Kładąc podwaliny pod jej światową sławę. Plakat o pracę V. Serowa z sylwetką A. Pavlovej na zawsze stał się symbolem „rosyjskich pór roku”. 1910 Pavlova koncertowała z własną trupą w wielu krajach na całym świecie. Choreograf Michaił Fokin specjalnie dla zespołu A. Pawłowej wystawił kilka baletów, z których jednym był „Siedem córek króla gór”. Ostatni występ baletnicy w Teatr Maryjski miało miejsce w 1913 i w Rosja- V 1914, po czym się osiedliła Anglia i nigdy nie wrócił do Rosji. 1921 -1925 Anna Pavlova koncertowała USA, organizatorem jej wycieczki był Amerykanin impresario Pochodzenie rosyjskie Salomon Jurok. W 1921 Wystąpiła także Anna Pavlova Indie i przykuł uwagę indyjskiej opinii publicznej Delhi , Bombaj I Kalkuta Imię Pavlovej stało się legendarne już za życia baletnicy.
Karsavina Tamara Platonovna
Baletnica urodziła się 25 lutego ( 9 marca) 1885 V Petersburg w rodzinie tancerza cesarskiej trupy Platona Karsawina i jego żony Anny Iosifovnej z domu Chomyakowej, córki kuzynki (tj. pra-siostrzenica) słynny słowianofil A.S. Brat - Lew Karsawin, rosyjski filozof. W 1902 Ukończyła Imperialną Szkołę Teatralną, gdzie nauczyła się podstaw baletu od nauczyciela Aleksandra Gorskiego, a następnie dołączyła do trupy Teatr Maryjski . Karsavina szybko osiągnęła status primabaleriny i grała główne role w baletach klasycznego repertuaru - „Giselle”, „Śpiąca królewna”, „Dziadek do orzechów”, „ Jezioro Łabędzie„, „Karnawał” itp. Od 1909 roku na zaproszenie Siergieja Diagilewa Karsavina zaczęła występować na organizowanych przez niego tournée rosyjskich tancerzy baletowych po Europie, a następnie w Balecie Rosyjskim Diagilewa. Najbardziej znaczącymi dziełami baletnicy w okresie współpracy z Diagilewem były główne role w baletach „Ognisty ptak”, „Upiór w operze”, „Pietruszka” (w inscenizacji Michaiła Fokina), „Szaleństwa kobiet” itp. Na emigracji kontynuowała występy na scenie i tournée z Baletem Rosyjskim Diagilewa, studiowała działalność dydaktyczna. Ponadto na początku lat dwudziestych pojawiła się baletnica role epizodyczne w kilku filmach niemych wyprodukowanych w Niemczech i Wielkiej Brytanii, m.in. w filmie „Droga do siły i piękna” 1925. W latach 1930-1955. pełniła funkcję wiceprezesa Królewskiej Akademii Tańca Tamara Karsavina zmarła 26 maja 1978 roku w Londynie w wieku 93 lat.
Ułanowa Galina Siergiejewna
Urodzony 8 stycznia 1910 roku (nowy styl) w Petersburgu w rodzinie artystycznej. W 1928 roku ukończyła Leningradzką Szkołę Choreograficzną, gdzie przez pierwsze sześć lat uczyła się u swojej matki M. F. Romanowej, a następnie u słynnego nauczyciela A. Ya Vaganowej Teatr Opera i Balet im. S. M. Kirowa (od 1992 Teatr Maryjski). Zadebiutowała skomplikowaną rolą Odety-Odyli w balecie P. I. Czajkowskiego „Jezioro łabędzie”. W 1941 r. Ulanova została laureatką Nagrody Stalina (tytuł ten przyznano jej także w 1946, 1947 i 1950 r.). W 1944 r. baletnica została zaproszona do Moskwy i została solistką Teatru Bolszoj. Ulanova tańczyła na jej scenie do 1960 roku, tworząc niezapomniane obrazy zarówno w klasycznym repertuarze baletowym rosyjskim, jak i zagranicznym. Balerina zwróciła się także ku twórczości współczesnych kompozytorów. W ten sposób Ulanova w oszałamiający sposób ucieleśniała wizerunek Julii na scenie w balecie S. S. Prokofiewa „Romeo i Julia”. W 1951 roku Galina Sergeevna otrzymała tytuł Artysty Ludowego ZSRR. Jej talent został doceniony na całym świecie. Kiedy w 1956 roku Teatr Bolszoj po raz pierwszy udał się na tournée do Londynu, Ulanova odniosła triumf sukces w rolach Giselle (w balecie pod tym samym tytułem A. Adama) i Julii. Jej ulubioną bohaterką była Julia.
Jest jedyną baletnicą, której za jej życia postawiono pomniki (w Leningradzie i Sztokholmie). Ostatnim baletem, w którym Ulanova tańczyła, był „Chopiniana” do muzyki F. Chopina. Po zejściu ze sceny kontynuowała pracę Teatr Bolszoj już jako nauczyciel-wychowawca. Wśród jej uczniów są E. Maksimowa, V. Wasiliew, L. Semenyaka i wielu innych. A. N. Tołstoj nazwał Ułanową „zwykłą boginią”. Zmarła 22 września 1998 w Moskwie.
Jurij Timofiejewicz Żdanow
Jurij Timofiejewicz Żdanow (29 listopada [według innych danych 29 września] 1925, Moskwa - 1986, Moskwa) - Artysta Ludowy RSFSR, choreograf, pedagog, artysta. Brązowy jeździec„, „Czerwony mak”, „Chopiniana”, „Jezioro łabędzie”, „Śpiąca królewna”, „Raymonda”, „Don Kichot”, „Płomienie Paryża”, „Gayane”, „Firebird”, „Noc Walpurgii” itp. ., prowadził dużą działalność koncertową. W latach 1951-1960 był stałym partnerem Galiny Ulanovej, występował z nią w pierwszych sześciu wymienionych baletach oraz w programie koncertowym. Razem koncertowali po miastach ZSRR (1952), a w kolejnych latach uczestniczyli w pierwszych tournée baletu radzieckiego w Paryżu (1954, 1958), Londynie (1956), Berlinie (1954), Hamburgu, Monachium, Brukseli (1958). ), Nowy Jork, Waszyngton, Los Angeles, San Francisco, Toronto, Ottawa, Montreal (1959), grał w filmach („Romeo i Julia”). W 1953 roku w studiu filmowym Lenfilm nakręcono film „Mistrzowie baletu rosyjskiego”. W filmie znalazły się fragmenty baletów Borysa Asafiewa „Fontanna Bachczysaraja” i „Płomień Paryża”, a także baletu „Jezioro łabędzie” P. I. Czajkowskiego. Jurij Żdanow zagrał jedną z głównych ról w tym filmie. Yu. Zhdanov występował także ze Svetlaną Adyrkhaevą, Sofią Golovkiną, Olgą Lepeshinską, Ekateriną Maximovą, Mayą Plisetską, Raisą Struchkovą, Niną Timofeevą, Allą Shelest oraz innymi rosyjskimi i zagranicznymi baletnicami. Widzowie z ponad trzydziestu krajów są zaznajomieni sztuka choreograficzna Jurij Żdanow. Pod koniec swojej kariery scenicznej Yu Żdanow był dyrektorem artystycznym Państwowego Zespołu Koncertowego „Balet Klasyczny” (1971–1976), dla którego wystawił balet „Francesca da Rimini” P. Czajkowskiego, „Wiosenną Fantazję”. R. Drigo, „Suita choreograficzna” K. Akimowa, miniatury koncertowe „Młode głosy” J. Bendy, „Etiuda-malarstwo” S. Rachmaninowa i wiele innych. Do swoich przedstawień sam Żdanow stworzył scenografia i kostiumy. W latach 1981-1986. Żdanow wykładał w GITIS, gdzie prowadził kursy „Sztuka choreografa” oraz „Teatr i artysta baletowy”. miał ponad piętnaście wystaw osobistych w kraju i za granicą.
Od 1967 członek Związku Artystów ZSRR. Ponad 150 dzieł Yu Żdanowa - obrazów i grafik - znajduje się w muzeach w naszym kraju, około 600 dzieł zostało zakupionych do kolekcji prywatnych.
Jurij Timofiejewicz Żdanow zmarł 9 kwietnia 1986 roku w Moskwie na zawał serca.
Po śmierci Żdanowa jego sława jako artysty coraz bardziej rosła. Film telewizyjny „Jurij Żdanow. Karty życia artysty i artysty” (1988). W ostatnich latach wystawy osobiste mistrza z sukcesem odbywały się w Moskwie i innych miastach, wiele dzieł trafiło do prywatnych kolekcji w Rosji, Anglii, USA, Niemczech, Włoszech, Japonii, Finlandii i Grecji;
Plisiecka Maja Michajłowna Maja Michajłowna urodziła się 20 listopada 1925 r. Jest naprawdę największą baletnicą. Jest piękna, elegancka, mądra. Tańczyła w wielu przedstawieniach: .
W sztuce plastycznej Mayi Plisetskiej sztuka tańca » ( 1961 osiąga wysoką harmonię Najbardziej znane role: Odette-Odile w Jeziorze łabędzim, Aurora w Śpiąca piękność), Raymonda balet o tej samej nazwie » Głazunow, Pani Miedzianej Góry w „ Kamienny kwiat » Prokofiew, Mehmene-Banu” Legenda miłości Melikova
, Carmen ( Apartament Carmen Rodiona Szczedrina). Plisetskaya działała jako choreograf i wystawiła następujące balety:„Anna Karenina” R.K. Szczedrin (1972 wraz z N. I. Ryzhenko i V.V. Smirnov-Golovanov, Teatr Bolszoj; Plisetskaya – pierwsza wykonawczyni głównej roli),), "Frajer" R. K. Szczedrin (1980, Teatr Bolszoj; Plisiecka - pierwsza odtwórczyni głównej roli), „Rajmonda” A. K. Głazunowa (1984, Opera w Łaźniach Karakalli,
Rzym „Pani z psem” R.K. Szczedrin (1985, Teatr Bolszoj; Plisetskaya - pierwsza odtwórczyni głównej roli). W latach 80. Plisetskaya i Shchedrin spędziły dużo czasu za granicą, gdzie pracowała jako dyrektor artystyczna Rzymski Teatr Opery i Baletu (1983-1984), a także Hiszpańskiego Baletu Narodowego w Madrycie (1988-1990). Opuściła scenę w wieku 65 lat; Po długo brał udział w koncertach i prowadził kursy mistrzowskie. W swoje 70. urodziny zadebiutowała w specjalnie dla niej napisanym numerze. Bejara „Ave Maya” Z 1994 Plisetskaya jest przewodniczącą corocznego międzynarodowego spotkania).
konkurs baletowy
, nosząca nazwę „Maja” (
W latach 1958–1988 była czołową tancerką baletową Teatru Bolszoj. Doskonała znajomość tańca klasycznego, doskonały wygląd, kunszt i urok osobisty pozwoliły Maximovej opanować tradycyjny repertuar teatru. Następnie pojawiły się balety Giselle (wersja tradycyjna, muzyka A. Adam), Don Kichot A.A. Gorski (muzyka L. Minkusa), Śpiąca Królewna (wydanie tradycyjne, następnie Yu.N. Grigorowicza, muzyka Czajkowskiego) i inni Maksimowa występowali także w większości nowych baletów wystawianych w latach 60.–70. XX wieku. w przedstawieniach Grigorowicza, gdzie często była pierwszą wykonawczynią (Dziadek do orzechów, 1966; Spartakus, muzyka A.I. Chaczaturiana, 1968, rola Frygii itp.). Maksimowa była stałym partnerem jej męża V.V. Wasilijewa i tańczył w wystawianych przez niego przedstawieniach w Teatrze Bolszoj i poza nim: Ikar (muzyka S.M. Słonimski, 1976; Anyuta, muzyka V.A. Gavrilin, 1986; Kopciuszek, muzyka S.S. Prokofiewa, 1991) . Za granicą grała główne role w baletach Maurice'a Bejarta (Romeo i Julia do muzyki G. Berlioza), Rolanda Petita (Błękitny Anioł, do muzyki M. Constant), Johna Cranko (Oniegin, do muzyki Czajkowskiego). K.Ya współpracowała z Maximovą. Goleizovsky'ego, który w 1960 roku wystawił dla niej jeden ze swoich najlepszych numerów - Mazurek do muzyki A.N. Skriabin. Jej karierę niemal zakończył uraz kręgosłupa, którego doznała podczas próby do baletu „Iwan Groźny”. Doszło do trudnego górnego wsparcia, z którego baletnica wyszła bezskutecznie. W rezultacie jej kręg „wyskoczył”. Jej normalny ruch był kwestionowany. Ale ona przy pomocy męża i siły woli poradziła sobie z chorobą. Przez cały rok nosiła specjalny gorset i wykonywała ćwiczenia opracowane dla niej przez Wasiliewa. 10 marca 1976 roku Ekaterina Maksimova ponownie pojawiła się na scenie Bolszoj. W „Giselle”. Szczególne znaczenie w twórczości Maximovej miał jej udział w baletach telewizyjnych, który ujawnił nową jakość jej talentu - talent komediowy (Galatea według Pygmaliona B. Shawa, muzyka F. Lowe'a, aranżacja T.I. Kogana, choreograf D.A. Bryantsev; Stare tango, muzyka Kogan, ten sam choreograf). Twórczość Maksimowej, a zwłaszcza jej udział w słynnym duecie Maksimowa - Wasiliew, uchwycony w filmie telewizyjnym „Duet” (1973) i francuskim filmie wideo „Katya i Wołodia” (1989), cieszy się światowym uznaniem. W 1980 roku Maksimowa ukończyła studia na Uniwersytecie im Instytut Państwowy sztuki teatralne nazwany na cześć A.V. Łunaczarski (obecnie Akademia Rosyjska sztuka teatralna). Od 1982 roku rozpoczęła naukę dziedzictwa klasycznego i kompozycji tańca na wydziale choreografii tego instytutu (w 1996 roku uzyskała tytuł naukowy profesora). Od 1990 roku Maksimova jest nauczycielką i wychowawcą w teatrze „ Balet Kremlowski„. Od 1998 r. - choreograf-powtórnik Teatru Bolszoj (przestała być solistką zespołu w 1988 r.).
Łopatkina Ulyana Wiaczesławowna
Artysta Ludowy Rosji (2005).
Laureat Nagrody Państwowej Rosji (1999).
Laureat Międzynarodowego Konkursu Vaganova-Prix (1991).
Laureatka nagród: „Złoty Reflektor” (1995), „Boska” z tytułem „Najlepsza Balerina” (1996), „ Złota maska„(1997), Benois de la Danse(1997), „Bałtyka” (1997, 2001: Grand Prix za rozsławienie światowej sławy Teatru Maryjskiego), Norma wieczorna (1998), Nagrody światowego tańca w Monako(2001), „Triumf” (2004).
W 1998 roku otrzymał honorowy tytuł „Artysta Jej Królewskiej Mości Sceny Cesarskiej Suwerennej Rosji” i został odznaczony medalem „Człowiek-Stwórca”.
Urodzony w Kerczu (Ukraina).
Ukończył Akademię Baletu Rosyjskiego. A. Ya. Vaganova (klasa profesora Natalii Dudinskiej).
Od 1991 roku związany z zespołem Teatru Maryjskiego.
Od 1995 - solista.
„Giselle” (Myrtha, Giselle);
„Korsarz” (Medora);
„La Bayadère” (Nikia) – pod redakcją Vakhtanga Chabukianiego;
Wielki pas z baletu „Paquita” (solista);
„Śpiąca królewna” (Liliowa wróżka) – pod redakcją Konstantina Siergiejewa;
„Jezioro łabędzie” (Odette-Odile);
„Raymonda” (Raymonda, Clémence);
„Łabędź”, „Szeherezada” (Zobeide) – choreografia Michaił Fokin;
„Fontanna Bakczysaraja” (Zarema);
„Legenda miłości” (Mechmene Banu);
„Symfonia Leningradzka” (Dziewczyna);
Pas de quatre (Maria Taglioni) – choreografia: Anton Dolin;
„Serenada”, „Symfonia C-dur” (część II Adagio), „Klejnoty” („Diamenty”), „II Koncert fortepianowy” ( Balet Imperial), „Temat i wariacje”, „Walc”, „Scottish Symphony” – choreografia: George Balanchine;
„In the Night” (część III) – choreografia: Jerome Robbins;
„Młody człowiek i śmierć” – choreografia Rolanda Petita;
„Goya Divertimento” (Śmierć); choreografia: Jose Antonio;
„Dziadek do orzechów” (fragment „Nauczyciel i uczeń”) – choreografia: John Neumeier;
„Pocałunek wróżki” (Wróżka), „Wiersz ekstazy”, „Anna Karenina” (Anna Karenina) – choreografia Aleksieja Ratmańskiego;
– choreografia: William Forsythe;
Trois Gnossienes– choreografia: Hans van Manen;
„Tango” – choreografia Nikołaja Androsowa;
Wielkie pas de deux– choreografia: Christian Spuck
Zacharowa Swietłana Juriewna
W Teatrze Maryjskim
1996
Księżniczka Florina(Śpiąca królewna P. Czajkowskiego, choreografia M. Petipa, poprawiona K. Siergiejew)
Królowa Driad(Don Kichot L. Minkus, choreografia M. Petipa, A. Gorsky)
Pas de deux Czajkowskiego(choreografia: J. Balanchine)
„Umierający łabędź”(do muzyki C. Saint-Saënsa, choreografia M. Fokine’a)
Maria(„Fontanna Bakczysaraja” B. Asafiewa, choreografia R. Zacharowa)
Masza(„Dziadek do orzechów” P. Czajkowskiego, choreografia V. Vainonena)
1997
Gulnara(„Korsarz” A. Adama, choreografia M. Petipy, opr. P. Gusiewa)
Giselle(„Giselle” A. Adama, choreografia J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa)
Mazurek i walc siódmy(„Chopiniana”, choreografia M. Fokine)
1998
Księżniczka Aurora(„Śpiąca królewna”)
Terpsychora(„Apollo” I. Strawińskiego, choreografia J. Balanchine)
Solista(„Serenada” do muzyki P. Czajkowskiego, choreografia J. Balanchine’a)
Odeta-Odylia(„Jezioro łabędzie” P. Czajkowskiego, choreografia M. Petipy, L. Iwanowa, poprawiona przez K. Siergiejewa)
Solista(„Poemat ekstazy” do muzyki A. Skriabina, inscenizacja A. Ratmansky’ego)
1999
Solista pierwszej części(„Symfonia C-dur” do muzyki J. Bizeta, choreografia J. Balanchine’a)
Księżniczka Aurora(„Śpiąca królewna”, rekonstrukcja przedstawienia M. Petipy autorstwa S. Vikhareva)
Medora("Korsarz")
Nikia(„Bajadera” L. Minkusa, choreografia M. Petipy, rewizja: V. Ponomarev i V. Chabukiani)
2000
Solista w „Diamentach” do muzyki P. Czajkowskiego(„Klejnoty”, choreografia J. Balanchine)
Manon(„Manon” do muzyki J. Masseneta, choreografia K. McMillana)
Kitri(„Don Kichot”)
2001
Solista(„Teraz i wtedy” do muzyki M. Ravela, ins. J. Neumeiera)
Panna(„Młoda dama i chuligan” do muzyki D. Szostakowicza, choreografia K. Boyarskiego)
Zobeida(„Szeherezada” do muzyki N. Rimskiego-Korsakowa, choreografia M. Fokina)
2002
Julia(„Romeo i Julia” S. Prokofiewa, choreografia L. Ławrowskiego)
Solista(grand pas z baletu „Paquita” L. Minkusa, choreografia M. Petipy)
Solista(„Średni Duet” do muzyki Y. Khanona, inscenizacja A. Ratmansky'ego)
2003
Solista(Etiudy" do muzyki K. Czernego, choreografia H. Landera)
Jednym ze stałych partnerów baletnicy był Igor Zełenski.
W Teatrze Bolszoj
W sezonie 2003/2004
Svetlana Zakharova przeniosła się do trupy Teatru Bolszoj, gdzie została jej nauczycielką-wychowawczynią Ludmiła Semenyaka
, także przedstawiciel petersburskiej szkoły baletowej.
Balerina została przedstawiona zespołowi teatru podczas tradycyjnego spotkania zespołu, które odbyło się 26 sierpnia 2003 roku. Jej debiut jako solistka Teatru Bolszoj odbył się 5 października w balecie „Giselle” (pod red. V. Wasiliewa). Przed przeprowadzką do Moskwy tańczyła ten spektakl trzykrotnie w Teatrze Bolszoj.
2003
Giselle(„Giselle”)
Galaretka(„Córka faraona” C. Pugni, inscenizacja P. Lacotte wg M. Petipy)
Odeta-Odylia(„Jezioro łabędzie” P. Czajkowskiego w drugim wydaniu Yu. Grigorowicza, wykorzystano fragmenty choreografii M. Petipy, L. Iwanowa, A. Gorskiego)
2004
Księżniczka Aurora(„Śpiąca królewna” P. Czajkowskiego, choreografia M. Petipa, poprawiona przez Yu. Grigorowicza)
Solista części II(„Symfonia C-dur”)
Nikia(„Bajadera”, poprawiona przez Yu. Grigorowicza)
Kitri(Don Kichot L. Minkusa, choreografia M. Petipy, A. Gorsky'ego, poprawiona przez A. Fadeecheva)
Hippolyta(Tytania) („Sen nocy letniej” do muzyki F. Mendelssohna-Bartholdy’ego i D. Ligetiego, ins. J. Neumeiera) –
2005
Raymonda(„Raymonda” A. Głazunowa, choreografia M. Petipy, poprawiona przez Yu. Grigorowicza)
Carmen(„Carmen Suite” J. Bizeta – R. Szczedrina, inscenizacja A. Alonso)
2006
Kopciuszek(„Kopciuszek” S. Prokofiewa, choreografia Y. Posokhova, reżyseria Y. Borysowa) - pierwszy wykonawca
2007
Solista(„Serenada” do muzyki P. Czajkowskiego, choreografia J. Balanchine'a) - pierwszy wykonawca Teatru Bolszoj
Medora(„Korsarz” A. Adama, choreografia M. Petipy, produkcja i nowa choreografia A. Ratmansky'ego i Y. Burlaka) - pierwszy wykonawca
Solista(„Koncert klasowy” do muzyki A. Głazunowa, A. Lyadova, A. Rubinsteina, D. Szostakowicza, choreografia A. Messerera)
2008
Egina(„Spartakus” A. Chaczaturiana, choreografia Y. Grigorowicza)
Para w kolorze żółtym(„Russian Seasons” do muzyki L. Desyatnikova, inscenizacja A. Ratmansky'ego) - był jednym z pierwszych wykonawców baletu w Teatrze Bolszoj
Paquita(Duże klasyczne pas z baletu „Paquita” L. Minkusa, choreografia M. Petipy, produkcja i nowa wersja choreograficzna Y. Burlaka)
2009
Swietłana(„Super gra Zakhara” E. Palmieri, inscenizacja F. Ventriglia) - światowa premiera
2010
Śmierć(„Młodość i śmierć” do muzyki J. S. Bacha, inscenizacja R. Petita) - pierwszy wykonawca Teatru Bolszoj
Pierwsze i dwa kolejne przedstawienia „Córki faraona” z udziałem Zacharowej zostały sfilmowane na potrzeby wydania baletu na DVD przez francuską firmę Bel Air Media.
15 czerwca 2005 r. Na Głównej Scenie Teatru Bolszoj odbył się pierwszy twórczy wieczór Swietłany Zakharowej, którego program obejmował obraz „Cienie” z baletu „La Bayadere” (Solor - solista Teatru Maryjskiego Igor Zełenski)
„Średni Duet” w inscenizacji A. Ratmansky'ego(partner - solista Teatru Maryjskiego Andrey Merkuryev)
duet z baletu „Trochę podniesione pośrodku” do muzyki T. Wilemsa, inscenizacja W. Forsytha (partner - Andrey Merkuryev)
trzeci akt baletu „Don Kichot” (Bazil – Andrei Uvarov) i szereg numerów w wykonaniu solistów baletu Teatru Bolszoj
Wisznwa Diana Wiktorowna
Artysta Ludowy Rosji
Laureat Nagrody Państwowej Rosji
Laureatka Międzynarodowego Konkursu Baletowego (Lozanna, 1994)
Zdobywca nagrody Benois de la Danse(1996), „Złoty Reflektor” (1996, 2011), „Bałtika” (1998), „Złota Maska” (2001), „Tancerz Roku – 2002” ( Tancerz Europy), nagroda magazynu „Balet” (2003)
Laureat krajowy nagroda teatralna„Złota Maska” (2009) w trzech kategoriach: „Najlepszy kobieca rola”, „Modern Dance/Female Role” i „Critics Prize” („Diana Vishneva: Beauty in Motion”, projekt Siergieja Danilyana, USA-Rosja)
Diana Wiszniewa urodziła się w Leningradzie. Ukończył Akademię Baletu Rosyjskiego. A. Ya. Vaganova (klasa profesora Ludmiły Kowalowej). W ubiegłym roku Studia połączyłam ze stażem w Teatrze Maryjskim. W 1995 roku Diana Vishneva została przyjęta do trupy Teatru Maryjskiego, a od 1996 roku jest solistką Teatru Maryjskiego.
Diana Vishneva aktywnie występuje w czołowych scenach teatralnych w Europie. W 2001 roku zadebiutowała w monachijskim Staatsballett (Manon Kennetha MacMillana) i La Scali (Aurora – Śpiąca królewna w wersji Rudolfa Nurejewa), a w 2002 roku wystąpiła na scenie Opery Paryskiej (Kitri – Don Kichot w inscenizacji wersja Rudolfa Nurejewa). W 2003 roku zadebiutowała na scenie Metropolitan Opera w Nowym Jorku (Julia – Romeo i Julia, choreografia Kennetha MacMillana).
Od 2002 roku Diana Vishneva jest gościnną solistką Staatsoper (Berlin), wykonując główne role w baletach „Giselle”, „La Bayadère”, „Jezioro łabędzie” (wersja Patrice’a Barthesa), „Ring Around the Ring” Maurice’a Béjarta, „Manon” i „Śpiąca królewna”. Od 2005 roku baletnica występuje gościnnie jako solistka na scenie American Ballet Theatre (tańczyła w baletach Jezioro Łabędzie, Giselle, Don Kichot, Manon, Romeo i Julia, Balet Imperial, „Śpiąca Królewna”, Sen„Bajadera”). W American Ballet Theatre Diana Vishneva wykonała główne role w baletach: „Sylvia” i Tajskie Pas de deux(choreografia: Frederick Ashton), „Nad Dnieprem” (choreografia Aleksiej Ratmanski), „Dama z kameliami” (choreografia: John Neumeier) i „Oniegin” (choreografia: John Cranko).
Diana Vishneva aktywnie współpracuje ze znanymi współczesnymi choreografami i reżyserami. W 2005 roku na scenie Teatru Maryjskiego odbyła się premiera baletu Petera Zuski „Ręce morza”, wystawionego specjalnie dla Diany Wiszniewej. W 2007 roku Andrei Moguchiy i Alexey Kononov wystawili sztukę „Silenzio. Diana Wiszniewa. W lutym 2008 roku Diana Vishneva we współpracy z Ardani Artists Management i Orange County Performing Arts Centre zaprezentowała program „Beauty in Motion” („Pierrot Lunaire” Aleksieja Ratmanskiego, „Turns of Love” Dwighta Rodina, PRZEPŁYW. Mojżesza Pendletona).
W marcu 2011 roku na scenie Teatru Maryjskiego odbyła się premiera baletu „Park” (choreografia Angelina Preljocaja) z udziałem Diany Vishnevy. W październiku tego samego roku baletnica zaprezentowała projekt „Diana Vishneva: Dialogues”, realizowany przy wsparciu Teatru Maryjskiego, Fundacji Diany Vishneva i firmy Ardani Artists.
Repertuar na scenie Teatru Maryjskiego:
„Giselle” (Myrtha, Zulma) – choreografia: Jean Coralli, Jules Perrot, Marius Petipa;
„Korsarz” (Gulnara, Medora) – produkcja Piotra Gusiewa na podstawie kompozycji i choreografii Mariusa Petipy;
Grand pas z baletu Paquita (wariacja) – choreografia Marius Petipa;
„La Bayadère” (Nikia); choreografia Mariusa Petipy, poprawiona przez Vladimira Ponomareva i Vakhtanga Chabukianiego;
„Śpiąca królewna” (Aurora); choreografia Mariusa Petipy, poprawiona przez Konstantina Siergiejewa;
„Dziadek do orzechów” (Masza) – choreografia Wasilij Vainonen, a także produkcja Michaiła Szemyakina z choreografią Kirilla Simonowa;
„Jezioro łabędzie” (Odette-Odile); choreografia Mariusa Petipy i Lwa Iwanowa, poprawiona przez Konstantina Siergiejewa;
„Raymonda” (Raymonda); choreografia Mariusa Petipy, poprawiona przez Konstantina Siergiejewa;
balety Michaiła Fokine’a: Szeherezada (Zobeide), Ognisty ptak (Firebird), Wizja róży, Łabędź;
Pas quatre(Fanny Cerrito) – choreografia: Anton Dolin;
Grand pas classique – choreografia Wiktora Gzowskiego;
„Legenda miłości” (Mechmene-Banu) – choreografia Jurij Grigorowicz;
„Carmen Suite” (Carmen); choreografia: Alberto Alonso;
balety George’a Balanchine’a: „Apollo” (Terpsichore), „Symfonia C-dur” (część III), Czajkowski Pas de deux, „Klejnoty” („Rubiny”), II Koncert fortepianowy ( Balet Imperial);
„In the Night” (I duet) – choreografia: Jerome Robbins;
„Młody człowiek i śmierć”, „Carmen” (Carmen) – choreografia Rolanda Petita;
„Manon” (Manon); choreografia: Kenneth MacMillan;
Wiosna i jesień, teraz i wtedy,„The Sound of Blank Pages” – choreografia: John Neumeier;
balety Aleksieja Ratmańskiego: „Wiersz ekstazy”, „Kopciuszek” (Kopciuszek), „Anna Karenina” (Anna Karenina);
balet Williama Forsythe’a: W środku lekko podwyższony I Tekst krokowy;
„Park” – choreografia: Angelin Preljocaj;
„Diana Wiszniewa: piękno w ruchu” („Pierrot Lunaire” Aleksieja Ratmanskiego, „Z miłości do kobiety” Dwighta Rhodena, „Zwroty miłości” Mosesa Pendletona);
„Diana Vishneva: Dialogi” („Labirynt” Marthy Graham, „Dialog” Johna Neumeiera, „Object of Change” Paula Lightfoota i Sol Leona).
Tereszkina Wiktoria Waleriewna
Czczony Artysta Rosji (2008)
Laureatka IX Międzynarodowego Konkursu Baletowego „Arabeska-2006” (Perm, 2006). Laureatka nagrody magazynu „Balet” – „Dusza Tańca” w kategorii „ Wschodząca Gwiazda„(2006)
Laureatka najwyższej nagrody teatralnej Petersburga „Złoty Sofit” w kategorii „Najlepsza aktorka w przedstawieniu baletowym” za rolę Królowej Morza w balecie „Ondine” (2006)
Laureatka najwyższej nagrody teatralnej Petersburga „Złoty Sofit” w kategorii „Najlepsza rola kobieca w przedstawieniu baletowym” w przedstawieniu baletowym Przybliżona Sonata– choreografia Williama Forsytha. (2005)
Laureatka Międzynarodowej Nagrody Baletowej „DANCE OPEN” w kategorii „Miss Wirtuozerii” (2010 i 2011)
Urodzony w Krasnojarsku.
W 2001 roku ukończyła Akademię Baletu Rosyjskiego. A. Ya. Vaganova (klasa Marina Vasilyeva).
Od 2001 roku związany z trupą Teatru Maryjskiego.
W repertuarze:
„Giselle” (Giselle, Myrta, Zulma);
„Korsarz” (Medora);
„Bajadera” (Nikia, Gamzatti);
„Śpiąca Królewna” (Aurora, Złota Wróżka, Wróżka Diamentów);
„Jezioro łabędzie” (Odette-Odile); choreografia Mariusa Petipy i Lwa Iwanowa, poprawiona przez Konstantina Siergiejewa;
„Raymonda” (Raymonda); choreografia Mariusa Petipy, poprawiona przez Konstantina Siergiejewa;
„Don Kichot” (Kitri) – choreografia Aleksandra Gorskiego;
„Szeherezada” (Zobeide) – choreografia Michaił Fokin;
„Spartakus” (Frygia) – choreografia Leonida Yakobsona;
„Romeo i Julia” (Julia) – choreografia Leonida Ławrowskiego;
„Legenda miłości” (Mekhmene Banu) – choreografia Jurij Grigorowicz;
Wielki pas klasyczny– choreografia: Wiktor Gzowski;
balety George’a Balanchine’a: „Apollo” (Polihymnia, Terpsichore, Kaliope), „Serenada”, „Symfonia C-dur” (część I), „Sen nocy letniej” (Tytania), „Temat i wariacje”, „Cztery Temperamenty”, Czajkowski Pas de deux, „Klejnoty” („Rubiny”, „Diamenty”), „II Koncert fortepianowy” ( Balet Imperial), Tarantella;
„In the Night” – choreografia: Jerome Robbins;
„Młody człowiek i śmierć” (Śmierć) – choreografia Rolanda Petita;
„Manon” (kurtyzany); choreografia: Kenneth MacMillan;
„Etiudy” (solista) – choreografia: Harald Lander;
„Ondine” (Królowa Morza); choreografia: Pierre Lacotte;
balety Aleksieja Ratmańskiego: „Anna Karenina” (Anna Karenina), „Kopciuszek” (Chudyszka, taniec kobiecy), „Mały garbaty koń” (Carska Dziewica);
„Delikatnie, ogniem” ( Dolce, con fuoco) – choreografia: Svetlana Anufrieva;
„Dziadek do orzechów” (Masza, siostry Dziadka do orzechów) – produkcja Michaił Szemyakin, choreografia Kirył Simonow;
balet Williama Forsythe’a: Przybliżona Sonata, pośrodku, nieco podwyższona;
„Pierścień” – choreografia Aleksiej Miroshnichenko;
„Aria Interrupted” (solista) – choreografia: Peter Quantz;
„Bolero Factory” (Soul) – choreografia Jurija Smekalowa;
„Park” (solista) – choreografia: Angelin Preljocaj.
Pierwsza wykonawczyni ról Królowej Morza (Ondine w choreografii Pierre'a Lacotte'a, 2006), Carskiej Dziewicy (Mały garbaty koń w choreografii Aleksieja Ratmańskiego, 2009) i Frygii (Spartakus w choreografii Leonida Yakobsona, 2010) ).
Plejady wschodzące gwiazdy Balet rosyjski
Krystyna Shapran
Anna Tichomirowa
Siergiej Polunin
Artem Owczarenko
Kristina Andreeva i Oleg Ivenko
17 marca wielki rosyjski tancerz Rudolf Nurejew skończyłby 78 lat. Klasyk baletu Roland Petit nazwał Nuriewa niebezpiecznym, prasa nazwała go szalonym Tatarem, a gwiazdy rocka i członkowie rodziny królewskiej wyznali mu swoją miłość.
WAŁAW NIŻYŃSKI
Sarah Bernhardt wierzyła Niżyńskiemu największy aktorświat, prasa - nie mniej niż ósmy cud świata. Pochodzący z Kijowa, tancerz Teatru Maryjskiego, Niżyński zadebiutował w Paryżu, gdzie zadziwił publiczność i krytykę fenomenalną techniką, plastycznością i smakiem. A najbardziej niesamowite jest to, że jego kariera tancerza trwała tylko dziesięć lat. W 1917 roku po raz ostatni pojawił się na scenie i aż do swojej śmierci w 1950 roku zmagał się ze schizofrenią, przemieszczając się pomiędzy klinikami psychiatrycznymi. Wpływ Niżyńskiego na światowy balet jest trudny do przecenienia, a jego pamiętniki wciąż są odmiennie odczytywane i interpretowane przez specjalistów.
RUDOLF NURIEW Nureyev, jedna z głównych gwiazd rosyjskiego baletu na świecie, była prawdziwą gwiazdą popu, jasną i skandaliczną. Trudny, kłótliwy charakter, arogancja, burzliwe życie osobiste i skłonność do szokowania nie przyćmiły najważniejszego - niesamowitego talentu Nuriewa, któremu udało się połączyć tradycje baletu i aktualne, jak to się teraz mówi, trendy. Pochodzący z Ufy, długo oczekiwany syn, który nie spełnił nadziei swojego wojskowego ojca, który z pogardą nazwał Rudolfa „baletnicą”, wykonał swój najsłynniejszy skok nie na scenie, ale w strefie kontrolnej paryskiego lotniska . W 1961 roku radziecki tancerz Nurejew nagle wystartował z 30 frankami w kieszeni, prosząc o azyl polityczny. Tak rozpoczęła się wspinaczka Nuriewa do światowego baletu Olympus. Sława, pieniądze, luksus, imprezy w Studio 54, złoto, brokat, plotki o romansach z Freddiem Mercurym, Yvesem Saint Laurentem, Eltonem Johnem – i najlepsze role w London Royal Ballet, dyrektor grupy baletowej Wielkiej Opery Paryskiej. Całkowicie chory Nuriew ostatnie sto dni życia spędził w swoim ukochanym Paryżu. Jest tam pochowany.
MICHAŁ BARYSZNIKOW Inny znany przedstawiciel baletu, którego śmiało można nazwać gwiazdą popu, Michaił Barysznikow jest pod wieloma względami podobny do Nurejewa: dzieciństwo na sowieckiej prowincji (jeśli uznamy Rygę za prowincję – to jeszcze nie Moskwa czy Leningrad), zupełne nieporozumienie na temat część ojca i prawdziwy rozwój artystyczny poza ZSRR. Pozostając na Zachodzie w 1974 roku, Barysznikow szybko zdobył przyczółek na szczycie: najpierw stał na czele legendarnego New York City Ballet, a następnie przez dziewięć lat, od 1980 do 1989, kierował nie mniej znanym American Ballet Theatre. Aktywnie i całkiem skutecznie, choć nierównomiernie, występował w filmach, stał się osobą towarzyską i spotykał się z hollywoodzkimi pięknościami Jessicą Lange i Lizą Minnelli. A dla nowej publiczności, dalekiej od baletu (a przy okazji Józefa Brodskiego, z którym Barysznikow miał prawdziwą przyjaźń), to niesamowita osoba zasłynął dzięki niewielkiej, ale zauważalnej roli w serialu „Seks w duże miasto" Sarah Jessica Parker jest jego największą fanką. nazwał Michaiła Barysznikowa twardzielkiem - „ fajny facet" Kto by się kłócił.
WŁADIMIR WASILIEW Włodzimierz Wasiliew jest symbolem Teatru Bolszoj i całego rosyjskiego baletu drugiej połowy XX wieku. Ze względu na fakt, że Wasiliew mieszkał w Związku Radzieckim, jego popularność na Zachodzie jest znacznie gorsza od chwały tego samego Barysznikowa, chociaż koneserzy sztuki oczywiście go znają i cenią. Wasiliew pracował głównie w Europie, stopniowo zmieniając zawód na choreografa. Kazań i Paryż, Rzym i Perm, Wilno i Rio - geografia ruchów twórczych Wasiliewa potwierdza i potwierdza jego kosmopolityzm.
ALEKSANDER GODUNOW Blond gigant, gwiazda Bolszoj, Godunow, w sierpniu 1979 roku podczas tournee po Stanach postanowił nie wracać do domu. Rozpoczął się straszny dramat, w który zaangażowany był nie tylko sam artysta i jego żona baletnica Ludmiła Własowa, ale także Joseph Brodski, FBI, a nawet przywódcy Stanów Zjednoczonych i Związek Radziecki. Pozostając w Stanach, Godunow stał się częścią słynnego Amerykanina teatr baletowy, który ostatecznie odszedł po kłótni ze swoją najlepszy przyjaciel Michaił Barysznikow. Potem była praca w ramach własnego projektu „Godunov i przyjaciele”, sukces, romans z aktorką Jacqueline Bisset i nagłe odejście z zawodu. Bisset namówił Aleksandra do rozpoczęcia kariery filmowej i częściowo mu się to udało: „Świadek” z Harrisonem Fordem, a zwłaszcza „Szklana pułapka” uczyniły wczorajszą tancerkę baletową gwiazdą Hollywood. Jednak sam Godunow nie lubił przebywać na uboczu, choć ci, którzy nawet baletem nie interesowali się, teraz dowiedzieli się o „tym Rosjaninie”.
Słowo „balet” brzmi magicznie. Zamykając oczy, od razu wyobrażasz sobie płonące światła, mrożącą krew w żyłach muzykę, szelest tutu i lekki stukot pointów na parkiecie. Spektakl ten jest niezrównanie piękny, można go śmiało nazwać wielkim osiągnięciem człowieka w dążeniu do piękna.
Publiczność zatrzymuje się, wpatrując się w scenę. Diwy baletowe zadziwiają swobodą i elastycznością, pozornie z łatwością wykonując skomplikowane kroki.
Historia tej formy sztuki jest dość głęboka. Przesłanki powstania baletu pojawiły się w XVI wieku. I już od XIX wieku ludzie widzieli prawdziwe arcydzieła tej sztuki. Ale czym byłby balet bez słynne baletnice kto uczynił go sławnym? Nasza historia będzie dotyczyć tych najsłynniejszych tancerzy.
Maria Ramberg (1888-1982). Przyszła gwiazda urodzony w Polsce, w rodzinie żydowskiej. Jej prawdziwe imię to Sivia Rambam, ale później zostało zmienione ze względów politycznych. Dziewczyna od najmłodszych lat zakochała się w tańcu, oddając się swojej pasji. Marie pobiera lekcje u tancerzy paryskiej opery, a wkrótce sam Diagilew dostrzega jej talent. W latach 1912–1913 dziewczyna tańczyła z Baletem Rosyjskim, biorąc udział w głównych przedstawieniach. W 1914 roku Marie przeprowadziła się do Anglii, gdzie kontynuowała naukę tańca. W 1918 roku Maria wyszła za mąż. Sama napisała, że to bardziej dla zabawy. Małżeństwo okazało się jednak szczęśliwe i trwało 41 lat. Ramberg miała zaledwie 22 lata, kiedy otworzyła w Londynie własną szkołę baletową, pierwszą w mieście. Sukces był tak oszałamiający, że Maria najpierw zorganizowała własną firmę (1926), a następnie pierwszą stałą zespół baletowy w Wielkiej Brytanii (1930). Jej występy stają się prawdziwą sensacją, ponieważ Ramberg przyciąga do swojej twórczości najzdolniejszych kompozytorów, artystów i tancerzy. Balerina brała czynny udział w tworzeniu baletu narodowego w Anglii. A imię Marie Ramberg na zawsze przeszło do historii sztuki.
Anna Pawłowa (1881-1931). Anna urodziła się w Petersburgu, jej ojciec był przedsiębiorcą kolejowym, a matka pracowała jako prosta praczka. Jednak dziewczynie udało się wstąpić do szkoły teatralnej. Po ukończeniu studiów w 1899 roku wstąpiła do Teatru Maryjskiego. Tam otrzymała role w klasycznych produkcjach - „Bajadera”, „Giselle”, „Dziadek do orzechów”. Pavlova miała doskonałe naturalne zdolności i stale doskonaliła swoje umiejętności. W 1906 roku była już czołową baletnicą teatru, ale prawdziwa sława przyszła do Anny w 1907 roku, kiedy zabłysnęła w miniaturze „Umierający łabędź”. Pavlova miała wystąpić na koncercie charytatywnym, ale jej partner zachorował. Dosłownie z dnia na dzień choreograf Michaił Fokin wystawił nową miniaturę dla baletnicy do muzyki San-Saens. Od 1910 roku Pavlova zaczęła koncertować. Balerina zyskuje światową sławę po wzięciu udziału w rosyjskich sezonach w Paryżu. W 1913 roku po raz ostatni wystąpiła w Teatrze Maryjskim. Pavlova zakłada własną trupę i przenosi się do Londynu. Wraz ze swoimi podopiecznymi Anna podróżuje po świecie balet klasyczny Głazunow i Czajkowski. Tancerka już za życia stała się legendą, zmarła podczas trasy koncertowej w Hadze.
Matylda Kshesinskaya (1872-1971). Pomimo polskiego imienia baletnica urodziła się niedaleko Petersburga i zawsze była uważana za rosyjską tancerkę. O nas wczesne dzieciństwo zadeklarowała chęć tańca, nikt w jej rodzinie nawet nie pomyślał o powstrzymaniu jej od tego pragnienia. Matylda znakomicie ukończyła Cesarską Szkołę Teatralną, dołączając do trupy baletowej Teatru Maryjskiego. Tam zasłynęła znakomitymi kreacjami partii „Dziadka do orzechów”, „Mlady” i innych spektakli. Kshesinskaya wyróżniała się charakterystyczną rosyjską sztuką plastyczną, w którą wplecione zostały notatki szkoły włoskiej. To właśnie Matylda stała się ulubienicą choreografa Fokine’a, który wykorzystywał ją w swoich dziełach „Motyle”, „Eros”, „Eunice”. Rozpoczęła się rola Esmeraldy w balecie o tym samym tytule w 1899 roku nowa gwiazda na scenie. Od 1904 r. Kshesinskaya podróżuje po Europie. nazywana jest pierwszą baletnicą Rosji i czczona jako „Generalissimus rosyjskiego baletu”. Mówią, że Kshesinskaya była ulubienicą samego cesarza Mikołaja II. Historycy twierdzą, że oprócz talentu baletnica miała żelazny charakter i silną pozycję. To jej przypisuje się zwolnienie dyrektora Teatrów Cesarskich, księcia Wołkonskiego. Rewolucja odcisnęła piętno na baletnicy; w 1920 roku opuściła wyczerpany kraj. Kshesinskaya przeprowadziła się do Wenecji, ale nadal robiła to, co kochała. W wieku 64 lat nadal występowała w londyńskim Covent Garden. A legendarna baletnica została pochowana w Paryżu.
Agrypina Waganowa (1879-1951). Ojciec Agrypiny był dyrygentem teatralnym w Teatrze Maryjskim. Jednak do szkoły baletowej udało mu się zapisać tylko najmłodszą ze swoich trzech córek. Wkrótce Jakow Waganow zmarł, rodzina miała tylko nadzieję na przyszłego tancerza. W szkole Agrypina okazała się psotna, ciągle otrzymując złe oceny za swoje zachowanie. Po ukończeniu studiów Vaganova rozpoczęła karierę jako baletnica. Dostała w teatrze wiele trzeciorzędnych ról, ale one jej nie zadowalały. Balerinie oszczędzono partii solowych, a jej wygląd nie był szczególnie atrakcyjny. Krytycy pisali, że po prostu nie widzieli jej w rolach delikatnych piękności. Makijaż też nie pomógł. Sama baletnica bardzo cierpiała z tego powodu. Ale dzięki ciężkiej pracy Vaganova osiągnęła role drugoplanowe, a gazety zaczęły od czasu do czasu o niej pisać. Następnie losy Agrypiny gwałtownie się zmieniły. Wyszła za mąż i urodziła. Wracając do baletu, zdawała się podnosić w oczach przełożonych. Chociaż Vaganova nadal występowała w drugich rolach, osiągnęła mistrzostwo w tych wariacjach. Baletnicy udało się na nowo odkryć obrazy, które zdawały się zostać wymazane przez pokolenia poprzednich tancerzy. Dopiero w 1911 roku Vaganova otrzymała swoją pierwszą solową partię. W wieku 36 lat baletnica została wysłana na emeryturę. Nigdy nie stała się sławna, ale dzięki swoim danym osiągnęła wiele. W 1921 roku w Leningradzie otwarto szkołę choreograficzną, do której Vaganova została zaproszona jako jedna z nauczycielek. Zawód choreografa stał się jej głównym zawodem do końca życia. W 1934 r. Vaganova opublikowała książkę „Podstawy taniec klasyczny„Baletnica poświęciła drugą połowę swojego życia szkole choreograficznej. Obecnie jest to Akademia Tańca, nazwana na jej cześć. Agrypina Waganowa nie została wielką baletnicą, ale jej imię na zawsze zapisze się w historii tej sztuki .
Yvette Chauvire (ur. 1917). Ta baletnica to prawdziwie wyrafinowana paryżanka. W wieku 10 lat zaczęła poważnie uczyć się tańca w Wielkiej Operze. Talent i skuteczność Yvette zostały docenione przez reżyserów. W 1941 roku została już prima Opery Garnier. Debiutanckie występy przyniosły jej prawdziwie światową sławę. Następnie Chauvire zaczął otrzymywać zaproszenia do występów w różnych teatrach, w tym we włoskiej La Scali. Baletnica zasłynęła rolą Cienia w alegorii Henriego Saugueta; wykonała wiele ról w choreografii Serge'a Lifara. Wśród klasycznych przedstawień wyróżnia się rola w „Giselle”, uważana przez Chauvire za główną. Yvette pokazała na scenie prawdziwy dramat, nie tracąc przy tym całej swojej dziewczęcej czułości. Balerina dosłownie żyła życiem każdej ze swoich postaci, wyrażając na scenie wszystkie emocje. W tym samym czasie Shovireh bardzo zwracał uwagę na każdy najdrobniejszy szczegół, powtarzając próby. W latach 60. baletnica kierowała szkołą, w której kiedyś się uczyła. Ostatni występ Yvette na scenie miał miejsce w 1972 roku. W tym samym czasie ustanowiono nagrodę nazwaną jej imieniem. Balerina wielokrotnie koncertowała w ZSRR, gdzie była kochana przez publiczność. jej partnerem był wielokrotnie sam Rudolf Nurejew po jego ucieczce z naszego kraju. Zasługi baletnicy dla kraju zostały nagrodzone Orderem Legii Honorowej.
Galina Ułanowa (1910-1998). Ta baletnica również urodziła się w Petersburgu. W wieku 9 lat została uczennicą szkoły choreograficznej, którą ukończyła w 1928 roku. Zaraz po występie dyplomowym Ulanova dołączyła do trupy Teatru Opery i Baletu w Leningradzie. Już pierwsze występy młodej baletnicy przyciągnęły uwagę koneserów tej sztuki. Już w wieku 19 lat Ulanova tańczyła główną rolę w Jeziorze łabędzim. Do 1944 roku baletnica tańczyła w Teatrze Kirowa. Tutaj zasłynęła rolami w „Giselle”, „Dziadku do orzechów”, „Fontanna Bakczysaraju”. Ale jej rola w „Romeo i Julii” stała się najbardziej znana. W latach 1944–1960 Ulanova była wiodącą baletnicą Teatru Bolszoj. Uważa się, że szczytem jej twórczości była scena szaleństwa w Giselle. Ulanova odwiedziła Londyn w 1956 roku podczas wycieczki po Bolszoj. Mówili, że takiego sukcesu nie było od czasów Anny Pavlovej. Działalność sceniczna Ulanowej oficjalnie zakończyła się w 1962 roku. Ale przez resztę życia Galina pracowała jako choreograf w Teatrze Bolszoj. Za swoją twórczość otrzymała wiele nagród – została Artystką Ludową ZSRR, otrzymała Nagrody Lenina i Stalina, została dwukrotnie Bohaterką Pracy Socjalistycznej i laureatką licznych nagród. Wielka baletnica zmarła w Moskwie i została pochowana na cmentarzu Nowodziewiczy. jej mieszkanie stało się muzeum, a w rodzinnym Petersburgu Ułanowej wzniesiono pomnik.
Alicja Alonso (ur. 1920). Ta baletnica urodziła się w Hawanie na Kubie. Naukę tańca rozpoczęła w wieku 10 lat. W tym czasie na wyspie istniała tylko jedna prywatna szkoła baletowa, której dyrektorem był rosyjski specjalista Nikołaj Jaworski. Następnie Alicia kontynuowała studia w USA. Debiut dalej duża scena Premiera odbyła się na Broadwayu w 1938 r komedie muzyczne. Następnie Alonso pracuje w Ballet Theatre w Nowym Jorku. Tam zapoznaje się z choreografią czołowych reżyserów świata. Alicia i jej partner Igor Juszkiewicz postanowili rozwijać balet na Kubie. W 1947 tańczyła tam w Jeziorze Łabędzim i Apollo Musagete. Jednak w tamtym czasie na Kubie nie było tradycji baletowych ani scenicznych. A ludzie nie rozumieli takiej sztuki. Dlatego zadanie stworzenia Baletu Narodowego w kraju było bardzo trudne. W 1948 r. odbyło się prawykonanie „Baletu Alicii Alonso”. Rządzili nim pasjonaci, którzy wystawiali własne numery. Dwa lata później baletnica otworzyła własną szkołę baletową. Po rewolucji 1959 roku władze zwróciły uwagę na balet. Zespół Alicii przekształcił się w pożądany Kubański Balet Narodowy. Balerina dużo występowała w teatrach, a nawet na placach, jeździła w trasy koncertowe i była pokazywana w telewizji. Jeden z najbardziej jasny sposób Alonso – rola Carmen w balecie o tym samym tytule w 1967 roku. Baletnica była tak zazdrosna o tę rolę, że nawet zabroniła wystawiania tego baletu z innymi wykonawcami. Alonso podróżował po całym świecie, zdobywając wiele nagród. A w 1999 roku otrzymała Medal Pabla Picassa od UNESCO za wybitny wkład w sztukę tańca.
Maja Plisiecka (ur. 1925). Trudno zaprzeczyć faktowi, że jest najsłynniejszą rosyjską baletnicą. A jej kariera okazała się rekordowo długa. Maya zafascynowała się baletem już jako dziecko, bo jej wujek i ciocia też to uwielbiali znani tancerze. W wieku 9 lat utalentowana dziewczyna wstąpiła do Moskiewskiej Szkoły Choreograficznej, aw 1943 roku młoda absolwentka wstąpiła do Teatru Bolszoj. Tam jej nauczycielką została słynna Agrypina Waganowa. W ciągu zaledwie kilku lat Plisetskaya przeszła z corps de ballet do solisty. Przełomowym momentem była dla niej inscenizacja „Kopciuszka” i rola Jesiennej Wróżki w 1945 roku. Następnie były klasyczne produkcje „Raymonda”, „Śpiąca królewna”, „Don Kichot”, „Giselle”, „Mały garbaty koń”. Plisetskaya zabłysnęła w „Fontanie Bakczysaraju”, gdzie mogła zademonstrować swój rzadki dar - przez kilka chwil dosłownie wisiała w skoku. Baletnica wzięła udział w trzech przedstawieniach Spartakusa Chaczaturiana, wcielając się w role Eginy i Frygii. W 1959 roku Plisetskaya została Artystką Ludową ZSRR. W latach 60. wierzono, że Maya była pierwszą tancerką Teatru Bolszoj. Balerina miała dość ról, ale narastało twórcze niezadowolenie. Rozwiązaniem był „Carmen Suite”, jeden z głównych kamieni milowych w biografii tancerki. W 1971 roku Plisetskaya dała się poznać jako aktorka dramatyczna, grając w Annie Kareninie. Na podstawie tej powieści powstał balet, którego premiera odbyła się w 1972 roku. Tutaj Maya próbuje swoich sił w nowej roli – choreografki, która staje się jej nowym zawodem. Od 1983 roku Plisetskaya pracuje w Operze w Rzymie, a od 1987 w Hiszpanii. Tam prowadzi zespoły i wystawia swoje balety. Ostatni występ Plisetskiej odbył się w 1990 roku. Wielka baletnica obsypana była wieloma nagrodami nie tylko w swojej ojczyźnie, ale także w Hiszpanii, Francji i na Litwie. W 1994 roku zorganizowała międzynarodowa konkurencja, podając mu jego imię. Teraz „Maya” daje młodym talentom szansę na przebicie się.
Ulyana Lopatkina (ur. 1973). W Kerczu urodziła się światowej sławy baletnica. Jako dziecko dużo zajmowała się nie tylko tańcem, ale także gimnastyką. W wieku 10 lat, za radą matki, Ulyana wstąpiła do Akademii Baletu Rosyjskiego Vaganova w Leningradzie. Tam Natalia Dudinskaya została jej nauczycielką. W wieku 17 lat Lopatkina wygrała Ogólnorosyjska konkurencja nazwany na cześć Waganowej. W 1991 roku baletnica ukończyła akademię i została przyjęta do Teatru Maryjskiego. Ulyana szybko zdobyła dla siebie partie solowe. Tańczyła w Don Kichocie, Śpiącej królewnie, Fontannie Bakczysaraju i Jeziorze łabędzim. Talent był tak oczywisty, że w 1995 roku Lopatkina stała się prima swojego teatru. Każda z niej nowa rola zachwyca zarówno widzów, jak i krytyków. Jednocześnie sama baletnica interesuje się nie tylko rolami klasycznymi, ale także współczesnym repertuarem. Tak więc jedną z ulubionych ról Ulyany jest rola Banu w „Legendzie miłości” w reżyserii Jurija Grigorowicza. Baletnica najlepiej sprawdza się w rolach tajemniczych bohaterek. Jego charakterystyczną cechą są wyrafinowane ruchy, nieodłączny dramat i skok wzwyż. Publiczność wierzy tancerce, ponieważ na scenie jest absolutnie szczera. Lopatkina jest zdobywcą wielu nagród krajowych i międzynarodowych. Jest artystką ludową Rosji.
Anastasia Volochkova (ur. 1976). Balerina pamięta to przyszły zawód rozpoznała go już w wieku 5 lat, o czym opowiadała matce. Volochkova ukończyła także Akademię Vaganova. Natalia Dudinskaya została także jej nauczycielką. Już na ostatnim roku studiów Volochkova zadebiutowała w teatrach Maryjskim i Bolszoj. W latach 1994–1998 w repertuarze baletnicy znalazły się główne role w „Giselle”, „Firebird”, „Śpiąca królewna”, „Dziadek do orzechów”, „Don Kichot”, „Bajadera” i innych przedstawieniach. Volochkova przejechała pół świata z trupą Maryjskiego. Jednocześnie baletnica nie boi się występować solo, budując karierę równolegle do teatru. W 1998 roku baletnica otrzymała zaproszenie do Teatru Bolszoj. Tam znakomicie odgrywa rolę Księżniczki Łabędzi nowa produkcja Władimir Wasiliew „Jezioro łabędzie”. W głównym teatrze kraju Anastasia otrzymuje główne role w „La Bayadère”, „Don Kichot”, „Raymonda”, „Giselle”. Specjalnie dla niej choreograf Dean tworzy nową rolę wróżki Carabosse w „Śpiącej królewnie”. Jednocześnie Volochkova nie boi się wykonywać współczesnego repertuaru. Warto zwrócić uwagę na jej rolę Carskiej Dziewicy w Małym Garbatym Koniu. Od 1998 roku Volochkova aktywnie koncertuje po świecie. Otrzymuje nagrodę Złotego Lwa jako najbardziej utalentowana baletnica w Europie. Od 2000 roku Volochkova opuściła Teatr Bolszoj. Zaczyna występować w Londynie, gdzie podbiła Brytyjczyków. Volochkova na krótki czas wróciła do Bolszoj. Pomimo sukcesu i popularności administracja teatru odmówiła przedłużenia kontraktu na zwykły rok. Od 2005 roku Volochkova występuje we własnych projektach tanecznych. jej imię jest ciągle słyszane, jest bohaterką felietonów plotkarskich. Utalentowana baletnica zaczęła niedawno śpiewać, a jej popularność wzrosła jeszcze bardziej po tym, jak Volochkova opublikowała swoje nagie zdjęcia.
Mity o wyłącznie kobiecych rolach w tańcu dawno odeszły w zapomnienie. Dziś mężczyźni słusznie zajmują wiodące role, bez nich nie możemy sobie wyobrazić współczesnego baletu.
Top 5 najsłynniejszych tancerzy baletowych
Wasław Fomich Niżyński
Założyciel baletu męskiego XX wieku. Urodzony w rodzinie tancerzy w 1890 roku. W 1907 roku, po ukończeniu studiów, zaczął występować w Teatrze Maryjskim, niemal natychmiast grając główne role. Niżyński posiadał wyjątkową jak na tamte czasy technikę, szczególnie niepozorną za życia, całkowicie przekształcił się w swojego bohatera. Jego ptasie skoki i loty były niepowtarzalne. Innowacje i eksperymenty Niżyńskiego nie zawsze kończyły się sukcesem; wydawało się, że wyprzedzał swoje czasy, a społeczeństwo go nie rozumiało. W 1919 r. tak było ostatni występ artysta. Później balet przyjął jego ekspresjonistyczny styl i zupełnie nowe ruchy plastyczne. Pomimo krótkiego okresu twórczości (10 lat) był i pozostaje idolem.
Wasiliew Władimir Wiktorowicz
Urodzony w 1940 roku w rodzinie robotniczej. W 1947 roku dla towarzystwa poszedłem z przyjacielem do klubu tanecznego. A 2 lata później, w 1949 roku, został przyjęty do szkoły choreograficznej, gdzie zadziwiał swoich nauczycieli swoimi umiejętnościami i wirtuozerią. Po studiach, w 1958 roku został zaproszony do trupy baletowej Teatru Bolszoj, gdzie niemal natychmiast zaczął grać główne role. Najbardziej urzekającą częścią była rola Spartaka, po której Wasiliew otrzymał przydomek „boga tańca”. Swoimi ruchami przekazywał najdrobniejsze akcenty w muzyce, łącząc się z nią w jedną całość. Wasiliew został uhonorowany kilkoma nagrodami i został laureatem wielu konkursów, zdobywając pierwsze nagrody i złote medale.
Gorski Aleksander Aleksiejewicz
W 1889 roku zaczął tańczyć w corps de ballet, a 11 lat później został premierem trupy. Autor podręcznika do systemu ruchów tanecznych Stepanovej. Nauczyciel teorii tańca w szkole baletowej. Gorski jest reformatorem baletu. Wprowadził do baletu prawa dramatu i poczucie autentyczności. Jego inscenizacja Don Kichota do dziś jest wystawiana w teatrach, choć wówczas nie wywołała zachwytu krytyków. Jako choreograf Gorsky wniósł ogromny wkład w rozwój i ulepszenia. Wiele słynne balety, inscenizowany przez Gorskiego według jego interpretacji, zaczął żyć nowym życiem.
Ermolaev Aleksiej Nikołajewicz
Jako 16-letni absolwent college'u Ermolaev gra boga wiatru - swoją pierwszą rolę w balecie „Talizman”. Choreograf teatru od razu dostrzegł nieokiełznaną energię i siłę faceta i stworzył obrazy pasujące do jego charakteru. Jako fan baletu przestawiał wszystkie partie według własnych upodobań, ćwicząc nocami przy świecach. Ermolay zmienił swój zwykły wizerunek męska rola w balecie jego wirtuozowskie ruchy – potrójne rundy w powietrzu, podwójne bunty – wciąż nie są powtarzane przez tancerzy.
Fokin Michaił Michajłowicz
Włoch, urodzony w rodzinie tancerzy baletowych w 1850 roku. Studiował we Florenckiej Akademii Tańca G. Lepri. Od 1870 roku występował na scenie La Scali. Mistrz mimiki i pas de deux. Autor metodologii rozwoju technika tańca balet
Korespondent Białoruskiego Teatru Opery i Baletu Bolszoj Naviny . przez Dowiedziałam się z pierwszej ręki, co tancerze baletowi noszą pod rajstopami i dlaczego uważa się, że wielu z nich to geje.Przeczytaj o ciąży baletnic i jednym dniu wolnym w tygodniu w naszych 10 faktach.
Aby dowiedzieć się, które pogłoski o białoruskim balecie są prawdziwe, a które to czysta fikcja, niech korespondent Naviny. przez artysta teatralny pomógł Giennadij Kulinkowicz z asystentkami baletnic.
1. Czy tancerze baletowi są delikatni i puszysti?
Przesłuchanie: Podczas jednego przedstawienia tancerka baletowa podnosi i niesie około 2 ton ciężaru.
Czy to prawda?: Aktywność fizyczna naprawdę duży. Na scenie – to zależy oczywiście od produkcji – tancerz baletowy, mężczyzna wielokrotnie podnosi baletnicę. W nowoczesnych produkcjach wystarczy podnosić i ustawiać, podnosić i ustawiać, podnosić, krążyć i ustawiać. Jeśli policzysz liczbę wind, to tak, dwie tony to liczba rzeczywista.
Ponadto tancerze baletowi dużo ćwiczą i trenują. To także jest obciążenie. Próby mamy codziennie, z wyjątkiem dnia wolnego, który przypada raz w tygodniu. Do tego występy.
2. Tancerze baletowi częściej chorują
Przesłuchanie: Z powodu dużego obciążenia pracą i ciągłej diety tancerze baletowi chorują częściej niż inni.
Czy to prawda: Sale prób baletowych Teatru Bolszoj Białorusi są wyposażone w lampy bakteriobójcze, jak w szpitalu. Zimą, kiedy zaczyna się grypa i pojawiają się inne wirusy indywidualny pracownik włącza te lampy na pół godziny, żeby zdezynfekować pomieszczenie. Jest to bardzo ważne, aby choroby się nie rozprzestrzeniały: wszyscy pracujemy w bliskim kontakcie, trenujemy i ćwiczymy przez wiele godzin. Jeśli ktoś przyniósł chorobę, zostaje ona zneutralizowana.
3. Choroby zawodowe w balecie
Przesłuchanie: Stopy to najbardziej bolesne miejsce na ciele tancerza.
Czy to prawda: Jest to częściowo prawdą. Choroby zawodowe tancerzy to choroby stawów. Tancerze baletowi mają wystające kości na dużych palcach, ich stawy ulegają zapaleniu i naturalnie bolą. Kobiety również cierpią na tę chorobę, ale jest ona spowodowana niewygodnym, ciasnym obuwiem, które deformuje stopę. W przypadku mistrzów baletu palce i przodostopie są poddawane ciągłemu obciążeniu: wiele ruchów w balecie wykonuje się na palcach.
Drugą częstą klasą problemów zdrowotnych jest wypadanie narządów wewnętrznych na skutek ciągłego skakania. Wszystko jest indywidualne, ale często nerki, serce i inne narządy wewnętrzne, które następnie wywierają nacisk na pęcherz.
4. Młodzi emeryci
Przesłuchanie: Niektórzy uważają, że baletnice zbyt wcześnie przechodzą na emeryturę.
Czy to prawda? Zgodnie z prawem tancerze baletowi przechodzą na emeryturę po 23 latach doświadczenia zawodowego. Do stażu pracy nie wlicza się urlopu macierzyńskiego. W rezultacie tancerze baletowi stają się młodymi emerytami. Jednak wielu z nich tak naprawdę nie przechodzi na emeryturę: w zależności od stanu zdrowia emerytowani tancerze pracują jako korepetytorzy, nauczyciele, kierownicy scen, pracownicy sceniczni, projektanci kostiumów itp.
Do rozmówcy Naviny. przez Giennadijowi Kulinkowiczowi pozostały dwa lata do emerytury. W przyszłości tancerka planuje także zająć się nauczaniem.
5. Nieprawidłowa praca
Przesłuchanie: Artyści teatru baletowego, podobnie jak zwykli obywatele, mają dwa dni wolne w tygodniu
Czy to prawda? Tancerze baletowi pracują 6 dni w tygodniu. Jest tylko jeden dzień wolny – poniedziałek. Latem, ze względu na migrację widzów do daczy i nad morze, dzień wolny w Teatrze Bolszoj zostaje przesunięty na sobotę. Żeńska część trupy jest z tego powodu zadowolona: w końcu jest możliwość spędzenia czasu z rodziną. Mężczyźni narzekają: kiedy poniedziałek jest dniem wolnym, można przynajmniej odpocząć i nie zajmować się obowiązkami domowymi.
Dzień pracy mistrzów baletu jest również nienormalny w rozumieniu zwykłego człowieka: od 10:00 do 15:00, potem trzygodzinna przerwa, po przerwie praca wznawia się o 18:00 w związku z wieczornymi przedstawieniami. Oficjalny dzień pracy pracowników baletu kończy się o godzinie 21:00.
Konieczna jest długa przerwa, aby potem poranne treningi i próbach ciało miało czas na odpoczynek i regenerację przed wieczorną pracą.
Jest to wygodne dla młodych tancerzy: mogą uczyć się podczas przerwy. Na przykład Giennadij Kullinkowicz zdobył w ten sposób wyższe wykształcenie choreograficzne. Ale teraz widzi niewiele zalet w tym harmonogramie.
„Przy takim harmonogramie bardzo trudno jest ułożyć życie osobiste. Spójrz na mnie: mam 38 lat, brak rodziny i dzieci. Całe moje życie jest w teatrze”– mówi Giennadij.
6. Czy balet i dzieci są niekompatybilne?
Przesłuchanie: Ze względu na wymagania dotyczące wyglądu baletnice muszą zrezygnować z macierzyństwa.
Czy to prawda?: Posiadanie rodziny i dzieci u szczytu kariery jest naprawdę trudniejsze dla tancerek baletowych niż dla przedstawicieli innych zawodów: zarówno harmonogram pracy, jak i fakt, że poporodowe przywrócenie formy wymaga czasu i wysiłku. Dlatego dziewczęta stosują dwie strategie: albo zakładają rodzinę i dzieci zaraz po ukończeniu college'u/uniwersytetu, albo odkładają to do czasu przejścia na emeryturę.
Mimo niesprzyjających okoliczności w Białoruskim Teatrze Bolszoj występują baletnice, które mają dwójkę, a niektóre nawet trójkę dzieci.
„My, podobnie jak lekarze i nauczyciele, łączymy pracę i ciążę. Planujemy, idziemy na urlop macierzyński, regenerujemy się i kontynuujemy pracę. To indywidualna sprawa każdej artystki, ale w czasie ciąży im szybciej odejdziecie z tańca, tym lepiej dla Was i Waszego nienarodzonego dziecka. Wiąże się to z ryzykiem: tu trzeba się schylać, skakać, można upaść i zrobić sobie krzywdę”- powiedział strona internetowa baletnice Bolszoj.
„Jesteśmy najlepszymi matkami, żonami, a także umiemy tańczyć i chodzić po kuchni na palcach” –- żart baletnic w odpowiedzi na pytanie o specyfikę życia rodzinnego.
7. Jeśli tańczy w balecie, to znaczy, że jest gejem.
Przesłuchanie: Wśród tancerzy baletowych jest wielu gejów.
Czy to prawda?: To powszechny stereotyp, mówi tancerz baletowy Giennadij Kullinkowicz. Już na to nie reagujemy. To samo mówią o wszystkich mężczyznach, którzy tańczą. Rodzi się z niezrozumienia widza: jak mężczyzna może pozostać obojętny i spokojny w otoczeniu tyle piękna i nagości. Widzowie często znajdują się za kulisami, a mężczyźni są zszokowani: tutaj wszyscy się przebierają, intymne części ciała są na wyciągnięcie ręki… Ale jesteśmy już do tego przyzwyczajeni i reagujemy, jakby to było coś normalnego. Zatem widz myśli, że mężczyźni w balecie są gejami.
8. Co tancerz nosi pod rajstopami?
Przesłuchanie: Tancerze nie noszą majtek.
Zdjęcie pixabay.com
Czy to prawda?: Więcej mówi się o bieliźnie artystów płci męskiej niż o bieliźnie baletnic: widz pod śnieżnobiałymi rajstopami ku swojemu zaskoczeniu nie widzi oczekiwanych konturów majtek.
Giennadij Kulinkowicz powiedział, że tancerze mają swoje sekrety. Producenci strojów tanecznych wychodzą naprzeciw oczekiwaniom artystów i produkują bezszwowe modele specjalnej bielizny niewidocznej pod kostiumem – bandaży. Sklep znajdujący się w pobliżu Bolszoj sprzedaje specjalne ubrania dla tancerzy.
9. Mięso w pointach
Przesłuchanie: Baleriny wkładają mięso do pointów, aby zapobiec obrażeniom stóp.
Czy to prawda?: Nie obejmuje mięsa. Jest ich więcej nowoczesne metody ochrona nóg. Zespoły baletowe produkują specjalne półbuty zakrywające tylko palce. Są silikonowe. Niektórzy nic nie dodają – jest to dla nich już wygodne. Wkładki silikonowe do point nie są produkowane na Białorusi, są produkowane w USA, Chinach i Rosji.
Zdjęcie pixabay.com
W ciągu roku baletnica zużywa 5–10 par point, w zależności od obciążenia. Niektórzy artyści mają swoje kopyta – trójwymiarowe kopie stóp wykonane przez mistrzów, z których powstają na zamówienie pointy.
10. Taniec dobrze się opłaca.
Przesłuchanie: Artyści dużo zarabiają.
Czy to prawda?: Wszystko jest względne. Zarobki tancerzy baletowych zależą od zajmowanej przez nich pozycji w zespole: głównego scenografa, solisty lub tancerza corps de ballet. Wpływ ma również liczba scen wykorzystanych w produkcjach. Za każde przedstawienie przyznawane są punkty, które przechowuje specjalny pracownik teatru. Ilość punktów za każdy taniec jest inna, standardowa dla wszystkich artystów, zależy od złożoności i czasu trwania występu. Ilość otrzymanych punktów wpływa na premię. Zatem pensja tancerza corps de ballet wynosi około 120 rubli, a premia przyznawana za występy może ją kilkakrotnie przekroczyć.
Zdjęcie: Siergiej Balay