Σήμερα θα γνωρίσουμε ένα από τα οι καλύτεροι δάσκαλοιΟλλανδική πολυτελής νεκρή φύση BY WILLEM KALF 1619-1693
Ο Willem Kalf ήταν το έκτο παιδί στην οικογένεια ενός πλούσιου εμπόρου υφασμάτων του Ρότερνταμ και μέλους του δημοτικού συμβουλίου του Ρότερνταμ. Ο πατέρας του Willem πέθανε το 1625, όταν το αγόρι ήταν 6 ετών. Η μητέρα συνέχισε την οικογενειακή επιχείρηση, χωρίς όμως ιδιαίτερη επιτυχία.
Δεν υπάρχουν πληροφορίες για το με ποιον καλλιτέχνη σπούδασε ο Kalf. ίσως δάσκαλός του ήταν ο Χέντρικ Ποτ από το Χάρλεμ, όπου ζούσαν οι συγγενείς των Καλφ. Λίγο πριν από το θάνατο της μητέρας του το 1638, ο Willem εγκατέλειψε τη γενέτειρά του και μετακόμισε στη Χάγη, και στη συνέχεια το 1640-41. εγκαταστάθηκε στο Παρίσι.
Εκεί, χάρη στο " χωρικοί εσωτερικοί χώροι», γραμμένο στη φλαμανδική παράδοση, κοντά στο έργο του David Teniers και άλλων καλλιτεχνών του 17ου αιώνα, ο Kalf κέρδισε γρήγορα την αναγνώριση.
Στους ρουστίκ εσωτερικούς του, ανθρώπινες φιγούρες ήταν περισσότερο στο παρασκήνιο και όλη η προσοχή του θεατή ήταν συγκεντρωμένη σε καλά φωτισμένα, πολύχρωμα και όμορφα διακοσμημένα φρούτα, λαχανικά και διάφορα είδη σπιτιού.
Εδώ δημιούργησε μια νέα μορφή έντεχνα ομαδοποιημένης νεκρής φύσης με ακριβά, πλούσια διακοσμημένα αντικείμενα (κυρίως μπουκάλια, πιάτα, ποτήρια) από υλικά που αντανακλούν το φως - χρυσό, ασήμι, κασσίτερο ή γυαλί. Η δεξιοτεχνία αυτού του καλλιτέχνη έφτασε στο αποκορύφωμά της την περίοδο του Άμστερνταμ της δουλειάς του στο μαγευτικό " ΠΟΛΥΤΕΛΕΙΑ ΝΕΚΡΗ ΦΥΣΗ»
Νεκρή φύση με κέρατο που ανήκει στο Guild of Archers of St. Sebastian, αστακό και ποτήρια - Willem Kalf. Γύρω στο 1653.
Αυτή η νεκρή φύση είναι από τις πιο διάσημες.
Δημιουργήθηκε το 1565 για τη συντεχνία των τοξότων του Άμστερνταμ. Όταν ο καλλιτέχνης εργαζόταν σε αυτή τη νεκρή φύση, το κέρατο ήταν ακόμα σε χρήση κατά τις συνεδριάσεις της συντεχνίας.
Αυτό το υπέροχο σκάφος είναι κατασκευασμένο από κέρατο βουβάλου, το κούμπωμα είναι από ασήμι, αν κοιτάξετε προσεκτικά, μπορείτε να δείτε μικροσκοπικές φιγούρες ανθρώπων στο σχέδιο του κέρατος - αυτή η σκηνή μας λέει για τα βάσανα του Αγ. Sebastian, προστάτης των τοξότων.
Η παράδοση της προσθήκης αποφλοιωμένου λεμονιού στο κρασί του Ρήνου προήλθε από το γεγονός ότι οι Ολλανδοί θεωρούσαν αυτό το είδος κρασιού πολύ γλυκό.
Ο αστακός, το κέρατο του κρασιού με το αστραφτερό ασημί φιλιγκράν του χείλος, τα διάφανα ποτήρια, το λεμόνι και το τούρκικο χαλί αποδίδονται με τόσο εκπληκτική φροντίδα που δημιουργείται η ψευδαίσθηση ότι είναι αληθινά και μπορείς να τα αγγίξεις με το χέρι σου.
Η τοποθέτηση κάθε αντικειμένου επιλέγεται με τέτοια προσοχή ώστε η ομάδα στο σύνολό της να σχηματίζει μια αρμονία χρώματος, σχήματος και υφής. Το ζεστό φως που τυλίγει τα αντικείμενα τους δίνει την αξιοπρέπεια των πολύτιμων κοσμημάτων και η σπανιότητα, η λαμπρότητα και η ιδιοτροπία τους αντικατοπτρίζουν τα εκλεπτυσμένα γούστα των Ολλανδών συλλεκτών τον 17ο αιώνα, μια εποχή όπου οι πίνακες νεκρής φύσης ήταν εξαιρετικά δημοφιλείς.
Νεκρή φύση με κανάτα και φρούτα. 1660
Το 1646, ο Willem Kalf επέστρεψε στο Ρότερνταμ για κάποιο χρονικό διάστημα, στη συνέχεια μετακόμισε στο Άμστερνταμ και στο Χορν, όπου το 1651 παντρεύτηκε Cornelia Plouvier, κόρη ενός προτεστάντη υπουργού.
Η Cornelia ήταν διάσημη καλλιγράφος και ποιήτρια, ήταν φίλη με τον Constantijn Huygens, τον προσωπικό γραμματέα των τριών stadtholders της νεαρής Ολλανδικής Δημοκρατίας, μια αξιοσέβαστη ποιήτρια και ίσως η πιο έμπειρη ειδικός στις παγκόσμιες θεατρικές και μουσικές τέχνες της εποχής της.
Το 1653 ανδρόγυνομετακόμισε στο Άμστερνταμ, όπου απέκτησαν τέσσερα παιδιά. Παρά τον πλούτο του, ο Καλφ δεν απέκτησε ποτέ το δικό του σπίτι.
Νεκρή φύση με τσαγιέρα.
Κατά την περίοδο του Άμστερνταμ, ο Καλφ άρχισε να περιλαμβάνει εξωτικά αντικείμενα στις τέλειες νεκρές φύσεις του: κινέζικα βάζα, κοχύλια και αόρατα στο παρελθόν τροπικά φρούτα- ημίφλουδα πορτοκάλια και λεμόνια. Αυτά τα αντικείμενα μεταφέρθηκαν στην Ολλανδία από την Αμερική, ήταν αγαπημένα αντικείμενα κύρους για τους πλούσιους μπέργκερ, οι οποίοι καμάρωναν τον πλούτο τους.
Νεκρή φύση με ναυτίλο και κινέζικο μπολ.
Οι Ολλανδοί αγάπησαν και κατάλαβαν ένα καλό εσωτερικό, άνετο τραπέζι, όπου όλα όσα χρειάζεστε είναι διαθέσιμα, βολικά σκεύη - στον υλικό κόσμο που περιβάλλει ένα άτομο.
Στο κέντρο βλέπουμε ένα κομψό κύπελλο ναυτίλου από κέλυφος, καθώς και ένα όμορφο κινέζικο βάζο Εξωτερικά είναι διακοσμημένο με οκτώ ανάγλυφες φιγούρες που αντιπροσωπεύουν τους οκτώ αθάνατους στον Ταοϊσμό, ο κώνος στο καπάκι είναι το περίγραμμα ενός Βουδιστή. λιοντάρι.
Αυτή η νεκρή φύση συμπληρώνεται από ένα παραδοσιακό περσικό χαλί Kalfa και ένα λεμόνι με μια λεπτή σπείρα φλούδας.
Η πυραμίδα των αντικειμένων πνίγεται σε μια ομίχλη του λυκόφωτος, μερικές φορές μόνο οι αντανακλάσεις του φωτός δείχνουν το σχήμα των πραγμάτων. Η φύση δημιούργησε ένα κοχύλι, ένας τεχνίτης το μετέτρεψε σε κύπελλο, ένας καλλιτέχνης ζωγράφισε μια νεκρή φύση και εμείς απολαμβάνουμε όλη αυτή την ομορφιά. Άλλωστε το να βλέπεις ομορφιά είναι και ταλέντο.
Νεκρή φύση με γυάλινο κύπελλο και φρούτα 1655.
Όπως όλες οι νεκρές φύσεις εκείνης της εποχής, οι δημιουργίες του Kalf είχαν σκοπό να εκφράσουν την εικονογραφική ιδέα της αδυναμίας - "memento mori" ("θυμήσου τον θάνατο"), για να χρησιμεύσει ως προειδοποίηση ότι όλα τα πράγματα, ζωντανά και άψυχα, είναι τελικά παροδικά.
Νεκρή φύση με φρούτα και κύπελλο ναυτίλου.1660γρ
Για τον Καλφ όμως κάτι άλλο ήταν σημαντικό. Σε όλη του τη ζωή είχε έντονο ενδιαφέρον για το παιχνίδι φωτός και φωτός σε διάφορα υλικά, από την υφή των μάλλινων χαλιών, τη λαμπερή λάμψη μεταλλικών αντικειμένων από χρυσό, ασήμι ή κασσίτερο, την απαλή λάμψη της πορσελάνης και τα πολύχρωμα κοχύλια, και τελειώνει με τη μυστηριώδη λάμψη των άκρων των πιο όμορφων ποτηριών και βάζα σε βενετσιάνικο στυλ.
Νεκρή φύση με κινέζικη σουπιά.
Επιδόρπιο Ερμιτάζ.
Πριν μπει στο Ερμιτάζ το 1915, ο πίνακας «Επιδόρπιο» ήταν μέρος της συλλογής του διάσημου Ρώσου γεωγράφου και περιηγητή P. P. Semenov-Tyan-Shansky, μεγάλου γνώστη και λάτρη της ολλανδικής και φλαμανδικής τέχνης.
Μια λαμπερή δέσμη φωτός βγάζει από το μισοσκόταδο ένα μπολ με φρούτα, ένα ροδάκινο σε έναν ασημένιο δίσκο και ένα τσαλακωμένο λευκό τραπεζομάντιλο. Τα γυάλινα και τα ασημένια κύπελλα εξακολουθούν να αντανακλούν το φως και το λεπτό ποτήρι φλάουτου γεμάτο με κρασί σχεδόν αναμειγνύεται στο φόντο.
Ο καλλιτέχνης μεταφέρει με μαεστρία την υφή κάθε αντικειμένου: ένα ποτήρι, ένα ζωγραφισμένο πιάτο από φαγεντιανή, ένα επιχρυσωμένο κύπελλο, ένα ανατολίτικο χαλί, μια λευκή σαν το χιόνι χαρτοπετσέτα. Στην εικόνα μπορεί κανείς να νιώσει την ισχυρή επιρροή που είχε ο πίνακας του Ρέμπραντ στον Κάλφα: τα αντικείμενα φαίνονται σε σκούρο φόντο, το έντονο φως φαίνεται να τα αναζωογονεί, τυλίγοντάς τα στη ζεστασιά των χρυσών ακτίνων.
Νεκρή φύση με πορσελάνινο βάζο, ασημί επίχρυσο γυαλί και ποτήρια
Pronk Still Life με Holbein Bowl, Nautilus Cup, γυάλινο κύπελλο και πιάτο με φρούτα
Η σύνθεση των νεκρών φύσεων του Kalf, μελετημένη μέχρι την παραμικρή λεπτομέρεια, διασφαλίζεται όχι μόνο από συγκεκριμένους κανόνες, αλλά και από μοναδική και πολύπλοκη σκηνοθεσίαΣβέτα.
Πολύτιμα αντικείμενα - κομμένα κύπελλα, συχνά μισογεμισμένα με κρασί - εμφανίζονται από το σκοτάδι του φόντου σταδιακά, μετά από κάποιο χρονικό διάστημα. Συχνά το σχήμα τους μαντεύεται εκπληκτικά μόνο στην αντανάκλαση των ακτίνων φωτός. Κανείς εκτός από τον Καλφ δεν κατάφερε να δείξει τόσο ρεαλιστικά το φως που διαπερνά το κέλυφος του ναυτίλου. Απόλυτα δικαίως, ο Καλφ αποκαλείται ο «Βερμέερ της νεκρής φύσης ζωγραφικής» και σε ορισμένα σημεία ο Καλφ τον ξεπέρασε.
Από το 1663 ο Καλφ έγραφε λιγότερα, ασχολήθηκε με το εμπόριο τέχνης και έγινε περιζήτητος ειδικός της τέχνης.
Ο Willem Kalf πέθανε σε ηλικία 74 ετών, τραυματισμένος από πτώση στο δρόμο για το σπίτι, ενώ επέστρεφε από μια επίσκεψη.
Χάρη στις μοναδικές οπτικές του ικανότητες, σε συνδυασμό με την εξαιρετική του εκπαίδευση και την εκτεταμένη γνώση των φυσικών επιστημών, διεύρυνε σημαντικά τις ψευδαισθησιακές δυνατότητες της νεκρής φύσης. Οι δημιουργίες του είναι αξεπέραστα δείγματα αυτής της τέχνης.
Έχοντας περάσει από μια σειρά από στάδια, καθένα από τα οποία είχε τη δική του ιδιαίτερη και πρωτότυπη σημασία, η ολλανδική νεκρή φύση αγκάλιασε ευρέως τον κόσμο των πραγμάτων και την οργανική φύση. Από το πρώτο στάδιο στο έργο των καλλιτεχνών των αρχών του αιώνα, με την καταγραφή των πραγμάτων που εκτίθενται σαν να εκτίθενται, οι ζωγράφοι της επόμενης γενιάς πέρασαν σε λιτά «πρωινά» με μεταλλικά και γυάλινα αντικείμενα ομαδοποιημένα σε ένα λευκό τραπεζομάντιλο. (Κλας, Χέντα). Αυτά τα «πρωινά» διακρίνονται από την απλότητα των πραγμάτων που απεικονίζονται: ένα κουλούρι, τσίγκινα πιάτα, γυάλινα δοχεία - αυτά είναι τα κύρια συστατικά των εικόνων, σχεδιασμένα σε μια γκριζωπή πολύχρωμη παλέτα. Αρκετά ψάρια στους πίνακες Ormea και Putter, μια νεκρή φύση κουζίνας από τους καλλιτέχνες του Ρότερνταμ αντικατοπτρίζουν τα σεμνά πουριτανικά γούστα των δημοκρατικών στρωμάτων στο πρώτο μισό του αιώνα.
Καθώς όμως εγκαθιδρύθηκε το ρεπουμπλικανικό σύστημα και η επακόλουθη ενίσχυση της εξουσίας της αστικής τάξης και στη συνέχεια η σταδιακή αριστοκρατικοποίησή της, άλλαξαν και οι απαιτήσεις για την τέχνη. Η νεκρή φύση χάνει τον σεμνό, απλό χαρακτήρα της. Τα «πρωινά» γίνονται πιο πολυτελή και πλούσια, εντυπωσιακά στον χρωματικό τους πλούτο. Είναι πλέον χτισμένα πάνω σε έναν συνδυασμό ζεστών αποχρώσεων τραπεζομάντιλων χαλιών και πορτοκαλί, κίτρινων, κόκκινων φρούτων που απλώνονται σε πιάτα από πήλινο ή κινέζικη πορσελάνη Delft, ζωντανά από τη λάμψη των επιχρυσωμένων κύπελλων και των γυάλινων ποτηριών, στην επιφάνεια των οποίων παίζει το φως. Μαρτυρώντας την πλήρη κυριαρχία της μεταφοράς υλικού και φωτισμού, κορεσμένου με χρώμα, οι νεκρές φύσεις των Kalf, Beyeren, Streck χαρακτηρίζουν την εποχή της υψηλότερης ανθοφορίας της νεκρής φύσης.
Όχι μόνο ο χρόνος επηρέασε το θέμα και την ανάπτυξη της νεκρής φύσης, αλλά και πολλά περισσότερα: τοπικά χαρακτηριστικά, οικονομική δομή, τυπική για μια συγκεκριμένη πόλη, συχνά καθορίζουν το θέμα, ακόμη και την ερμηνεία του έργου ενός τοπικού καλλιτέχνη. Δεν είναι τυχαίο ότι στο ταχέως αναπτυσσόμενο Χάρλεμ με τις ισχυρές ενώσεις πολιτών του, ο τύπος τονικής νεκρής φύσης ήταν ο πρώτος που αναπτύχθηκε και στο κέντρο της οικονομικής και πολιτιστικής ζωής της Ολλανδίας - Άμστερνταμ - οι δραστηριότητες των δημιουργών του πολυτελή επιδόρπια Kalf και Streck έλαβαν χώρα. Η εγγύτητα της ακτής του Scheveningen ενέπνευσε τον Beyeren, που ζει στη Χάγη, να δημιουργήσει μια νεκρή φύση με ψάρια, και στο πανεπιστημιακό κέντρο - Leiden - εμφανίστηκε μια στοχαστική νεκρή φύση με την εικόνα ενός κρανίου και μιας κλεψύδρας, που προοριζόταν να θυμίζει η αδυναμία της επίγειας ύπαρξης. Οι πίνακες που απεικονίζουν έναν επιστήμονα περιτριγυρισμένο από τόμους, σφαίρες και άλλα επιστημονικά αντικείμενα, που συχνά καλύπτουν ολόκληρο το προσκήνιο, ήταν επίσης ευρέως διαδεδομένοι».
Η αυστηρή διαίρεση των νεκρών φύσεων σε είδη είναι αδύνατη, καθώς πολλά μοτίβα συνδυάζονταν συχνά σε μια εικόνα, ωστόσο, μπορούν να εντοπιστούν τα πιο κοινά είδη.
Εγκυκλοπαιδικό YouTube
1 / 5
Ολλανδική νεκρή φύση. Πώς να γράψετε χρυσάνθεμο
Ερημητήριο. Πίνακας των Μικρών Ολλανδών
Λούβρο: Το μεγαλύτερο μουσείο στον κόσμο. 10 Φλαμανδική και ολλανδική ζωγραφική του 17ου αιώνα. Ρούμπενς, Ρέμπραντ
Ολλανδική νεκρή φύση.
Ερημητήριο. Τέχνη της Φλάνδρας και της Ολλανδίας
Υπότιτλοι
Νεκρή φύση λουλουδιών
Στις νεκρές φύσεις λουλουδιών, οι καλλιτέχνες απεικόνισαν τουλίπες, τριαντάφυλλα, γλαδιόλες, υάκινθους, γαρίφαλα, κρίνους, ίριδες, κρίνους της κοιλάδας, ξεχασμένα, βιολέτες, βιόλες, μαργαρίτες, νιγκέλα, δεντρολίβανο, ανεμώνες, καλέντουλα, λουλούδια, μολόχα άλλα λουλούδια.
Ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες του δέκατου έβδομου αιώνα που ζωγράφισε βάζα με λουλούδια ήταν ο Jacob (Jacques) de Ghein ο νεότερος (1565-1629). Το έργο του χαρακτηρίζεται από μια επιμήκη κατακόρυφη μορφή ζωγραφικής, μια πολυεπίπεδη διάταξη λουλουδιών με εναλλασσόμενα μεγάλα και μικρά φυτά, καθώς και από τη χρήση τεχνικών που θα γίνονταν πολύ δημοφιλείς μεταξύ των καλλιτεχνών αυτού του είδους: η ενσωμάτωση ενός μπουκέτου λουλουδιών σε μια κόγχη και απεικονίζει μικρά ζώα δίπλα σε ένα αγγείο.
Η εμφάνιση εντόμων, ζώων και πουλιών και κοχυλιών ως βοηθητικές λεπτομέρειες σε φυτικές νεκρές φύσεις είναι μια αντανάκλαση της παράδοσης της χρήσης κρυφών νοημάτων εικονιζόμενων αντικειμένων που έχουν συμβολικό νόημα. Διάφορα σύμβολαεμφανίζονται σε νεκρές φύσεις όλων των ειδών.
Οι οπαδοί του Jacob de Geyn του νεότερου ήταν ο Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) και ο Jacob Wouters Vosmar (1584-1641).
Ο Fornenburg ζωγράφισε μπουκέτα από τουλίπες, νάρκισσους, τριαντάφυλλα και φυσαλίδες, ενώ στους πίνακές του υπάρχουν μοτίβα της «ματαιοδοξίας των ματαιοδοξιών» και της κλασικής «απάτης».
Χαρακτηριστικό γνώρισμαΟι πίνακες του Vosmar παρουσιάζουν επίσης ένα μοτίβο της «ματαιοδοξίας των ματαιοδοξιών» με τη μορφή ενός κρεμασμένου τριαντάφυλλου. Συχνά απεικόνιζε σε νεκρές φύσεις μια μύγα, μια πεταλούδα, μια λαχανοντολούδα, μια λιβελλούλη και μια μέλισσα.
Ο ιδρυτής μιας ολόκληρης δυναστείας δασκάλων νεκρών φύσεων με λουλούδια και φρούτα ήταν ο Ambrosius Bosschaert ο Πρεσβύτερος (1573-1621). Η δυναστεία περιελάμβανε τρεις γιους (Johannes, Abraham και Ambrosius), δύο κουνιάδοι (Johannes and Balthasar van der Asty) και έναν γαμπρό (Hieronymus Swerts).
Ο Bosshart ζωγράφισε μικρές νεκρές φύσεις με ένα μπουκέτο σε ένα βάζο (σε ορισμένες περιπτώσεις ήταν ένα βάζο από κινέζικη πορσελάνη), τοποθετημένο σε μια κόγχη ή στο περβάζι του παραθύρου. Εκτός από μικρά ζώα, όστρακα χρησιμοποιούνται και ως συνοδεία στους πίνακές του.
Μεταξύ των γιων του Bosschaert, το ταλέντο του καλλιτέχνη εκδηλώθηκε πιο ξεκάθαρα στον Johannes Bosschaert (1610/11 - μετά το 1629). Χαρακτηριστικά γνωρίσματαη δημιουργικότητά του - η διάταξη των αντικειμένων διαγώνια στην εικόνα και το ματ μεταλλικό χρώμα.
Ο Ambrosius Bosschaert ο νεότερος (1609-1645) χρησιμοποίησε τις τεχνικές του chiaroscuro modeling των Καραβαγκιστών της Ουτρέχτης.
Ο Abraham Bosshart (1612/1613 - 1643) αντέγραψε τις τεχνικές των αδελφών του.
Τα αδέρφια της συζύγου του Ambrosius Bosschaert, Johannes και Balthasar van der Asta, συνέχισαν τις παραδόσεις του Bosschaert.
Μόνο ένας πίνακας του Johannes van der Ast είναι γνωστός.
Μεγάλη σημασία για την ανάπτυξη της νεκρής φύσης ήταν το έργο του μεγαλύτερου από τα αδέρφια, Balthasar van der Ast (1593/1594 - 1657), ο οποίος άφησε μια πλούσια δημιουργική κληρονομιά - περισσότερους από 125 πίνακες. Του άρεσε να απεικονίζει ένα καλάθι με λουλούδια ή ένα πιάτο με φρούτα στο τραπέζι και στο πρώτο πλάνο κατά μήκος της άκρης του τραπεζιού τοποθετούσε κοχύλια, φρούτα και πεταλούδες. Μερικοί από τους πίνακές του απεικονίζουν παπαγάλους.
Ο Roelant Saverey (1576-1639) ανήκει στη σχολή του Ambrosius Bosshart του Πρεσβύτερου. Οι νεκρές φύσεις του είναι χτισμένες με βάση την αρχή ενός μπουκέτου λουλουδιών που βρίσκεται σε μια θέση. Πρόσθεσε μοτίβα «ματαιοδοξίας» στους πίνακές του ο σκαθάρι του νεκροθάφτη, η μύγα της κοπριάς, η πεταλούδα του θανάτου και άλλα έντομα, καθώς και σαύρες.
Το έργο του Ambrosius Bosschaert επηρέασε καλλιτέχνες όπως ο Anthony Claes I (1592-1636), ο συνονόματός του Antoni Claes II (1606/1608 - 1652) και ο γαμπρός του Ambrosius Bosschaert του Πρεσβύτερου Hieronymus Swerts.
Στα έργα του Hans Bollongier (γύρω στο 1600 - μετά το 1670), χρησιμοποιήθηκαν ευρέως οι τεχνικές του Καραβαγγισμού της Ουτρέχτης. Χρησιμοποιώντας chiaroscuro, ο καλλιτέχνης τόνισε τα λουλούδια με φόντο το λυκόφως.
Περαιτέρω ανάπτυξη της floral νεκρής φύσης παρατηρήθηκε στο έργο των δασκάλων του Middelburg: Christoffel van den Berghe (περίπου 1590 - μετά το 1642), ο οποίος απεικόνιζε στοιχεία «ματαιοδοξίας των ματαιοδοξιών» σε φυτικές νεκρές φύσεις: ένα μπουκάλι κρασί, ένα ταμπακιέρα, ένα τσιγάρο, τραπουλόχαρτα και ένα κρανίο. και ο Johannes Goodart, ο οποίος χρησιμοποιούσε ευρέως έντομα και πουλιά ως περιβάλλοντα χώρο.
Η σχολή των δασκάλων της floral νεκρής φύσης του Ντόρντρεχτ περιλαμβάνει τον Bartholomeus Abrahams Asstein (1607(?) - 1667 ή αργότερα), τον Abraham van Kalrath (1642-1722), τον πατέρα του διάσημου τοπιογράφου και ζωγράφου Albert Cuyp, τον Jacob Gerrits Cuyp ( 1594 - 1651/1652). Το έργο τους χαρακτηρίζεται από την εκτεταμένη χρήση του chiaroscuro.
«Σερβίρονται τραπέζια» («Πρωινά», «Επιδόρπια», «Μεζέ»)
Γενέτειρα και κέντρο των «στρωμένων τραπεζιών» ήταν το Χάρλεμ. Απαραίτητη προϋπόθεση για τη δημιουργία αυτού του τύπου νεκρής φύσης ήταν η ευρεία διανομή τον 16ο αιώνα πορτρέτων μελών σκοπευτικών συντεχνιών κατά τη διάρκεια ενός συμποσίου. Σταδιακά, η εικόνα ενός στρωμένου τραπεζιού έγινε ανεξάρτητο είδος.
Το σύνολο των αντικειμένων που σχηματίζουν τη νεκρή φύση αρχικά περιελάμβανε παραδοσιακά ολλανδικά προϊόντα: τυρί, ζαμπόν, ψωμάκια, φρούτα, μπύρα. Ωστόσο, αργότερα, σε νεκρές φύσεις, άρχισαν να εμφανίζονται όλο και περισσότερο πιάτα τυπικά για ειδικές περιστάσεις ή τραπέζια πλούσιων κατοίκων της πόλης: κυνήγι, κρασί, πίτες (το πιο ακριβό ήταν η πίτα βατόμουρου). Εκτός από την παραδοσιακή ρέγγα, εμφανίστηκαν αστακοί, γαρίδες και στρείδια.
Άρχισαν επίσης να χρησιμοποιούνται ακριβά πιάτα από ασήμι και κινέζικη πορσελάνη, κανάτες και τάτσα. Ιδιαίτερη προσοχήΟι καλλιτέχνες χρησιμοποιούσαν γυαλιά: Roemer, Berkemeier, pass glass, flate glass, Venetian glass, akeley glass. Το πιο εκλεκτό ήταν το κύπελλο του Ναυτίλου.
Συχνά χαρακτηριστικά των νεκρών φύσεων ήταν μια αλατιέρα και ένα επιτραπέζιο μαχαίρι. Ως πολύχρωμο σημείο χρησιμοποιούνταν συχνά το μισοφλοιωμένο λεμόνι.
Μια από τις παλαιότερες νεκρές φύσεις που δείχνουν ολλανδική τραπεζαρία είναι το Τραπέζι του Νίκολας Γκίλις (περίπου 1580 - μετά το 1632). Ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε μια υπερυψωμένη άποψη στους πίνακές του.
Οι νεκρές φύσεις του Floris Gerrits van Schouten (περίπου 1590 - μετά το 1655) χαρακτηρίζονται από πολυπλοκότητα, χρησιμοποιούσε μεγάλο αριθμό αντικειμένων και το κύριο θέμα ήταν συχνά ένα σωρό τυριά. Σε πολλές περιπτώσεις, χρησιμοποίησε την τεχνική της μετατόπισης της έμφασης της ομάδας νεκρών φύσεων μακριά από το γεωμετρικό κέντρο της εικόνας.
Σημαντική προσωπικότητα σε αυτόν τον τύπο ζωγραφικής νεκρής φύσης ήταν ο Floris van Dyck (1575-1651). Το κέντρο των έργων του ήταν μια πυραμίδα από τυριά, με το φόντο να διαλύεται στην ομίχλη.
Η Clara Peters (1594-1657) ειδικεύτηκε σε αυτόν τον ίδιο τύπο νεκρής φύσης. Συχνά απεικόνιζε ακριβά, εκλεκτά επιτραπέζια σκεύη, αστακούς και στρείδια. Σε ορισμένες από τις νεκρές φύσεις της χρησιμοποίησε μια χαμηλωμένη άποψη, σχεδόν στο επίπεδο του τραπεζιού.
Συνθέσεις κοντά στον Peters δημιουργήθηκαν από τον Hans van Essen (1587/1589 - μετά το 1648).
Ο Roelof Coots (1592/1593 - 1655) χρησιμοποίησε την τεχνική της εσκεμμένης αμέλειας, το πιάτο ή το μαχαίρι στους πίνακές του κρεμόταν στα μισά του δρόμου από την άκρη του τραπεζιού. Ήταν από τους πρώτους που δημιούργησε καμβάδες που δεν απεικόνιζαν ένα στρωμένο τραπέζι, αλλά ένα τραπέζι με ίχνη από το τελειωμένο πρωινό, εισάγοντας μοτίβα «ματαιοδοξίας ματαιοδοξίας» στους πίνακες: ρολόγια, βιβλία, πεσμένα σταφύλια.
Σε πρώιμο στάδιο της δουλειάς του, ο Peter Klas δημιούργησε επίσης πίνακες σε αυτό το είδος.
Τονική νεκρή φύση
Η τονική ολλανδική νεκρή φύση οδήγησε ο Pieter Claes και ο Willem Claes Heda, που ζούσαν στο Χάρλεμ.
Η παράδοση της απεικόνισης της ερωμένης του σπιτιού, της μαγείρισσας ή των υπηρετών έχει διατηρηθεί, αν και όλο και περισσότερο μετακινούνταν στο βάθος. Σε πρώτο πλάνο υπήρχαν μαγειρικά σκεύη και κρέας, ψάρια και πολλά λαχανικά που έφεραν στην κουζίνα: κολοκύθα, γογγύλια, ρουταμπάγκα, λάχανο, καρότα, μπιζέλια, φασόλια, κρεμμύδια και αγγούρια. Οι πιο πλούσιοι είχαν στα τραπέζια τους κουνουπίδι, πεπόνια, αγκινάρες και σπαράγγια.
Ο Pieter Cornelis van Ryck (1568-1628) ζωγράφισε σύμφωνα με την παράδοση του 16ου αιώνα, μερικές φορές με βιβλικές σκηνές στο βάθος.
Ο Cornelis Jacobs Delff (1571-1643) χρησιμοποιούσε μια υπερυψωμένη οπτική γωνία και του άρεσε να τοποθετεί τα μαγειρικά σκεύη σε πρώτο πλάνο.
Έγραψε σκηνές κουζίνας και διάσημος δάσκαλος«στρωμένο τραπέζια» του Floris Gerrits van Schoten, μερικές φορές συμπεριλάμβανε μοτίβα είδους στις νεκρές φύσεις του.
Ο Cornelis Pieters Begi (1631/1632 - 1664) προχώρησε ακόμη περισσότερο συμπεριλαμβάνοντας έναν σάτυρο που ήρθε να επισκεφτεί τους χωρικούς στη νεκρή φύση.
Ο ζωγράφος του είδους και των πορτρέτων Gottfried Schalken (1643-1706) απεικόνιζε μια αποθήκη με βαρέλια κρασιού και προμήθειες.
Μια ομάδα δασκάλων του καθημερινού είδους, οι αδερφοί Cornelis και Hermann Saftleven (1607/1608 - 1681 και 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) και Ecbert van der Poel (1622) -1664) έγραψαν επίσης νεκρές φύσεις «κουζίνας» με μοτίβα του είδους, αλλά τα οικιακά είδη εξακολουθούν να κυριαρχούν στους πίνακές τους.
Οι νεκρές φύσεις του διάσημου δασκάλου του «χωρικού πρωινού» Philips Angel είναι επίσης κοντά στα έργα των ζωγράφων του είδους του Ρότερνταμ.
Σε αντίθεση με τους καλλιτέχνες που απεικόνιζαν τις κουζίνες ενός πλούσιου μπιφτέκι με την καθαριότητα και την τάξη τους, ο Francois Reykhals (μετά το 1600 - 1647) ζωγράφιζε κουζίνες φτωχών αγροτών.
Ο διάσημος δεξιοτέχνης των «πολυτελών» νεκρών φύσεων, Willem Kalf, αφιέρωσε περισσότερα από 60 έργα του στο θέμα της νεκρής φύσης της κουζίνας.
«Ψάρι» νεκρή φύση
Η Χάγη έγινε το λίκνο της νεκρής φύσης με τα ψάρια. Η εγγύτητα του Σέβενινγκεν ενθάρρυνε τους καλλιτέχνες όχι μόνο να ζωγραφίζουν μαρίνες, αλλά και να δημιουργούν ειδικού τύπουΠίνακας νεκρής φύσης - πίνακες που απεικονίζουν ψάρια και θαλάσσια ζώα.
Οι ιδρυτές αυτού του τύπου νεκρής φύσης ήταν οι: Pieter de Putter, Pieter van Schijenborg και Pieter van Noort.
Ο Pieter de Putter (1600-1659) επέλεξε μια υψηλή οπτική γωνία από την οποία το τραπέζι με τα ψάρια ήταν καθαρά ορατό μερικές φορές ένα δίχτυ στη νεκρή φύση.
Ο Pieter van Schijenborg (? - μετά το 1657) ζωγράφισε ψάρια σε γκρι ή κιτρινοκαφέ φόντο.
Οι πίνακες του Pieter van Noort (περίπου 1600 - ?), ο οποίος μετέδιδε πολύχρωμα τη λάμψη της ζυγαριάς, είχαν ένα ιδιαίτερο χρώμα.
Ο κύριος εκπρόσωπος αυτής της κατεύθυνσης της ζωγραφικής ήταν ο Abraham van Beyeren (1620/1621 - 1690), ο οποίος εργάστηκε σε πολλά άλλα είδη νεκρής φύσης και ζωγράφισε επίσης μαρίνες. Απεικόνιζε ψάρια τόσο στο τραπέζι όσο και στην ακρογιαλιά.
Ίσως μαθητής του van Beyeren ήταν ο Isaac van Duinen (1628 - 1677/1681).
Ο τοπιογράφος Albert Cuyp (1620-1691) μπορεί επίσης να συγκαταλέγεται στους δασκάλους της νεκρής φύσης «ψαριών».
Οι δάσκαλοι της Ουτρέχτης Willem Ormea (1611-1673) και ο μαθητής του Jacob Gillig (περίπου 1630 - 1701) ήταν λάτρεις της νεκρής φύσης «ψαριών».
«Ματαιοδοξία των ματαιοτήτων» (Vanitas, Memento mori, «επιστημονική» νεκρή φύση)
Σημαντική θέση στην ολλανδική ζωγραφική κατέλαβε η φιλοσοφική και ηθικολογική νεκρή φύση, η οποία έλαβε το λατινικό όνομα «vanitas» («ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών»).
«Τα ιδεολογικά θεμέλια αυτού του κινήματος συμπλέκουν μοναδικά τις μεσαιωνικές ιδέες για την αδυναμία όλων των γήινων πραγμάτων, τις ηθικολογικές τάσεις του Καλβινισμού και το ανθρωπιστικό ιδεώδες ενός σοφού ανθρώπου που αγωνίζεται για την αλήθεια και την ομορφιά».
Τα πιο κοινά σύμβολα θνησιμότητας στις νεκρές φύσεις της «ματαιοδοξίας των ματαιοδοξιών» ήταν: ένα κρανίο, ένα σβησμένο κερί, ένα ρολόι, βιβλία, μουσικά όργανα, μαραμένα λουλούδια, αναποδογυρισμένα ή σπασμένα πιάτα, τραπουλόχαρτα και ζάρια, πίπες που καπνίζουν, σαπουνόφουσκες, γραμματόσημα, υδρόγειος κ.λπ. Μερικές φορές ο καλλιτέχνης συμπεριλάμβανε στο έργο ένα φύλλο περγαμηνής με ένα λατινικό ρητό με θέμα «ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών».
Η πρώτη νεκρή φύση του 17ου αιώνα που έφτασε μέχρι εμάς, που ανήκει στο είδος «ματαιοδοξίας των ματαιοδοξιών», ζωγραφίστηκε από τον Jacob de Geyn τον νεότερο.
«Στο πάνω μέρος της κόγχης, στα κιονόκρανα των πυλώνων που την πλαισιώνουν, υπάρχουν γλυπτικές εικόνες γυναικείων και ανδρικών μορφών και στον θεμέλιο λίθο της αψίδας της κόγχης υπάρχει λαξευμένη λατινική επιγραφή: «HUMANA VANA». που μπορεί να μεταφραστεί ως «η ανθρώπινη ματαιοδοξία είναι μάταιη». Αυτό το σύνθημα μας επιτρέπει να κατανοήσουμε τον συμβολισμό των μορφών, από τις οποίες το πρώτο, σαν να προειδοποιεί για το εφήμερο της σφαίρας του σαπουνιού, δείχνει το δάχτυλό του και το δεύτερο, σαν να στοχάζεται τη ματαιότητα των ανθρώπινων πράξεων, στη σκέψη ακούμπησε το κεφάλι του στο μπράτσο του λυγισμένο στον αγκώνα. Η εγκυρότητα του λατινικού ρητού επιβεβαιώνεται από την εικόνα ενός κρανίου - σύμβολο του θανάτου, που καταστέλλει τόσο τις καλές όσο και τις κακές ανθρώπινες πράξεις και μια σαπουνόφουσκα, που εκφράζει τραγική μοίραφυσική ύλη, καταδικασμένη να εξαφανιστεί στη δίνη της ύπαρξης».
Ο Jacob de Geyn ο νεότερος ζούσε στο Leiden, την πόλη στην οποία άνοιξε το πρώτο ολλανδικό πανεπιστήμιο και που ήταν το κέντρο της εκτύπωσης βιβλίων. Ήταν το Λέιντεν που έγινε το κέντρο της «επιστημονικής» νεκρής φύσης.
Η ανάπτυξη της νεκρής φύσης του τύπου «ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών» επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τις δραστηριότητες του κατοίκου του Λέιντεν, Ντέιβιντ Μπέιλι και των δασκάλων που συγκεντρώθηκαν γύρω του.
Ο πρωτοπόρος ενός νέου τύπου είδους νεκρής φύσης ήταν ο Jan Davids de Hem (1606-1684). Προσπάθησε μόνος του διάφορα είδη: floral, επιστήμονας, νεκρές φύσεις κουζίνας. Το 1636 ο καλλιτέχνης μετακόμισε στην Αμβέρσα και έπεσε κάτω από την επίδραση της φλαμανδικής ζωγραφικής. Άρχισε να δημιουργεί πολυτελείς νεκρές φύσεις, υπερφορτωμένες με λαμπερά και πολύχρωμα φρούτα, αστακούς, παπαγάλους... Οι νεκρές φύσεις λουλουδιών είχαν επίσης ένα σαφές φλαμανδικό ίχνος, που διακρίνονταν από μια μπαρόκ συμφωνία χρωμάτων.
Ο Jan Davids de Hem είχε ένα εργαστήριο με μεγάλο αριθμό μαθητών και βοηθών. Εκτός από τον γιο του δασκάλου Cornelis de Hem, άμεσοι μαθητές του ήταν οι Pieter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Borman, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis, Cornelis Kik. Με τη σειρά του, ο Kik μεγάλωσε χαρισματικούς μαθητές - τον Elias van den Broek και τον Jacob van Walskapelle.
Οι τεχνικές του Jan Davids de Hem κατακτήθηκαν καλά από τον γιο του Cornelis de Hem (1631-1695). Ταυτόχρονα, υπάρχει περισσότερος αέρας στους πίνακές του.
Ο πιο προικισμένος μαθητής του Jan Davids de Hem ήταν ο Pieter de Ring (1615-1660). Διακριτικό χαρακτηριστικόοι νεκρές φύσεις του περιελάμβαναν την απαραίτητη παρουσία ενός δαχτυλιδιού, που υπαινίσσεται το επώνυμο του καλλιτέχνη (δαχτυλίδι στα ολλανδικά).
Ένας άλλος εξαιρετικός μαθητής του Jan Davids de Hem ήταν ο Nicholas van Gelder (1623/1636 - περ. 1676), ο οποίος δημιούργησε τις νεκρές φύσεις του υπό την επίδραση του έργου του Willem Kalf.
Πιο απλές και οικείες είναι οι νεκρές φύσεις των οπαδών του Jan Davids de Hem - Johannes Bormann και Martinus Nellius (; - μετά το 1706).
Ο Simon Lüttihuis (1610 - ?) δημιούργησε επίσης πολυτελείς νεκρές φύσεις, προσθέτοντας σε αυτές μοτίβα της «ματαιοδοξίας των ματαιοδοξιών».
Ένας άλλος μαθητής του Jan Davids de Hem, ο Cornelis Kick (1631/1632 - 1681), χρησιμοποίησε υπαίθρια σκίτσα στους πίνακές του. Μεταβίβασε τις τεχνικές του στο plein air στους μαθητές του Elias van den Broek (1650-1708) και Jacob van Walskapelle (1644-1727), των οποίων οι νεκρές φύσεις χαρακτηρίζονται από μια λεπτή απόδοση του περιβάλλοντος φωτός-αέρα.
Από το εργαστήριο του Jan Davids de Hem προήλθαν επίσης ο κύριος της ματαιοδοξίας των νεκρών φύσεων Maria van Oosterwijk και δύο δάσκαλοι των όψιμων φυτικών νεκρών φύσεων, ο Jacob Rotius (1644 - 1681/1682) και ο Abraham Mignon.
Κατά τη διάρκεια των πρώτων «πολυτελών» νεκρών φύσεων του Jan Davids de Heem, μερικά έργα σχετικά με αυτό το θέμα γράφτηκαν επίσης από τον François Reichals.
Η επιθυμία για χρώμα είναι χαρακτηριστικό των πολυτελών νεκρών φύσεων του Abraham van Beyeren. Ένα απαραίτητο χαρακτηριστικό αυτών των πινάκων ήταν ένα ρολόι τσέπης.
Ένας από τους λίγους οπαδούς της Beyeren, ο Abraham Susenir, αγαπούσε να απεικονίζει ασημένια πιάτα.
Οι «πολυτελείς» νεκρές φύσεις του Willem Kalf (1619-1693) είχαν μεγάλη επιρροή στους καλλιτέχνες. Σε αυτά, ο Καλφ χρησιμοποιούσε συχνά αγγεία από χρυσό, ασήμι και κινέζικη πορσελάνη. Ταυτόχρονα, οι πίνακες ήταν εξοπλισμένοι με σύμβολα της «ματαιοδοξίας των ματαιοδοξιών»: ένα κηροπήγιο και ένα ρολόι τσέπης. Ο Καλφ συχνά επέλεγε μια κάθετη μορφή. Το έργο του χωρίζεται σε περιόδους παραμονής στη Γαλλία και επιστροφής στο Άμστερνταμ. Η όψιμη περίοδος χαρακτηρίζεται από μείωση του αριθμού των αντικειμένων που απεικονίζονται στην εικόνα και ένα ζοφερό φόντο.
Οπαδοί του Kalf ήταν ο Jurian van Streek, ο γιος του Hendrik van Streek (1659 - ?), ο Christian Jans Streep (1634-1673) και ο Barent van der Meer (1659 - 1702).
Ένας άλλος οπαδός του Kalf, ο Peter Gerrits Rustraten (1627-1698), πήρε τον δρόμο να φέρει τις «πολυτελείς» νεκρές φύσεις πιο κοντά στις «απατηλές».
Μαζί με τον Aalst, ο Matthaus Bloom είναι ένας από τους πρωτοπόρους της νεκρής φύσης με κυνηγετικά τρόπαια.
Ορισμένοι πίνακες ζωγραφικής σχετικά με αυτό το θέμα εκτελέστηκαν από τον Nicholas van Gelder (1623/1636 - γύρω στο 1676).
Ο Melchior de Hondecoeter απεικόνιζε επίσης κυνηγετικά τρόπαια.
Το θέμα του κυνηγιού νεκρής φύσης έθιξε ο διάσημος τοπιογράφος Jan Baptist Venix (1621-1660), ο οποίος απεικόνισε σκοτωμένα ζαρκάδια και κύκνους. Ο γιος του Jan Weniks δημιούργησε τουλάχιστον εκατό πίνακες με εικόνες σφαγμένων λαγών με φόντο μια πέτρινη κόγχη ή ένα τοπίο πάρκου.
Ένας άλλος μαθητής του Jan Baptist Weenix ήταν ο Willem Frederik van Rooyen (1645/1654 - 1742), ο οποίος επίσης ενσωμάτωσε εικόνες ζώων στο τοπίο.
Ο Dirk de Bray ήταν επίσης υποστηρικτής της τελετουργικής νεκρής φύσης κυνηγιού, όπως ο Aalst και ο Royen. Αντιπροσώπευε τα τρόπαια του γερακιού, τη διασκέδαση των αριστοκρατών και των πλούσιων κτηνοτρόφων.
Μαζί με τους διακοσμητικούς καμβάδες «κυνηγετικών τροπαίων», οι νεκρές φύσεις κυνηγιού «θαλάμου» έγιναν επίσης ευρέως διαδεδομένες. Ο Jan Vonk (περίπου 1630 - 1660;), ο Cornelis Lelienberg (1626 - μετά το 1676), ο μαθητής του Aalst, Willem Gau Ferguson (περίπου 1633 - μετά το 1695), ο Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - μετά το 1691-1694 Harmens-18) και ο Pielle. 1678), καθώς και ο γιος του Simon Peters Verelst (1644-1721).
Οι νεκρές φύσεις κυνηγιού «Θάλαμος» δημιουργήθηκαν από ζωγράφους που εργάστηκαν σε άλλα είδη νεκρών φύσεων: Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. Ο διάσημος τοπιογράφος Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), ο οποίος έγραψε το «Still Life with Killed Game» (1661) και το «Hunting Trophies» (1662), και ο ζωγράφος του είδους, μαθητής του Adrian van Ostade, Cornelis Dusart ( 1660-1704) απέτισε φόρο τιμής στην κυνηγετική νεκρή φύση.
Νεκρή φύση με ζώα
Οι ιδρυτές του είδους ήταν ο Otto Marceus van Scrieck (1619/1620 - 1678) και ο Matthias Withos (1627-1703).
Ο Skrik ξεκίνησε ένα terrarium στο κτήμα του με έντομα, αράχνες, φίδια και άλλα ζώα, τα οποία απεικόνιζε στους πίνακές του. Του άρεσε να δημιουργεί περίπλοκες συνθέσεις με εξωτικά φυτά και ζώα, εισάγοντας φιλοσοφικές αποχρώσεις σε αυτές. Για παράδειγμα, στον πίνακα της Δρέσδης «The Snake at the Bird’s Nest», οι πεταλούδες συλλέγουν νέκταρ από λουλούδια, μια τσίχλα πιάνει πεταλούδες και τις ταΐζει στον νεοσσό της, μια άλλη γκόμενα καταπίνεται από ένα φίδι, το οποίο κυνηγάει μια ερμίνα.
Ο Βήθος προτιμούσε να απεικονίζει γαϊδουράγκαθα και άλλα φυτά στο προσκήνιο των πινάκων του, μεταξύ των οποίων σέρνονται φίδια, σαύρες, αράχνες και έντομα. Ως φόντο, απεικόνιζε ένα ιταλικό τοπίο, μια ανάμνηση ενός ταξιδιού στην Ιταλία.
Ο Κρίστιαν Τζανς Στριπ ζωγράφισε Γαϊδουράγκαθους και Τυφλοπόντικες με τον τρόπο του Σκρικ.
Ο Abraham de Heus απεικόνισε πολύ προσεκτικά και κοντά στη ζωή διάφορα είδη τυφλοπόντικων, σαύρων, φιδιών και πεταλούδων.
Ο Willem van Aalst έχει αρκετούς πίνακες αφιερωμένους στην απεικόνιση ζώων. Η μαθήτριά του Ρέιτσελ Ρόους δημιουργική καριέραξεκίνησε μιμούμενος τον Skrik, αλλά στη συνέχεια αναπτύχθηκε δικό του στυλ, που χαρακτηρίζεται από την εικόνα μικρών ζώων με φόντο ένα χρυσαφένιο τοπίο.
Η ολλανδική νεκρή φύση του 16ου-17ου αιώνα είναι ένα είδος πνευματικού παιχνιδιού στο οποίο ζητήθηκε από τον θεατή να ξετυλίξει ορισμένα σημάδια. Αυτό που έγινε εύκολα κατανοητό από τους σύγχρονους δεν είναι σαφές σε όλους σήμερα και όχι πάντα.
Τι σημαίνουν τα αντικείμενα που απεικονίζουν οι καλλιτέχνες;
Ο John Calvin (1509-1564, Γάλλος θεολόγος, εκκλησιαστικός μεταρρυθμιστής, ιδρυτής του Καλβινισμού) δίδαξε ότι τα καθημερινά πράγματα έχουν κρυμμένα νοήματα και πίσω από κάθε εικόνα πρέπει να υπάρχει ένα ηθικό δίδαγμα. Τα αντικείμενα που απεικονίζονται στη νεκρή φύση έχουν πολλαπλές σημασίες: ήταν προικισμένα με εποικοδομητικές, θρησκευτικές ή άλλες έννοιες. Για παράδειγμα, τα στρείδια θεωρούνταν ερωτικό σύμβολο και αυτό ήταν προφανές στους σύγχρονους: τα στρείδια φέρεται να διεγείρουν τη σεξουαλική ισχύ και η Αφροδίτη, η θεά του έρωτα, γεννήθηκε από ένα κοχύλι. Από τη μια, τα στρείδια υπαινίσσονταν κοσμικούς πειρασμούς, από την άλλη, ένα ανοιχτό κέλυφος σήμαινε μια ψυχή έτοιμη να φύγει από το σώμα, δηλαδή υποσχόταν σωτηρία. Φυσικά, δεν υπήρχαν αυστηροί κανόνες για το πώς να διαβάζει μια νεκρή φύση και ο θεατής μάντεψε ακριβώς τα σύμβολα στον καμβά που ήθελε να δει. Επιπλέον, δεν πρέπει να ξεχνάμε ότι κάθε αντικείμενο ήταν μέρος της σύνθεσης και μπορούσε να διαβαστεί με διαφορετικούς τρόπους - ανάλογα με το πλαίσιο και το συνολικό μήνυμα της νεκρής φύσης.
Μέχρι τον 18ο αιώνα, ένα μπουκέτο λουλούδια, κατά κανόνα, συμβόλιζε την αδυναμία, γιατί οι γήινες χαρές είναι τόσο παροδικές όσο η ομορφιά ενός λουλουδιού. Ο συμβολισμός των φυτών είναι ιδιαίτερα περίπλοκος και διφορούμενος, και τα βιβλία με εμβλήματα, δημοφιλή στην Ευρώπη τον 16ο και 17ο αιώνα, βοήθησαν στην κατανόηση του νοήματος, όπου αλληγορικές εικονογραφήσεις και μότο συνοδεύονταν από επεξηγηματικά κείμενα. Οι συνθέσεις λουλουδιών δεν ήταν εύκολο να ερμηνευτούν: το ίδιο λουλούδι είχε πολλές έννοιες, μερικές φορές ακριβώς αντίθετες. Για παράδειγμα, ο νάρκισσος δήλωνε ναρκισσισμό και ταυτόχρονα θεωρούνταν σύμβολο της Μητέρας του Θεού. Στις νεκρές φύσεις, κατά κανόνα, διατηρήθηκαν και οι δύο έννοιες της εικόνας και ο θεατής ήταν ελεύθερος να επιλέξει ένα από τα δύο νοήματα ή να τα συνδυάσει.
Οι συνθέσεις λουλουδιών συχνά συμπληρώνονταν με φρούτα, μικρά αντικείμενα και εικόνες ζώων. Αυτές οι εικόνες εξέφραζαν την κύρια ιδέα του έργου, δίνοντας έμφαση στο μοτίβο της παροδικότητας, της φθοράς, της αμαρτωλότητας κάθε τι γήινου και της αφθαρσίας της αρετής.
Jan Davids de Heem.
Λουλούδια σε βάζο.
Στον πίνακα του Jan Davids de Heem, στη βάση του αγγείου, ο καλλιτέχνης απεικόνιζε σύμβολα αδυναμίας: μαραμένα και σπασμένα λουλούδια, θρυμματισμένα πέταλα και αποξηραμένους λοβούς μπιζελιού. Εδώ είναι ένα σαλιγκάρι - συνδέεται με την ψυχή ενός αμαρτωλού. Στο κέντρο της ανθοδέσμης βλέπουμε σύμβολα σεμνότητας και αγνότητας: αγριολούλουδα, βιολέτες και ξεχασμένοι. Περιτριγυρίζονται από τουλίπες, που συμβολίζουν την ομορφιά που ξεθωριάζει και την παράλογη σπατάλη (η καλλιέργεια τουλιπών στην Ολλανδία θεωρούνταν μια από τις πιο μάταιες δραστηριότητες και, επιπλέον, ακριβή). πλούσια τριαντάφυλλα και παπαρούνες, που θυμίζουν την ευθραυστότητα της ζωής. Η σύνθεση στεφανώνεται με δύο μεγάλα λουλούδια που έχουν θετική σημασία. Η μπλε ίριδα αντιπροσωπεύει άφεση αμαρτιών και υποδηλώνει τη δυνατότητα σωτηρίας μέσω της αρετής. Η κόκκινη παπαρούνα, που παραδοσιακά συνδέθηκε με τον ύπνο και τον θάνατο, άλλαξε την ερμηνεία της λόγω της θέσης της στην ανθοδέσμη: εδώ δηλώνει την εξιλεωτική θυσία του Χριστού.
Άλλα σύμβολα σωτηρίας είναι τα αυτιά του ψωμιού και μια πεταλούδα που κάθεται σε ένα κοτσάνι αντιπροσωπεύει την αθάνατη ψυχή.
Γιαν Μπάουμαν.
Λουλούδια, φρούτα και μια μαϊμού. Το πρώτο μισό του 17ου αιώνα.
Ο πίνακας του Jan Bauman «Λουλούδια, φρούτα και ένας πίθηκος» είναι ένα καλό παράδειγμα του πολυεπίπεδου νοήματος και της ασάφειας μιας νεκρής φύσης και των αντικειμένων σε αυτήν. Με την πρώτη ματιά, ο συνδυασμός φυτών και ζώων φαίνεται τυχαίος. Στην πραγματικότητα, αυτή η νεκρή φύση μας θυμίζει επίσης την παροδικότητα της ζωής και την αμαρτωλότητα της επίγειας ύπαρξης. Κάθε εικονιζόμενο αντικείμενο μεταφέρει μια συγκεκριμένη ιδέα: ένα σαλιγκάρι και μια σαύρα μέσα σε αυτή την περίπτωσηυποδεικνύουν τη θνησιμότητα όλων των γήινων. μια τουλίπα που βρίσκεται κοντά σε ένα μπολ με φρούτα συμβολίζει το γρήγορο ξεθώριασμα. κοχύλια διάσπαρτα στο τραπέζι υπαινίσσονται ασύνετη σπατάλη χρημάτων. και ο πίθηκος με το ροδάκινο δηλώνει το προπατορικό αμάρτημα και την εξαχρείωση. Από την άλλη, μια πεταλούδα που κυματίζει και φρούτα: τσαμπιά σταφύλια, μήλα, ροδάκινα και αχλάδια μιλούν για την αθανασία της ψυχής και την εξιλεωτική θυσία του Χριστού. Σε ένα άλλο, αλληγορικό επίπεδο, τα φρούτα, τα φρούτα, τα λουλούδια και τα ζώα που παρουσιάζονται στην εικόνα αντιπροσωπεύουν τέσσερα στοιχεία: κοχύλια και σαλιγκάρια - νερό. πεταλούδα - αέρας? φρούτα και λουλούδια - γη? μαϊμού - φωτιά.
Νεκρή φύση σε κρεοπωλείο
Πήτερ Άαρτσεν.
Το κρεοπωλείο, ή η κουζίνα με τη σκηνή της πτήσης στην Αίγυπτο. 1551
Η εικόνα ενός κρεοπωλείου έχει παραδοσιακά συνδεθεί με την ιδέα της φυσικής ζωής, την προσωποποίηση του στοιχείου της γης, καθώς και τη λαιμαργία. Ζωγραφισμένο από τον Peter Aartsen
Σχεδόν όλος ο χώρος καταλαμβάνεται από ένα τραπέζι φορτωμένο με φαγητό. Βλέπουμε πολλά είδη κρέατος: σκοτωμένα πουλερικά και ντυμένα σφάγια, συκώτι και ζαμπόν, ζαμπόν και λουκάνικα. Αυτές οι εικόνες συμβολίζουν την υπερβολή, τη λαιμαργία και την προσκόλληση στις σαρκικές απολαύσεις. Τώρα ας στρέψουμε την προσοχή μας στο παρασκήνιο. Στην αριστερή πλευρά της εικόνας, στο άνοιγμα του παραθύρου, υπάρχει μια ευαγγελική σκηνή της πτήσης στην Αίγυπτο, η οποία έρχεται σε έντονη αντίθεση με τη νεκρή φύση στο πρώτο πλάνο. Η Παναγία δίνει το τελευταίο ψωμί σε μια ζητιάνα. Σημειώστε ότι το παράθυρο βρίσκεται πάνω από το πιάτο, όπου δύο ψάρια βρίσκονται σταυρωτά (σύμβολο της σταύρωσης) - σύμβολο του Χριστιανισμού και του Χριστού. Δεξιά στο βάθος υπάρχει μια ταβέρνα. Μια εύθυμη παρέα κάθεται σε ένα τραπέζι δίπλα στη φωτιά, πίνει και τρώει στρείδια, που, όπως θυμόμαστε, συνδέονται με τη λαγνεία. Ένα σφαγμένο κουφάρι κρέμεται δίπλα στο τραπέζι, υποδηλώνοντας το αναπόφευκτο του θανάτου και τη φευγαλέα φύση των επίγειων χαρών. Ένας χασάπης με κόκκινο πουκάμισο αραιώνει το κρασί με νερό. Αυτή η σκηνή απηχεί την κύρια ιδέα της νεκρής φύσης και αναφέρεται στην Παραβολή του άσωτος γιος. Το σκηνικό στην ταβέρνα, όπως και το γεμάτο πιάτα κρεοπωλείο, μιλάει για μια αδράνεια, διάλυτη ζωή, προσκόλληση στις γήινες απολαύσεις, ευχάριστη για το σώμα, καταστροφική για την ψυχή. Στη σκηνή της πτήσης για την Αίγυπτο, οι χαρακτήρες ουσιαστικά γυρίζουν την πλάτη στον θεατή: προχωρούν βαθύτερα στην εικόνα, μακριά από το κρεοπωλείο. Αυτή είναι μια μεταφορά για τη φυγή από μια διαλυμένη ζωή γεμάτη αισθησιακές απολαύσεις. Το να τα παρατήσεις είναι ένας από τους τρόπους για να σώσεις την ψυχή.
Νεκρή φύση σε ένα ιχθυοπωλείο
Η νεκρή φύση των ψαριών είναι μια αλληγορία του στοιχείου του νερού. Έργα αυτού του είδους, όπως τα κρεοπωλεία, ήταν συχνά μέρος του λεγόμενου στοιχειακού κύκλου και, κατά κανόνα, δημιουργήθηκαν για να διακοσμήσουν τις τραπεζαρίες του παλατιού. Στο πρώτο πλάνο του πίνακα του Φρανς Σνάιντερς «The Fish Shop» απεικονίζονται πολλά ψάρια. Εδώ υπάρχουν πέρκες και οξύρρυγχοι, κυπρίνος, γατόψαρο, σολομός και άλλα θαλασσινά. Κάποιοι έχουν ήδη κοπεί, κάποιοι περιμένουν τη σειρά τους. Αυτές οι εικόνες ψαριών δεν φέρουν κανένα υποκείμενο - δοξάζουν τον πλούτο της Φλάνδρας.
Φρανς Σνάιντερς.
Ιχθυοπωλείο. 1616
Δίπλα στο αγόρι βλέπουμε ένα καλάθι με δώρα που έλαβε για την ημέρα του Αγίου Νικολάου. Αυτό υποδεικνύεται από τα ξύλινα κόκκινα παπούτσια δεμένα στο καλάθι. Εκτός από γλυκά, φρούτα και ξηρούς καρπούς, το καλάθι περιέχει ράβδους - ως υπόδειξη για εκπαίδευση με «καρότο και ραβδί». Τα περιεχόμενα του καλαθιού μιλούν για τις χαρές και τις λύπες της ανθρώπινης ζωής, που διαρκώς αντικαθιστούν η μία την άλλη. Η γυναίκα εξηγεί στο παιδί ότι τα υπάκουα παιδιά λαμβάνουν δώρα και τα κακά παιδιά τιμωρούνται. Το αγόρι οπισθοχώρησε τρομαγμένο: νόμιζε ότι αντί για γλυκά θα δεχόταν χτυπήματα με βέργες. Στα δεξιά βλέπουμε ένα παράθυρο που ανοίγει από το οποίο μπορούμε να δούμε την πλατεία της πόλης. Μια ομάδα παιδιών στέκεται κάτω από τα παράθυρα και χαιρετά χαρούμενα τον μαριονέτα γελωτοποιό στο μπαλκόνι. Ο γελωτοποιός είναι αναπόσπαστο χαρακτηριστικό των λαϊκών εορταστικών εορτών.
Νεκρή φύση με στρωμένο τραπέζι
Σε πολλές παραλλαγές τραπεζιών στους καμβάδες Ολλανδών δασκάλων βλέπουμε ψωμί και πίτες, ξηρούς καρπούς και λεμόνια, λουκάνικα και ζαμπόν, αστακούς και καραβίδες, πιάτα με στρείδια, ψάρια ή άδεια κοχύλια. Αυτές οι νεκρές φύσεις μπορούν να γίνουν κατανοητές ανάλογα με το σύνολο των αντικειμένων.
Gerrit Willems Heda.
Ζαμπόν και ασημικά. 1649
Στον πίνακα του Gerrit Willems Heda βλέπουμε ένα πιάτο, μια κανάτα, ένα ψηλό γυάλινο κύπελλο και ένα αναποδογυρισμένο βάζο, μια κατσαρόλα με μουστάρδα, ένα ζαμπόν, μια τσαλακωμένη χαρτοπετσέτα και ένα λεμόνι. Αυτό είναι το παραδοσιακό και αγαπημένο σύνολο της Heda. Η διάταξη των αντικειμένων και η επιλογή τους δεν είναι τυχαία. Ασημικάσυμβολίζει τα γήινα πλούτη και τη ματαιότητα τους, το ζαμπόν - σαρκικές απολαύσεις, ελκυστικές στην εμφάνιση και ξινό μέσα, το λεμόνι προσωποποιεί την προδοσία. Ένα σβησμένο κερί δείχνει την αδυναμία και το φευγαλέο της ανθρώπινης ύπαρξης, ένα χάος στο τραπέζι δείχνει την καταστροφή. Ένα ψηλό γυάλινο ποτήρι «φλάουτου» (τον 17ο αιώνα τέτοια ποτήρια χρησιμοποιούνταν ως δοχείο μέτρησης με σημάδια) είναι εύθραυστο, καθώς ανθρώπινη ζωή, και ταυτόχρονα συμβολίζει το μέτρο και την ικανότητα ενός ατόμου να ελέγχει τις παρορμήσεις του. Γενικά, σε αυτή τη νεκρή φύση, όπως και σε πολλά άλλα «πρωινά», το θέμα της ματαιοδοξίας και του ανούσιου των γήινων απολαύσεων παίζεται με τη βοήθεια αντικειμένων.
Peter Claes.
Νεκρή φύση με μαγκάλι, ρέγγα, στρείδια και πίπα. 1624
Τα περισσότερα από τα αντικείμενα που απεικονίζονται στη νεκρή φύση του Peter Claes είναι ερωτικά σύμβολα. Τα στρείδια, η πίπα, το κρασί αναφέρονται σε σύντομες και αμφίβολες σαρκικές απολαύσεις. Αλλά αυτή είναι μόνο μια επιλογή για να διαβάσετε μια νεκρή φύση. Ας δούμε αυτές τις εικόνες από μια διαφορετική οπτική γωνία. Έτσι, τα κοχύλια είναι σύμβολα της αδυναμίας της σάρκας. ένας πίπα, με τον οποίο όχι μόνο κάπνιζαν, αλλά φύσαγαν και σαπουνόφουσκες, είναι σύμβολο του ξαφνικού θανάτου. Ο σύγχρονος του Claes, ο Ολλανδός ποιητής Willem Godschalk van Fockenborch, έγραψε στο ποίημά του «My Hope is Smoke»:
Όπως μπορείτε να δείτε, η ύπαρξη μοιάζει με το κάπνισμα πίπας,
Και πραγματικά δεν ξέρω ποια είναι η διαφορά:
Το ένα είναι απλώς ένα αεράκι, το άλλο είναι απλώς ένας καπνός.
Το θέμα της παροδικότητας της ανθρώπινης ύπαρξης έρχεται σε αντίθεση με την αθανασία της ψυχής και τα σημάδια της αδυναμίας αποδεικνύονται ξαφνικά σύμβολα σωτηρίας. Το ψωμί και το ποτήρι κρασί στο βάθος συνδέονται με το σώμα και το αίμα του Ιησού και υποδηλώνουν το μυστήριο του μυστηρίου. Η ρέγγα - ένα ακόμη σύμβολο του Χριστού - μας θυμίζει νηστίσιμο και νηστίσιμο φαγητό. Και τα ανοιχτά κοχύλια με στρείδια μπορούν να αλλάξουν την αρνητική τους σημασία στο ακριβώς αντίθετο, υποδεικνύοντας ανθρώπινη ψυχήχωρισμένος από το σώμα και έτοιμος να εισέλθει στην αιώνια ζωή.
Τα διαφορετικά επίπεδα ερμηνείας των αντικειμένων λένε διακριτικά στον θεατή ότι ένα άτομο είναι πάντα ελεύθερο να επιλέξει ανάμεσα στο πνευματικό και το αιώνιο και το γήινο μεταβατικό.
Vanitas, ή «Επιστήμονας» νεκρή φύση
Το είδος της λεγόμενης «επιστημονικής» νεκρής φύσης ονομαζόταν vanitas - μεταφρασμένο από τα λατινικά σημαίνει «ματαιοδοξία των ματαιοτήτων», με άλλα λόγια - «memento mori» («θυμηθείτε τον θάνατο»). Αυτός είναι ο πιο διανοητικός τύπος νεκρής φύσης, μια αλληγορία της αιωνιότητας της τέχνης, της αδυναμίας της επίγειας δόξας και της ανθρώπινης ζωής
Jurian van Streck.
Ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών. 1670
Το σπαθί και το κράνος με ένα πολυτελές λοφίο στον πίνακα του Jurian van Streck υποδηλώνουν τη φευγαλέα φύση της επίγειας δόξας. Το κυνηγετικό κέρατο συμβολίζει τον πλούτο που δεν μπορείτε να πάρετε μαζί σας σε μια άλλη ζωή. Στις «επιστημονικές» νεκρές φύσεις υπάρχουν συχνά εικόνες ανοιχτών βιβλίων ή απρόσεκτα ξαπλωμένα χαρτιά με επιγραφές. Όχι μόνο σας προσκαλούν να σκεφτείτε τα αντικείμενα που απεικονίζονται, αλλά σας επιτρέπουν επίσης να τα χρησιμοποιήσετε για τον προορισμό τους: να διαβάσετε ανοιχτές σελίδες ή να παίξετε μουσική γραμμένη σε ένα σημειωματάριο. Ο Van Streck απεικόνισε ένα σκίτσο του κεφαλιού ενός αγοριού και ένα ανοιχτό βιβλίο: αυτή είναι η τραγωδία του Σοφοκλή Ηλέκτρα, μεταφρασμένη στα ολλανδικά. Αυτές οι εικόνες δείχνουν ότι η τέχνη είναι αιώνια. Όμως οι σελίδες του βιβλίου είναι κατσαρές και το σχέδιο ζαρώνει. Αυτά είναι σημάδια της αρχής της διαφθοράς, υπονοώντας ότι μετά θάνατον ούτε η τέχνη θα είναι χρήσιμη. Το κρανίο μιλά επίσης για το αναπόφευκτο του θανάτου, αλλά το στάχυ που περιπλέκεται γύρω του συμβολίζει την ελπίδα της ανάστασης και της αιώνιας ζωής. Μέχρι τα μέσα του 17ου αιώνα, ένα κρανίο περιπλεκόμενο με στάχυ ή αειθαλή κισσό θα γινόταν υποχρεωτικό θέμα για απεικόνιση σε νεκρές φύσεις σε στυλ vanitas.
Η Έλενα Κόνκοβα είναι μια φωτεινή εκπρόσωπος της σύγχρονης πνευματικής ελίτ, την οποία το Πνεύμα της εποχής (ή, αν προτιμάτε, το Zeitgeist) βάζει σε λαμπερές μορφές, χωρίς να ξεχνάει το εσωτερικό περιεχόμενο.
Σε αυτή την ταινία θα μιλήσει για τις μυστικιστικές πτυχές Ευρωπαϊκή ζωγραφική, θα αποκαλύψει το μυστικό νόημα που κρυπτογραφείται στα τρομακτικά, αστεία και απλά ασυνήθιστα χαρακτηριστικά των ολλανδικών νεκρών φύσεων και θα προσκαλέσει όλους με χάρη να ξεκινήσουν τη συλλογή αυτού του τύπου καλές τέχνες, ή ζωγραφική ως τέτοια...
Παρακάτω ακολουθεί υλικό που θα συμπληρώσει ελαφρώς την εικαστική σειρά που δημιούργησε η κ. Κόνκοβα στον έντυπο λόγο.
Έτσι, το 1581, οι κάτοικοι της Βόρειας Ολλανδίας, μετά από πολλά χρόνια πολέμου για την απελευθέρωση από την ισπανική κυριαρχία, ανακήρυξαν την ανεξάρτητη Δημοκρατία των Ηνωμένων Επαρχιών. Ανάμεσά τους, η Ολλανδία ήταν ο ηγέτης οικονομικά και πολιτιστικά, οπότε ολόκληρη η χώρα άρχισε σύντομα να ονομάζεται έτσι. Η κοινωνική δομή της νέας Ολλανδίας έχει αλλάξει ελάχιστα σε σύγκριση με τον 16ο αιώνα, αλλά ακολούθησαν σημαντικές αλλαγές στην πνευματική ζωή. Ο Καλβινισμός έγινε η κρατική θρησκεία. Αυτό το δόγμα δεν αναγνώριζε τις εικόνες και την εκκλησιαστική τέχνη γενικά (αυτό το κίνημα στον Προτεσταντισμό πήρε το όνομά του από τον ιδρυτή του, τον Γάλλο θεολόγο John Calvin (1509-1564).
Οι Ολλανδοί καλλιτέχνες έπρεπε αναπόφευκτα να εγκαταλείψουν τα θρησκευτικά θέματα και να αναζητήσουν νέα. Στράφηκαν στην πραγματικότητα γύρω τους, στα καθημερινά γεγονότα που συνέβαιναν μέρα με τη μέρα στο διπλανό δωμάτιο ή στον επόμενο δρόμο. Και οι πελάτες -τις περισσότερες φορές οι ευγενείς, αλλά οι κακομαθημένοι μπέργκερ- εκτιμούσαν τα έργα τέχνης περισσότερο από όλα επειδή ήταν «όπως η ζωή».
Οι πίνακες έγιναν αγαθά της αγοράς και η ευημερία του ζωγράφου εξαρτιόταν αποκλειστικά από την ικανότητά του να ευχαριστεί τον πελάτη. Ως εκ τούτου, ο καλλιτέχνης πέρασε όλη του τη ζωή βελτιώνοντας σε ένα συγκεκριμένο είδος. Η διάθεση που διαπερνά τα έργα Ολλανδικό σχολείο, και ακόμη και η μικρή, κατά κανόνα, μορφή τους υποδηλώνει ότι πολλά από αυτά δεν προορίζονταν για παλάτια, αλλά για μέτρια σαλόνια και απευθύνονταν στον απλό άνθρωπο.
Ολλανδική νεκρή φύση του 17ου αιώνα. εκπλήσσει με τον πλούτο των θεμάτων του. Σε κάθε καλλιτεχνικό κέντρο της χώρας, οι ζωγράφοι προτιμούσαν τις δικές τους συνθέσεις: στην Ουτρέχτη - από λουλούδια και φρούτα, στη Χάγη - από ψάρια. Στο Χάρλεμ έγραψαν μέτρια πρωινά, στο Άμστερνταμ - πολυτελή επιδόρπια, και στο πανεπιστήμιο του Λέιντεν - βιβλία και άλλα αντικείμενα για τη μελέτη της επιστήμης ή παραδοσιακά σύμβολα της κοσμικής ματαιοδοξίας - ένα κρανίο, ένα κερί, μια κλεψύδρα.
Στις νεκρές φύσεις που χρονολογούνται από τις αρχές του 17ου αιώνα, τα αντικείμενα είναι τοποθετημένα με αυστηρή σειρά, όπως τα εκθέματα σε μια προθήκη μουσείου. Σε τέτοιους πίνακες, οι λεπτομέρειες είναι προικισμένες με συμβολικό νόημα. Τα μήλα θυμίζουν την πτώση του Αδάμ και τα σταφύλια θυμίζουν την εξιλεωτική θυσία του Χριστού. Ένα κοχύλι είναι ένα κέλυφος που άφησε πίσω του ένα πλάσμα που κάποτε ζούσε σε αυτό τα μαραμένα λουλούδια είναι σύμβολο του θανάτου. Μια πεταλούδα που γεννιέται από ένα κουκούλι σημαίνει ανάσταση. Τέτοιοι είναι, για παράδειγμα, οι πίνακες του Balthasar van der Ast (1590-1656).
Για τους καλλιτέχνες της επόμενης γενιάς, τα πράγματα δεν θυμίζουν πλέον τόσο αφηρημένες αλήθειες, αλλά χρησιμεύουν στη δημιουργία ανεξάρτητων καλλιτεχνικές εικόνες. Στους πίνακές τους, οικεία αντικείμενα αποκτούν μια ιδιαίτερη, απαρατήρητη μέχρι τότε ομορφιά. Ο ζωγράφος του Χάρλεμ Pieter Claes (1597-1661) τονίζει διακριτικά και επιδέξια τη μοναδικότητα κάθε πιάτου, ποτηριού, κατσαρόλας, βρίσκοντας την ιδανική γειτονιά για οποιοδήποτε από αυτά. Οι νεκρές φύσεις του συμπατριώτη του Willem Claes Heda (περίπου 1594 - περ. 1680) είναι γεμάτες με γραφική αταξία. Τις περισσότερες φορές έγραφε «πρωινά με διακοπή». Ένα τσαλακωμένο τραπεζομάντιλο, ανακατεμένα είδη σερβιρίσματος, φαγητό που μόλις έχει αγγίξει - όλα εδώ θυμίζουν την πρόσφατη παρουσία ενός ατόμου. Οι πίνακες ζωντανεύουν από διάφορα σημεία φωτός και πολύχρωμες σκιές σε γυαλί, μέταλλο και καμβά ("Breakfast with Crab", 1648).
Στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα. Η ολλανδική νεκρή φύση, όπως και το τοπίο, έγινε πιο εντυπωσιακή, πολύπλοκη και πολύχρωμη. Οι πίνακες του Abraham van Beyeren (1620 ή 1621-1690) και του Willem Kalf (1622-1693) απεικονίζουν μεγαλειώδεις πυραμίδες από ακριβά πιάτα και εξωτικά φρούτα. Εδώ μπορείς να βρεις κυνηγητά ασημένια, ασπρόμαυρα πήλινα σκεύη, κύλικες από θαλάσσια κοχύλια, λουλούδια, τσαμπιά σταφύλια και μισοφλούδες φρούτα.
Μπορούμε να πούμε ότι ο χρόνος λειτουργούσε σαν φακός κάμερας: με μια αλλαγή στην εστιακή απόσταση, η κλίμακα της εικόνας άλλαζε έως ότου παρέμειναν μόνο αντικείμενα στο κάδρο και το εσωτερικό και οι φιγούρες απομακρύνθηκαν από την εικόνα. «Κορνίζες νεκρής φύσης» βρίσκονται σε πολλούς πίνακες Ολλανδοί καλλιτέχνες XVI αιώνα Είναι εύκολο να το αναπαραστήσετε με τη μορφή ανεξάρτητη ζωγραφικήένα στρωμένο τραπέζι από το «Οικογενειακό Πορτραίτο» του Martin van Heemskerck (περίπου 1530. Κρατικά Μουσεία, Κάσελ) ή ένα βάζο με λουλούδια από τη σύνθεση του Γιαν Μπρίγκελ του Πρεσβύτερου. Κάτι τέτοιο έκανε και ο ίδιος ο Jan Brueghel, γράφοντας στις αρχές του 17ου αιώνα. οι πρώτες ανεξάρτητες νεκρές φύσεις λουλουδιών. Εμφανίστηκαν γύρω στο 1600 - αυτή τη φορά θεωρείται η ημερομηνία γέννησης του είδους.
Εκείνη τη στιγμή δεν υπήρχε λέξη να το ορίσει. Ο όρος «νεκρή φύση» προήλθε στη Γαλλία τον 18ο αιώνα. και κυριολεκτικά μεταφράζεται σημαίνει «νεκρή φύση», «νεκρή φύση» (nature morte). Στην Ολλανδία, οι πίνακες που απεικονίζουν αντικείμενα ονομάζονταν "stilleven", το οποίο μπορεί να μεταφραστεί τόσο ως "σταθερή φύση, μοντέλο" και ως "ήσυχη ζωή", η οποία μεταφέρει με μεγαλύτερη ακρίβεια τις ιδιαιτερότητες της ολλανδικής νεκρής φύσης. Αλλά αυτή η γενική ιδέα άρχισε να χρησιμοποιείται μόνο από το 1650, και πριν από εκείνη την εποχή οι πίνακες ονομάζονταν σύμφωνα με το θέμα της εικόνας: blumentopf - ένα βάζο με λουλούδια, banketje - ένα στρωμένο τραπέζι, φρούτα - φρούτα, toebackje - νεκρές φύσεις με το κάπνισμα αξεσουάρ, doodshoofd - πίνακες που απεικονίζουν ένα κρανίο. Ήδη από αυτή τη λίστα είναι σαφές πόσο μεγάλη ήταν η ποικιλία των αντικειμένων που απεικονίζονται. Πράγματι, ολόκληρος ο αντικειμενικός κόσμος γύρω τους φαινόταν να ξεχύνεται στους πίνακες των Ολλανδών καλλιτεχνών.
Στην τέχνη, αυτό σήμαινε μια επανάσταση όχι λιγότερο από αυτή που έκαναν οι Ολλανδοί στον οικονομικό και κοινωνικό τομέα, κερδίζοντας την ανεξαρτησία από την εξουσία της Καθολικής Ισπανίας και δημιουργώντας το πρώτο δημοκρατικό κράτος. Ενώ οι σύγχρονοί τους στην Ιταλία, τη Γαλλία και την Ισπανία επικεντρώνονταν στη δημιουργία τεράστιων θρησκευτικών συνθέσεων για βωμούς εκκλησιών, πίνακες ζωγραφικής και τοιχογραφίες με θέματα της αρχαίας μυθολογίας για αίθουσες παλατιών, οι Ολλανδοί ζωγράφιζαν μικρούς πίνακες με θέα στις γωνιές του τοπίου τους, χορεύουν σε ένα πανηγύρι χωριού ή σπιτική συναυλία σε μπιφτέκι, σκηνές σε αγροτική ταβέρνα, στο δρόμο ή σε ένα σπίτι συσκέψεων, στρωμένα τραπέζια με πρωινό ή επιδόρπιο, δηλαδή «χαμηλή» φύση, ανεπιτήδευτη, που δεν επισκιάζεται από τα αρχαία ή Αναγεννησιακή ποιητική παράδοση, εκτός ίσως από τη σύγχρονη ολλανδική ποίηση. Η αντίθεση με την υπόλοιπη Ευρώπη ήταν έντονη.
Οι πίνακες σπάνια δημιουργήθηκαν κατά παραγγελία, αλλά ως επί το πλείστον πωλούνταν ελεύθερα σε αγορές για όλους και προορίζονταν να διακοσμήσουν δωμάτια στα σπίτια των κατοίκων των πόλεων, ακόμη και των πλουσιότερων χωρικών. Αργότερα, τον 18ο και τον 19ο αιώνα, όταν η ζωή στην Ολλανδία έγινε πιο δύσκολη και πενιχρή, αυτές οι συλλογές ζωγραφικής πουλήθηκαν ευρέως σε δημοπρασίες και αγοράστηκαν με ανυπομονησία για βασιλικές και αριστοκρατικές συλλογές σε όλη την Ευρώπη, από όπου τελικά μετανάστευσαν στα μεγαλύτερα μουσεία της κόσμος. Όταν στα μέσα του 19ου αι. Οι παντού καλλιτέχνες στράφηκαν στην απεικόνιση της πραγματικότητας γύρω τους, πίνακες Ολλανδών δασκάλων του 17ου αιώνα. τους λειτούργησε ως πρότυπο σε όλα τα είδη.
Χαρακτηριστικό Ολλανδική ζωγραφικήυπήρχε εξειδίκευση καλλιτεχνών ανά είδος. Στο είδος της νεκρής φύσης, υπήρχε ακόμη και μια διαίρεση σε ξεχωριστά θέματα, και διαφορετικές πόλεις είχαν τους δικούς τους αγαπημένους τύπους νεκρής φύσης, και αν ένας ζωγράφος τύχαινε να μετακομίσει σε άλλη πόλη, συχνά άλλαζε δραματικά την τέχνη του και άρχισε να ζωγραφίζει αυτές τις ποικιλίες του είδους που ήταν δημοφιλή σε εκείνο τον τόπο.
Το Χάρλεμ έγινε η γενέτειρα του πιο χαρακτηριστικού τύπου ολλανδικής νεκρής φύσης - του «πρωινού». Οι πίνακες του Peter Claes απεικονίζουν ένα στρωμένο τραπέζι με πιάτα και πιάτα. Ένα τσίγκινο πιάτο, μια ρέγγα ή ζαμπόν, ένα τσουρέκι, ένα ποτήρι κρασί, μια τσαλακωμένη χαρτοπετσέτα, ένα λεμόνι ή ένα κλαδί σταφυλιού, μαχαιροπίρουνα - η πενιχρή και ακριβής επιλογή των αντικειμένων δημιουργεί την εντύπωση ενός σετ τραπεζιού για ένα άτομο. Η παρουσία ενός ατόμου υποδηλώνεται από τη «γραφική» διαταραχή που εισάγεται στη διάταξη των πραγμάτων και την ατμόσφαιρα ενός άνετου εσωτερικού χώρου κατοικίας, που επιτυγχάνεται με τη μετάδοση ενός περιβάλλοντος φωτός-αέρα. Ο κυρίαρχος γκρι-καφέ τόνος ενώνει τα αντικείμενα σε μια ενιαία εικόνα, ενώ η ίδια η νεκρή φύση γίνεται αντανάκλαση των ατομικών προτιμήσεων και του τρόπου ζωής ενός ατόμου.
Ένας άλλος κάτοικος του Χάρλεμ, ο Willem Heda, εργαζόταν στο ίδιο πνεύμα με τον Klas. Ο χρωματισμός των πινάκων του υποτάσσεται ακόμη περισσότερο στην τονική ενότητα, κυριαρχείται από έναν γκρι-ασημί τόνο, που διαμορφώνεται από την εικόνα ασημένιων ή κασσίτερου σκευών. Για αυτόν τον πολύχρωμο περιορισμό, οι πίνακες άρχισαν να ονομάζονται «μονόχρωμα πρωινά».
Στην Ουτρέχτη αναπτύχθηκε πλούσια και κομψή floral νεκρή φύση. Οι κύριοι εκπρόσωποί του είναι ο Jan Davids de Heem, ο Justus van Heysum και ο γιος του Jan van Heysum, ο οποίος έγινε ιδιαίτερα γνωστός για την προσεκτική γραφή και τον ανοιχτόχρωμο χρωματισμό του.
Στη Χάγη, το κέντρο της θαλάσσιας αλιείας, ο Pieter de Putter και ο μαθητής του Abraham van Beijeren έφεραν στην τελειότητα την απεικόνιση των ψαριών και άλλων κατοίκων της θάλασσας, το χρώμα των πινάκων τους αστράφτει από τη λάμψη των φολίδων, στις οποίες κηλίδες ροζ, κόκκινο, μπλε χρώματα. Το Πανεπιστήμιο του Λέιντεν δημιούργησε και βελτίωσε τον τύπο της φιλοσοφικής νεκρής φύσης «vanitas» (ματαιοδοξία των ματαιοδοξιών). Στους πίνακες των Harmen van Steenwijk και Jan Davids de Heem, αντικείμενα που ενσωματώνουν τη γήινη δόξα και τον πλούτο (πανοπλίες, βιβλία, χαρακτηριστικά τέχνης, πολύτιμα σκεύη) ή αισθησιακές απολαύσεις (λουλούδια, φρούτα) αντιπαρατίθενται με ένα κρανίο ή μια κλεψύδρα ως υπενθύμιση. της παροδικότητας της ζωής. Μια πιο δημοκρατική νεκρή φύση «κουζίνας» προέκυψε στο Ρότερνταμ στα έργα των Floris van Schoten και Francois Reykhals και τα καλύτερα επιτεύγματά του συνδέονται με τα ονόματα των αδελφών Cornelis και Herman Saftleven.
Στα μέσα του αιώνα, το θέμα των λιτών «πρωινών» μετατράπηκε στα έργα των Willem van Aalst, Jurian van Streck και ιδιαίτερα των Willem Kalf και Abraham van Beyeren σε πολυτελή «συμπόσια» και «επιδόρπια». Επιχρυσωμένα κύπελλα, κινέζικη πορσελάνη και φαγεντιανή Delft, τραπεζομάντιλο χαλιού, νότια φρούτα τονίζουν τη γεύση της χάρης και του πλούτου που καθιερώθηκε στην ολλανδική κοινωνία στα μέσα του αιώνα. Αντίστοιχα, τα «μονόχρωμα» πρωινά αντικαθίστανται από μια ζουμερή, πολύχρωμα πλούσια, χρυσαφένια γεύση. Η επιρροή του κιαροσκούρο του Ρέμπραντ κάνει τα χρώματα στους πίνακες του Καλφ να λάμπουν από μέσα, ποιητικά τον αντικειμενικό κόσμο.
Οι κύριοι της απεικόνισης «τροπαίων κυνηγιού» και «αυλών πουλερικών» ήταν ο Jan-Baptiste Wenix, ο γιος του Jan Wenix και ο Melchior de Hondecoeter. Αυτός ο τύπος νεκρής φύσης έγινε ιδιαίτερα διαδεδομένος στο δεύτερο μισό - τέλος του αιώνα σε σχέση με την αριστοκρατία των κτηνοτρόφων: την ίδρυση κτημάτων και την ψυχαγωγία του κυνηγιού. Η ζωγραφική των δύο τελευταίων καλλιτεχνών δείχνει αύξηση της διακοσμητικότητας, του χρώματος και της επιθυμίας για εξωτερικά εφέ.
Η εκπληκτική ικανότητα των Ολλανδών ζωγράφων να μεταδίδουν τον υλικό κόσμο σε όλο τον πλούτο και την ποικιλομορφία του εκτιμήθηκε όχι μόνο από τους σύγχρονους, αλλά και από τους Ευρωπαίους τον 18ο και 19ο αιώνα, που είδαν στις νεκρές φύσεις, πρωτίστως και μόνο μεταφέροντας την πραγματικότητα. Ωστόσο, για τους ίδιους τους Ολλανδούς τον 17ο αιώνα, αυτοί οι πίνακες ήταν γεμάτοι νόημα και πρόσφεραν τροφή όχι μόνο για τα μάτια, αλλά και για το μυαλό. Οι πίνακες άρχισαν διάλογο με το κοινό, λέγοντάς τους σημαντικές ηθικές αλήθειες, υπενθυμίζοντάς τους την απάτη των επίγειων χαρών, τη ματαιότητα των ανθρώπινων φιλοδοξιών, κατευθύνοντας τις σκέψεις σε φιλοσοφικούς στοχασμούς για το νόημα της ανθρώπινης ζωής.
Οι Ολλανδοί καλλιτέχνες πέτυχαν μεγάλα επιτεύγματα στη δημιουργία τέχνης ρεαλιστικής κατεύθυνσης, απεικονίζοντας φυσικά την πραγματικότητα, ακριβώς επειδή τέτοια τέχνη ήταν περιζήτητη στην ολλανδική κοινωνία.
Για τους Ολλανδούς καλλιτέχνες, η ζωγραφική με καβαλέτο ήταν σημαντική στην τέχνη. Οι καμβάδες των Ολλανδών εκείνης της εποχής δεν έχουν τις ίδιες διαστάσεις με τα έργα του Ρούμπενς και κατά προτίμηση δεν λύνουν μνημειώδεις-διακοσμητικές εργασίες οι πελάτες των Ολλανδών ζωγράφων ήταν απεσταλμένοι της άρχουσας ηγεσίας της οργάνωσης, αλλά και της δεύτερης τάξης - μπέργκερ και τεχνίτες.
Ένα από τα κύρια μέλημα των Ολλανδών ζωγράφων ήταν ο άνθρωπος και το περιβάλλον. Η κύρια θέση στην ολλανδική ζωγραφική ήταν το καθημερινό είδος και το πορτρέτο, το τοπίο και η νεκρή φύση. Όσο καλύτερα οι ζωγράφοι απεικόνιζαν αμερόληπτα και βαθιά τον φυσικό κόσμο, τόσο πιο πολλά ήταν τα σημαντικά και απαιτητικά θέματα της δουλειάς τους.
Ολλανδοί ζωγράφοιΈκαναν εργασίες προς πώληση και πουλούσαν τους πίνακές τους σε εκθέσεις. Τα έργα τους αγόραζαν κυρίως άτομα από τα ανώτερα στρώματα της κοινωνίας - πλούσιοι αγρότες, τεχνίτες, έμποροι και ιδιοκτήτες εργοστασίων. Οι απλοί άνθρωποι δεν μπορούσαν να το αντέξουν οικονομικά και κοιτούσαν και θαύμαζαν τους πίνακες με ευχαρίστηση. Η γενική διάθεση της τέχνης στην ακμή του 17ου αιώνα, στέρησε τόσο ισχυρούς καταναλωτές όπως η αυλή, οι ευγενείς και η εκκλησία.
Τα έργα κατασκευάστηκαν σε μικρό σχήμα, σχεδιασμένο για να ταιριάζει σε μέτρια και όχι μεγάλα έπιπλα σε ολλανδικά σπίτια. Η ζωγραφική με καβαλέτο έγινε ένα από τα αγαπημένα χόμπι των Ολλανδών, καθώς ήταν ικανή να απεικονίσει την πραγματικότητα των πράξεων με μεγάλη αξιοπιστία και ποικιλομορφία. Οι πίνακες των Ολλανδών απεικόνιζαν, κοντά τους, την πραγματικότητα της χώρας τους που ήθελαν να δουν αυτό που τους ήταν πολύ οικείο - τη θάλασσα και τα πλοία, τη φύση της γης τους, το σπίτι τους, τη δράση της καθημερινής ζωής, τα πράγματα. που τους περιέβαλλε παντού.
Ένα σημαντικό πόλο έλξης για μάθηση περιβάλλοεμφανίστηκε στην ολλανδική ζωγραφική με τόσο φυσικές μορφές και με τόσο ξεκάθαρη συνέχεια όσο πουθενά αλλού στην ολλανδική τέχνη των εποχών. Σε σχέση με αυτό, συνδέεται και το βάθος της κλίμακας του: πορτρέτα και τοπία, νεκρές φύσεις και καθημερινά είδη διαμορφώθηκαν σε αυτό. Μερικά από αυτά, η νεκρή φύση και η καθημερινή ζωγραφική, ήταν τα πρώτα που εμφανίστηκαν σε ώριμες μορφές στην Ολλανδία και άκμασαν σε τέτοιο βαθμό που έγιναν το μοναδικό παράδειγμα αυτού του είδους.
Τις δύο πρώτες δεκαετίες, η κύρια διάθεση αναζήτησης των βασικών Ολλανδών καλλιτεχνών, αντικρούοντας τη δεξιά καλλιτεχνικές κατευθύνσεις, - η έλξη για τη σωστή αναπαραγωγή της πραγματικότητας, για την ακρίβεια της έκφρασής της. Δεν ήταν τυχαίο ότι οι καλλιτέχνες της Ολλανδίας προσελκύθηκαν από την τέχνη του Καραβάτζιο. Το έργο των λεγόμενων Καραβαγκιστών της Ουτρέχτης - G. Honthorst, H. Terbruggen, D. Van Baburen - έδειξε αντίκτυπο στην ολλανδική καλλιτεχνική κουλτούρα.
Ολλανδοί ζωγράφοι τις δεκαετίες 20 - 30 του 17ου αιώνα δημιούργησαν κύρια όψηένας κατάλληλος μικρός πίνακας που απεικονίζει σκηνές από τη ζωή των απλών χωρικών και τις καθημερινές τους δραστηριότητες. Στις δεκαετίες του '40 και του '50, η καθημερινή ζωγραφική ήταν ένα από τα κύρια είδη, οι συγγραφείς του οποίου στην ιστορία απέκτησαν το όνομα "μικροί Ολλανδοί", είτε λόγω της άτεχνης πλοκής, είτε λόγω του μικρού μεγέθους των πινάκων, ή ίσως και για τα δύο. Οι εικόνες των αγροτών στους πίνακες καλύπτονται με χαρακτηριστικά καλοσυνάτου χιούμορ Αντριάνα βαν Οστάντε. Ήταν δημοκρατικός συγγραφέας της καθημερινής ζωής και διασκεδαστικός αφηγητής. Γιαν Στεν.
Ένας από τους σημαντικότερους ζωγράφους πορτρέτων της Ολλανδίας, ο ιδρυτής του ολλανδικού ρεαλιστικού πορτρέτου ήταν Φραντς Χαλς. Δημιούργησε τη φήμη του με ομαδικά πορτρέτα συντεχνιών σκοποβολής, στα οποία εξέφραζε τα ιδανικά της νεαρής δημοκρατίας, τα συναισθήματα ελευθερίας, ισότητας και συναδελφικότητας.
Η κορυφή της δημιουργικότητας του ολλανδικού ρεαλισμού είναι Harmens van Rijn Rembrandt, που διακρίνεται για την εξαιρετική ζωντάνια και συναισθηματικότητα, τη βαθιά ανθρωπιά των εικόνων και το μεγάλο θεματικό εύρος. Ζωγράφισε ιστορικούς, βιβλικούς, μυθολογικούς και καθημερινούς πίνακες, πορτρέτα και τοπία, ήταν ένας από μεγαλύτεροι δάσκαλοιχάραξη και σχέδιο. Αλλά με όποια τεχνολογία κι αν δούλευε, το κέντρο της προσοχής του ήταν πάντα το άτομο, το δικό του εσωτερικός κόσμος. Συχνά έβρισκε τους ήρωές του ανάμεσα στους φτωχούς Ολλανδούς. Στα έργα του ο Ρέμπραντ συνδύαζε τη δύναμη και τη διείσδυση των ψυχολογικών χαρακτηριστικών με την εξαιρετική μαεστρία της ζωγραφικής, στην οποία οι προσεγμένοι τόνοι του κιαροσκούρο αποκτούν την κύρια σημασία.
Κατά το πρώτο τρίτο του 17ου αιώνα, εμφανίστηκαν οι απόψεις του ολλανδικού ρεαλιστικού τοπίου, το οποίο άκμασε στα μέσα του αιώνα. Το τοπίο των Ολλανδών δασκάλων δεν είναι γενικά η φύση, όπως στους πίνακες των κλασικιστών, αλλά ένα εθνικό, ειδικά ολλανδικό τοπίο: ανεμόμυλοι, αμμόλοφοι της ερήμου, κανάλια με βάρκες που γλιστρούν κατά μήκος τους το καλοκαίρι και με σκέιτερ το χειμώνα. Οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να μεταφέρουν την ατμόσφαιρα της εποχής, τον υγρό αέρα και τον χώρο.
Η νεκρή φύση έχει αναπτυχθεί έντονα στην ολλανδική ζωγραφική και διακρίνεται για το μικρό της μέγεθος και χαρακτήρα. Peter ClaesΚαι Willem Hedaπιο συχνά απεικόνιζαν τα λεγόμενα πρωινά: πιάτα με ζαμπόν ή πίτα σε ένα σχετικά λιτά σερβιρισμένο τραπέζι. Η πρόσφατη παρουσία ενός ατόμου είναι αισθητή στη διαταραχή και τη φυσικότητα με την οποία τακτοποιούνται τα πράγματα που μόλις τον υπηρέτησαν. Αλλά αυτή η διαταραχή είναι μόνο εμφανής, αφού η σύνθεση κάθε νεκρής φύσης είναι προσεκτικά μελετημένη. Σε μια επιδέξια διάταξη, τα αντικείμενα φαίνονται με τέτοιο τρόπο ώστε να αισθάνεται κανείς την εσωτερική ζωή των πραγμάτων, δεν είναι τυχαίο που οι Ολλανδοί αποκαλούσαν νεκρή φύση "ακίνητη ζωή" - "ήσυχη ζωή" και όχι "nature morte". νεκρή φύση».
Νεκρή φύση. Peter Claes και Willem Heda
Η λεπτότητα και η αλήθεια στην αναδημιουργία της πραγματικότητας συνδυάζονται από τους Ολλανδούς δασκάλους έντονη αίσθησηη ομορφιά που αποκαλύπτεται σε οποιοδήποτε από τα φαινόμενα της, ακόμα και τα πιο δυσδιάκριτα και καθημερινά. Αυτό το χαρακτηριστικό της ολλανδικής καλλιτεχνικής ιδιοφυΐας εκδηλώθηκε ίσως πιο ξεκάθαρα στη νεκρή φύση, δεν είναι τυχαίο ότι αυτό το είδος ήταν αγαπημένο στην Ολλανδία.
Οι Ολλανδοί αποκαλούσαν νεκρή φύση "stilleven", που σημαίνει "ήσυχη ζωή", και αυτή η λέξη εκφράζει με ασύγκριτα μεγαλύτερη ακρίβεια το νόημα που έδιναν οι Ολλανδοί ζωγράφοι στην απεικόνιση των πραγμάτων από το "nature morte" - νεκρή φύση. Σε άψυχα αντικείμενα έβλεπαν μια ιδιαίτερη, κρυφή ζωή που συνδέεται με τη ζωή ενός ανθρώπου, με τον τρόπο ζωής, τις συνήθειες και τα γούστα του. Ολλανδοί ζωγράφοι δημιούργησαν την εντύπωση του φυσικού «χαζού» στη διάταξη των πραγμάτων: έδειξαν μια κομμένη πίτα, ένα ξεφλουδισμένο λεμόνι με τη φλούδα κρεμασμένη σε μια σπείρα, ένα ημιτελές ποτήρι κρασί, ένα αναμμένο κερί, ένα ανοιχτό βιβλίο - φαίνεται πάντα ότι κάποιος άγγιξε αυτά τα αντικείμενα, απλώς τα χρησιμοποίησε, η αόρατη παρουσία ενός ατόμου είναι πάντα αισθητή.
Οι κορυφαίοι δάσκαλοι της ολλανδικής ζωγραφικής νεκρής φύσης στο πρώτο μισό του 17ου αιώνα ήταν ο Pieter Claes (1597/98-1661) και ο Willem Heda (1594-περίπου 1680). Ένα αγαπημένο θέμα των νεκρών φύσεων τους είναι τα λεγόμενα «πρωινά». Στο «Πρωινό με Αστακό» του V. Kheda, τα αντικείμενα διάφορα σχήματακαι τα υλικά - καφετιέρα, ποτήρι, λεμόνι, πήλινο πιάτο, ασημένιο πιάτο κ.λπ. - συγκρίνονται μεταξύ τους ώστε να αποκαλυφθούν τα χαρακτηριστικά και η ελκυστικότητα του καθενός. Χρησιμοποιώντας μια ποικιλία τεχνικών, η Heda μεταφέρει τέλεια το υλικό και την ιδιαιτερότητα της υφής τους. Έτσι, οι αντανακλάσεις του φωτός παίζουν διαφορετικά στην επιφάνεια του γυαλιού και του μετάλλου: στο γυαλί - φως, με αιχμηρά περιγράμματα, στο μέταλλο - χλωμό, ματ, σε ένα επιχρυσωμένο γυαλί - λαμπερό, φωτεινό. Όλα τα στοιχεία της σύνθεσης ενώνονται με το φως και το χρώμα - ένα γκριζοπράσινο χρωματικό σχέδιο.
Στο «Still Life with a Candle» του P. Klass, δεν είναι μόνο αξιοσημείωτη η ακρίβεια της αναπαραγωγής των υλικών ιδιοτήτων των αντικειμένων - η σύνθεση και ο φωτισμός τους δίνουν μεγάλη συναισθηματική εκφραστικότητα.
Οι νεκρές φύσεις του Klass και της Kheda είναι γεμάτες με μια ιδιαίτερη διάθεση που φέρνει ο ένας τον άλλον πιο κοντά - αυτή είναι μια διάθεση οικειότητας και άνεσης, που γεννά την ιδέα της καθιερωμένης και ήρεμης ζωής ενός μπιφτέκι , όπου βασιλεύει η ευημερία και όπου η φροντίδα των ανθρώπινων χεριών και τα προσεκτικά μάτια του ιδιοκτήτη είναι αισθητή σε όλα. Οι Ολλανδοί ζωγράφοι επιβεβαιώνουν την αισθητική αξία των πραγμάτων και η νεκρή φύση, λες, υμνεί έμμεσα τον τρόπο ζωής με τον οποίο η ύπαρξή τους είναι άρρηκτα συνδεδεμένη. Ως εκ τούτου, μπορεί να θεωρηθεί ως μία από τις καλλιτεχνικές ενσωματώσεις ενός σημαντικού θέματος της ολλανδικής τέχνης - το θέμα της ζωής ενός ιδιώτη. Έλαβε την κύρια απόφασή της μέσα εικόνα είδους.[&&] Rotenberg I. E. Δυτικοευρωπαϊκή τέχνη XVII V. Μόσχα, 1971;
Στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα, έγιναν αλλαγές στην ολλανδική κοινωνία: η επιθυμία της αστικής τάξης για αριστοκρατία αυξήθηκε. Τα σεμνά «Πρωινά» του Klas και της Heda δίνουν τη θέση τους σε πλούσια «επιδόρπια» Abraham van BeijernΚαι Βίλεμ Καλφ, που περιλάμβανε θεαματικά πήλινα πιάτα, ασημένια αγγεία, πολύτιμα κύπελλα και κοχύλια σε νεκρές φύσεις. Οι συνθετικές δομές γίνονται πιο περίπλοκες και τα χρώματα γίνονται πιο διακοσμητικά. Στη συνέχεια, η νεκρή φύση χάνει τη δημοκρατία, την οικειότητα, την πνευματικότητα και την ποίησή της. Μετατρέπεται σε μια υπέροχη διακόσμηση για τα σπίτια των υψηλόβαθμων πελατών. Παρά τη διακοσμητικότητά τους και τη μαεστρία στην εκτέλεση, οι όψιμες νεκρές φύσεις προσδοκούν την παρακμή της μεγάλης ολλανδικής ρεαλιστικής ζωγραφικής, η οποία ξεκίνησε στις αρχές του 18ου αιώνα και προκλήθηκε από τον κοινωνικό εκφυλισμό της ολλανδικής αστικής τάξης στο τελευταίο τρίτο του 17ου αιώνα. αιώνα, η διάδοση των νέων τάσεων στην τέχνη που συνδέονται με την έλξη της αστικής τάξης στα γούστα των γαλλικών ευγενών. Η ολλανδική τέχνη χάνει τους δεσμούς με τη δημοκρατική παράδοση, χάνει τη ρεαλιστική της βάση, χάνει την εθνική της ταυτότητα και εισέρχεται σε μια περίοδο μακράς παρακμής.
Η νεκρή φύση ("Stilleven" - που σημαίνει "ήσυχη ζωή" στα ολλανδικά) - είναι ένας μοναδικός και αρκετά δημοφιλής κλάδος της ολλανδικής ζωγραφικής. Η ολλανδική ζωγραφική νεκρής φύσης του 17ου αιώνα χαρακτηρίζεται από τη στενή εξειδίκευση των Ολλανδών δασκάλων στο είδος. Το θέμα "Λουλούδια και Φρούτα" περιλαμβάνει συνήθως μια ποικιλία από έντομα. Τα «κυνηγετικά τρόπαια» είναι καταρχήν κυνηγετικά τρόπαια - σκοτωμένα πτηνά και θηράματα. «Πρωινά» και «Επιδόρπια», καθώς και εικόνες ψαριών -ζωντανών και κοιμισμένων, διάφορα πουλιά- είναι μόνο μερικά από τα πιο διάσημα θέματανεκρές φύσεις. Συνολικά, αυτά τα μεμονωμένα οικόπεδα χαρακτηρίζουν το έντονο ενδιαφέρον των Ολλανδών για τα οικόπεδα καθημερινή ζωή, και τις αγαπημένες τους δραστηριότητες, και το πάθος για τον εξωτισμό των μακρινών περιοχών (οι συνθέσεις περιέχουν περίεργα κοχύλια και φρούτα). Συχνά σε έργα με μοτίβα «ζωντανής» και «νεκρής» φύσης υπάρχει ένα συμβολικό υποκείμενο που είναι εύκολα κατανοητό σε έναν μορφωμένο θεατή του 17ου αιώνα.
Έτσι, ο συνδυασμός μεμονωμένων αντικειμένων θα μπορούσε να χρησιμεύσει ως ένας υπαινιγμός της αδυναμίας της γήινης ύπαρξης: ξεθωριασμένα τριαντάφυλλα, ένα θυμιατό, ένα κερί, ένα ρολόι. ή συνδέονται με συνήθειες που καταδικάζονται από την ηθική: θραύσματα, πίπες. ή υπέδειξε μια ερωτική σχέση? γραφή, μουσικά όργανα, μαγκάλι. Δεν υπάρχει αμφιβολία ότι το νόημα αυτών των συνθέσεων είναι πολύ ευρύτερο από το συμβολικό τους περιεχόμενο.
Οι ολλανδικές νεκρές φύσεις προσελκύουν, πρώτα απ 'όλα, την καλλιτεχνική τους εκφραστικότητα, την πληρότητα και την ικανότητά τους να αποκαλύπτουν την πνευματική ζωή του αντικειμενικού κόσμου. Προτιμώντας πίνακες μεγάλου μεγέθους με πληθώρα όλων των ειδών αντικειμένων, οι Ολλανδοί ζωγράφοι περιορίζονται σε λίγα αντικείμενα περισυλλογής, επιδιώκοντας τη μέγιστη συνθετική και χρωματική ενότητα.
Η νεκρή φύση είναι ένα από τα είδη στα οποία τα ολλανδικά εθνικά χαρακτηριστικάφάνηκε ιδιαίτερα καθαρά. Νεκρές φύσεις που απεικονίζουν ταπεινά σκεύη, τόσο συνηθισμένα στην ολλανδική ζωγραφική και πολύ σπάνια στη φλαμανδική ζωγραφική, ή νεκρές φύσεις με είδη οικιακής χρήσης των πλουσίων τάξεων. Νεκρές φύσεις των Pieter Claes και Willem Heda, τυλιγμένες στο κρύο διάχυτο φως, με σχεδόν μονόχρωμο χρωματικό συνδυασμό ή αργότερα νεκρές φύσεις του Willem Kalf, όπου, κατά τη θέληση του καλλιτέχνη, ο χρυσός φωτισμός ζωντανεύει τις μορφές και τα ζωντανά χρώματα του αντικείμενα από το λυκόφως. Όλα χαρακτηρίζονται από κοινά εθνικά χαρακτηριστικά που δεν θα τους επιτρέψουν να αναμειχθούν με πίνακες άλλης σχολής, συμπεριλαμβανομένης της σχετικής φλαμανδικής. Στην ολλανδική νεκρή φύση υπάρχει πάντα ένα αίσθημα ήρεμης περισυλλογής και μια ιδιαίτερη αγάπη για τη μετάδοση πραγματικών μορφών του απτά υλικού κόσμου.
Ο De Heem κέρδισε την παγκόσμια αναγνώριση για τις υπέροχες εικόνες του με λουλούδια και φρούτα. Συνδύασε τη λεπτομέρεια της εικόνας μέχρι την παραμικρή λεπτομέρεια με μια εξαιρετική επιλογή χρωμάτων και εκλεπτυσμένη γεύση στη σύνθεση. Ζωγράφισε λουλούδια σε ανθοδέσμες και βάζα, στα οποία φτερουγίζουν συχνά πεταλούδες και έντομα, στεφάνια λουλουδιών σε κόγχες, παράθυρα και εικόνες Madonnas σε γκρι τόνους, γιρλάντες από φρούτα, νεκρές φύσεις με ποτήρια γεμάτα κρασί, σταφύλια και άλλα φρούτα και προϊόντα. Ο Hem χρησιμοποίησε με μαεστρία τις δυνατότητες του χρώματος και πέτυχε υψηλό βαθμό διαφάνειας οι εικόνες του άψυχου φύσης είναι εντελώς ρεαλιστικές. Οι πίνακές του βρίσκονται σχεδόν σε όλες τις μεγάλες γκαλερί τέχνης. Η ζωγραφική της νεκρής φύσης, η οποία διακρίθηκε για τον χαρακτήρα της, έγινε ευρέως διαδεδομένη στην Ολλανδία του 17ου αιώνα. Οι Ολλανδοί καλλιτέχνες επέλεξαν μια μεγάλη ποικιλία αντικειμένων για τη νεκρή φύση τους, ήξεραν πώς να τα τακτοποιήσουν τέλεια και αποκαλύπτουν τα χαρακτηριστικά κάθε αντικειμένου και την εσωτερική του ζωή, άρρηκτα συνδεδεμένη με την ανθρώπινη ζωή. Οι Ολλανδοί ζωγράφοι του 17ου αιώνα Pieter Claes (περίπου 1597 - 1661) και Willem Heda (1594 - 1680/1682) ζωγράφισαν πολυάριθμες εκδοχές «πρωινών», που απεικονίζουν ζαμπόν, κατακόκκινα ψωμάκια, πίτες με βατόμουρα, εύθραυστα ποτήρια στο μισό γεμισμένο με κρασί. τραπέζι, με εκπληκτική δεξιοτεχνία να μεταφέρει το χρώμα, τον όγκο, την υφή κάθε αντικειμένου. Η πρόσφατη παρουσία ενός ατόμου είναι αισθητή στη διαταραχή, την τυχαιότητα της διάταξης των πραγμάτων που μόλις τον υπηρέτησαν. Αλλά αυτή η διαταραχή είναι μόνο εμφανής, αφού η σύνθεση κάθε νεκρής φύσης είναι αυστηρά μελετημένη και βρεθεί. Μια συγκρατημένη γκριζωπό-χρυσή, λαδί τονική παλέτα ενώνει αντικείμενα και δίνει μια ιδιαίτερη ηχητικότητα σε εκείνα τα καθαρά χρώματα που τονίζουν τη φρεσκάδα ενός φρεσκοκομμένου λεμονιού ή το απαλό μετάξι μιας μπλε κορδέλας. Με τον καιρό, τα «πρωινά» των δασκάλων της νεκρής φύσης, των ζωγράφων Claes και Heda δίνουν τη θέση τους στα «επιδόρπια» των Ολλανδών καλλιτεχνών Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) και Willem Kalf (1622-1693). Οι νεκρές φύσεις του Beyeren είναι αυστηρές στη σύνθεση, συναισθηματικά πλούσιες και πολύχρωμες. Σε όλη του τη ζωή, ο Willem Kalf ζωγράφιζε με ελεύθερο τρόπο και δημοκρατικές «κουζίνες» - γλάστρες, λαχανικά και αριστοκρατικές νεκρές φύσεις σε μια επιλογή από εκλεκτά πολύτιμα αντικείμενα, γεμάτα συγκρατημένη αρχοντιά, όπως ασημένια δοχεία, κύπελλα, κοχύλια κορεσμένα με την εσωτερική καύση χρωματιστά. ΣΕ περαιτέρω ανάπτυξηΗ νεκρή φύση ακολουθεί τον ίδιο δρόμο με όλη την ολλανδική τέχνη, χάνοντας τη δημοκρατία της, την πνευματικότητα και την ποίησή της, τη γοητεία της. Η νεκρή φύση μετατρέπεται σε διακόσμηση για το σπίτι υψηλόβαθμων πελατών. Παρά τη διακοσμητικότητά τους και την επιδέξια εκτέλεσή τους, οι όψιμες νεκρές φύσεις προσδοκούν την παρακμή της ολλανδικής ζωγραφικής. Ο κοινωνικός εκφυλισμός και ο γνωστός αριστοκρατισμός της ολλανδικής αστικής τάξης στο τελευταίο τρίτο του 17ου αιώνα δημιούργησαν μια τάση σύγκλισης με τις αισθητικές απόψεις των γαλλικών ευγενών, οδηγώντας στην εξιδανίκευση των καλλιτεχνικών εικόνων και τη μείωσή τους. Η τέχνη χάνει τους δεσμούς με τη δημοκρατική παράδοση, χάνει τη ρεαλιστική της βάση και εισέρχεται σε μια περίοδο μακροχρόνιας παρακμής. Σοβαρά εξουθενωμένη στους πολέμους με την Αγγλία, η Ολλανδία χάνει τη θέση της ως μεγάλης εμπορικής δύναμης και μεγάλου καλλιτεχνικού κέντρου.
Ο Willem Heda (περ. 1594 - περ. 1682) ήταν ένας από τους πρώτους δεξιοτέχνες της ολλανδικής ζωγραφικής νεκρής φύσης τον 17ο αιώνα, του οποίου το έργο εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από τους συγχρόνους του. Ιδιαίτερα δημοφιλής στην Ολλανδία ήταν αυτός ο τύπος ζωγραφικής που ονομαζόταν «πρωινό». Δημιουργήθηκαν για να ταιριάζουν σε κάθε γούστο: από τους πλούσιους έως τους πιο μετριοπαθείς. Ο πίνακας «Πρωινό με Καβούρι» διακρίνεται για το μεγάλο του μέγεθος, που δεν είναι χαρακτηριστικό μιας ολλανδικής νεκρής φύσης (Παράρτημα Ι). Ο συνολικός χρωματικός συνδυασμός του έργου είναι ψυχρός, ασημί-γκρι με μερικές ροζ και καφέ κηλίδες. Η Kheda απεικόνισε με εξαιρετικό τρόπο ένα στρωμένο τραπέζι στο οποίο τα αντικείμενα που συνθέτουν το πρωινό είναι τοποθετημένα με προσεκτικά μελετημένη αταξία. Στην πιατέλα απλώνεται ένα καβούρι, που απεικονίζεται με όλες τις ιδιαιτερότητές του, δίπλα του ένα κιτρινισμένο λεμόνι, του οποίου η όμορφα κομμένη φλούδα, γυρίζοντας, κρέμεται κάτω. Στα δεξιά είναι πράσινες ελιές και ένα λαχταριστό τσουρέκι με χρυσαφένια κρούστα. Τα γυάλινα και μεταλλικά δοχεία προσθέτουν στιβαρότητα στη νεκρή φύση το χρώμα τους σχεδόν συγχωνεύεται με τη συνολική παλέτα.