Zgodba o simfoničnem orkestru za otroke. Vrste orkestrov, ki izvajajo instrumentalno in simfonično glasbo. Orkestralne zvrsti in oblike

Beseda "orkester" je zdaj znana vsakemu šolarju. To je ime velike skupine glasbenikov, ki skupaj izvajajo neko glasbeno delo. Medtem v Antična grčija Izraz orkester (iz katerega je kasneje nastala sodobna beseda orkester) je označeval prostor pred odrom, kjer je bil zbor, nepogrešljiv udeleženec starogrške tragedije. Kasneje se je na istem mestu začela nahajati skupina glasbenikov, ki so jo imenovali "orkester".

Stoletja so minila. In zdaj sama beseda "orkester" nima posebnega pomena. Dandanes obstajajo različni orkestri: trobilni, ljudski, harmonikarski, komorni, pop-jazz itd. Nobeden pa se ne more kosati s »zvočnim čudežem«; Tako se pogosto in seveda povsem upravičeno imenuje simfonični orkester.

Možnosti simfoničnega orkestra so res neskončne. Na razpolago so mu vsi odtenki zvočnosti, od komaj slišnih tresljajev in šumenja do močnega grmečega zvonjenja. In bistvo niti ni v sami širini dinamičnih odtenkov (na voljo so sploh vsakemu orkestru), ampak v tisti očarljivi ekspresivnosti, ki vedno spremlja zvok pravih simfoničnih mojstrovin. Kombinacije tembra, močni valoviti vzponi in padci, ekspresivni solo iztočnice in zlite "organske" plasti zvokov tukaj pridejo na pomoč.

Poslušajte nekaj primerov simfonične glasbe. Spomnite se pravljične slike slavnega ruskega skladatelja A. Lyadova "Čarobno jezero", neverjetne v svoji duševni tišini. Predmet slike je narava v nedotaknjenem, statičnem stanju. To poudarja skladatelj tudi v izjavi o »Čarobnem jezeru«: »Kako slikovito, čisto, z zvezdami in skrivnostjo v globinah! In kar je najpomembnejše - brez ljudi, brez njihovih prošenj in pritožb - samo mrtva narava - hladna, zlobna, a fantastična, kot v pravljici. Vendar pa rezultat Lyadov ni mogoče imenovati mrtev ali hladen. Nasprotno, greje jo toplo lirično čustvo - spoštljivo, a zadržano.

Slavni sovjetski muzikolog B. Asafiev je zapisal, da v tej "poetični kontemplativni glasbeni sliki ... Ljadovo delo obvladuje sfero lirične simfonične pokrajine." Barvita paleta "Magic Lake" je sestavljena iz zastrtih, pridušenih zvokov, šumenja, šumenja, komaj opaznih pljuskov in tresljajev. Tukaj prevladujejo tanki odprti dotiki. Dinamično nabiranje je čim manjše. Vsi glasovi orkestra nosijo samostojno vizualno obremenitev. Melodičnega razvoja v pravem pomenu besede ni; kot utripajoči poudarki žarijo posamezni kratki stavki-motivi ... Ljadov, ki je znal občutljivo »slišati tišino«, z neverjetno spretnostjo nariše sliko začaranega jezera - dimljeno, a navdahnjeno sliko, polno pravljičnega vonja in čisto , čedna lepota. Takšno pokrajino bi lahko »naslikal« le simfonični orkester, saj noben inštrument in noben drug »orkesterski organizem« ni sposoben upodobiti takšne vizualne slike in zanjo najti tako subtilnih tembralnih barv in odtenkov.

Toda tukaj je primer nasprotnega tipa - finale slavne »Pesmi ekstaze« A. Skrjabina. Skladatelj v tem delu pokaže raznolikost človeških stanj in dejanj v enakomernem in logično premišljenem razvoju; glasba dosledno posreduje inercijo, prebujanje volje, soočenje z grozečimi silami, boj z njimi. Vrhunec sledi vrhuncu. Proti koncu pesmi napetost raste in pripravlja nov, še bolj grandiozen vzpon. Epilog "Pesmi ekstaze" se spremeni v bleščečo sliko ogromnega obsega. Na iskrivem ozadju, ki se lesketa v vseh barvah (z ogromnim orkestrom so povezane tudi orgle), osem rogov in trobenta veselo razglašajo glavno glasbena tema, katere zvočnost proti koncu doseže nadčloveško moč. Takšne moči in veličastnosti zvoka ne more doseči noben drug ansambel. Samo simfonični orkester je sposoben tako bogato in hkrati barvito izraziti naslado, ekstazo in buren vzpon čustev.

“Čarobno jezero” Ljadova in epilog “Pesmi ekstaze” sta tako rekoč ekstremna zvočna in dinamična pola v bogati zvočni paleti simfoničnega orkestra.

Pojdimo zdaj na primer drugačne vrste. Drugi del Enajste simfonije D. Šostakoviča ima podnaslov - "9. januar". V njej skladatelj pripoveduje strašne dogodke "krvave nedelje". In v tistem trenutku, ko se kriki in stoki množice, strelske salve, železni ritem vojakovega koraka zlijejo v zvočno sliko neverjetne moči in moči, se oglušujoč rafal nenadoma konča ... In v nastali tišini, v razločno se sliši »žvižgajoči« šepet godal tiho in otožno petje zbora. Po ustrezni definiciji muzikologa G. Orlova dobimo vtis, »kot da bi zrak na Dvornem trgu zaječal od žalosti ob pogledu na grozodejstvo, ki se je zgodilo«. Z izjemnim občutkom za tember in briljantnim obvladovanjem instrumentalnega pisanja je D. Šostakoviču uspelo ustvariti iluzijo zborovskega zvoka s čisto orkestrskimi sredstvi. Bili so celo primeri, ko so poslušalci med prvimi izvedbami Enajste simfonije kar naprej vstajali s sedežev, misleč, da je na odru za orkestrom zbor ...

Simfonični orkester je sposoben prenesti najrazličnejše naturalistične učinke. Da, izjemno nemški skladatelj Richard Strauss je v simfonični pesnitvi "Don Kihot", ki ilustrira znamenito epizodo iz Cervantesovega romana, presenetljivo "vizualno" upodobil blejanje črede ovc v orkestru. V apartmaju francoski skladatelj"Živalski karneval" C. Saint-Saënsa duhovito podaja jok oslov, okorno hojo slona in nemirno prezivanje kokoši in petelina. Francoz Paul Dukas je v simfoničnem scherzu »Čarovnikov vajenec« (napisan po istoimenski baladi V. Goetheja) briljantno naslikal sliko divjega vodnega elementa (v odsotnosti starega čarovnika se študent odloči spremeni metlo v služabnika: prisili ga, da nosi vodo, ki postopoma poplavi celotno hišo). Koliko onomatopejskih učinkov je raztresenih v operni in baletni glasbi, ni treba niti povedati; tudi tu jih posreduje simfonični orkester, vendar jih spodbudi neposredna odrska situacija in ne literarni program, kot v simfoničnih delih. Dovolj je spomniti se takih oper, kot sta "Zgodba o carju Saltanu" in "Snežna deklica" N. Rimskega-Korsakova, baleta I. Stravinskega "Petruška" in drugih. Odlomki ali suite iz teh del se pogosto izvajajo na simfoničnih koncertih .

In koliko veličastnih, skoraj vizualnih slik morski elementi najdemo v simfonični glasbi! Suite N. Rimskega-Korsakova "Šeherezada", "Morje" C. Debussyja, uvertura "Tišina morja in srečno jadranje" F. Mendelssohna, simfonične fantazije "Nevihta" P. Čajkovskega in "Morje" A. Glazunov - seznam takih del je zelo velik. Za simfonični orkester je bilo napisanih veliko del, ki prikazujejo slike narave ali vsebujejo primerne krajinske skice. Imenujmo na primer Šesto ("Pastoralno") simfonijo L. Beethovna s sliko nenadne nevihte, ki je osupljiva v moči svoje podobe, simfonično sliko A. Borodina "V Srednji Aziji", simfonično fantazijo A. Glazunova " Gozd", "prizor na poljih" iz Fantastičnih simfonij G. Berlioza. Vendar pa je v vseh teh delih podoba narave vedno povezana s čustvenim svetom skladatelja samega, pa tudi z idejo, ki določa naravo dela kot celote. In na splošno opisni, naturalistični, onomatopejski momenti zavzemajo zelo majhen delež v simfoničnih platnih. Poleg tega sama programska glasba, torej glasba, ki dosledno prenaša literarni zaplet, tudi ne zaseda vodilnega mesta med simfoničnimi žanri. Glavna stvar, na katero je simfonični orkester lahko ponosen, je njegova bogata paleta raznolikih izraznih sredstev, to so ogromne, še ne izčrpane možnosti. razne kombinacije in kombinacije glasbil so to najbogatejši timbralni viri od vseh skupin, ki sestavljajo orkester.

Simfonični orkester se od drugih instrumentalnih skupin močno razlikuje po tem, da je njegova sestava vedno strogo določena. Vzemimo za primer številne pop-jazz ansamble, ki jih je danes v izobilju skoraj na vseh koncih sveta. Med seboj si sploh niso podobni: število inštrumentov je različno (od 3-4 do dva ducata ali več) in število udeležencev. Najpomembneje pa je, da si ti orkestri po zvoku niso podobni. V nekaterih prevladujejo godala, v drugih saksofoni in trobila; v nekaterih zasedbah ima glavno vlogo klavir (ob podpori bobnov in kontrabasa); pop orkestri različnih držav vključujejo narodna glasbila ipd. Tako se skoraj vsak pop ali jazz orkester ne drži strogo določene instrumentalne sestave, temveč svobodno uporablja kombinacije različnih glasbil. Zato ista skladba v različnih pop-jazz zasedbah zveni različno: vsaka ponuja svojo specifično obravnavo. In to je razumljivo: konec koncev je jazz umetnost, ki je v osnovi improvizacijska.

Obstajajo različni godbe na pihala. Nekateri so sestavljeni izključno iz trobil (z obvezno vključitvijo tolkal). In večina jih ne more brez lesenih pihal - flavt, oboe, klarinetov, fagotov. Tudi orkestri ljudskih glasbil se med seboj razlikujejo: ruski ljudski orkester ni podoben kirgiškemu, italijanski pa ne ljudski orkestri skandinavske države. In le simfonični orkester - največji glasbeni organizem - ima že dolgo uveljavljeno, strogo določeno sestavo. Zato lahko simfonično delo, napisano v eni državi, izvaja kateri koli simfonični ansambel v drugi državi. Zato je jezik simfonične glasbe resnično mednarodni jezik. Uporablja se že več kot dve stoletji. In ne stara se. Še več, nikjer se ne zgodi toliko zanimivih »notranjih« sprememb kot v moderni simfonični orkester. Po eni strani je orkester, ki se pogosto dopolnjuje z novimi tembrskimi barvami, vsako leto bogatejši, po drugi strani pa se vse jasneje kaže njegovo glavno okostje, oblikovano v 18. stoletju. In včasih skladatelji našega časa, ko se obrnejo na tako "staromodno" skladbo, znova dokažejo, kako velike so še vedno njene izrazne zmožnosti ...

Morda nobena druga glasbena skupina ni ustvarila toliko čudovite glasbe! V sijajni plejadi simfoničnih skladateljev so imena Haydna in Mozarta, Beethovna in Schuberta, Mendelssohna in Schumanna, Berlioza in Brahmsa, Liszta in Wagnerja, Griega in Dvoraka, Glinke in Borodina, Rimskega-Korsakova in Čajkovskega, Rahmaninova in Skrjabina, Glazunova. in Tanejev, blestijo Mahler in Bruckner, Debussy in Ravel, Sibelius in R. Strauss, Stravinski in Bartok, Prokofjev in Šostakovič. Poleg tega je simfonični orkester znan kot nepogrešljiv udeleženec opernih in baletnih predstav. In zato bi morali k stotinam simfoničnih del dodati tiste fragmente iz oper in baletov, v katerih ima primarno vlogo orkester (in ne solisti, zbor ali samo odrska akcija). A to še ni vse. Ogledamo si na stotine filmov in večino jih »zvoči« simfonični orkester.

Radio, televizija, zgoščenke in preko njih - simfonična glasba so trdno vstopili v naša življenja. V mnogih kinematografih pred projekcijami igrajo mali simfonični orkestri. Takšni orkestri nastajajo tudi v ljubiteljskih predstavah. Povedano drugače, v ogromnem, skoraj neizmernem oceanu glasbe, ki nas obdaja, je dobra polovica tako ali drugače povezana s simfoničnim zvokom. Simfonije in oratoriji, opere in baleti, instrumentalni koncerti in suite, glasba za gledališče in film - vse te (in številne druge) zvrsti preprosto ne morejo brez simfoničnega orkestra.

Vendar bi bilo napačno domnevati, da katera koli glasbena kompozicija lahko izvajajo v orkestru. Navsezadnje se zdi, da lahko vsak kompetenten glasbenik ob poznavanju principov in zakonov instrumentacije orkestrira klavirsko ali kakšno drugo skladbo, torej jo obleče v svetlo simfonično obleko. Vendar se v praksi to zgodi relativno redko. Ni naključje, da je N. Rimsky-Korsakov rekel, da je instrumentacija "eden od vidikov duše same skladbe." Zato skladatelj že ob idejnem razmišljanju računa na določen instrumentalni sestav. Zato je za simfonični orkester mogoče napisati tako lahka, nepretenciozna dela kot grandiozna platna velikih dimenzij.

So pa primeri, ko skladba dobi drugo življenje v novi, simfonični različici. To se je zgodilo z briljantnim klavirskim ciklom "Slike z razstave" M. Musorgskega: mojstrsko ga je orkestriral M. Ravel. (Bili so tudi drugi, manj uspešni poskusi orkestriranja slik na razstavi.) Partituri oper Boris Godunov in Hovanščina M. Musorgskega sta znova zaživeli pod rokami D. Šostakoviča, ki je izvedel njihovo novo orkestralno izdajo. . Včasih v skladateljevi ustvarjalni dediščini mirno sobivata dve različici istega dela - solo-instrumentalna in simfonična. Takih primerov je malo, a so precej zanimivi. Ravelova Pavane obstaja tako v klavirski kot orkestrski različici in obe živita enakovredno koncertno življenje. Prokofjev je orkestriral počasen stavek svoje Četrte klavirske sonate, tako da je postala samostojno, povsem simfonično delo. Leningrajski skladatelj S. Slonimsky je napisal vokalni cikel "Pesmi svobodnjakov" na podlagi ljudskih besedil; Tudi ta skladba ima dve umetniško enaki različici: ena je ob spremljavi klavirja, druga pa ob spremljavi orkestra. Vendar pa najpogosteje, ko se skladatelj loti dela, ima dobro predstavo ne le o ideji skladbe, temveč tudi o njeni tembrski utelešitvi. In žanri, kot so simfonija, instrumentalni koncert, simfonična pesnitev, suita, rapsodija itd., so vedno tesno povezani z zvokom simfoničnega orkestra, lahko bi celo rekli, neločljivi od njega.

Lesena pihala

Flavta (italijansko flauto, francoska flavta, nemška Flote, angleška flavta)

Flavta je eden najstarejših inštrumentov na svetu, poznan že v antiki – v Egiptu, Grčiji in Rimu. Že od antičnih časov so se ljudje naučili izvabljati glasbene zvoke iz narezanih trsov, zaprtih na enem koncu. To primitivno glasbilo je bilo očitno daljni prednik piščali. V Evropi v srednjem veku sta se razširili dve vrsti piščali: ravna in prečna. Ravno flavto ali "flavto s konico" ste držali naravnost pred seboj, kot oboo ali klarinet; poševno ali prečno - pod kotom. Prečna flavta se je izkazala za bolj primerno, saj jo je bilo enostavno izboljšati. Sredi 18. stoletja je dokončno nadomestila direktno flavto iz simfoničnega orkestra. Obenem je flavta poleg harfe in čembala postala eno najbolj priljubljenih inštrumentov domačega muziciranja. Na flavto sta denimo igrala ruski umetnik Fedotov in pruski kralj Friderik II.

Flavta je najspretnejše glasbilo skupine lesnih pihal: po virtuoznosti prekaša vsa ostala pihala. Takšen primer je Ravelova baletna suita Dafnis in Kloja, kjer flavta dejansko nastopa kot solistični inštrument.

Piščal je cilindrična cev, lesena ali kovinska, zaprta na eni strani - na glavi. Obstaja tudi stranska luknja za vbrizgavanje zraka. Igranje na flavto zahteva veliko porabo zraka: pri pihanju se ga nekaj zlomi ob oster rob luknje in uide. To povzroči značilen sikajoč zvok, zlasti v nizkem registru. Iz istega razloga je dolgotrajne note in široke melodije težko zaigrati na flavto.

Rimski-Korsakov je zvočnost flavte opisal takole: »Zven je hladen, najbolj primeren za melodije graciozne in lahkomiselne narave v duru in s pridihom površinske žalosti v molu.«

Skladatelji pogosto uporabljajo ansambel treh flavt. Primer je ples pastiric iz "Hrestača" Čajkovskega..

Oboa (nemško: Oboe)

Oboa tekmuje s flavto po svojem starodavnem izvoru: sledi svojemu predniku nazaj do primitivne piščali. Od prednikov oboe je bil najbolj razširjen grški aulos, brez katerega si stari Heleni niso mogli predstavljati niti pojedine niti gledališke predstave. Predniki oboe so prišli v Evropo z Bližnjega vzhoda.

V 17. stoletju je iz bombarde, piščalskega inštrumenta nastala oboa, ki se je takoj uveljavila v orkestru. Kmalu je postal koncertni instrument. Skoraj stoletje je bila oboa idol glasbenikov in ljubiteljev glasbe. Najboljši skladatelji 17. in 18. stoletja - Lully, Rameau, Bach, Handel - so se poklonili temu hobiju: Handel je na primer napisal koncerte za oboo, katerih težavnost lahko zmede celo sodobne oboiste. Toda v začetku 19. stoletja je »kult« oboe v orkestru nekoliko zbledel in vodilna vloga v pihalni skupini je prešla na klarinet.

Po svoji zgradbi je oboa stožčasta cev; na enem koncu je majhen lijakast zvonček, na drugem palica, ki jo izvajalec drži v ustih.

Zahvaljujoč nekaterim konstrukcijskim značilnostim oboa nikoli ne izgubi uglašenosti. Zato je postala tradicija, da nanjo uglasijo celoten orkester. Pred simfoničnim orkestrom, ko se glasbeniki zberejo na odru, je pogosto mogoče slišati oboista, ki igra A prve oktave, drugi izvajalci pa uglašujejo svoje instrumente.

Oboa ima fleksibilno tehniko, čeprav je v tem pogledu slabša od flavte. Je bolj pevski inštrument kot virtuozen: njegovo področje je praviloma žalost in eleganca. Tako zveni v temi o labodih iz odmora v drugem dejanju Labodjega jezera in v preprosti melanholični melodiji drugega stavka 4. simfonije Čajkovskega. Občasno so oboi dodeljene "komične vloge": v "Trnuljčici" Čajkovskega, na primer v variaciji "Mačka in mačka", oboa zabavno posnema mačje mijavkanje.

Fagot (italijansko fagotto, nemško Fagott, francosko fagot, angleško fagot)

Za prednika fagota velja starodavna bas cev - bombarda. Fagot, ki ga je nadomestil, je izdelal kanonik Afranio degli Albonesi v prvi polovici 16. stoletja. Velika lesena cev, upognjena na pol, je spominjala na snop drv, kar se odraža v imenu instrumenta (italijanska beseda fagotto pomeni "peder"). Fagot je z blagozvočnostjo zvoka očaral njegove sodobnike, ki so ga v nasprotju s hripavim glasom bombarjev začeli imenovati "dolcino" - sladek.

Kasneje je fagot ob ohranitvi zunanjega obrisa doživel resne izboljšave. Od 17. stoletja se je pridružil simfoničnemu orkestru, od 18. stoletja pa vojaškemu orkestru. Stožčasti leseni sod fagota je zelo velik, zato je "prepognjen" na pol. Na vrh instrumenta je pritrjena ukrivljena kovinska cev, na katero je nameščena palica. Med igranjem je fagot obešen na vrvico izvajalčevega vratu.

V 18. stoletju je instrument užival veliko ljubezen med sodobniki: nekateri so ga imenovali "ponosni", drugi "nežni, melanholični, religiozni". Rimski-Korsakov je barvo fagota opredelil na zelo edinstven način: »Zven je senilno posmehljiv v duru in boleče žalosten v molu.« Igranje fagota zahteva veliko dihanja, forte v nizkem registru pa lahko povzroči izjemno utrujenost izvajalca. Funkcije orodja so zelo raznolike. Res je, da so bili v 18. stoletju pogosto omejeni na podporo godalnim basom. Toda v 19. stoletju je z Beethovnom in Webrom fagot postal samostojni glas orkestra in vsak naslednji mojster je v njem našel nove lastnosti. Meyerbeer je v "Hudiču Robertu" poskrbel, da so fagoti upodabljali "smrtni smeh, od katerega zmrzal polzi po koži" (Berliozove besede). Rimski-Korsakov je v "Šeherezadi" (zgodba o Kalenderju carjeviču) v fagotu odkril poetičnega pripovedovalca. Fagot še posebej pogosto nastopa v tej zadnji vlogi - verjetno je zato Thomas Mann fagot imenoval "posmehljivka". Primere najdemo v Šaljivem scherzu za štiri fagote in v Prokofjevem Petru in volku, kjer je fagotu dodeljena »vloga« dedka, ali na začetku finala Šostakovičeve Devete simfonije.

kontrafagot

Različice fagota so v našem času omejene na samo enega predstavnika - kontrafagot. To je najnižji instrument v orkestru. Samo pedalni bas orgel zveni nižje od skrajnih zvokov kontrafagota.

Zamisel o nadaljevanju lestvice fagota navzdol se je pojavila že zelo dolgo - prvi kontrafagot je bil zgrajen leta 1620. Vendar je bil tako nepopoln, da so ga do konca 19. stoletja, ko so instrument izboljšali, uporabljali zelo malo: občasno Haydn, Beethoven, Glinka.

Sodobni kontrafagot je trikrat ukrivljen inštrument: njegova dolžina v raztegnjenem stanju je 5 m 93 cm (!); po tehniki spominja na fagot, vendar je manj okreten in ima gost, skoraj orglam podoben zven. Skladatelji 19. stoletja - Rimsky-Korsakov, Brahms - so se običajno obrnili na kontrafagot, da bi okrepili bas. Toda včasih so zanj napisani zanimivi soli, na primer v "Pogovoru med lepotico in zveri" (balet "Moja mati goska") mu je dodelil glas pošasti.

Klarinet (italijanski klarinet, nemški klarinet, francoski klarinet)

Medtem ko so oboa, flavta in fagot v orkestru že več kot štiri stoletja, se je klarinet trdno uveljavil šele v 18. stoletju. Prednik klarineta je bilo srednjeveško ljudsko glasbilo - piščal Chalumeau. Domneva se, da ga je nemški mojster Denner leta 1690 uspel izboljšati. Zgornji register instrumenta je presenetil sodobnike s svojim ostrim in prodornim tonom - takoj jih je spomnil na zvok trobente, ki so jo takrat imenovali "clarino". Novo glasbilo so poimenovali klarineto, kar pomeni »majhna trobenta«.

Po videzu klarinet spominja na oboo. Je valjasta lesena cev z zvončkom v obliki venca na enem koncu in konico trsa na drugem.

Od vseh lesenih pihal lahko le klarinet prilagodljivo spreminja jakost zvoka. Zaradi te in mnogih drugih lastnosti klarineta je njegov zvok postal eden najbolj izrazitih glasov v orkestru. Zanimivo je, da sta dva ruska skladatelja, ki sta se ukvarjala z istim zapletom, ravnala na povsem enak način: v obeh »Sneguročkah« - Rimskega-Korsakova in Čajkovskega - so Lelovi pastirski napevi zaupani klarinetu.

Zvok klarineta je pogosto povezan s temnimi, dramatičnimi situacijami. To področje ekspresivnosti je "odkril" Weber. V prizoru "Wolf Valley" iz "The Magic Shooter" je najprej uganil, kakšni tragični učinki se skrivajo v nizkem registru glasbila. Čajkovski je pozneje uporabil srhljiv zvok nizkih klarinetov v Pikovi dami, ko se pojavi duh grofice.

Mali klarinet.

Mali klarinet je v simfonični orkester prišel iz vojaškega trobilnega orkestra. Prvi jo je uporabil Berlioz, ki mu je zaupal popačeno »ljubljeno temo« v zadnjem stavku Fantastične simfonije. Wagner, Rimsky-Korsakov in R. Strauss so se pogosto obračali na mali klarinet. Šostakovič.

Bassethorn.

Ob koncu 18. stoletja se je družina klarinetov obogatila še z enim članom: v orkestru se je pojavil baset rog - stara sorta altovski klarinet. Bil je večji od glavnega instrumenta, njegov ton - miren, slovesen in mat - pa je zavzemal vmesni položaj med navadnim in bas klarinetom. V orkestru je ostal le nekaj desetletij in svoj razcvet dolguje Mozartu. Začetek "Requiema" je bil napisan za dva basset roga s fagoti (zdaj so basset rogovi nadomeščeni s klarineti).

Ta inštrument je poskusil oživiti pod imenom alt klarinet že R. Strauss, a se zdi, da se od takrat ni več ponovil. Dandanes so basset rogovi vključeni v vojaške godbe.

Bas klarinet.

Bas klarinet je najbolj "impresivni" predstavnik družine. Zgrajena konec 18. stoletja je pridobila močan položaj v simfoničnem orkestru. Oblika tega instrumenta je precej nenavadna: njegov zvon je upognjen navzgor, kot kadilna pipa, ustnik pa je nameščen na ukrivljeni palici - vse to, da bi zmanjšali pretirano dolžino instrumenta in olajšali uporabo. Meyerbeer je bil prvi, ki je "odkril" ogromno dramatično moč tega instrumenta. Wagner, začenši z Lohengrinom, ga naredi za stalnega basa pihal.

Ruski skladatelji so pri svojem delu pogosto uporabljali bas klarinet. Tako se v 5. prizoru »Pikove dame« slišijo mračni zvoki bas klarineta, medtem ko Herman bere Lizino pismo. Zdaj je bas klarinet stalni član velikega simfoničnega orkestra, njegove funkcije pa so zelo raznolike.

Predogled:

Medenina

saksofon

Ustvarjalec saksofona je izjemen francosko-belgijski instrumentalni mojster Adolphe Sax. Sax je izhajal iz teoretične predpostavke: ali je mogoče zgraditi glasbilo, ki bi zasedalo vmesno mesto med pihali in trobili? Takšen inštrument, ki je zmogel kombinirati tone bakra in lesa, so zelo potrebovali nepopolni vojaški godbe na pihala v Franciji. Za uresničitev svojega načrta je A. Sachs uporabil nov konstrukcijski princip: povezal je stožčasto cev z jezičkom za klarinet in ventilnim mehanizmom za oboo. Telo instrumenta je bilo izdelano iz kovine, zunanji obris je spominjal na bas klarinet; na koncu razširjena cev, močno upognjena navzgor, na katero je na kovinski konici, upognjeni v obliki črke S, pritrjena palica. Saxova ideja je bila sijajen uspeh: novi inštrument je resnično postal povezava med trobili in lesnimi pihali v vojaških godbah. Poleg tega se je njegov tember izkazal za tako zanimivega, da je pritegnil pozornost številnih glasbenikov. Barva zvoka saksofona spominja na cor anglais, klarinet in violončelo hkrati, vendar je moč zvoka saksofona veliko večja od moči zvoka klarineta.

Saksofon, ki je začel svoj obstoj v vojaških pihalnih godbah Francije, je bil kmalu predstavljen v opernih in simfoničnih orkestrih. Zelo dolgo - več desetletij - so se nanj obračali samo francoski skladatelji: Thomas ("Hamlet"), Massenet ("Werther"), Bizet ("Arlesienne"), Ravel (instrumentacija "Katrinok na razstavi" Musorgskega) . Tedaj so vanj verjeli tudi skladatelji iz drugih držav: Rahmaninov je na primer v prvem delu Simfoničnih plesov saksofonu zaupal eno svojih najboljših melodij.

Zanimivo je, da se je moral saksofon na svoji nenavadni poti soočiti tudi z obskurantizmom: v Nemčiji je bil v letih fašizma prepovedan kot instrument nearijskega izvora.

V desetih letih 20. stoletja so na saksofon opozorili glasbeniki iz jazzovskih zasedb in kmalu je saksofon postal »kralj jazza«.

Mnogi skladatelji 20. stoletja so cenili ta zanimiv instrument. Debussy je napisal Rapsodijo za saksofon in orkester, Glazunov je napisal Koncert za saksofon in orkester, Prokofjev, Šostakovič in Hačaturjan so ga večkrat nagovarjali v svojih delih.

Rog (italijanski corno, nemški Waldhorn, francoski cor, angleški francoski rog)

Prednik sodobnega roga je bil rog. Že od antičnih časov je znak roga naznanjal začetek bitke, v srednjem veku in kasneje, vse do začetka 18. stoletja, se je slišal med lovom, tekmovanji in slovesnimi dvornimi ceremonijami. V 17. stoletju so začeli lovski rog občasno uvajati v opero, šele v naslednjem stoletju pa je postal stalni član orkestra. In že samo ime instrumenta - rog - spominja na njegovo preteklo vlogo: ta beseda izvira iz nemškega "Waldhorn" - "gozdni rog". V češčini se ta inštrument še vedno imenuje gozdni rog.

Kovinska cev starodavnega roga je bila zelo dolga: ko so bile razgrnjene, so nekatere dosegle 5 m 90 cm. Takšnega instrumenta je bilo nemogoče držati naravnost v rokah. Zato so rogovo cev upognili in ji dali elegantno obliko, podobno školjki.

Zvok starodavnega roga je bil zelo lep, vendar se je izkazalo, da je instrument omejen v svojih zvočnih zmožnostih: iz njega je bilo mogoče izluščiti le tako imenovano naravno lestvico, to je tiste zvoke, ki nastanejo pri delitvi zaprtega stolpca zraka. v cevi na 2, 3, 4, 5, 6 itd. Kot pravi legenda, je leta 1753 dresdenski rogist Gampel pomotoma segel z roko v zvon in ugotovil, da je uglasitev roga padla. Od takrat se ta tehnika pogosto uporablja. Zvoki, pridobljeni na ta način, so bili imenovani "zaprti". Vendar so bile dolgočasne in zelo drugačne od svetlih odprtih. Vsi skladatelji niso tvegali, da bi se pogosto obračali nanje, običajno so se zadovoljili s kratkimi, dobro zvenečimi motivi fanfar, zgrajenimi na odprtih zvokih.

Leta 1830 je bil izumljen ventilni mehanizem - stalni sistem dodatnih cevi, ki omogoča, da rog ustvari polno, dobro zvenečo kromatsko lestvico. Po več desetletjih je izboljšana hupa končno nadomestila staro naravno, ki prejšnjič Rimsky-Korsakov ga je uporabil v operi "Majska noč" leta 1878.

Rog velja za najbolj poetično glasbilo v skupini trobil. V nizkem registru je zven roga nekoliko mračna, v zgornjem pa zelo napeta. Rog lahko poje ali počasi pripoveduje. Kvartet rogov zveni zelo nežno - slišite ga lahko v "Valčku rož" iz baleta "Hrestač" Čajkovskega.

Trobenta (italijanska tromba, nemška Trompete, francoska trobenta, angleška trobenta)

Že od pradavnine – v Egiptu, na Vzhodu, v Grčiji in Rimu – niso brez trobente ne v vojni ne pri slovesnih verskih ali dvornih obredih. Trobenta je del opernega orkestra že od njegovih začetkov; V Monteverdijevem Orfeju je bilo že pet trobent.

V 17. in prvi polovici 18. stoletja so nastajali zelo virtuozni in visoki tesiturni parti za trobila, katerih prototip so bili sopranski parti v tedanjih vokalnih in instrumentalnih delih. Za izvajanje teh najtežjih delov so glasbeniki iz časov Purcella, Bacha in Händla uporabljali v tistem času običajna naravna glasbila z dolgo cevjo in ustnikom posebne naprave, ki je omogočala enostavno izločanje najvišjih prizvokov. Trobenta s takšnim ustnikom se je imenovala "klarino"; v zgodovini glasbe je dobila isto ime.

V drugi polovici 18. stoletja je bil s spremembami v orkestralni pisavi klarino pozabljen, trobenta pa je postala predvsem fanfarni inštrument. Zmožnosti je bil omejen, tako kot rog, v še slabšem položaju pa se je znašel, saj na njem zaradi slabega tona niso uporabili »zaprtih zvokov«, ki širijo lestvico. Toda v tridesetih letih 19. stoletja se je z izumom ventilnega mehanizma začela nova doba v zgodovini pipe. Postala je kromatsko glasbilo in po nekaj desetletjih iz orkestra izpodrinila naravno trobento.

Zven trobente sicer ni tipičen za liriko, a ji heroičnost uspe na najboljši možni način. Med dunajskimi klasiki so bila trobila zgolj fanfarno glasbilo. V glasbi 19. stoletja so pogosto opravljali iste funkcije, naznanjali so začetek procesij, pohodov, slovesnih festivalov in lovov. Wagner je piščal uporabljal bolj kot drugi in na nov način. Njihov zven je v njegovih operah skoraj vedno povezan z viteško romantiko in junaštvom.

Trobenta ni znana le po svoji moči zvoka, ampak tudi po izjemnemvirtuozne lastnosti.

Tuba (italijanska tuba)

Za razliko od drugih predstavnikov trobilne skupine pihal je tuba dokaj mlad inštrument. Zgrajena je bila v drugi četrtini 19. stoletja v Nemčiji. Prve tube so bile nepopolne in so jih sprva uporabljali le v vojaških in vrtnih orkestrih. Šele ko je prišla v Francijo, v roke instrumentalnega mojstra Adolpha Saxa, je tuba začela izpolnjevati visoke zahteve simfoničnega orkestra.

Tuba je bas inštrument, ki lahko pokriva najnižji obseg godbe na pihala. V preteklosti so njegove funkcije opravljale kača, nenavadno oblikovan inštrument, ki je dobil ime po njej (v vseh romanskih jezikih kača pomeni »kača«), nato basovska in kontrabasovska pozavna ter ofikleid z barbarskim tonom. Toda zvočne lastnosti vseh teh inštrumentov so bile takšne, da godbi na pihala niso dajale dobrega, stabilnega basa. Dokler se ni pojavila tuba, so mojstri vztrajno iskali nov inštrument.

Dimenzije tube so zelo velike, njena cev je dvakrat daljša od cevi pozavne. Med igranjem izvajalec drži glasbilo pred seboj z zvoncem navzgor.

Tuba je kromatsko glasbilo. Poraba zraka na cevi je ogromna; včasih, zlasti v forte v nizkem registru, je izvajalec prisiljen spremeniti svoje dihanje na vsak zvok. Zato so solaže na tem instrumentu običajno precej kratke. Tehnično je cev premična, čeprav je težka. V orkestru običajno služi kot bas kitara v triu pozavnih. Včasih pa tuba nastopa kot solistični inštrument, tako rekoč v karakternih vlogah. Tako je Ravel pri orkestraciji "Slik z razstave" Musorgskega v predstavi "Govedo" basovsko tubo pripisal šaljivi podobi ropotajočega voza, ki se vleče po cesti. Part tube je tukaj zapisan v zelo visokem registru.

Pozavna (italijanska, angleška, francoska pozavna)

Pozavna je dobila ime po italijanskem imenu za trobento - tromba - s povečevalno pripono "ena": pozavna dobesedno pomeni "trobenta". In res: cev pozavne je dvakrat daljša od trobente. Že v 16. stoletju je pozavna dobila svoje moderna oblika in od svojega nastanka je bil kromatični inštrument. Polna kromatična lestvica se na njem ne doseže z ventilskim mehanizmom, temveč s tako imenovanim zakulisjem. Vez je dolga dodatna cev, oblikovana kot črka U. Vstavi se v glavno cev in jo po želji podaljša. V tem primeru se višina glasbila ustrezno zmanjša. Izvajalec z desno roko potiska tobogan navzdol, z levo pa podpira instrument.

Pozavne so že dolgo »družina« inštrumentov različnih velikosti. Še ne tako dolgo nazaj so družino pozavne sestavljali trije inštrumenti; vsak od njih je ustrezal enemu od treh glasov zbora in dobil svoje ime: alt pozavna, tenor pozavna, bas pozavna.

Igranje na pozavno zahteva ogromno zraka, saj premikanje drsnika traja dlje kot pritiskanje ventilov na rogu ali trobenti. Tehnično je pozavna manj okretna od svojih sosedov v skupini: njena lestvica ni tako hitra in jasna, forte je nekoliko težak, legato je težak. Kantilena na pozavni zahteva od izvajalca veliko truda. Ima pa ta inštrument lastnosti, zaradi katerih je nepogrešljiv v orkestru: zvok pozavne je močnejši in možatejši. Monteverdi je v operi "Orfej" morda prvič začutil tragični značaj, ki je neločljivo povezan z zvokom pozavnskega ansambla. In od Glucka so trije pozavni postali obvezni v opernem orkestru; pogosto pojavljajo v vrhunec drame.

Trio pozaven je dober v govorniških frazah. Od druge polovice 19. stoletja je skupino pozavne dopolnil bas inštrument – ​​tuba. Trije pozavni in tuba skupaj tvorijo »težki trobilni« kvartet.

Na pozavni je možen zelo edinstven učinek - glissando. Doseže se z drsenjem zakulisja na enem položaju ustnic nastopajočega. To tehniko je poznal že Haydn, ki je v svojem oratoriju »Letni časi« z njo posnemal pasji lajež. V sodobni glasbi se glissando uporablja precej široko. Namerno zavijanje in grob glissando pozavne v "Plesu s sabljami" iz baleta "Gayane" Hačaturjana je radoveden. Zanimiv je tudi učinek pozavne z mute, ki daje inštrumentu zlovešč, bizaren zvok.

Flugelhorn (Nemško Flugelhorn, iz Flugel - "krilo" in Horn - "rog", "rog")

Trobilno glasbilo. Navzven zelo spominja na trobento ali kornet-a-piston, vendar se od njih razlikuje po širšem obsegu in stožčasti izvrtini, ki se začne takoj od ustnega dela cevi. Ima 3 ali 4 ventile. Uporablja se v jazzovskih zasedbah, včasih v simfoničnih orkestrih, manj pogosto v godbah na pihala. Flugelhorne pogosto igrajo trobentači, ki izvajajo zahtevane pasaže na tem instrumentu.

Predogled:

Violina (italijanska violino, francoska violon, angleška violina, nemška violina, Geige)

Violino upravičeno imenujemo potomka drugih, prejšnjih godalnih glasbil.

Prvo ločno glasbilo fidel se je v Evropi pojavilo v 10. in 11. stoletju.drugi - zhiga - je postalnajljubše glasbilo francoskih ministrantov, potujočih pevcev in glasbenikov 12. in 13. stoletja. Čez nekaj časa so se fideli, rebeci in koncerti umaknili starodavnim violam: viol da gamba, viol da bardone, viol quinton – mesto teh pa so prevzele violine. V Franciji in Italiji so se pojavili že v začetku 16. stoletja, kmalu zatem pa se je umetnost izdelovanja lokov razširila po vsej Evropi. Začeli so jih izdelovati na Tirolskem, Dunaju, Saškem, Nizozemskem in v Angliji, Italija pa je slovela po najboljših violinah. V Brescii in Cremoni - dveh majhnih mestih na severovzhodu države - so ljudje delali že pred več kot petimi stoletji izjemni mojstri: Gasparo Bertolotti (z vzdevkom de Salo) v Brescii in Andrea Amati v Cremoni. Umetnost izdelovanja violin se prenaša iz roda v rod in družine Amati, Guarneri in Stradivari že dvesto let ustvarjajo inštrumente, ki še danes veljajo za enega najboljših.

Oblika violine je bila določena že v 16. stoletju in se je od takrat spreminjala le v podrobnostih.

Vse, kar je bilo povedano o godalni tehniki, velja prav za violino: je največgibljivo in gibljivo glasbilo med godali. Njegove tehnične zmogljivosti so rasle skupaj z umetnostjo virtuozov, kot so Vitali, Torelli in Corelli v 17.in kasneje - Tartini,Viotti, Spohr, Vietan, Berio, Wieniawski, Sarasate, Ysaï in seveda N. Paganini. Obvladal je neverjetno umetnost igranja dvojnih not, akordov, pizzicata in harmonik. Ko so mu med koncertom počile strune, je nadaljeval z igranjem na preostale.

Neustavljiv učinek doseže solo violina, ki izvaja glavno temo - kot primer lahko navedemo "Šeherezado" Rimskega-Korsakova.

Kljub vsem svojim kvalitetam ima violina poleg klavirja že dolgo vodilno vlogo med solističnimi koncertnimi inštrumenti.

Predogled:

Bobni

Timpani (italijanski timpani, francoski timbales, nemški Pauken)

Timpani so eden najstarejših inštrumentov na svetu. Od antičnih časov so bili razširjeni v mnogih državah: na vzhodu in v Afriki, v Grčiji, v Rimu in med Skiti. Ljudje so igrali na timpane, da bi spremljali pomembne dogodke v svojem življenju: praznike in vojne.

V Evropi so že dolgo uporabljali majhne ročne timpane. Srednjeveški vitezi so jih uporabljali med jahanjem konja. Veliki timpani so prišli v Evropo šele v 15. stoletju - preko Turčije in Madžarske. V 17. stoletju so v orkester vstopili timpani.

Sodobni timpani izgledajo kot veliki bakreni kotli na stojalu, prekriti z usnjem. Koža je tesno pritrjena na kotel z uporabo več vijakov. Po koži udarjajo z dvema palicama z mehkimi okroglimi konicami iz filca.

Za razliko od drugih tolkala z usnjem proizvajajo timpani zvok določene višine. Vsak timpan je uglašen določen ton Zato je orkester za pridobitev dveh zvokov začel uporabljati timpane iz 17. stoletja. Timpane je mogoče obnoviti: za to mora izvajalec zategniti ali zrahljati kožo z vijaki: večja kot je napetost, višji je ton. Vendar pa je ta operacija dolgotrajna in tvegana med izvajanjem. Zato so mojstri v 19. stoletju izumili mehanske timpane, ki jih je bilo mogoče hitro nastaviti z vzvodi ali pedali.

Vloga timpanov v orkestru je zelo raznolika. Njihovi takti poudarjajo ritem drugih glasbil in tvorijo preproste ali zapletene ritmične figure. Hitro menjavanje udarcev obeh palic (tremolo) povzroči učinkovito povečanje zvoka oziroma reprodukcijo grmenja. Haydn je v Štirih letnih časih upodobil tudi grmenje s timpani. Šostakovič v Deveti simfoniji poskrbi, da timpani posnemajo kanonado. Včasih so timpanom dodeljeni majhni melodični solaži, kot na primer v prvem stavku Šostakovičeve enajste simfonije.

Mali boben (italijanski tamburo (vojaški), francoski tambur (vojaški), nemški Trommel, angleški stranski boben)

Mali boben je v osnovi vojaški instrument. Je ploščat valj, na obeh straneh prekrit z usnjem. Na spodnji strani so strune napete pod kožo; ki se odzivajo na udarce palic, dajejo zvoku bobna značilen prasketanje. Drum roll zveni zelo zanimivo - tremolo z dvema palicama, ki ga je mogoče pripeljati do ekstremne hitrosti. Moč zvoka v takem tremolu se spreminja od šumenja do gromkega pokanja. Uvertura v Rossinijevo "Tatu srako" se začne z vrtenjem dveh malih bobnov; v trenutku izvedbe Tilla Eulenspiegla v simfonični pesnitvi Richarda Straussa se zasliši medli udarec malega bobna.

Včasih se strune pod spodnjo kožo bobna spustijo in se nehajo odzivati ​​na udarce palic. Ta učinek je enakovreden uvedbi utišanja: mali boben izgubi moč zvoka. Tako zveni v plesnem delu "Carevič in princesa" v "Šeherezadi" Rimskega-Korsakova.

Mali boben se je prvič pojavil v mali operi v 19. stoletju, sprva pa je bil predstavljen le v vojaških epizodah. Meyerbeer je bil prvi, ki je mali boben predstavil poleg vojaških epizod v operah Hugenoti in Prerok.

V nekaterih primerih mali boben postane "glavni lik" ne le v velikih simfoničnih epizodah, ampak tudi v celotnem delu. Primeri vključujejo »epizodo invazije« iz Šostakovičeve Sedme simfonije in Ravelovega »Bolera«, kjer en in nato dva mala bobna držita celoten ritmični utrip glasbe.

Bas boben (italijansko gran casso, francosko grosse caisse, nemško grobe Trommel, angleško bas boben).

Danes obstajata dve vrsti bas bobnov. Eden od njih je kovinski valj velikega premera - do 72 cm - na obeh straneh prekrit z usnjem. Ta vrsta bas bobna je pogosta v vojaških skupinah, jazz skupinah in simfoničnih orkestrih v Ameriki. Druga vrsta bobna je obroč s kožo na eni strani. Izvira iz Francije in se hitro razširil na simfonične orkestre v Evropi. Za udarjanje po koži bas bobna se uporablja lesena palica z mehkim kladivom, prekrita s klobučevino ali pluto.

Zelo pogosto udarce bas bobna spremlja zvonjenje činel ali pa se izmenjujejo z njim, kot v hitrem plesu »V votlini gorskega kralja« iz Griegovega Peer Gynta. Na bas bobnu je možno tudi hitro menjavanje udarcev - tremolo. Če želite to narediti, uporabite palico z dvema kladivom na obeh koncih ali palice za timpane. Tremolo basovskega bobna je Rimksy-Korsakov zelo uspešno uporabil v instrumentaciji simfoničnega filma Musorgskega "Noč na Plešasti gori".

Sprva se je veliki boben pojavljal samo v »turški glasbi«, od začetka 19. stoletja pa so ga začeli pogosto uporabljati v zvočno reprezentativne namene: za posnemanje kanonad in gromov. Beethoven je vključil tri velike bobne v "Bitko pri Vittorii", da bi prikazal topovske strele. Za isti namen je Rimski-Korsakov uporabil ta instrument v "Zgodbi o carju Saltanu", Šostakovič v Enajsti simfoniji in Prokofjev v osmem prizoru opere "Vojna in mir" (začetek bitke pri Borodinu). Hkrati pa veliki boben zazveni tudi tam, kjer ni onomatopeje in še posebej pogosto v hrupnem,

Ksilofon (italijansko xylofono, francosko xylophone)

Ksilofon se je očitno rodil, ko je primitivni človek s palico udaril po suhem lesenem bloku in slišal zvok določenega tona. Veliko takih primitivnih lesenih ksilofonov je bilo najdenih v Južni Ameriki, Afriki in Aziji. V Evropi je od 15. stoletja ta inštrument prišel v roke potujočim glasbenikom in šele v začetku 19. stoletja je postal koncertni inštrument. Svojo izboljšavo dolguje mogilevskemu glasbeniku, samouku, cimbalistu Mihailu Iosifoviču Guzikovu.

Zveneče telo v ksilofonu je lesene kocke različnih velikosti (ksilon - v grščini "drevo", telefon - "zvok"). Razporejeni so v štirih vrstah na pramenih rogoznice. Izvajalec jih lahko med igro zvije in položi na posebno mizo; Na ksilofon igrajo z dvema lesenima paličicama – »kozjimi nogami«. Zvok ksilofona je suh, klikajoč in oster. Barvno je zelo značilen, zato je njegova pojavnost v glasbenem delu običajno povezana s posebnim zapletom ali posebnim razpoloženjem. Rimsky-Korsakov v "Zgodbi o carju Saltanu" zaupa ksilofonu pesem "Na vrtu ali na zelenjavnem vrtu" v trenutku, ko veverica grizlja zlate orehe. Lyadov uporablja zvoke ksilofona, da prikaže let Babe Yage v možnarju in poskuša prenesti prasketanje lomljenja vej. Pogosto zvok ksilofona vzbuja mračno razpoloženje in ustvarja bizarne, groteskne podobe. Kratke fraze ksilofona v »epizodi invazije« iz Šostakovičeve Sedme simfonije zvenijo melanholično.

Ksilofon je zelo virtuozen inštrument. Omogoča večjo tekočnost v hitrih pasažah, tremolo in poseben učinek - glissando: hitro premikanje palice po taktih.

Činele (italijansko: piatti, francosko: cymbales, nemško: Becken, angleško: cymbals)

Krožnike je poznal že stari svet in stari Vzhod, Turki pa so sloveli po svoji posebni ljubezni in izjemni umetnosti izdelovanja. V Evropi so krožniki postali priljubljeni v 18. stoletju, po vojni z Otomani.

Krožniki so velike kovinske posode iz bakrovih zlitin. Činele so v sredini rahlo izbočene - tu so pritrjeni usnjeni trakovi, tako da izvajalec lahko drži instrument v rokah. Na činele se igra stoje, tako da nič ne moti njihovega vibriranja in da zvok prosto potuje po zraku. Običajen način igranja tega inštrumenta je poševni, drseči udarec ene činele ob drugo – po tem pa se zasliši zvonki kovinski pljusk, ki še dolgo visi v zraku. Če hoče izvajalec ustaviti tresenje činel, jih približa svojim prsim in tresljaji prenehajo. Pogosto skladatelji spremljajo trk činel z grmenjem bas bobna; ti instrumenti pogosto zvenijo skupaj, kot na primer v prvih taktih finala 4. simfonije Čajkovskega. Poleg poševnega udarca obstaja še več drugih načinov igranja na činele: ko na primer po prosto viseči čineli udarjamo s palico za timpane ali z lesenimi palicami za male bobne.

Simfonični orkester običajno uporablja en par činel. V redkih primerih - kot na primer v Berliozovi "Pogrebno-triumfalni simfoniji", se uporabljajo trije pari plošč.

Trikotnik (italijansko triahgalo, francosko triangle, nemško Triangel, angleško triangl)

Trikotnik je eden najmanjših inštrumentov v simfoničnem orkestru. Je jeklena palica, upognjena v obliki trikotnika. Obesijo ga na vrvico in udarjajo z majhno kovinsko palico - sliši se zvonek, zelo jasen zvok.

Načini igranja trikotnika niso zelo raznoliki. Včasih se na njem proizvaja samo en zvok, včasih preprosti ritmični vzorci. Sliši se dobro na tremolo trikotniku.

Trikotnik je bil prvič omenjen v 15. stoletju. V 18. stoletju ga je v operi uporabil skladatelj Grétry. Potem je trikotnik postal stalni udeleženec v "turškem", tj. eksotične glasbe, ki se pojavlja skupaj z bas bobnom in činelami. To skupino tolkal so uporabili Mozart v »Ugrabitvi iz Seralja«, Beethoven v »Turškem maršu« iz »Atenskih ruševin« in nekateri drugi skladatelji, ki so skušali reproducirati glasbeno podobo Vzhoda. Trikotnik je zanimiv tudi v elegantnih plesnih delih: v "Anitrinem plesu" iz Griegovega "Peer Gynta", Glinkinem "Waltz-Fantasy".

Zvonovi (italijansko campanelli, francosko carillon, nemško Glockenspiel)

Zvonovi so verjetno najbolj poetično glasbilo skupine tolkal. Njegovo ime izhaja iz njegove starodavne različice, kjer so zveneče telo predstavljali majhni zvončki, uglašeni na določeno višino. Kasneje jih je zamenjal niz kovinskih plošč različnih velikosti. Razporejene so v dveh vrstah, kot klavirske tipke, in vgrajene v leseno škatlo. Na zvonove se igra z dvema kovinskima kladivom. Obstaja še ena različica tega instrumenta: zvonovi na klaviaturah. Imajo klavirsko tipkovnico in kladivca, ki prenašajo tresljaje s tipk na kovinske plošče. Vendar se ta veriga mehanizmov ne odraža najbolje na njihovem zvoku: ni tako svetla in zvonka kot na navadnih zvonovih. Čeprav so klaviature v lepoti zvoka slabše od zvončkov, so tehnično boljše. Zahvaljujoč klavirski tipkovnici so na njih možni dokaj hitri pasaži in polifonični akordi. Zven zvončkov je srebrnkasta, nežna in zvonka. Zvenijo v Mozartovi »Čarobni piščali« med Papagenovim vstopom, v ariji z zvončki v Delibesovi »Lakmé«, v »Sneguročki« Rimskega-Korsakova, ko Mizgir, ki zasleduje Sneguročko, vidi luči kresnic, v "Zlati petelin", ko astrolog odide.

Zvončki (italijansko campane, francosko cloches, nemško Glocken)

Že od pradavnine je zvonjenje vabilo ljudi na verske obrede in praznike, naznanjalo pa je tudi nesrečo. Z razvojem opere, s pojavom zgodovinskih in domoljubnih tem v njej, so skladatelji začeli uvajati zvonove v operno hišo. Še posebej bogato so predstavljeni zvoki zvonov v ruski operi: slovesno zvonjenje v »Ivanu Susaninu«, »Zgodbi o carju Saltanu«, »Pskovčanki« in »Borisu Godunovu« (v prizoru kronanja), alarmantni alarm zvonec v "Knezu Igorju", pogrebni zvonec v "Borisu Godunovu." Vse te opere so imele prave cerkvene zvonove, ki so postavljeni za odrom v velikih opernih hišah. Ni pa si vsaka operna hiša mogla privoščiti lastnega zvonika, zato so skladatelji le občasno v orkester uvajali male zvonove – kot je to storil Čajkovski v Uverturi iz leta 1812. Z razvojem programske glasbe pa se je vedno bolj pojavljala potreba po posnemanju zvonjenja v simfoničnem orkestru - tako so čez nekaj časa nastali orkestrski zvonovi - niz jeklenih cevi, obešenih na okvir. V Rusiji se ti zvonovi imenujejo italijanski. Vsaka od cevi je uglašena na določen ton; jih udarite s kovinskim kladivom z gumijastim tesnilom.

Orkestrske zvonove je uporabil Puccini v operi "Tosca", Rahmaninov v vokalno-simfonični pesmi "Zvonovi". Prokofjev v "Aleksandru Nevskem" je zamenjal cevi z dolgimi kovinskimi palicami.

Tamburin

Eden najstarejših inštrumentov na svetu, tamburin, se je v simfoničnem orkestru pojavil v 19. stoletju. Zasnova tega instrumenta je zelo preprosta: praviloma je lesen obroč z usnjem, raztegnjenim na eni strani. Na režo obroča (ob strani) so pritrjene kovinske drobnarije, v notranjosti pa so nanizani zvončki na zvezdasto vrvico. Vse to zazveni že ob najmanjšem tresenju tamburice.

Del tamburine, pa tudi drugi bobni, ki nimajo določene višine, običajno ni napisan na palici, temveč na ločenem ravnilu, ki se imenuje "nit".

Tehnike igranja na tamburino so zelo raznolike. Najprej so to ostri udarci po koži in udarjanje zapletenih ritmičnih vzorcev na njej. V teh primerih zvenijo tako koža kot zvončki. Ob močnem udarcu tamburin močno zazveni, ob šibkem dotiku se sliši rahlo žvenketanje zvončkov. Obstaja veliko načinov, ko izvajalec odda samo en zvonec. To je hitro tresenje tamburine - daje prodoren tremolo; to je nežno tresenje; in nazadnje se sliši spektakularen tril, ko izvajalec z mokrim palcem potegne kožo: ta tehnika povzroči živahno zvonjenje zvonov.

Tambura je značilen inštrument, zato se ne uporablja pri vsakem delu. Običajno se pojavi tam, kjer bi Vzhod ali Španija morala zaživeti v glasbi: v Šeherezadi in v Capricciu Espagnol Rimskega-Korsakova, v plesu arabskih dečkov v baletu Glazunova Raymonda, v temperamentnih plesih Polovci v "Knezu Igorju" Borodina, v "Carmen" Bizeta.

Kastanjete (špansko: castanetas)

Ime "kastanjete" v španščini pomeni "mali kostanj". Španija je bila najverjetneje njihova domovina; tam so se kastanjete spremenile v prave nacionalni instrument. Kastanjete so izdelane iz trdega lesa: ebenovine ali pušpana; kastanjete so oblikovane kot školjke.

V Španiji so dva para kastanjet uporabljali za spremljavo plesa in petja; vsak par je držala skupaj vrvica, ki je bila napeta okoli palca. Preostali prsti, ki so ostali prosti, so tapkali zapletene ritme po lesenih školjkah. Vsaka roka je zahtevala svojo velikost kastanjet: v levi roki je izvajalec držal školjke velikega volumna, oddajale so nižji ton in morale so udariti glavni ritem. Kastanjete za desna roka bili so manjši; njihov ton je bil višji. Španski plesalci in plesalci so tekoče obvladali to zapleteno umetnost, ki so jo učili že od otroštva. Suho, igrivo klikanje kastanjet je vedno spremljalo temperamentne španske plese: bolero, seguidillo, fandango.

Ko so skladatelji želeli uvesti kastanjete v simfonično glasbo, je bila zasnovana poenostavljena različica tega inštrumenta - orkestralne kastanjete. To sta dva para lupin, nameščenih na koncih lesenega ročaja. Ko jih stresemo, se zasliši klik - šibka kopija pravih španskih kastanjet.

V orkestru so se kastanjete začele uporabljati predvsem v glasbi španske narave: v Glinkinih španskih uverturah »Aragonski lov« in »Noč v Madridu«, v »Capriccio Espagnol« Rimskega-Korsakova, v Španski ples iz baletov Čajkovskega in v zahodni glasbi - v Bizetovi "Carmen", v simfoničnih delih "Iberia" Debussyja, "Alborada del Gracioso" Ravela. Nekateri skladatelji so kastanjete vzeli izven obsega španske glasbe: Saint-Saëns jih je uporabil v operi Samson in Dalida, Prokofjev - v tretjem klavirskem koncertu.

Tam-tam (francosko in italijansko tam-tam, nemško Tam-Tam)

Tam-tam, tolkalo kitajskega izvora, ima obliko diska z odebeljenimi robovi. Izdelan je iz posebne zlitine, ki je blizu bronu. Pri igranju tam-tam tam-tam obesimo na leseno ogrodje in udarjamo s kladivom iz klobučevine. Zvok tam-tam je nizek in gost; po udarcu se dolgo širi, zdaj priteka, zdaj se odmika. Ta lastnost instrumenta in sama narava njegovega tembra mu dajeta nekakšno zloveščo izraznost. Pravijo, da je včasih dovolj en sam udarec tom-toma skozi celotno skladbo, da naredi močan vtis na občinstvo. Primer tega je finale Šeste simfonije Čajkovskega.

V Evropi se je tam-tam pojavil med francosko revolucijo. Čez nekaj časa je bil ta instrument sprejet v operni orkester in od takrat se je praviloma uporabljal v tragičnih, "usodnih" situacijah. Tam-tam udarec pomeni smrt, katastrofo, prisotnost magičnih moči, prekletstvo, znamenje in druge "nenavadne" dogodke. V "Ruslanu in Ljudmili" tam-tam zveni v trenutku ugrabitve Ljudmile s strani Černomorja, v Meyerbergovem "Robertu Hudiču" - v prizoru "vstajenja nun", v "Šeherezadi" Rimskega-Korsakova - v trenutku, ko Sinbadova ladja trešči na skale. Utripi tam-tam se slišijo tudi v tragičnem vrhuncu prvega stavka Šostakovičeve Sedme simfonije.

Klave.

Claves je tolkalo kubanskega izvora: to sta dve okrogli palici, dolgi 15-25 cm, izrezljani iz zelo trdega lesa. Enega izmed njih izvajalec na poseben način drži v levi roki - tako da stisnjena dlan deluje kot resonator - in po njem udarja z drugo palico.

Zvok klave je oster, visok, glasno klikajoč, kot ksilofon, vendar brez določene višine. Višina zvoka je odvisna od velikosti palic; Včasih simfonični orkester uporablja dva ali celo tri pare takšnih palic, različnih velikosti.

Frusta.

Frusta je sestavljena iz dveh lesenih deščic, od katerih ima ena ročaj, druga pa je na spodnjem koncu nad ročajem pritrjena na tečaj - ob ostrem zamahu ali s pomočjo napete vzmeti s prostim koncem zaploskne proti drugemu. Praviloma se iz frusta pridobivajo le posamezni forte, fortissimo pops, ki si ne prepogosto sledijo drug za drugim.

Frušta je tolkalo, ki nima določene višine, zato njen del, tako kot tamburaški del, ni napisan na dolico, temveč na »struno«.

Frusta je precej pogosta v sodobnih partiturah. Tretji stavek »Lorelei« iz Šostakovičeve Štirinajste simfonije se začne z dvema ploskama na tem instrumentu.

Lesena kocka.

Wood block je tolkalo kitajskega izvora. Preden se je pojavil v tolkalski sekciji simfoničnega orkestra, je bil leseni blok zelo priljubljen v jazzu.

Leseni blok je majhen pravokoten blok iz trdega lesa z globokim, ozkim izrezom na sprednji strani. Tehnika igranja na blok je bobnanje: zvok nastane z udarjanjem po zgornji ravnini instrumenta s palicami za male bobne, lesenimi kladivi in ​​palicami z gumijastimi glavami. Nastali zvok je oster, visok, značilno klikajoč in nedoločen.

Kot tolkalo z nedoločeno višino je klada notirana na “struno” ali kombinacijo ravnil.

Tempeljski blok, Tartaruga.

Tempeljski blok je instrument korejskega ali severnokitajskega izvora, atribut budističnega kulta. Glasbilo je okrogle oblike, znotraj votle, z globoko zarezo na sredini (kot smejoča se usta) in je izdelano iz trdega lesa.

Kot večina drugih »eksotičnih« tolkal se je temple block najprej razširil v jazzu, od koder je vstopil v simfonični orkester.

Zvok bloka templja je temnejši in globlji od zvoka tesno povezanega lesenega bloka in ima dokaj določeno višino, tako da z uporabo niza blokov templja lahko na njih dobite melodične fraze - na primer S. Slonimsky uporabil te instrumente v "Concert buffe".

Tempeljske bloke igrajo tako, da udarjajo po zgornjem pokrovu s palicami z gumijastimi glavami, lesenimi kladivi in ​​palicami za male bobne.

Včasih simfonični orkester uporablja komplete želvjih oklepov, ki so načeloma podobni igranju šablonskih blokov, vendar zvenijo bolj suho in šibkeje. Tak niz želvjih oklepov, imenovan Tartaruga, je uporabil S. Slonimsky v svojem "Concert Buff".

Guiro, reko-reko, sapo.

Ti inštrumenti so latinskoameriškega izvora, podobni so si tako po principu zasnove kot po načinu igranja.

Narejeni so iz koščka bambusa (reco-reco), iz posušene buče (guiro) ali iz drugega votlega predmeta, ki služi kot resonator. Na eni strani orodja je narejen niz zarez ali zarez. V nekaterih primerih je nameščena plošča z valovito površino. Vzdolž teh zarez se vodi posebna lesena paličica, kar povzroči visok, oster zvok z značilnim prasketanje. Najpogostejša različica teh sorodnih instrumentov je guiro. I. Stravinski je bil prvi, ki je to glasbilo uvedel v simfonični orkester - v Posvećenju pomladi. Reco-reco najdemo v "Concert-bouffe" Slonimskega, sapo - instrument, podoben reco-reco - pa je uporabljen v partituri "Three Poems of Henri Michaud" W. Lutoslawskega.

Raglja.

Pri glasbilih razna ljudstva Obstaja veliko raglj različnih oblik in naprav. V simfoničnem orkestru je raglja škatla, ki jo izvajalec vrti na ročaju okoli zobnika. Hkrati elastična lesena plošča, ki skače z enega zoba na drugega, povzroči značilno pokanje.

Maracas, čokalo (tubo), kamezo.

Vsi ti instrumenti so latinskoameriškega izvora. Maracas je lesena ropotulja okrogle ali jajčaste oblike z ročajem, napolnjena s strelami, zrnjem, kamenčki ali drugimi razsutimi materiali. Ta ljudska glasbila so običajno narejena iz kokosovega oreha ali votle posušene buče z naravnim ročajem. Maracas so zelo priljubljeni v orkestrih plesne glasbe in jazza. S. Prokofjev je bil prvi, ki je ta instrument uporabil kot del simfoničnega orkestra ("Ples antilskih deklet" iz baleta "Romeo in Julija", kantata "Aleksander Nevski"). Dandanes se običajno uporablja par inštrumentov - izvajalec jih drži v obeh rokah in s tresenjem oddaja zvok. Kot druga tolkala brez določene višine, je tudi maracas notiran na "struno". Po principu proizvodnje zvoka so marake blizu čokalov in kamez. To so kovinski - karirasti - ali leseni - kamezo valji, napolnjeni, kot marake, z nekakšno zrnato snovjo. Nekateri modeli imajo stransko steno, prekrito z usnjeno membrano. Tako cecala kot camezo zvenita glasneje in ostreje kot maracas. Prav tako jih držimo z obema rokama, stresamo navpično ali vodoravno ali vrtimo.

Kabatsa.

Sprva je bil ta instrument afro-brazilskega izvora priljubljen v latinskoameriških glasbenih orkestrih, od koder je dobil svojo nadaljnjo distribucijo. Navzven kabatsa spominja na dvakrat povečane marake, prekrite z mrežo z velikimi perlami, nanizanimi na njej. Izvajalec drži inštrument v eni roki in po njem preprosto udarja s prsti druge roke ali pa se s tangencialnim gibom dlani pomika po mreži kroglic. V slednjem primeru se pojavi šelesteč, daljši zvok, ki spominja na zvok marakas. Slonimsky je bil eden prvih, ki je uporabil kabatsu v Concert Buffu.

Bongi.

Ta instrument je kubanskega izvora. Po modernizaciji so se bongi začeli široko uporabljati v plesnih glasbenih orkestrih, jazzu in celo v delih resne glasbe. Bongi imajo naslednjo zgradbo: usnje je napeto na leseno valjasto telo (visine 17 do 22 cm) in pritrjeno s kovinskim obročem (njegova napetost se nastavlja z notranje strani z vijaki). Kovinski rob se ne dviga nad nivo kože: to je tisto, kar določa tako značilno igranje bongov z dlanmi - con le mani ali prsti - con le dita. Dva bonga z različnimi premeri sta med seboj običajno povezana s skupnim držalom. Manjši bong zveni približno tretjino višje od širšega. Zvok bonga je visok, specifično »prazen« in se spreminja glede na mesto in način udarca. Zaradi tega lahko na vsakem instrumentu dobite dva različna visoka zvoka: podolgovat udarec kazalec na robu ali široko do sredine - in nižje (nekje znotraj velike sekunde ali tretjine) - od udarca s celotno dlanjo ali konico prsta bližje sredini.

Predogled:

Klavir (italijanski piano-forte, francoski klavir; nemški fortepiano, hammerklavier; angleški klavir)

Vir zvoka pri klavirju so kovinske strune, ki zazvenijo ob udarcih lesenih kladivcev, obloženih s klobučevino, kladivca pa se aktivirajo s pritiskom prstov na tipke.

Prva inštrumenta s tipkami, znana že v začetku 15. stoletja, sta bila čembalo in klavikord (italijansko clavicembalo). Na klavikordu so strune vibrirale kovinske ročice - tangente, na čembalu - vranja peresa, kasneje pa kovinske kljuke. Zvok teh glasbil je bil dinamično monoton in je hitro zamrl.

Prvi klavir s kladivom, tako imenovan, ker je predvajal zvoke forte in klavirja, je najverjetneje izdelal Bartolomeo Cristofori leta 1709. Ta novi inštrument je hitro postal prepoznaven in je po številnih izboljšavah postal sodoben koncertni klavir. Leta 1826 je bil zgrajen klavir za domače muziciranje.

Klavir je splošno znan kot solistični koncertni instrument. Včasih pa deluje tudi kot običajen instrument orkestra. Ruski skladatelji, začenši z Glinko, so začeli uvajati klavir v orkester, včasih skupaj s harfo, da bi poustvarili zvočnost gusli. Tako se uporablja v Bayanovih pesmih v Glinkinem "Ruslanu in Ljudmili", v "Sadku" in v "Majski noči" Rimskega-Korsakova. Včasih klavir reproducira zvok zvona, kot v "Borisu Godunovu" Musorgskega z instrumentacijo Rimskega-Korsakova. Vendar ne posnema vedno samo drugih barv. Nekateri skladatelji ga uporabljajo v orkestru kot okrasni inštrument, ki lahko v orkester vnese zvočnost in nove barve. Tako je Debussy napisal klavirsko partijo za štiri roke v simfonični suiti "Pomlad". Nazadnje, včasih se nanj gleda kot na neke vrste tolkala z močnim, suhim tonom. Pretresljiv, groteskni scherzo v Šostakovičevi 1. simfoniji je primer tega.

Predogled:

Čembalo

Klaviatursko strunsko glasbilo. Čembalist je glasbenik, ki izvaja glasbena dela tako na čembalu kot na njegovih različicah. Najzgodnejša omemba instrumenta tipa čembala se pojavi v viru iz leta 1397 iz Padove (Italija), najzgodnejša znana podoba je na oltarju v Mindnu (1425). Čembalo je ostalo v uporabi kot solistični inštrument do konca 18. stoletja. Nekaj ​​dlje so ga uporabljali za izvajanje digitalnega basa, za spremljavo recitativov v operah. V REDU. 1810 praktično ni več v uporabi. Oživljanje kulture igranja na čembalo se je začelo na prelomu 19. - 20. stoletja. Čembala iz 15. stoletja se niso ohranila. Po slikah sodeč so bile to kratka orodja s težkim telesom. Večina ohranjenih čembalov iz 16. stoletja je bila izdelana v Italiji, kjer so bile Benetke glavno središče proizvodnje. Kopija flamskega čembala. Imele so 8` register (redkeje dva registra, 8` in 4`) in so se odlikovale po svoji gracioznosti. Njihovo telo je bilo najpogosteje izdelano iz čempresa. Napad na teh čembalih je bil jasnejši in zvok bolj nenaden kot pri kasnejših flamskih glasbilih. Najpomembnejše središče proizvodnje čembala v severni Evropi je bil Antwerpen, kjer so od leta 1579 delovali predstavniki družine Ruckers. Njihova čembala imajo daljše strune in težja telesa kot italijanska glasbila. Od leta 1590 so v Antwerpnu izdelovali čembala z dvema manualoma. Francoski, angleški in nemški čembali iz 17. stoletja združujejo značilnosti flamskih in nizozemskih modelov. Francosko čembalo Ohranilo se je nekaj francoskih dvoručnih čembalov z orehovim ohišjem. Od leta 1690 so v Franciji izdelovali čembala istega tipa kot instrumenti Ruckers. Med francoskimi mojstri čembala je izstopala dinastija Blanchet. Leta 1766 je Blanchetovo delavnico podedoval Taskin. Najpomembnejši angleški proizvajalci čembala v 18. stoletju so bili Shudy in družina Kirkman. Njihovi inštrumenti so imeli ohišje iz hrastovega lesa, obloženo s vezano ploščo, in jih je odlikoval močan zvok z bogatim tembrom. V Nemčiji v 18. stoletju je bil glavni center proizvodnje čembala Hamburg; med tistimi, ki jih izdelujejo v tem mestu, so instrumenti z 2` in 16` registri ter s 3 manuali. Nenavadno dolg model čembala je oblikoval J. D. Dulken, vodilni nizozemski mojster 18. stoletja. V 2. polovici 18. stol. Čembalo je začel nadomeščati klavir. V REDU. 1809 Podjetje Kirkman je izdalo svoj zadnji čembalo. Pobudnik oživitve instrumenta je bil A. Dolmech. Svoj prvi čembalo je izdelal leta 1896 v Londonu in kmalu odprl delavnice v Bostonu, Parizu in Haslemeru. Sodobno čembalo S proizvodnjo čembalov sta začeli tudi pariški podjetji Pleyel in Erard. Pleyel je začel izdelovati model čembala s kovinskim ogrodjem, ki nosi debele, napete strune; Wanda Landowska je na tovrstnih inštrumentih izšolala celo generacijo čembalistov. Bostonska mojstra Frank Hubbard in William Dowd sta prva kopirala starinska čembala.

Predogled:

Orgle (italijansko organo, francosko orgue, nemško Orgel, angleško orgle)

Pihalo s tipkami - orgle - je poznano že v antiki. V starodavnih orglah so zrak črpali ročno s pomočjo meha. V srednjeveški Evropi so orgle postale instrument cerkvenega bogoslužja. V duhovnem okolju 17. stoletja je nastala orgelska polifona umetnost, katere najboljši predstavniki so bili Frescobaldi, Bach in Handel.

Orgle so velikanski instrument z veliko različnimi toni.

"To je cel orkester, ki lahko v spretnih rokah prenese vse, izrazi vse," je o njem zapisal Balzac. Razpon orgel namreč presega obseg vseh orkestrskih instrumentov skupaj. Orgle vključujejo meh za dovod zraka, sistem cevi različnih oblik in velikosti (v sodobnih orglah število cevi doseže 30.000), več ročnih klaviatur in nožni pedal. Največje cevi dosežejo višino 10 metrov ali več, višina najmanjših je 8 milimetrov. Ta ali ona barva zvoka je odvisna od njihove naprave.

Niz cevi enega samega tembra se imenuje register. Velike katedralne orgle imajo več kot sto registrov: v orglah katedrale Notre Dame njihovo število doseže 110. Barva zvokov posameznih registrov spominja na ton flavte, oboe, cor anglais, klarineta, bas klarineta, trobente itd. violončelo. Čim bogatejši in raznovrstnejši so registri, tem večje možnosti ima izvajalec, kajti umetnost igranja na orgle je umetnost dobre registracije, tj. spretna uporaba vseh tehničnih sredstev orodja.

V sodobni orkestralni glasbi (predvsem gledališki) so se orgle uporabljale predvsem v zvočno-vizualne namene – kjer je bilo treba poustvariti cerkveno vzdušje. Liszt je na primer v simfonični pesnitvi »Hunska bitka« uporabil orgle za kontrast krščanskega sveta z barbari.

Predogled:

Harfa - strunsko glasbilo. Ima obliko trikotnika, ki ga sestavljajo: prvič, približno 1 meter dolgo resonančno škatlasto telo, ki se širi navzdol; njegova prejšnja oblika je bila štirikotna, sedanja pa je enostransko zaobljena; opremljen je s ploščato zvočno ploščo, navadno iz javorjevega lesa, na sredino katere je po dolžini trupa pritrjen ozek in tanek trak iz trdega lesa, v katerem so preluknjane luknje za prebadanje črevesnih strun; drugič, z zgornjega dela (v obliki velikega vratu), kačasto ukrivljen, pritrjen na vrh telesa in z njim tvori oster kot; Na ta del so pritrjeni klini za krepitev strun in njihovo uglasitev; tretjič, iz prednjega nosilca v obliki stebra, katerega namen je upreti sili, ki jo proizvajajo strune, raztegnjene med prstno desko in resonančnim telesom. Ker je imela harfa že v preteklosti precejšnjo glasnost zvoka (pet oktav), prostora za godala polne kromatske lestvice pa ni dovolj, so strune v harfi raztegnjene samo za ustvarjanje zvokov diatonične lestvice. Na harfi brez pedala lahko igrate samo eno lestvico. Pri kromatičnih zvišanjih v prejšnjih časih je bilo treba strune skrajšati s pritiskom prstov na prstno desko; kasneje so to stiskanje začeli izvajati s pomočjo kljuk, ki so jih poganjali ročno. Takšne harfe so se izkazale za izjemno neprijetne za izvajalce; Te pomanjkljivosti je v veliki meri odpravil pedalni mehanizem, ki ga je izumil Jacob Hochbrucker leta 1720. Ta mojster je na harfo pritrdil sedem pedalov, ki so delovali na vodnike, ki so šli skozi prazen prostor žarka do prstne plošče in tam pripeljali kljuke v tak položaj, da so, trdno pritrjeni na strune, ustvarili kromatične izboljšave po celotni glasnosti inštrumenta.

Orkester(iz grškega orkestra) - velika skupina instrumentalnih glasbenikov. Za razliko od komornih zasedb v orkestru nekateri njegovi glasbeniki tvorijo skupine, ki igrajo unisono, torej igrajo iste vloge.
Sama zamisel o sočasnem predvajanju glasbe s strani skupine instrumentalnih izvajalcev sega v starodavne čase: nazaj v Starodavni Egipt manjše skupine glasbenikov so skupaj igrale ob raznih praznikih in pogrebih.
Beseda "orkester" ("orkester") izvira iz imena okrogle ploščadi pred odrom v starogrškem gledališču, kjer je bil starogrški zbor, udeleženec katere koli tragedije ali komedije. V času renesanse in pozneje XVII stoletju je bil orkester preoblikovan v orkestrsko jamo in je po tem dal ime skupini glasbenikov, ki je bila v njej nastanjena.
Obstaja veliko različnih vrst orkestrov: vojaški orkester, sestavljen iz trobil in lesnih pihal, orkestri ljudskih glasbil, godalni orkestri. Največji po sestavi in ​​najbogatejši po svojih zmožnostih je simfonični orkester.

Simfoničnaimenovan orkester, sestavljen iz več heterogenih skupin inštrumentov – družine godal, pihal in tolkal. Načelo takšnega združevanja se je razvilo v Evropi l XVIII stoletja. Sprva so simfonični orkester vključevali skupine lokov, pihal in trobil, ki so se jim pridružila še nekatera tolkala. Kasneje se je sestava vsake od teh skupin razširila in razvejala. Trenutno je med številnimi vrstami simfoničnih orkestrov običajno razlikovati med malim in velikim simfoničnim orkestrom. Mali simfonični orkester je orkester pretežno klasične sestave (igra glasbo poznega 18. - zgodnjega 19. stoletja ali sodobne stilizacije). Sestavljen je iz 2 flavt (redko majhna flavta), 2 oboi, 2 klarineta, 2 fagota, 2 (redko 4) rogov, včasih 2 trobenti in timpanov, godalna skupina največ 20 glasbil (5 prvih in 4 druge violine). , 4 viole, 3 violončela, 2 kontrabasa). Veliki simfonični orkester (BSO) vključuje obvezne pozavne v skupini trobil in ima lahko poljubno sestavo. Lesena glasbila (flavte, oboe, klarineti in fagoti) pogosto obsegajo do 5 glasbil vsake družine (včasih je več klarinetov) in vključujejo različice (male in altovske flavte, Kupidova oboa in angleška oboa, mali, alt in bas klarineti, kontrafagot ). Skupina trobil lahko vključuje do 8 rogov (vključno s posebnimi Wagnerjevimi tubami), 5 trobent (vključno s snare, altom, basom), 3-5 pozavnih (tenor in tenorbas) in tubo. Zelo pogosto se uporabljajo saksofoni (v jazzovskem orkestru vse 4 vrste). Godalna skupina dosega 60 in več instrumentov. Obstajajo številna tolkala (čeprav njihovo okostje tvorijo timpani, zvonovi, mali in veliki bobni, trikotnik, činele in indijski tom-tom), pogosto se uporabljajo harfa, klavir in čembalo.
Za ponazoritev zvoka orkestra bom uporabil posnetek zaključnega koncerta Simfoničnega orkestra YouTube. Koncert je potekal leta 2011 v avstralskem mestu Sydney. V živo na televiziji si ga je ogledalo na milijone ljudi po vsem svetu. YouTubov simfonični orkester je posvečen spodbujanju ljubezni do glasbe in prikazovanju ogromne ustvarjalne raznolikosti človeštva.

Program koncerta je obsegal znana in manj znana dela znanih in manj znanih skladateljev.
Tukaj njegov program:

Hector Berlioz - Rimski karneval - uvertura, op. 9 (z Androidom Jonesom - digitalnim umetnikom)
Spoznajte Mario Chiossi - Harfa
Percy Grainger - Prihod na peron Humlet iz na kratko - Suite
Johan Sebastian Bach - Toccata v F-duru za orgle (s Cameronom Carpenterjem)
Spoznajte Paula Calligopoulosa - električno kitaro in violino
Alberto Ginastera - Danza del trigo (Pšenični ples) in Danza finale (Malambo) iz baleta Estancia (dirigent Iljič Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell"idol mio" - Canon v treh glasovih, K562 (predstavljata Sydneyjski otroški zbor in sopranistko Renee Fleming prek videa)
Spoznajte Xiomara Mass - oboa
Benjamin Britten - Mladinski vodnik po orkestru, op
William Barton - Kalkadunga (featuring William Barton - Didgeridoo)
Timothy Constable - Suna
Spoznajte Romana Riedela - pozavno
Richard Strauss - Fanfare za Dunajske filharmonike (s Sarah Willis, rogom, Berlinskimi filharmoniki in dirigent Edwin Outwater)
*PREMIERA* Mason Bates - Mothership (komponirano posebej za simfonični orkester YouTube 2011)
Spoznajte Su Chang - Guzheng
Felix Mendelssohn - Violinski koncert v e-molu, op. 64 (Finale) (s Stefanom Jackiwom in dirigent Ilyich Rivas)
Spoznajte Ozgurja Baskina - violina
Colin Jacobsen in Siamak Aghaei - Ascending Bird - Suita za godalni orkester (vključujeta Colin Jacobsen, violina, Richard Tognetti, violina, in Kseniya Simonova - peščena umetnica)
Spoznajte Stepana Grytsaya - violina
Igor Stravinski - Ognjeni ptič (Peklenski ples - Berceuse - finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (z Eugenom Izotovim - oboa in Andrewom Marinerjem - klarinet)

Simfonični orkester je nastajal skozi stoletja. Njegov razvoj je dolgo časa potekal v črevesju opernih in cerkvenih ansamblov. Takšne skupine v XV - XVII stoletja so bile majhne in heterogene. Vključevale so lutnje, viole, flavte in oboe, pozavne, harfe in bobne. Postopoma so prevladujoča glasbila dobila godala. Mesto viol so prevzele violine s svojim bogatejšim in melodičnejšim zvokom. Nazaj na vrh XVIII V. v orkestru so že kraljevali. Združila se je tudi ločena skupina in pihala (flavte, oboe, fagoti). Trobente in timpani so se iz cerkvenega orkestra preselili v simfonijo. Čembalo je bilo nepogrešljiv udeleženec instrumentalnih zasedb.
Ta skladba je bila značilna za J. S. Bacha, G. Handela, A. Vivaldija.
Iz sredine XVIII V. zvrsti simfonije in instrumentalni koncert. Odmik od polifonega sloga je povzročil željo skladateljev po tembralni raznolikosti in reliefnosti orkestrskih glasov.
Funkcije novih orodij se spreminjajo. Čembalo s svojim šibkim zvokom postopoma izgublja vodilno vlogo. Kmalu so jo skladatelji povsem opustili in se zanašali predvsem na godalno in pihalno sekcijo. Pri koncu XVIII V. Oblikovala se je tako imenovana klasična sestava orkestra: okoli 30 godal, 2 flavti, 2 oboi, 2 fagota, 2 trobenti, 2-3 rogovi in ​​timpani. Kmalu se je pihalom pridružil klarinet. Za tako skladbo sta pisala J. Haydn in W. Mozart. To je orkester v zgodnjih delih L. Beethovna. IN XIX V.
Razvoj orkestra je potekal predvsem v dveh smereh. Po eni strani se je kompozicijsko večal, obogatil z instrumenti različnih vrst (v tem so velike zasluge romantičnih skladateljev, predvsem Berlioza, Liszta, Wagnerja), po drugi strani pa so se razvijale notranje zmožnosti orkestra. : zvočne barve so postale čistejše, tekstura jasnejša, izrazni viri so varčnejši (tak je orkester Glinke, Čajkovskega, Rimskega-Korsakova). Številni pozni skladatelji so pomembno obogatili tudi orkestrsko paleto XIX - 1. polovica XX V. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinski, Bartok, Šostakovič itd.).

Sodobni simfonični orkester sestavljajo 4 glavne skupine. Osnova orkestra je godalna skupina (violine, viole, violončela, kontrabasi). V večini primerov so godala glavni nosilci melodičnega principa v orkestru. Število glasbenikov, ki igrajo na godala, je približno 2/3 celotne zasedbe. V skupino lesenih pihal spadajo flavte, oboe, klarineti in fagoti. Vsak od njih ima običajno samostojno stranko. Slabša od lokov v bogastvu tona, dinamičnih lastnostih in raznolikosti tehnik igranja imajo pihala veliko moč, kompakten zvok in svetle pisane odtenke. Tretja skupina orkesterskih glasbil so trobila (rog, trobenta, pozavna, trobenta). Orkestru prinašajo nove svetle barve, obogatijo njegove dinamične zmožnosti, zvoku dodajo moč in sijaj ter služijo tudi kot bas in ritmična podpora.
Vse višja vrednost pridobiti tolkala pri simfoničnem orkestru. Njihova glavna funkcija je ritmična. Poleg tega ustvarjajo posebno zvočno in hrupno ozadje, dopolnjujejo in okrasijo orkestrsko paleto z barvnimi učinki. Glede na naravo zvoka se bobni delijo na 2 vrsti: nekateri imajo določeno višino (timpani, zvončki, ksilofon, zvončki itd.), drugi nimajo natančne višine (trikotnik, tamburin, mali in bas boben, činele). Od instrumentov, ki niso vključeni v glavne skupine, je vloga harfe najpomembnejša. Občasno skladatelji v orkester vključijo čelesto, klavir, saksofon, orgle in druge instrumente.
Več o inštrumentih simfoničnega orkestra - godalna sekcija, pihala, trobila in tolkala si lahko preberete na Spletna stran.
Ne morem mimo še ene uporabne strani, »Otroci o glasbi«, ki sem jo odkril med pripravo te objave. Ni se treba bati dejstva, da je to stran za otroke. V njej je nekaj precej resnih stvari, samo povedanih v preprostejšem, bolj razumljivem jeziku. Tukaj povezava na njem. Mimogrede, vsebuje tudi zgodbo o simfoničnem orkestru.

Viri:

Marina Razheva
Sinopsis NOD "Simfonični orkester"

Opombe o lekciji

« Simfonični orkester»

za otroke 5-6 let

Pripravljeno: glasbeni vodja

Razheva Marina Anatolyevna

Tejkovo 2015

Tarča: uvajanje predšolskih otrok v klasično glasbo

Naloge. Pri otrocih oblikovati estetsko dojemanje sveta okoli sebe.

Seznanite se z glasbeno kulturo.

Oblikovati potrebo po zaznavanju glasbe.

Razviti kognitivne in ustvarjalne sposobnosti.

Obogatite svoj besedni zaklad.

Izobraževalno področje - "Umetniška in estetska vzgoja"

Organizacijska oblika – Skupinsko delo učitelj z otroki.

Vrsta otroške dejavnosti: izobraževalna, komunikacijska, glasbena in umetniška.

Materiali in oprema: glasbeni center za poslušanje glasbe, otroška glasbila, predstavitev.

Pripravljalna dela: pri glasbenem pouku naj se otroci seznanijo z osnovnimi instrumenti simfonični orkester, njihov pravi zvok, obarvanost tembra. Razlikovati med skupinami instrumentov: godala, pihala, tolkala, singla.

Programske vsebine.

1. Razširite znanje otrok o zvočnih značilnostih glasbil.

2. Gojite zanimanje in željo po poslušanju zvoka instrumentov.

3. Nadaljujte z razvojem veščin igranja DMI (otroška glasbila)

4. Razvijte otroški temberski sluh.

Načrtovani rezultat.

Oblikovanje predstave o simfonični orkester.

Krepitev sposobnosti razlikovanja zvokov inštrumentov simfonični orkester.

Aktivno sodelujte v igri pri DMI.

Občutite potrebo po dojemanju glasbe, ko se izvaja simfonični orkester.

Napredek lekcije.

Otroci vstopijo v dvorano in izvedejo običajen niz glasbenih in ritmičnih gibov, nato pa mirno odidejo na svoje stole.

Gospod. otroke pozdravlja s petjem "Zdravo!", avtorica…

Gospod. Pritegne pozornost otrok na ekran, kjer otroci vidijo veliko skupino glasbenikov.

Gospod. Fantje, kaj vidite na tej fotografiji.

Odgovori otrok.

Gospod. Ja res orkester - skupina glasbenikov ki skupaj izvajajo eno glasbeno delo. Vsak glasbenik igra svojo vlogo po notah, ki se imenuje partitura. Partiture stojijo na posebnih stojalih – konzolah.

In zdaj bi vam rad povedal uganko. Poskusi uganiti.

On dirigira orkestru,

Prinaša veselje ljudem.

Samo zamahne s palico,

Glasba se bo začela predvajati.

Ni zdravnik ali voznik.

Kdo je to? (dirigent)

otroci. Dirigent.

Gospod. Za orkester zvenelo koherentno in harmonično – kontrolira ga dirigent. Sooči se z glasbeniki. Dirigent lahko sili orkester igra hitro, in počasi, in tiho, in glasno - kakor hočeš! A hkrati ne spregovori niti ene besede. Uporablja samo svojo čarobno palico. Pred dirigentom so debele, debele note, v katerih so zapisani deli vseh glasbenikov. Te note se imenujejo klavir.

Violina je lokalno inštrument s 4 strunami, najzvočnejši v svoji družini in najpomembnejši v orkester.

Violončelo je velika violina, na katero se igra sede. Violončelo ima bogat nizek zvok.

Kontrabas je najnižji po zvoku in največji po velikosti. (do 2 metra) med družino godalnih inštrumentov. Igrajo jo stoje ali na posebnem stolu. To je osnova za bas (osnova) Skupaj orkester.

Flavta spada v skupino lesenih pihal. Toda sodobne piščali so zelo redko izdelane iz lesa, pogosteje iz kovine, včasih iz plastike in stekla. Najbolj virtuozno in tehnično okretno glasbilo v družini pihal. Pogosto je zaupana flavta orkestralni solo.

Gospod. Fantje, zakaj se glasbila imenujejo pihala?

Odgovori otrok.

Gospod. Ja, res pihajo. Pravilneje bi bilo reči, da pihala zazvenijo, ko vanje vpihnemo zrak.

In zdaj vidite in slišite trobento iz skupine trobil. Trobenta ima visok, čist zvok, zelo primeren za fanfare. Fanfare se uporabljajo za dajanje signalov – svečanih ali vojnih na prazničnih proslavah in vojaških paradah.

Pred vami je pozavna. Pozavna igra bolj basovsko kot melodično linijo. Od drugih trobil se razlikuje po prisotnosti premičnega drsnika, s premikanjem katerega naprej in nazaj glasbenik spreminja zvok instrumenta.

Rog - rog. Prvotno izhaja iz lovskega roga. Rog je lahko mehak in izrazit ali oster in hripav.

Gospod. Prosimo, poimenujte tolkala.

otroci. Boben, tamburin, marake, trikotnik, metalofon, kastanjete, zvončki, ropotulje, zvončki.

Gospod. Tako je, fantje. Tolkal je veliko, a vsa ne morejo služiti simfonični orkester.

Poimenujte orodja, ki jih vidite na prosojnici.

Bobni, činele, ksilofon.

Diapozitiv 14,15.

In tudi, fantje, orkester uporabljajo se posamezni instrumenti. In morate ugotoviti in poimenovati

jih pravilno.

otroci. Klavir. Harfa.

Gospod. Prav. To je koncertni klavir in starodavno glasbilo– harfa.

Se želite počutiti kot veliki glasbeniki? orkester? Potem predlagam, da vzamete svoje inštrumente in zaigrate eno zelo lepo glasbo.

Izvedeno "Rondo v turškem slogu"- W. Mozart oz

"Navihana polka"- A. Filipenko.

Gospod. Hvala fantje. Všeč mi je.

Kaj menite, fantje, instrumenti, kot sta balalajka ali saksofon, lahko igrajo orkester. Kateri? Dejstvo je, da so ta orodja del drugih orkestri.

Pozorno si oglejte te ilustracije. Razen simfonični orkester obstajajo še druge vrste orkestri: trobila, folk, pop, jazz. Razlikujejo se po sestavi glasbil in številu glasbenikov. IN simfonični orkester V povprečju približno 60-70 ljudi, včasih pa tudi 100 ali več. Glasbeniki so razporejeni po določenem vrstnem redu. Združeni so v skupine instrumentov s podobnimi tembri.:

godala, pihala, trobila in tolkala. Glasbeniki iste skupine sedijo drug poleg drugega, da se bolje slišijo. In to ustvarja dosleden zvok.

In zdaj vas želim povabiti, da igrate igro.

Poiščite instrument.

Diapozitiv 17, 18, 19.

Gospod. Imeli smo se čudovito skupaj. Ti je bilo všeč? Kako se imenuje orkester, koga smo danes srečali? Kateri instrument vam je bil všeč? (Otroci odgovarjajo drug za drugim po želji). Za vas sem pripravila kartončke z uganko, ki jo lahko poskusite rešiti z mamico ali očetom in izžrebati odgovor. (silhueta na zadnji strani - pike).

Prosim, pridi k meni, rad bi se ti zahvalil in se poslovil (otroci zaprejo oči, glasbeni vodja jih poboža po glavi)

Skozi svojo zgodovino, tisoče in tisoče let, je človeštvo ustvarjalo glasbila in jih povezovalo v različne kombinacije. Toda šele pred približno štiristo leti so se te kombinacije inštrumentov razvile v obliko, ki je že blizu sodobnemu orkestru.

V starih časih, ko so se glasbeniki zbirali, da bi igrali, so uporabljali vse inštrumente. Če so bili trije igralci na lutnji, dva na harfi in flavti, so tako igrali. Do začetka 16. stoletja, dobe, znane kot renesansa, se je beseda "ansambel" uporabljala za označevanje skupine glasbenikov, včasih pevcev, ki so izvajali glasbo skupaj ali "v ansamblu".

Skladatelji zgodnje renesanse običajno niso navedli, za kateri inštrument pišejo vlogo. To je pomenilo, da je bilo dele mogoče igrati na katerem koli razpoložljivem instrumentu. Toda v začetku 17. stoletja v Italiji je skladatelj Claudio Monteverdi izbral, katera glasbila naj spremljajo njegovo opero Orfej (1607), in natančno navedel, za katera glasbila so napisani deli: petnajst violov različnih velikosti, dve violini, štiri flavte ( dve veliki in dve srednji), dve oboi, dva korneta (majhne lesene trobente), štiri trobente, pet pozavnih, harfo, dva čembala in tri male orgle.

Kot je razvidno, " renesančni orkester Monteverdi je bil že podoben tistemu, kar si predstavljamo, da bi moral biti orkester: inštrumenti, organizirani v skupine, veliko godalnih inštrumentov, velika raznolikost.

V naslednjem stoletju (do leta 1700, časa J. S. Bacha) se je orkester še bolj razvil. Družina violin (violina, viola, violončelo in bas) je nadomestila viole; v baročnem orkestru je bila družina violin veliko bolj reprezentativna kot v renesančnem orkestru. Glasbeno vodstvo v baročnem orkestru so imeli instrumenti s tipkami, glasbeniki, ki so igrali na čembalo ali včasih na orgle. Ko je J. S. Bach delal z orkestrom, je sedel za orgle ali čembalo in s svojega sedeža vodil orkester.

V času baroka je glasbeni dirigent včasih vodil orkester stoje, vendar to še ni bilo dirigiranje, kot ga poznamo danes. Jean-Baptiste Lully, ki je bil v 17. stoletju zadolžen za glasbo na dvoru francoskega kralja, je bil navajen utripati ritem svojim glasbenikom na tleh z dolgo palico, vendar si je nekega dne po nesreči poškodoval nogo, razvila se je gangrena , in umrl je!

Naslednje 19. stoletje, čas Haydna in Beethovna, je prineslo še globlje spremembe v orkestru. Glasbila s strunami so postala bolj pomembna kot kdaj koli prej, medtem ko so glasbila s tipkami zbledela v temo. Skladatelji so začeli pisati za določeno glasbilo. To je pomenilo poznavanje glasu vsakega inštrumenta, razumevanje, katera glasba bi zvenela bolje in bi jo bilo lažje izvajati na izbranem inštrumentu. Skladatelji so postali bolj svobodni in celo pustolovski pri kombiniranju inštrumentov za ustvarjanje bogatejših in bolj raznolikih zvokov in nians.

Prvi violinist (ali korepetitor) je orkester usmerjal s svojega stola, včasih pa je moral dajati navodila tudi s kretnjami, za boljšo opaznost pa je najprej uporabil navaden list belega papirja, zvit v cev. To je privedlo do razvoja sodobne palice. V začetku 19. stoletja so skladatelji in dirigenti, kot sta Carl Maria von Weber in Felix Mendelssohn, uvedli prakso vodenja glasbenikov z osrednjega podija pred orkestrom.

Ker so orkestri postajali vedno večji, niso vsi glasbeniki mogli videti in slediti spremljevalcu. Do konca 19. stoletja je orkester dosegel velikost in razsežnosti, kot jih poznamo danes in celo presegel današnje. Nekateri skladatelji, na primer Berlioz, so začeli pisati glasbo samo za tako velike orkestre.

Dizajn, konstrukcija in kakovost glasbil so se nenehno izboljševali, ustvarjali nova glasbila, ki so našle svoje mesto v orkestru, kot sta pikolo (mala flavta) in trobenta. Mnogi skladatelji, med njimi Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler in Richard Strauss, so postali dirigenti. Njihovi eksperimenti z orkestracijo (umetnost distribucije glasbeni material med inštrumenti orkestra, da bi se posamezen inštrument kar najbolje izkoristil) je pokazal pot v 20. stoletje.

Wagner je šel še dlje; oblikoval je in izdelal bas trobento ( Wagnerjeva trobenta), ki združuje elemente trobente in trobente, da bi vnesel nov, poseben zvok v svojo nesmrtno opero Nibelungov prstan. Bil je prvi dirigent, ki je obrnil hrbet občinstvu, da bi bolje obvladal orkester. V eni od svojih simfonij je Strauss zapisal Del alpskega roga, lesen ljudsko glasbilo 12 čevljev dolg. Zdaj alpski rog nadomešča trobenta. Arnold Schoenberg je svoje delo "Songs of Gurrelieder" ustvaril za orkester s 150 instrumenti.

20. stoletje je bilo stoletje svobode in novih poskusov z orkestrom. Dirigenti so postali povsem individualne osebnosti in med njimi so vzhajale svoje superzvezde. Odgovornost se je večkrat povečala, a tudi prepoznavnost občinstva.

Osnova orkestra je bila takšna, kot se je oblikovala v poznem 19. stoletju, skladatelji pa so včasih dodajali ali odvzemali inštrumente, odvisno od želenega učinka. Včasih je bila to izjemno razširjena skupina tolkal ali pihal in trobil. Toda sestava orkestra se je utrdila in ostaja večinoma nespremenjena: velika skupina lokalnih inštrumentov ter majhne skupine pihal, tolkal, harf in klaviatur.

Po vseh teh letih še vedno deluje!