Η διαμόρφωση του βιομηχανικού πολιτισμού είχε τεράστιο αντίκτυπο στην ευρωπαϊκή τέχνη. Όπως ποτέ άλλοτε, ήταν σε στενή σχέση με την κοινωνική ζωή, τις πνευματικές και υλικές ανάγκες των ανθρώπων. Στο πλαίσιο της αυξανόμενης αλληλεξάρτησης των λαών καλλιτεχνικές κινήσειςκαι τα πολιτιστικά επιτεύγματα εξαπλώθηκαν γρήγορα σε όλο τον κόσμο.
Ζωγραφική
Ο ρομαντισμός και ο ρεαλισμός εκδηλώθηκαν με ιδιαίτερη δύναμη στη ζωγραφική. Υπήρχαν πολλά σημάδια ρομαντισμού στο έργο του Ισπανός καλλιτέχνηςΦραγκίσκο Γκόγια (1746-1828).Χάρη στο ταλέντο και τη σκληρή δουλειά, ο γιος ενός φτωχού τεχνίτη έγινε μεγάλος ζωγράφος. Το έργο του αποτέλεσε μια ολόκληρη εποχή στην ιστορία της ευρωπαϊκής τέχνης. Υπέροχος καλλιτεχνικά πορτρέτα Ισπανίδες. Είναι γραμμένα με αγάπη και θαυμασμό. Διαβάζουμε αυτοεκτίμηση, περηφάνια και αγάπη για τη ζωή στα πρόσωπα των ηρωίδων, ανεξάρτητα από την κοινωνική τους καταγωγή.
Το θάρρος με το οποίο ο Γκόγια, ο ζωγράφος της αυλής, απεικόνισε ένα ομαδικό πορτρέτο της βασιλικής οικογένειας δεν σταματά ποτέ να εκπλήσσει. Μπροστά μας δεν υπάρχουν κυβερνήτες ή διαιτητές των πεπρωμένων της χώρας, αλλά πολύ απλοί, ακόμη και απλοί άνθρωποι. Η στροφή του Γκόγια στον ρεαλισμό μαρτυρείται επίσης από τους πίνακές του αφιερωμένους στον ηρωικό αγώνα του ισπανικού λαού ενάντια στον στρατό του Ναπολέοντα.
Η βασική φιγούρα του ευρωπαϊκού ρομαντισμού ήταν ο διάσημος Γάλλος καλλιτέχνηςΕυγένιος Ντελακρουά (1798-1863).Στη δουλειά του έβαλε πάνω από όλα τη φαντασία και τη φαντασία. Ορόσημο στην ιστορία του ρομαντισμού, και μάλιστα όλης της γαλλικής τέχνης, ήταν ο πίνακας του «Liberty Leading the People» (1830). Ο καλλιτέχνης απαθανάτισε την επανάσταση του 1830 σε καμβά μετά από αυτόν τον πίνακα, ο Ντελακρουά δεν στράφηκε πλέον στη γαλλική πραγματικότητα. Ενδιαφέρθηκε για το θέμα της Ανατολής και τα ιστορικά θέματα, όπου ένας επαναστατημένος ρομαντικός μπορούσε να δώσει ελεύθερα τη φαντασία και τη φαντασία του.
Οι μεγαλύτεροι ρεαλιστές καλλιτέχνες ήταν οι Γάλλοι Gustave Courbet (1819-1877) και Jean Millet (1814-1875).Οι εκπρόσωποι αυτής της τάσης προσπάθησαν για μια αληθινή απεικόνιση της φύσης. Το επίκεντρο ήταν καθημερινή ζωήκαι την ανθρώπινη εργασία. Αντί για ιστορικούς και θρυλικούς ήρωες που χαρακτηρίζουν τον κλασικισμό και τον ρομαντισμό, εμφανίστηκαν τα έργα τους απλοί άνθρωποι: κτηνοτρόφοι, αγρότες και εργάτες. Τα ονόματα των έργων ζωγραφικής μιλούν από μόνα τους: "Stone Crusher", "Knitters", "Gatherers of Ears".
Ένας αξιωματικός των έφιππων δασοφυλάκων της αυτοκρατορικής φρουράς εισέρχεται στην επίθεση, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). Ο πρώτος καλλιτέχνης του ρομαντικού κινήματος. Ο πίνακας εκφράζει τον ρομαντισμό της εποχής του Ναπολέοντα
Ο Κουρμπέ ήταν ο πρώτος που χρησιμοποίησε την έννοια του ρεαλισμού. Ο ίδιος όρισε τον στόχο της δουλειάς του ως εξής: «Να μπορώ να μεταφέρω τα ήθη, τις ιδέες, την εμφάνιση των ανθρώπων της εποχής στην εκτίμησή μου, να είμαι όχι μόνο καλλιτέχνης, αλλά και πολίτης, να δημιουργήσω ζωντανή τέχνη».
Στο τέλος τρίτα του XIX V. Η Γαλλία γίνεται ηγέτης στην ανάπτυξη της ευρωπαϊκής τέχνης. Ήταν μέσα Γαλλική ζωγραφικήγεννήθηκε ο ιμπρεσιονισμός (από το γαλλικό impression - impression). Το νέο κίνημα έγινε ένα γεγονός ευρωπαϊκής σημασίας. Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες προσπάθησαν να μεταφέρουν στον καμβά στιγμιαίες εντυπώσεις συνεχών και λεπτών αλλαγών στην κατάσταση της φύσης και του ανθρώπου.
Σε άμαξα τρίτης θέσης, 1862. O. Daumier (1808-1879). Ένας από τους πιο πρωτότυπους καλλιτέχνες της εποχής του. Ο Μπαλζάκ τον συνέκρινε με τον Μιχαήλ Άγγελο.
Ωστόσο, ο Daumier έγινε διάσημος για τις πολιτικές του γελοιογραφίες. Το «In a Third Class Car» παρουσιάζει μια μη εξιδανικευμένη εικόνα της εργατικής τάξης
Γυναίκα που διαβάζει. K. Corot (1796-1875). Ο διάσημος Γάλλος καλλιτέχνης ενδιαφέρθηκε ιδιαίτερα για το παιχνίδι του φωτός και ήταν προκάτοχος των ιμπρεσιονιστών.
Ταυτόχρονα, το έργο του φέρει τη σφραγίδα του ρεαλισμού.
Οι ιμπρεσιονιστές πραγματοποίησαν μια πραγματική επανάσταση στις τεχνικές ζωγραφικής. Συνήθως δούλευαν σε εξωτερικούς χώρους. Τα χρώματα και το φως έπαιξαν πολύ μεγαλύτερο ρόλο στη δουλειά τους από το ίδιο το σχέδιο. Εξέχοντες ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες ήταν οι Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Ο ιμπρεσιονισμός είχε τεράστια επιρροή σε τόσο μεγάλους δεξιοτέχνες του πινέλου όπως ο Vincent Van Gogh, ο Paul Cézanne, ο Paul Gauguin.
Εντύπωση. Ανατολή ηλίου, 1882.
Ο Claude Monet (1840-1926) ζωγράφιζε συχνά τα ίδια αντικείμενα σε διαφορετικές ώρες της ημέρας για να εξερευνήσει την επίδραση του φωτός στο χρώμα και το σχήμα.
Ia Orana Maria. P. Gauguin (1848-1903). Η δυσαρέσκεια του καλλιτέχνη με ευρωπαϊκό τρόποη ζωή τον ανάγκασε να εγκαταλείψει τη Γαλλία και να ζήσει στην Ταϊτή.
Οι τοπικές καλλιτεχνικές παραδόσεις και η ποικιλομορφία του γύρω κόσμου είχαν τεράστια επίδραση στη διαμόρφωση του καλλιτεχνικού του στυλ.
Ισπανός ζωγράφος που εργάστηκε στη Γαλλία. Ήδη σε ηλικία δέκα ετών ήταν καλλιτέχνης και στα δεκαέξι του έγινε η πρώτη του έκθεση. Άνοιξε το δρόμο για τον κυβισμό - ένα επαναστατικό κίνημα στην τέχνη του 20ού αιώνα. Οι κυβιστές εγκατέλειψαν την απεικόνιση του διαστήματος και της εναέριας προοπτικής. Αντικείμενα και ανθρώπινες μορφές μετατρέπονται σε συνδυασμό διαφόρων (ευθειών, κοίλων και καμπύλων) γεωμετρικών γραμμών και επιπέδων. Οι κυβιστές είπαν ότι ζωγραφίζουν όχι όπως βλέπουν, αλλά όπως ξέρουν
Όπως η ποίηση, έτσι και η ζωγραφική αυτής της εποχής είναι γεμάτη από ανήσυχα και ασαφή προαισθήματα. Από αυτή την άποψη, το έργο του ταλαντούχου Γάλλου συμβολιστή καλλιτέχνη Odilon Redon (1840-1916) είναι πολύ χαρακτηριστικό. Το συγκλονιστικό του στα 80s. σχέδιο "Spider" - γράφοντας στον τοίχοο πρώτος παγκόσμιος πόλεμος. Η αράχνη απεικονίζεται με ένα ανατριχιαστικό ανθρώπινο πρόσωπο. Τα πλοκάμια του είναι σε κίνηση και επιθετικά. Ο θεατής μένει με την αίσθηση μιας επικείμενης καταστροφής.
ΜΟΥΣΙΚΗ
Η μουσική δεν έχει υποστεί τόσο σημαντικές αλλαγές όσο άλλες μορφές τέχνης. Αλλά επηρεάστηκε επίσης από τον βιομηχανικό πολιτισμό, την εθνική απελευθέρωση και επαναστατικά κινήματα, που συγκλόνισε την Ευρώπη σε όλο τον αιώνα. Τον 19ο αιώνα η μουσική ξεπέρασε τα ανάκτορα των ευγενών και τους εκκλησιαστικούς ναούς. Έγινε πιο κοσμικό και πιο προσιτό στον ευρύτερο πληθυσμό. Η ανάπτυξη των εκδόσεων συνέβαλε στην ταχεία εκτύπωση παρτιτούρας και διανομή μουσικά έργα. Παράλληλα δημιουργήθηκαν νέα μουσικά όργανα και βελτιώθηκαν παλιά. Το πιάνο έγινε αναπόσπαστο και καθημερινό πράγμα στο σπίτι της ευρωπαϊκής αστικής τάξης.
Μέχρι τα τέλη του 19ου αι. Η κυρίαρχη τάση στη μουσική ήταν ο ρομαντισμός. Στην απαρχή του βρίσκεται η γιγάντια φιγούρα του Μπετόβεν. Ο Λούντβιχ φον Μπετόβεν (1770-1827) σεβάστηκε την κλασική κληρονομιά του 18ου αιώνα. Αν έκανε αλλαγές στους υπάρχοντες κανόνες μουσική τέχνη, το έκανε προσεκτικά, προσπαθώντας να μην προσβάλει τους προκατόχους του. Σε αυτό διέφερε από πολλούς ρομαντικούς ποιητές, που συχνά ανέτρεφαν τους πάντες και τα πάντα. Ο Μπετόβεν ήταν τόσο λαμπρός που παρόλο που ήταν κωφός, μπορούσε να δημιουργήσει αθάνατα έργα. Η περίφημη Ένατη Συμφωνία του και " Σονάτα του σεληνόφωτος«εμπλούτισε το θησαυροφυλάκιο της μουσικής τέχνης.
Οι ρομαντικοί μουσικοί άντλησαν έμπνευση από μοτίβα λαϊκών τραγουδιών και χορευτικούς ρυθμούς. Στη δουλειά τους στράφηκαν συχνά κυριολεκτικά δουλεύει- Σαίξπηρ, Γκαίτε, Σίλερ. Μερικοί από αυτούς έδειξαν μια τάση για τη δημιουργία γιγαντιαίων ορχηστρικών έργων, κάτι που δεν ήταν καν το 18ο αιώνα. Αλλά αυτή η επιθυμία ήταν τόσο σύμφωνη με την ισχυρή πορεία του βιομηχανικού πολιτισμού! Γάλλος συνθέτηςΟ Έκτορας Μπερλιόζ ήταν ιδιαίτερα εντυπωσιακός στο μεγαλείο των σχεδίων του.Έτσι, έγραψε μια σύνθεση για μια ορχήστρα που αποτελείται από 465 μουσικά όργανα, συμπεριλαμβανομένων 120 τσέλο, 37 μπάσα, 30 πιάνα και 30 άρπες.
Κατείχε μια τέτοια δεξιοτεχνική τεχνική που υπήρχαν φήμες ότι ήταν ο ίδιος ο διάβολος που του έμαθε να παίζει βιολί. Στη μέση μιας μουσικής παράστασης, ένας βιολιστής μπορούσε να σπάσει τρεις χορδές και να συνεχίσει να παίζει εξίσου εκφραστικά στη μοναδική χορδή που είχε απομείνει.
Τον 19ο αιώνα πολλές ευρωπαϊκές χώρες έχουν δώσει στον κόσμο σπουδαίους συνθέτες και μουσικούς. Στην Αυστρία και τη Γερμανία, εθνική και παγκόσμιο πολιτισμόεμπλουτίστηκε από τους Franz Schubert και Richard Wagner, στην Πολωνία - Frederic Chopin, στην Ουγγαρία - Franz Liszt, στην Ιταλία - Gioachino Rossini και Giuseppe Verdi, στην Τσεχία - Bedřich Smetana, στη Νορβηγία - Edvard Grieg, στη Ρωσία - Glinka, Rimsky Korsakov , Borodin, Mussorgsky και Tchaikovsky.
Από τη δεκαετία του 20 XIX αιώνα Στην Ευρώπη, αρχίζει μια τρέλα για έναν νέο χορό - το βαλς. Το βαλς προήλθε από την Αυστρία και τη Γερμανία στα τέλη του 18ου αιώνα, προερχόμενο από το αυστριακό Ländler - έναν παραδοσιακό χορό των αγροτών.
Αρχιτεκτονική
Η ανάπτυξη του βιομηχανικού πολιτισμού είχε τεράστιο αντίκτυπο ευρωπαϊκή αρχιτεκτονική. Η επιστημονική και τεχνολογική πρόοδος συνέβαλε στην καινοτομία. Τον 19ο αιώνα Μεγάλα κτίρια κρατικής και δημόσιας σημασίας χτίστηκαν πολύ πιο γρήγορα. Από τότε άρχισαν να χρησιμοποιούνται νέα υλικά στις κατασκευές, ιδιαίτερα ο σίδηρος και ο χάλυβας. Με την ανάπτυξη της εργοστασιακής παραγωγής, σιδηροδρομικές μεταφορέςκαι μεγάλες πόλεις, εμφανίζονται νέοι τύποι κατασκευών - σιδηροδρομικοί σταθμοί, χαλύβδινες γέφυρες, τράπεζες, μεγάλα καταστήματα, εκθεσιακά κτίρια, νέα θέατρα, μουσεία, βιβλιοθήκες.
Αρχιτεκτονική τον 19ο αιώνα. διακρίθηκε για την ποικιλία στυλ, τη μνημειακότητα και τον πρακτικό σκοπό.
Πρόσοψη του κτηρίου της Όπερας του Παρισιού. Χτίστηκε το 1861 -1867. Εκφράζει μια εκλεκτική σκηνοθεσία, εμπνευσμένη από την εποχή της Αναγέννησης και του Μπαρόκ
Καθ' όλη τη διάρκεια του αιώνα, το νεοκλασικό στυλ ήταν το πιο συνηθισμένο.Κτίριο Βρετανικό Μουσείοστο Λονδίνο, που χτίστηκε το 1823-1847, δίνει μια σαφή ιδέα της αρχαίας (κλασικής) αρχιτεκτονικής. Μέχρι τη δεκαετία του '60. Το λεγόμενο «ιστορικό στυλ» ήταν της μόδας, που εκφραζόταν σε μια ρομαντική μίμηση της αρχιτεκτονικής του Μεσαίωνα. Στα τέλη του 19ου αιώνα. υπάρχει επιστροφή στο γοτθικό στην κατασκευή εκκλησιών και δημόσιων κτιρίων (νεογοτθικό, δηλ. νέο γοτθικό). Για παράδειγμα, τα κτήρια του Κοινοβουλίου στο Λονδίνο. Σε αντίθεση με το νεογοτθικό, εμφανίστηκε μια νέα κατεύθυνση, η Art Nouveau (νέα τέχνη). Χαρακτηριζόταν από ομαλά περιγράμματα κτιρίων, χώρων και εσωτερικών λεπτομερειών. Στις αρχές του 20ου αιώνα. Προέκυψε μια άλλη κατεύθυνση - ο μοντερνισμός. Το στυλ Art Nouveau διακρίνεται από την πρακτικότητα, την αυστηρότητα και τη στοχαστικότητα και την έλλειψη διακόσμησης. Ήταν αυτό το στυλ που αντανακλούσε την ουσία του βιομηχανικού πολιτισμού καιστο μέγιστο βαθμό
συνδέονται με την εποχή μας. Στη διάθεσή της, η ευρωπαϊκή τέχνη του τέλους του 19ου - αρχών του 20ου αιώνα. ήταν σε αντίθεση. Από τη μια η αισιοδοξία και η χαρά της ζωής που ξεχειλίζει. Από την άλλη πλευρά, υπάρχει έλλειψη πίστης στις δημιουργικές δυνατότητες του ανθρώπου. Και σε αυτό δεν πρέπει να αναζητά κανείς αντιφάσεις. Η τέχνη αντανακλούσε μόνο με τον δικό της τρόπο αυτό που συνέβαινεπραγματικό κόσμο
. Τα μάτια των ποιητών, των συγγραφέων και των καλλιτεχνών ήταν πιο αιχμηρά και πιο διορατικά. Είδαν αυτό που οι άλλοι δεν είδαν και δεν μπορούσαν να δουν.
ΑΥΤΟ ΕΙΝΑΙ ΕΝΔΙΑΦΕΡΟΝ ΝΑ ΞΕΡΕΙΣ «Προτιμώ να ζωγραφίζω τα μάτια των ανθρώπων παρά τους καθεδρικούς ναούς…ανθρώπινη ψυχή , ακόμη και η ψυχή ενός άτυχου ζητιάνου... κατά τη γνώμη μου, είναι πολύ πιο ενδιαφέρουσα», είπε ο Βίνσεντ Βαν Γκογκ. Ο μεγάλος καλλιτέχνης έζησε όλη του τη ζωή στη φτώχεια και τις στερήσεις, συχνά δεν είχε χρήματα για καμβά και μπογιές και ουσιαστικά εξαρτιόταν από τον μικρότερο αδερφό του. Οι σύγχρονοι δεν αναγνώρισαν καμία αξία σε αυτόν. Όταν πέθανε ο Βαν Γκογκ, μόνο λίγοι άνθρωποι ακολούθησαν το φέρετρο. Μόνο δύο τρεις δωδεκάδες άνθρωποι στην Ευρώπη μπορούσαν να εκτιμήσουν την τέχνη του, η οποίασπουδαίος καλλιτέχνης
που απευθύνεται στο μέλλον. Όμως έχουν περάσει χρόνια. Τον 20ο αιώνα Ο καλλιτέχνης έλαβε την άξια, αν και καθυστερημένη, φήμη. Πλέον πληρώνονταν τεράστια ποσά για τους πίνακες του Βαν Γκογκ. Για παράδειγμα, ο πίνακας «Ηλιοτρόπια» πουλήθηκε σε δημοπρασία για ποσό ρεκόρ 39,9 εκατομμυρίων δολαρίων. Αλλά αυτό το επίτευγμα ξεπέρασε επίσης ο πίνακας «Irises», ο οποίος πουλήθηκε για 53,9 εκατομμύρια δολάρια.
Βιβλιογραφικές αναφορές: V. S. Koshelev, I. V. Orzhekhovsky, V. I. Sinitsa /Η Παγκόσμια Ιστορία
Σύγχρονοι χρόνοι XIX - πρώιμοι. XX αιώνας, 1998. Ο 19ος αιώνας άφησε ανεξίτηλα σημάδια σε όλες τις μορφές τέχνης. Είναι ώρα αλλαγήςκαι απαιτήσεις, κολοσσιαία πρόοδος στην αρχιτεκτονική, τις κατασκευές και τη βιομηχανία. Μεταρρυθμίσεις και επαναστάσεις πραγματοποιούνται ενεργά στην Ευρώπη, δημιουργούνται τραπεζικοί και κυβερνητικοί οργανισμοί και όλες αυτές οι αλλαγές επηρέασαν άμεσα τους καλλιτέχνες. Ξένοι καλλιτέχνεςΟ 19ος αιώνας έφερε τη ζωγραφική σε ένα νέο, περισσότερο σύγχρονο επίπεδο, εισάγοντας σταδιακά τέτοιες τάσεις όπως ο ιμπρεσιονισμός και ο ρομαντισμός, που έπρεπε να περάσουν από πολλές δοκιμασίες πριν αναγνωριστούν από την κοινωνία. Οι καλλιτέχνες των περασμένων αιώνων δεν βιάζονταν να προικίσουν τους χαρακτήρες τους με βίαια συναισθήματα, αλλά τους απεικόνισαν ως περισσότερο ή λιγότερο συγκρατημένους. Όμως ο ιμπρεσιονισμός είχε στα χαρακτηριστικά του αχαλίνωτο και τολμηρό κόσμος φαντασίας, που συνδυάστηκε έντονα με ρομαντικό μυστήριο. Τον 19ο αιώνα, οι καλλιτέχνες άρχισαν να σκέφτονται έξω από το κουτί, απορρίπτοντας εντελώς τα αποδεκτά πρότυπα, και αυτό το σθένος μεταφέρεται στη διάθεση των έργων τους. Την περίοδο αυτή εργάστηκαν πολλοί καλλιτέχνες, τα ονόματα των οποίων θεωρούμε ακόμα σπουδαία και τα έργα τους αμίμητα.
Γαλλία
Ισπανία
Η Ιβηρική Χερσόνησος μας έδωσε επίσης πολλά διάσημα ονόματα, όπως:
Ολλανδία
Ο Βίνσεντ Βαν Γκογκ είναι ένας από τους περισσότερους επιφανείς Ολλανδοί. Όπως όλοι γνωρίζουν, ο Βαν Γκογκ υπέφερε από σοβαρή ψυχική ασθένεια, αλλά αυτό δεν επηρέασε την εσωτερική του ιδιοφυΐα. Εκτελέστηκε σε ασυνήθιστη τεχνική, οι πίνακές του έγιναν δημοφιλείς μόνο μετά το θάνατο του καλλιτέχνη. Τα πιο διάσημα: "Starry Night", "Irises", "Sunflowers" περιλαμβάνονται στη λίστα με τα περισσότερα ακριβά έργατέχνη σε όλο τον κόσμο, αν και ο Βαν Γκογκ δεν είχε κάποια ειδική καλλιτεχνική παιδεία.
Νορβηγία
Ο Edvard Munch είναι νορβηγός, διάσημος για τη ζωγραφική του. Το έργο του Edvard Munch διακρίνεται έντονα από μελαγχολία και κάποια απερισκεψία. Θάνατος της μητέρας και αδελφήακόμη και στην παιδική ηλικία, οι δυσλειτουργικές σχέσεις με τις κυρίες επηρέασαν σε μεγάλο βαθμό το ζωγραφικό στυλ του καλλιτέχνη. Για παράδειγμα, όλοι διάσημο έργοΤο «Scream» και το εξίσου δημοφιλές «Sick Girl» κουβαλούν πόνο, βάσανα και καταπίεση.
ΗΠΑ
Ο Kent Rockwell είναι ένας από τους διάσημους Αμερικανοί τοπιογράφοι. Τα έργα του συνδυάζουν ρεαλισμό και ρομαντισμό, που αποδίδει με μεγάλη ακρίβεια τη διάθεση του εικονιζόμενου. Μπορείς να κοιτάς τα τοπία του για ώρες και να ερμηνεύεις διαφορετικά τα σύμβολα κάθε φορά. Λίγοι καλλιτέχνες μπόρεσαν να απεικονίσουν τη χειμερινή φύση με τέτοιο τρόπο ώστε οι άνθρωποι που την κοιτάζουν να νιώθουν πραγματικά το κρύο. Ο κορεσμός χρωμάτων και η αντίθεση είναι το αναγνωρίσιμο στυλ της Rockwell.
Ο 19ος αιώνας είναι πλούσιος σε λαμπρούς δημιουργούς που έκαναν τεράστια συνεισφορά στην τέχνη. Ξένο καλλιτέχνες του 19ου αιώνααιώνες άνοιξαν την πόρτα σε αρκετά νέα κινήματα, όπως ο μετα-ιμπρεσιονισμός και ο ρομαντισμός, που στην πραγματικότητα αποδείχτηκε δύσκολο εγχείρημα. Οι περισσότεροι απέδειξαν ακούραστα στην κοινωνία ότι η δημιουργικότητά τους έχει το δικαίωμα ύπαρξης, αλλά πολλοί τα κατάφεραν, δυστυχώς, μόνο μετά θάνατον. Ο αχαλίνωτος χαρακτήρας, το θάρρος και η ετοιμότητά τους για μάχη συνδυάζονται με εξαιρετικό ταλέντο και ευκολία αντίληψης, που τους δίνει κάθε δικαίωμα να καταλάβουν ένα σημαντικό και σημαντικό κύτταρο.
Ιμπρεσιονισμός. Συμβολισμός. Νεωτερισμός.
Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, μια κατεύθυνση εμφανίστηκε στη δυτική τέχνη που αργότερα θα ονομαζόταν «μοντερνισμός». Το πρώτο του κίνημα μπορεί να θεωρηθεί ο ιμπρεσιονισμός, που εμφανίστηκε στη δεκαετία του '60. Αυτό το κίνημα δεν είναι ακόμη πλήρως μοντερνιστικό. Φεύγει από τον ρεαλισμό και απομακρύνεται όλο και πιο πολύ από αυτόν, χωρίς να τον σπάει τελείως. Ο ιμπρεσιονισμός δεν είναι ακόμη μοντερνισμός, αλλά δεν είναι πια ρεαλισμός. Μπορεί κάλλιστα να θεωρηθεί ακριβώς ως η αρχή του μοντερνισμού, αφού ήδη περιέχει τα κύρια χαρακτηριστικά του.
Το πρώτο συνδέεται με μια σαφή μετατόπιση της έμφασης από το αντικείμενο στο υποκείμενο, από την αντικειμενικότητα και την αλήθεια στην υποκειμενική αίσθηση. Στον ιμπρεσιονισμό, το κύριο πράγμα δεν είναι το εικονιζόμενο αντικείμενο, αλλά η αντίληψή του, η εντύπωση που προκαλεί στον καλλιτέχνη. Η πιστότητα στο αντικείμενο δίνει τη θέση της στην πιστότητα στην αντίληψη, η πιστότητα στη φευγαλέα εντύπωση. Η αρχή της «απιστίας προς το υποκείμενο» θα γίνει τότε μια από τις βασικές αρχές της αισθητικής του μοντερνισμού, μετατρέποντας στην αρχή της συνειδητής παραμόρφωσης, παραμόρφωσης και αποσύνθεσης του υποκειμένου, στην αρχή της απόρριψης του υποκειμένου, της αντικειμενικότητας και της παραστατικότητας. Η τέχνη γίνεται όλο και περισσότερο η τέχνη της αυτοέκφρασης του καλλιτέχνη.
Το δεύτερο σημάδι είναι ιδιαίτερη προσοχήστον πειραματισμό, την αναζήτηση ολοένα καινούργιων εκφραστικών μέσων, τεχνικών και καλλιτεχνικών τεχνικών. Σε αυτό, οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες ακολουθούν το παράδειγμα των επιστημόνων. Ασχολούνται με ενθουσιασμό με την αποσύνθεση των τόνων, το παιχνίδι των χρωματικών αντανακλάσεων και τους ασυνήθιστους συνδυασμούς χρωμάτων. Τους αρέσει η ρευστότητα, η μεταβλητότητα, η κινητικότητα. Δεν ανέχονται τίποτα παγωμένο και στατικό. Οι ιμπρεσιονιστές παρουσιάζουν ιδιαίτερο ενδιαφέρον στις διαδικασίες αλληλεπίδρασης αντικειμένων με την ατμόσφαιρα, τον αέρα, το φως, την ομίχλη, την αιθαλομίχλη και το φως του ήλιου. Χάρη σε όλα αυτά, έκαναν σημαντικά βήματα και επιτεύγματα στον τομέα του χρώματος και της φόρμας.
Στον ιμπρεσιονισμό, το πάθος για πειραματισμό, η αναζήτηση νέων τεχνικών, η αναζήτηση της καινοτομίας και της πρωτοτυπίας δεν γίνονται ακόμη αυτοσκοπός. Ωστόσο, πολλά μεταγενέστερα κινήματα του μοντερνισμού έρχονται ακριβώς σε αυτό, συνέπεια των οποίων είναι η άρνηση του καλλιτέχνη στο τελικό αποτέλεσμα, ενός έργου τέχνης, το οποίο νοείται ως κάτι πλήρες και ολοκληρωμένο.
Ένα άλλο χαρακτηριστικό του ιμπρεσιονισμού, εν μέρει συνέπεια και άμεση συνέχεια όσων ήδη αναφέρθηκαν, συνδέεται με την απομάκρυνση από τα κοινωνικά ζητήματα. Η πραγματική ζωή είναι παρούσα στα έργα των ιμπρεσιονιστών, αλλά εμφανίζεται με τη μορφή μιας εικαστικής παράστασης. Το βλέμμα του καλλιτέχνη φαίνεται να γλιστράει πάνω από την επιφάνεια των κοινωνικών φαινομένων, αποτυπώνοντας κυρίως χρωματικές αισθήσεις, χωρίς να σταματά πάνω τους και χωρίς να βυθίζεται μέσα τους. Σε μετέπειτα κινήματα του μοντερνισμού, αυτή η τάση εντείνεται, καθιστώντας τον ακοινωνική, ακόμη και αντικοινωνική.
Τα κεντρικά πρόσωπα του ιμπρεσιονισμού είναι οι C. Monet (1840-1926), C. Pissarro (1830 - 1903), O. Renoir (1841 - 1919).
Ο ιμπρεσιονισμός ενσωματώθηκε πλήρως στο έργο του Μονέ. Το αγαπημένο θέμα των έργων του είναι το τοπίο - ένα χωράφι, ένα δάσος, ένα ποτάμι, μια κατάφυτη λιμνούλα. Όρισε την κατανόησή του για το τοπίο ως εξής: «Το τοπίο είναι μια στιγμιαία εντύπωση». Από τον πίνακα του «Sunrise. «Impression» ήταν το όνομα ολόκληρου του κινήματος (στα γαλλικά «impression» είναι «impression»). Τα περίφημα «Haystacks» του έφεραν τη μεγαλύτερη φήμη. Έδειχνε επίσης ένα ιδιαίτερο πάθος για την απεικόνιση του νερού. Για αυτό, κατασκεύασε ένα ειδικό σκάφος εργαστηρίου, το οποίο του επέτρεπε να αφιερώνει ώρες παρατηρώντας τη συμπεριφορά του νερού και την αντανάκλαση των αντικειμένων σε αυτό. Σε όλα αυτά, ο Μονέ σημείωσε εντυπωσιακή επιτυχία, γεγονός που έδωσε στον Ε. Μανέ αφορμή να τον αποκαλεί «Ραφαήλ του νερού». Ο πίνακας «Καθεδρικός της Ρουέν» είναι επίσης πολύ αξιοσημείωτος.
Ο K. Pissaro δίνει προτίμηση στο τοπίο της πόλης - απεικονίζει σπίτια, λεωφόρους, δρόμους γεμάτους με άμαξες και περιπατητικές δημόσιες, καθημερινές σκηνές.
Ο Ο. Ρενουάρ δίνει μεγάλη σημασία στο γυμνό, τα πορτρέτα - ειδικά τα γυναικεία. Ένα εντυπωσιακό παράδειγμαΗ τέχνη του πορτρέτου είναι ένα πορτρέτο του καλλιτέχνη J. Samary. Ζωγράφισε επίσης το «Bathing on the Seine» και το «Moulin de la Galette».
Γύρω στα μέσα της δεκαετίας του '80, ο ιμπρεσιονισμός άρχισε να βιώνει μια κρίση και δύο ανεξάρτητα κινήματα σχηματίστηκαν σε αυτόν - ο νεοϊμπρεσιονισμός και ο μετα-ιμπρεσιονισμός.
Το πρώτο εκπροσωπείται από τους καλλιτέχνες J. Seurat και P. Signac. Με βάση τα επιτεύγματα της επιστήμης των χρωμάτων, καταλήγουν στη λογική τους κατάληξη μερικά από τα χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού - την αποσύνθεση των τόνων σε καθαρά χρώματα και το πάθος για πειράματα. Από καλλιτεχνική και αισθητική άποψη, η κίνηση αυτή δεν προκάλεσε ιδιαίτερο ενδιαφέρον.
Ο μετα-ιμπρεσιονισμός «φαινόταν να είναι ένα πολύ πιο παραγωγικό και ενδιαφέρον φαινόμενο. Οι κύριες μορφές της ήταν οι P. Cezanne (1839 - 1906), V. Van Gogh (1853 - 1890) και P. Gauguin (1848 - 1903), μεταξύ των οποίων ξεχώρισε ο P. Cezanne.
Στο έργο του ο Π. Σεζάν διατήρησε ό,τι πιο ουσιαστικό στον ιμπρεσιονισμό και ταυτόχρονα δημιούργησε μια νέα τέχνη, αναπτύσσοντας μια τάση απομάκρυνσης από το θέμα, από την εξωτερική του εμφάνιση. Ταυτόχρονα κατάφερε να ξεπεράσει την απατηλή και εφήμερη φύση όσων απεικονίζονται, χαρακτηριστικό του ιμπρεσιονισμού.
Θυσιάζοντας την εξωτερική ομοιότητα ενός αντικειμένου, ο P. Cezanne μεταφέρει με εξαιρετική δύναμη τις κύριες ιδιότητες και ιδιότητες του, την υλικότητα, την πυκνότητα και την έντασή του, μια ορισμένη «υλικότητα ενός πράγματος». Σε αντίθεση με τον ιμπρεσιονισμό, για να δημιουργήσει έργα, χρησιμοποιεί όχι μόνο οπτικές αισθήσεις, αλλά όλες τις αισθήσεις. Στο έργο του εξέφραζε έντονα και δυνατά την προσωπική του φύση. Όπως σημειώνει ο Π. Πικάσο, ο Π. Σεζάν ζωγράφιζε τον εαυτό του σε όλη του τη ζωή.
Ανάμεσα στα έργα του Π. Σεζάν ξεχωρίζουν όπως «Αυτοπροσωπογραφία», «Φρούτα», «Νεκρή φύση με κουρτίνα», «Οχθες της Μάρνης», «Κυρία με τα μπλε». Ο Π. Σεζάν είχε τεράστια επιρροή σε όλο τον μετέπειτα μοντερνισμό. Ο A. Matisse τον αποκάλεσε «γενικό δάσκαλο» ευρύ φάσμανέους καλλιτέχνες που αργότερα έγιναν διάσημοι και διάσημοι.
Εκτός από τη ζωγραφική, ο ιμπρεσιονισμός εκδηλώθηκε και σε άλλες μορφές τέχνης. Στη μουσική, την επιρροή του βίωσε ο Γάλλος συνθέτης C. Debussy (1862 - 1918), στη γλυπτική - από τον Γάλλο γλύπτη O. Rodin (1840 - 1917).
Στη δεκαετία του '80, ένα κίνημα συμβολισμού εμφανίστηκε στη Γαλλία, το οποίο μπορεί να θεωρηθεί πλήρως μοντερνισμός. Είναι πιο διαδεδομένο στην ποίηση και τη λογοτεχνία. Ο συμβολισμός συνέχισε τη γραμμή του ρομαντισμού και της «τέχνη για την τέχνη», γεμάτη με ένα αίσθημα απογοήτευσης στον κόσμο γύρω μας, με στόχο την αναζήτηση της καθαρής ομορφιάς και του καθαρού αισθητισμού.
Στο μανιφέστο τους οι Συμβολιστές αυτοανακηρύχθηκαν τραγουδιστές της παρακμής, της παρακμής και του θανάτου του αστικού κόσμου. Αντιτάχθηκαν στην επιστήμη και τη θετικιστική φιλοσοφία, πιστεύοντας ότι η λογική και η ορθολογική λογική δεν μπορούν να διεισδύσουν στον κόσμο των «κρυμμένων πραγματικοτήτων», των «ιδανικών ουσιών» και της «αιώνιας ομορφιάς». Μόνο η τέχνη είναι ικανή για αυτό - χάρη στη δημιουργική φαντασία, την ποιητική διαίσθηση και τη μυστικιστική διορατικότητα. Ο συμβολισμός εξέφραζε ένα τραγικό προαίσθημα επικείμενων κοινωνικών αναταραχών, αποδεχόμενος τους ως καθαρτικό τεστ και πληρωμή για την αληθινή πνευματική ελευθερία.
Κεντρικά πρόσωπα του γαλλικού συμβολισμού είναι οι ποιητές S. Mallarmé (1842 - 1898), P. Verlaine (1844 - 1896), A. Rimbaud (1854 - 1891). Ο πρώτος θεωρείται ο ιδρυτής του κινήματος. Ο δεύτερος δημιούργησε όμορφα αριστουργήματα στίχων. Ο A. Rimbaud έγινε ένας από τους πιο πρωτότυπους και λαμπρούς ποιητές της Γαλλίας. Είχε μεγάλη επιρροή στη γαλλική ποίηση του 20ού αιώνα.
Ο συμβολισμός έχει γίνει ευρέως διαδεδομένος σε πολλούς ΕΥΡΩΠΑΙΚΕΣ ΧΩΡΕΣ. Στην Αγγλία εκπροσωπείται, καταρχάς, από τον συγγραφέα O. Wilde (1854 - 1900), συγγραφέα του διάσημου μυθιστορήματος «The Picture of Dorian Gray», καθώς και του ποιήματος «The Ballad of Reading Gaol». Στην Αυστρία, ο ποιητής R.M Rilke (1875 - 1926) ήταν κοντά στον συμβολισμό, ο οποίος εκδηλώθηκε ιδιαίτερα στα έργα του "The Book of Images" και "The Book of Hours". Ένας άλλος εξέχων εκπρόσωπος του συμβολισμού είναι ο Βέλγος θεατρικός συγγραφέας και ποιητής M. Maeterlinck (1862 - 1949), συγγραφέας του περίφημου «Μπλε πουλί».
Ο 19ος αιώνας έχει θεμελιώδη σημασία στην ιστορία της Δύσης. Είναι αυτή τη στιγμή που όλα εξελίσσονται πλήρως νέου τύπουπολιτισμός - βιομηχανικός. Βασίστηκε στην επιστημονική και τεχνολογική πρόοδο. Ως εκ τούτου, ένα από τα κύρια ιδανικά του Διαφωτισμού - το ιδανικό της προόδου της λογικής - έλαβε την πληρέστερη ενσωμάτωσή του σε αυτό.
Η εμφάνιση της αστικής δημοκρατίας συνέβαλε στην επέκταση πολιτική ελευθερία. Όσο για άλλα ιδανικά και αξίες του εκπαιδευτικού ανθρωπισμού, η εφαρμογή τους συνάντησε σοβαρές δυσκολίες και εμπόδια. Επομένως, η γενική εκτίμηση του 19ου αιώνα δεν μπορεί να είναι μονοσήμαντη.
Από τη μια πλευρά, υπάρχουν πρωτόγνωρες επιτυχίες και επιτεύγματα πολιτισμού. Την ίδια στιγμή, ο αναδυόμενος βιομηχανικός πολιτισμός αρχίζει να παραγκωνίζει όλο και περισσότερο τον πνευματικό πολιτισμό.
Πρώτα απ 'όλα, αυτό επηρέασε τη θρησκεία, και στη συνέχεια άλλους τομείς του πνευματικού πολιτισμού: τη φιλοσοφία, την ηθική και την τέχνη. Γενικά, μπορούμε να πούμε ότι τον 19ο αιώνα εμφανίστηκε στον δυτικό κόσμο μια επικίνδυνη τάση απανθρωποποίησης του πολιτισμού, η συνέπεια της οποίας στα τέλη του αιώνα ήταν το σύστημα της αποικιοκρατίας και τον 20ο αιώνα - δύο παγκόσμιοι πόλεμοι
Ευρωπαϊκή τέχνη του τέλους του 19ου αιώνα - αρχές του 20ου αιώνα.
Η διαμόρφωση του βιομηχανικού πολιτισμού είχε τεράστιο αντίκτυπο στην ευρωπαϊκή τέχνη. Όπως ποτέ άλλοτε, ήταν σε στενή σχέση με την κοινωνική ζωή, τις πνευματικές και υλικές ανάγκες των ανθρώπων. Στο πλαίσιο της αυξανόμενης αλληλεξάρτησης των λαών, τα καλλιτεχνικά κινήματα και τα πολιτιστικά επιτεύγματα εξαπλώθηκαν γρήγορα σε όλο τον κόσμο.
Ζωγραφική. Ο ρομαντισμός και ο ρεαλισμός εκδηλώθηκαν με ιδιαίτερη δύναμη στη ζωγραφική. Υπήρχαν πολλά σημάδια ρομαντισμού στο έργο του Ισπανού καλλιτέχνη Francisco Goya (1746-1828). Χάρη στο ταλέντο και τη σκληρή δουλειά, ο γιος ενός φτωχού τεχνίτη έγινε μεγάλος ζωγράφος. Το έργο του αποτέλεσε μια ολόκληρη εποχή στην ιστορία της ευρωπαϊκής τέχνης. Τα καλλιτεχνικά πορτρέτα των Ισπανών γυναικών είναι υπέροχα. Είναι γραμμένα με αγάπη και θαυμασμό. Διαβάζουμε αυτοεκτίμηση, περηφάνια και αγάπη για τη ζωή στα πρόσωπα των ηρωίδων, ανεξάρτητα από την κοινωνική τους καταγωγή.
Το θάρρος με το οποίο ο Γκόγια, ο ζωγράφος της αυλής, απεικόνισε ένα ομαδικό πορτρέτο της βασιλικής οικογένειας δεν σταματά ποτέ να εκπλήσσει. Μπροστά μας δεν υπάρχουν κυβερνήτες ή διαιτητές των πεπρωμένων της χώρας, αλλά πολύ απλοί, ακόμη και απλοί άνθρωποι. Η στροφή του Γκόγια στον ρεαλισμό μαρτυρείται επίσης από τους πίνακές του αφιερωμένους στον ηρωικό αγώνα του ισπανικού λαού ενάντια στον στρατό του Ναπολέοντα.
Ο Κάρολος Δ' και η οικογένειά του. Φ. Γκόγια. Αριστερά (στη σκιά) ο καλλιτέχνης απεικόνιζε τον εαυτό του
Βασικό πρόσωπο του ευρωπαϊκού ρομαντισμού ήταν ο διάσημος Γάλλος καλλιτέχνης Eugene Delacroix (1798-1863). Στη δουλειά του έβαλε πάνω από όλα τη φαντασία και τη φαντασία. Ορόσημο στην ιστορία του ρομαντισμού, και μάλιστα όλης της γαλλικής τέχνης, ήταν ο πίνακας του «Liberty Leading the People» (1830). Ο καλλιτέχνης απαθανάτισε την επανάσταση του 1830 σε καμβά μετά από αυτόν τον πίνακα, ο Ντελακρουά δεν στράφηκε πλέον στη γαλλική πραγματικότητα. Ενδιαφέρθηκε για το θέμα της Ανατολής και τα ιστορικά θέματα, όπου ένας επαναστατημένος ρομαντικός μπορούσε να δώσει ελεύθερα τη φαντασία και τη φαντασία του.
Οι μεγαλύτεροι ρεαλιστές καλλιτέχνες ήταν οι Γάλλοι Gustave Courbet (1819-1877) και Jean Millet (1814-1875). Οι εκπρόσωποι αυτής της τάσης προσπάθησαν για μια αληθινή απεικόνιση της φύσης. Το επίκεντρο ήταν η καθημερινή ζωή και το έργο του ανθρώπου. Αντί για ιστορικούς και θρυλικούς ήρωες που χαρακτηρίζουν τον κλασικισμό και τον ρομαντισμό, εμφανίστηκαν στη δουλειά τους απλοί άνθρωποι: κάτοικοι της πόλης, αγρότες και εργάτες. Τα ονόματα των έργων ζωγραφικής μιλούν από μόνα τους: "Stone Crusher", "Knitters", "Gatherers of Ears".
Ένας αξιωματικός των έφιππων δασοφυλάκων της αυτοκρατορικής φρουράς εισέρχεται στην επίθεση, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). Ο πρώτος καλλιτέχνης του ρομαντικού κινήματος. Ο πίνακας εκφράζει τον ρομαντισμό της εποχής του Ναπολέοντα
Ο Κουρμπέ ήταν ο πρώτος που χρησιμοποίησε την έννοια του ρεαλισμού. Ο ίδιος όρισε τον στόχο της δουλειάς του ως εξής: «Να μπορώ να μεταφέρω τα ήθη, τις ιδέες, την εμφάνιση των ανθρώπων της εποχής στην εκτίμησή μου, να είμαι όχι μόνο καλλιτέχνης, αλλά και πολίτης, να δημιουργήσω ζωντανή τέχνη».
Στο τελευταίο τρίτο του 19ου αιώνα. Η Γαλλία γίνεται ηγέτης στην ανάπτυξη της ευρωπαϊκής τέχνης. Στη γαλλική ζωγραφική γεννήθηκε ο ιμπρεσιονισμός (από τη γαλλική εντύπωση - εντύπωση). Το νέο κίνημα έγινε ένα γεγονός ευρωπαϊκής σημασίας. Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες προσπάθησαν να μεταφέρουν στον καμβά στιγμιαίες εντυπώσεις συνεχών και λεπτών αλλαγών στην κατάσταση της φύσης και του ανθρώπου.
Σε άμαξα τρίτης θέσης, 1862. O. Daumier (1808-1879). Ένας από τους πιο πρωτότυπους καλλιτέχνες της εποχής του. Ο Μπαλζάκ τον συνέκρινε με τον Μιχαήλ Άγγελο. Ωστόσο, ο Daumier έγινε διάσημος για τις πολιτικές του γελοιογραφίες. Το «In a Third Class Car» παρουσιάζει μια μη εξιδανικευμένη εικόνα της εργατικής τάξης
Γυναίκα που διαβάζει. K. Corot (1796-1875). Ο διάσημος Γάλλος καλλιτέχνης ενδιαφέρθηκε ιδιαίτερα για το παιχνίδι του φωτός και ήταν προκάτοχος των ιμπρεσιονιστών. Ταυτόχρονα, το έργο του φέρει τη σφραγίδα του ρεαλισμού.
Οι ιμπρεσιονιστές πραγματοποίησαν μια πραγματική επανάσταση στις τεχνικές ζωγραφικής. Συνήθως δούλευαν σε εξωτερικούς χώρους. Τα χρώματα και το φως έπαιξαν πολύ μεγαλύτερο ρόλο στη δουλειά τους από το ίδιο το σχέδιο. Εξέχοντες ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες ήταν οι Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Ο ιμπρεσιονισμός είχε τεράστια επιρροή σε τόσο μεγάλους δεξιοτέχνες του πινέλου όπως ο Vincent Van Gogh, ο Paul Cézanne, ο Paul Gauguin.
Εντύπωση. Sunrise, 1882. Ο Claude Monet (1840-1926) ζωγράφιζε συχνά τα ίδια αντικείμενα σε διαφορετικές ώρες της ημέρας για να εξερευνήσει την επίδραση του φωτός στο χρώμα και τη μορφή.
Ηλίανθοι σε ένα βάζο. V. Van Gogh (1853-1890)
Εκκλησία του χωριού. Β. Βαν Γκογκ
Ia Orana Maria. P. Gauguin (1848-1903). Η δυσαρέσκεια του καλλιτέχνη για τον ευρωπαϊκό τρόπο ζωής τον ανάγκασε να εγκαταλείψει τη Γαλλία και να ζήσει στην Ταϊτή. Οι τοπικές καλλιτεχνικές παραδόσεις και η ποικιλομορφία του γύρω κόσμου είχαν τεράστια επίδραση στη διαμόρφωση του καλλιτεχνικού του στυλ.
Ροζ και πράσινο. Ε. Ντεγκά (1834-1917)
Κορίτσι με μαντολίνο, 1910. Πάμπλο Πικάσο (1881-1973). Ισπανός ζωγράφος που εργάστηκε στη Γαλλία. Ήδη σε ηλικία δέκα ετών ήταν καλλιτέχνης και στα δεκαέξι του έγινε η πρώτη του έκθεση. Άνοιξε το δρόμο για τον κυβισμό - ένα επαναστατικό κίνημα στην τέχνη του 20ού αιώνα. Οι κυβιστές εγκατέλειψαν την απεικόνιση του διαστήματος και της εναέριας προοπτικής. Αντικείμενα και ανθρώπινες μορφές μετατρέπονται σε συνδυασμό διαφόρων (ευθειών, κοίλων και καμπύλων) γεωμετρικών γραμμών και επιπέδων. Οι κυβιστές είπαν ότι ζωγραφίζουν όχι όπως βλέπουν, αλλά όπως ξέρουν
Ομπρέλες. Ο. Ρενουάρ
Όπως η ποίηση, έτσι και η ζωγραφική αυτής της εποχής είναι γεμάτη από ανήσυχα και ασαφή προαισθήματα. Από αυτή την άποψη, το έργο του ταλαντούχου Γάλλου συμβολιστή καλλιτέχνη Odilon Redon (1840-1916) είναι πολύ χαρακτηριστικό. Το συγκλονιστικό του στα 80s. Το σχέδιο της Αράχνης είναι ένας δυσοίωνος οιωνός του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου. Η αράχνη απεικονίζεται με ένα ανατριχιαστικό ανθρώπινο πρόσωπο. Τα πλοκάμια του είναι σε κίνηση και επιθετικά. Ο θεατής μένει με την αίσθηση μιας επικείμενης καταστροφής.
Αρχιτεκτονική. Η ανάπτυξη του βιομηχανικού πολιτισμού είχε τεράστιο αντίκτυπο στην ευρωπαϊκή αρχιτεκτονική. Η επιστημονική και τεχνολογική πρόοδος συνέβαλε στην καινοτομία. Τον 19ο αιώνα Μεγάλα κτίρια κρατικής και δημόσιας σημασίας χτίστηκαν πολύ πιο γρήγορα. Από τότε άρχισαν να χρησιμοποιούνται νέα υλικά στις κατασκευές, ιδιαίτερα ο σίδηρος και ο χάλυβας. Με την ανάπτυξη της εργοστασιακής παραγωγής, των σιδηροδρομικών μεταφορών και των μεγάλων πόλεων, εμφανίστηκαν νέοι τύποι κατασκευών - σιδηροδρομικοί σταθμοί, χαλύβδινες γέφυρες, τράπεζες, μεγάλα καταστήματα, κτίρια εκθέσεων, νέα θέατρα, μουσεία, βιβλιοθήκες.
Αρχιτεκτονική τον 19ο αιώνα. διακρίθηκε για την ποικιλία στυλ, τη μνημειακότητα και τον πρακτικό σκοπό.
Πρόσοψη του κτηρίου της Όπερας του Παρισιού. Χτίστηκε το 1861 -1867. Εκφράζει μια εκλεκτική σκηνοθεσία, εμπνευσμένη από την εποχή της Αναγέννησης και του Μπαρόκ
Καθ' όλη τη διάρκεια του αιώνα, το νεοκλασικό στυλ ήταν το πιο συνηθισμένο. Το κτίριο του Βρετανικού Μουσείου στο Λονδίνο, που χτίστηκε το 1823-1847, δίνει μια σαφή ιδέα της αρχαίας (κλασικής) αρχιτεκτονικής. Μέχρι τη δεκαετία του '60. Το λεγόμενο «ιστορικό στυλ» ήταν της μόδας, που εκφραζόταν σε μια ρομαντική μίμηση της αρχιτεκτονικής του Μεσαίωνα. Στα τέλη του 19ου αιώνα. υπάρχει επιστροφή στο γοτθικό στην κατασκευή εκκλησιών και δημόσιων κτιρίων (νεογοτθικό, δηλ. νέο γοτθικό). Για παράδειγμα, τα κτήρια του Κοινοβουλίου στο Λονδίνο. Σε αντίθεση με το νεογοτθικό, εμφανίστηκε μια νέα κατεύθυνση, η Art Nouveau (νέα τέχνη). Χαρακτηριζόταν από ομαλά περιγράμματα κτιρίων, χώρων και εσωτερικών λεπτομερειών. Στις αρχές του 20ου αιώνα. Προέκυψε μια άλλη κατεύθυνση - ο μοντερνισμός. Το στυλ Art Nouveau διακρίνεται από την πρακτικότητα, την αυστηρότητα και τη στοχαστικότητα και την έλλειψη διακόσμησης. Ήταν αυτό το στυλ που αντανακλούσε την ουσία του βιομηχανικού πολιτισμού και συνδέεται περισσότερο με την εποχή μας.
Στη διάθεσή της, η ευρωπαϊκή τέχνη του τέλους του 19ου - αρχών του 20ου αιώνα. ήταν σε αντίθεση. Από τη μια η αισιοδοξία και η χαρά της ζωής που ξεχειλίζει. Από την άλλη πλευρά, υπάρχει έλλειψη πίστης στις δημιουργικές δυνατότητες του ανθρώπου. Και σε αυτό δεν πρέπει να αναζητά κανείς αντιφάσεις. Η τέχνη αντανακλούσε μόνο με τον δικό της τρόπο αυτό που συνέβαινε στον πραγματικό κόσμο. Τα μάτια των ποιητών, των συγγραφέων και των καλλιτεχνών ήταν πιο αιχμηρά και πιο διορατικά. Είδαν αυτό που οι άλλοι δεν είδαν και δεν μπορούσαν να δουν.
Οι τάσεις στη ζωγραφική του 19ου αιώνα μοιάζουν πολύ με τις τάσεις του προηγούμενου αιώνα. Στις αρχές του αιώνα, η ηγετική κατεύθυνση σε πολλές χώρες ήταν. Ξεκινώντας από τον 18ο αιώνα, αυτό το στυλ συνέχισε να αναπτύσσεται, επιπλέον διαφορετικές χώρεςη ανάπτυξή του είχε ατομικά χαρακτηριστικά.
Κλασσικότης
Καλλιτέχνες που εργάστηκαν προς αυτή την κατεύθυνση στρέφονται ξανά στις εικόνες της αρχαιότητας. Ωστόσο, μέσα από τις κλασικές πλοκές προσπαθούν να εκφράσουν επαναστατικά συναισθήματα - την επιθυμία για ελευθερία, τον πατριωτισμό, την αρμονία μεταξύ ανθρώπου και κοινωνίας. Εξέχων εκπρόσωπος του επαναστατικού κλασικισμού ήταν ο καλλιτέχνης Louis David. Είναι αλήθεια ότι με την πάροδο του χρόνου, ο κλασικισμός εξελίχθηκε συντηρητική κατεύθυνση, που υποστηρίχθηκε από το κράτος, που σημαίνει ότι έγινε απρόσωπο, γλαφυρό από τη λογοκρισία.
Μια ιδιαίτερα φωτεινή άνθηση της ζωγραφικής τον 19ο αιώνα παρατηρήθηκε στη Ρωσία. Αυτή τη στιγμή, πολλά νέα στυλ και τάσεις εμφανίστηκαν εδώ. Το ανάλογο του κλασικισμού στη Ρωσία ήταν ο ακαδημαϊσμός. Αυτό το στυλ είχε τα χαρακτηριστικά του κλασικού ευρωπαϊκού στυλ - μια έκκληση στις εικόνες της αρχαιότητας, υπέροχα θέματα και εξιδανίκευση των εικόνων.
Ρομαντισμός
Στις αρχές της δεκαετίας του '30 του 19ου αιώνα, ο ρομαντισμός εμφανίστηκε ως αντίβαρο στον κλασικισμό. Υπήρχαν πολλά σημεία καμπής στην κοινωνία εκείνη την εποχή. Οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να αφαιρέσουν τον εαυτό τους από την αντιαισθητική πραγματικότητα, δημιουργώντας τον δικό τους ιδανικό κόσμο. Ωστόσο, ο ρομαντισμός θεωρείται ένα προοδευτικό κίνημα της εποχής του επειδή η επιθυμία των ρομαντικών καλλιτεχνών ήταν να μεταφέρουν ιδέες ανθρωπισμού και πνευματικότητας.Αυτή είναι μια ευρύχωρη κατεύθυνση, που αντικατοπτρίζεται στην τέχνη πολλών χωρών. Το νόημά του είναι η εξύψωση του επαναστατικού αγώνα, η δημιουργία νέων κανόνων ομορφιάς, η ζωγραφική εικόνων όχι μόνο με ένα πινέλο, αλλά και με την καρδιά. Η συναισθηματικότητα είναι στην πρώτη γραμμή εδώ. Ο ρομαντισμός χαρακτηρίζεται από την εισαγωγή αλληγορικών εικόνων σε μια πολύ πραγματική πλοκή και ένα επιδέξιο παιχνίδι chiaroscuro. Εκπρόσωποι αυτής της τάσης ήταν ο Francisco Goya, ο Eugene Delacroix και ο Rousseau. Στη Ρωσία, τα έργα του Karl Bryullov ταξινομούνται ως ρομαντισμός.
Ρεαλισμός
Το καθήκον αυτής της σκηνοθεσίας ήταν να απεικονίσει τη ζωή όπως είναι. Οι ρεαλιστές καλλιτέχνες στράφηκαν στις εικόνες κοινοί άνθρωποι, τα κύρια χαρακτηριστικά των έργων τους είναι η κρισιμότητα και η μέγιστη αληθοφάνεια. Απεικόνιζαν με λεπτομέρεια τα κουρέλια και τις τρύπες στα ρούχα των απλών ανθρώπων, τα πρόσωπα των απλών ανθρώπων παραμορφωμένα από τα βάσανα και τα παχιά κορμιά των αστών.Ένα ενδιαφέρον φαινόμενο του 19ου αιώνα ήταν η Σχολή Καλλιτεχνών Barbizon. Αυτός ο όρος ένωσε αρκετούς Γάλλους δασκάλους που ανέπτυξαν το δικό τους, ανόμοιο στυλ. Αν στις κατευθύνσεις του κλασικισμού και του ρομαντισμού φύση διαφορετικοί τρόποιεξιδανικευμένοι, οι Barbizonians προσπάθησαν να απεικονίσουν τοπία από τη ζωή. Στους πίνακές τους υπάρχουν εικόνες αυτοφυής φύση, και απλοί άνθρωποι σε αυτό το πλαίσιο. Το περισσότερο διάσημους καλλιτέχνες Barbizons είναι οι Theodore Rousseau, Jules Despres, Virgil la Peña, Jean-François Millet, Charles Daubigny.
Jean-Francois Millet
Η δημιουργικότητα των Barbizonians επηρέασε περαιτέρω ανάπτυξηΖωγραφική του 19ου αιώνα. Πρώτον, οι καλλιτέχνες αυτής της τάσης έχουν οπαδούς σε πολλές χώρες, συμπεριλαμβανομένης της Ρωσίας. Δεύτερον, οι Barbizons έδωσαν ώθηση στην εμφάνιση του ιμπρεσιονισμού. Ήταν οι πρώτοι που ζωγράφισαν στο ύπαιθρο. Στη συνέχεια, η παράδοση της απεικόνισης πραγματικών τοπίων υιοθετήθηκε από τους ιμπρεσιονιστές.
Έγινε το τελευταίο στάδιο στη ζωγραφική του 19ου αιώνα και συνέβη στο τελευταίο τρίτο του αιώνα. Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες προσέγγισαν την απεικόνιση της πραγματικότητας με έναν ακόμη πιο επαναστατικό τρόπο. Προσπάθησαν να μεταφέρουν όχι την ίδια τη φύση, ούτε τις εικόνες λεπτομερώς, αλλά την εντύπωση που παράγει αυτό ή εκείνο το φαινόμενο.
Ο ιμπρεσιονισμός ήταν μια σημαντική ανακάλυψη στην ιστορία της ζωγραφικής. Αυτή η περίοδος έδωσε στον κόσμο πολλές νέες τεχνικές και μοναδικά έργα τέχνης.
Κλασσικότης, στυλ τέχνης V Ευρωπαϊκή τέχνη 17ος – αρχές 19ου αιώνα, ένα από τα σημαντικότερα χαρακτηριστικά του οποίου ήταν η έφεση στις μορφές της αρχαίας τέχνης ως ιδανικό αισθητικό και ηθικό πρότυπο. Ο κλασικισμός, που αναπτύχθηκε σε έντονη πολεμική αλληλεπίδραση με το μπαρόκ, διαμορφώθηκε σε ένα αναπόσπαστο στυλιστικό σύστημα στη γαλλική καλλιτεχνική κουλτούρα του 17ου αιώνα.Ο κλασικισμός του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα (στην ξένη ιστορία της τέχνης ονομάζεται συχνά νεοκλασικισμός), που έγινε πανευρωπαϊκό στυλ, διαμορφώθηκε επίσης κυρίως στους κόλπους του γαλλικού πολιτισμού, υπό την ισχυρή επίδραση των ιδεών του Διαφωτισμού. Στην αρχιτεκτονική, νέοι τύποι κομψών αρχοντικών, τελετουργικά δημόσιο κτήριο, η ανοιχτή πλατεία της πόλης (Gabriel Jacques Ange και Soufflot Jacques Germain), η αναζήτηση νέων, ακατάστατων μορφών αρχιτεκτονικής, η επιθυμία για αυστηρή απλότητα στο έργο του Ledoux Claude Nicolas προέβλεπαν την αρχιτεκτονική τελικό στάδιοκλασικισμός - στυλ αυτοκρατορίας. Το αστικό πάθος και ο λυρισμός συνδυάστηκαν στην πλαστική τέχνη (Pigal Jean Baptiste και Houdon Jean Antoine), στα διακοσμητικά τοπία (Robert Hubert). Θαρραλέα δράμα ιστορικών και εικόνες πορτραίτουεγγενές στα έργα του επικεφαλής του γαλλικού κλασικισμού, του ζωγράφου Jacques Louis David. Τον 19ο αιώνα, η ζωγραφική του κλασικισμού, παρά τις δραστηριότητες μεμονωμένων μεγάλων δασκάλων, όπως ο Jean Auguste Dominique Ingres, εκφυλίστηκε σε επίσημη απολογητική ή επιτηδευμένη ερωτική τέχνη του σαλονιού. Η Ρώμη έγινε το διεθνές κέντρο του ευρωπαϊκού κλασικισμού του 18ου και των αρχών του 19ου αιώνα, όπου κυριαρχούσαν οι παραδόσεις του ακαδημαϊσμού με τον χαρακτηριστικό συνδυασμό της ευγένειας της μορφής και της ψυχρής εξιδανίκευσης. Γερμανός ζωγράφος Anton Raphael Mengs, γλύπτες: Ιταλός Canova Antonio και Dane Thorvaldsen Bertel). Για την αρχιτεκτονική Γερμανικός κλασικισμόςΧαρακτηριστική είναι η λιτή μνημειακότητα των κτιρίων του Karl Friedrich Schinkel, οι πίνακες και τα γλυπτά, με στοχαστική και ελεγειακή διάθεση, χαρακτηρίζονται από τα πορτρέτα του August και του Wilhelm Tischbein και το γλυπτό του Johann Gottfried Schadow. Στον αγγλικό κλασικισμό ξεχωρίζουν οι αντίκες δομές του Ρόμπερτ Άνταμ, τα πάρκα παλλαδικού τύπου κτήματα του William Chambers, τα εξαιρετικά λιτά σχέδια του J. Flaxman και τα κεραμικά του J. Wedgwood. Οι δικές τους εκδοχές του κλασικισμού αναπτύχθηκαν στον καλλιτεχνικό πολιτισμό της Ιταλίας, της Ισπανίας, του Βελγίου, των Σκανδιναβικών χωρών και των ΗΠΑ. Ο ρωσικός κλασικισμός της δεκαετίας του 1760-1840 κατέχει εξέχουσα θέση στην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης.
Μέχρι το τέλος του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα, ο ηγετικός ρόλος του κλασικισμού σχεδόν παντού αντικαταστάθηκε από διάφορες μορφές αρχιτεκτονικού εκλεκτικισμού. Ζωντανεύει καλλιτεχνική παράδοσηο κλασικισμός στον νεοκλασικισμό του τέλους του 19ου - αρχών του 20ου αιώνα.
Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Γάλλος καλλιτέχνης, γενικά αναγνωρισμένος ηγέτης του ευρωπαϊκού ακαδημαϊσμού του 19ου αιώνα.
Στο έργο του Ingres υπάρχει μια αναζήτηση της καθαρής αρμονίας.
Σπούδασε στην Ακαδημία της Τουλούζης καλές τέχνες. Μετά την αποφοίτησή του από την ακαδημία, μετακόμισε στο Παρίσι, όπου το 1797 έγινε μαθητής του Jacques-Louis David. Το 1806-1820 σπούδασε και εργάστηκε στη Ρώμη, στη συνέχεια μετακόμισε στη Φλωρεντία, όπου πέρασε άλλα τέσσερα χρόνια. Το 1824 επέστρεψε στο Παρίσι και άνοιξε σχολή ζωγραφικής. Το 1835 επέστρεψε στη Ρώμη και πάλι ως διευθυντής της Γαλλικής Ακαδημίας. Από το 1841 μέχρι το τέλος της ζωής του έζησε στο Παρίσι.
Ο ακαδημαϊκισμός (γαλλικά academisme) είναι μια κατεύθυνση στην ευρωπαϊκή ζωγραφική του 17ου-19ου αιώνα. Η ακαδημαϊκή ζωγραφική προέκυψε κατά την περίοδο ανάπτυξης των ακαδημιών τέχνης στην Ευρώπη. Η στυλιστική βάση της ακαδημαϊκής ζωγραφικής στις αρχές του 19ου αιώνα ήταν ο κλασικισμός, και στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα - ο εκλεκτικισμός.
Ο ακαδημαϊσμός αναπτύχθηκε ακολουθώντας τις εξωτερικές μορφές της κλασικής τέχνης. Οι οπαδοί χαρακτήρισαν αυτό το στυλ ως αντανάκλαση της αρχαίας μορφής τέχνης αρχαίος κόσμοςκαι της Αναγέννησης.
Εγγρ. Πορτρέτα της οικογένειας Riviere. 1804-05
Ρομαντισμός
Ρομαντισμός- φαινόμενο που δημιουργείται από το αστικό σύστημα. Όπως η κοσμοθεωρία και το στυλ καλλιτεχνική δημιουργικότητααντανακλά τις αντιφάσεις του: το χάσμα ανάμεσα σε αυτό που πρέπει να είναι και αυτό που είναι, ιδανικό και πραγματικότητα. Η επίγνωση της μη πραγματοποίησης των ανθρωπιστικών ιδανικών και αξιών του Διαφωτισμού οδήγησε σε δύο εναλλακτικές ιδεολογικές θέσεις. Η ουσία του πρώτου είναι να περιφρονεί την βασική πραγματικότητα και να αποσύρεται στο κέλυφος των αγνών ιδανικών. Η ουσία του δεύτερου είναι να αναγνωρίσουμε την εμπειρική πραγματικότητα και να απορρίψουμε κάθε εικασία για το ιδανικό. Το σημείο εκκίνησης της ρομαντικής κοσμοθεωρίας είναι η ανοιχτή απόρριψη της πραγματικότητας, η αναγνώριση του ανυπέρβλητου χάσματος μεταξύ των ιδανικών και της πραγματικής ύπαρξης, το παράλογο του κόσμου των πραγμάτων.Χαρακτηρίζεται από αρνητική στάση απέναντι στην πραγματικότητα, απαισιοδοξία, ερμηνεία ιστορικές δυνάμειςως έξω από την πραγματική καθημερινή πραγματικότητα, τη μυστικοποίηση και τη μυθοποίηση. Όλα αυτά ώθησαν την αναζήτηση επίλυσης αντιφάσεων όχι στον πραγματικό κόσμο, αλλά στον κόσμο της φαντασίας.
Η ρομαντική κοσμοθεωρία κάλυπτε όλους τους τομείς της πνευματικής ζωής - επιστήμη, φιλοσοφία, τέχνη, θρησκεία. Εκφράστηκε με δύο τρόπους:
Το πρώτο - σε αυτό ο κόσμος εμφανίστηκε ως μια ατελείωτη, απρόσωπη, κοσμική υποκειμενικότητα. Η δημιουργική ενέργεια του πνεύματος δρα εδώ ως η αρχή που δημιουργεί την παγκόσμια αρμονία. Αυτή η εκδοχή της ρομαντικής κοσμοθεωρίας χαρακτηρίζεται από μια πανθεϊστική εικόνα του κόσμου, την αισιοδοξία, υπέροχα συναισθήματα.
Το δεύτερο - σε αυτό η ανθρώπινη υποκειμενικότητα θεωρείται ατομικά και προσωπικά, κατανοητή ως ο εσωτερικός αυτο-απορροφημένος κόσμος ενός ατόμου που βρίσκεται σε σύγκρουση με έξω κόσμος. Αυτή η στάση χαρακτηρίζεται από απαισιοδοξία, μια λυρικά θλιβερή στάση απέναντι στον κόσμο.
Η αρχική αρχή του ρομαντισμού ήταν «δύο κόσμοι»: σύγκριση και αντίθεση του πραγματικού και του φανταστικού κόσμου. Ο τρόπος έκφρασης αυτού του διπλού κόσμου ήταν ο συμβολισμός.
Ο ρομαντικός συμβολισμός αντιπροσώπευε έναν οργανικό συνδυασμό του ψευδαισθητικού και του πραγματικού κόσμου, ο οποίος εκδηλώθηκε με την εμφάνιση μεταφοράς, υπερβολής και ποιητικές συγκρίσεις. Ο ρομαντισμός, παρά τη στενή του σχέση με τη θρησκεία, χαρακτηριζόταν από χιούμορ, ειρωνεία και ονειροπόληση. Ο ρομαντισμός ανακήρυξε τη μουσική πρότυπο και κανόνα για όλους τους τομείς της τέχνης, στους οποίους, σύμφωνα με τους ρομαντικούς, ακουγόταν το ίδιο το στοιχείο της ζωής, το στοιχείο της ελευθερίας και ο θρίαμβος των συναισθημάτων.
Η εμφάνιση του ρομαντισμού οφειλόταν σε μια σειρά παραγόντων. Πρώτον, κοινωνικοπολιτικό: Γαλλική επανάσταση 1769-1793, Ναπολεόντειοι πόλεμοι, Πόλεμος της Ανεξαρτησίας Λατινική Αμερική. Δεύτερον, οικονομική: η βιομηχανική επανάσταση, η ανάπτυξη του καπιταλισμού. Τρίτον, σχηματίστηκε υπό την επίδραση της κλασικής γερμανικής φιλοσοφίας. Τέταρτον, αναπτύχθηκε στη βάση και στα πλαίσια των υπαρχόντων λογοτεχνικά στυλ: διαφωτισμός, συναισθηματισμός.
Ο ρομαντισμός άκμασε μεταξύ 1795 και 1830. - η περίοδος των ευρωπαϊκών επαναστάσεων και των εθνικοαπελευθερωτικών κινημάτων και ο ρομαντισμός ήταν ιδιαίτερα έντονος στον πολιτισμό της Γερμανίας, της Αγγλίας, της Ρωσίας, της Ιταλίας, της Γαλλίας και της Ισπανίας.
Ρομαντική τάσηείχε μεγάλη επιρροή στον ανθρωπιστικό τομέα, και ο θετικιστής - στις φυσικές επιστήμες, την τεχνολογία και την πρακτική.
Jean Louis André Theodore Gericault (1791-1824).
Μαθητής για ένα σύντομο χρονικό διάστημα του C. Vernet (1808-1810) και στη συνέχεια του P. Guerin (1810-1811), ο οποίος ήταν αναστατωμένος από τις μεθόδους του να μεταφέρει τη φύση που δεν ήταν σύμφωνες με τις αρχές της σχολής του Jacques-Louis David. και το πάθος του για τον Ρούμπενς, αλλά στη συνέχεια αναγνώρισε τις φιλοδοξίες ορθολογισμού του Gericault.
Ενώ υπηρετούσε στους βασιλικούς σωματοφύλακες, ο Géricault έγραφε κυρίως σκηνές μάχης, ωστόσο, αφού ταξίδεψε στην Ιταλία το 1817-19. εκτέλεσε έναν μεγάλο και περίπλοκο πίνακα «Η σχεδία της Μέδουσας» (βρίσκεται στο Λούβρο, Παρίσι), που έγινε μια πλήρης άρνηση της σκηνοθεσίας του Δαυίδ και ένα εύγλωττο κήρυγμα του ρεαλισμού. Η καινοτομία της πλοκής, το βαθύ δράμα της σύνθεσης και η ζωτική αλήθεια αυτού του αριστοτεχνικά γραμμένου έργου δεν εκτιμήθηκαν αμέσως, αλλά σύντομα έλαβε αναγνώριση ακόμη και από οπαδούς του ακαδημαϊκού στυλ και έφερε στον καλλιτέχνη τη φήμη ενός ταλαντούχου και θαρραλέου καινοτόμου .
Τραγική ένταση και δράμα Το 1818, ο Géricault εργάστηκε στον πίνακα «The Raft of the Medusa», ο οποίος σηματοδότησε την αρχή του γαλλικού ρομαντισμού. Ο Ντελακρουά, ποζάροντας για τον φίλο του, είδε τη γέννηση μιας σύνθεσης που σπάει όλες τις συνηθισμένες ιδέες για τη ζωγραφική. Ο Ντελακρουά θυμήθηκε αργότερα ότι όταν είδε τον τελειωμένο πίνακα, «από χαρά άρχισε να τρέχει σαν τρελός και δεν μπορούσε να σταματήσει μέχρι το σπίτι».
Η υπόθεση της ταινίας βασίζεται σε ένα πραγματικό περιστατικό που συνέβη στις 2 Ιουλίου 1816 στα ανοιχτά της Σενεγάλης. Στη συνέχεια, στο Argen Shoal, 40 λεύγες από τις αφρικανικές ακτές, συνετρίβη η φρεγάτα Medusa. 140 επιβάτες και μέλη του πληρώματος προσπάθησαν να διαφύγουν επιβιβαζόμενοι στη σχεδία. Μόνο 15 από αυτούς επέζησαν και τη δωδέκατη μέρα της περιπλάνησής τους τους παρέλαβε ο ταξίαρχος Άργκους. Οι λεπτομέρειες του ταξιδιού των επιζώντων έχουν συγκλονίσει τη σύγχρονη ιστορία. κοινή γνώμη, και η ίδια η συντριβή μετατράπηκε σε σκάνδαλο στη γαλλική κυβέρνηση λόγω της ανικανότητας του καπετάνιου του πλοίου και των ανεπαρκών προσπαθειών για τη διάσωση των θυμάτων.
Εικονιστική λύση
Ο γιγαντιαίος καμβάς εντυπωσιάζει με την εκφραστική του δύναμη. Ο Gericault κατάφερε να δημιουργήσει φωτεινή εικόνα, συνδυάζοντας σε μια εικόνα τους νεκρούς και τους ζωντανούς, την ελπίδα και την απόγνωση. Της εικόνας είχε προηγηθεί μια τεράστια προπαρασκευαστικές εργασίες. Ο Gericault έκανε πολλά σκίτσα με ετοιμοθάνατους στα νοσοκομεία και πτώματα εκτελεσθέντων. Το «The Raft of the Medusa» ήταν το τελευταίο από τα ολοκληρωμένα έργα του Gericault.
Το 1818, όταν ο Géricault δούλευε στον πίνακα «The Raft of the Medusa», που σηματοδότησε την αρχή του γαλλικού ρομαντισμού, ο Eugene Delacroix, ποζάροντας για τον φίλο του, είδε τη γέννηση μιας σύνθεσης που έσπασε όλες τις συνήθεις ιδέες για τη ζωγραφική. Ο Ντελακρουά θυμήθηκε αργότερα ότι όταν είδε τον τελειωμένο πίνακα, «από χαρά άρχισε να τρέχει σαν τρελός και δεν μπορούσε να σταματήσει μέχρι το σπίτι».
Αντίδραση του κοινού
Όταν ο Géricault εξέθεσε τη «Σχεδία της Μέδουσας» στο Σαλόνι το 1819, ο πίνακας προκάλεσε την αγανάκτηση του κοινού, καθώς ο καλλιτέχνης, αντίθετα με τα ακαδημαϊκά πρότυπα της εποχής, δεν χρησιμοποίησε τόσο μεγάλο σχήμα για να απεικονίσει ένα ηρωικό, ηθικολογικό ή κλασικό. θέμα.
Ο πίνακας αποκτήθηκε το 1824 και σήμερα βρίσκεται στο δωμάτιο 77 στον 1ο όροφο της γκαλερί Denon στο Λούβρο.
Ευγένιος Ντελακρουά(1798 - 1863) - Γάλλος ζωγράφος και γραφίστας, επικεφαλής του ρομαντικού κινήματος στην ευρωπαϊκή ζωγραφική.
Όμως τα πραγματικά πανεπιστήμια για τον Ντελακρουά ήταν το Λούβρο και η επικοινωνία με τον νεαρό ζωγράφο Theodore Gericault. Στο Λούβρο γοητεύτηκε από τα έργα των παλιών δασκάλων. Εκείνη την εποχή, μπορούσε κανείς να δει εκεί πολλούς πίνακες που αποτυπώθηκαν κατά τη διάρκεια Ναπολεόντειοι πόλεμοικαι δεν έχουν επιστραφεί ακόμη στους ιδιοκτήτες τους. Ο επίδοξος καλλιτέχνης ελκύθηκε περισσότερο από τους μεγάλους χρωματιστές - Rubens, Veronese και Titian. Αλλά ο Theodore Gericault είχε τη μεγαλύτερη επιρροή στον Ντελακρουά.
Τον Ιούλιο του 1830, το Παρίσι επαναστάτησε ενάντια στη μοναρχία των Βουρβόνων. Ο Ντελακρουά συμπαθούσε τους αντάρτες και αυτό αντικατοπτρίστηκε στο «Liberty Leading the People» (στη χώρα μας το έργο αυτό είναι γνωστό και ως «Liberty on the Barricades»). Ο πίνακας που εκτέθηκε στο Salon του 1831, προκάλεσε την έντονη αποδοχή του κοινού. Η νέα κυβέρνηση αγόρασε τον πίνακα, αλλά διέταξε αμέσως την αφαίρεσή του.
