Où se trouve le tableau de la Vierge à l'Enfant ? Les Madones de Raphaël. Léonard de Vinci : Madonna Benois

04.11.2019

Léonard de Vinci "Vierge à l'Enfant" (Madonna Litta), 1490 - 1491, tempera sur toile. 42x33cm, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Le tableau a évidemment été exécuté à Milan, où l'artiste s'est installé en 1482. Il fait partie des œuvres dont l'apparition a marqué nouvelle étape dans l'art de la Renaissance - une déclaration de style Haute Renaissance. Une belle femme nourrissant un bébé apparaît comme une personnification l'amour d'une mère comme la plus grande valeur humaine.

La composition de l'image est laconique et équilibrée. Les figures de Marie et de l'Enfant Christ sont modelées avec le plus beau clair-obscur. Les ouvertures des fenêtres symétriques offrent une infinité Paysage de montagne, rappelant l'harmonie et la grandeur de l'univers. La figure même de la Madone semble être éclairée par une lumière venant de quelque part devant. La femme regarde l'enfant avec tendresse et réflexion. Le visage de Madonna est représenté de profil, il n'y a pas de sourire sur ses lèvres, seule une certaine image d'elle se cache dans les coins.

Le bébé regarde distraitement le spectateur, tenant main droite le sein de la mère. Dans sa main gauche, l'enfant tient un chardonneret.

L'imagerie vivante de l'œuvre se révèle dans de petits détails qui nous en disent long sur la mère et l'enfant. Nous voyons le bébé et la mère dans le moment dramatique du sevrage. La femme porte une chemise rouge à col étroit. Il comporte des fentes spéciales à travers lesquelles il est pratique d'allaiter le bébé sans retirer la robe. Les deux incisions ont été soigneusement suturées (c'est-à-dire que la décision a été prise de sevrer l'enfant du sein). Mais la bonne coupe a été déchirée à la hâte - les mailles supérieures et un morceau de fil sont clairement visibles. La mère, sur l'insistance de l'enfant, a changé d'avis et a reporté ce moment difficile.

Le tableau est arrivé en 1865 de la collection milanaise du duc Antonio Litta, au nom duquel son titre est associé.
Dessin préparatoire Le tableau de l'Ermitage est conservé au Louvre.

Avant d'entrer à l'Ermitage en 1865, la « Madone Litta » faisait partie de la collection familiale du duc Antoine Litta à Milan, d'où son nom. La conservation du tableau était si mauvaise qu'il a dû être immédiatement transféré du bois sur la toile. Cette technologie unique, qui a permis de sauver la toile, a été inventée par le menuisier de l'Ermitage Sidorov, pour lequel il a reçu une médaille d'argent.

La polémique ne s'apaise pas autour de l'une des plus belles images pittoresques de la Mère de Dieu et de l'Enfant. La paternité de Léonard est remise en question, et bien que ses papiers contiennent des esquisses pour le tableau, certains le considèrent comme le fruit du travail des étudiants du maestro (au moins en ce qui concerne l'habillement et la décoration intérieure ; pourtant, rares sont ceux qui nieraient que le le visage de la Mère de Dieu appartient au pinceau de Léonard). La date de sa création est également inconnue. Bien que le tableau soit généralement attribué à la période milanaise de la vie de Léonard de Vinci, il existe également des dates ultérieures, à l'époque où Léonard vivait à Rome - il existe des hypothèses à ce sujet. L’un d’eux mérite d’être raconté.

Il n'y a pas si longtemps, plus précisément dans les années 90 du siècle dernier, le scientifique et archéologue de l'église russe O. G. Oulianov a étudié les fresques des catacombes de Sainte Priscille à Rome. Ce lieu est connu d'après des sources anciennes sous le nom de « Dame des Catacombes » car 7 des premiers papes y furent enterrés, dont le pape martyr Marcellin et son successeur le pape Marcellus. Selon les dernières données archéologiques, elle remonterait au IIe siècle après JC.

Parmi les fresques des catacombes se trouve une image de la Vierge Marie à l'Enfant, qui est apparemment l'image la plus ancienne Notre-Dame dans la peinture du monde. Le scientifique russe a été frappé par sa coïncidence avec la composition de la « Madonna Litta ». Comme Léonard, l'Enfant qui se nourrit se retourne et regarde le spectateur.

Les catacombes, découvertes par hasard à la fin du XVe siècle, sont devenues un lieu de promenade privilégié des artistes et penseurs vivant à Rome. Léonard est venu La Ville éternelle en 1513 et y vécut trois ans. Bien sûr, lui, intéressé par tout, surtout par tout ce qui est inhabituel, ne pouvait tout simplement pas s'empêcher de descendre dans les catacombes, où il vit une fresque ancienne qui l'impressionna tellement qu'il la répéta dans sa peinture. Autrement dit, la création de la « Madonna Litta » doit être attribuée à la période comprise entre 1513 et 1517. Cependant, ce qui est intéressant dans cette hypothèse n'est pas la nouvelle datation, mais la possibilité même de cet élan spirituel qui s'est transmis du peintre inconnu du IIe siècle au génie de la Renaissance.

Léonard de Vinci (1452-1519)

Madone Litta

1490-1491. Toile, détrempe. 42 x 33. Musée de l'Ermitage. Saint-Pétersbourg

Parcelle

Le tableau représente une femme tenant dans ses brasle bébé qu'elle nourritpoitrine. Fond de l'image -mur avec deux arqué des fenêtres dont la lumière tombe sur le spectateur et rend le mur plus sombre. Les fenêtres offrent une vue sur le paysage dans les tons bleus. La figure même de la Madone est illuminéelumière venant de quelque part devant. La femme regarde l'enfant avec tendresse et réflexion. Le visage de Madonna est représenté de profil, il n'y a pas de sourire sur ses lèvres, seule une certaine image d'elle se cache dans les coins. Le bébé regarde distraitement le spectateur, tenant la poitrine de sa mère avec sa main droite. Dans sa main gauche, l'enfant tient chardonneret

Histoire

L'œuvre a été écrite pour les dirigeants de Milan, puis transmise à la familleLitta, et pendant plusieurs siècles était dans leur collection privée. Le titre original du tableau était « Madonna and Child ». Nom moderne le tableau vient du nom de son propriétaire - le comte Litt, propriétaire de la famille galerie d'art V Milan. En 1864 il contacte l'Ermitage avec une offre d'achat avec plusieurs autres tableaux. DANS 1865 avec les trois autres tableaux. Madonna Litta a été acquise par l'Ermitage pour 100 mille francs

Partie composition :

La devise du tableau : Le plus intime, le plus profond, le plus l'amour vrai- c'est l'amour de Mère.

Associations : Affection, amour, paix, légèreté, sommeil, tendresse, simplicité, mère, bienveillance.

Mère. Ce n'est un secret pour personne que Léonard était attiré par ce sujet, et les nombreux dessins de Léonard en témoignent. Le thème d'une jeune femme avec un enfant est son « élément ». Il a représenté des femmes aux visages tantôt sérieux, tantôt souriants, dans des poses exprimant la tendresse, au regard plein de tremblements et de paix tranquille, et d'adorables bébés occupés à jouer et à d'autres divertissements enfantins. Il est difficile de trouver une adhésion absolue à un modèle constant dans l'interprétation de l'image de Marie par le maître.

Léonard choisit des situations purement humaines ; analysant en détail les motivations psychologiques et physiologiques qui les accompagnent, en utilisant les possibilités expressives les plus élevées de l'intrigue de la Vierge à l'Enfant.

La Madone dite Litta, conservée de la même manière que la Madone Benois à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, est attribuée par les historiens de l'art à la période milanaise de l'œuvre de Léonard et, malgré l'existence du propre dessin de Léonard, est sans aucun doute associée à la peinture. , est généralement attribué à l'école de maîtrise. Notons la pose émotionnelle de Mary, les expressions de tendresse et de plaisir à contempler son bébé tétant le sein de sa mère, tout en tournant simultanément son regard vers le spectateur. L'image est basée sur le motif traditionnel de la Madonna del latte (Mammifère).

La beauté incarnée dans des formes délicates jeunes madones et les corps rebondis des bébés, n'est pas seulement un motif pictural pour Léonard - c'est la réflexion du maître sur l'image d'une mère, sur son amour profond pour son fils, qu'il a traduit dans le langage de la peinture.

La faible lumière tombant des fenêtres éclaire à peine les personnages, mais rend le mur plus sombre. Dans ce contexte, ces figures sont particulièrement clairement modelées par la lumière venant de quelque part devant. La création de combinaisons d'éclairage qui permettraient de souligner la volumétrie et la réalité de ce qui est représenté avec le doux jeu d'ombre et de lumière jeunesse Léonard a travaillé.

Sur fond de mur percé de deux fenêtres, une jeune femme est assise, tenant sur ses genoux un bébé qu'elle allaite. Son visage, tendre et quelque peu sombre, captivant par sa beauté étonnante et subtile, est modelé par cet amour du clair-obscur clair, presque insaisissable, dont Léonard était un admirateur et un connaisseur. Un demi-sourire tendre et quelque peu mystérieux joue sur les lèvres de la mère, qui devient désormais obligatoire pour la plupart des images d'artistes, devenant progressivement plus accentué et amer.

Le bébé, comme dans « Benois Madonna », est un peu grand, tourne les yeux vers le spectateur, dessiné d'une manière inhabituellement expressive, et sur son corps dodu d'enfant le jeu du clair-obscur semble atteindre son apogée, les nuances de lumière les plus délicates semblent caresser la peau soyeuse, créant l'impression de son caractère concret presque tactile. Un paysage de montagne bleu et onirique est visible à travers les fenêtres, d'où la lumière entre, révélant les horizons lointains d'un monde magnifique mais à peine visible.

La tâche de l’artiste était de nous montrer la beauté, l’amour et le soin d’une mère pour son enfant. Bien entendu, cela ne peut se faire sans harmonie dans la composition et harmonie dans les couleurs.

Et l'auteur maîtrise magistralement ces techniques. En analysant l’image en points clairs et sombres, nous voyons que nous pouvons distinguer 5 points lumineux principaux. Le visage d'une fille, la silhouette d'un bébé, deux fenêtres situées le long des bords supérieurs de l'image et une cape bleue sur la fille. Toutes ces taches créent du mouvement à l'intérieur de l'image, comme si la Vierge et l'Enfant prenaient vie et qu'ils avaient la vie là, la vie au-delà de l'image, mais ces taches créent aussi une sorte de construction, qui rappelle un triangle inversé.

La structure compositionnelle du tableau se distingue par une clarté et une perfection étonnantes, une concision et un équilibre. Il suffit de faire attention à la beauté avec laquelle la silhouette extrêmement généralisée et en même temps vivante de la figure de la Madone se combine avec les contours géométriquement stricts de deux ouvertures de fenêtre situées symétriquement ou à la précision indubitable, mais en même temps naturellement sa tête est placé dans la cloison entre ces fenêtres.

Grâce à cela, on peut distinguer deux figures principales, les figures de la Vierge et de l'Enfant, ainsi que deux figures secondaires, les fenêtres du fond. Les deux premières figures se croisent assez profondément, ce qui donne sans doute un sentiment d'unité, l'unité de l'image, l'inséparabilité de l'ensemble. L’auteur montre par là combien les images de la mère et de l’enfant sont proches. Il semble que rien ne les séparera. Deux autres images, deux fenêtres, ne font que le confirmer, puisqu'elles semblent soutenir l'image de la mère des deux côtés, lui donnant encore plus de stabilité et de fiabilité, ce qui contribue encore à ces sensations en plus des triangles mentionnés ci-dessus.

Le doux modelage de son visage bénéficie de la juxtaposition contrastée avec le ciel bleu visible à travers les fenêtres. Le sentiment de joie de la maternité dans le tableau « Madonna Litta » s'est approfondi grâce au contenu de l'image même de Marie - le type de beauté féminine léonardienne y a trouvé son expression mature. Les yeux mi-clos et un sourire subtil confèrent au visage mince et beau de la Madone une spiritualité particulière - il semble qu'elle sourit à ses rêves...

Artiste : Léonard de Vinci

Toile, détrempe.
Taille : 42 × 33 cm

Bref historique de la création

Description et analyse

L'Ermitage abrite deux œuvres de Léonard représentant la Mère de Dieu : « Madonna Litta » et « Madonna Benois ». Quelques critiques d'art et les historiens de l’art sont enclins à croire que ces deux tableaux célèbres sont étroitement liés. Il existe plusieurs opinions sur ce sujet. Selon une théorie rédigée par l'aîné Chercheur Ermitage Mikhail Anikin, « Madonna Benois » illustre la nature divine de Jésus-Christ, tandis que « Madonna Lita » doit être considérée comme le reflet de l'essence humaine du Christ. Cette association de deux chefs-d’œuvre est une illustration de la déclaration de l’Église chrétienne selon laquelle dans le Christ les principes divins et humains sont unis. Comme confirmation de cette version, on peut considérer l'absence d'auréoles, symbolisant le principe divin, autour des têtes de Marie et de l'enfant dans la « Madone Litta », alors qu'elles sont présentes dans la « Madone Benois ». Cette interprétation de la relation entre les deux tableaux pourrait également être une preuve inconditionnelle de la paternité de Léonard, puisque les critiques d’art n’ont aucun doute sur le fait que la « Madone Benois » était son pinceau.

Le paysage, auquel Léonard consacre toujours dans ses œuvres, mérite une mention particulière rôle spécial. Et lorsque l’on compare deux tableaux, cela peut aussi être considéré comme une confirmation de leur appariement. Si dans « Madonna Benois », le spectateur apprécie la pureté cristalline et la clarté du ciel, alors dans « Madonna Litta », l'artiste a représenté un paysage de montagne, symbolisant la beauté du monde terrestre.

Théorie proposée sur la relation entre les deux de célèbres tableaux Léonard de Vinci ne fait pas l'unanimité, mais il est en tout cas intéressant car il permet de porter un tout nouveau regard sur de grandes œuvres d'art connues depuis longtemps.

Description du tableau «Vierge à l'Enfant» de Léonard de Vinci

Artiste : Léonard de Vinci
Titre du tableau : « Madonna Litta »
Le tableau a été peint : 1490-1491.
Toile, détrempe.
Taille : 42 × 33 cm

Ce tableau de Léonard de Vinci fait partie des œuvres dont l'apparition a marqué une nouvelle étape dans l'art de la Renaissance : l'établissement du style Haute Renaissance. La belle femme représentée sur la toile nourrissant un bébé est la personnification de l’amour maternel comme la plus grande valeur humaine. Le tableau porte le nom de son ancien propriétaire, le duc Antoine Litta.

Bref historique de la création

Il existe encore une controverse autour de l'une des plus belles images de la Mère de Dieu et de l'Enfant, Thème principal qui est la paternité de Léonard. Certains historiens de l’art sont enclins à le considérer comme le fruit du travail des élèves du maestro (à l’exception du visage de la Mère de Dieu, dont peu osent nier qu’il appartient au pinceau de Léonard). La date de création du tableau est également inconnue avec certitude. Selon la version officielle, elle est généralement attribuée à la période milanaise de la vie de Léonard de Vinci. Cependant, il existe également des opinions sur des dates ultérieures remontant à la période de résidence de Léonard à Rome.

Description et analyse

Le tableau «La Vierge à l'Enfant» est l'un des chefs-d'œuvre renommés de la collection de l'Ermitage, provoquant un plaisir et un respect constants parmi les spectateurs. La composition de l'image est équilibrée et laconique. Les figures de Marie et de l'Enfant Christ sont modelées avec le plus beau clair-obscur. Dans les ouvertures des fenêtres disposées symétriquement, un paysage de montagne s’ouvre au regard du spectateur, comme pour rappeler l’harmonie de l’univers entier. La soi-disant Madonna Litta est représentée par le maître comme une femme réfléchie et sérieuse. Elle a le type de beauté préféré de l'artiste - un front haut et propre, un nez légèrement allongé, une bouche aux commissures des lèvres à peine relevées (le fameux «sourire de Léonard») et des cheveux légèrement roux. Cette image est l'incarnation de la perfection belle femme. Cependant, il n’est pas impartial. Cependant, tous les sentiments ressentis par la femme représentée sur l'image sont profondément cachés par l'artiste afin de ne pas perturber la claire harmonie de son apparence. Ils n'apparaissent que légèrement dans l'expression d'une tristesse cachée et dans un demi-sourire mystérieux et glissant. Le bébé représenté a également l’air triste et sérieux au-delà de son âge. Le bébé aux cheveux dorés regarde distraitement le spectateur, tenant la poitrine de sa mère avec sa main droite. Dans sa main gauche se trouve un chardonneret - un symbole de l'âme chrétienne. La figure de la Madone est représentée de telle manière que ses contours sont clairement visibles sur le fond du mur. L'éclairage de la silhouette féminine, contrairement à la logique habituelle, ne provient pas de fenêtres situées symétriquement derrière, mais quelque part devant et à gauche, modelant doucement visages et corps.

Le sens principal de l’œuvre, comme dans les œuvres précédentes du maître, reste l’humanité et le respect des sentiments profonds et authentiques. Une mère allaite son enfant en le regardant avec un regard pensif et tendre. Bébé débordant en bonne santé énergie vitale, tourne dans ses bras en bougeant ses jambes. Il ressemble à sa mère avec son teint foncé et ses cheveux dorés. La femme admire le bébé, plongée dans ses pensées, concentrant sur lui toute la puissance de ses sentiments. L'artiste a atteint une expressivité exceptionnelle dans sa représentation de la Vierge à l'Enfant.

Cependant, si vous analysez comment Léonard atteint cette expressivité, vous remarquerez que le maestro utilise des méthodes de représentation plutôt généralisées et laconiques. Le visage de la Madone est tourné de profil. Le spectateur ne voit qu'un seul œil, tandis que sa pupille n'est pas dessinée. Les lèvres ne peuvent pas non plus être qualifiées de clairement souriantes ; seule une ombre au coin de la bouche fait allusion à un sourire. En même temps, l'inclinaison même de la tête, les ombres glissant sur le visage, le regard légèrement devineur créent ce sentiment unique de spiritualité que Léonard aimait et savait représenter. Complétant l'étape de recherche à long terme dans l'art de la Renaissance, l'artiste, basé sur l'incarnation exacte du visible, crée une image pleine de poésie, dans laquelle tout ce qui est aléatoire et petit est écarté et ces traits qui créent un sublime et il reste une idée passionnante d’une personne. Ainsi, le maître rassemble les efforts disparates de ses prédécesseurs et contemporains et, bien en avance sur eux, élève art italienà un nouveau niveau.

Une mère et son nouveau-né sont l’un des sujets artistiques les plus populaires.

On lui a donné Attention particulière aussi populaire que tout le monde artistes célèbres(Léonard de Vinci et Rafael Santi), et peu connu du grand public (Bartolomeo Murillo, di Marcovaldo et autres).

Vierge Marie de Marcovaldo

Coppo di Marcovaldo est considéré comme le fondateur de l'école des beaux-arts de Sienne. Son sort est assez intéressant, car dans milieu du XIIIe V. il a participé à l'une des batailles aux côtés des partisans florentins du pape, à la suite de laquelle l'artiste a été capturé. Mais comme il était très talentueux, il a pu « acheter » sa liberté en peignant une image très belle et assez réaliste de la Vierge à l'Enfant, qui a ensuite été transférée à l'église de Sienne. Cette Madone s'appelait "Madonna del Bordone".

Cette peinture présente au spectateur la Vierge Marie assise sur un trône, soulevant légèrement une jambe pour permettre au bébé de s'asseoir plus confortablement dans ses bras. Elle lui tient la jambe de manière touchante et il lui tend la main. Ils ont déjà une interaction notable, qui n’a pas été observée depuis plus longtemps. premières peintures.

La tête de la Vierge est entourée d'un halo à peine visible. Il convient de noter les yeux incroyablement expressifs de cette Madone. Elle regarde le spectateur, comme si elle regardait son âme. Ses vêtements sont une simple cape noire, mais pour la rendre plus chic, l'artiste a peint les draperies en or. Sur les côtés gauche et droit, des anges sont représentés en pleine hauteur (c'est une tradition florentine). Habituellement, ils ont été dessinés de la même manière, mais ceux-ci, si vous regardez attentivement, ne sont pas complètement identiques les uns aux autres : les différences résident dans leurs visages.

Passons des moins connus aux plus populaires et regardons de plus près les tableaux les plus marquants sur ce sujet.

"Madonna Litta" de Léonard de Vinci

L’une des Vierges à l’Enfant les plus représentées est le tableau « Madonna Litta » du brillant Léonard de Vinci. On peut désormais le voir parmi les chefs-d'œuvre conservés à l'Ermitage.

Le personnage principal de ce tableau est une jeune femme tenant un bébé dans ses bras et l’allaitant. Comme dans tous, il se démarque davantage par rapport au fond, où le spectateur peut observer des fenêtres en forme d'arcs, à travers lesquelles un lumineux ciel bleu avec des nuages blancs moelleux. Il est à noter que la Vierge à l'Enfant est dessinée très clairement, ses traits semblent mis en valeur, comme dessinés sous le flash d'un appareil photo, par rapport à l'arrière-plan quelque peu flou - c'est aussi caractéristiques distinctives portraits de cette époque.

La mère regarde l'enfant avec tendresse. Certains pensent qu’elle sourit légèrement (le « sourire de Léonard », populaire pour les peintures de l’artiste), mais en réalité, la Madone est pensive. L'enfant regarde le spectateur, tenant dans une de ses mains un oiseau - un petit chardonneret.

Chardonneret dans le tableau "Madonna Litta"

Il existe différentes versions expliquant pourquoi le poussin est représenté dans ce tableau.

L'oiseau comme symbole des souffrances futures du Christ, où la tête rouge du chardonneret symbolise le sang versé par le Fils de Dieu. Selon la légende, alors que le Christ était conduit au Golgotha, un chardonneret s'est précipité sur lui, a arraché une épine du sourcil de Jésus et du sang a coulé sur lui.

Le chardonneret symbolise l'âme qui s'envole après la mort : cette désignation vient du paganisme antique, mais est également conservée dans la sémiotique chrétienne.

L'évangile apocryphe de Thomas raconte une histoire légèrement différente : Jésus a ressuscité un chardonneret mort simplement en le tenant dans ses mains, c'est pourquoi de nombreuses peintures représentent ce poussin avec le bébé.

Madones de Raphael Santi

Mais il existe une autre Vierge à l'Enfant, non moins célèbre. C'est Rafael Santi qui l'a écrit. Ou plutôt, il possède de nombreuses peintures avec une telle intrigue : il s'agit de la célèbre et conservée à l'Ermitage « Madonna Conestabile », et de l'extraordinaire « Madone au voile », qui représente non seulement une mère et son enfant, mais tout le monde Sainte famille.

Raphaël a peint le tableau lui-même sous le titre « Vierge à l'Enfant » en 1503. La femme qui y figure est plus sophistiquée et, sans aucun doute, plus jeune que celle de Léonard de Vinci. Évidemment, le lien entre la mère et l’enfant est plus prononcé. Ils se regardent avec amour touchant et légère prévenance, la mère soutient le bébé par le dos avec sa main. Il ne s’agit plus de la Vierge anxieuse que l’on peut voir dans les premiers tableaux de l’artiste.

Ensemble, ils lisent le livre « Livre d'Heures » - symbole de l'autorité de l'Église - dans lequel les textes de prières, psaumes, services religieux(auparavant, d'ailleurs, c'était grâce à ce livre qu'ils apprenaient à lire). Selon certaines sources, le Livre d'Heures est ouvert sur la page qui correspond à neuf heures, heure à laquelle Jésus a été crucifié sur la croix.

En arrière-plan se trouve un paysage enfumé avec une église et des arbres. D'ailleurs, ce paysage peut aussi être appelé caractéristique distinctiveœuvres de Santi sur le thème de la mère et de l'enfant. Presque tous les tableaux de Raphaël présentent un fond de paysage assez détaillé.

Cela ne sert à rien de déterminer quel tableau est le meilleur : Da Vinci ou Raphaël. La Vierge à l'Enfant semble originale et unique dans chacun d'eux.

Pas seulement art J'étais intéressé par le thème de la mère et de l'enfant, il convient donc de réfléchir à la façon dont il se reflète dans d'autres types.

Sculpture Vierge à l'Enfant

L'attention de tout amateur d'art est attirée par la sculpture "Vierge à l'Enfant", dont l'auteur est maître célèbre Michel-Ange.

Selon les clients, ce chef-d'œuvre était censé se trouver à une hauteur d'environ neuf mètres, afin que le public puisse le regarder comme une divinité. D'ailleurs, c'est pour cette raison que le regard de la mère et de l'enfant est dirigé vers le bas.

Il existe des preuves que le cardinal Piccolomini (le premier client) n'était pas satisfait des croquis, principalement parce que Jésus était nu, de sorte que leur contrat avec Michel-Ange a été rompu. Et la sculpture a bien sûr trouvé son propriétaire. Il devient de Mouscron, un marchand de la ville de Bruges. Il l'a ensuite donné à l'église Notre-Dame, où il a été placé dans une niche sombre qui contrastait magnifiquement avec la couleur marbre blanc de la sculpture elle-même.

Sur ce moment, afin de se protéger, les autorités de la ville l'ont placé derrière une vitre pare-balles.

"Madonna Doni" de Michel-Ange

En plus d'être un excellent sculpteur, Michel-Ange était également merveilleux artiste. Même s'il ne considérait pas cela comme une sorte de réussite et n'était pas du tout fier de son talent.

Les images qu'il dessine étonnent le spectateur par leur incroyable plasticité ; il semble que même en dessinant, il « sculpte » les figures, leur donnant du volume. De plus, le tableau représente toute la Sainte Famille, ce qui était rare pour des peintures de ce genre. Bien entendu, au sens plein du terme, Michel-Ange est un sculpteur et non un artiste. "La Vierge à l'Enfant" n'est pourtant qu'un chef-d'œuvre.

Alors, résumons. Si nous parlons du peinture célèbre, représentant la Vierge Marie, il s'agit alors du chef-d'œuvre de Léonard de Vinci « La Vierge à l'Enfant ». Si une personne s'intéresse à d'autres types d'art, le plus frappant et le plus mémorable est sans aucun doute l'œuvre de Michel-Ange.

L'Ermitage abrite deux œuvres de Léonard de Vinci : la Madone Litta et la Madone Benois. Aujourd'hui, nous examinerons de plus près l'histoire de la création. MADONNA LITTA..

De nombreux dessins de Léonard témoignent de son attirance pour le thème d'une belle jeune mère avec son enfant. Il a représenté des femmes aux visages tantôt sérieux, tantôt souriants, dans des poses exprimant la tendresse, au regard plein de tremblements et de paix tranquille, et d'adorables bébés occupés à jouer et à d'autres divertissements enfantins. Il est difficile de trouver une adhésion absolue à un modèle constant dans l'interprétation de l'image de Marie par le maître.

Madone Litta

Léonard de VinciMadone Litta , 1490-1491 Toile de l'Ermitage. 42×33cm

Le titre original du tableau était « Madonna and Child ».

En 1864 Le duc de Litta fit appel à Ermitage avec une offre de vente avec plusieurs autres tableaux. DANS 1865 avec les trois autres tableaux "Madonna Litta" a été acquis par l'Ermitage pour 100 000 francs

Le dessin préparatoire du tableau de l'Ermitage est conservé au Louvre.

DESCRIPTION DE L'IMAGE.

La mère allaite l'enfant en fixant sur lui un regard pensif et tendre ; un enfant, plein de santé et d’énergie inconsciente, bouge dans les bras de sa mère, tourne et bouge ses jambes. Il ressemble à sa mère : le même teint foncé, avec les mêmes rayures dorées.

Elle l'admire, plongée dans ses pensées, concentrant toute la puissance de ses sentiments sur l'enfant. Même un rapide coup d'œil capte dans "Madonna Litta" précisément cette plénitude de sentiments et cette humeur concentrée. Mais si nous comprenons comment Léonard parvient à cette expressivité, nous serons convaincus que l'artiste de la maturité de la Renaissance utilise une méthode de représentation très généralisée et très laconique.

Le visage de la Madone est tourné de profil vers le spectateur ; on ne voit qu'un œil, même sa pupille n'est pas dessinée ; les lèvres ne peuvent pas être qualifiées de souriantes, seule l'ombre au coin de la bouche semble faire allusion à un sourire prêt à apparaître, et en même temps, l'inclinaison même de la tête, les ombres glissant sur le visage, le regard devineur créent cette impression de spiritualité que Léonard aimait tant et savait évoquer.

Images vives de l'œuvre se dévoile dans de petits détails qui nous en disent long sur la mère et l'enfant. Nous voyons le bébé et la mère dans le moment dramatique du sevrage. La femme porte du rouge chemise à col large . Il comporte des fentes spéciales qui permettent de passer facilement, sans retirer la robe, allaiter le bébé . Les deux incisions ont été soigneusement suturées (c'est-à-dire que la décision a été prise de sevrer l'enfant du sein). Mais la bonne coupe a été déchirée à la hâte - les mailles supérieures et un morceau de fil sont clairement visibles. La mère, sur l'insistance de l'enfant, a changé d'avis et a reporté ce moment difficile.

La faible lumière tombant des fenêtres éclaire à peine les personnages, mais rend le mur plus sombre. Dans ce contexte, ces figures sont particulièrement clairement modelées par la lumière venant de quelque part devant. Léonard a travaillé dur et dur dès son plus jeune âge pour créer de telles combinaisons d'éclairage qui permettraient de souligner par le doux jeu d'ombre et de lumière le volume et la réalité de ce qui est représenté.

Madone Litta.

Il existe une autre version SUR LES DERNIERS PROPRIÉTAIRES DE L'IMAGE.

Le comte Giulio Renato Litta fait remonter ses ancêtres aux dirigeants de Milan, les Visconti. Sous Paul 1er, il était le représentant permanent de l'Ordre de Malte à Saint-Pétersbourg. Il tomba amoureux et épousa la comtesse Ekaterina Vasilyevna Skavronskaya, née Engelgart, la nièce bien-aimée du prince Potemkine.