सामग्री के आधार पर पेंटिंग के प्रकारों की सूची बनाएं। पेंटिंग, शैलियों, शैलियों, विभिन्न तकनीकों और दिशाओं के उदाहरण

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परिचय

1. पेंटिंग के प्रकार

2. चित्रकला और उसकी शैलियाँ

निष्कर्ष

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परिचय

"पेंटिंग" शब्द "स्पष्ट रूप से" और "लिखो" शब्दों से बना है। डाहल बताते हैं, "पेंट करना," ब्रश या शब्दों, एक पेन के साथ ईमानदारी से और स्पष्ट रूप से चित्रित करना। चित्रकार के लिए, सही ढंग से चित्रण करने का मतलब है कि उसने जो देखा उसके बाहरी स्वरूप और उसकी सबसे महत्वपूर्ण विशेषताओं को सटीक रूप से व्यक्त करना। ग्राफिक माध्यमों - लाइन और टोन का उपयोग करके उन्हें सही ढंग से व्यक्त करना संभव था। लेकिन इन सीमित साधनों से आस-पास की दुनिया के बहुरंगापन, किसी वस्तु की रंगीन सतह के हर सेंटीमीटर में जीवन की धड़कन, इस जीवन का आकर्षण और निरंतर गति और परिवर्तन को स्पष्ट रूप से व्यक्त करना असंभव है। चित्रकारी, ललित कला के प्रकारों में से एक, वास्तविक दुनिया के रंग को सच्चाई से प्रतिबिंबित करने में मदद करती है।

रंग - पेंटिंग में मुख्य दृश्य और अभिव्यंजक साधन - स्वर, संतृप्ति और हल्कापन है; ऐसा लगता है कि यह किसी वस्तु की सभी विशेषताओं को समग्र रूप से विलीन कर देता है: वह दोनों जो एक रेखा द्वारा चित्रित किया जा सकता है और जो उसके लिए अप्राप्य है।

पेंटिंग, ग्राफिक्स की तरह, हल्की और गहरी रेखाओं, स्ट्रोक और धब्बों का उपयोग करती है, लेकिन इसके विपरीत, ये रेखाएं, स्ट्रोक और धब्बे रंगीन होते हैं। वे चकाचौंध और चमकदार रोशनी वाली सतहों के माध्यम से प्रकाश स्रोत के रंग को व्यक्त करते हैं, विषय (स्थानीय) रंग और पर्यावरण द्वारा प्रतिबिंबित रंग के साथ एक त्रि-आयामी रूप बनाते हैं, स्थानिक संबंध और गहराई स्थापित करते हैं, और वस्तुओं की बनावट और भौतिकता को चित्रित करते हैं।

पेंटिंग का कार्य न केवल कुछ दिखाना है, बल्कि जो दर्शाया गया है उसके आंतरिक सार को प्रकट करना, "विशिष्ट परिस्थितियों में विशिष्ट पात्रों" को पुन: पेश करना भी है। इसलिए, जीवन की घटनाओं का सच्चा कलात्मक सामान्यीकरण यथार्थवादी चित्रकला की नींव का आधार है।

1. पेंटिंग के प्रकार

स्मारकीय पेंटिंग- यह एक विशेष प्रकार की पेंटिंग है बड़े पैमाने पर, वास्तुशिल्प संरचनाओं की दीवारों और छतों को सजाना। यह प्रमुख की सामग्री को प्रकट करता है सामाजिक घटनाएँ, किसने प्रदान किया सकारात्मक प्रभावसमाज के विकास के लिए, उनका महिमामंडन करता है और उन्हें कायम रखता है, लोगों को देशभक्ति, प्रगति और मानवता की भावना में शिक्षित करने में मदद करता है। स्मारकीय पेंटिंग की सामग्री की उदात्तता, इसके कार्यों का महत्वपूर्ण आकार और वास्तुकला के साथ संबंध के लिए बड़े रंग द्रव्यमान, सख्त सादगी और रचना की संक्षिप्तता, आकृति की स्पष्टता और प्लास्टिक रूप की व्यापकता की आवश्यकता होती है।

सजावटी पेंटिंगइमारतों और अंदरूनी हिस्सों को रंगीन पैनलों के रूप में सजाने के लिए उपयोग किया जाता है, जो यथार्थवादी छवियों के साथ दीवार के माध्यम से तोड़ने का भ्रम पैदा करते हैं, कमरे के आकार को दृष्टि से बढ़ाते हैं, या, इसके विपरीत, जानबूझकर चपटे रूपों का उपयोग करके, वे समतलता का दावा करते हैं दीवार और स्थान का घेरा। पैटर्न, पुष्पमालाएं, मालाएं और अन्य प्रकार की सजावट जो स्मारकीय पेंटिंग और मूर्तिकला के कार्यों को सुशोभित करते हैं, इंटीरियर के सभी तत्वों को एक साथ जोड़ते हैं, वास्तुकला के साथ उनकी सुंदरता और स्थिरता पर जोर देते हैं।

नाटकीय और सजावटी पेंटिंग(कलाकार के रेखाचित्रों के अनुसार बनाए गए दृश्यावली, वेशभूषा, श्रृंगार, प्रॉप्स) प्रदर्शन की सामग्री को और अधिक प्रकट करने में मदद करते हैं। दृश्यों को समझने के लिए विशेष नाटकीय परिस्थितियों में दर्शकों के कई दृष्टिकोणों, उनकी लंबी दूरी, कृत्रिम प्रकाश व्यवस्था और रंगीन बैकलाइट के प्रभाव को ध्यान में रखना आवश्यक है। दृश्यावली कार्रवाई के स्थान और समय का अंदाजा देती है, और मंच पर क्या हो रहा है, इसके बारे में दर्शकों की धारणा को सक्रिय करती है। थिएटर कलाकार पात्रों के व्यक्तिगत चरित्र, उनकी सामाजिक स्थिति, युग की शैली और वेशभूषा और श्रृंगार के रेखाचित्रों में बहुत कुछ व्यक्त करने का प्रयास करता है।

लघु चित्रकारीप्राप्त महान विकासमध्य युग में, मुद्रण के आविष्कार से पहले। हस्तलिखित पुस्तकों को बेहतरीन हेडपीस, अंत और विस्तृत लघु चित्रों से सजाया गया था। 19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध के रूसी कलाकारों ने छोटे (मुख्य रूप से जलरंग) चित्र बनाने के लिए लघु चित्रकला तकनीक का कुशलतापूर्वक उपयोग किया। शुद्ध गहरे जल रंग के रंग, उनके उत्तम संयोजन, लेखन की उत्कृष्ट सुंदरता इन चित्रों को अलग करती है, अनुग्रह और बड़प्पन से भरपूर।

चित्रफलक पेंटिंग, एक मशीन पर प्रदर्शन किया जाता है - एक चित्रफलक, सामग्री के आधार के रूप में लकड़ी, कार्डबोर्ड, कागज का उपयोग करता है, लेकिन अक्सर कैनवास एक स्ट्रेचर पर फैला होता है। एक चित्रफलक पेंटिंग, एक स्वतंत्र कार्य होने के नाते, बिल्कुल सब कुछ चित्रित कर सकती है: कलाकार द्वारा तथ्यात्मक और काल्पनिक, निर्जीव वस्तुएं और लोग, आधुनिकता और इतिहास - एक शब्द में, अपनी सभी अभिव्यक्तियों में जीवन। ग्राफिक्स के विपरीत, चित्रफलक पेंटिंग में रंगों की प्रचुरता होती है, जो भावनात्मक, मनोवैज्ञानिक, बहुआयामी और सूक्ष्मता से हमारे आसपास की दुनिया की सुंदरता को व्यक्त करने में मदद करती है।

तकनीक और निष्पादन के साधनों के आधार पर, पेंटिंग को तेल, टेम्परा, फ्रेस्को, मोम, मोज़ेक, सना हुआ ग्लास, जल रंग, गौचे और पेस्टल में विभाजित किया गया है। ये नाम बाइंडर से या सामग्री और तकनीकी साधनों के उपयोग की विधि से आते हैं।

तैल चित्रपेंट को रगड़कर किया गया वनस्पति तेल. गाढ़ा रंगजब इसमें तेल या विशेष थिनर और वार्निश मिलाए जाते हैं, तो यह द्रवीकृत हो जाता है। ऑइल पेन्टआप कैनवास, लकड़ी, कार्डबोर्ड, कागज, धातु पर काम कर सकते हैं।

टेम्पेरेपेंटिंग अंडे की जर्दी या कैसिइन से तैयार पेंट से की जाती है। टेम्पेरा पेंट को पानी में घोलकर दीवार, कैनवास, कागज, लकड़ी पर पेस्ट या तरल पदार्थ लगाया जाता है। रूस में, टेम्परा का उपयोग रोजमर्रा की वस्तुओं पर दीवार पेंटिंग, आइकन और पैटर्न बनाने के लिए किया जाता था। आजकल, टेम्परा का उपयोग पेंटिंग और ग्राफिक्स, सजावटी और व्यावहारिक कलाओं और कलात्मक डिजाइन में किया जाता है।

फ्रेस्को पेंटिंगपानी आधारित पेंट के साथ गीले प्लास्टर पर लागू स्मारकीय और सजावटी रचनाओं के रूप में आंतरिक सज्जा को सजाता है। फ़्रेस्को की सतह सुखद मैट है और यह इनडोर परिस्थितियों में टिकाऊ है।

मोम पेंटिंग(एंकास्टिक) का उपयोग प्राचीन मिस्र के कलाकारों द्वारा भी किया जाता था, जैसा कि प्रसिद्ध "फयूम पोर्ट्रेट्स" (पहली शताब्दी ईस्वी) से प्रमाणित होता है। मटमैला पेंटिंग में बांधने की मशीन प्रक्षालित मोम है। मोम के पेंट को पिघली हुई अवस्था में गर्म आधार पर लगाया जाता है, जिसके बाद उन्हें जला दिया जाता है।

मोज़ेक पेंटिंग, या मोज़ेक, स्माल्ट या रंगीन पत्थरों के अलग-अलग टुकड़ों से इकट्ठा किया जाता है और एक विशेष सीमेंट प्राइमर पर तय किया जाता है। पारदर्शी स्माल्ट, विभिन्न कोणों पर जमीन में डाला जाता है, प्रकाश को प्रतिबिंबित या अपवर्तित करता है, जिससे रंग भड़क जाता है और चमक जाता है। मोज़ेक पैनल मेट्रो में, थिएटर और संग्रहालय के अंदरूनी हिस्सों आदि में पाए जा सकते हैं। सना हुआ ग्लास पेंटिंग सजावटी कला का एक काम है जिसका उद्देश्य किसी भी खिड़की के उद्घाटन को सजाना है। स्थापत्य संरचना. सना हुआ ग्लास एक मजबूत धातु फ्रेम द्वारा एक साथ रखे गए रंगीन ग्लास के टुकड़ों से बनाया जाता है। चमकदार प्रवाह, रंगीन कांच की खिड़की की रंगीन सतह को तोड़ते हुए, आंतरिक रूप से फर्श और दीवारों पर सजावटी रूप से शानदार, बहु-रंगीन पैटर्न बनाता है।

2. चित्रकला और उसकी शैलियाँ

पेंटिंग की शैलियाँ (फ्रांसीसी शैली - जीनस, प्रकार) छवि के विषयों और वस्तुओं के अनुसार पेंटिंग के कार्यों का एक ऐतिहासिक रूप से स्थापित विभाजन है। आधुनिक चित्रकला में निम्नलिखित शैलियाँ हैं: चित्रांकन, ऐतिहासिक, पौराणिक, युद्ध, रोजमर्रा, परिदृश्य, स्थिर जीवन, पशुवत शैली।

यद्यपि पेंटिंग में "शैली" की अवधारणा अपेक्षाकृत हाल ही में दिखाई दी, कुछ शैली अंतर प्राचीन काल से ही मौजूद हैं: पुरापाषाण गुफाओं में जानवरों की छवियां, 3 हजार ईसा पूर्व के प्राचीन मिस्र और मेसोपोटामिया के चित्र, हेलेनिस्टिक और रोमन मोज़ाइक में परिदृश्य और अभी भी जीवन और भित्तिचित्र. चित्रफलक चित्रकला में एक प्रणाली के रूप में शैली का गठन यूरोप में 15वीं-15वीं शताब्दी में शुरू हुआ। और मुख्य रूप से 17वीं शताब्दी में समाप्त हुआ, जब ललित कला को शैलियों में विभाजित करने के अलावा, छवि, विषय, कथानक के विषय के आधार पर "उच्च" और "निम्न" शैलियों की अवधारणा सामने आई।

"उच्च" शैली में ऐतिहासिक और पौराणिक शैलियाँ शामिल थीं, और "निम्न" शैली में चित्र, परिदृश्य और स्थिर जीवन शामिल थे। शैलियों का यह क्रम 19वीं शताब्दी तक अस्तित्व में था। इस प्रकार, हॉलैंड में 17वीं शताब्दी में, यह वास्तव में "निम्न" शैलियाँ थीं जो चित्रकला (परिदृश्य) में अग्रणी बन गईं। रोजमर्रा की शैली, स्थिर जीवन), और औपचारिक चित्र, जो औपचारिक रूप से चित्रांकन की "निम्न" शैली से संबंधित था, उससे संबंधित नहीं था।

जीवन को प्रदर्शित करने का एक रूप बनकर, चित्रकला की शैलियाँ, अपनी संपूर्ण स्थिरता के साथ, सामान्य सुविधाएंअपरिवर्तनीय नहीं हैं, वे जीवन के साथ-साथ विकसित होते हैं, कला के विकसित होने के साथ-साथ बदलते रहते हैं। कुछ शैलियाँ समाप्त हो जाती हैं या एक नया अर्थ ले लेती हैं (उदाहरण के लिए, पौराणिक शैली), नई शैलियाँ उत्पन्न होती हैं, आमतौर पर पहले से मौजूद शैलियों के भीतर (उदाहरण के लिए, परिदृश्य शैली के भीतर) वास्तुशिल्प परिदृश्यऔर मरीना)। ऐसे कार्य दिखाई देते हैं जो गठबंधन करते हैं विभिन्न शैलियाँ(उदाहरण के लिए, एक परिदृश्य के साथ रोजमर्रा की शैली का संयोजन, एक ऐतिहासिक शैली के साथ एक समूह चित्र)।

ललित कला की वह शैली जो किसी व्यक्ति या लोगों के समूह के बाहरी और आंतरिक स्वरूप को दर्शाती है, कहलाती है चित्र. यह शैली न केवल चित्रकला में, बल्कि मूर्तिकला, ग्राफिक्स आदि में भी व्यापक है। किसी चित्र के लिए मुख्य आवश्यकताएँ प्रतिपादन हैं बाह्य समानताऔर आंतरिक दुनिया का रहस्योद्घाटन, किसी व्यक्ति के चरित्र का सार। छवि की प्रकृति के आधार पर, दो मुख्य समूह प्रतिष्ठित हैं: औपचारिक और कक्ष चित्र। औपचारिक चित्रकिसी वास्तुशिल्प या भूदृश्य पृष्ठभूमि में एक व्यक्ति को पूर्ण विकास (घोड़े पर, खड़े या बैठे) में दिखाता है। एक चैम्बर चित्र तटस्थ पृष्ठभूमि पर आधी लंबाई या छाती-लंबाई वाली छवि का उपयोग करता है। स्व-चित्र एक विशेष समूह में सामने आता है - कलाकार का स्वयं का चित्रण।

पोर्ट्रेट ललित कला की सबसे पुरानी शैलियों में से एक है; प्रारंभ में इसका एक पंथ उद्देश्य था और इसकी पहचान मृतक की आत्मा से की जाती थी। प्राचीन दुनिया में, चित्रांकन मूर्तिकला के साथ-साथ चित्रकला चित्रों में भी अधिक विकसित हुआ - पहली-तीसरी शताब्दी के फ़य्यूम चित्र। मध्य युग में, चित्र की अवधारणा को सामान्यीकृत छवियों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, हालांकि भित्तिचित्रों, मोज़ेक, आइकन और लघुचित्रों में ऐतिहासिक आंकड़ों के चित्रण में कुछ व्यक्तिगत विशेषताएं थीं। स्वर्गीय गोथिक और पुनर्जागरण चित्र के विकास का एक तीव्र काल है, जब चित्र शैली का निर्माण होता है, मनुष्य में मानवतावादी विश्वास और उसके आध्यात्मिक जीवन की समझ की ऊंचाइयों तक पहुंचता है।

ऐतिहासिक घटनाओं और पात्रों को समर्पित ललित कला की एक शैली कहलाती है ऐतिहासिक शैली. दीवार पेंटिंग में ऐतिहासिक शैली, जो स्मारकीयता की विशेषता है, लंबे समय से विकसित हो रही है। पुनर्जागरण से 19वीं सदी तक. कलाकारों ने विषयों का उपयोग किया प्राचीन पौराणिक कथा, ईसाई किंवदंतियाँ। अक्सर वास्तविक ऐतिहासिक घटनाएँपेंटिंग में चित्रित पात्र पौराणिक या बाइबिल के रूपक पात्रों से भरे हुए थे।

ऐतिहासिक शैली दूसरों के साथ जुड़ी हुई है - रोजमर्रा की शैली (ऐतिहासिक और रोजमर्रा के दृश्य), चित्र (अतीत के ऐतिहासिक आंकड़ों का चित्रण, चित्र-ऐतिहासिक रचनाएं), परिदृश्य ("ऐतिहासिक परिदृश्य"), और युद्ध शैली के साथ विलय।

ऐतिहासिक शैली चित्रफलक और स्मारकीय रूपों, लघुचित्रों और चित्रों में सन्निहित है। प्राचीन काल में उत्पन्न, ऐतिहासिक शैली ने वास्तविक ऐतिहासिक घटनाओं को मिथकों के साथ जोड़ा। प्राचीन पूर्व के देशों में, यहां तक ​​कि प्रकार की प्रतीकात्मक रचनाएं भी थीं (सम्राट की सैन्य जीत की एपोथेसिस, एक देवता द्वारा उसे सत्ता का हस्तांतरण) और चित्रों और राहतों के कथा चक्र। प्राचीन ग्रीस में मूर्तियाँ थीं ऐतिहासिक नायक, प्राचीन रोम में सैन्य अभियानों और विजय के दृश्यों के साथ राहतें बनाई गईं।

यूरोप में मध्य युग में, ऐतिहासिक घटनाएं लघु इतिहास और चिह्नों में परिलक्षित होती थीं। चित्रफलक चित्रकला में ऐतिहासिक शैली 17वीं-18वीं शताब्दी में पुनर्जागरण के दौरान यूरोप में आकार लेना शुरू हुई। इसे एक "उच्च" शैली के रूप में माना जाता था, जो (धार्मिक, पौराणिक, रूपक, ऐतिहासिक विषयों) पर प्रकाश डालती थी।

ऐतिहासिक शैली की पेंटिंग नाटकीय सामग्री, उच्च सौंदर्य आदर्शों और मानवीय रिश्तों की गहराई से भरी हुई थीं।

ललित कला की शैली, नायकों को समर्पितऔर वे घटनाएँ जिनके बारे में प्राचीन लोगों के मिथक बताते हैं, कहलाती हैं पौराणिक शैली(ग्रीक मिथोस से - किंवदंती)। पौराणिक शैली ऐतिहासिक के संपर्क में आती है और पुनर्जागरण के दौरान आकार लेती है, जब प्राचीन किंवदंतियों ने जटिल नैतिक, अक्सर प्रतीकात्मक अर्थ वाली कहानियों और पात्रों के अवतार के लिए समृद्ध अवसर प्रदान किए। 17वीं सदी में -- शुरुआत 19वीं शताब्दी में, पौराणिक शैली के कार्यों में, नैतिक और सौंदर्य समस्याओं की सीमा का विस्तार हुआ, जो उच्च कलात्मक आदर्शों में सन्निहित थे और या तो जीवन के करीब आए या उत्सव का तमाशा बनाया। 19वीं-20वीं सदी से. जर्मनिक, सेल्टिक, भारतीय और स्लाविक मिथकों के विषय लोकप्रिय हो गए।

युद्ध शैली(फ्रांसीसी बटैले से - लड़ाई) पेंटिंग की एक शैली है जो ऐतिहासिक, पौराणिक शैली का हिस्सा है और लड़ाई, सैन्य कारनामे, सैन्य संचालन, सैन्य वीरता का महिमामंडन, युद्ध का क्रोध और जीत की विजय को चित्रित करने में माहिर है। युद्ध शैली में अन्य शैलियों के तत्व शामिल हो सकते हैं - घरेलू, चित्र, परिदृश्य, पशुवत, स्थिर जीवन।

ललित कला की वह शैली जो किसी व्यक्ति के रोजमर्रा, व्यक्तिगत जीवन, किसान और शहरी जीवन से लेकर रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य दिखाती है, कहलाती है रोजमर्रा की शैली. लोगों के जीवन और नैतिकता के प्रति आकर्षण पहले से ही प्राचीन पूर्व के चित्रों और राहतों में, प्राचीन फूलदान पेंटिंग और मूर्तिकला में, मध्ययुगीन चिह्नों और घंटों की किताबों में पाए जाते हैं। लेकिन रोजमर्रा की शैली सामने आई और धर्मनिरपेक्ष चित्रफलक कला की एक घटना के रूप में ही विशिष्ट रूप प्राप्त किया। इसकी मुख्य विशेषताएं 14वीं-15वीं शताब्दी में आकार लेना शुरू हुईं। नीदरलैंड, जर्मनी, फ्रांस में वेदी पेंटिंग, राहत, टेपेस्ट्री, लघुचित्र में। 16वीं शताब्दी में नीदरलैंड में रोजमर्रा की शैली तेजी से विकसित होने लगी और अलग-थलग पड़ गई। इसके संस्थापकों में से एक हिरोनिमस बॉश था।

यूरोप में रोजमर्रा की शैली का विकास पीटर ब्रूगल के काम से काफी प्रभावित था: वह शुद्ध रोजमर्रा की शैली की ओर बढ़ते हैं, दिखाते हैं कि रोजमर्रा की जिंदगी अध्ययन की वस्तु और सुंदरता का स्रोत हो सकती है। 17वीं सदी को यूरोप के सभी चित्रकला विद्यालयों में रोजमर्रा की शैली की सदी कहा जा सकता है।

18वीं सदी में फ़्रांस में शैली पेंटिगवीरतापूर्ण दृश्यों, "देहाती" के चित्रण के साथ जुड़ा हुआ, यह परिष्कृत और सुंदर, विडंबनापूर्ण हो जाता है। रोजमर्रा की शैली के कार्य विविध थे: उन्होंने घरेलू जीवन की गर्माहट और दूर देशों की विदेशीता, भावुक अनुभव और रोमांटिक जुनून दिखाया। रोजमर्रा की शैली, जो किसान जीवन और एक शहरवासी के जीवन को दिखाने पर केंद्रित थी, रूसी में विशद रूप से विकसित हुई 19वीं सदी की पेंटिंगसी.: उदाहरण के लिए, ए.जी. वेनेत्सियानोव, पी.ए. फेडोटोव, वी.जी. पेरोव, आई.ई.

ललित कला की एक शैली, जहाँ मुख्य बात प्रकृति, पर्यावरण, दृश्यों का चित्रण है ग्रामीण इलाकों, शहर, ऐतिहासिक स्मारक, बुलाया परिदृश्य(फ्रेंच भुगतान)। यहां ग्रामीण, शहरी, वास्तुशिल्प, औद्योगिक, समुद्री (मरीना) और नदी परिदृश्य हैं।

प्राचीन काल और मध्य युग में, परिदृश्य मंदिरों, महलों, चिह्नों और लघुचित्रों के चित्रों में दिखाई देते हैं। यूरोपीय कला में, पुनर्जागरण के वेनिस के चित्रकार प्रकृति के चित्रण की ओर रुख करने वाले पहले व्यक्ति थे। 16वीं सदी से परिदृश्य एक स्वतंत्र शैली बन जाता है, इसकी किस्में और दिशाएँ बनती हैं: गीतात्मक, वीर, वृत्तचित्र परिदृश्य। 19वीं सदी में लैंडस्केप मास्टर्स की रचनात्मक खोजें, सामाजिक मुद्दों के साथ इसकी संतृप्ति, प्लेन एयर का विकास (प्राकृतिक का चित्रण) प्रकृतिक वातावरण) प्रभाववाद की उपलब्धियों में परिणत हुआ, जिसने स्थानिक गहराई, प्रकाश-वायु वातावरण की परिवर्तनशीलता और रंग योजना की जटिलता के सचित्र प्रसारण में नए अवसर प्रदान किए।

ललित कला की एक शैली जो रोजमर्रा के उपयोग की वस्तुओं, श्रम, रचनात्मकता, फूल, फल, मारे गए खेल, पकड़ी गई मछली को वास्तविक रोजमर्रा के वातावरण में रखती है, कहलाती है स्थिर वस्तु चित्रण(फ्रांसीसी प्रकृति मोर्टे - मृत प्रकृति)। फिर भी जीवन जटिल हो सकता है प्रतीकात्मक अर्थ, एक सजावटी पैनल की भूमिका निभाएं, तथाकथित बनें। "ट्रिक", जो वास्तविक वस्तुओं या आकृतियों का भ्रामक पुनरुत्पादन करती है जो वास्तविक प्रकृति की उपस्थिति का प्रभाव उत्पन्न करती है।

वस्तुओं का चित्रण पुरातनता और मध्य युग की कला में जाना जाता है। लेकिन चित्रफलक पेंटिंग में पहला स्थिर जीवन वेनिस के कलाकार जैकोपो डी बारबरी की पेंटिंग "एक तीर और दस्ताने के साथ पार्ट्रिज" माना जाता है। पहले से ही 16वीं शताब्दी में, स्थिर जीवन को कई प्रकारों में विभाजित किया गया था: लोगों के साथ या उनके बिना रसोई का इंटीरियर, ग्रामीण सेटिंग में एक सेट टेबल, प्रतीकात्मक वस्तुओं के साथ "वनिता" (फूलों का फूलदान, एक बुझी हुई मोमबत्ती, संगीत वाद्ययंत्र)। विशेष रूप से धनवान था डच अभी भी जीवन, रंग में और चित्रित चीज़ों में मामूली, लेकिन वस्तुओं की अभिव्यंजक बनावट में, रंग और प्रकाश के खेल में उत्कृष्ट।

जानवरों को दिखाने वाली ललित कला की एक शैली कहलाती है पशुवत शैली(अक्षांश से। पशु - जानवर)। पशु कलाकार जानवर की कलात्मक और आलंकारिक विशेषताओं, उसकी आदतों, आकृति और सिल्हूट की सजावटी अभिव्यक्ति पर ध्यान देता है। अक्सर जानवर मनुष्यों में निहित गुणों, कार्यों और अनुभवों से संपन्न होते हैं। जानवरों की छवियां अक्सर प्राचीन मूर्तिकला और फूलदान पेंटिंग में पाई जाती हैं।

निष्कर्ष

अंत में, आइए उपरोक्त को संक्षेप में प्रस्तुत करें:

पेंटिंग को स्मारकीय, सजावटी, नाटकीय और सजावटी, लघु और चित्रफलक में विभाजित किया गया है।

तकनीक और निष्पादन के साधनों के आधार पर, पेंटिंग को तेल, टेम्परा, फ्रेस्को, मोम, मोज़ेक, सना हुआ ग्लास, जल रंग, गौचे और पेस्टल में विभाजित किया गया है।

आधुनिक चित्रकला में निम्नलिखित शैलियाँ हैं: चित्रांकन, ऐतिहासिक, पौराणिक, युद्ध, रोजमर्रा, परिदृश्य, स्थिर जीवन, पशुवत शैली।

ऐतिहासिक पेंटिंग कुछ ऐतिहासिक क्षणों के साथ-साथ अतीत की सार्वजनिक हस्तियों की छवियां हैं।

बैटल पेंटिंग का उद्देश्य लड़ाइयों, लड़ाइयों और युद्धों को कैद करना है। पौराणिक चित्रकलामिथकों, महाकाव्यों और किंवदंतियों में वर्णित घटनाओं को दर्शाता है।

रोजमर्रा की (शैली) पेंटिंग वास्तविक जीवन के दृश्यों, उसकी वास्तविकताओं और विशेषताओं का चित्रण है।

लैंडस्केप (परिदृश्य) पेंटिंग प्राकृतिक प्रकृति या किसी क्षेत्र की छवि है।

पोर्ट्रेट पेंटिंग - कलात्मक छविव्यक्ति। एक विशिष्ट प्रकार का चित्र स्व-चित्र है।

स्थिर जीवन विभिन्न निर्जीव वस्तुओं की एक छवि है, उदाहरण के लिए, फल, फूल, घरेलू सामान, बर्तन, जिन्हें वास्तविक रोजमर्रा के वातावरण में रखा जाता है और रचनात्मक रूप से एक समूह में व्यवस्थित किया जाता है।

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इंटीरियर पेंटिंग की विशेषताएं, जो कला की एक स्वतंत्र शैली के रूप में और ऐतिहासिक और रोजमर्रा की घटनाओं को चित्रित करने वाले कार्यों में पृष्ठभूमि के रूप में मौजूद है। पेंटिंग के उस्तादों के. ब्रायलोव, आई. रेपिन द्वारा चित्रों में आंतरिक विशेषताओं का विश्लेषण।

परीक्षण, 08/26/2011 को जोड़ा गया


प्राचीन रोमन कला की विशिष्ट विशेषताएँ। रोमन संस्कृति की ऐतिहासिक जड़ें। चित्रकला की रोमन शैली. प्राचीन रोमन चित्रकला की मुख्य दिशाएँ और किस्में: फ़यूम चित्र, स्मारकीय पेंटिंग, इट्रस्केन पेंटिंग।

). हालाँकि, इस लेख के प्रयोजनों के लिए हम केवल वस्तु कला पर विचार करेंगे।

ऐतिहासिक रूप से, सभी शैलियों को उच्च और निम्न में विभाजित किया गया था। को उच्च शैली या ऐतिहासिक चित्रकला में स्मारकीय प्रकृति के कार्य शामिल थे, जिनमें कुछ प्रकार की नैतिकता थी, सार्थक विचार, धर्म, पौराणिक कथाओं या कल्पना से संबंधित ऐतिहासिक, सैन्य घटनाओं का प्रदर्शन।

को निम्न शैलीइसमें रोजमर्रा की जिंदगी से जुड़ी हर चीज शामिल है। ये स्थिर जीवन, चित्र, घरेलू पेंटिंग, परिदृश्य, पशुवाद, नग्न लोगों की छवियां आदि हैं।

पशुवाद (अव्य. पशु - पशु)

पशुवत शैली प्राचीन काल में उत्पन्न हुई, जब पहले लोगों ने चट्टानों पर शिकारी जानवरों को चित्रित किया। धीरे-धीरे, यह दिशा एक स्वतंत्र शैली में विकसित हुई, जिसका अर्थ किसी भी जानवर का अभिव्यंजक चित्रण था। पशुपालकों को आमतौर पर जानवरों की दुनिया में बहुत रुचि होती है, उदाहरण के लिए, वे उत्कृष्ट घुड़सवार हो सकते हैं, पालतू जानवर रख सकते हैं, या बस लंबे समय तक उनकी आदतों का अध्ययन कर सकते हैं। कलाकार के इरादों के परिणामस्वरूप, जानवर यथार्थवादी या कलात्मक छवियों के रूप में दिखाई दे सकते हैं।

रूसी कलाकारों में, कई लोग घोड़ों में पारंगत थे, उदाहरण के लिए, और। हाँ, चालू प्रसिद्ध पेंटिंगवासनेत्सोव के "बोगटायर्स" में, वीर घोड़ों को सबसे बड़े कौशल के साथ चित्रित किया गया है: जानवरों के रंग, व्यवहार, लगाम और सवारों के साथ उनके संबंध पर सावधानीपूर्वक विचार किया गया है। सेरोव लोगों को पसंद नहीं करता था और कई मायनों में घोड़ों पर विचार करता था आदमी से बेहतर, यही कारण है कि वह अक्सर उसे विभिन्न दृश्यों में चित्रित करते थे। हालाँकि उन्होंने जानवरों को चित्रित किया, लेकिन वे खुद को पशुवादी नहीं मानते थे, इसलिए भालू उनके थे प्रसिद्ध पेंटिंग"सुबह हो रही है पाइन के वन” पशुविज्ञानी के. सावित्स्की द्वारा बनाया गया था।

ज़ारिस्ट काल में, पालतू जानवरों के साथ चित्र, जो मनुष्य को प्रिय थे, विशेष रूप से लोकप्रिय हो गए। उदाहरण के लिए, पेंटिंग में महारानी कैथरीन द्वितीय अपने प्यारे कुत्ते के साथ दिखाई दीं। अन्य रूसी कलाकारों के चित्रों में भी जानवर मौजूद थे।

रोजमर्रा की शैली में प्रसिद्ध रूसी कलाकारों द्वारा चित्रों के उदाहरण

इतिहास चित्रकारी

इस शैली में स्मारकीय पेंटिंग शामिल हैं जो समाज को एक भव्य योजना, कुछ सच्चाई, नैतिकता, या महत्वपूर्ण घटनाओं को प्रदर्शित करने के लिए डिज़ाइन की गई हैं। इसमें ऐतिहासिक, पौराणिक, धार्मिक विषयों, लोककथाओं के साथ-साथ सैन्य दृश्यों पर काम शामिल हैं।

प्राचीन राज्यों में, मिथकों और किंवदंतियों को लंबे समय तक अतीत की घटनाएं माना जाता था, इसलिए उन्हें अक्सर भित्तिचित्रों या फूलदानों पर चित्रित किया जाता था। बाद में, कलाकारों ने घटित घटनाओं को कल्पना से अलग करना शुरू कर दिया, जो मुख्य रूप से छवि में व्यक्त की गई थी युद्ध के दृश्य. प्राचीन रोम, मिस्र और ग्रीस में, शत्रु पर अपनी विजय प्रदर्शित करने के लिए विजयी योद्धाओं की ढालों पर अक्सर वीरतापूर्ण युद्धों के दृश्य चित्रित किए जाते थे।

मध्य युग में, चर्च हठधर्मिता के प्रभुत्व के कारण, धार्मिक विषय प्रचलित थे; पुनर्जागरण में, समाज मुख्य रूप से अपने राज्यों और शासकों का महिमामंडन करने के उद्देश्य से अतीत की ओर मुड़ गया, और 18 वीं शताब्दी के बाद से, इस शैली को अक्सर बदल दिया गया है। युवाओं को शिक्षित करने के उद्देश्य से. रूस में शैली प्राप्त हुई बड़े पैमाने पर वितरण 19वीं सदी में, जब कलाकार अक्सर रूसी समाज के जीवन का विश्लेषण करने की कोशिश करते थे।

रूसी कलाकारों के कार्यों में युद्ध चित्रकलाप्रस्तुत किया गया था, उदाहरण के लिए, और। उन्होंने अपने चित्रों में पौराणिक और धार्मिक विषयों को छुआ। ऐतिहासिक चित्रकला इनमें प्रमुख है, लोककथाएँ - इनमें।

ऐतिहासिक चित्रकला की शैली में प्रसिद्ध रूसी कलाकारों द्वारा चित्रों के उदाहरण

स्थिर जीवन (फ्रांसीसी प्रकृति - प्रकृति और मोर्टे - मृत)

चित्रकला की यह शैली निर्जीव वस्तुओं के चित्रण से जुड़ी है। वे फूल, फल, व्यंजन, खेल, रसोई के बर्तन और अन्य वस्तुएँ हो सकते हैं, जिनसे कलाकार अक्सर अपनी योजना के अनुसार एक रचना बनाता है।

पहला स्थिर जीवन प्राचीन देशों में दिखाई दिया। में प्राचीन मिस्रविभिन्न व्यंजनों के रूप में देवताओं को अर्पित प्रसाद को चित्रित करने की प्रथा थी। उसी समय, वस्तु की पहचान सबसे पहले हुई, इसलिए प्राचीन कलाकारों ने काइरोस्कोरो या स्थिर जीवन वस्तुओं की बनावट के बारे में विशेष रूप से परवाह नहीं की। प्राचीन ग्रीस और रोम में, फूल और फल चित्रों और घरों में आंतरिक सजावट के लिए पाए जाते थे, इसलिए उन्हें अधिक प्रामाणिक और चित्रात्मक रूप से चित्रित किया गया था। इस शैली का गठन और उत्कर्ष 16वीं और 17वीं शताब्दी में हुआ, जब स्थिर जीवन में छिपे हुए धार्मिक और अन्य अर्थ शामिल होने लगे। उसी समय, छवि के विषय (पुष्प, फल, वैज्ञानिक, आदि) के आधार पर उनकी कई किस्में सामने आईं।

रूस में, स्थिर जीवन चित्रकला केवल 20वीं शताब्दी में ही फली-फूली, क्योंकि इससे पहले इसका उपयोग मुख्य रूप से शैक्षिक उद्देश्यों के लिए किया जाता था। लेकिन यह विकास तीव्र गति से हुआ और अमूर्त कला सहित इसकी सभी दिशाओं पर कब्जा कर लिया गया। उदाहरण के लिए, उन्होंने फूलों की सुंदर रचनाएँ बनाईं, पसंद कीं, काम किया और अक्सर अपने स्थिर जीवन को "पुनर्जीवित" किया, जिससे दर्शकों को यह आभास हुआ कि व्यंजन मेज से गिरने वाले थे या सभी वस्तुएँ घूमना शुरू करने वाली थीं। .

कलाकारों द्वारा चित्रित वस्तुएँ निश्चित रूप से उनके सैद्धांतिक विचारों या विश्वदृष्टि से प्रभावित थीं, मन की स्थिति. इस प्रकार, ये उनके द्वारा खोजे गए गोलाकार परिप्रेक्ष्य के सिद्धांत के अनुसार चित्रित वस्तुएं थीं, और अभिव्यक्तिवादी अभी भी अपने नाटक से चकित थे।

कई रूसी कलाकारों ने स्थिर जीवन का उपयोग मुख्य रूप से शैक्षिक उद्देश्यों के लिए किया। इस प्रकार, उन्होंने न केवल अपने कलात्मक कौशल को निखारा, बल्कि कई प्रयोग भी किए, वस्तुओं को विभिन्न तरीकों से व्यवस्थित किया, प्रकाश और रंग के साथ काम किया। रेखा के आकार और रंग के साथ प्रयोग किया, कभी-कभी यथार्थवाद से दूर शुद्ध आदिमवाद की ओर बढ़ते हुए, कभी-कभी दोनों शैलियों को मिलाते हुए।

अन्य कलाकारों ने स्थिर जीवन में जो कुछ उन्होंने पहले चित्रित किया था उसे अपनी पसंदीदा चीज़ों के साथ जोड़ दिया। उदाहरण के लिए, चित्रों में आप उनका पसंदीदा फूलदान, शीट संगीत और उनकी पत्नी का चित्र पा सकते हैं जो उन्होंने पहले बनाया था, और उन्होंने बचपन से अपने पसंदीदा फूलों को चित्रित किया था।

कई अन्य रूसी कलाकारों ने एक ही शैली में काम किया, उदाहरण के लिए, और अन्य।

स्थिर जीवन शैली में प्रसिद्ध रूसी कलाकारों द्वारा चित्रों के उदाहरण

नग्न (फ्रेंच न्यूडाइट - नग्नता, संक्षिप्त रूप में नू)

इस शैली का उद्देश्य नग्न शरीर की सुंदरता को चित्रित करना है और यह हमारे युग से पहले प्रकट हुई थी। में प्राचीन विश्वउन्होंने शारीरिक विकास पर बहुत ध्यान दिया, क्योंकि हर चीज़ का अस्तित्व इसी पर निर्भर था मानव जाति. इस प्रकार, प्राचीन ग्रीस में, एथलीट पारंपरिक रूप से नग्न प्रतिस्पर्धा करते थे ताकि लड़के और युवा अपने सुविकसित शरीर को देख सकें और उसी शारीरिक पूर्णता के लिए प्रयास कर सकें। लगभग 7वीं-6वीं शताब्दी के आसपास। ईसा पूर्व ई. नग्न पुरुष मूर्तियाँ भी दिखाई दीं, जो मनुष्य की शारीरिक शक्ति को दर्शाती हैं। इसके विपरीत, महिला आकृतियों को हमेशा दर्शकों के सामने वस्त्र में प्रस्तुत किया जाता था, क्योंकि महिला शरीर को उजागर करने की प्रथा नहीं थी।

बाद के युगों में, नग्नता के प्रति दृष्टिकोण बदल गया। इस प्रकार, हेलेनिज़्म के दौरान (छठी शताब्दी ईसा पूर्व के अंत से), धीरज पृष्ठभूमि में फीका पड़ गया, जिससे पुरुष छवि की प्रशंसा का मार्ग प्रशस्त हुआ। उसी समय, पहली महिला नग्न आकृतियाँ दिखाई देने लगीं। बारोक युग में, सुडौल आकृति वाली महिलाओं को आदर्श माना जाता था; रोकोको युग में, कामुकता सर्वोपरि हो गई थी, और 19वीं-20वीं शताब्दी में, नग्न शरीर (विशेष रूप से पुरुष वाले) वाली पेंटिंग या मूर्तियों पर अक्सर प्रतिबंध लगा दिया गया था।

रूसी कलाकारों ने बार-बार अपने कार्यों में नग्न शैली की ओर रुख किया है। तो, ये नाटकीय विशेषताओं वाले नर्तक हैं, ये स्मारकीय दृश्यों के केंद्र में लड़कियों या महिलाओं को प्रस्तुत कर रहे हैं। इसमें बहुत सारी कामुक महिलाएँ हैं, जिनमें जोड़े भी शामिल हैं, इसमें चित्रों की एक पूरी श्रृंखला है जिसमें विभिन्न गतिविधियों में नग्न महिलाओं को दर्शाया गया है, और इसमें मासूमियत से भरी लड़कियाँ हैं। उदाहरण के लिए, कुछ ने पूरी तरह से नग्न पुरुषों को चित्रित किया, हालांकि उनके समय के समाज द्वारा ऐसे चित्रों का स्वागत नहीं किया गया था।

नग्न शैली में प्रसिद्ध रूसी कलाकारों की पेंटिंग के उदाहरण

लैंडस्केप (फ़्रेंच पेसेज़, पेज़ से - इलाक़ा)

इस शैली में, प्राथमिकता प्राकृतिक या मानव निर्मित पर्यावरण का चित्रण है: प्राकृतिक क्षेत्र, शहरों, गांवों, स्मारकों आदि के दृश्य। चुनी गई वस्तु के आधार पर, प्राकृतिक, औद्योगिक, समुद्री, ग्रामीण, गीतात्मक और अन्य परिदृश्य प्रतिष्ठित हैं।

प्राचीन कलाकारों द्वारा सबसे पहले भूदृश्यों की खोज कहाँ की गई थी? चट्टान कलानवपाषाण युग और पेड़ों, नदियों या झीलों की छवियां थीं। बाद में, घर को सजाने के लिए प्राकृतिक रूपांकनों का उपयोग किया जाने लगा। मध्य युग में, परिदृश्य को लगभग पूरी तरह से धार्मिक विषयों से बदल दिया गया था, और पुनर्जागरण में, इसके विपरीत, मनुष्य और प्रकृति के बीच सामंजस्यपूर्ण संबंध सामने आया।

रूस में, लैंडस्केप पेंटिंग 18वीं शताब्दी से विकसित हुई और शुरू में सीमित थी (उदाहरण के लिए, परिदृश्य इस शैली में बनाए गए थे), लेकिन बाद में प्रतिभाशाली रूसी कलाकारों की एक पूरी श्रृंखला ने इस शैली को तकनीकों से समृद्ध किया। विभिन्न शैलियाँऔर दिशाएँ. तथाकथित कम महत्वपूर्ण परिदृश्य का निर्माण किया, अर्थात्, शानदार दृश्यों का पीछा करने के बजाय, उन्होंने रूसी प्रकृति में सबसे अंतरंग क्षणों को चित्रित किया। और एक गीतात्मक परिदृश्य सामने आया जिसने दर्शकों को अपनी सूक्ष्मता से संप्रेषित मनोदशा से चकित कर दिया।

और यह एक महाकाव्य परिदृश्य है, जब दर्शक को आसपास की दुनिया की सारी भव्यता दिखाई जाती है। अंतहीन रूप से पुरातनता की ओर मुड़ते हुए, ई. वोल्कोव जानते थे कि किसी भी विवेकशील परिदृश्य को एक काव्यात्मक चित्र में कैसे बदलना है, परिदृश्यों में अपनी अद्भुत रोशनी से दर्शकों को चकित कर देते हैं, और जंगल के कोनों, पार्कों, सूर्यास्तों की अंतहीन प्रशंसा कर सकते हैं और इस प्यार को दर्शक तक पहुंचा सकते हैं।

प्रत्येक परिदृश्य चित्रकार ने अपना ध्यान उस परिदृश्य पर केंद्रित किया जिसने उसे विशेष रूप से दृढ़ता से आकर्षित किया। कई कलाकार बड़े पैमाने पर निर्माण परियोजनाओं को नजरअंदाज नहीं कर सके और उन्होंने कई औद्योगिक और शहरी परिदृश्यों को चित्रित किया। उनमें से कार्य हैं,

17वीं शताब्दी में, चित्रकला शैलियों का "उच्च" और "निम्न" में विभाजन शुरू किया गया था। पहले में ऐतिहासिक, युद्ध और पौराणिक शैलियाँ शामिल थीं। दूसरे में चित्रकला की सांसारिक शैलियाँ शामिल थीं रोजमर्रा की जिंदगी, उदाहरण के लिए, रोजमर्रा की शैली, स्थिर जीवन, पशु चित्रकला, चित्र, नग्न, परिदृश्य।

ऐतिहासिक शैली

चित्रकला में ऐतिहासिक शैली किसी विशिष्ट वस्तु या व्यक्ति को नहीं, बल्कि पिछले युगों के इतिहास में घटित एक विशिष्ट क्षण या घटना को दर्शाती है। यह मुख्य रूप से सम्मिलित है चित्रकला की शैलियाँकला में. चित्रांकन, युद्ध, रोजमर्रा और पौराणिक शैलियाँ अक्सर ऐतिहासिक के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ी होती हैं।

"एर्मक द्वारा साइबेरिया की विजय" (1891-1895)
वसीली सुरिकोव

कलाकार निकोलस पॉसिन, टिंटोरेटो, यूजीन डेलाक्रोइक्स, पीटर रूबेन्स, वासिली इवानोविच सुरीकोव, बोरिस मिखाइलोविच कुस्टोडीव और कई अन्य लोगों ने ऐतिहासिक शैली में अपनी पेंटिंग लिखीं।

पौराणिक शैली

किस्से, प्राचीन किंवदंतियाँ और मिथक, लोक-साहित्य- इन विषयों, नायकों और घटनाओं के चित्रण ने चित्रकला की पौराणिक शैली में अपना स्थान पाया है। शायद इसे किसी भी राष्ट्र के चित्रों में पहचाना जा सकता है, क्योंकि प्रत्येक जातीय समूह का इतिहास किंवदंतियों और परंपराओं से भरा है। उदाहरण के लिए, युद्ध के देवता एरेस और सौंदर्य की देवी एफ़्रोडाइट के गुप्त रोमांस के रूप में ग्रीक पौराणिक कथाओं का ऐसा कथानक एंड्रिया मेन्टेग्ना नामक एक इतालवी कलाकार की पेंटिंग "पर्नासस" में दर्शाया गया है।

"परनासस" (1497)
एंड्रिया मेन्टेग्ना

चित्रकला में पौराणिक कथाओं का निर्माण अंततः पुनर्जागरण के दौरान हुआ। इस शैली के प्रतिनिधि, एंड्रिया मेन्टेग्ना के अलावा, राफेल सैंटी, जियोर्जियोन, लुकास क्रैनाच, सैंड्रो बोटिसेली, विक्टर मिखाइलोविच वासनेत्सोव और अन्य हैं।

युद्ध शैली

युद्ध चित्रकला सैन्य जीवन के दृश्यों का वर्णन करती है। अधिकतर, विभिन्न सैन्य अभियानों के साथ-साथ समुद्री और ज़मीनी लड़ाइयों का भी चित्रण किया जाता है। और चूंकि ये झगड़े अक्सर यहीं से लिए जाते हैं सत्य घटना, फिर युद्ध और ऐतिहासिक शैलियाँ यहाँ अपना प्रतिच्छेदन बिंदु पाती हैं।

पैनोरमा का टुकड़ा "बोरोडिनो की लड़ाई" (1912)
फ्रांज रूबॉड

युद्ध चित्रकला ने इतालवी पुनर्जागरण के दौरान कलाकारों माइकल एंजेलो बुओनारोती, लियोनार्डो दा विंची और फिर थियोडोर गेरिकॉल्ट, फ्रांसिस्को गोया, फ्रांज अलेक्सेविच रौबौद, मित्रोफ़ान बोरिसोविच ग्रेकोव और कई अन्य चित्रकारों के कार्यों में आकार लिया।

रोजमर्रा की शैली

आम लोगों के रोजमर्रा, सार्वजनिक या निजी जीवन के दृश्य, चाहे वह शहरी हो या किसान जीवन, चित्रकला में रोजमर्रा की शैली में चित्रित किए जाते हैं। कई अन्य लोगों की तरह चित्रकला की शैलियाँ, रोजमर्रा की पेंटिंग शायद ही कभी अपने रूप में पाई जाती हैं, जो पोर्ट्रेट या लैंडस्केप शैली का हिस्सा बन जाती हैं।

"संगीत वाद्ययंत्र विक्रेता" (1652)
कारेल फैब्रिकियस

रोजमर्रा की पेंटिंग की उत्पत्ति 10वीं शताब्दी में पूर्व में हुई, और यह केवल 17वीं-18वीं शताब्दी में यूरोप और रूस में चली गई। जान वर्मीर, कारेल फैब्रिकियस और गेब्रियल मेत्सु, मिखाइल शिबानोव और इवान अलेक्सेविच एर्मेनेव उस काल में रोजमर्रा की पेंटिंग के सबसे प्रसिद्ध कलाकार हैं।

पशुवत शैली

पशुवत शैली की मुख्य वस्तुएँ पशु और पक्षी हैं, जंगली और घरेलू दोनों, और सामान्य तौर पर पशु जगत के सभी प्रतिनिधि। प्रारंभ में, पशु कला को शैलियों में शामिल किया गया था चीनी पेंटिंग, क्योंकि यह पहली बार 8वीं शताब्दी में चीन में दिखाई दिया था। यूरोप में, पशु चित्रकला का गठन पुनर्जागरण के दौरान ही हुआ था - उस समय जानवरों को मानवीय दोषों और गुणों के अवतार के रूप में चित्रित किया गया था।

"घास के मैदान में घोड़े" (1649)
पॉलस पॉटर

एंटोनियो पिसानेलो, पॉलस पॉटर, अल्ब्रेक्ट ड्यूरर, फ्रैंस स्नाइडर्स, अल्बर्ट क्यूप - पशु चित्रकला के मुख्य प्रतिनिधि ललित कला.

स्थिर वस्तु चित्रण

स्थिर जीवन शैली उन वस्तुओं को दर्शाती है जो जीवन में एक व्यक्ति को घेरे रहती हैं। ये एक समूह में संयुक्त निर्जीव वस्तुएँ हैं। ऐसी वस्तुएं एक ही जीनस से संबंधित हो सकती हैं (उदाहरण के लिए, चित्र में केवल फलों को दर्शाया गया है), या वे भिन्न हो सकते हैं (फल, बर्तन, संगीत वाद्ययंत्र, फूल, आदि)।

"एक टोकरी में फूल, तितली और ड्रैगनफ्लाई" (1614)
एम्ब्रोसियस बॉसहार्ट द एल्डर

एक स्वतंत्र शैली के रूप में स्थिर जीवन ने 17वीं शताब्दी में आकार लिया। फ्लेमिश और विशेष रूप से प्रतिष्ठित हैं डच स्कूलस्थिर वस्तु चित्रण। यथार्थवाद से लेकर क्यूबिज़्म तक, विभिन्न प्रकार की शैलियों के प्रतिनिधियों ने इस शैली में अपने चित्र बनाए। सबसे अधिक में से कुछ प्रसिद्ध स्थिर जीवनचित्रकार एम्ब्रोसियस बॉसचार्ट द एल्डर, अल्बर्टस जोना ब्रांट, पॉल सेज़ेन, विंसेंट वान गॉग, पियरे अगस्टे रेनॉयर, विलेम क्लेस हेडा द्वारा चित्रित।

चित्र

पोर्ट्रेट पेंटिंग की एक शैली है, जो ललित कलाओं में सबसे आम है। पेंटिंग में चित्र का उद्देश्य किसी व्यक्ति को चित्रित करना है, न केवल उसकी उपस्थिति, बल्कि संदेश देना भी आंतरिक भावनाएँऔर चित्रित किये जा रहे व्यक्ति की मनोदशा।

पोर्ट्रेट एकल, जोड़ी, समूह, साथ ही स्व-चित्र भी हो सकते हैं, जिन्हें कभी-कभी एक अलग शैली के रूप में प्रतिष्ठित किया जाता है। और सबसे प्रसिद्ध चित्रशायद, सभी समयों में, लियोनार्डो दा विंची की पेंटिंग "मैडम लिसा डेल जिओकोंडो का पोर्ट्रेट" है, जिसे हर कोई "मोना लिसा" के नाम से जानता है।

"मोना लिसा" (1503-1506)
लियोनार्डो दा विंची

पहले चित्र हजारों साल पहले प्राचीन मिस्र में दिखाई दिए थे - ये फिरौन की छवियां थीं। तब से, हर समय के अधिकांश कलाकारों ने किसी न किसी तरह से इस शैली में खुद को आजमाया है। चित्रांकन और चित्रकला की ऐतिहासिक शैलियाँ भी एक दूसरे को काट सकती हैं: किसी महान का चित्रण ऐतिहासिक आंकड़ाइसे ऐतिहासिक शैली का कार्य माना जाएगा, हालाँकि साथ ही यह इस व्यक्ति की उपस्थिति और चरित्र को एक चित्र के रूप में व्यक्त करेगा।

नंगा

नग्न शैली का उद्देश्य नग्न मानव शरीर का चित्रण करना है। पुनर्जागरण काल ​​को इस प्रकार की चित्रकला के उद्भव और विकास का क्षण माना जाता है, और तब चित्रकला का मुख्य उद्देश्य अक्सर महिला शरीर बन जाता था, जो युग की सुंदरता का प्रतीक था।

"ग्रामीण संगीत कार्यक्रम" (1510)
टिटियन

टिटियन, एमेडियो मोदिग्लिआनी, एंटोनियो दा कोरेगियो, जियोर्जियोन, पाब्लो पिकासो सबसे प्रसिद्ध कलाकार हैं जिन्होंने नग्न पेंटिंग बनाईं।

प्राकृतिक दृश्य

भूदृश्य शैली का मुख्य विषय प्रकृति, पर्यावरण - शहर, ग्रामीण इलाका या जंगल है। पहले परिदृश्य प्राचीन काल में महलों और मंदिरों को चित्रित करते समय, लघुचित्र और चिह्न बनाते समय दिखाई दिए। 16वीं शताब्दी में लैंडस्केप एक स्वतंत्र शैली के रूप में उभरना शुरू हुआ और तब से यह सबसे लोकप्रिय शैलियों में से एक बन गया है। चित्रकला की शैलियाँ.

यह कई चित्रकारों के कार्यों में मौजूद है, जो पीटर रूबेन्स, एलेक्सी कोंड्रातिविच सावरसोव, एडौर्ड मानेट से शुरू होकर इसहाक इलिच लेविटन, पीट मोंड्रियन, पाब्लो पिकासो, जॉर्जेस ब्रैक और 21वीं सदी के कई समकालीन कलाकारों तक जारी है।

« सुनहरी शरद ऋतु"(1895)
इसहाक लेविटन

परिदृश्य चित्रों के बीच, समुद्र और शहर के परिदृश्य जैसी शैलियों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है।

वेदुता

वेदुता एक परिदृश्य है, जिसका उद्देश्य शहरी क्षेत्र की उपस्थिति को चित्रित करना और उसकी सुंदरता और स्वाद को व्यक्त करना है। बाद में, उद्योग के विकास के साथ, शहरी परिदृश्य एक औद्योगिक परिदृश्य में बदल जाता है।

"सेंट मार्क स्क्वायर" (1730)
कानालेत्तो

आप कैनेलेटो, पीटर ब्रुगेल, फ्योडोर याकोवलेविच अलेक्सेव, सिल्वेस्टर फेओडोसिविच शेड्रिन के कार्यों से परिचित होकर शहर के परिदृश्य की सराहना कर सकते हैं।

मरीना

समुद्री दृश्य, या मरीना, समुद्री तत्व की प्रकृति, उसकी भव्यता को दर्शाता है। दुनिया में सबसे प्रसिद्ध समुद्री चित्रकार शायद इवान कोन्स्टेंटिनोविच ऐवाज़ोव्स्की हैं, जिनकी पेंटिंग "द नाइंथ वेव" को रूसी चित्रकला की उत्कृष्ट कृति कहा जा सकता है। मरीना का उत्कर्ष परिदृश्य के विकास के साथ-साथ हुआ।

"सेलबोट इन ए स्टॉर्म" (1886)
जेम्स बटरस्वर्थ

अपनों के साथ समुद्री दृश्योंकात्सुशिका होकुसाई, जेम्स एडवर्ड बटर्सवर्थ, एलेक्सी पेट्रोविच बोगोलीबोव, लेव फेलिक्सोविच लागोरियो और राफेल मोनलेओन टोरेस भी जाने जाते हैं।

यदि आप इस बारे में और अधिक जानना चाहते हैं कि कला में चित्रकला शैलियों का उद्भव और विकास कैसे हुआ, तो निम्नलिखित वीडियो देखें:

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चित्रकला शैलियाँ एक बहुत व्यापक विषय है, कोई इसे शाश्वत कह सकता है। लोग अक्सर ऐसे शब्दों का प्रयोग करते हैं जिन्हें वे ठीक से नहीं समझते हैं, जिससे भ्रम और उलझन पैदा होती है। इसीलिए मैं आपको पेंटिंग के रुझानों के बारे में जो कुछ भी जानता हूं उसे संक्षेप में और स्पष्ट रूप से बताना चाहता हूं। लेख को एक नीरस इतिहास पाठ में न बदलने के लिए, मैं संक्षेप में आज के सबसे लोकप्रिय और प्रासंगिक क्षेत्रों के बारे में बात करूंगा। चित्रों के साथ चित्रकारी शैलियाँ - सुविधाजनक और तेज तरीकाललित कला की सबसे महत्वपूर्ण प्रवृत्तियों से परिचित हों।

गोथिक

"मेरोड परिवार की वेदी।" रॉबर्ट कैम्पिन. 1430 ई.

गोथिककला में एक आंदोलन है जिसने पश्चिमी और मध्य यूरोप के सभी देशों को कवर किया है। तब गॉथिक हर चीज़ में था - मूर्तिकला, पेंटिंग, सना हुआ ग्लास आदि में। इसका उपयोग हर संभव जगह पर किया गया, एक "सांस्कृतिक उछाल" आया। यह लोकप्रियता मध्यकालीन कला के विकास में नवीनतम कदम के कारण है। केंद्र और मुख्य आकृति गोथिक शैलीवहां वास्तुकला थी - ऊंचे मेहराब, रंगीन कांच की खिड़कियां, बहुत सारे विवरण। रोमन युग इस तरह के हमले का सामना नहीं कर सका और इतिहास के हाशिए पर रह गया।

वर्ष: 1150 - 1450.
बार्टोलो डि फ़्रेडी, गियोटो, जान पोलाक, जान वैन आइक।

पुनर्जागरण (पुनर्जागरण)

"पश्चाताप मैरी मैग्डलीन।" टिटियन। 1560 ई.

पुनर्जागरणबीजान्टिन साम्राज्य के पतन और यूरोप में इस अवसर पर हुई सांस्कृतिक उथल-पुथल से उत्पन्न हुआ। बीजान्टिन, जिन्हें भागने के लिए मजबूर किया गया था, सांस्कृतिक संबंधों के साथ, कला और पुस्तकालयों के कार्यों को यूरोप की भूमि पर लाए। इस प्रकार, प्राचीन विचारों का एक प्रकार का पुनरुद्धार हुआ, लेकिन आधुनिक तरीके से। पिछले कुछ वर्षों में, कई बिंदुओं को संशोधित किया गया है और उन पर सवाल उठाए गए हैं। सामान्य तौर पर, धर्मनिरपेक्ष मानवतावाद और समृद्धि के विचारों ने शासन किया।

वर्ष: 1400 - 1600.
हिरोनिमस बॉश, लियोनार्डो दा विंची, टिटियन।

बरोक

"जूडिथ और होलोफर्नेस।" कारवागियो. 1599

बरोक-यूरोपीय सांस्कृतिक विरासतमूल रूप से इटली के रहने वाले हैं. विडंबनापूर्ण शातिर सौंदर्य, अप्राकृतिक अभिजात्यवाद और दिखावा की विशेषता है। ऐसे चित्रों की विशिष्ट विशेषताएं उच्च कंट्रास्ट, कथानक तनाव और सीमा तक फैली चरित्र गतिशीलता हैं। बैरोक की सर्वोत्कृष्टता रोम में स्थित सांता मारिया डेला विटोरिया के चर्च को माना जाता है।

वर्ष: 1600-1740.
कारवागियो, रेम्ब्रांट, रूबेन्स, जान वर्मीर।

क्लासिसिज़म

"स्किपियो अफ्रीकनस की दया।" पोम्पेओ बटोनी. 1772

क्लासिसिज़म 18वीं शताब्दी की चित्रकला में एक मौलिक आंदोलन के रूप में, कला में एक बड़ी भूमिका निभाई। नाम से ही सब कुछ स्पष्ट हो जाता है (लैटिन क्लासिकस का अर्थ है अनुकरणीय, अनुकरणीय)।
कलाकारों ने दर्शकों को उदात्तता से परिचित कराने का लक्ष्य निर्धारित किया, और उनकी पेंटिंग एक मार्गदर्शक सितारा थीं। उच्च नैतिकता, संयमित संस्कृति और पारंपरिक प्राचीन मूल्य क्लासिकिज्म का आधार बने। यूरोप में क्लासिकिज्म के युग के दौरान सांस्कृतिक विकास और मूल्यों का पुनर्मूल्यांकन हुआ, कला पूरी तरह से अलग स्तर पर पहुंच गई।

वर्ष: 1700 - 1800.
कार्ल ब्रायलोव, जीन-बैप्टिस्ट ग्रेउज़, पॉसिन निकोलस।

यथार्थवाद

"घूमते कलाबाज" गुस्ताव डोरे. 1874

यथार्थवादउस पल के मूड को, कैनवास पर वास्तविकता के एक पल को सबसे बड़ी प्रामाणिकता के साथ व्यक्त करने का प्रयास करता है। लेकिन बदले में, यह स्पष्ट सीमाओं तक सीमित नहीं है; एकमात्र नियम यह है कि चित्र में उन चीज़ों के लिए कोई जगह नहीं होनी चाहिए जो यथार्थवाद को बाहर करती हैं। प्रयोगों के दौरान 18वीं सदी के अंत में इस शैली को प्रकृतिवाद और प्रभाववाद में विभाजित किया गया। लेकिन यथार्थवाद जीवित रहने में कामयाब रहा और आधुनिक चित्रकला में भी लोकप्रिय है।

वर्ष: 1800 - 1880.
विलियम बाउगुएरेउ, गुस्ताव कोर्टबेट, जीन-फ्रांकोइस मिलेट।

प्रभाववाद

"प्रभाव जमाना। उगता सूरज।" क्लाउड मोनेट. 1872

प्रभाववादफ्रांस में उत्पन्न, इस अवधारणा को लुई लेरॉय द्वारा पेश किया गया था। इस शैली में काम करने वाले प्रभाववादी, रूप और अर्थ की परवाह किए बिना, यहीं और अभी चित्रित प्रत्येक वस्तु या क्षण की दूसरी छाप पकड़ना चाहते थे; चित्रों में विशेष रूप से सकारात्मक और उज्ज्वल क्षण और क्षण दिखाए गए। लेकिन बाद में, इस आधार पर, समय के साथ प्रभाववादियों के बीच मतभेद शुरू हो गए, ऐसे स्वामी प्रकट हुए जो सामाजिक समस्याओं, भूख और बीमारी से प्रभावित हो सकते थे; हालाँकि, प्रभाववाद दयालु है और सकारात्मक शैलीपेंटिंग जो अच्छे और उज्ज्वल क्षणों को दर्शाती है।

वर्ष: 1860 - 1920.
क्लाउड मोनेट, एडौर्ड मानेट, एडगर डेगास।

उत्तर-प्रभाववाद

"ग्रे फेल्ट हैट III में सेल्फ-पोर्ट्रेट।" विंसेंट वान गाग। 1887

उत्तर-प्रभाववादबहुतों को आत्मसात कर लिया है विभिन्न शैलियाँऔर तकनीशियन. चित्रकला पर नए विचारों वाले यूरोपीय उस्तादों ने नई प्रवृत्तियों को जन्म दिया और सक्रिय रूप से तत्कालीन उबाऊ प्रभाववाद और यथार्थवाद से दूर जाने की कोशिश की।

वर्ष: 1880 - 1920.
विंसेंट वान गॉग, पॉल गाउगिन, रोडरिक ओ'कॉनर।

pointillism

"रियो सैन ट्रोवासो। वेनिस"। हेनरी एडमंड क्रॉस। 1904

pointillism(बिंदु - बिंदु) - पेंटिंग में एक शैलीगत दिशा, जो एक ही प्रभाववाद है, केवल एक अलग खोल में। दांतेदार स्ट्रोक के स्थान पर बिंदीदार या आयताकार आकृतियों का उपयोग किया गया। इसके अलावा, कलाकारों ने पैलेट पर रंगों को मिलाना छोड़ दिया, इसके बजाय, शुद्ध रंगों को कैनवास पर लागू किया गया और एक दूसरे को छुए बिना सीधे कैनवास पर ही मिश्रित किया गया;

वर्ष: 1885 - 1930.
हेनरी एडमंड क्रॉस, जॉर्जेस सेरात, पॉल साइनैक।

आधुनिकता

"तितलियाँ करीब से।" ओडिलॉन रेडॉन। 1910

आधुनिकतावाद - सामान्य विशेषताएँ 1850 से 1950 तक चित्रकला की सभी शैलियाँ और शैलियाँ। चित्रकला में प्रभाववाद, अभिव्यक्तिवाद, नव- और उत्तर-प्रभाववाद, फ़ौविज़्म, क्यूबिज़्म, भविष्यवाद, अमूर्त कला, दादावाद, अतियथार्थवाद और कई अन्य जैसे रुझान शामिल हैं। इन शैलियों का अस्तित्व अकादमिकवाद से ललित कला के पूर्ण विचलन का प्रतीक है। अकादमिकता छोड़ने के बाद, उन सभी प्रवृत्तियों और शैलियों पर नज़र रखना लगभग असंभव हो गया जो बन चुकी हैं और अभी भी बन रही हैं।

वर्ष: 1850 - 1950.
साल्वाडोर डाली, काज़िमिर मालेविच, ऑगस्टे रेनॉयर और कई अन्य।

अकादमिक

अकादमिक- कला में एक दिशा जो पुरातनता और पुनर्जागरण के नियमों और रीति-रिवाजों का पालन करती है। शिक्षावाद स्पष्ट नींव और सीमाएँ थोपना चाहता है और कल्पना और रचनात्मक उड़ान को बाहर करता है। इसके बजाय, कमियों को सुधारने, प्रकृति की "खुरदरापन" - छिपाने या खत्म करने पर जोर दिया जाता है। एक सुंदर धारणा की ओर वास्तविकता में सुधार करना अकादमिकता का सार है। कथानक अक्सर प्राचीन पौराणिक कथाओं से लिए जाते हैं, और बाइबिल और ऐतिहासिक रूपांकनों का भी उपयोग किया जाता है।

वर्ष: 1500 - आज तक।
कार्ल ब्रायलोव, विलियम बाउगुएरो, फ्योडोर ब्रूनी।

आदिमवाद

"रसोईघर में" एपिफेनी ड्रोव्न्याक। 1940~

आदिमवाद- जानबूझकर किसी पेंटिंग को इस हद तक सरल बनाना कि ऐसा लगे मानो यह किसी बच्चे का काम हो। विभिन्न लोक रेखाचित्रों और चित्रों को आदिमवाद के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है। केवल पहली नज़र में ही पेंटिंग सरल और बेतुकी लगती हैं। लेकिन अगर आप बारीकी से देखें, तो आप सही अनुपात और क्षितिज और संरचना के नियमों का अनुपालन देख सकते हैं। आदिमवाद और अनुभवहीन कला के अधिकांश प्रसिद्ध स्वामी अपने लोगों के इतिहास और उनकी संस्कृति के महान प्रशंसक थे। यही कारण है कि उनकी सभी पेंटिंग उस क्षेत्र के रंग से समृद्ध हैं जहां वे रहते थे। आज यह विधा परिवर्तित हो गई है अनुभवहीन कला, अक्सर प्रतीकवाद के साथ मिलाया जाता है। यह इस तथ्य के कारण है कि आधुनिक दर्शक आदिमवाद को उसके शुद्ध रूप में देखने के लिए तैयार नहीं है।

वर्ष: 1900 - आज तक।
एपिफेनी ड्रोवन्याक, हेनरी रूसो, निको पिरोस्मानिश्विली।

क्यूबिज्म

"नीली पोशाक में बैठी महिला।" पाब्लो पिकासो. 1939

क्यूबिज्मआधुनिकतावाद का एक आंदोलन है, जिसका प्रयोग अक्सर चित्रकला और ललित कलाओं के संबंध में किया जाता है। मास्टर्स ने अपने विषयों को ज्यामितीय आकृतियों में विभाजित किया, प्रत्येक अद्वितीय तत्व को अपना सघन क्षेत्र दिया।

वर्ष: 1906 - 1925.
पाब्लो पिकासो, फर्नांड लेगर, रॉबर्ट डेलाउने।

अतियथार्थवाद

"स्मृति की दृढ़ता।" साल्वाडोर डाली. 1931

अतियथार्थवाद सपनों को वास्तविकता के साथ मिलाना है। इस शैली में, कलाकारों ने अपने सपनों को बाहर की ओर जारी किया, वास्तविक जीवन की छवियों को एक-दूसरे के साथ मिलाया, असंगत चीजों को जोड़ा। इसके अलावा, सपनों के व्यक्तिगत विषयों को भी छुआ गया - भय, गुप्त इच्छाएँ, अचेतन कल्पनाएँ, जटिलताएँ। वह सब कुछ जो एक व्यक्ति अपने सपने में देख सकता है। आज, अतियथार्थवादी बाहरी आवरण की नकल करते हैं, केवल सुंदर रूपों का उपयोग करते हुए, उनमें वह अर्थ डाले बिना जो अतीत के उस्तादों की विशेषता थी।

वर्ष: 1920 - आज तक।
साल्वाडोर डाली, मैक्स अर्न्स्ट, रेने मैग्रेट।

अमूर्तवाद

"पीला लाल नीला।" वासिली कैंडिंस्की. 1925

अमूर्तवाद- कला में एक दिशा जहां वास्तविकता और रूपों की शुद्धता को चित्रित करने से इनकार किया गया था। मुख्य लक्ष्य कई रंगीन आकृतियों को चित्रित करना है जो एक साथ पेंटिंग की कहानी बता सकें। रूस और अमेरिका को अमूर्त कला का जन्मस्थान माना जाता है।

वर्ष: 1910 - आज तक।
वासिली कैंडिंस्की, काज़िमिर मालेविच, पीट मोंड्रियन।

इक्सप्रेस्सियुनिज़म

"चीखना।" एडवर्ड मंच. 1893

इक्सप्रेस्सियुनिज़मअपने लिए एक ही कार्य निर्धारित करता है, यह बताना कि चित्र के लेखक ने इसे लिखते समय क्या महसूस किया था। इस शैली में कलाकार स्वयं को और अपनी भावनाओं को व्यक्त करना चाहते हैं, यही कारण है कि अभिव्यक्तिवाद प्रभाववाद का प्रतिरूप है, जिसमें विशुद्ध रूप से बाहरी आवरण की अभिव्यक्ति पर जोर दिया जाता है। अभिव्यक्तिवादियों में रहस्यवाद, निराशावाद और निराशा की प्रवृत्ति होती है।

वर्ष: 1890 - आज तक।
एगॉन शिएले, कार्ल यूजेन केहल, जेरज़ी हुलेविक्ज़।

पॉप कला

"हरी कोका-कोला की बोतलें।" एंडी वारहोल. 1962

पॉप कला — आधुनिक शैलीकला में, प्रतीकों का उपयोग करते हुए लोकप्रिय संस्कृतिऔर उपभोक्ता उत्पाद। वस्तुओं में हेरफेर और संयोजन करने में मदद मिली आधुनिक प्रौद्योगिकियाँइस वजह से, पुराने स्कूल के द्वारपालों द्वारा अक्सर पॉप कला की आलोचना की जाती थी। समय के साथ, पॉप कला ने चित्रकला में कई प्रवृत्तियों को समाहित कर लिया।

वर्ष: 1950 - 1980.
एंडी वारहोल, डेविड हॉकनी, रॉबर्ट रोशेनबर्ग।

अतिसूक्ष्मवाद

ग्रैन काहिरा. फ्रैंक स्टेला. 1962

अतिसूक्ष्मवादपर्यावरण के साथ लेखक का हस्तक्षेप कम से कम होना चाहिए। अतिसूक्ष्मवाद का अर्थ केवल सबसे अधिक है महत्वपूर्ण बिंदु. इसकी उत्पत्ति रचनावाद, सर्वोच्चतावाद और दादावाद में निहित है। इस शैली के कुछ लेखकों के अत्यधिक न्यूनतम विचारों के कारण यह चित्रकला की एक बहुत ही विवादास्पद शैली है। आज, चित्रकला में न्यूनतमवादी रुझान बहुत तेजी से बदल रहे हैं।

वर्ष: 1960 - आज तक।
फ्रैंक स्टेला, कार्ल आंद्रे, सोल लेविट।

अतियथार्थवाद

"फल"। जैक्स बोडिन. 2016

अतियथार्थवादफ़ोटोग्राफ़ी के लोकप्रिय होने के संबंध में कलाकार फ़ोटोग्राफ़रों के साथ प्रतिस्पर्धा करने में रुचि रखते थे; अतियथार्थवादी एक वैकल्पिक वास्तविकता, एक यथार्थवादी भ्रम पैदा करते हैं।

वर्ष: 1970 - आज तक।
ग्नोली, गेरहार्ड रिक्टर, डेल्कोल।

पेंटिंग में यही सभी दिशाएँ हैं

इस विषय पर मैं बस इतना ही कहना चाहता था और कहना चाहता था 😉 वास्तव में, पेंटिंग में और भी कई दिशाएँ हैं, और वे अनजाने में हर दिन सचमुच विकसित होती हैं। इस लेख में मैं सबसे लोकप्रिय और प्रभावशाली लोगों के बारे में बात करना चाहता था। यदि आपको सामग्री पसंद आई हो तो इसे सोशल नेटवर्क पर साझा करें, आइए मिलकर कला का विकास करें। समर्थन देने के लिए सभी का धन्यवाद!

चित्रकारी एक प्रकार की ललित कला है जिसमें ऐसी पेंटिंग और कैनवस बनाना शामिल है जो वास्तविकता को पूरी तरह से और जीवंत रूप से प्रतिबिंबित करते हैं।

किसी भी चीज़ पर लगाए गए पेंट (तेल, तड़का, जल रंग, गौचे, आदि) से बनाई गई कला का एक काम कठोर सतह, पेंटिंग कहलाती है. पेंटिंग का मुख्य अभिव्यंजक साधन रंग है, विभिन्न भावनाओं और संघों को जगाने की इसकी क्षमता छवि की भावनात्मकता को बढ़ाती है। कलाकार आमतौर पर पेंटिंग के लिए आवश्यक रंग को एक पैलेट पर खींचता है, और फिर पेंटिंग के तल पर पेंट को रंग में बदल देता है, जिससे रंग क्रम - रंग तैयार होता है। रंग संयोजन की प्रकृति के अनुसार, यह गर्म और ठंडा, हर्षित और उदास, शांत और तनावपूर्ण, हल्का और अंधेरा हो सकता है।

पेंटिंग में छवियां बहुत ही दृश्यमान और आश्वस्त करने वाली हैं। पेंटिंग एक विमान पर मात्रा और स्थान, प्रकृति को व्यक्त करने, मानवीय भावनाओं और पात्रों की जटिल दुनिया को प्रकट करने, सार्वभौमिक विचारों, ऐतिहासिक अतीत की घटनाओं, पौराणिक छवियों और कल्पना की उड़ानों को मूर्त रूप देने में सक्षम है।

एक स्वतंत्र प्रकार की ललित कला के रूप में चित्रकला के विपरीत, सचित्र दृष्टिकोण (विधि) का उपयोग इसके अन्य प्रकारों में किया जा सकता है: ड्राइंग, ग्राफिक्स और यहां तक ​​​​कि मूर्तिकला में भी। सचित्र दृष्टिकोण का सार किसी वस्तु को आसपास के स्थानिक प्रकाश-वायु वातावरण के साथ टोनल संक्रमण के एक अच्छे क्रम में चित्रित करने में निहित है।

आसपास की दुनिया की वस्तुओं और घटनाओं की विविधता, करीब

उनमें कलाकारों की रुचि 17वीं सदी के दौरान उभरी -

XX सदी चित्रकला की शैलियाँ: चित्र, स्थिर जीवन, परिदृश्य, पशुवत, रोजमर्रा (शैली चित्रकला), पौराणिक, ऐतिहासिक, युद्ध शैलियाँ। कला के कार्यों में शैलियों या उनके तत्वों का संयोजन हो सकता है। उदाहरण के लिए, एक स्थिर जीवन या परिदृश्य एक चित्र छवि को सफलतापूर्वक पूरक कर सकता है।

उपयोग की जाने वाली तकनीकी तकनीकों और सामग्रियों के अनुसार, पेंटिंग को निम्नलिखित प्रकारों में विभाजित किया जा सकता है: तेल, टेम्परा, मोम (एनास्टिक), इनेमल, गोंद, गीले प्लास्टर पर पानी के पेंट (फ्रेस्को), आदि। कुछ मामलों में, यह मुश्किल है पेंटिंग को ग्राफ़िक्स से अलग करें. जल रंग, गौचे और पेस्टल में बनाई गई कृतियाँ पेंटिंग और ग्राफिक्स दोनों से संबंधित हो सकती हैं।

पेंटिंग सिंगल-लेयर हो सकती है, तुरंत की जा सकती है, या मल्टी-लेयर हो सकती है, जिसमें अंडरपेंटिंग और ग्लेज़िंग, सूखे पेंट परत पर लागू पेंट की पारदर्शी और पारभासी परतें शामिल हैं। इससे रंग की बेहतरीन बारीकियाँ और शेड्स प्राप्त होते हैं।

पेंटिंग में कलात्मक अभिव्यक्ति के महत्वपूर्ण साधन हैं, रंग (रंग) के अलावा, स्ट्रोक का स्थान और चरित्र, पेंट की सतह (बनावट) का उपचार, प्रकाश के आधार पर स्वर में सूक्ष्म परिवर्तन दिखाने वाले मूल्य, प्रतिबिंब जो आसन्न रंगों की परस्पर क्रिया से प्रकट होते हैं।

पेंटिंग में आयतन और स्थान का निर्माण रैखिक और हवादार परिप्रेक्ष्य, गर्म और ठंडे रंगों के स्थानिक गुणों, रूप के प्रकाश और छाया मॉडलिंग और कैनवास के समग्र रंग टोन के हस्तांतरण से जुड़ा हुआ है। एक चित्र बनाने के लिए, रंग के अतिरिक्त, आपको चाहिए अच्छा चित्रणऔर अभिव्यंजक रचना. कलाकार, एक नियम के रूप में, रेखाचित्रों में सबसे सफल समाधान की खोज करके कैनवास पर काम शुरू करता है। फिर, जीवन के अनेक सुरम्य रेखाचित्रों में, वह

रचना के आवश्यक तत्वों पर काम करता है। पेंटिंग पर काम ब्रश से रचना बनाने, अंडरपेंटिंग आदि से शुरू हो सकता है

किसी न किसी सचित्र साधन से कैनवास को सीधे चित्रित करना। इसके अलावा, यहां तक ​​कि प्रारंभिक रेखाचित्रों और रेखाचित्रों का भी कभी-कभी स्वतंत्र कलात्मक महत्व होता है, खासकर यदि वे ब्रश से संबंधित हों प्रसिद्ध चित्रकार. चित्रकारी एक अत्यंत प्राचीन कला है, जो पुरापाषाणकालीन शैल चित्रों से लेकर 20वीं सदी की चित्रकला के नवीनतम रुझानों तक कई शताब्दियों में विकसित हुई है। चित्रकला में यथार्थवाद से लेकर अमूर्ततावाद तक के विचारों को साकार करने की व्यापक संभावनाएं हैं। इसके विकास के दौरान विशाल आध्यात्मिक ख़ज़ाना जमा किया गया है। प्राचीन काल में, वास्तविक दुनिया को उसी रूप में पुन: पेश करने की इच्छा पैदा होती थी जैसे कोई व्यक्ति उसे देखता है। इससे काइरोस्कोरो के सिद्धांतों, परिप्रेक्ष्य के तत्वों और वॉल्यूमेट्रिक-स्थानिक चित्रात्मक छवियों का उद्भव हुआ। सचित्र माध्यमों से वास्तविकता को चित्रित करने की नई विषयगत संभावनाएँ खुल गई हैं। चित्रकारी का उपयोग मंदिरों, आवासों, कब्रों और अन्य संरचनाओं को सजाने के लिए किया जाता था और यह वास्तुकला और मूर्तिकला के साथ कलात्मक एकता में थी।

मध्यकालीन चित्रकला मुख्यतः धार्मिक सामग्री पर आधारित थी। यह ध्वनिमय, मुख्य रूप से स्थानीय रंगों की अभिव्यक्ति और आकृति की अभिव्यंजना से प्रतिष्ठित था।

भित्तिचित्रों और चित्रों की पृष्ठभूमि, एक नियम के रूप में, पारंपरिक, अमूर्त या सुनहरी थी, जो अपनी रहस्यमय झिलमिलाहट में दिव्य विचार को मूर्त रूप देती थी। रंग प्रतीकवाद ने एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

पुनर्जागरण के दौरान, ब्रह्मांड के सामंजस्य, मानवकेंद्रितवाद (ब्रह्मांड के केंद्र में मनुष्य) की भावना धार्मिक और पौराणिक विषयों पर सचित्र रचनाओं, चित्रों, रोजमर्रा और ऐतिहासिक दृश्यों में परिलक्षित होती थी। पेंटिंग की भूमिका बढ़ गई है, रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य की वैज्ञानिक रूप से आधारित प्रणाली विकसित हो रही है, काइरोस्कोरो।

अमूर्त पेंटिंग सामने आई, जिसने आलंकारिकता के परित्याग और दुनिया के प्रति कलाकार के व्यक्तिगत दृष्टिकोण, भावनात्मकता और रंग की पारंपरिकता, अतिशयोक्ति और ज्यामितिकरण की सक्रिय अभिव्यक्ति को चिह्नित किया।

रचनात्मक समाधानों के रूप, अलंकरण और साहचर्य।

20वीं सदी में पेंटिंग बनाने के लिए नए रंगों और तकनीकी साधनों की खोज जारी है, जिससे निस्संदेह पेंटिंग में नई शैलियों का उदय होगा, लेकिन तेल चित्रकला अभी भी कलाकारों की सबसे पसंदीदा तकनीकों में से एक बनी हुई है।