V tem članku boste videli Sankt Peterburg mestni predstavljeno v umetniška galerija"Art-Breeze". Tu so zbrana dela različnih avtorjev, ki so nastala v različnih stilov in tehnike. Vsem tem delom je skupno eno - upodabljajo Sankt Peterburg, kot ga je videl umetnik.
Mestna pokrajina, kot slikarska zvrst se je oblikovala dokaj pozno, v 18. stoletju. Takrat so mesta začela dobivati sodoben značaj in število mestnih prebivalcev je začelo hitro naraščati. Pred tem je le nekaj srednjeveških umetnikov upodabljalo mesta na svojih platnih. Te slike so bile zelo primitivne, niso imele topografske natančnosti in so služile za označevanje kraja dogodkov, ki jim je bil posvečen zaplet slike. Predniki mestna pokrajina v slikarstvu lahko imenujemo nizozemski umetniki 17. stoletje Wermeerja iz Delfta, J. Goyena in J. Ruisdaela. Prav v njihovih delih je mogoče najti mestno pokrajino, kot smo jo vajeni videti na sodobnih slikah.
Sodobni umetniki, ki razstavljajo svoje mestne krajine v peterburški umetniški galeriji Ar-Breeze, prikazujejo Sankt Peterburg predvsem kot megleno obmorsko mesto z živahnim življenjem in veličastno arhitekturo. Večina slik je nastala v slogu impresionizma in klasike. Bogastvo barv in zmožnost polnjenja platna s svetlobo, ki jo zagotavlja tehnika impresionističnega slikanja, vam omogoča, da v celoti odsevate duh tega mesta na Nevi!
Korovin Konstantin Aleksejevič je izjemen ruski umetnik, dekorater, eden največjih ruskih umetnikov preloma stoletja (19-20). Korovin - mojster plenerizma, avtor krajin, žanrske slike, tihožitja, portreti. Umetnik se je rodil v Moskvi. Študiral je v Sankt Peterburgu in Moskvi pri Savrasovu in Polenovu. Konstantin Korovin je bil član združenja: »Združenje mobilnih umetniške razstave«, »Zveza ruskih umetnikov« in »Svet umetnosti«. Velja za enega najvidnejših predstavnikov »ruskega impresionizma«.
V Korovinovem delu je opaziti željo po doseganju sintetičnih slikovnih rešitev s svetlobno-senčnimi modulacijami in harmonijo tonskih razmerij. To so "Severna idila" (1886), "Na balkonu. Španki Leonora in Ampara" (1888), "Hammerfest. Severni sij" (1895) in drugi. In poleg stvari drugačne "Korovinove" usmeritve - portret solista ruske zasebne opere T. S. Lyubatovich (2. polovica 1880-ih), ki pritegne z izvrstnim kolorističnim konceptom, veselo prazničnimi podobami ali skico zgodnjega "Pariška kavarna" iz 1890-ih, kjer je Korovin prvič tako duševno prenesel subtilno slikovito "aromo" samega zraka francoske prestolnice.
Jedro Korovinove metode je zmožnost preoblikovanja najbolj običajnega in celo očitno neprivlačnega motiva skozi natančno videno in kot hipno ujeto barvno vsebino v visokoestetski spektakel.
Pariz v slikah Korovina
Bivanje v Parizu med pripravami na svetovno razstavo - to bivanje je bilo drugotnega pomena in veliko bolj pomenljivo - je umetniku odprlo pogled na sodobno Francosko slikarstvo. Proučuje impresioniste, ki so tako sozvočni z njegovimi težnjami, a ostaja tuj vsem postimpresionističnim gibanjem. V 1900-ih je Korovin ustvaril svojo znamenito serijo "Pariz". Za razliko od impresionistov so njegove vedute Pariza naslikane veliko bolj neposredno in čustveno. V njih prevladuje želja mojstra, da "razbije čar, ki je trenutno v pokrajini" (po Korovinovem učencu B. Iogansonu).
Umetnik išče najbolj subtilna prehodna in nepričakovana stanja v življenju mesta - jutranji Pariz, Pariz v mraku, večer in nočno mesto(»Pariz, jutro«, 1906; »Pariz zvečer«, 1907; »Somrak v Parizu«, 1911). Jutranja meglica in trepetajoča svetloba vzhajajočega sonca, lila somrak z zelenjem še ne ovenelih dreves in že prižganimi lampijoni, žametna gostota temno modra nebo in svetlo, mrzlično sipanje luči nočnega Pariza ... Korovin v teh drobnih stvareh doseže skorajda dokumentarno resničnost vizualnega vtisa, a to vodi v neverjetno poduhovljenost, prvinsko podobo mesta. Zahvaljujoč metodi kompleksne barvno-tonske rešitve je v majhni skici dosegel tako izjemno ekspresivnost na ravni velike dokončane slike kot učinek vznemirljive čustvene vpletenosti gledalca v to, kar je videl.
"Želim, da gledalčevo oko uživa tudi estetsko, tako kot uho duše uživa v glasbi," je nekoč dejal Korovin.
Fotografije slik
Pariz v slikah Korovina
Nadaljnji razvoj evropsko slikarstvo povezana z impresionizmom. Ta izraz se je rodil po naključju. Razlog je bil naslov krajine C. Moneta »Vtis. Sončni vzhod" (glej prilogo št. 1, sl. 3) (iz francoskega vtisa - vtis), ki se je pojavil na razstavi impresionistov leta 1874. Ta prvi javni nastop skupine umetnikov, med katerimi so bili C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro in drugi, je uradna meščanska kritika pozdravila z nesramnim posmehom in preganjanjem. Res je, že od poznih 1880-ih so formalne tehnike njihovega slikanja prevzeli predstavniki akademske umetnosti, kar je Degasu dalo razlog, da grenko pripomni: "Bili smo ustreljeni, a hkrati so preiskali naše žepe."
Zdaj, ko so burne razprave o impresionizmu preteklost, si le redkokdo upa oporekati, da je bilo impresionistično gibanje nadaljnji korak v razvoju evropskega realističnega slikarstva. "Impresionizem je predvsem umetnost opazovanja realnosti, ki je dosegla izjemno prefinjenost" (V. N. Prokofjev). V želji po največji spontanosti in natančnosti pri podajanju vidnega sveta so začeli slikati predvsem na prostem in dvignili pomen skic iz življenja, ki so skoraj nadomestile tradicionalni tip slike skrbno in počasi nastajale v ateljeju.
Z doslednim bistrenjem palete so impresionisti osvobodili slikarstvo zemeljskih in rjavih lakov in barv. Konvencionalna, »muzejska« črnina se na njunih platnih umika neskončno raznoliki igri refleksov in barvnih senc. Neizmerno so razširili možnosti likovna umetnost, odkrivanje ne le sveta sonca, svetlobe in zraka, temveč tudi lepoto megle, nemirno vzdušje življenja veliko mesto, razpršenost nočnih luči in ritem neprekinjenega gibanja.
Zaradi same metode dela na prostem je pokrajina, tudi mestna, ki so jo odkrivali, zasedla zelo pomembno mesto v umetnosti impresionistov. V kolikšni meri sta se tradicija in inovativnost organsko združili v umetnosti impresionistov, priča predvsem delo izjemnega slikarja 19. stoletja Edouarda Maneta (1832-1883). Resda se sam ni imel za predstavnika impresionizma in je vedno razstavljal ločeno, a v ideološkem in idejnem smislu je bil nedvomno tako predhodnik kot idejni vodja tega gibanja.
Na začetku svoje ustvarjalne kariere je bil E. Manet izobčen (posmeh družbe). V očeh meščanske javnosti in kritikov postane njegova umetnost sinonim za grdo, umetnika samega pa imenujejo »norec, ki slika sliko, ki se trese v deliriju tremens« (M. de Montifaud) (glej prilogo št. 1, Slika 4). Le najbolj pronicljivi umi tistega časa so znali ceniti Manetov talent. Med njimi sta bila Charles Baudelaire in mladi E. Zola, ki je izjavil, da je »gospodu Manetu namenjeno mesto v Louvru«.
Impresionizem je dobil najbolj dosleden, a tudi daljnosežen izraz v delu Clauda Moneta (1840-1926). Njegovo ime je pogosto povezano z dosežki te slikarske metode, kot so prenos izmuzljivih prehodnih stanj osvetlitve, vibriranje svetlobe in zraka, njuna medsebojna povezanost v procesu nenehnih sprememb in transformacij. »To je bila nedvomno velika zmaga za umetnost sodobnega časa,« piše V.N.Prokofjev in dodaja: »Ampak tudi njena končna zmaga.« Ni naključje, da je Cezanne, čeprav je nekoliko polemično zaostril svoje stališče, pozneje trdil, da je Monetova umetnost »samo oko«.
Monetova zgodnja dela so precej tradicionalna. V njih so še vedno človeške figure, ki se pozneje vse bolj spreminjajo v kadre in postopoma izginjajo iz njegovih slik. V sedemdesetih letih 19. stoletja se je umetnikov impresionistični slog dokončno izoblikoval in odslej se je popolnoma posvetil krajini. Od takrat je deloval skoraj izključno pleneristično. V njegovem delu se tip dokončno uveljavi velika slika- skica.
Monet je bil eden prvih, ki je ustvaril serijo slik, v katerih se ponavlja isti motiv drugačni časi leto in dan, pri različnih svetlobnih in vremenskih pogojih (glej prilogo št. 1, sl. 5, 6). Niso vse enake, vendar najboljše slike v teh serijah presenečajo s svežino barv, intenzivnostjo barv in umetnostjo svetlobnih učinkov.
IN pozno obdobje ustvarjalnosti v Monetovih slikah so se okrepile težnje po dekorativnosti in ploskovitosti. Svetlost in čistost barv se spremenita v svoje nasprotje, pojavi se nekakšna belkastost. Ko je E. Zola govoril o zlorabi »svetlega tona« s strani poznih impresionistov, ki so nekatera dela spremenili v razbarvano platno, je zapisal: »In danes ni nič drugega kot plener ... ostajajo le lise: portret je le lisa, figure so le lise, samo lise.
Tudi drugi impresionistični umetniki so bili večinoma krajinarji. Njihovo delo je pogosto nezasluženo ostalo v senci ob resnično barvitem in impresivnem Monetovem liku, čeprav mu v budnosti videnja narave in v slikarskih veščinah niso zaostajali. Med njimi je treba najprej omeniti imeni Alfreda Sisleyja (1839-1899) in Camilla Pissarra (1831-1903). Za dela Sisleyja, po rodu Angleža, je značilna posebna slikovna eleganca. Sijajni mojster plenerizma je znal prenesti prozoren zrak jasnine zimsko jutro, rahla meglica od sonca segrete megle, oblaki, ki tečejo po nebu na vetroven dan. Njegovo paleto odlikuje bogastvo odtenkov in zvestoba tonov. Umetnikove krajine so vedno prežete z globokim razpoloženjem, ki odraža njegovo v bistvu lirično dojemanje narave (glej prilogo št. 1, sl. 7, 8, 9).
Bilo je bolj zapleteno ustvarjalna pot Pissarro, edini umetnik, ki je sodeloval na vseh osmih razstavah impresionistov, ga je J. Rewald imenoval "patriarh" tega gibanja. Začenši s pokrajinami, podobnimi barbizonskim slikanjem, je pod vplivom Maneta in njegovih mladih prijateljev začel delati na prostem in postopoma osvetljevati paleto. Postopoma razvije lastno impresionistično metodo. Bil je eden prvih, ki je opustil uporabo črne barve. Pissarro je bil vedno nagnjen k analitičnemu pristopu k slikanju, od tod tudi njegovi poskusi razgradnje barve - »divizionizem« in »pointelizem«. Vendar se kmalu vrne k impresionistični maniri, v kateri je njegov najboljša dela- čudovita serija mestnih pokrajin Pariza (glej prilogo št. 1, sl. 10,11,12,13). Njihova kompozicija je vedno premišljena in uravnotežena, njihovo slikarstvo barvno prečiščeno in mojstrsko tehnično.
V Rusiji je mestno krajino v impresionizmu osvetlil Konstantin Korovin. "Pariz je bil zame šok ... impresionisti ... v njih sem videl tisto, zaradi česar so me grajali v Moskvi." Korovin (1861-1939) je bil skupaj s prijateljem Valentinom Serovom osrednji osebnosti ruskega impresionizma. Pod velikim vplivom francoskega gibanja je ustvaril svoje svoj stil, ki je mešal osnovne elemente francoski impresionizem z bogatimi barvami ruske umetnosti tistega obdobja (glej prilogo št. 1, sl. 15).
18-19 stoletja zaznamovala obdobje razcveta evropska umetnost. V Franciji je cesar Napoleon III. po sovražnostih med francosko-prusko vojno ukazal obnovo Pariza. Pariz je hitro postal isto "bleščeče mesto", kot je bil pod drugim cesarstvom, in se ponovno razglasil za središče evropske umetnosti. Zato so se številni impresionistični umetniki v svojih delih obrnili na temo sodobnega mesta. Sodobno mesto v njihovih delih ni pošast, temveč domovina, v kateri živijo ljudje. Mnoga dela so prežeta z močnim domoljubnim občutkom.
To je še posebej vidno na slikah Clauda Moneta. Ustvaril je več kot 30 slik s pogledom na katedralo v Rouenu v najrazličnejših svetlobnih in atmosferskih pogojih. Na primer, leta 1894 je Monet naslikal dve sliki - " Katedrala v Rouenu opoldne" in "stolnica v Rouenu zvečer". Obe sliki prikazujeta isti fragment katedrale, vendar v različnih tonih - v toplih rumeno-rožnatih tonih poldneva in v hladnih modrikastih odtenkih umirajoče svetlobe somraka. Barvita lisa na slikah popolnoma razblini linijo, umetnik ne prenaša materialne teže kamna, ampak tako rekoč svetlo pisano zaveso.
Impresionisti so si prizadevali, da bi slika izgledala odprto okno, skozi katerega se vidi resnični svet. Pogosto so izbrali pogled skozi okno na ulico. Slavni "Boulevard des Capucines" C. Moneta, naslikan leta 1873 in prikazan na prvi impresionistični razstavi leta 1874, je odličen primer te tehnike. Tu je veliko inovativnosti - kot motiv krajine je izbran pogled na veliko mestno ulico, vendar umetnika zanima njen videz kot celota, ne pa privlačnosti. Celotna množica ljudi je upodobljena v drsečih potezah, na posplošen način, v katerem je težko razbrati posamezne figure.
Monet v tem delu posreduje trenuten, čisto vizualni vtis komaj opaznega vibrirajočega zraka, ulic, ljudi in odhajajočih kočij, ki gredo globlje v globino. Uničuje idejo o ravnem platnu, ustvarja iluzijo prostora in ga napolni s svetlobo, zrakom in gibanjem. Človeško oko drvi v neskončnost in ni meje, kjer bi se lahko ustavila.
Visoka točka zornega kota omogoča umetniku, da opusti ospredje, in prenaša briljantno sončno svetlobo v kontrast z modrikasto vijoličnimi sencami hiš, ki ležijo na uličnem pločniku. Monet daje sončni strani oranžno, zlato-toplo, senco - vijolično, vendar ena sama svetlo-zračna meglica daje celotni pokrajini tonsko harmonijo, obrisi hiš in dreves pa se pojavljajo v zraku, prežetem s sončnimi žarki.
Leta 1872 je Monet v Le Havru naslikal »Vtis. Sončni vzhod" - pogled na pristanišče Le Havre, kasneje predstavljen na prvi razstavi impresionistov. Tu se je umetnik očitno končno osvobodil splošno sprejete ideje o objektu slike kot določenem volumnu in se v celoti posvetil prenosu trenutnega stanja atmosfere v modrih in roza-oranžnih tonih. Pravzaprav se vse zdi neoprijemljivo: pomol Le Havre in ladje se zlijejo s črtami na nebu in odsevom v vodi, silhuete ribičev in čolnov v ospredju pa so le temne lise, narejene z nekaj intenzivnimi potezami. . Zavračanje akademskih tehnik, slikanja na prostem in izbire neobičajnih motivov so takratni kritiki sprejeli sovražno. Louis Leroy, avtor besnega članka, ki je izšel v reviji "Charivari", je prvič v zvezi s to sliko uporabil izraz "impresionizem" kot definicijo novega gibanja v slikarstvu.
Drugo izjemno delo, posvečeno mestu, je bila slika Clauda Moneta "Gare Saint-Lazare". Monet je naslikal več kot deset slik, ki temeljijo na železniški postaji Saint-Lazare, od katerih jih je bilo sedem razstavljenih na 3. impresionistični razstavi leta 1877.
Monet je najel majhno stanovanje na ulici Monsey, ki se nahaja v bližini postaje. Umetnik je dobil popolno svobodo delovanja. Vožnja vlakov se je za nekaj časa ustavila in jasno je videl perone, kurišča kadečih se lokomotiv, ki so bile napolnjene s premogom - da je iz dimnikov uhajala para. Monet se je trdno "naselil" na postaji, potniki so ga gledali s spoštovanjem in strahospoštovanjem.
Ker se je videz postaje nenehno spreminjal, je Monet delal le skice na lokaciji, po njih pa v ateljeju naslikal same slike. Na platnu vidimo veliko železniška postaja, pokrita z baldahinom, podprtim z železnimi stebri. Na levi in desni sta perona: en tir je namenjen primestnim vlakom, drugi vlakom na dolge proge. Posebno vzdušje se prenaša s kontrastom medle svetlobe znotraj postaje in svetle, bleščeče ulične luči. Oblaki dima in pare, razpršeni po platnu, uravnavajo kontrastne črte osvetlitve. Dim se pronica vsepovsod, žareči oblaki se vrtinčijo ob šibkih silhuetah zgradb. Zdi se, da gosta para daje obliko ogromnim stolpom in jih pokriva z lahkotno tančico, kot je najtanjša pajčevina. Slika je naslikana v nežnih utišanih tonih s subtilnimi prehodi odtenkov. Hitre, natančne poteze v obliki vejic, značilne za tisti čas, so zaznane kot mozaik, gledalec dobi vtis, da se para ali razprši ali zgosti.
Drugi predstavnik impresionistov, C. Pissarro, je kot vsi impresionisti rad slikal mesto, ki ga je prevzelo z neskončnim gibanjem, pretokom zračnih tokov in igro svetlobe. Zaznaval ga je kot živ, nemiren organizem, ki se je sposoben spreminjati glede na letni čas in stopnjo osvetljenosti.
Pozimi in spomladi 1897 je Pissarro delal na seriji slik, imenovanih "Pariški bulvarji". Ta dela so umetniku prinesla slavo in pritegnila pozornost kritikov, ki so njegovo ime povezovali z divizionističnim gibanjem. Umetnik je skice za serijo delal z okna hotelske sobe v Parizu, konec aprila pa je delo na slikah zaključil v svojem studiu v Eragnyju. Ta serija je edina v Pissarrovem delu, v kateri je umetnik poskušal z največjo natančnostjo ujeti različne vremenske in sončne razmere. Umetnik je na primer naslikal 30 slik, ki prikazujejo bulvar Montmartre in ga gledajo iz istega okna.
Na slikah "Boulevard Montmartre v Parizu" je mojster C. Pissarro mojstrsko prenesel bogastvo atmosferskih učinkov, barvito kompleksnost in subtilnost oblačnega dne. Dinamika mestnega življenja, tako prepričljivo utelešena s slikarjevim hitrim čopičem, ustvarja podobo sodobnega mesta - ne ceremonialnega, ne uradnega, temveč vznemirjenega in živega. Mestna pokrajina je postala glavni žanr v delu tega izjemnega impresionista - "pevca Pariza".
Glavno mesto Francije zavzema posebno mesto v Pissarrovem delu. Umetnik je nenehno živel zunaj mesta, vendar ga je Pariz vztrajno privlačil. Pariz ga očara s svojim nenehnim in univerzalnim gibanjem - hojo pešcev in vožnjo kočij, pretakanjem zračnih tokov in igro svetlobe. Pissarrovo mesto ni seznam omembe vrednih hiš, ki so prišle v umetnikovo vidno polje, temveč živ in nemiren organizem. Očarani nad tem življenjem se ne zavedamo banalnosti stavb, ki sestavljajo Boulevard Montmartre. Umetnik najde svojevrsten čar v nemiru Velikih bulvarjev. Pissarro je bulvar Montmartre ujel kot jutro in dan, večer in noč, s soncem obsijan in siv, ko ga gleda z istega okna. Jasen in preprost motiv ulice, ki se razteza v daljavo, ustvarja jasno kompozicijsko osnovo, ki se ne spreminja s platna na platno. Cikel platen, ki so bile naslednje leto naslikane z okna hotela Louvre, je bil zasnovan povsem drugače. Pissarro je v pismu sinu ob delu na ciklu poudaril drugačen značaj tega kraja od Bulevarjev, torej trga Francoskega gledališča in okolice. Res, tam vse drvi po osi ulice. Tu se kvečjemu križa trg, ki je služil kot končna postaja več omnibusov razne smeri, in namesto široke panorame z obilico zraka se našim očem prikaže zaprt prostor v ospredju.
string(5796) "Označevanje URBANNE KRAJINE v ločen žanr prispevala arhitekturna krajina. Mojstri tega gibanja, ki se je razvilo pod vplivom teorije linearne perspektive, so videli svoje glavna naloga pri gradnji kompleksne, skrbno zasnovane kompozicije, ob upoštevanju enega glavnega vidika. Velik prispevek k razvoju tega žanra je prispeval italijanski umetniki Renesansa - Rafael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Skoraj istočasno z arhitekturna krajina Razvila se je tudi druga smer - upodabljanje urbanih krajin. Nemški, nizozemski in francoski slikarji 16.-17. stoletja so s svojih potovanj prinesli številne albume s skicami iz narave. Do sredine 17. stoletja je MESTNA KRAJINA trdno zasedla svoj položaj neodvisnega žanra in postala priljubljena tema nizozemskih umetnikov. Ko so upodabljali kotičke Amsterdama, Delfta, Haarlema, so umetniki skušali združiti geometrijsko jasnost mestnih zgradb z vsakdanjimi epizodami in pokrajinami. Prave mestne poglede lahko najdemo pri velikih nizozemskih umetnikih 17. stoletja, kot so J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer iz Delfta. Eden najbolj osupljivih in uspešnih primerov MESTNE KRAJINE tega obdobja je »Pogled na mesto Delft« Vermeerja iz Delfta, ki je poetično opeval podobo domači kraj. V 18. stoletju se je izoblikoval poseben tip krajinskega žanra, tesno povezan z MESTNO KRAJINO - veduta. Veduto so glede na naravo reprodukcije mestnega prostora delili na realno, idealno ali fantastično. V resnični veduti je umetnik vestno in natančno upodobil resnične zgradbe v resnični pokrajini, v idealni pa so bile upodobljene resnične zgradbe, obdane z izmišljeno pokrajino; fantastična veduta je bila povsem avtorjeva domišljija. Razcvet te vrste slikarstva je bila beneška veduta, vodja šole beneške vedute pa je bil umetnik Antonio Canaletto. V obdobju romantike so umetniki ostali zainteresirani za upodabljanje arheoloških spomenikov, starin in starodavnih templjev. Sredi devetnajstega stoletja so se krajinski slikarji obrnili na žanrske scene. MESTNE POKRAJINE, ki prikazujejo poglede na London, se pojavljajo na gravurah francoski umetnik Gustave Dore. Tudi drugega francoskega umetnika, mojstra MESTNE POKRAJINE, Honoreja Daumiera, so zanimale mestne vedute, čeprav pariške. Nova stran v zgodovini MESTNE KRAJINE odkrili umetniki impresionisti. Njihovo pozornost so pritegnili vzorci ulic v različnih obdobjih dneva, železniške postaje, silhuete in obrisi zgradb. Želja po prenosu ritma mestnega življenja, ujeti nenehno spreminjajoče se stanje ozračja in osvetlitve je impresioniste pripeljala do odkritja novih sredstev. umetniški izraz.
Del slik posvečen MESTNI POKRAJINI predstavlja predmete, ki prikazujejo različna mesta, arhitekturni spomeniki, ulice in znamenitosti. V tem razdelku boste našli poglede na Moskvo, Sankt Peterburg, pa tudi Rim in številna druga mesta. Ponujamo vam nakup artiklov iz rubrike MESTNA POKRAJINA v naši starinarnici Komisija. Rubrika MESTNA POKRAJINA se nenehno posodablja, spremljajte nove prihode. "
MESTNA KRAJINA je zvrst likovne umetnosti, v kateri je glavna tema podoba mesta, njegovih ulic in zgradb. Sprva MESTNA KRAJINA ni bila samostojen žanr, temveč so mestne krajine uporabljali le kot okvir za svetopisemske prizore. MESTNO KRAJINO so na nov način premislili stari nizozemski mojstri, ki so s posebno skrbjo in ljubeznijo ujeli svet okoli sebe.
Arhitekturna krajina je prispevala k ločitvi MESTNE KRAJINE v ločen žanr. Mojstri tega gibanja, ki se je razvilo pod vplivom teorije linearne perspektive, so svojo glavno nalogo videli v izgradnji kompleksne, skrbno zasnovane kompozicije z upoštevanjem enega, glavnega vidika. Italijanski umetniki renesanse - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna - so veliko prispevali k razvoju tega žanra. Skoraj sočasno z arhitekturno krajino se je razvila še ena smer - upodabljanje urbanih krajin. Nemški, nizozemski in francoski slikarji 16.-17. stoletja so s svojih potovanj prinesli številne albume s skicami iz narave. Do sredine 17. stoletja je MESTNA KRAJINA trdno zasedla svoj položaj neodvisnega žanra in postala priljubljena tema nizozemskih umetnikov. Ko so upodabljali kotičke Amsterdama, Delfta, Haarlema, so umetniki skušali združiti geometrijsko jasnost mestnih zgradb z vsakdanjimi epizodami in pokrajinami. Prave mestne poglede lahko najdemo pri velikih nizozemskih umetnikih 17. stoletja, kot so J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer iz Delfta. Eden najbolj presenetljivih in uspešnih primerov MESTNE KRAJINE tega obdobja je "Pogled na mesto Delft" Vermeerja iz Delfta, ki je poetično poveličeval podobo svojega rojstnega mesta. V 18. stoletju se je izoblikoval poseben tip krajinskega žanra, tesno povezan z MESTNO KRAJINO - veduta. Veduto so glede na naravo reprodukcije mestnega prostora delili na realno, idealno ali fantastično. V resnični veduti je umetnik vestno in natančno upodobil resnične zgradbe v resnični pokrajini, v idealni pa so bile upodobljene resnične zgradbe, obdane z izmišljeno pokrajino; fantastična veduta je bila povsem avtorjeva domišljija. Razcvet te vrste slikarstva je bila beneška veduta, vodja šole beneške vedute pa je bil umetnik Antonio Canaletto. V obdobju romantike so umetniki ostali zainteresirani za upodabljanje arheoloških spomenikov, starin in starodavnih templjev. Sredi devetnajstega stoletja so se krajinski slikarji posvetili žanrskim prizorom. MESTNE POGLEDE, ki prikazujejo poglede na London, najdete na gravurah francoskega umetnika Gustava Doréja. Tudi drugega francoskega umetnika, mojstra MESTNE POKRAJINE, Honoreja Daumiera, so zanimale mestne vedute, čeprav pariške. Umetniki impresionisti so odprli novo stran v zgodovini MESTNE KRAJINE. Njihovo pozornost so pritegnili vzorci ulic v različnih obdobjih dneva, železniške postaje, silhuete in obrisi zgradb. Želja po prenosu ritma mestnega življenja, ujeti nenehno spreminjajoče se stanje ozračja in osvetlitve je impresioniste pripeljala do odkritja novih umetniških izraznih sredstev.
Del slik, posvečen MESTNI KRAJINI, predstavlja predmete, ki prikazujejo različna mesta, arhitekturne spomenike, ulice in znamenitosti. V tem razdelku boste našli poglede na Moskvo, Sankt Peterburg, pa tudi Rim in številna druga mesta. Ponujamo vam nakup artiklov iz rubrike MESTNA POKRAJINA v naši starinarnici Komisija. Rubrika MESTNA POKRAJINA se nenehno posodablja, spremljajte nove prihode.