Instrumentacija - predstavitev glasbe za izvedbo klasičnega orkestra ali instrumentalne zasedbe. Predstavitev glasbe,notni zapispogosto imenujemo tudi orkestralno gradivoorkestracija . Številni avtorji so v preteklosti izrazoma "instrumentacija" in "orkestracija" različno pomenili. Tako je na primer F. Gevart instrumentacijo opredelil kot preučevanje tehničnih in izraznih zmožnosti posameznih glasbil, orkestracijo pa kot umetnost njihove skupne uporabe, F. Busoni pa je orkestraciji pripisal podajanje glasbe za orkester, ki je od sam začetek je avtor zamislil kot orkestralno.
Sčasoma so se ti izrazi skoraj poenotili. Izraz instrumentarij, ki ima bolj univerzalen pomen, bolje izraža bistvo ustvarjalni proces komponiranje glasbe za več izvajalcev. Zato se vedno bolj uporablja na področju večglasne zborovske glasbe, predvsem v primerih različnih transkripcij.
Inštrumentacija ni zunanja »oprava« dela, ampak eden od vidikov njegovega bistva, saj si ni mogoče zamisliti nobene glasbe zunaj njenega specifičnega zvoka, tj. onkraj definicije barv in njihovih kombinacij. Postopek instrumentacije najde svoj končni izraz v pisanju partiture, ki združuje dele vseh instrumentov in glasov, ki sodelujejo pri izvajanju določenega dela.
Veliko dlje je trajalo, da so godbe na pihala postale enakovredna orkestrska skupina. pihala. V času J. S. Bacha so majhni komorni orkestri pogosto vključevali naravno trobento. Skladatelji so vse pogosteje začeli posegati po naravnih trobentah in rogovih, da bi harmonično zapolnili orkestrsko tkivo in okrepili poudarke. Trobila so zaradi omejenih zmožnosti delovala kot enakovredna skupina le v primerih, ko je bila zanje skladana glasba na podlagi naravnih lestvic, značilnih za vojaške fanfare, lovske, poštne in druge signalne instrumente za posebne namene.
Končno, tolkala v orkestrih 17. - 18. stoletja. najpogosteje sta jih predstavljala dva timpana, uglašena na toniko in dominanto, ki sta bila običajno uporabljena v kombinaciji s trobilno skupino.
Ob koncu 18 – zač. 19. stoletja nastal je »klasični« orkester. Najpomembnejšo vlogo pri utemeljitvi njene kompozicije ima J. Haydn, povsem dovršeno obliko pa je prevzela od L. Beethovna. Vključevala je 8-10 prvih violin, 4-6 drugih violin, 2-4 viole, 3-4 violončela in 2-3 kontrabase. Ta sestava godal je ustrezala 1-2 flavtama, 2 oboama, 2 klarinetoma, 2 fagotoma, 2 rogoma (včasih 3 in celo 4, ko se je pojavila potreba po rogovih). različne sisteme), 2 trobenti in 2 timpana. Takšen orkester je dajal dovolj možnosti za uresničevanje idej skladateljev, ki so dosegli veliko virtuoznost pri uporabi muz. glasbila, zlasti bakrena, katerih zasnova je bila še zelo primitivna. Tako so v delih J. Haydna, W. A. Mozarta in še posebej L. Beethovna pogosto primeri genialnosti, ki presega omejitve sodobnih inštrumentov, nenehno pa je zaznati željo po širitvi in izboljšavi. simfonični orkester tistega časa.
Zaradi dolgoletnega zanimanja za orkestralna glasba na našem forumu se mi je že dolgo nazaj porodila ideja - narediti določen seznam klasičnih partitur, ki jih je treba pridobiti splošna ideja o tem, kaj je "moderna orkestracija" v svojem zgodovinski razvoj- navsezadnje se moraš učiti iz zvočnih posnetkov in iz res kul partitur (želim takoj povedati, da nimam nič proti zvočnim posnetkom, le razumeti morate, da ima vsaka glasba svoje naloge, pri zvočnih posnetkih pa je orkestracija nikakor ne najbolj pomembna stvar)
Poskušal bom razporediti ocene "od enostavnega do zapletenega"
Moj seznam bo seveda omejen z dostopnostjo povezav na internetu in mojim okusom. Za udobje bomo začeli s tem, kar je v »arhivu Tarakonov« - to je ena največjih zbirk not na internetu. Povezave bodo le do zapiskov in posnetkov, mislim, da jih nima smisla objavljati - vseeno jih lahko dobite.
Godalni orkester. (godala so hrbtenica orkestra, zato nima smisla poskušati brati celotne orkestralne partiture brez temeljitega znanja skupina nizov)
Začeti morate z:
Na splošno, strogo gledano, morate začeti s kvarteti - veliko jih je, zato je nesmiselno svetovati - navedel bom samo imena - Mozart, Beethoven (bolje je, da ne le kasnejši kvarteti, ker so precej težko v smislu glasbe zaznati), Haydn, Čajkovski, Šostakovič - mimogrede, od Šostakoviča je vse zelo logično, preprosto in "poučno", zato je morda smiselno gledati - na primer št. 8 - glasba je precej znan in impresiven. Tukaj je povezava do arhiva Tarakanova http://notes.tarakanov.net/partquar.htm
Http://notes.tarakanov.net/partstrun.htm
1. Čajkovskega. "Serenada za godala"
2. Mozart "Mala nočna serenada"- ti dve deli sta idealna primera v svojem žanru - morate ju znati na pamet (še posebej Čajkovskega) - tam lahko najdete skoraj vse tipične tehnike orkestracije, teksture, vrste giba itd. značilnost godalnega orkestra.
Potem si lahko ogledate vse ostalo - od tistega, kar je na tej arhivski strani, priporočam Vivaldi(tam je "Letni časi" in "12 koncertov"), Bach(čeprav imata Bach in Vivaldi nekoliko drugačen slog). Iz poznejše glasbe - Britten, Elgar, Hindemith. Lahko si ogledate "Za malico" Schnittke - "Concerto grosso #1"Tudi močno priporočam, da poiščete in skrbno preučite Bartok "Glasba za godala in čelesto"(za referenco - sliši se v enem znanem filmu Polanskega, ne spomnim se, kateri: mamba:) - to je tudi nekakšen "standard" orkestracije za godala (kot "Serenada" Čajkovskega), le za 20. stoletja.
Godba na pihala
Tu je situacija bolj zapletena, saj je pri orkestraciji za pihala najtežja stvar uravnotežena razporeditev glasbil navpično (ob upoštevanju registrov ipd.) - tega se ne moreš naučiti samo iz knjig - a Tarakanov ima tak odsek. - lahko si ogledate http:/ /notes.tarakanov.net/winds.htm
In končno, polni simfonični orkester
http://notes.tarakanov.net/orc.htm
Težko se odločim, kaj naj priporočam kot »standardno klasično partituro«, ker je »standardnih« ogromno ... začnimo pri
1. Čajkovskega. Simfonije- Tarakanov jih ima vse, lahko jih preučujete kar v tem vrstnem redu - 1, 4, 5, 6 (2 in 3 sem izključil, ker preprosto niso tako znani kot ostali 4 - lahko pa jih tudi gledate) 6. - To ni le absolutna mojstrovina v smislu glasbe. pa tudi glede orkestracije - Pjotr Iljič se je domislil ogromno skoraj avantgardnih stvari za svoj čas - je treba tudi to partituro znati na pamet.
2. Beethovnove simfonije- to je treba vedeti tudi z opozorilom, da je Beethovnova orkestracija nasploh zelo edinstven pojav in velik del izhaja iz pravzaprav Beethovnovega sloga in iz tehničnih zmožnosti glasbil tistega časa (enako velja za Mozarta, Bacha , Schubert, Haydn itd. .d.), čeprav se vse seveda sliši odlično – no, Beethoven je zato Beethoven
3. Vse ostalo Čajkovskega, ki je tam, Mendelssohn, Dvorak, Berlioz
3. Simfonije Mozart, Lahko Brahms(Tudi Brahmsova orkestracija je zelo edinstvena in "nestandardna" - to je treba upoštevati)
4. Rimsky-Korsakov "Šeherezada" "Španski capriccio"- Tarakanov nima teh del, vendar jih je treba poznati tudi na pamet, ker je s Rimski-Korsakov začne se "nova stopnja" orkestracije - to so Ravel, Debussy, Stravinski itd. - to pomeni, da sta ti dve deli Rimskega nekakšni "predhodniki" tega sloga.
Ko ste vso to glasbo dobro preučili in obvladali (in vse ostalo, kar je mogoče najti iz partitur 18.-19. stoletja), lahko preidete na bolj zapletene stvari in v 20. stoletje.
Kaj je mogoče najti v Tarakanovu:
1. Wagner in Richard Strauss- zelo kompleksni in poučni skladatelji tako z vidika glasbe kot z vidika orkestracije (predvsem Strauss). Tarakanov ima veliko Wagnerja v razdelku "operne partiture" - poznati bi morali vsaj "Tristan in Izolda"
2. Mahler(na strani je samo Simfonija št. 1) - eden najbolj zapletenih in najbolj inventivnih skladateljev v smislu orkestracije (njegova glasba mi je zelo všeč, zato sem jo vključil sem). Na splošno bi bilo dobro preučiti vsega Mahlerja, če že ni takšne možnosti, pa vsaj" "Pesem zemlje"- to je neverjetno lepa in barvito orkestrirana simfonija, ki temelji na starodavnih kitajskih besedilih - in Simfonija št. 5
3. Rahmaninov - nadaljnji razvoj Orkestralna načela Čajkovskega in " na splošno vse dobre stvari, ki so se zgodile prej" - prav tako je priporočljivo poznati vse (3 simfonije in "Simfonični plesi") - na spletni strani je "Simfonija št. 2"
4. Prokofjev- tudi študirajte čim več - Tarakanov ima npr. "Klasično simfonijo" - Prokofjevljeva orkestracija je nekako "napačna", a zelo izvirna in zlahka prepoznavna - Prokofjevljev nenavaden "zvok": glasba:
5. Šostakovič(na strani je Simfonija št. 10) - pri Šostakoviču orkestracija seveda ni najpomembnejši detajl glasbe, je pa vse jasno, logično in natančno (simfonije št. 5, 6, 7, 8, od zahtevnejših - št. 14 in 15). )
6...in končno - "največji izmed velikih" - Debussy in Ravel- ta dva mojstra sta zapustila partiture, ki jih nihče ne preseže v smislu orkestralnega mojstrstva - VSE ju je treba skrbno zbrati in preučiti ter vsakič odkriti nekaj novega v njih arty2:
Pri Tarakanovih Debussy Obstaja "morje" in "Nokturno"(tudi najti morate "slike") od Ravel- "Suita iz Daphnisa in Chloe"....potrebno je najti vsaj [Ravela] "Španska rapsodija" in "Bolero"
... no, kot sem že rekel, preučiti moramo vse, kar je mogoče najti iz del teh mojstrov ...
6. in "za prigrizek" Stravinski "Posvećenje pomladi"(Tarakanov ga ima) in "Petrushka" (Tarakanov ga nima) - ti dve skladbi (zgodnja 1910-a) sta odprli novo obdobje v celotni zgodovini glasbe na splošno. Njihov vpliv je mogoče najti v skoraj vseh sodobna kompozicija- tako od minimalistov kot od avantgardistov in od neoklasicistov - torej od vseh, še posebej, mimogrede, v hollywoodskih zvočnih posnetkih - začenši z Disneyjem, so mnogi režiserji preprosto vzeli ta dva baleta in ju uporabili v tej vlogi - (mimogrede, samemu Stravisu to ni bilo preveč všeč)
Tudi z vidika orkestracije sta ti dve partituri neprekosljivi mojstrovini ...
No, na kratko, minimalne informacije o zgodovini orkestracije. Seveda ta seznam rezultatov še zdaleč ni popoln in na splošno .... več dobrih rezultatov pogledate in preučite, bolje ...
V sodobnem simfoničnem orkestru se je ustalila določena sestava glasbil. Tega ne moremo reči za pop orkestre. Če obstajajo splošni vzorci glede sestave skupin trobil in saksofonov v različnih pop orkestrih, pa število godal in pihal ni dokončno ugotovljeno. Vse velike skladbe ne vključujejo tudi harfe, rogov, timpanov, marimbafona in harmonike. Pri obravnavi vprašanj inštrumentacije velikih pop orkestrov se avtorji osredotočajo na približno naslednjo sestavo: 2 flavti (ena od njih je lahko pikolo), oboa, 5 saksofonov (2 alta, 2 tenorja in bariton s spremembo na klarinete). ), 3 trobente, 3 pozavne, 2 izvajalca per tolkala, harfa, harmonika, kitara, klavir, 6 violin I, 4 violine II, 2 violi, 2 violončela, 2 kontrabasa.
Kakšne so glavne razlike med instrumentacijo za velike pop orkestre in instrumentacijo za majhne?
Tu lahko govorimo predvsem o povečanju števila orkestrskih skupin. Pridobijo skupine pihal, godal in kot del trobil pozavne neodvisen pomen, ki v veliki meri razširi tember in izvajalska sredstva celotnega orkestra. Takšna sestava omogoča poleg specifičnih instrumentalnih tehnik, značilnih samo za pop orkester, široko uporabo številnih metod orkestrskega pisanja, ki izhaja iz simfoničnih orkestrov. Kljub temu osnovna načela instrumentacije, obravnavana v prejšnjih poglavjih, ostajajo nespremenjena. Glavna stvar je struktura akordov v predstavitvi glasbeni material, interakcija ne le enozvočnih in oktavnih melodijskih linij, temveč predvsem gibanje in kombinacija celotnih akordnih kompleksov.
Skupina lesnih pihal
Za celotno skupino (2 flavti in oboo) so značilni: tembralna enotnost v akordu, lahka gibljivost, transparenten zvok, sposobnost izvajanja kompleksnih tehničnih pasaž v hitrih tempih. Kadar skupina igra samostojno, je priporočljivo dopolniti obstoječi dve flavti in oboo z enim ali dvema klarinetoma. Izvajanje melodije celotne skupine lesnih pihal poteka pretežno v visokem registru orkestra (2. - 3. oktava). Tema je lahko predstavljena v oktavi, akordih in redkeje v unisonu. Skupina na pihala brez spremljave se redko uporablja in še to le v posameznih kratkotrajnih epizodah. Edinstven tembrski učinek dosežemo s kombinacijo flavte in nizkega klarineta v intervalu dveh oktav. Izvedba podglasov, protiglasov itd. v partih lesnih pihal zveni najbolj živo, ko je orkestralna tkanina zmerno nasičena.
Skupinsko izvajanje lesenih ornamentov, pasaž, trilov, lestvičnih kromatskih in diatoničnih sekvenc ter arpegiiranih akordov v najvišjem registru daje sijaj in svetlobo zvoku orkestra kot celote.
Deli lesnih pihal se lahko podvojijo za oktavo višje z akordi srednjega glasu (trobila, saksofoni). Ta tehnika je najbolj učinkovita pri tutti orkestru.
Deli lesnih pihal v nekaterih primerih sozvočno podvajajo dele godal.
Pedal v leseni skupini najdemo predvsem v zgornjih registrih orkestra (predvsem 2. oktava in spodnji del 3.). Vztrajni intervali v delih dveh flavt v 1. oktavi dobro zvenijo kot pedal. Hkrati je treba glede na šibek zvok inštrumentov v tem trenutku izključiti igranje močnih trobil in saksofonov. Pri uporabi klarinetov kot posebne skupine v velikih pop orkestrih je treba upoštevati enake metode in tehnike instrumentacije, ki so bile obravnavane v poglavjih II in III.
Solistični deli za pihala v pop orkestru (glej primer 113) se načeloma ne razlikujejo veliko od podobnih delov v simfoničnem orkestru. Uporaba enega ali drugega solo instrumenta je odvisna od žanra, tematske teme in narave dela, ki se izvaja. Na primer, v plesni glasbi (rumba, počasni fokstrot) je primerna solo flavta ali duet flavt. V tangu je pogost solo na klarinetu v nizkem registru. Solo na oboi v plesni glasbi je redkejši pojav, toda v zvrsti pesmi, v nekaterih orkestralnih delih, fantazijah, mešanicah - solo na oboi skupaj z drugimi instrumenti orkestra.
Skupina saksofonov
Osnove o načinih uporabe saksofonov v pop orkestru so predstavljene v prejšnjih poglavjih. Vloga in funkcije teh inštrumentov, tako posamezno kot skupinsko v velikih pop orkestrih, ostajajo enake. V tej skladbi saksofona predstavljata petglasni zbor, ki ustvarja možnost izvajanja veliko število različne harmonične kombinacije. Pri predstavitvi teme v akordih je priporočljiva uporaba tesnega aranžmaja (glej primera 114 in 115).
Ob toliko izvajalcih kristalni zbor zveni impresivno. Priporočljiva je kombinacija enega ali dveh klarinetov z dvema altoma in tenorom (glej primere 116-118).
Prisotnost baritona razširi glasnost zvoka skupine saksofonov. Možni so akordi v mešanih aranžmajih, ki obsegajo več kot dve oktavi:
Pedalni akordi v širokem in mešanem aranžmaju zvenijo bogato in imajo čudovit, gost tember.
Značilnosti izvajanja solov na altovskih in tenor saksofonih, obravnavane v II. in III. poglavju, veljajo tudi za inštrumente za veliki pop orkester.
Baritonski solo se pojavlja predvsem v epizodah. Part tega inštrumenta lahko vsebuje kratke melodične napeve, odmeve itd. v obsegu zgornje polovice velike oktave in celotne male oktave (v zvoku):
Deli saksofona, ki se nahajajo v spodnjem registru orkestra, v kombinaciji s trobilno skupino tvorijo močno zvočno podlago v akordih.
Če želite dobiti akord te vrste, morate na primer v C-duru akordu prve stopnje dodati šestino in non - to je noti A in D. Majhnemu molskemu sedmo akordu (druga stopnja) lahko dodate noto G - dobimo akord D, F, G, A, C.
Durovemu durovemu septakordu: do, mi, sol, si - (bekar) - doda se A. Pritrjevanje none na molski akord s šestino ni priporočljivo, saj ustvari ostro disonanco med terco akorda in nono (1/2 tona).
Podobni akordi, vzeti v širokem in mešanem aranžmaju, se imenujejo "široka" harmonija in so instrumentirani, kot je prikazano v primeru 123. Glede na širok obseg akordov zgornji glas ne sme biti zapisan pod D prve oktave (v zvoku).
Akordi moderne jazzovske harmonije v petglasni lestvici saksofonov zvenijo ob preurejanju tonov akordov izjemno raznoliko. Spodaj so primeri možne možnosti instrumentacija petglasnih akordov v skupini saksofonov.
a) Pravilni akord s šestino, ki podvoji osnovni ton, tako imenovani »zaprti« akord. Ko se takšni akordi premikajo vzporedno, se imenujejo "blok-akordi".
b) Tu je šestina premaknjena za oktavo nižje
c) Prejeli smo še eno zahtevo. Mešana postavitev akordov
d) Če prestavimo tretji ton in šestino za oktavo nižje, dobimo »širok« akord harmonije.
Naslednji primeri prikazujejo dominantni sedmakord in njegove modifikacije v inverziji in orkestraciji.
a) Glavni pogled
b) Sedmina je premaknjena za oktavo navzdol
c) Peta oktava nižje
d) Sedmina in terca se premakneta za oktavo navzdol
a) Akord z noto in šestino: zgoščena ozka harmonija
b) Seksta je premaknjena za oktavo nižje
c) Peti ton premaknemo za oktavo navzdol
d) Spodaj je šesti in tretji. Rezultat je akord četrte konstrukcije - "široka" harmonija *.
* (Primera 122 in 123 sta povzeta po knjigi: Z. Krotil. Priredba za orkester sodobnega plesa; primeri 124, 125 in 126 iz knjige: K. Krautgartner. O instrumentaciji za plesne in jazz orkestre.)
Trobilna skupina
Na splošno skupina glede na način uporabe v velikih pop orkestrih zavzema enak položaj kot v majhnih skladbah. Vendar pa prisotnost šestglasnega zbora in njegova morebitna delitev na dve podskupini (3 trobente in 3 pozavne) ustvarja pogoje za oblikovanje vrste novih zanimivih orkestrskih kombinacij in učinkov. Skupinska predstavitev teme v akordični predstavitvi v večini primerov povzroči masivno zvočnost, ki se znatno poveča z naraščanjem registra igranja. Izvajanje tesno razporejenih akordov trobilnih pihal znotraj zgornje polovice 1. oktave in celotne 2. oktave ima specifičen značaj, ki je značilen za pop orkestre in se odlikuje po svetli, ostri, nekoliko intenzivni zvočnosti. Pogosta ali dolgotrajna uporaba tega načina instrumentacije pa vodi v monotonijo in ustvarja nepotrebno preobremenitev orkestra. Prav tako je treba zapomniti, da je niansiranje trobil, ki igrajo visoke tone, zelo težko.
V primeru 127 trobilna sekcija igra akorde blizu. Akordi sledijo ritmični temi, ki poteka skozi zunanje glasove (trobenta I in pozavna II). Deli trobente in pozavne so zapisani v dobro zvenečih instrumentalnih registrih. Za tipičen primer teme, ki jo izvaja skupina trobil, glejte primer 127.
V primeru 128 je bakrena skupina razdeljena na tri registrske plasti. Deli trobente, tri pozavne in četrta pozavna s trobento, ki se nahajajo, pokrivajo obseg 3 1/2 oktave. Tri pozavne podvajajo oktavo pod partom trobente. Pozavna IV in tuba tvorita orgelsko točko v kvintah. Izvajanje teme v skupini trobila je mogoče orkestrirati na druge načine.
Takšno inštrumentiranje s trobilno skupino, čeprav manj tipično za pop orkester, bo vedno dobro zvenelo, kljub temu, da tukaj za razliko od prejšnjega primera ni tema v ekstremnih glasovih.
Izvajanje teme v oktavi in unisonu s trobilno skupino v velikem pop orkestru se bistveno ne razlikuje od podobnega instrumentiranja v manjših zasedbah. Tukaj je treba le upoštevati relativno povečano zvočno moč trobil in jo ustrezno izenačiti v interakciji z drugimi orkestrskimi skupinami.
Ustrezno mora biti uravnoteženo tudi izvajanje spremljajočega in pomožnega materiala v akordih, oktavi in unisonu. Kadar temo izvajajo godala, pihala in druga glasbila, ki nimajo močnega zvoka, lahko trobilno skupino, ki ima stransko vlogo, uporabimo le, ko pravilno razmerje registre igre, na primer, temo v partih godal, ki potekajo v 1. oktavi, zlahka preglasi skupina trobil, ki igrajo z odprtim zvokom v isti oktavi.
Najbolj enakomerna zvočna razmerja se oblikujejo v trobilni skupini v interakciji s saksofoni. Izvajanje teme v skupini saksofonov skozi celotno glasnost v akordih ali enoglasno lahko praktično spremlja celotno skupino trobil v kateremkoli registru:
Igra trobil con sordino v velikih skladbah pop orkestrov najde najširšo uporabo tako pri izvajanju teme kot pri izvajanju spremljevalnih vokalov, pomožnega materiala itd.
Utišanja občutno oslabijo zvočno moč inštrumentov in omogočajo igranje celotne skupine trobil v kombinaciji tudi z inštrumenti, kot so solo violina, solo harmonika, klavir in klarinet.
Kot smo že omenili, je trobilna sekcija velikega orkestra razdeljena na dve pododdelki, sestavljeni iz 1) trobente in 2) pozavne. Za vsako od teh podskupin so značilne posebne lastnosti, ki določajo teksturo serij. Gibljiva tehnika je pogostejša pri trobentah, manj pa pri pozavnah. Tri trobente, ki tvorijo akord treh not, lahko prosto izvajajo kompleksne virtuozne pasaže brez povezave s pozavnami.
V primeru 131 se tema prepleta skozi dele trobente (dodatek akordov). Hkrati pa pozavne opravljajo popolnoma drugačno funkcijo: akord pedala, dodeljen pozavnam, pomaga poudariti gibanje melodična linija, ki poteka blizu cevi.
Nasprotno, v primeru 132 je funkcija pedalov nadomeščena s protidodatno linijo - v bistvu sekundarno linijo. Glavna melodična linija poteka skozi dele pozavne v akordni sestavi. Treba je opozoriti, da sta obe liniji (trobente in pozavne) združeni, ne da bi se zakrivali, saj je ritem njunih delov dobro premišljen.
Tri pozavne pri igranju akordov tvorijo zelo zanimivo kombinacijo s čudovitim tembrom. Za tri dele pozavne so običajno značilne prosto tekoče, široke melodične linije v zmernem tempu (glej primer 133). Vendar pa v sodobnih inštrumentih skupina pozavne igra tudi ostre poudarjene akorde, gibljive lize, v srednjem in hitrem tempu (glej primer 134).
Če temo igra skupina pozavnih, je register njihovega igranja pretežno visok. V kombinaciji s trobentami in saksofoni v tutti orkestru pozavne običajno igrajo v srednjem registru svoje glasnosti. Pedal treh pozaven odlično zveni v visokem in srednjem registru. Zvok takšnega pedala odlikuje mehkoba, lepota in plemenitost:
Če je treba v skupini pozavne pridobiti štiriglasni akord, je priporočljivo vključiti 2. ali 3. glas tega akorda v part bariton saksofona *.
* (V nekaterih primerih je možno uporabiti trobento kot enega od srednjih glasov pozavne.)
Unisono izvajanje teme z vsemi pozavnami ustvari eno najsvetlejših in najmočnejših zvočnosti v orkestru.
Umetniška praksa v procesu razvoja tehnike instrumentacije pop orkestra se je kopičila veliko število najrazličnejši načini povezovanja inštrumentov, njihovih sekvenc itd.
Spodaj je nekaj primerov za lažjo predstavo možne načine uporaba skupine trobil, pozavnih in celotne trobilne skupine v velikem pop orkestru.
V primeru 137 je tema v skupini baker. Klarineti in violine spremljajo trobila v dvooktavni kontrapoziciji, ki je v nasprotju s temo. Kontrast določa, prvič, različna ritmična struktura delov trobil in klarinetov z violino; drugič, s kontrastom akordične izvedbe teme z oktavno izvedbo kontraadicije. Končno pravilna izbira razmerja registrov igranja na trobila in klarineta z violino daje dve jasno slišni liniji v orkestru (glej primer 137).
V primeru 138 unisono držanje teme izmenično s skupino pozavnih in skupino trobent na ozadju akordične teksture orkestra ustvari zanimiv učinek. Ta metoda inštrumentacije daje svetlo, bogato zvočnost, v kateri je mogoče z izjemno jasnostjo slišati reliefno melodično linijo pozavnih in nato trobent.
Učinkovita tehnika postopnega povečevanja jakosti zvoka v orkestru ustvarja izmenično vstopanje inštrumentov v tone akordov s taktnimi udarci. Vsak instrument je mogoče aktivirati v naraščajočem ali padajočem vrstnem redu.
V primeru 139 se v štiritaktnem taktu trobilna sekcija izmenjuje od spodaj navzgor na vsak takt takta vzdolž tonov akorda. Tako se s postopnim vključevanjem glasov proti koncu drugega takta zaključi oblikovanje akorda.
Upoštevati je treba, da v podobnih primerih menjavanje inštrumentov z različnimi močmi zvoka, na primer pozavne v visokem registru in klarineti v srednjem registru, ne more ustvariti želenega učinka. Razlika v jakosti zvoka bo motila pravilno konstrukcijo takšne "verige".
V primeru 140 je orkestrator našel zanimivo tehniko za drugačno menjavanje glasbil. Glasovi vstopajo skozi manjkajoče akordne tone. Daje vtis nihanja, zvonjenja.
Tehnika instrumentiranja, prikazana v primerih 139 in 140, se do neke mere nanaša na orkestrski pedal. Izmenično vključevanje glasov v akord ustvarja učinek nekakšnega zvonjenja.
Primer 141 prikazuje enega od načinov za kombiniranje skupine trobil s saksofoni v velikem pop orkestru.
Tu tema teče skozi skupino trobil v akordični predstavitvi. Deli skupine saksofonov se nahajajo v srednjem in nizkem registru orkestra in so v opoziciji. Kombinacija dveh plasti akordov ustvari široko, masivno zvočnost. To je ena od značilnih instrumentacijskih tehnik za pop orkester.
Glasbila s strunami
V velikih pop orkestrih dobijo godala z loki povsem samostojen pomen. Vsi načini igranja, efekti in tehnike instrumentiranja godal, ki so sprejeti v simfoničnih orkestrih, so v celoti uporabljeni v pop orkestrih. Tu pa se je izkristalizirala vrsta določenih orkestracijskih tehnik, ki so postale značilne za godalni part. Predstavitev teme s skupino godal v velikem pop orkestru lahko poteka v katerem koli registru orkestra v unisonju, v oktavi, v dveh ali treh oktavah, v akordih. Najpogostejši način igranja strun, ki predstavljajo temo, so polifonični akordi (v večini primerov divisi), ki sledijo v natančnem ritmičnem skladu z vodilnim glasom. V teh primerih se akorde igra le v neposredni bližini. Velika vrednost ima pravilno razporeditev iger pri igranju divisi. Na primer: violine I so razdeljene na tri dele (tj. dva izvajalca na del), violine II na dva, viole tvorijo en del, del violončela pa je lahko v nekaterih primerih razdeljen na dva glasova (glej primer 142).
Akordi strun Divisi zvenijo dobro, če se zunanji glasovi gibljejo v vzporednih oktavah, tj. spodnji glas podvaja melodijo *.
* (Tako imenovani "zaprti akordi".)
Ta tehnika doseže največji učinek pri igranju na skupino strun znotraj 2. in 3. oktave.
Za pop orkester je značilno, da dirigira melodijo ali spremljevalna godala unisono, zlasti v skladbah v počasnem tempu. Kombinacija violin v nizkem registru z violami in violončeli v sozvočju ustvarja globok, izrazit ton (glej primer 144). V visokem registru orkestra večinoma unisono igrajo le violine (glej primer 145). Sem lahko uvrstimo tudi viole, če je tesitura melodije v njihovih dostopnih mejah. V manjših skladbah se za okrepitev zvoka violin njihovi deli podvajajo s klarineti ali harmoniko. To ni priporočljivo za velike vlake. Prav tako je nezaželeno podvajanje violinskih delov s flavtami in oboo.
Pri izvajanju teme ali melodično bogate kontrapozicije z godali je vedno bolje imeti čist tember skupine, brez mešanja tonov drugih glasbil vanjo.
Spodaj je nekaj primerov igranja godal v velikem pop orkestru * (glej primere 146-150).
* (V nekaterih primerih skladatelji skupine violin razdelijo na tri dele, pri čemer vsakega napišejo na ločeno pisavo.)
Pedal v godalni skupini je široko razvita tehnika v velikih zasedbah. Bistvene razlike Podobne vloge godal simfoničnega orkestra v pop orkestru ni.
Za igranje godal v pop orkestru so značilni lestvici podobni dvigi do not zgornjega registra, ki jim sledi vzvratno gibanje v dolgih trajanjih. Padajoči legato potezi šestnajstin in dvaintridesetih prav tako zvenijo edinstveno. Tovrstne tehnike dodajo zvoku celotnega orkestra pompoznost, eleganco in iskriv sijaj (glej primera 151 in 152).
Primer 152 prikazuje zanimivo tehniko instrumentacije, ko gre skupina violin skozi serijo naraščajočih terc in nato postopno padanje v majhnih trajanjih. To tehniko pogosto najdemo v partituri sodobnih pop del.
Harmonika, kitara, bobni in kontrabas v velikem pop orkestru izvajajo podobne vloge kot v manjši zasedbi.
Klavirski part v velikem pop orkestru se nekoliko razlikuje od klavirskega parta v manjšem orkestru. Ker v majhnih orkestrih ni kitare, se klavir uporablja predvsem kot spremljevalni inštrument. V velikih skladbah je prisotnost kitare obvezna, kar omogoča obravnavanje klavirja kot samostojnega orkestrskega inštrumenta. Tukaj klavir pogosto igra solo. Možno je izvesti temo dela v klavirskem delu, izvajati spremne glasove in pomožni material. V velikih skladbah s povprečno nasičenostjo orkestralne tkanine je najbolj koristno uporabiti zgornji register glasnosti klavirja (glej primere 153-155).
Igranje tutti v velikih pop orkestrih, pa tudi v majhnih, je zgrajeno ob upoštevanju najučinkovitejše uporabe registrov in instrumentalne tehnike. Znatno razširjena v primerjavi z majhnimi skladbami, orkestralna sredstva omogočajo pridobiti največ različne možnosti orkestralni tutti v različnih žanrih pop glasba. Če je bilo pri obravnavi posameznih skupin priporočljivo ohraniti njihov čisti ton, je v pogojih igranja celotnega orkestra kot celote mešanje tonov, podvajanje in podvajanje glasov za izboljšanje splošne zvočnosti povsem sprejemljivo. Tako lahko na primer deli violin podvojijo dele trobente za oktavo ali več; deli flavt, oboe in klarinetov pa lahko podvojijo dele violin. V velikih vlakih ločeno orkestrske skupine, znatno povečan v primerjavi z majhnimi vlaki, pridobi večjo neodvisnost. Povečuje se tudi število samih skupin. Zato ima pri igranju tutti tehnika ujemanja skupin še toliko večjo uporabo. Spodaj so primeri različnih vrst tutti v velikih pop orkestrih.
Primer 156 prikazuje najpreprostejši način instrumentiranja tutti. Melodija je predstavljena v oktavi v delih violine, pihal in saksofona. Trobilna skupina igra akorde, ki jih poudarja v taktih. Ta način instrumentacije je najbližji simfoničnemu. Melodija se razkrije precej jasno.
Primer 157 prikazuje eno od tehnik instrumentiranja tutti, ko skupina saksofonov ter skupina trobil in godal izmenično izvajajo posamezne melodije teme. Funkcije skupin se izmenično spreminjajo: od predstavitve teme do spremljave (pedal, pomožni material). To je tudi ena od običajnih instrumentacijskih tehnik v pop orkestru.
Primer 158 prikazuje način kombiniranja več orkestralnih delov z različnimi strukturami. Tema se odvija v trobilni skupini v akordični predstavitvi. Godala in ksilofon igrajo kratke padajoče motive. Celotna pihalna skupina skupaj s saksofoni izvaja figure ostinatnega tripleta. Ta metoda instrumentacije se lahko uporablja v skladbah s hitrim tempom.
Primer 159 ponazarja tutti metodo inštrumentov, pri kateri se zaradi dobre zapolnjenosti srednjega registra orkestra in dokaj jasno izražene melodične linije oblikuje zelo gosta, bogata zvočnost.
Ta primer prikazuje metodo inštrumentiranja tutti, značilno za pop orkester.
Nazadnje sta podana dva primera instrumentacije in postavitve tutti akordov (glej primera 160 in 161).
V primeru 160 pred velikim tuttijem orkestra sledi epizoda, v kateri solo v partu baritonskega saksofona spremlja spremljava v delih klavirja (visok register), harfe, metalofona in flavt. To kombinacijo tonov odlikuje živahna podoba. Avtor je bil postavljen pred nalogo upodabljanja južne nočne pokrajine, slike počasi hodeče karavane. Glasba na začetku skladbe je prežeta z liričnim, sanjavim razpoloženjem, zato je orkestrator uporabil tako edinstveno kombinacijo glasbil. Epizoda se konča z rezom velikega orkestrskega tuttija. Ta prehod združuje dve liniji: gibanje navzdol v delih lesenih pihal in dviganje v delih violine na ozadju glissanda harfe. IN v tem primeru tutti orkestra je instrumentiran na enega najpogostejših načinov: tema teče v predstavitvi akordov v trobilnih in saksofonskih delih ter je podvojena v delih oboe in violončela. Linija nasprotja v partih violine in flavte se riše v visokem registru orkestra. Ker se zgornji glas števca (violina I in flavta) nahaja v velikem intervalu od glasu, ki vodi temo (trobenta I), sta obe liniji jasno slišni. Orkestralni tutti se konča s spektakularnim tripletnim naraščajočim gibom v partih vseh glasbil.
Izdelovalec instrumentov je skrbno premislil načrt orkestracije tega odlomka, ki ga je zasnoval na kontrastni primerjavi prve epizode, ki temelji na zanimivi koloristični tehniki instrumentacije, z drugo epizodo, zvenečo široko in zelo bogato. Vsebina notnega materiala je bila pravilno utelešena v instrumentaciji.
Z uporabo primerov v tem poglavju se lahko bralec nekoliko seznani z nekaterimi instrumentacijskimi tehnikami za veliki vlaki pop orkestri. Samoumevno je, da vse, kar je priporočeno v tem poglavju, ne izčrpa bogatih možnosti in tehnik orkestracije. Samo kot posledica sistematičnega praktično delo Iz partitur lahko razvijete dobre tehnike orkestrskega pisanja.
Predavanja
Oddelek 3. Pravilnosti instrumentacije in ureditve.
1.1. Orkestralna tekstura. Instrumentacija ali orkestracija predstavlja predstavitev glasbeni del za določeno sestavo orkestra - simfonični, pihalni, ljudska glasbila, harmonikarski orkester ali za različne zasedbe. To je ustvarjalni proces, saj koncept skladbe, njena idejna in čustvena vsebina določajo izbiro instrumentov, menjavo njihovih tonov, naravo primerjave posameznih skupin orkestra itd. Pogosto se je treba obrniti na klavirske ali harmonikarske skladbe, katerih glasbeno besedilo je z vidika orkestralne teksture nedokončano. To je razloženo s posebno predstavitvijo teh instrumentov. Za ustvarjanje orkestralne tkanine je treba temeljito predelati teksturo klavirske ali gumbne harmonike: spremeniti tesiturno razporeditev glasov, dopolniti manjkajoče glasove v harmonični spremljavi, preveriti glasovno vodenje, dodati zvoke pedal, kontrapunktne melodije in podporne glasove. V procesu instrumentacije je treba upoštevati takšno značilnost orkestralne partiture kot podvajanje posameznih teksturnih elementov (melodija, harmonična spremljava). Podvajanje posameznih glasov v različnih registrih. Vsak glas orkestralne partiture, ki predstavlja del celotnega zvoka, opravlja določeno funkcijo. Komponente orkestralne teksture v instrumentaciji za ruski orkester ljudska glasbila običajno imenujemo funkcije. Sem spadajo: melodija, bas, figuralika, harmonski pedal, kontrapunkt. Treba je razlikovati funkcije orkestralne teksture in harmonične funkcije.
Za razliko od slednjega so funkcije orkestralne teksture določene z značilnostmi ene ali druge vrste glasbenega materiala: monodičnega, harmoničnega ali polifoničnega.
Orkestralna tekstura je:
nabor glasbenih predstavitvenih sredstev;
struktura glasbenega tkiva s svojo tehnično strukturo in sestavo glasbene zvočnosti.
Vrste računov:
1) monodično - ena melodija, brez spremljave, unisono ali v oktavi;
(P. Čajkovski. Romeo in Julija. Uvod-2 kl.+2 fag.
2) homofonično-harmonična - večglasna vrsta glasbe, v kateri je eden od glasov (običajno zgornji) najpomembnejši, ostali spremljajo, spremljajo (J. Haydn. Simfonija št. 84 Allegro. str. 5-tema v - ni 1-začetek)
(J.Haydn. Simfonija št. 84 Allegro. str. 5-8-12 tutti orchestra)
4) polifonično - hkratno zvenenje več enakih glasov;
J.Bach. Brandenburški koncerti. Koncert F št. 1.
5) mešano - homofono-polifono, akord-polifono itd.
P. Čajkovskega. Romeo in Julija.str.30-31 akordično, -polifono; pp26-27 akord, akord-polifoničen)
Funkcije orkestralne teksture.
Orkestrske funkcije so sestavine orkestrske predstavitve (orkestrska tekstura).
Orkestralne funkcije vključujejo: melodijo, bas, orkestrski pedal, harmonsko figuracijo in kontrapunkt.
Interakcija orkestralnih funkcij je lahko različna; narekuje jo narava dela in značilnosti njegove teksture. Morate imeti jasno razumevanje posebnosti vsake od orkestrskih funkcij in oblik njihove interakcije.
Melodija, v kateri je predvsem tema utelešena kot reliefno nepozabno gradivo, je glavna funkcija orkestralne teksture. Od vseh elementov glasbenega tkiva je najbolj dostopen zaznavanju. Predstavitev drugih komponent teksture je v veliki meri odvisna od narave melodije, obsega, v katerem se nahaja, in dinamičnega vzorca.
Pri instrumentiranju je treba poudariti glavno melodično linijo in si prizadevati, da predstavitev ni preobremenjena s sekundarnimi glasovi. Izolacijo melodije dosežemo s številnimi tehnikami:
a) enozvočno podvajanje melodije;
b) podvojitev za oktavo ali več oktav;
P. Čajkovskega. Romeo in Julija. dvigniti
c) izvajanje melodije v kontrastnem tonu, ki se razlikuje od drugih funkcij; d) držanje melodije na določeni razdalji od harmoničnih glasov, kar spodbuja njeno izolacijo.
(J. Haydn. Simfonija št. 84 Allegro. str. 5)
Pogosto le v daljšem časovnem obdobju pri katerem koli delu eno melodijo brez spremstva. včasih melodija se razliva v več glasov, ki tvori odmeve, značilne za ruske ljudske pesmi.
Melodijo lahko tudi poudarimo tember. Zelo pogosta tehnika je predstavitev melodije v drugačnem, kontrastnem tonu v primerjavi s predstavitvijo drugih orkestralnih funkcij.
Pri podvajanju melodije, izolirane v orkestralni teksturi v neodvisno funkcijo, se pogosto uporablja kombinacija različnih tembrov v unisonskem zvoku (na primer alto domras tremolo + gumbna harmonika legato, majhna domra staccato + gumbna harmonika staccato itd.)
(altos legato+ z l. legato, v-ni- staccato+fl.- staccato).
(J. Haydn. Simfonija št. 84 Allegro. str. 6 v-ni+fl.)
Ena od značilnih tehnik je vodenje melodije z dvojnimi notami in akordi. ( v - ni 1+2; cor - ni 1,2,3)
(J. Haydn. Simfonija št. 84 Allegro. str. 6 A)
V orkestru ruskih ljudskih glasbil je igranje melodije z dvojnimi notami zelo pogosto, saj so dvojne note glavna tehnika igranja na balalajko. Dosledno vzdrževan drugi glas je običajno harmonski privesek, nekakšen »spremljevalec« melodične linije.
Basje najnižji glas. Določa harmonično strukturo akorda. Izolacija basa v eno samostojno funkcijo je posledica dejstva, da je njegova vloga v orkestralni strukturi zelo pomembna. Pri tutti se lahko basovska linija okrepi s podvajanjem oktave ali v unisonju v - la + vc - lo, vc - lo + c - lo + bason ) - po možnosti z različnimi potezami ( vc - lo -legato+ c - lo - pizz.)
Prav tako je treba omeniti figuriran bas. Najenostavnejši primer figuriranega basa je bas, sestavljen iz dveh izmenjujočih se zvokov: glavnega, ki določa dano harmonijo. Nahaja se praviloma na močnejšem udarcu palice in pomožno. Najpogosteje je pomožni bas nevtralni zvok triade - kvinta, če je glavni zvok prima, ali prima, če je glavni zvok terca.
P. Čajkovskega. Koncert za klavir in orkester stran 118. slika 50).
Včasih je bolj zapleten figuriran bas, ki se premika predvsem po zvokih akordov.
Orkesterski pedal V orkestru se trajni harmonični zvoki imenujejo.
Pedal je nujen. Deluje brez pedala, zveni suho, premalo bogato in brez potrebne gostote orkestrske teksture.
Najpogosteje se uporablja za pedala cor-ni, fag., celo, timp . Glede na tonsko lego je pedal največkrat lociran pod melodijo. P. Čajkovskega. Koncert za klavir in orkester 141 pedal za kontrabas.
K vprašanju uporabe pedala v praktičnih instrumentih je treba vedno pristopiti kreativno. Pri delih s prosojno teksturo je priporočljivo omejiti tudi polni harmonski pedal na dva ali tri harmonične zvoke v širokem aranžmaju. (P. Čajkovski. Koncert za klavir in orkester. str. 116 fagoti 1,2)
Nasprotno, v delih z gostim harmonskim razvojem, zlasti v tuttiju, je priporočljivo postaviti pedal v celotno območje orkestrskega zvoka, pri čemer upoštevamo le zakonitosti prizvočne strukture akorda (široka razporeditev akord v spodnjem območju zvoka orkestra in blizu v srednjem in visokem).
Poseben primer orkestralnega pedala je zdržan zvok, ki je hkrati harmonična orgelska točka. P. Čajkovskega. Koncert za klavir in orkester stran 118. številka 50)-. timp.
Zvok pedala je mogoče ohraniti ne samo v basu. Pogosto so primeri, ko se ohranja v zgornjem glasu.
Harmonična figura saj ena od funkcij orkestrske teksture temelji na ponavljanju, menjavanju ali gibanju zvokov harmonije v različnih ritmičnih kombinacijah.
Harmonična figuracija pomaga razkriti večjo neodvisnost harmonije. V orkestru ruskih ljudskih glasbil je harmonska figuracija običajno zaupana sekundam balalajk in violam, včasih z dodatkom primarnih balalajk ali basovskih balalajk. Primeri izvajanja harmonske figuracije z domrami in harmonikami so precej redkejši in predvsem v kombinaciji s figuracijo z balalajkami.
Najenostavnejša harmonska figura so ponavljajoči se akordi.
Bolj presenetljiva oblika harmonične figuracije je gibanje po zvokih akorda: izmenjujoča se dva zvoka, kratek počasen arpeggio, zlomljen arpeggio itd. Najpogosteje se gibanje po zvokih akorda pojavi hkrati v treh glasovih.
Včasih harmonična figuracija združuje gibanje po zvokih akorda z uporabo zvokov, ki niso akordi. Ta figuracija se po funkciji približuje kontrapunktu.
Pri predstavitvi harmonične figure (na primer spremljevalnih figur) se orkestraši pogosto zatečejo k spreminjanju smeri gibanja, uvedbi nasprotne (drug proti drugi) smeri spremljajočih figur in »postavitvi« trajnega zvoka (pedala) pod gibljive glasove. (glej stran 35) ali cela skupina (akord) trajnih zvokov. To obogati zvočnost, ji daje večjo bogastvo in kompaktnost. (Glej primere 16, 17, 18, 24, 25, 26, 27, 31, 33).
Harmonična figuracija se lahko izvaja hkrati z različnimi skupinami inštrumentov, je zelo kompleksna in raznolika ter občasno pridobi vodilni pomen.
Kontrapunkt.Ta izraz v tečaju instrumentacije se nanaša na melodijo, ki spremlja glavni melodični glas. V tem primeru naj bi kontrapunkt po tembru izstopal med drugimi orkestrskimi funkcijami. Pomembna posledica uporabe kontrapunkta je barvni kontrast. Stopnja barvnega kontrasta tako posameznih instrumentov kot celotnih skupin orkestra je neposredno odvisna od stopnje neodvisnosti kontrapunkta.
Kontrapunkt v orkestru je lahko:
A) kanonično posnemanje teme, J. Bach. Brandenburški koncerti. Koncert F št. 1, stran 19, številka 23 v - ni picc .+ ob 1.)
B) sekundarna tema, ki zveni hkrati z glavno,
C) posebej sestavljeno, samostojno melodijsko zaporedje, ki se od teme razlikuje po ritmu, smeri gibanja, značaju itd.
Kontrapunkt je kot orkestrska funkcija podoben melodiji, za njegov razvoj pa so značilne enake lastnosti: osamitev z vodenjem v oktavo in več oktav, unisono podvajanje s sorodnimi tembri in z zlivanjem tembrov; vodenje z dvojnimi notami, akordi. Pri instrumentiranju kontrapunkta je pomembno upoštevati naravo razvoja teme na eni in kontrapunkt na drugi strani. Če se kontrapunkt bistveno razlikuje od teme v ritmičnem vzorcu in registrskem zvoku, se lahko uporabijo popolnoma homogeni tembri. Če imata kontrapunkt in tema homogeno melodično linijo in se nahajata v istem registru, je treba, če je mogoče, za temo in kontrapunkt uporabiti različne tonske barve.
Interakcija funkcij v orkestru. Orkestrske funkcije se v instrumentaciji uporabljajo v skladu z določenimi pravili, uveljavljenimi v orkestrski praksi.
Prvič, uvedba določene funkcije v orkestru se pojavi na začetku glasbenega stavka (obdobje, stavek, del), njen izklop pa na koncu stavka (obdobje, stavek, del).
Poleg tega se tudi sestava instrumentov, ki sodelujejo pri opravljanju določene funkcije, večinoma ne spremeni od začetka do konca fraze. Izjema so le primeri, ko je uvod ali izklop dela glasbil povezan s crescendom, diminuendom ali sforzandom celotnega orkestra.
Najenostavnejša in najbolj značilna predstavitev v orkestru ruskih ljudskih glasbil je sestavljena iz treh funkcij: melodije, harmonične figure in basa.
Pedal je dodan za večjo gostoto in kompaktnost teksture v primerih, ko je melodija predstavljena v unisonskem zvoku in ne v dvojnih notah ali akordih. Da bi bile orkestralne funkcije jasno slišne in se ne zlivajo med seboj, mora biti vsaka od njih predstavljena jasno in jasno.
Pogosto je kombiniranih več funkcij, ne da bi pri tem motili harmonijo celotne teksture. Tako na primer melodija, odigrana v basu, seveda opravlja tudi funkcijo basa.
Bas položen l egato v odsotnosti posebnega pedala v orkestralni teksturi prevzame funkcijo pedala. Bas je lahko hkrati harmonska figura.
V primerih, ko imata harmonska figura ali harmonski pedal samostojen melodični pomen, sta tudi kontrapunkt.
Pri orkestriranju je zelo pomembno upoštevati zvočnost posameznega instrumenta ali celotne skupine. Zelo težko je dati primerjalno tabelo moč različnih inštrumentov, saj ima vsako od inštrumentov (zlasti pihala) v svojem obsegu drugačno zvočno moč v enem ali drugem registru.
Tudi neizkušenemu orkestru je jasno, da bo na primer trobilna skupina in forte zvenela močneje kot pihalna skupina. Toda tako v forte kot v klavirju je mogoče doseči enako moč zvočnosti v obeh skupinah. Zdi se, da bi morala ločena skupina godal (na primer 1. violina) zaradi svoje številčne premoči zveneti močneje kot eno pihalo (na primer oboa, flavta). Toda zahvaljujoč svetli razliki v tembrih bosta oboa ali flavta jasno slišni tudi, ko je en tember prekrit z drugim, da ne omenjamo solistične predstavitve pihalnega dela ob spremljavi godalnega kvinteta.
Uravnoteženje jakosti zvočnosti je mogoče doseči na različne načine, na primer s podvajanjem:
Na primer:
1 oboa
2 flavti (nizki register)
2 rogova
1 cev
viole + klarinet
violončelo + fagot
2 rogova + 2 fagota
2 trobenti + 2 oboi
itd.
in na najrazličnejše načine, z uporabo značaja tonov, dinamičnih odtenkov itd.
Poleg zgoraj naštetih vrst predstavitve obstaja ogromno število različnih orkestralnih tehnik, tako znanih kot pogosto uporabljenih v različnih obdobjih s strani različnih skladateljev, še posebej priljubljenih, ki so jih včasih izumili določeni avtorji. Vsak orkestrski skladatelj razvije lastne tehnike orkestracije, ki izpolnjujejo njegove ustvarjalne in slogovne cilje. Vsak orkestrar pristopa k orkestru na svoj način, a kljub temu vedno dosledno upošteva zmožnosti inštrumentov in specifike posamezne skupine.
Ko učitelj demonstrira različne vrste orkestralne teksture z uporabo vzorcev zahodnih in ruskih skladateljev, čemur sledi njihovo poslušanje na posnetku, učenci začnejo analizirati partituro. V celotnem delu znane skladbe učenci najdejo različne vrste orkestralne teksture, analizirajo razmerja med skupinami, njihovo kombinacijo itd.
Pri analizi partiture ni dovolj, da se omejimo le na navedbo določenih tehnik orkestralne predstavitve. Razvoj orkestralne teksture in uporaba različnih tehnik orkestracije naj bosta povezana s formo, melodično-harmonskim jezikom dela, programom itd. Pri poglobljeni analizi orkestracije je treba poiskati posebne, značilne slogovne značilnosti inštrumentacije, ki so lastne določeni dobi, danemu skladatelju ipd. Pri analizi ni vedno mogoče tesno povezati zgoraj naštetih elementov. . Pretirana razdrobljenost gradiva pri analizi orkestracije običajno ne pripelje do želenih rezultatov.
Analizo instrumentacije v povezavi z analizo forme dela je običajno treba obravnavati v širšem obsegu, pri čemer na splošno upoštevamo instrumentacijo celotnih delov analizirane forme. Pri analizi je treba upoštevati sredstva, ki jih je skladatelj imel na razpolago: sestavo orkestra, glasbene in tehnične zmožnosti inštrumentov, slogovne značilnosti ustvarjalnost tega skladatelja itd.
Po kratka analiza forma analizirane skladbe, primerja se orkestracija posameznih delov dela (npr. glavni in stranski deli, njihova predstavitev v enem ali drugem inštrumentu, pri eni ali drugi skupini itd.) orkestracija večjih delov primerjamo tudi obliko, npr. ekspozicijo, razvoj in reprizo ali v tridelni obliki orkestracijo posameznih delov ipd.). Pri tem je treba biti pozoren na poudarjanje v orkestralni teksturi najizrazitejših, barvitih trenutkov melodično-harmonskega jezika dela, na to, kako in s čim so zabeleženi nekateri izrazni trenutki v igri; opazite najbolj zanimive, tipične orkestrske metode podajanja teksture itd.
II
Ob koncu obveznega predmeta inštrumentiranja mora študent samostojno analizirati 2-3 različne vrste del. Priporočljivo je, da za delo vzamete najbolj znane simfonije Haydna, Mozarta, Beethovna; nekatere arije iz »Ivana Susanina« ali »Ruslana in Ljudmile«, 4., 5., 6. simfonije Čajkovskega, najbolj znane iz partitur Borodina, Rimskega-Korsakova in drugih.
Pri analizi velikih simfoničnih del lahko vzamete kateri koli dokončan odlomek.
Danes želim govoriti o najpogostejših napakah, ki jih delajo začetniki skladatelji pri pisanju glasbe/partitur za simfonični orkester. Vendar pa so napake, na katere vas želim opozoriti, precej pogoste ne samo v simfonični glasbi, ampak tudi v rock, pop glasbi itd.
Na splošno lahko napake, na katere naleti skladatelj, razdelimo v dve skupini:
Prvi je pomanjkanje znanja in izkušenj. To je komponenta, ki jo je enostavno popraviti.
Drugo je pomanjkljivost življenjska izkušnja, vtisi in na splošno nestabilen pogled na svet. Težko je razložiti, a ta del je včasih pomembnejši od pridobivanja znanja. O tem bom govoril spodaj.
Pa si poglejmo 9 napak, na katere je vredno biti pozoren.
1. Nezavedno izposojanje
To sem že omenil v enem od svojih podcastov (). Nezavedno plagiatorstvo ali nezavedno izposojanje so grablje, v katere pade skoraj vsak. Eden od načinov za boj proti temu je poslušanje čim več različne glasbe. Običajno, če poslušate enega skladatelja ali izvajalca, ima na vas močan vpliv in elementi njegove glasbe prežemajo vašo. Če pa poslušaš 100-200 ali več različnih skladateljev/skupin, potem ne boš več kopiral, ampak si boš ustvaril svoj unikatni stil. Izposoja naj vam pomaga, ne pa da vas spremeni v drugega Šostakoviča.
2. Pomanjkanje ravnovesja
Pisanje uravnotežene ocene je precej zapleten proces; Pri študiju instrumentacije je posebna pozornost namenjena zvočnosti posamezne skupine orkestra v primerjavi z drugimi. Vsako večplastno sozvočje zahteva poznavanje dinamike posameznih glasbil.
Neumno je pisati akord za tri trobente in eno flavto, saj se flavta ne bo slišala niti v srednji dinamiki treh trobent.
Takih trenutkov je veliko.
Na primer, pikolo flavta lahko prebije cel orkester. Veliko tankosti pride z izkušnjami, a znanje igra veliko vlogo.
Izbira teksture ima tudi pomembno vlogo - lepljenje, plastenje, prekrivanje in okvirjanje ob prisotnosti istih instrumentov zahtevajo različno dinamiko. To ne velja le za orkester.
Pri bogatih rock in pop aranžmajih je pomembno upoštevati tudi to, ne pa se zanašati na miksanje. Dobra ureditev praviloma ne zahteva posredovanja mešalnika (torej tistega, ki meša).
3. Nezanimive teksture
Dolgotrajna uporaba monotonih tekstur je za poslušalca zelo utrujajoča. Če preučujete partiture mojstrov, boste videli, da lahko pride do sprememb v orkestru z vsakim taktom, ki nenehno uvaja nove barve. Zelo redko se melodija odigra z enim inštrumentom. Nenehno se uvajajo podvajanja, menjave tonov itd. Najboljši način za izogibanje monotoniji je preučevanje partitur drugih ljudi in podrobna analiza uporabljenih tehnik.
4. Dodaten napor
Gre za uporabo neobičajnih tehnik igranja, tistih, ki od izvajalcev zahtevajo pretirano koncentracijo. Običajno je mogoče uporabiti preproste tehnike za ustvarjanje bolj blagoglasne glasbe.
Uporaba redkih tehnik mora biti upravičena in se jo lahko sprejme le, če želenega čustvenega učinka ni mogoče doseči na noben drug način. Seveda Stravinski maksimalno izkorišča sredstva orkestra, a ga je to stalo živcev. Na splošno je preprostejše, bolje. Če se odločiš za skladanje avantgarde, najprej poišči orkester, ki je pripravljen to igrati :)
5. Pomanjkanje čustev in intelektualne globine
Ravnovesje, o katerem kar naprej govorim.
Moraš živeti zanimivo življenje, da so čustva v tvoji glasbi. Skoraj vsi skladatelji so potovali in vodili intenzivno družabno življenje. Težko je dobiti ideje, če si zaprt med štiri stene. Pomembna je tudi intelektualna komponenta – vaša glasba mora odsevati vaš pogled na svet.
Študij filozofije, ezoterike in sorodnih umetnosti ni kaprica, ampak nujen pogoj za vaš ustvarjalni razvoj. Za pisanje odlična glasba, najprej moraš biti velik človek znotraj.
Paradoksalno je, da za pisanje glasbe ni dovolj, da se le tega naučimo. Prav tako moraš znati komunicirati z ljudmi, naravo itd.
6. Histerija in intelektualna preobremenjenost
Presežna čustva ali hladna intelektualnost vodijo v glasbeni fiasko. Glasba mora biti čustvo, ki ga nadzoruje um, sicer tvegate izgubo samega bistva glasbene umetnosti.
7. Delo s predlogo
Uporaba ustaljenih klišejev, klišejev itd., ubija samo bistvo kreativnosti.
Zakaj si potem boljši od avtoaranžerja?
Pomembno je delati na unikatnosti vsakega svojega dela, pa naj bo to partitura ali aranžma pop skladbe, v njem se mora čutiti tvoj jaz. To se razvija z nenehnim iskanjem novih tehnik, križanjem stilov in željo da bi se izognili ponavljanju. Seveda je včasih dobro uporabiti šablone, ker se dobro slišijo, a s tem izgubiš tisto najdragocenejše – sebe.
8. Nepoznavanje orodij
Zelo pogosto so razponi inštrumentov uporabljeni nepravilno, slabo poznavanje tehnik vodi do tega, da orkestraši ne morejo izvajati vaših delov.
In kar je najbolj zanimivo, dobro napisan del zveni dobro tudi na VST, medtem ko deli, napisani brez upoštevanja lastnosti inštrumenta, ne bodo zveneli preveč prepričljivo niti v živo.
Naj vam dam preprost primer.
Ker sem kitarist, moram samo pogledati note, da bi ugotovil igralnost vložka, da bi razumel, kako del ustreza kitari. To pomeni, da je večino delov mogoče fizično igrati, vendar so bodisi tako neprijetni, da se jih preprosto nima smisla učiti, ali pa so napisani tako, da bodo tudi če jih igrate na kitaro, zveneli kot drug inštrument . Da bi se temu izognili, morate študirati solistična dela za instrumente, za katere pišete. Priporočljivo je, da se naučite osnovnih tehnik igre.
Na primer, znam igrati vse instrumente rock skupine + trobento, flavto, kontrabas in nekaj bobnov. To ne pomeni, da znam pobrati in zaigrati vsaj čisto melodijo, ampak če je treba, se jo lahko naučim in vsaj nekako okorno odigram :)
Najbolje je, da poiščete solista in mu pokažete svoje delo, tako se boste zelo hitro naučili pisati igralne, priročne dele. Poleg tega je pomembno, da je vaše dele enostavno zaigrati ali hitro odstraniti (če pišete za sejne glasbenike).
9. Umetno zveneče partiture
Ker večina avtorjev dela z VST, je zelo pomembno, da vaši rezultati zvenijo realistično z malo ali brez popravkov. Kot sem zapisal zgoraj, dobro napisani deli zvenijo dobro tudi v navadnem MIDI. To velja tako za rock kompozicijo kot za celoten simfonični orkester. Pomembno je zagotoviti, da poslušalec ne misli: orkester zveni mehanično ali so bobni sintetični. Seveda lahko s pazljivim poslušanjem vedno ločiš nastop v živo od programskega, a neglasbenik in 90% glasbenikov tega ne bo zmoglo, če si svoje delo odlično opravil.
Vso srečo in izogibajte se napakam.