunicaciones internas
Al crear un escenario para fotografía, es necesario asegurarse de que exista una conexión entre los objetos en el marco. Los objetos se pueden conectar por forma (huevo y cebolla), por color (tomate y pimiento rojo), por significado (manzana y ramas de canela). Los objetos deben comunicar y cautivar al espectador, mirando de un objeto de una naturaleza muerta a otro. Este enfoque le da integridad a la composición, la hace interesante, comprensible y al mismo tiempo misteriosa: no es necesario revelar todas las conexiones internas a la vez; las cosas más interesantes se pueden ocultar dentro de la composición o por un corto tiempo; tiempo del espectador, por ejemplo, con luz.
Podemos hablar infinitamente de composición, pero lo principal en lo que se basa una naturaleza muerta (como, de hecho, la fotografía de cualquier otro género) es la idea, la trama y el alma de la fotografía. Y la composición es tanto una herramienta en manos del fotógrafo como la propia cámara. ¡Recuerda lo que quieres transmitir al espectador! Y usa todo lo disponible técnicas de composición para sus propios fines.
Estilización ajedrecística de naturaleza muerta. Clase magistral con fotos.
Elena Alekseevna Nadeenskaya, profesora Artes visuales Institución educativa municipal "Escuela secundaria Arsenyevskaya", pueblo de Arsenyevo, región de Tula.Descripción: el material será de interés para profesores de bellas artes, educadores, educadores educación adicional, niños creativos de 10 a 12 años.
Objetivo: uso en lecciones de bellas artes, la obra puede servir como decoración de interiores, un excelente regalo o pieza de exposición.
Objetivo: realizar una naturaleza muerta mediante la división de la imagen en partes (celdas)
Tareas:
-introducir una variedad de técnicas para la representación decorativa de naturalezas muertas;
- desarrollar el sentido de composición, imaginación, desarrollar habilidades creativas;
- mejorar las habilidades para trabajar con gouache; un ejercicio de capacidad para trabajar con pinceles de varios tamaños de acuerdo con la tarea,
- cultivar el interés por los conceptos básicos de la alfabetización visual.
- cultivar la precisión y el amor por las bellas artes.
Materiales:
-gouache negro (puedes usar rímel)
-pinceles nº 2, nº 5
-lápiz
-gobernante
-borrador
- hoja A3
Naturaleza muerta es un género de bellas artes dedicado a la representación de artículos para el hogar, frutas, verduras, flores, etc.
Como género independiente, la naturaleza muerta se desarrolló en el siglo XVII. en creatividad artistas holandeses. Y hoy en día el género es bastante utilizado. artistas contemporáneos y diseñadores. Junto con una imagen realista, a menudo se puede encontrar el concepto de "naturaleza muerta decorativa".
Para naturaleza muerta decorativa caracterizado por una representación convencional y simplificada de formas, estilización.
Muy gran atención es dado esquema de colores, color – combinación de colores utilizada en la composición. Es común el uso de colores contrastantes. La combinación de contraste más armoniosa es la proporción de negro y blanco. Esta combinación se utiliza activamente en gráficos, indumentaria, diseño de interiores, etc.
Intentaremos crear nuestra composición de naturaleza muerta hoy usando una combinación de blanco y negro, pero al color también agregaremos el concepto de dividir un plano en partes: celdas. Recordemos la disposición de los cuadrados de colores en un tablero de ajedrez; observemos que los campos del mismo color nunca están unidos por un lado común; se tocan entre sí sólo en un punto. Intentaremos utilizar esta función cuando trabajemos en la composición de naturaleza muerta.
Progreso
1. Habiendo pensado en la composición, elija la ubicación de la hoja. Delineamos la ubicación de los objetos. Si es la primera vez que trabajas en esta técnica, intenta no complicar la composición superponiendo la forma de un objeto sobre otro.
2. Delinear el diseño de los objetos. líneas discontinuas. Dado que la naturaleza muerta será decorativa, no es necesario esforzarse en transmitir volumen; una construcción plana será suficiente.
3. Aclaramos los contornos de la forma de los objetos. Usando líneas más suaves delineamos los contornos de un jarrón, una taza, dibujamos los tallos de flores y frutas. Eliminación de líneas de construcción.
4. Delineamos las sombras que caen. Dividimos el plano de la hoja en celdas de igual tamaño usando una regla. El tamaño de celda óptimo para una hoja horizontal (A4) es de 3 cm, si la hoja tamaño más grande(A3), luego puede aumentar la longitud del lado de la celda a 5 cm. Si no tiene experiencia en una imagen de naturaleza muerta, trate de no complicar la tarea reduciendo el tamaño de las celdas.
5. Comenzamos a pintar las celdas con gouache negro. Intentamos utilizar pintura espesa para que la capa de pintura sea lo suficientemente densa y uniforme. Si la forma de los objetos cae dentro de la jaula, la dejamos sin pintar. Es mejor comenzar a trabajar desde las celdas externas, avanzando gradualmente hacia la mitad de la composición.
6. Procedemos a pintar las celdas en medio de la composición, sin traspasar los contornos de los objetos.
7. Después de completar la coloración del fondo, comenzamos a colorear las partes de los objetos que caen sobre las celdas blancas.
8. Continuando trabajando en colorear elementos individuales, nos acercamos a la finalización del trabajo. Aclaramos las líneas de la forma de los objetos, corregimos imprecisiones y contornos descuidados de las celdas.
El trabajo está listo.
¡Gracias por su atención! ¡Les deseo a todos éxito creativo!
Se sabe que las fotografías de naturalezas muertas son bastante comunes. A menudo, a muchos fotógrafos les gusta presentar sus naturalezas muertas en blanco y negro. Esto implica encontrar objetos, comparar objetos cotidianos en su entorno y mejorar las diferencias en texturas y tonos. La conversión a blanco y negro le brinda muchas opciones al ver la foto en sí.
La naturaleza muerta en blanco y negro le permite centrarse en las líneas, texturas y formas de la fotografía. EN en este caso Es mucho más fácil concentrarse en estos elementos porque no es necesario distraerse con los colores. Buen uso esta tecnica no sólo proporcionará una imagen más objetiva desde el punto de vista de su integridad, sino que también aumentará la tensión entre diferentes objetos y materiales. Estas combinaciones se pueden encontrar en todas partes, por ejemplo, en el parque, en la orilla, etc. Puedes tomar fotografías de cualquier objeto. Además, puedes fotografiar objetos en parejas o en cantidades mayores. Cabe señalar que no se recomienda utilizar los mismos métodos para convertir una fotografía a blanco y negro.
Para crear un bodegón en blanco y negro debes tener:
En nuestras clases de pintura. Atención especial se da a los bodegones realizados en técnica de pintura decorativa.
La pintura decorativa es un tema diverso y extenso. Desarrollado por nuestros profesores, existe una serie de lecciones sobre el aprendizaje de técnicas decorativas para el trabajo con pinturas. Por ejemplo, se han preparado naturalezas muertas especiales, en las que se pueden mostrar claramente diversas técnicas y características del estilo decorativo.
El objetivo del encargo es un bodegón decorativo.
- Aprende a representar objetos usando herramientas. pintura decorativa.
- Domina las habilidades de transformar, dividir y arreglar flores según su forma.
- Intentalo varias técnicas pintura decorativa.
Existe la creencia común de que los estilos de pintura decorativa no encajan en el plan de estudios académico y son contrarios a las reglas básicas de la pintura. De hecho, se trata de un profundo error de concepto. Todos los métodos y principios del estilo decorativo fluyen directamente del programa académico y son su desarrollo posterior y la evolución continua de todo el arte académico.
A primera vista, el modelado simplificado y la falta de imagen realista puede presentar una imagen incorrecta. La ejecución decorativa de la obra plantea muchas otras tareas más complejas.
La pintura decorativa implica un estudio profundo del color local, la composición de las manchas de color, la búsqueda de acentos expresivos y soluciones espaciales efectivas.
El artista debe transmitir la imagen y la impresión del modelo real con la mayor claridad posible y utilizando un mínimo de medios. Es necesario mostrar el volumen del objeto, el material, la textura, sin recurrir al modelado clásico. La importancia de analizar la forma de un objeto aumenta; es necesario seleccionar y modelar una imagen estilizada que transfiera el objeto de una imagen realista al plano de color.
En pintura decorativa valor mas alto adquiere una línea que se convierte en participante pleno de la imagen y, junto con el color y el tono, participa en la formación de la composición general. Cambiar el grosor y la expresividad de la línea enfatiza más claramente el volumen y la plasticidad del objeto.
Además, se puede obtener una gran variedad cambiando la forma y la frecuencia de los trazos, lo que inmediatamente convertirá la superficie del lienzo en un panel decorativo o mosaico.
En la primera etapa de conocimiento de las posibilidades de la pintura decorativa, recomendamos pintar una serie de naturalezas muertas, ya que en una naturaleza muerta es posible seleccionar combinaciones de objetos y tejidos para demostrar claramente las técnicas del estilo decorativo.
Tipos de bodegones decorativos.
Existen varias técnicas comunes que han demostrado su eficacia en la práctica y en el proceso de aprendizaje. Los nombres fueron seleccionados arbitrariamente, ya que en pintura moderna No existe una clasificación internacional clara de estilos y nombres comunes.
Pintura a partir de restos. Todas las combinaciones de colores en esta tecnología se representan en forma de segmentos separados, enfatizando la estructura de los objetos y revelando sus propiedades más expresivas. A menudo se utilizan colores puros y una visualización plana del espacio.
Pintura con un contorno claramente definido. Para mejorar las relaciones entre forma y color, se utiliza el llamado "método del vitral", cuando todos los objetos y lugares de refracción de la forma se delinean con líneas negras u oscuras, creando contornos claros y límites entre los colores. Las obras realizadas con esta técnica resultan muy espectaculares y luminosas.
Otras técnicas decorativas se basan en combinaciones de colores puros, varios tipos cambiando trazos, usando una espátula, pinceles anchos y otras herramientas. El formato del artículo no nos permite describir todas las técnicas y métodos de aplicación de pintura. Puedes aprender más asistiendo a nuestras clases.
Bodegón decorativo en escuela de Arte Los estudiantes se desempeñan según la siguiente metodología:
1. Disposición de objetos en una hoja.
2. Transformación (estilización de formas).
3. Siluetas superpuestas o entrelazadas entre sí.
4. Rellenar siluetas con texturas y soluciones decorativas.
Como sabes, una naturaleza muerta es una producción de objetos inanimados. EN pintura de caballete las naturalezas muertas se pintan tradicionalmente: esculpen el volumen de los objetos, transmiten claroscuros, perspectivas lineales y aéreas, espacio... En una naturaleza muerta decorativa, esto pierde importancia. La forma de los objetos representados se vuelve plana y convencional. No hay claroscuros. En cambio, cada silueta está elaborada de forma decorativa.
La transformación de la forma debe discutirse por separado. Su esencia radica en transformar la forma original de un objeto en una convencional. Es decir, el dibujo se simplifica y se despoja de detalles innecesarios. La forma se reduce a una condicionalmente geométrica, es decir, se basa en simples formas geométricas(círculo, rectángulo, triángulo...). Por ejemplo, una jarra puede estar compuesta por un círculo y un cilindro, y la parte superior e inferior pueden completarse con círculos o elipses. Por tanto, sólo queda la naturaleza del objeto. Debe ser reconocible. Y los contornos ya estarán transformados y llevados al estilo general.
Superponer o trenzar siluetas- esta es una recepción Artes Decorativas y negocios de diseño. La superposición de siluetas una encima de otra es comprensible por definición: esto es cuando los objetos se oscurecen entre sí y la imagen se vuelve, por así decirlo, de varias capas. Pero trenzar es más difícil. Por ejemplo, cuando una manzana oscurece parte de una jarra, el artista puede representar las partes que se cruzan entre la jarra y la manzana en un color completamente diferente. Los objetos se vuelven “transparentes” y sus partes que se cruzan son visibles para el espectador. Las siluetas de los objetos están entrelazadas de una manera tan intrincada que, como resultado, a veces son difíciles de distinguir. Y esto confiere a los trabajos decorativos un atractivo especial.
Rellenar los contornos de los objetos con textura.- no es particularmente difícil. Puedes rociar pintura, puedes aplicar pintura con trazos caóticos, etc. Pero llenar la silueta con una solución decorativa es más difícil. Al artista se le ocurre una especie de "adorno", aunque esta palabra no encaja del todo aquí. Llena la silueta con este “adorno”. Este "adorno" se crea sobre la base de una línea generativa. Una línea formativa es una línea que forma el contorno de un objeto. Por ejemplo, el contorno de un ánfora griega quedará elegantemente curvado. Por tanto, la decoración interior de la silueta se basará en líneas curvadas de forma similar. Se pueden trenzar partes individuales de dicha decoración de objetos, así como los propios objetos. Además, puedes omitir el adorno literal entre ellos. Por lo tanto, este tipo de decoración no se trata sólo de rellenar siluetas con textura o color únicamente. Este es un proceso más complejo. Pero también más espectacular, en el que se basa la esencia de un bodegón decorativo.