Peter Klass « Petit-déjeuner au jambon » 1647 g

Les experts disent que chaque nature morte a la sienne sens caché, ce qui était compréhensible pour les contemporains. Et on ne peut que deviner ce que l'artiste a voulu dire et à qui.

g La peinture de natures mortes hollandaises du XVIIe siècle se caractérise par la spécialisation étroite des maîtres hollandais dans ce genre. Le thème « Fleurs et Fruits » comprend généralement une variété d'insectes. Les « trophées de chasse » sont avant tout des trophées de chasse - oiseaux et gibiers morts. « Petits déjeuners » et « Desserts », ainsi que des images de poissons - vivants et endormis, divers oiseaux - ne sont que quelques-uns des plus sujets célèbres natures mortes.

Prises ensemble, ces parcelles individuelles caractérisent le vif intérêt des Néerlandais pour les parcelles Vie courante, et leurs activités favorites, et leur passion pour l'exotisme des terres lointaines (les compositions contiennent des coquillages et des fruits extravagants). Souvent, dans les œuvres comportant des motifs de nature « vivante » et « morte », il existe un sous-texte symbolique facilement compréhensible pour un spectateur instruit du XVIIe siècle.

Ainsi, la combinaison d'objets individuels pourrait servir d'indice de la fragilité de l'existence terrestre : des roses fanées, un brûle-encens, une bougie, une horloge ; ou associés à des habitudes condamnées par la morale : éclats de bois, pipes fumantes ; ou a indiqué une histoire d'amour; lettre, instruments de musique, friteuse Il ne fait aucun doute que la signification de ces compositions est bien plus large que leur contenu symbolique.

Les natures mortes hollandaises attirent avant tout leur expression artistique, l'exhaustivité, la capacité de révéler la vie spirituelle du monde objectif.

Contrairement aux Flamands, qui préfèrent les peintures de grand format avec une abondance d'objets de toutes sortes, les peintres hollandais se limitent à quelques objets de contemplation, s'efforçant d'obtenir la plus grande unité de composition et de couleur. La nature morte (« Stilleven » - qui signifie « vie tranquille » en néerlandais) est une branche unique et très populaire. Peinture hollandaise.

Nature morte hollandaise du XVIIe siècle

Peter Klass « Pipe et brasier » 1636

Balthasar van der Ast "Nature morte aux fruits"

Balthasar van der Ast « Assiette de fruits et coquillages » 1630 g

Melchior de Hondecoeter "Oiseaux dans le parc"

Bartholomeus van der Hels "Nouveau marché d'Amsterdam" 1666

Willem claes Hedp « Petit déjeuner au crabe » 1648

Ferdinand Bol "Jeu mort"

Abraham Minion "Fruits"

Melchior de Hondecoeter "Trophées de chasse"

Johannes Lemans "Nature morte de chasse"

Martin Bullema de Stomme. "Nature morte avec une coupe Nautilus"

Willem Heda. "Nature morte au jambon." 1656

Jan Brueghel l'Ancien. "Fleurs dans un pot de fleurs en bois." 1606/07

Ambrosius Bosshart l'Ancien. "Bouquet de fleurs dans une niche." 1618g

Balthasar van der Ast. "Corbeille de fleurs". 1622

Hans Bollongier. "Fleur nature morte." 1639

Nicolas Gillies. "Mettre la table" 1611

Floris van Dyck. "Nature morte au fromage" D'ACCORD. 1615

Jacob van Hulsdonck. "Nature morte aux artichauts, radis, asperges, prunes et pêches dans un panier ." 1608-1647

Clara Peters. "Table servie" 1611

Willem Claes Heda. "Nature morte avec une cruche en argent et une tarte." 1645

Pierre Claes. "Nature morte à la salière." D'ACCORD. 1644

Gerrit Willems Heda. "Nature morte avec une cruche d'argile"

Floris Gerrits van Schoten. "Nature morte aux fruits, légumes et scène du souper d'Emmaüs." 1630

Cornelis Delff. "Nature morte dans la cuisine." 1610-1620

Malgré le fait que le nom du genre traduit du français signifie « nature morte ». Pourquoi, dans la bouche des Néerlandais, les compositions d’objets inanimés, exposés de manière colorée sur toile, signifiaient-elles la vie ? Oui, ces images étaient si lumineuses, fiables et expressives que même les connaisseurs les plus inexpérimentés admiraient le réalisme et la tangibilité des détails. Mais ce n'est pas seulement cela.

La nature morte hollandaise est une tentative de parler de la façon dont chaque objet est vivant et proche, chaque particule de ce monde est tissée dans monde complexe personne et y participe. Les maîtres hollandais ont créé des compositions ingénieuses et ont été capables de représenter avec une telle précision la forme, les teintes de couleur, le volume et la texture des objets qu'ils semblaient stocker la dynamique des actions humaines. Voici une plume qui n'a pas encore refroidi de la main du poète avec une goutte d'encre scintillante, voici une grenade coupée, dégoulinante de jus de rubis, et voici un pain mordu et jeté sur une serviette froissée... Et en même temps, c'est une invitation à admirer et à apprécier avec enchantement la splendeur et la diversité de la nature.

Thèmes et images pittoresques

La nature morte hollandaise est inépuisable par son abondance de thèmes. Certains peintres étaient unis dans leur passion pour les fleurs et les fruits, d'autres se sont spécialisés dans la grossière vraisemblance des morceaux de viande et de poisson, d'autres encore ont été créés avec amour sur toile. ustensiles de cuisine, et le quatrième s'est consacré au thème de la science et de l'art.

La nature morte hollandaise du début du XVIIe siècle se distingue par son attachement au symbolisme. Les objets ont une place et une signification strictement définies. La pomme au centre de l'image raconte l'histoire de la chute du premier homme, tandis que la grappe de raisin qui la recouvre raconte l'histoire du sacrifice expiatoire du Christ. Une coquille vide, qui servait autrefois de logement à un mollusque marin, parle de la fragilité de la vie, des fleurs tombantes et séchées - de la mort, et un papillon sortant d'un cocon annonce la résurrection et le renouveau. Balthasar Ast écrit de cette manière.

Les artistes de la nouvelle génération ont déjà proposé une approche légèrement différente Nature morte hollandaise. La peinture « respire » avec le charme insaisissable caché dans les choses ordinaires. Un verre à moitié rempli, des plats éparpillés sur la table, des fruits, une tarte coupée - l'authenticité des détails est parfaitement rendue par la couleur, la lumière, les ombres, les reflets et les reflets, associés de manière convaincante à la texture du tissu, de l'argent, du verre et nourriture. Ce sont les peintures de Pieter Claes Heda.

Au début du XVIIIe siècle, la nature morte hollandaise s’orientait vers une esthétique impressionnante du détail. Ici règnent d'élégants bols en porcelaine dorés, des gobelets faits de coquilles finement enroulées et des fruits superbement disposés sur un plat. Il est impossible de regarder les toiles de Willem Kalf ou d'Abraham van Beyeren sans se décolorer. Le néerlandais devient exceptionnellement répandu, capturé par la main d'un maître, parlant dans une langue particulière et sensuelle et communiquant peinture harmonie et rythme. Les lignes, les tissages et les nuances des tiges, des bourgeons et des inflorescences ouvertes présentes dans la nature morte semblent créer une symphonie complexe, obligeant le spectateur non seulement à admirer, mais aussi à expérimenter avec enthousiasme la beauté incompréhensible du monde.

Un phénomène étonnant dans l’histoire des beaux-arts mondiaux s’est produit en Europe du Nord au XVIIe siècle. Elle est connue comme la nature morte hollandaise et est considérée comme l’un des sommets de la peinture à l’huile.

Les connaisseurs et les professionnels sont convaincus que tant de maîtres magnifiques possédant la plus haute technologie et créant tant de chefs-d'œuvre de classe mondiale, vivant sur une petite parcelle du continent européen, n'ont jamais été vus dans l'histoire de l'art.

Nouveau sens du métier d'artiste

L'importance particulière que le métier d'artiste acquit en Hollande dès le début du XVIIe siècle fut le résultat de l'émergence, après les premières révolutions anti-féodales, des prémices d'un nouveau système bourgeois, de la formation d'une classe de citadins bourgeois et paysans riches. Pour les peintres, il s’agissait de clients potentiels qui ont façonné la mode des œuvres d’art, faisant de la nature morte hollandaise un produit recherché sur le marché émergent.

Dans les terres du nord des Pays-Bas, les mouvements réformistes du christianisme, nés de la lutte contre le catholicisme, sont devenus l'idéologie la plus influente. Cette circonstance, entre autres, a fait de la nature morte hollandaise le genre principal de corporations artistiques entières. Les chefs spirituels du protestantisme, en particulier les calvinistes, ont nié l'importance salvatrice de la sculpture et de la peinture sur des sujets religieux, ils ont même expulsé la musique du monde. église, ce qui obligea les peintres à rechercher de nouveaux sujets.

Dans la Flandre voisine, restée sous influence catholique, art développé selon des lois différentes, mais la proximité territoriale provoquait une inévitable influence mutuelle. Les scientifiques - les historiens de l'art - trouvent beaucoup de choses qui unissent les natures mortes hollandaises et flamandes, notant leurs différences fondamentales inhérentes et leurs caractéristiques uniques.

Nature morte florale précoce

Le genre « pur » de la nature morte, apparu au XVIIe siècle, prend des formes particulières en Hollande et nom symbolique"vie tranquille" - toujours même. À bien des égards, les natures mortes hollandaises étaient le reflet de l'activité vigoureuse de la Compagnie des Indes orientales, qui apportait d'Orient des produits de luxe jamais vus en Europe auparavant. De Perse, l'entreprise a apporté les premières tulipes, qui sont devenues plus tard un symbole de la Hollande, et ce sont les fleurs représentées dans les peintures qui sont devenues la décoration la plus populaire des immeubles résidentiels, de nombreux bureaux, magasins et banques.

Le but des compositions florales magistralement peintes était varié. Décorant les maisons et les bureaux, ils mettaient l'accent sur le bien-être de leurs propriétaires, et pour les vendeurs de plants de fleurs et de bulbes de tulipes, ils constituaient ce qu'on appelle aujourd'hui un produit publicitaire visuel : des affiches et des livrets. Par conséquent, la nature morte hollandaise avec des fleurs est avant tout une représentation botaniquement précise de fleurs et de fruits, en même temps remplie de nombreux symboles et allégories. Ce sont les meilleures peintures d'ateliers entiers dirigés par Ambrosius Bosschaert l'Ancien, Jacob de Geyn le Jeune, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar et d'autres.

Dresser les tables et les petits déjeuners

La peinture en Hollande au XVIIe siècle ne pouvait échapper à l'influence des nouveaux relations publiques, et le développement économique. Les natures mortes hollandaises du XVIIe siècle étaient une denrée rentable et de grands ateliers étaient organisés pour « produire » des peintures. En plus des peintres, parmi lesquels figuraient une spécialisation et une division du travail strictes, ceux qui préparaient la base des peintures - planches ou toiles, les apprêtaient, fabriquaient des cadres, etc. relations de marché, a conduit à une augmentation de la qualité des natures mortes à un niveau très élevé.

La spécialisation en genre des artistes revêt également un caractère géographique. Des compositions florales ont été peintes dans de nombreuses villes néerlandaises - Utrecht, Delft, La Haye, mais c'est Haarlem qui est devenue le centre de développement de natures mortes représentant des tables servies, de la nourriture et plats cuisinés. Ces peintures peuvent être variées en termes d'échelle et de caractère, allant de complexes et multi-sujets à laconiques. Des « petits déjeuners » sont apparus - des natures mortes d'artistes hollandais représentant différentes étapes d'un repas. Ils représentent la présence d'une personne sous forme de miettes, de petits pains mordus, etc. histoires intéressantes, rempli d'allusions et de symboles moralisateurs communs aux peintures de cette époque. Les peintures de Nicholas Gillies, Floris Gerrits van Schoten, Clara Peters, Hans Van Essen, Roelof Coots et d'autres sont considérées comme particulièrement significatives.

Nature morte tonale. Pieter Claes et Willem Claes Heda

Pour les contemporains, les symboles qui remplissaient la nature morte traditionnelle hollandaise étaient pertinents et compréhensibles. Le contenu des peintures ressemblait à celui de livres de plusieurs pages et était particulièrement apprécié pour cela. Mais il existe un concept qui n'est pas moins impressionnant tant pour les connaisseurs modernes que pour les amateurs d'art. C'est ce qu'on appelle une «nature morte tonale», et l'essentiel est la plus haute compétence technique, une couleur incroyablement raffinée, une habileté étonnante à transmettre les nuances subtiles de l'éclairage.

Ces qualités sont tout à fait cohérentes avec les peintures de deux grands maîtres, dont les peintures sont considérées parmi les meilleurs exemples de natures mortes tonales : Peter Claes et Willem Claes Heed. Ils ont choisi des compositions à partir d'un petit nombre d'objets, dépourvus de couleurs vives et un caractère décoratif particulier, qui ne les a pas empêchés de créer des objets d'une beauté et d'une expressivité étonnantes, dont la valeur ne diminue pas avec le temps.

Vanité

Le thème de la fragilité de la vie, de l’égalité avant la mort du roi et du mendiant, était très populaire dans la littérature et la philosophie de cette époque de transition. Et en peinture, cela s'exprimait dans des peintures représentant des scènes dans lesquelles l'élément principal était le crâne. Ce genre est appelé vanitas - du latin « vanité des vanités ». La popularité des natures mortes, semblables aux traités philosophiques, a été facilitée par le développement de la science et de l'éducation, dont le centre était l'université de Leiden, célèbre dans toute l'Europe.

La vanité occupe une place importante dans les œuvres de nombreux maîtres hollandais de l'époque : Jacob de Gein le Jeune, David Gein, Harmen Steenwijk et d'autres. Les meilleurs exemples de « vanité » ne sont pas de simples histoires d'horreur, ils n'évoquent pas l'horreur inconsciente, mais une contemplation calme et sage, remplie de pensées sur les choses les plus questions importantesêtre.

Peintures trompeuses

Les peintures sont la décoration la plus populaire de l'intérieur néerlandais depuis la fin du Moyen Âge, que la population croissante des villes pouvait se permettre. Pour intéresser les acheteurs, les artistes ont eu recours à diverses astuces. Si leur compétence le permettait, ils créaient du « trompe-l'œil » ou « trompe-l'œil » du trompe-l'œil français - une illusion d'optique. Le fait était qu'il s'agissait d'une nature morte typiquement hollandaise - des fleurs et des fruits morts. des oiseaux et des poissons, ou des objets liés à la science - livres, instruments d'optique, etc. - contenaient une illusion complète de réalité. Un livre qui a quitté l'espace de l'image et est sur le point de tomber, une mouche qui s'est posée sur un objet. vase que l'on a envie de claquer - sujets typiques pour une peinture leurre.

Les peintures des plus grands maîtres de la nature morte en trompe-l'œil - Gérard Dou, Samuel van Hoogstraten et d'autres - représentent souvent une niche encastrée dans le mur avec des étagères sur lesquelles se trouvent une masse de choses diverses. L'habileté technique de l'artiste à transmettre les textures et les surfaces, la lumière et les ombres était si grande que la main elle-même tendait la main vers un livre ou un verre.

Heure de l'apogée et du coucher du soleil

À milieu du XVIIe siècle siècle, les principales variétés de natures mortes dans les peintures des maîtres hollandais atteignent leur apogée. Les natures mortes « luxueuses » deviennent populaires, car le bien-être des bourgeois augmente et les plats riches, les tissus précieux et l'abondance de nourriture ne semblent pas étrangers à l'intérieur d'une maison de ville ou d'un riche domaine rural.

Les tableaux grossissent, ils étonnent par le nombre de textures différentes. Dans le même temps, les auteurs recherchent des moyens d'augmenter le divertissement du spectateur. Pour y parvenir, la nature morte traditionnelle hollandaise - avec des fruits et des fleurs, des trophées de chasse et des plats en matériaux divers - est complétée par des insectes exotiques ou de petits animaux et oiseaux. En plus de créer les associations allégoriques habituelles, l'artiste les introduisait souvent simplement pour le plaisir de Émotions positives, pour augmenter l'attrait commercial de la parcelle.

Les maîtres de la « nature morte luxueuse » - Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, François Reichals, Willem Kalf - sont devenus les précurseurs de l'époque à venir, où l'augmentation de la décoration et la création d'une impression impressionnante sont devenues importantes.

Fin de l'âge d'or

Les priorités et les modes ont changé, l'influence des dogmes religieux sur le choix des sujets des peintres est progressivement devenue une chose du passé, et le concept même de l'âge d'or que connaissait la peinture hollandaise est devenu une chose du passé. Les natures mortes sont entrées dans l’histoire de cette époque comme l’une des pages les plus importantes et les plus impressionnantes.

À l'aide de l'exemple du tableau "Petit déjeuner au jambon" de Pieter Claes, parlons de la nature morte hollandaise.
Il montre une table recouverte d'une nappe blanche. Au centre de la nature morte se trouve un plat de jambon rose. Le jambon a un bord fraîchement coupé. Un couteau au beau manche sculpté se trouve à proximité sur le même plat. À droite du plat, vous pouvez voir une branche d’olivier avec des pêches dessus. Des points noirs sont visibles à la surface du fruit. Ce sont des traces de vers. A gauche du plat se trouve un verre de vin. Des reflets lumineux sur les parois d'un verre animent l'image. À côté du verre se trouve une cruche en cuivre avec un couvercle ouvert. La branche de raisin, représentée à côté du verre et de la cruche, semble encercler les deux récipients. Sur le bord de la table, l'artiste a représenté une assiette de métal avec du pain dont la croûte dorée attire le regard. Des noix sont éparpillées sur la nappe blanche, dont certaines sont déjà craquelées. Le désordre apparent suggère un sentiment de présence humaine récente.

Avec une habileté étonnante, l'artiste transmet la couleur de chaque objet. Une palette de tons olive grisâtre-doré sobre unifie les pièces. Chacun des objets est situé de manière à ce que le spectateur puisse percevoir sa texture, son volume et ses moindres détails. L'artiste restitue parfaitement la texture de chaque objet : le velouté des pêches, la surface mate et humide des raisins, la transparence du verre, la jutosité du jambon. Les contours arrondis des plats, des verres et des récipients se croisent et leur rythme doux transmet harmonie et intégrité. En regardant la photo, on a une sensation d’équilibre instable. L'assiette de pain est sur le point de tomber. Le centre de composition est sans aucun doute le plat au jambon. C'est le point le plus lumineux de l'image. L'artiste représente ce sujet avec réalisme. La nappe ne recouvre pas complètement toute la table. Là où la nappe n'atteint pas, une simple table en bois est visible, sans aucun ornement. En utilisant le contraste des couleurs, l'artiste expose la réalité.

Natalia MARKOVA,
Chef du département graphique du Musée des Beaux-Arts Pouchkine. A, S, Pouchkine

Nature morte en Hollande au XVIIe siècle

On peut dire que le temps a agi comme un objectif de caméra : avec un changement de distance focale, l'échelle de l'image changeait jusqu'à ce que seuls les objets restent dans le cadre, et l'intérieur et les personnages soient expulsés de l'image. Les « cadres de natures mortes » se retrouvent dans de nombreuses peintures Artistes néerlandais XVIe siècle Il est facile de le représenter sous la forme peinture indépendante dresser la table du Portrait de famille de Martin van Heemskerck (vers 1530. Musées d'État

, Kassel) ou un vase avec des fleurs de la composition de Jan Brueghel l'Ancien. Jan Brueghel lui-même a fait quelque chose de similaire en écrivant au tout début du XVIIe siècle. les premières natures mortes de fleurs indépendantes. Ils sont apparus vers 1600 – cette époque est considérée comme la date de naissance du genre.

Martin van Heemskerk. Portrait de famille. Fragment. D'ACCORD. 1530. Musées d'État, Kassel. À ce moment là Ô il n'y avait pas encore moyen de le définir. Le terme « nature morte » est né en France au XVIIIe siècle. et traduit littéralement signifie « nature morte », « nature morte » (nature morte). En Hollande, les peintures représentant des objets étaient appelées « stilleven », ce qui peut être traduit à la fois par « nature morte, modèle » et par « vie tranquille », ce qui traduit avec beaucoup plus de précision les spécificités de la nature morte hollandaise. Mais ça n'est entré en service qu'à partir de 1650, et avant cette époque, les peintures étaient appelées selon le sujet de l'image : b lumentopf - un vase avec des fleurs, banketje - une table dressée, fruytage - des fruits, toebackje - des natures mortes avec des accessoires pour fumeurs, doodshoofd - des tableaux avec un crâne. Cette liste montre déjà à quel point la variété des objets représentés était grande.

En effet, tout le monde objectif qui les entourait semblait se répandre sur les peintures des artistes hollandais.

Abraham van Beuren. Nature morte aux homards. XVIIe siècle. Kunsthaus, Zurich Dans le domaine de l'art, cela signifiait une révolution non moins que celle que les Néerlandais ont faite dans le domaine économique et social, après avoir conquis leur indépendance du pouvoir de l'Espagne catholique et créé le premierÉtat démocratique

. Alors que leurs contemporains d'Italie, de France et d'Espagne se concentraient sur la création d'immenses compositions religieuses pour les autels d'églises, de peintures et de fresques sur des sujets de la mythologie antique pour les salles des palais, les Néerlandais peignaient de petites peintures avec des vues de coins de leur paysage natal, des danses à un rythme fête de village ou concert à domicile dans une maison bourgeoise, scènes dans une taverne rurale, dans la rue ou dans une maison de réunion, tables dressées avec petit-déjeuner ou dessert, c'est-à-dire une nature « basse », sans prétention, non éclipsée par l'ancienne ou Tradition poétique de la Renaissance, sauf peut-être la poésie hollandaise contemporaine. Le contraste avec le reste de l’Europe était saisissant. Les peintures étaient rarement créées sur commande, mais étaient pour la plupart vendues librement sur les marchés pour tout le monde et étaient destinées à décorer les pièces des maisons des citadins, et même des ruraux - ceux qui étaient les plus riches. Plus tard, au XVIIIe et XIXème siècles , lorsque la vie en Hollande devint plus difficile et plus rare, ces collections de peintures domestiques furent largement vendues aux enchères et achetées avec impatience pour les collections royales et aristocratiques dans toute l'Europe, d'où elles migrèrent finalement vers les plus grands musées paix. Quand à milieu du 19ème

V. les artistes du monde entier se sont tournés vers la représentation de la réalité qui les entourait, des peintures de maîtres hollandais du XVIIe siècle. leur a servi de modèle dans tous les genres. Jan Venix. Nature morte au paon blanc. 1692.

Une caractéristique de la peinture hollandaise était la spécialisation des artistes par genre. Dans le genre des natures mortes, il y avait même une division en thèmes distincts, et différentes villes avaient leurs propres types de natures mortes préférés, et si un peintre déménageait dans une autre ville, il changeait souvent brusquement d'art et commençait à peindre ces variétés. du genre qui étaient populaires à cet endroit.

Haarlem est devenu le berceau de aspect caractéristique Nature morte hollandaise - « petit-déjeuner ». Les peintures de Peter Claes représentent une table dressée avec des plats et des plats. Une assiette en fer blanc, un hareng ou du jambon, un petit pain, un verre de vin, une serviette froissée, un citron ou une branche de raisin, des couverts - la sélection maigre et précise des articles donne l'impression d'une table dressée pour une personne. La présence d'une personne est indiquée par le désordre « pittoresque » introduit dans l'agencement des choses, et par l'atmosphère d'un intérieur résidentiel cosy, obtenue par la transmission d'un environnement lumière-air. Le ton gris-brunâtre dominant unit les objets en une seule image, tandis que la nature morte elle-même devient le reflet des goûts et du style de vie individuels d’une personne.

Un autre habitant de Haarlem, Willem Heda, a travaillé dans la même veine que Klas. La coloration de ses peintures est toujours dans une plus grande mesure subordonné à l'unité tonale, il est dominé par un ton gris-argenté, fixé par l'image d'ustensiles en argent ou en étain. En raison de cette sobriété colorée, les peintures ont commencé à être appelées « petits déjeuners monochromes ».

Abraham van Beuren. Petit-déjeuner. 17ème siècle Musée Pouchkine im. Pouchkine, Moscou

À Utrecht, des natures mortes florales luxuriantes et élégantes se sont développées. Ses principaux représentants sont Jan Davids de Heem, Justus van Huysum et son fils Jan van Huysum, devenu particulièrement célèbre pour son écriture soignée et ses couleurs claires.

À La Haye, centre de la pêche maritime, Pieter de Putter et son élève Abraham van Beyeren ont perfectionné la représentation des poissons et autres habitants de la mer ; la couleur de leurs peintures scintille de l'éclat des écailles, dans lesquelles des taches de rose, de rouge et les couleurs bleues clignotent.

L'Université de Leiden a créé et amélioré le type de nature morte philosophique « vanitas » (vanité des vanités). Dans les tableaux de Harmen van Steenwijk et de Jan Davids de Heem, des objets incarnant la gloire et la richesse terrestres (armures, livres, attributs de l'art, ustensiles précieux) ou les plaisirs sensuels (fleurs, fruits) sont juxtaposés à un crâne ou un sablier en guise de rappel. de la fugacité de la vie. Une nature morte de « cuisine » plus démocratique est née à Rotterdam dans l'œuvre de Floris van Schoten et François Reykhals, et ses meilleures réalisations sont associées aux noms des frères Cornelis et Herman Saftleven.

Au milieu du siècle, le thème des « petits déjeuners » modestes se transforme dans les œuvres de Willem van Aalst, Jurian van Streck et surtout Willem Kalf et Abraham van Beyeren en luxueux « banquets » et « desserts ». Gobelets dorés, porcelaines chinoises et faïences de Delft, nappes en tapis, fruits du sud soulignent le goût de la grâce et de la richesse qui s'est imposé dans la société néerlandaise au milieu du siècle. En conséquence, les petits-déjeuners « monochromes » sont remplacés par une saveur juteuse, riche en couleurs et dorée. L'influence du clair-obscur de Rembrandt fait briller les couleurs des peintures de Kalf de l'intérieur, poétisant ainsi le monde objectif.

Willem Kalf. Nature morte à la coupe nautile et au bol en porcelaine chinoise. Musée Thyssen - Bornemisza, Madrid Les maîtres de la représentation des « trophées de chasse » et des « enclos à volailles » étaient Jan-Baptiste Wenix, son fils Jan Wenix et Melchior de Hondecoeter. Ce type de nature morte s'est surtout répandu dans la seconde moitié - fin du siècle en lien avec l'aristocratie des bourgeois : l'implantation de domaines et le divertissement de la chasse. Peinture deux derniers artistes

montre une augmentation du caractère décoratif, de la couleur et du désir d'effets extérieurs. L'étonnante capacité des peintres hollandais à transmettre le monde matériel dans toute sa richesse et sa diversité a été appréciée non seulement par les contemporains, mais aussi par les Européens des XVIIIe et XIXe siècles, qu'ils ont vu dans les natures mortes, d'abord et seulement cette brillante maîtrise de l'art ; véhiculer la réalité. ces images étaient pleines de sens, elles offraient de la nourriture non seulement aux yeux, mais aussi à l'esprit. Les peintures sont entrées dans un dialogue avec le public, leur racontant des vérités morales importantes, leur rappelant la tromperie des joies terrestres, la futilité des aspirations humaines, orientant leurs pensées vers des réflexions philosophiques sur le sens de la vie humaine.