1) Wybór tematu:
w swoim praca dyplomowa Zwróciłem się do jednego z typów sztuki piękne- malowanie. Tematem pracy był pejzaż. Należy zacytować wypowiedź słynnego rosyjskiego artysty krajobrazu I.I. Shishkina: „Malarstwo musi być całkowitą iluzją, a tego nie da się osiągnąć bez wszechstronnego przestudiowania wybranych motywów, do których artysta czuje największy pociąg, a które pozostają w jego wspomnieniach z dzieciństwa, to znaczy krajobraz musi być nie tylko narodowy , ale także lokalnie.” (Abeldyaeva I.G. Szkoła Sztuk Pięknych. Wydanie 5. - M., 1962).
Kryterium wyboru tematu był mój osobisty stosunek do lokalności pejzaż morski. Chęć oddania na zdjęciu słonecznego stanu, widoku na zatokę Tsemes znanego z dzieciństwa, uzupełnionego nowoczesnymi budynkami portu morskiego.
2) Zbiór materiału:
obraz jest dziełem pełny obraz natura to artystyczne uogólnienie, przekształcenie natury za pomocą wyobraźni artysty. Nie da się malowniczo przekształcić czegoś, o czym nie masz pojęcia. Dlatego tworzenie krajobrazu zawsze poprzedza długa praca nad szkicami z życia. „Na przyrodę należy patrzeć prosto, uważnie, próbując zrozumieć jej ogólne wrażenie, a stamtąd przejść do szczegółów…” (Masters Sztuka radziecka o pejzażu, 1965).
Aby dokończyć prace, zebrano materiał przygotowawczy. Są to szkice, szkice ołówkiem, studia obrazowe krótko- i długoterminowe wykonane z życia.
(Załącznik A, Rys. A1-A6). Głównymi zaletami szkicu krajobrazu jest przeniesienie określonego stanu oświetlenia natury, wpływ środowiska powietrznego i znaczna przestrzeń. Szkice powstawały o różnych porach roku, o różnych porach dnia.
3) rozwiązanie kompozycyjno-kolorystyczne:
Integralność kompozycyjna szkic obrazkowy zależy od relacji między głównym i wtórnym, od połączenia całego obrazu w jedno dzieło. Artysta identyfikując centrum kompozycyjne musi świadomie uogólniać detale, osłabiać siłę tonalną i kolorystyczną obiektów oddalających się od centrum kompozycyjnego oraz podporządkowywać wszelkie tonalne i relacje kolorów.
4) tektura (rysunek przygotowawczy):
po wyjaśnieniu pomysłu w szkicach i szkicach, znalezieniu liniowego i kompozycja kolorystyczna, musisz zacząć rysować całą kompozycję na tekturze lub papierze (załącznik A, ryc. A7). Karton jest wykonany w naturalnej wielkości za pomocą ołówka i węgla drzewnego. W nim doskonalone i doskonalone jest rozwiązanie kompozycyjne, charakter kształtu i proporcji obiektów, zadania perspektywy powietrznej i liniowej, określany jest układ krajobrazu i opracowywane jest centrum kompozycyjne. Następnie rysunek z tektury (przez kalkę lub proch) przenosi się na płótno.
5) Malarstwo na płótnie:
Po poszukiwaniach kompozycyjnych i wykonaniu kartonu można przystąpić do malowania na płótnie, zaczynając od podmalowania, wyjaśnienia relacji tonalnych i kolorystycznych, rozłożenia cieni, dopracowania detali. Następnie następuje uogólnienie i zakończenie pracy (załącznik A, ryc. A8-A14).
Twórczość Dmitrija Revyakina jest bardzo różnorodna i obejmuje szeroki zakres dziedzin - od malarstwa olejnego i tempery po rzeźbę w drewnie i tworzenie niestandardowych przedmiotów w stylu „Steampunk”. Szczególne miejsce zajmują dzieła, które są wizytówka autor - malarstwo i rzeźba w drewnie w jednym dziele. Wszechstronność umiejętności artystyczne I wysoki poziom Mistrzostwo Dmitrija Revyakina pozwala mu tworzyć oryginalne dzieła twórcze, które reprezentują organiczną jedność malarstwa i rzeźby w drewnie - obrazu i ramy jako jego semantycznej kontynuacji.
Obrazy Dmitrija Revyakina przepojone są miłością do rosyjskiej natury. Jego obrazy mówią o nieskończonej różnorodności piękna, pięknie wszystkich pór roku i pełnym szacunku podejściu artysty do ojczyzna. Pejzaże i martwe natury w oleju charakteryzują się jasnością pisma, wyrazistością detali, pięknem lekkich niuansów i ogólnym poczuciem pogody ducha
Kopie obrazów
(obrazy powstałe podczas kursów mistrzowskich)
Wybierz zdjęcie(a), w zamówieniu zamiast nazwy filmu podaj nazwę zdjęcia, a w ciągu 1-6 godzin otrzymasz e-mailem dane do płatności
Chcesz kupić obraz w najniższej cenie w Moskwie? Skontaktuj się z nami, ponieważ na mistrzowskich kursach malarstwa, wyjaśniając uczniom, jak namalować ten czy inny pejzaż lub martwą naturę, Dmitry maluje obraz, a następnie go sprzedajemy. Najbardziej tani obraz olejny tylko u nas! Jeśli uważasz, że obrazy w Moskwie są tańsze niż w pracowni Leonarda, napisz nam, gdzie jest to miejsce! Możesz patrzeć i zamówić obraz olejny lub kup jeden z poniższych. Dmitry Revyakin jest doskonałym malarzem i mistrzem swojego rzemiosła, można zamówienie on ma kopia jakikolwiek znany obrazy Lub zamów obraz ze zdjęcia. Poniżej znajduje się wybór oryginalnych dzieł Dmitrija Revyakina (wszystkie obrazy są na sprzedaż).
Rzeźba w drewnie Rewiakina.
Dmitry zajmuje się rzeźbą w drewnie i pracuje w technice intarsji. Można zobaczyć fotografie prac D.V. Revyakina poniżej.
Rzeźba w drewnie - tradycyjna Sztuka rosyjska, który zyskał uznanie na całym świecie. Przedmioty wykonane z naturalnego drewna wypełniają wnętrze wyjątkowym komfortem i ciepłem, tworząc obraz domu bogatego w tradycję i ceniącego stabilność. Na stronie prezentowane są następujące produkty rzeźbione w drewnie, które można kupić: pasterz (tablica do herbaty), rama lustra, pudełko, rzeźbione meble itp.
Steampunk.
D.V. Revyakin wykonuje prace w stylu Steampunk (patrz zdjęcie poniżej). Istnieje możliwość zamówienia portretu steampunkowego oprawionego w steampunkową ramkę. Artysta jest w stanie zrealizować każde zamówienie. Steampunk (lub steampunk) to kierunek oparty na fantastyce, tworzeniu nowa rzeczywistość, obiektów, wykorzystujących elementy mechaniczne i technologiczne maszyn parowych. Steampunk jako styl jest powszechny w malarstwie, grafice, rzeźbie i projektowaniu, a przedmioty codziennego użytku tworzone w stylu Steampunk cieszą się dużą popularnością w środowisko młodzieżowe. Możesz także zamówić portret fantasy, a Dmitry namaluje doskonały obraz.
Plener.
Dmitry Revyakin bardzo często pisze z życia. Każdy artysta potwierdzi, że doświadczenie prawdziwego malarza można zdobyć jedynie pracując na świeżym powietrzu, studiując przyrodę. Fajna zabawa, pozwalająca znaleźć miejsce na łonie natury i pisać wcześnie rano piękny krajobraz z natury. Najlepiej pracować rano lub wieczorem, gdyż w tym czasie kolory są dla artysty najciekawsze. Studiując przyrodę, uczysz się prawdziwych, a nie fikcyjnych odcieni, znajdujesz i porównujesz złożone kombinacje kolorów z otaczającą Cię rzeczywistością.
„Malarstwo malarza nie będzie doskonałe, jeśli będzie czerpał inspirację z obrazów innych, ale jeśli będzie się uczył na przedmiotach naturalnych, przyniesie dobre owoce”.
przeszłość fascynuje kolorami, grą światła i cienia, stosownością każdego akcentu, ogólną kondycją i smakiem. Jednak to, co widzimy obecnie w zachowanych do dziś galeriach, różni się od tego, co widzieli współcześni autorowi. Malarstwo olejne z biegiem czasu ulega zmianom, na co wpływa dobór farb, technika wykonania, warstwa wykończeniowa dzieła oraz warunki przechowywania. Nie uwzględnia to drobnych błędów, jakie utalentowany mistrz mógłby popełnić podczas eksperymentowania z nowymi metodami. Z tego powodu wrażenie obrazów i opis ich wyglądu mogą się różnić na przestrzeni lat.
Technika dawnych mistrzów
Technika malarstwo olejne daje ogromną przewagę w pracy: obraz można malować latami, stopniowo modelując kształt i wypełniając detale cienkimi warstwami farby (glazury). Dlatego malarstwo korpusowe, w którym od razu próbuje się nadać obrazowi kompletność, nie jest typowe dla klasycznego sposobu pracy z olejem. Przemyślane podejście do nakładania farby krok po kroku pozwala uzyskać niesamowite odcienie i efekty, gdyż każda poprzednia warstwa jest widoczna podczas szkliwienia.
Metoda flamandzka, którą lubił stosować Leonardo da Vinci, składała się z następujących kroków:
- Rysunek został namalowany w jednym kolorze na jasnym podłożu, z zastosowaniem sepii dla konturów i głównych cieni.
- Następnie wykonano cienką podmalówkę metodą rzeźbienia objętościowego.
- Ostatnim etapem było kilka warstw szkliwa z refleksami i detalami.
Jednak z biegiem czasu ciemnobrązowe pismo Leonarda, mimo cienkiej warstwy, zaczęło prześwitywać przez kolorowy obraz, co doprowadziło do przyciemnienia obrazu w cieniach. W warstwie bazowej często stosował umbrę paloną, ochrę żółtą, błękit pruski, żółcień kadmową i sjenę paloną. Jego ostatnie nałożenie farby było tak subtelne, że niemożliwe było wykrycie. Opracowane samodzielnie metoda sfumato (cieniowanie) pozwoliło to zrobić z łatwością. Jego sekret tkwi w mocno rozcieńczonej farbie i pracy suchym pędzlem.
Rembrandt – Nocna straż Rubens, Velazquez i Tycjan pracowali metodą włoską. Charakteryzuje się następującymi etapami pracy:
- Nałożenie kolorowego podkładu na płótno (z dodatkiem pigmentu);
- Przeniesienie konturu rysunku na podłoże za pomocą kredy lub węgla drzewnego i utrwalenie go odpowiednią farbą.
- Podmalówka, miejscami gęsta, zwłaszcza w oświetlonych obszarach obrazu, a miejscami zupełnie nieobecna, pozostawiła kolor podłoża.
- Końcowa praca w 1 lub 2 etapach przy użyciu półglazury, rzadziej przy cienkich glazurach. U Rembrandta kula warstw obrazu mogła osiągać grubość centymetra, ale jest to raczej wyjątek.
W tej technice specjalne znaczenie zdecydowano się na zastosowanie nakładających się na siebie dodatkowych kolorów, co pozwoliło miejscami zneutralizować nasyconą glebę. Na przykład czerwony podkład można wyrównać szaro-zielonym podkładem. Praca tą techniką przebiegała szybciej niż metodą flamandzką, która cieszyła się większą popularnością wśród klientów. Jednak zły dobór koloru podkładu i kolorów ostatniej warstwy może zrujnować obraz.
Kolorowanie obrazu
Aby osiągnąć harmonię w malarstwo wykorzystaj pełną moc refleksu i dopełniających się barw. Istnieją również takie małe sztuczki, jak użycie kolorowego podkładu, co jest powszechne w metodzie włoskiej, lub pokrycie obrazu werniksem z pigmentem.
Podkłady kolorowe mogą być klejem, emulsją i olejem. Te ostatnie są warstwą pasty farba olejna wymagany kolor. Jeśli biała baza daje efekt blasku, to ciemna dodaje głębi kolorom.
Rubens – Zjednoczenie Ziemi i Wody Rembrandt malował na ciemnoszarym podłożu, Bryulłow malował na podłożu pigmentem umbry, Iwanow zabarwiał swoje płótna żółtą ochrą, Rubens używał angielskich pigmentów czerwonych i umbrowych, Borovikovsky preferował szary podkład do portretów, a Lewicki preferował szaro-zielony. Ciemnienie płótna czekało wszystkich, którzy obficie sięgali po kolory ziemi (sjena, umbra, ciemna ochra).
Boucher – delikatna kolorystyka w odcieniach jasnego błękitu i różu Dla tych, którzy wykonują kopie obrazów wielkich artystów w formacie cyfrowym, interesujący będzie ten zasób, w którym prezentowane są internetowe palety artystów.
Powłoka lakiernicza
Oprócz farb ziemnych, które z czasem ciemnieją, lakiery powłokowe na bazie żywic (kalafonia, kopal, bursztyn) również zmieniają jasność obrazu, nadając mu żółte odcienie. Aby sztucznie nadać płótnu wygląd antyczny, do lakieru specjalnie dodaje się pigment w kolorze ochry lub inny podobny pigment. Jednak poważne ciemnienie jest raczej spowodowane nadmiarem oleju w pracy. Może to również prowadzić do pęknięć. Chociaż takie efekt spękania często kojarzy się z pracą z na wpół wilgotną farbą, co jest niedopuszczalne w malarstwie olejnym: maluje się tylko na wyschniętej lub jeszcze wilgotnej warstwie, w przeciwnym razie należy ją zeskrobać i ponownie zamalować.
Bryullov – Ostatni dzień Pompejów
Jeśli istnieje kilka publikacji na dany temat, należy zapoznać się ze wszystkimi publikacjami, aby zrozumieć, jak zmienił się punkt widzenia na badaną kwestię.
Gromadzenie i przetwarzanie materiału faktograficznego (szkice, szkice, szkice i poszukiwania kompozycyjne)
Gromadzenie materiału faktograficznego jest kluczowym etapem przygotowania części praktycznej zajęć. Jego jakość zależy w dużej mierze od tego, jak kwalifikowany i kompletny jest dobrany materiał faktograficzny.
dyscypliny kształcenia przedmiotowego to szkice, szkice, poszukiwania kompozycyjne form plastycznych, panele dekoracyjne, próbki technik wykonawczych, zdjęcia źródłowe do grafika komputerowa, reprodukcje dzieł sztuki.
Materiał merytoryczny do pracy na kursie ogólne dyscypliny zawodowe– to dane z badania eksperymentalnego opartego na wynikach zajęcia praktyczne w szkole.
Gromadzenie i przetwarzanie materiału naturalnego (szkice, szkice i szkice), poszukiwania kompozycyjne są pracochłonnym etapem pracy kursowej. W celu przyspieszenia przetwarzania i usystematyzowania materiału oraz pomyślnego zakończenia pracy studenci otrzymują prawo i możliwość korzystania z laboratoriów i pracowni dydaktycznych, naukowych, funduszy bibliotecznych i czytelni.
Przygotowanie do obrony i obrona pracy kursowej
Ukończone i odpowiednio sformatowane zajęcia należy przekazać promotorowi nie później niż na dwa tygodnie przed obroną na wydziale. Kierownik pracy sprawdza pracę, podpisuje ją i przedstawia kierownikowi działu. Na podstawie przesłanych dokumentów kierownik katedry podejmuje decyzję o dopuszczeniu pracy do obrony. Zezwolenie na wstęp wydawane jest dla strona tytułowa pracy i podpisany przez kierownika katedry. Jeżeli kierownik katedry nie uzna możliwości dopuszczenia studenta do obrony, sprawę rozstrzyga na posiedzeniu katedry z udziałem kierownika i autora pracy.
W takim przypadku decyzję o przyjęciu do obrony podejmuje kierownik wydziału na podstawie decyzji członków wydziału.
Praca przyjęta do obrony zostaje zwrócona studentowi w celu poprawienia uwag i przygotowania abstraktów do obrony.
Obrona oczywiście praca odbywa się na otwartym posiedzeniu katedry, w którym uczestniczą opiekunowie naukowi pracy, wykładowcy, studenci itp. Wszyscy obecni mogą zadawać obrońcy pytania dotyczące treści pracy i brać udział w jej dyskusji.
Na jednym posiedzeniu do obrony zgłasza się nie więcej niż 20 prac. Na obronę jednej pracy przeznacza się nie więcej niż 15 minut, w tym 5-7 minut na sprawozdanie studenta.
Sprawozdanie absolwenta (1-1,5 strony) zawiera:
Temat pracy;
Cel pracy;
Znaczenie badanego tematu, jego uzasadnienie;
Charakterystyka objętości i struktury pracy;
Kolejność części praktycznej;
Wniosek.
Raport jest prezentowany swobodnie i przejrzyście; uczeń nie czyta tekstu, lecz logicznie przedstawia swoje obserwacje i wnioski.
Odpowiedzi studenta na pytania obecnych, ich kompletność i głębokość wpływają na ocenę pracy podczas zajęć.
Po wystąpieniu autora pracy i udzieleniu odpowiedzi na pytania, prowadzący wypowiada się ze swoją informacją zwrotną. Po omówieniu pracy student ma możliwość ustosunkowania się do zgłoszonych uwag. Praca na zajęciach oceniana jest w czteropunktowym systemie: „doskonały”, „dobry”, „dostateczny”, „niezadowalający”. Członkowie wydziału kierują się przy tym następującymi kryteriami:
Profesjonalizm umiejętności i zdolności w wykonywaniu części praktycznej;
Obrona pracy: student musi wykazać się dogłębnym zrozumieniem tematu, umiejętnością poruszania się w problemach naukowych związanych z tematem pracy: student musi wykazać się umiejętnością krótkiego i jasnego wyrażania swoich myśli, udzielania wyczerpujących odpowiedzi na pytania , logicznie i poprawnie prowadzić debatę naukową;
Projekt pracy: przestrzeganie zasad projektowania zalecanych niniejszym regulaminem, znajomość ortografii, interpunkcji i stylistyki; poprawny projekt bibliograficzny.
Uczeń musi wiedzieć, że na ocenę składa się wiele wskaźników; decydującym wskaźnikiem jest sama obrona. Omówienie wyników obrony każdej pracy odbywa się na zamkniętym posiedzeniu członków Katedry. Decyzja o ocenie zapada większością głosów, głos kierownika wydziału liczy się jako 2 głosy. Wyniki zajęć obronnych ogłaszane są tego samego dnia po zatwierdzeniu protokołu obrony przez kierownika katedry.
W przypadku oceny „niedostatecznej” student ma prawo do ponownej obrony pracy w następnym semestrze po dokonaniu uzupełnień, poprawek i poprawek, nie więcej jednak niż jednokrotnie.
Ogólne wyniki obrony zajęć są koniecznie omawiane na wydziale. Na podstawie wyników obrony katedra może rekomendować poszczególne prace do publikacji w zbiorach studenckich prac naukowych.
Część teoretyczna pracy kursowej przez 2 lata od daty obrony przechowywana jest w biurze metodycznym wydziału, gdzie może być wykorzystywana (na wspólnej podstawie z zajęciami edukacyjnymi i literatura naukowa) uczniowie, nauczyciele, nauczyciele itp. Część praktyczna przechowywane w funduszu wystawienniczym i wykorzystywane do wystaw oraz jako podręcznik metodyczny w klasie.
Wycofanie materiałów, zmiany, uzupełnienia praca na kursie nie są dozwolone. W razie potrzeby autor utworu ma prawo sporządzić kopie materiałów dostępnych w dziele.
istnieją odpowiedzi na wszystkie te pytania. Oto podstawy, od czego zacząć malowanie. Postępuj zgodnie z tymi wskazówkami, wykonuj ćwiczenia, a nie będziesz się już bać czysta kartka. Otrzymasz niezbędną wiedzę i podstawowe umiejętności. Malowanie stanie się bliższe, wyraźniejsze i sprawi mnóstwo przyjemności.
Część 1. Przygotowawcza
1. Znajdź inspirujący temat do narysowania
Zdarza się, że masz już wszystko przygotowane, ale nie możesz znaleźć przedmiotu, który by Cię zainspirował. Należy o to zadbać z wyprzedzeniem. Coś ciekawego prawdopodobnie leży w szafkach i szufladach biurka. Szukaj przedmiotów na wyprzedażach, w sklepach wysyłkowych i sklepach spożywczych. Zapoznaj się z obrazami swoich ulubionych artystów.
Wybór powinien obejmować przedmioty, na które przyjemnie się patrzy: jest to ważne dla tworzenia udanej pracy.
Zainteresowanie kolorem i kształtem będzie Cię motywować podczas pracy nad obrazem. Istnieje związek pomiędzy uczuciami do obiektu a zdolnością do ujawnienia swoich zdolności. Możesz zrobić więcej, niż myślisz.
Na pierwsze zdjęcie wystarczy proste, jednokolorowe, symetryczne naczynie, np. zwykła filiżanka do kawy. Ilustracja z książki
2. Poznaj pędzle i farby
Weź w dłonie miękką okrągłą szczotkę i szczotkę z włosiem i porównaj ich włosie. Wyciśnij odrobinę na paletę farba akrylowa z tuby. Spróbuj zastosować nierozcieńczoną farbę. różne pędzle na płótnie lub papierze akwarelowym. Pociągnięcia powinny być jasne i odważne. Poczuj różnicę w pociągnięciach różnymi pędzlami. Dodaj trochę wody i ponownie wykonaj pociągnięcia. Farba o średniej konsystencji ma taką samą intensywność koloru jak farba nierozcieńczona, ale jej faktura jest wygładzona. I wykonaj to ćwiczenie ponownie, używając słabego roztworu farby. Zwróć uwagę, jak szybko farby schną za pierwszym, drugim i trzecim razem.
Ilustracja z książki
Spróbuj nakładać farbę różnymi pędzlami – miękkim owalnym, syntetycznym cienkim, włosiem płaskim. Wypróbuj każdy pędzel, aż będziesz mieć pewność, że wiesz, jakiego pędzla użyć, aby osiągnąć zamierzony efekt.
Ilustracja z książki
3. Przydatne techniki pracy z paletą
Kolory na obrazach, które widzimy, uzyskujemy najczęściej poprzez mieszanie: czysty kolor z tuby jest zazwyczaj zbyt intensywny. Te techniki ułatwią Ci uzyskanie pożądanego koloru.
- 1 Wyciśnij farbę z tuby na brzeg palety, zostawiając odstęp pomiędzy kolorami. Do mieszania użyj środka palety. Ustaw partie w większej odległości od siebie, aby zapobiec niepożądanemu mieszaniu.
- Nakładaj czysty kolor na pędzel od krawędzi palety, a nie od góry lub od środka wyciśniętej „kiełbasy”.
- Intensywny ciemne kolory, np. czarny (choć z naukowego punktu widzenia nie jest uważany za kolor), należy zachować ostrożność: nawet niewielka ilość może znacząco zmienić mieszany kolor.
- Kolory należy mieszać ze sobą, aż mieszanina stanie się całkowicie jednorodna.
- Nie oszczędzaj na farbie. Wyciśnij tyle, ile potrzebujesz - zwykle jest to okrąg wielkości monety rublowej (w przypadku wybielania - wielkości monety pięciorublowej). Zużycie farby jest integralną częścią procesu malowania. Jeśli zaoszczędzisz za dużo, nigdy nie nauczysz się używać farby.
4. Naucz się uzyskać neutralne kolory
Na każdym zdjęciu są neutralne kolory - „wizualnie szary”. Ze względu na niewielką intensywność są niewidoczne na pierwszy rzut oka, ale stanowią najbardziej przydatne narzędzie do tworzenia harmonijnej kompozycji kolorystycznej. Zobaczmy, jak to osiągnąć.
Mieszaj kolor niebieski i pomarańczowy w dowolnej proporcji. Spróbujmy teraz zmienić temperaturę barwową o stosunek proporcjonalny ciepłe i chłodne kolory w mieszaninie. Jeśli wynik jest bardziej fioletowy, spróbuj uzyskać rdzawy kolor, dodając więcej pomarańczowej farby, a następnie wybiel, aby uzyskać jaśniejszy kolor. kolor brzoskwiniowy. Jeśli w pierwszym etapie uzyskasz rdzawy kolor, dodaj niebieski, aby uzyskać chłodny kolor, zbliżony do fioletu, a następnie biały, aby uzyskać jasnofioletowo-szary.
Powtórz poprzednie kroki dla kolejnej pary kolorów uzupełniających - żółtego i fioletowego, czerwonego i zielonego.
Pary kolorów dopełniających są połączone krótkimi pionowymi pociągnięciami. Kolory każdej pary miesza się ze sobą, tworząc dwa neutralne kolory, z których każdy został zdominowany przez jeden z kolorów rodzicielskich - te znajdują się na prawo od odpowiedniego rodzica. Ilustracja z książki
5. Kolory podstawowe, wtórne i trzeciorzędne
Narysuj okrąg, a następnie podziel go na trzy równe sektory. Pomaluj górny sektor żółtą kadmową, prawy dolny błękitem ultramarynowym, a następnie zmieszaj główną czerwień z karmazynu naftolowego i czerwonego światła kadmowego i pomaluj nim lewy dolny sektor.
Na kole kolorów kolorów podstawowych narysuj półkola ze środkami na przecięciu granic sektora z konturem zewnętrznym koło kolorów. Wypełnij te półkola kolorami wtórnymi, umieszczając je nad „rodzicami”: światło czerwone kadmowe nad granicą czerwieni i żółci, fiolet dioksazynowy nad granicą czerwieni i błękitu. Dodaj żółty do zielonego FC i wypełnij zielone półkole nad granicą między żółtym i niebieskim.
Kolor podstawowy po zmieszaniu z sąsiednim kolorem wtórnym daje kolor trzeciorzędny. Dodaj po jednym trójkącie z każdej strony półkola, co daje w sumie sześć. Pokoloruj każdy trójkąt zgodnie z etykietami.
Kolory podstawowe, drugorzędne i trzeciorzędne. Ilustracja z książki
Część 2. Rysunek
6. Zacznij od abstrakcji
Abstrakcja to ciekawy i prosty sposób przygotowania się do pracy nad realistycznym dziełem. Ważne jest, aby wybrać 3-4 kolory, które Ci się podobają, aby poczuć emocjonalny związek z obrazem. Narysuj na całej powierzchni arkusza prostym ołówkiem ciągła linia kątowa lub zaokrąglona. Może przecinać się kilka razy.
Pomaluj kształty na rysunku kolorami i odcieniami, konsystencją farby i pędzlem, które lubisz. Słuchaj swojego wewnętrznego głosu. Główne zadanie- rób tak, jak lubisz, zapominając o wszystkim innym.
Ilustracja z książki
7. Wzór rozmazu
Początkujący często nie są pewni, jak zastosować pociągnięcia. Strzałki na rysunku pokazują kierunek, który pomoże uzyskać odpowiednią głębię w przedstawionej przestrzeni na przykładzie kubka.
Schemat rozmazu i wynik. Ilustracja z książki
8. Jak nakładać cień do powiek
Cienie odgrywają kluczową rolę w tworzeniu trójwymiarowego obrazu: przede wszystkim trzeba nauczyć się je widzieć i pisać. Istnieją cztery rodzaje cieni:
- Własne cienie zlokalizowane na obiektach. Są to obszary o ciemnej tonacji, które kontrastują z oświetlonymi częściami przedstawionej formy. Zwykle mają ostrą krawędź na zewnętrznej krawędzi i płynne przejście na krawędzi jasnych obszarów obiektu. Są właścicielami główną rolę w tworzeniu objętości.
- Obszary półtonów- wąski, o miękkim konturze, umiejscowiony na granicy własnego cienia i oświetlonego obszaru obiektu. Te cienie to tony pośrednie pomiędzy kontrastującymi ciemnymi i jasnymi tonami obiektu.
- Spadające cienie- sylwetki przedmiotu „upadłego” lub rzuconego przez niego na jakąkolwiek powierzchnię inną niż on sam. Sprawiają wrażenie, jakby obiekt znajdował się na jakiejś powierzchni.
- T Eni w punkcie kontaktowym- najciemniejszy obszar padającego cienia, leżący obok obiektu. Odpowiadają za „stabilność” i masę obiektu. Cienie te nazywane są także akcentem – najciemniejszym obszarem wśród ciemnych tonów. Akcent to ciemny odpowiednik rozjaśnienia, najjaśniejszy obszar wśród rozjaśnień.
Aby namalować cień, nałóż czarną farbę lub farbę o kolorze ciemniejszym niż kolor bazowy. W drugim kroku pokryj ten zaciemniony obszar głównym kolorem. Czarny półton powinien prześwitywać pod nową warstwą farby, tworząc kolorowy cień. Jeśli chcesz przyciemnić cień, nałóż więcej czerni od przezroczystej krawędzi cienia i wymieszaj z kolorem w półtonach.
Cień na przykładzie cylindra. Ilustracja z książki
9. Jak zastosować rozświetlacze
Aby uzyskać realistyczne podkreślenie, użyj suchego pędzla z białą farbą i pomaluj najjaśniejszy obszar obiektu tyle razy, ile jest to konieczne, aby uzyskać wystarczającą jasność. Na środku rozjaśnienia umieść niewielką odrobinę gęstej farby, aby uzyskać dodatkową jasność.
Dwa przykłady nakładki podświetleń. Ilustracja z książki
10. Maluj obrazy w swojej wyobraźni
Wykonując codzienne czynności, maluj obrazy w swojej wyobraźni. W myślach poszukaj zgodności pomiędzy powierzchniami i teksturami, które widzisz wokół siebie, a sposobem, w jaki pracujesz pędzlem i nakładasz farbę.
