Japonés contemporáneo escena del arte Parece completamente globalizado. Los artistas se mueven entre Tokio y Nueva York, casi todos recibieron educación europea o americana, y hablan de su trabajo en inglés artístico internacional. Sin embargo, este panorama está lejos de ser completo.
Las formas y tendencias nacionales resultan ser uno de los bienes más buscados que Japón puede ofrecer al mercado mundial de ideas y obras artísticas.
Operación de avión. Cómo el movimiento superplano combina la cultura geek estadounidense y la pintura tradicional japonesa
Takashi Murakami. "Tang Tang Bo"Si en el mundo occidental para casi todo el mundo (excepto quizás para los teóricos más ardientes de la posmodernidad) la frontera entre la alta cultura y la cultura de masas sigue siendo relevante, aunque problemática, entonces en Japón estos mundos están completamente mezclados.
Un ejemplo de ello es Takashi Murakami, quien combina con éxito exposiciones en las mejores galerías del mundo y producción en streaming.
Grabación de una gira por la exposición de Murakami “There Will Be Gentle Rain”
Sin embargo, la relación de Murakami con la cultura popular, y en Japón se trata principalmente de la cultura de los fanáticos del manga y el anime (otaku), es más complicada. El filósofo Hiroki Azuma critica la comprensión del otaku como un auténtico fenómeno japonés. Los otaku se consideran directamente conectados con las tradiciones del período Edo de los siglos XVII al XIX, una era de aislacionismo y rechazo a la modernización. Azuma sostiene que el movimiento otaku -vinculado al manga, la animación, las novelas gráficas y los juegos de ordenador- sólo pudo surgir en el contexto de la ocupación estadounidense de posguerra como resultado de la importación de la cultura estadounidense. El arte de Murakami y sus seguidores reinventa el otaku utilizando métodos del pop art y desmiente el mito nacionalista sobre la autenticidad de esta tradición. Representa la “reamericanización de la cultura estadounidense japonesaizada”.
Desde un punto de vista histórico del arte, lo superplano es el más cercano a la pintura ukiyo-e japonesa temprana. lo mas obra famosa en esta tradición se encuentra el grabado La gran ola de Kanagawa de Katsushika Hokusai (1823-1831).
Para el modernismo occidental, el descubrimiento de la pintura japonesa supuso un gran avance. Nos permitió ver la imagen como un plano y se esfuerza no por superar esta característica, sino por trabajar con ella.
Katsushiki Hokusai. "La gran ola de Kanagawa" Pioneros del arte performance. Lo que significa hoy el arte japonés de la década de 1950
Documentando el proceso creativo de Akira Kanayama y Kazuo Shiraga
Superflat no tomó forma hasta la década de 2000. Pero los acontecimientos artísticos que fueron importantes para el arte mundial comenzaron en Japón mucho antes, e incluso antes que en Occidente.
El giro performativo en el arte se produjo a finales de los años 60 y 70 del siglo pasado. En Japón, el arte del performance apareció en los años cincuenta.
Por primera vez, el Grupo Gutai ha pasado de centrarse en la creación de objetos autosuficientes al proceso de producción. De ahí que esté a un paso de abandonar el objeto de arte en favor de un acontecimiento efímero.
Aunque los artistas individuales de Gutai (hubo 59 en total durante veinte años) existieron activamente en el contexto internacional, entendiendo cómo actividad colectiva El arte japonés de posguerra en general comenzó en Occidente hace muy poco tiempo. El boom llegó en 2013: varias exposiciones en pequeñas galerías de Nueva York y Los Ángeles, “Tokio 1955-1970: la nueva vanguardia” en el MoMA y una exposición a gran escala. retrospectiva histórica“Gutai: Splendid Playground” en el Museo Guggenheim. La importación de arte japonés por parte de Moscú parece ser una continuación casi tardía de esta tendencia.
Sadamasa Motonaga. Obra (Agua) en el Museo Guggenheim Es sorprendente lo contemporáneas que parecen estas exposiciones retrospectivas. Por ejemplo, el objeto central de la exposición en el Museo Guggenheim es una reconstrucción de Trabajo (Agua) de Sadamasa Motonaga, en la que los niveles de la rotonda del museo están conectados mediante tubos de polietileno con agua coloreada. Se parecen a pinceladas arrancadas del lienzo y ejemplifican el enfoque central de Gutai en la "concreción" (como se traduce el nombre de la banda del japonés), la materialidad de los objetos con los que trabaja el artista.
Muchos participantes de Gutai recibieron una educación relacionada con la pintura clásica nihonga, muchos están ligados biográficamente al contexto religioso del budismo zen, a su característica caligrafía japonesa. Todos ellos encontraron un enfoque nuevo, procedimental o participativo, de las tradiciones antiguas. Kazuo Shiraga grabó vídeos de sí mismo pintando sus monocromos, anticipándose a Rauschenberg, con los pies, e incluso creó pinturas en público.
Minoru Yoshida transformó flores de grabados japoneses en objetos psicodélicos; un ejemplo de esto es Bisexual Flower, una de las primeras esculturas cinéticas (en movimiento) del mundo.
Los comisarios de la exposición del Museo Guggenheim hablan del significado político de estas obras:
“Gutai demostró la importancia de la acción individual libre, la subversión de las expectativas de los espectadores e incluso la estupidez como formas de contrarrestar la pasividad y el conformismo social que, durante varias décadas, permitieron a un gobierno militarista ganar una masa crítica de influencia, invadir China y luego únete a la Segunda Guerra Mundial”.
Bueno y sabio. ¿Por qué los artistas dejaron Japón para ir a Estados Unidos en los años 1960?
Gutai fue la excepción a la regla en el Japón de la posguerra. Los grupos de vanguardia siguieron siendo marginales, el mundo del arte era estrictamente jerárquico. El principal camino hacia el reconocimiento fue la participación en concursos organizados por asociaciones reconocidas de artistas clásicos. Por eso, muchos prefirieron ir a Occidente e integrarse en el sistema artístico de lengua inglesa.
Fue especialmente difícil para las mujeres. Incluso en el progresista Gutai, la proporción de su presencia no llegó ni a una quinta parte. ¿Qué podemos decir de las instituciones tradicionales, para cuyo acceso era necesario? educación especial. En los años sesenta, las niñas ya habían adquirido el derecho a ello, pero la formación en arte (si no hablábamos de artes decorativas, que formaban parte del conjunto de habilidades) ryosai kenbo- una buena esposa y una madre sabia) era una actividad socialmente desaprobada.
Yoko Ono. pieza cortada
La historia de la emigración de cinco poderosos artistas japoneses de Tokio a Estados Unidos se convirtió en el tema del estudio de Midori Yoshimoto “Into Performance: Japanese Women Artists in New York”. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi y Shigeko Kubota decidieron mudarse a Nueva York al comienzo de sus carreras y trabajaron allí, incluso en la modernización de las tradiciones del arte japonés. Sólo Yoko Ono creció en Estados Unidos, pero ella también se negó deliberadamente a regresar a Japón, desilusionada de la jerarquía artística de Tokio durante una breve estancia en 1962-1964.
Ono se convirtió en la más famosa de estas cinco, no solo como esposa de John Lennon, sino también como autora de actuaciones protofeministas dedicadas a la cosificación. cuerpo femenino. Existen paralelos obvios entre Cut Piece de Ono, en el que los espectadores podían cortar piezas de la ropa del artista, y “Rhythm 0” de la “abuela de la performance” Marina Abramović.
En piernas cortas. Cómo realizar la formación actoral original de Tadashi Suzuki
En el caso de Ono y Gutai, los métodos y temas de su trabajo, separados de los autores, adquirieron importancia internacional. Hay otras formas de exportación: cuando la obra del artista es recibida con interés en el escenario internacional, pero el método en sí no se toma prestado debido a su especificidad. El caso más llamativo es el sistema de entrenamiento actoral de Tadashi Suzuki.
El Teatro Suzuki es amado incluso en Rusia, y esto no es sorprendente. Último tiempo nos visitó en 2016 con la obra “Las troyanas” basada en los textos de Eurípides, y en la década de 2000 vino varias veces con producciones de Shakespeare y Chéjov. Suzuki transfirió la acción de las obras al contexto japonés actual y ofreció interpretaciones no obvias de los textos: descubrió el antisemitismo en Ivanov y lo comparó con la actitud desdeñosa de los japoneses hacia los chinos, y transfirió la acción del Rey Lear. a un manicomio japonés.
Suzuki construyó su sistema en oposición al ruso. escuela de teatro. EN finales del XIX Durante el siglo XIX, durante el llamado período Meiji, un Japón imperial en proceso de modernización experimentó un aumento de los movimientos de oposición. El resultado fue una occidentalización a gran escala de una cultura que antes era extremadamente cerrada. Entre las formas importadas estaba el sistema Stanislavsky, que sigue siendo uno de los principales métodos de dirección en Japón (y en Rusia).
ejercicios suzuki
En los años sesenta, cuando Suzuki iniciaba su carrera, se extendía cada vez más la tesis de que, por sus características físicas, los actores japoneses no podían acostumbrarse a los papeles procedentes de textos occidentales que llenaban el repertorio de entonces. El joven director logró ofrecer la alternativa más convincente.
El sistema de ejercicios de Suzuki, llamado gramática de las piernas, incluye decenas de formas de sentarse, incluso más de pararse y caminar.
Sus actores suelen actuar descalzos y, debido al centro de gravedad más bajo, parecen lo más pesados posible, atados al suelo. Suzuki les enseña su técnica a ellos y a los artistas extranjeros en el pueblo de Toga, en antiguas casas japonesas llenas de equipos modernos. Su compañía sólo ofrece unas 70 funciones al año y el resto del tiempo viven sin salir casi nunca del pueblo y sin tiempo para asuntos personales, sólo para trabajar.
El centro de Toga apareció en los años setenta, fue diseñado a petición del director mundial. arquitecto famoso Arata Isozaka. El sistema de Suzuki puede parecer patriarcal y conservador, pero él mismo habla de Toga en términos modernos de descentralización. A mediados de la década de 2000, Suzuki comprendió la importancia de exportar arte desde la capital a las regiones y organizar los puntos de producción locales. Según el director, el mapa teatral de Japón es en muchos aspectos similar al de Rusia: las artes se concentran en Tokio y en varios centros más pequeños. teatro ruso También sería bueno tener una empresa que regularmente hiciera giras por ciudades pequeñas y estuviera ubicada lejos de la capital.
Centro de la empresa SCOT en Toga Caminos de flores. ¿Qué recurso ha descubierto el teatro moderno en los sistemas noh y kabuki?
El método Suzuki surge de dos antiguas tradiciones japonesas: el Kabuki. No se trata sólo de que este tipo de teatro se caracterice a menudo como arte ambulante, sino también de los detalles más obvios. Suzuki a menudo sigue la regla de que todos los roles los desempeñan los hombres, utilizando soluciones espaciales características, por ejemplo, hanamichi ("camino de flores") del patrón kabuki, una plataforma que se extiende desde el escenario hasta la parte trasera. sala. También utiliza símbolos muy reconocibles como flores y pergaminos.
Por supuesto, en mundo global No se habla del privilegio de los japoneses de utilizar sus formas nacionales.
El teatro de uno de los directores más importantes de nuestro tiempo, el estadounidense Robert Wilson, se construyó basándose en préstamos del mismo.
No sólo utiliza máscaras y maquillajes que recuerdan al público masivo de Japón, sino que también toma prestados métodos de actuación basados en la máxima cámara lenta y una expresividad gestual autosuficiente. Combinando formas tradicionales y rituales con partituras de iluminación de vanguardia y música minimalista (una de las obras más famosas de Wilson es la producción de Einstein on the Beach de Philip Glass), Wilson produce esencialmente la síntesis de orígenes y relevancia por la que se esfuerza gran parte del arte contemporáneo.
Roberto Wilson. "Einstein en la playa"
Del noh y el kabuki surgió uno de los pilares de la danza moderna: butoh, traducido literalmente, la danza de la oscuridad. Creado en 1959 por los coreógrafos Kazuo Ono y Tatsumi Hijikata, que también se basaban en un centro de gravedad bajo y se centraban en las piernas, el butoh representaba la traducción de reflexiones sobre experiencias traumáticas de guerra a la dimensión física.
“Mostraron un cuerpo enfermo, en descomposición, incluso monstruoso, monstruoso.<…>Los movimientos son a veces lentos, a veces deliberadamente bruscos y explosivos. Para ello se utiliza una técnica especial, cuando el movimiento se realiza como si no se utilizaran los músculos principales, gracias a las palancas óseas del esqueleto”, escribe la historiadora de la danza Irina Sirotkina sobre el butoh en la historia de la liberación del cuerpo, conectando esto con el alejamiento de la normatividad del ballet. Compara el butoh con las prácticas de bailarines y coreógrafos de principios del siglo XX: Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, y habla de la influencia en la danza "posmoderna" posterior.
Un fragmento de una danza de Katsura Kan, sucesor moderno de la tradición butoh.
Hoy en día, el butoh en su forma original ya no es una práctica de vanguardia, sino una reconstrucción histórica.
Sin embargo, el vocabulario de movimiento desarrollado por Ono, Hijikata y sus seguidores sigue siendo un recurso valioso para los coreógrafos modernos. En Occidente lo utilizan Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky e incluso en el vídeo de “Belong To The World” de The Weekend. En Japón, el continuador de la tradición butoh es, por ejemplo, Saburo Teshigawara, que llegará a Rusia en octubre. Aunque él mismo niega cualquier paralelo con la danza de las tinieblas, los críticos encuentran signos bastante reconocibles: un cuerpo aparentemente deshuesado, fragilidad y pasos silenciosos. Es cierto que ya se los sitúa en el contexto de la coreografía posmoderna: con su alto ritmo, su jogging y su trabajo con la música noise postindustrial.
Saburo Teshigawara. Metamorfosis
Localmente global. ¿En qué se parece el arte japonés contemporáneo al arte occidental?
Las obras de Teshigawara y muchos de sus colegas encajan perfectamente en los programas de los mejores festivales de danza contemporánea occidentales. Si miras rápidamente las descripciones de las representaciones y espectáculos que se presentaron en el Festival/Tokio, el mayor espectáculo anual de teatro japonés, será difícil notar diferencias fundamentales con las tendencias europeas.
Uno de los temas centrales es la especificidad del sitio: los artistas japoneses exploran los espacios de Tokio, que van desde grupos de capitalismo en forma de rascacielos hasta áreas marginales de concentración otaku.
Otro tema es la elaboración del malentendido intergeneracional, el teatro como lugar de encuentro vivo y comunicación organizada de las personas. diferentes edades. Los proyectos que le dedicaron Toshiki Okada y Akira Tanayama fueron llevados a Viena durante varios años seguidos para uno de los festivales europeos más importantes de artes escénicas. A finales de los años 2000 no era nada nuevo llevar al escenario materiales documentales e historias personales, pero el comisario del Festival de Viena presentó estos proyectos al público como una oportunidad para un contacto directo y específico con otra cultura.
Otra línea principal es trabajar a través de experiencias traumáticas. Para los japoneses, no está asociado con el Gulag o el Holocausto, sino con los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki. El teatro se refiere a ello constantemente, pero la afirmación más poderosa sobre las explosiones atómicas como momento de génesis de toda la cultura japonesa moderna todavía pertenece a Takashi Murakami.
para la exposición “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” es el título de su proyecto curatorial, expuesto en Nueva York en 2005. "Little Boy" - "bebé" en ruso - es el nombre de una de las bombas lanzadas sobre Japón en 1945. Recopilando cientos de cómics manga de destacados ilustradores, distintivos juguetes antiguos y souvenirs basados en famosos animes, desde Godzilla hasta Hello Kitty, Murakami infló hasta el límite la concentración de lo lindo, lo kawaii, en el espacio del museo. Paralelamente, lanzó una selección de animaciones en las que Imágenes de centrales Había imágenes de explosiones, tierra desnuda, ciudades destruidas.
Este contraste se convirtió en la primera declaración a gran escala sobre la infantilización de la cultura japonesa como una forma de afrontar el trastorno de estrés postraumático.
Ahora bien, esta conclusión parece obvia. En ello se basa la investigación académica de Inuhiko Yomota sobre el kawaii.
También existen desencadenantes traumáticos posteriores. Los más importantes son los acontecimientos del 11 de marzo de 2011, el terremoto y el tsunami que provocaron un gran accidente en la central nuclear de Fukushima. En el Festival/Tokio-2018 programa completo de las seis representaciones estuvo dedicada a comprender las consecuencias de un desastre natural y tecnológico; También se convirtieron en el tema de una de las obras presentadas en Solyanka. Este ejemplo muestra claramente que el arsenal de métodos críticos del arte occidental y japonés no es fundamentalmente diferente. Haruyuki Ishii crea una instalación de tres televisores que reproducen en bucle imágenes de programas de televisión sobre el terremoto a alto ritmo.
“La obra está compuesta por 111 vídeos que el artista veía diariamente en los informativos hasta el momento en que todo lo que veía empezó a percibirse como ficción”, explican los comisarios. "Nuevo Japón" es un ejemplo sorprendente de cómo el arte no resiste la interpretación basada en mitos nacionales, pero al mismo tiempo una mirada crítica revela que la misma interpretación podría ser relevante para el arte de cualquier origen. Los curadores analizan la contemplación como base de la tradición japonesa, basándose en citas de Lao Tse. Al mismo tiempo, casi todo el arte contemporáneo se centra, como si dejara entre paréntesis, el “efecto observador” (así se llama la exposición), ya sea en la forma de crear nuevos contextos para la percepción de fenómenos familiares o en la creación de nuevos contextos para la percepción de fenómenos familiares. la cuestión de la posibilidad de una percepción adecuada como tal.
Imagined Communities es otro trabajo del videoartista Haruyuki Ishii.
Juego
Sin embargo, no se debe pensar que el Japón de la década de 2010 representa una concentración de progresismo.
Los hábitos del viejo tradicionalismo y el amor por el exotismo orientalista aún no han sido superados. “Teatro de las Vírgenes” es el título de un artículo bastante elogioso sobre el teatro japonés Takarazuka publicado en la revista conservadora rusa PTZh. "Takarazuka" apareció a finales del siglo XIX como un proyecto empresarial para atraer turistas a la remota ciudad del mismo nombre, que accidentalmente se convirtió en la estación final de una empresa privada. ferrocarril. Sólo actúan en el teatro. chicas solteras, que según el plan del propietario del ferrocarril debían atraer a espectadores masculinos a la ciudad. Hoy Takarazuka funciona como una industria: con su propio canal de televisión, densa programa de conciertos, incluso el parque de atracciones local. Pero sólo las chicas solteras todavía tienen derecho a formar parte de la compañía; esperemos que al menos no controlen su virginidad.
Sin embargo, Takarazuka palidece en comparación con el club Toji Deluxe de Kioto, al que los japoneses también llaman teatro. Muestran cosas absolutamente salvajes, a juzgar por descripción El columnista del New Yorker Ian Buruma, espectáculo de striptease: varias chicas desnudas en el escenario convierten la exhibición de los genitales en un ritual público.
Como muchos prácticas artísticas, este espectáculo se basa en leyendas antiguas (con la ayuda de una vela y una lupa, los hombres del público podían turnarse para explorar los “secretos de la diosa madre Amaterasu”), y el propio autor recordó la tradición Noh.
Dejaremos al lector la búsqueda de análogos occidentales de Takarazuka y Toji; no es difícil encontrarlos. Sólo notemos que es precisamente a combatir tales prácticas de opresión a lo que apunta una parte importante del arte contemporáneo, tanto occidental como japonés, desde la danza superplana hasta la danza butoh.
Que abarca muchas técnicas y estilos. A lo largo de la historia de su existencia, ha sufrido gran número cambios. Se agregaron nuevas tradiciones y géneros y se mantuvieron los principios japoneses originales. Junto con historia asombrosa La pintura japonesa también está dispuesta a presentar muchos hechos únicos e interesantes.
Japón antiguo
Los primeros estilos aparecen en los más antiguos. periodo historico países, incluso BC. mi. Entonces el arte era bastante primitivo. Primero, en el año 300 a.C. e., varios formas geométricas, que se realizaban sobre cerámica utilizando palos. El descubrimiento por parte de los arqueólogos de la ornamentación de campanas de bronce se remonta a una época posterior.
Un poco más tarde, ya en el año 300 d.C. e., aparecer pinturas rupestres, que son mucho más diversos que los patrones geométricos. Estas ya son imágenes completas con imágenes. Fueron encontrados dentro de criptas y, probablemente, las personas que están pintadas en ellos fueron enterradas en estos cementerios.
En el siglo VII d.C. mi. Japón adopta una escritura que proviene de China. Por la misma época surgieron de allí las primeras pinturas. Entonces la pintura aparece como una esfera separada del arte.
Edo
Edo está lejos de ser la primera y no la última pintura, pero aportó muchas cosas nuevas a la cultura. En primer lugar, es el brillo y el colorido que se sumaron a la técnica habitual, realizada en tonos negros y grises. Mayoría un artista destacado Este estilo se considera Sotasu. Creó pinturas clásicas, pero sus personajes eran muy coloridos. Más tarde se dedicó a la naturaleza y la mayoría de sus paisajes los pintó sobre fondos dorados.
En segundo lugar, durante el período Edo apareció el exotismo, el género namban. Utilizó técnicas modernas europeas y chinas que se entrelazaron con estilos tradicionales japoneses.
Y en tercer lugar aparece la escuela Nanga. En él, los artistas primero imitan por completo o incluso copian las obras de los maestros chinos. Luego aparece una nueva rama, que se llama bunjing.
Período de modernización
El período Edo da paso a Meiji, y ahora la pintura japonesa se ve obligada a entrar en una nueva etapa de desarrollo. En esa época, géneros como el western y similares se estaban volviendo populares en todo el mundo, por lo que la modernización del arte se convirtió en una situación común. Sin embargo, en Japón, un país donde todas las personas veneran las tradiciones, la situación en ese momento era significativamente diferente de lo que sucedió en otros países. Aquí la competencia entre los técnicos europeos y locales es feroz.
En esta etapa, el gobierno da preferencia a los artistas jóvenes que muestran grandes posibilidades de mejorar sus habilidades en los estilos occidentales. Entonces los envían a escuelas en Europa y América.
Pero esto fue sólo al comienzo del período. El caso es que críticos famosos El arte occidental fue criticado con bastante fuerza. Para evitar un gran revuelo en torno a este tema, los estilos y técnicas europeos comenzaron a prohibirse en las exposiciones y su exhibición cesó, al igual que su popularidad.
El surgimiento de los estilos europeos.
Luego viene el período Taisho. En esta época, los jóvenes artistas que partieron para estudiar en escuelas extranjeras regresan a su tierra natal. Naturalmente, traen consigo nuevos estilos de pintura japonesa, muy similares a los europeos. Aparecen el impresionismo y el postimpresionismo.
En esta etapa, se están formando muchas escuelas en las que se están reviviendo los antiguos estilos japoneses. Pero es imposible deshacerse por completo de las tendencias occidentales. Por ello, tenemos que combinar varias técnicas para poder complacer tanto a los amantes de los clásicos como a los aficionados a la pintura europea moderna.
Algunas escuelas están financiadas por el estado, gracias al cual es posible preservar muchas de las tradiciones nacionales. Los propietarios privados se ven obligados a seguir el ejemplo de los consumidores que querían algo nuevo y están cansados de los clásicos.
Pintura de la Segunda Guerra Mundial
Después del inicio de la guerra, la pintura japonesa permaneció al margen de los acontecimientos durante algún tiempo. Se desarrolló por separado e independientemente. Pero esto no podía continuar para siempre.
Con el tiempo, cuando la situación política en el país empeora, figuras altas y respetadas atraen a muchos artistas. Algunos de ellos comenzaron a crear estilos patrióticos incluso al comienzo de la guerra. El resto inicia este proceso sólo por orden de las autoridades.
En consecuencia, las bellas artes japonesas no pudieron desarrollarse, especialmente durante la Segunda Guerra Mundial. Por tanto, para pintar se le puede llamar estancado.
Suibokuga eterna
La pintura japonesa sumi-e, o suibokuga, significa literalmente "pintura con tinta". Esto determina el estilo y la técnica de este arte. Proviene de China, pero los japoneses decidieron considerarlo suyo. E inicialmente la técnica no tenía ningún aspecto estético. Fue utilizado por los monjes para la superación personal mientras estudiaban Zen. Además, primero hicieron dibujos y luego entrenaron su concentración mientras los miraban. Los monjes creían que las líneas estrictas, los tonos borrosos y las sombras, todo lo que se llama monocromo, ayudan a mejorar.
La pintura con tinta japonesa, a pesar de la gran variedad de pinturas y técnicas, no es tan compleja como podría parecer a primera vista. Se basa en sólo 4 tramas:
- Crisantemo.
- Orquídea.
- Rama de ciruelo.
- Bambú.
Un número reducido de tramas no hace que dominar la técnica sea rápido. Algunos maestros creen que el aprendizaje dura toda la vida.
A pesar de que el sumi-e apareció hace mucho tiempo, siempre tiene demanda. Además, hoy en día es posible conocer a los maestros de esta escuela no sólo en Japón, sino que está muy extendida más allá de sus fronteras.
Periodo moderno
Después del final de la Segunda Guerra Mundial, el arte en Japón floreció sólo en las grandes ciudades, y los aldeanos ya tenían bastante de qué preocuparse; En su mayor parte, los artistas intentaron alejarse de las pérdidas de la guerra y representar la vida moderna en lienzos. vida en la ciudad con todos sus adornos y características. Las ideas europeas y americanas se adoptaron con éxito, pero esta situación no duró mucho. Muchos maestros comenzaron a alejarse gradualmente de ellos hacia las escuelas japonesas.
Siempre se mantuvo a la moda. Por lo tanto, la pintura japonesa moderna sólo puede diferir en la técnica de ejecución o en los materiales utilizados en el proceso. Pero la mayoría de los artistas no perciben bien diversas innovaciones.
Es imposible no mencionar la moda. subculturas modernas, como anime y estilos similares. Muchos artistas intentan difuminar la línea entre los clásicos y lo que se demanda hoy en día. Esta situación se debe en gran medida al comercio. Los clásicos y los géneros tradicionales prácticamente no se compran, por lo que no es rentable trabajar como artista en tu género favorito, hay que adaptarse a la moda.
Conclusión
Sin duda, la pintura japonesa es un tesoro escondido. bellas artes. Quizás el país en cuestión fue el único que no siguió las tendencias occidentales y no se adaptó a la moda. A pesar de los muchos golpes sufridos por la aparición de nuevas técnicas, los artistas japoneses aún pudieron defenderse. tradiciones nacionales en muchos géneros. Probablemente por esta razón las pinturas realizadas en estilos clásicos son tan valoradas en las exposiciones de hoy.
¿Qué son el anime y el manga? La definición más simple se ve así:
Los manga son cómics japoneses.
El anime es animación japonesa.
A menudo se cree que los términos “manga” y “anime” se limitan a determinados géneros (ciencia ficción, fantasía) y estilos gráficos (realismo, “ojos grandes”). Esto está mal. Los términos "manga" y "anime" definen únicamente la cultura básica sobre la cual se crean las obras correspondientes.
No hay ningún otro país en el mundo donde se preste tanta atención al cómic y la animación. Los creadores de cómics japoneses populares son personas muy ricas (Takahashi Rumikom es una de las mujeres más ricas de Japón), las más famosas son las celebridades nacionales, el manga representa aproximadamente una cuarta parte de todo el material impreso producido en Japón y se lee independientemente de quién; edad y género. La posición del anime es algo más modesta, pero también bastante envidiable. Digamos que no hay un solo país en el mundo en el que los actores de doblaje de animación (seiyuu) gocen de tal reconocimiento, respeto y amor. Japón es el único país del mundo que nomina un largometraje de animación al Oscar a la “Mejor Película Extranjera”.
Entre otras cosas, el anime y el manga son una excelente manera de apreciar no sólo cómo los japoneses modernos reflejan y experimentan sus tradiciones ancestrales, sino también cómo las obras japonesas reflejan los motivos y tramas de otros pueblos. Y no es un hecho que el primero sea siempre más interesante que el segundo. Necesitas saber muy bien japonés y teoría literaria para comprender realmente en qué se diferencia la versificación japonesa (y la mentalidad japonesa) de las europeas. Y para entender en qué se diferencian los elfos japoneses de los elfos de Tolkien, basta con ver una o dos series de televisión.
Por tanto, el anime y el manga son una especie de “puerta trasera” al mundo de la conciencia japonesa. Y al atravesar este pasaje, no solo puedes acortar el camino, sin tener que atravesar todas las vallas y baluartes erigidos por los mil quinientos años de “alta cultura” de Japón (el arte del anime y el manga es mucho más joven). , y hay menos tradiciones en ello), pero también obtienes mucho placer. Combinar negocios con placer: ¿qué podría ser mejor?
Ahora algunas notas específicas sobre manga y anime por separado.
manga
Las "historias ilustradas" se conocen en Japón desde el comienzo de su historia cultural. Incluso en los montículos kofun (tumbas de antiguos gobernantes), los arqueólogos encuentran dibujos que recuerdan un poco a los cómics en ideología y estructura.
La difusión de las “historias ilustradas” siempre se ha visto facilitada por la complejidad y ambigüedad de la escritura japonesa. Incluso ahora, los niños japoneses sólo pueden leer libros y periódicos "para adultos" después de terminarlos. escuela primaria(¡a los 12 años!). Casi inmediatamente después de la aparición de la prosa japonesa, aparecieron sus recuentos ilustrados, en los que había poco texto y las ilustraciones desempeñaban el papel principal.
Los primeros cómics japoneses se consideran "Imágenes divertidas de la vida de los animales", creadas en el siglo XII por el sacerdote y artista budista Kakuyu (otro nombre: Toba, años de vida: 1053-1140). Se trata de cuatro rollos de papel que representan una secuencia de imágenes dibujadas con tinta en blanco y negro con leyendas. Las imágenes hablaban de animales que representaban a personas y de monjes budistas que violaban las reglas. Ahora estos pergaminos se consideran una reliquia sagrada y se guardan en el monasterio donde vivió el asceta Kakuyu.
A lo largo de casi mil años de su historia, las “historias en imágenes” se han visto y han recibido nombres diferentes. La palabra "manga" (literalmente "imágenes extrañas (o divertidas), grotescas") fue acuñada por el famoso artista gráfico Katsushika Hokusai en 1814, y aunque el propio artista la utilizó para una serie de dibujos "de la vida", el término se mantuvo. referirse a los cómics.
La caricatura europea y los cómics americanos, que se hicieron famosos en Japón en la segunda mitad del siglo XIX, tuvieron una gran influencia en el desarrollo del manga. La primera mitad del siglo XX fue una época de búsqueda del lugar del cómic en el sistema de la cultura japonesa de los tiempos modernos. El gobierno militarista jugó un papel importante aquí, utilizando la cultura de masas para influir en la población. Los militares financiaron el manga “correcto” (incluso empezó a aparecer en color por un corto tiempo) y prohibieron el manga con críticas políticas, obligando a los ex dibujantes a dominar tramas de aventuras y fantasía (por ejemplo, la idea de un “robot gigante” apareció por primera vez en el manga de venganza de 1943, en el que un robot así destrozó a los odiados Estados Unidos). Finalmente, en la posguerra, el gran Tezuka Osamu con sus obras hizo una verdadera revolución en el mundo del manga y, junto con sus alumnos y seguidores, hizo del manga la principal dirección de la cultura de masas.
El manga casi siempre es en blanco y negro; sólo las portadas y las ilustraciones individuales están dibujadas en color. La mayoría de los manga son series serializadas, publicadas en periódicos o (más a menudo) en revistas semanales o mensuales. El tamaño de porción habitual de una serie de una revista semanal es de 15 a 20 páginas. El manga, popular entre los lectores, se vuelve a publicar en forma de volúmenes separados: tankobons. Por supuesto, hay historias cortas de manga y manga que se publican inmediatamente en forma de tankobon.
Hay muchas revistas de manga en Japón. Cada uno de ellos está dirigido a un público específico, digamos, adolescentes más jóvenes interesados en la fantasía o adolescentes mayores interesadas en el ballet. Las diferencias más fuertes se dan entre mujeres y revistas para hombres. El público de estas revistas va desde niños (para quienes el manga se publica sin leyendas) hasta hombres y mujeres de mediana edad. Ya se están realizando experimentos en el campo del manga para personas mayores. Por supuesto, esta diversidad de públicos ha dado lugar a una gran cantidad de estilos y géneros: del simbolismo al fotorrealismo y de los cuentos de hadas a las obras filosóficas y los libros de texto escolares.
El creador de un manga se llama "mangaka". Normalmente una persona (a menudo con ayudantes aprendices) dibuja un cómic y escribe textos, pero también se produce la creatividad en grupo. Sin embargo, no es habitual que más de tres o cuatro personas trabajen en un solo manga. Esto aumenta la integridad artística y aumentan los ingresos personales. Además del manga profesional, también existe el manga amateur: "doujinshi". Muchos artistas de manga comenzaron como creadores de doujinshi ("doujinshika"). En las grandes ciudades hay mercados especiales donde los doujinshi venden sus productos y, a veces, encuentran editores serios para sus obras.
animado
El término "anime" sólo se estableció a mediados de la década de 1970; antes de eso, la gente solía decir "manga-eiga" ("cómics de películas"). Los japoneses comenzaron sus primeros experimentos con la animación a mediados de la década de 1910, y el primer anime apareció en 1917. Durante bastante tiempo, el anime estuvo al margen del cine, pero aquí también los militaristas desempeñaron un papel beneficioso, apoyando cualquier arte "correcto". Así, las dos primeras películas importantes de anime se estrenaron en 1943 y 1945, respectivamente, y fueron propaganda de “juegos” que glorificaban el poder del ejército japonés. Al igual que con el manga, papel decisivo En la historia del anime, interpretó a Tezuka Osamu, quien sugirió abandonar la competencia sin sentido con largometrajes Walt Disney y pasa a crear series de televisión que son superiores a las estadounidenses no en calidad de imagen, sino en atractivo para el público japonés.
La mayoría de los animes son series de televisión y series producidas para la venta en vídeo (series OAV). Sin embargo, también hay muchas películas para televisión y anime de larga duración. En términos de diversidad de estilos, géneros y audiencias, el manga es significativamente superior al anime, pero este último cada año alcanza a su competidor. Por otro lado, muchos animes son adaptaciones de manga populares y no compiten, sino que apoyan. comercialmente entre sí. Sin embargo, la mayoría del anime es para niños y adolescentes, aunque también hay anime para jóvenes. El público de mediana edad está siendo capturado por el “anime familiar”, que los niños ven con sus padres. La serialidad dicta sus propias leyes: los creadores de anime están menos inclinados a los experimentos técnicos que los animadores de otros países, pero prestan mucha atención a crear atractivos y imagenes interesantes personajes (de ahí la importancia de una actuación de voz de calidad) y desarrollo de la trama. Los diseñadores de anime son más importantes que los animadores.
El anime es creado por estudios de anime, generalmente relativamente pequeños y que trabajan con financiación externa de varios patrocinadores (canales de televisión, corporaciones de juguetes, editores de manga). Normalmente, estos estudios surgen en torno a unos pocos creadores destacados y, por lo tanto, el estudio suele tener un cierto "estilo de estudio" establecido por los principales diseñadores.
Desde el 16 de noviembre de 2013, el Hermitage inaugura la exposición “Mono no consciente. Arte contemporáneo Japón". La exposición, ubicada en el edificio del Ala Este del Estado Mayor, fue preparada por el Hermitage Estatal con el apoyo de la Embajada de Japón en Rusia, presenta instalaciones, esculturas, videoarte y fotografías creadas en los últimos años. por artistas japoneses y diseñado para llenar nueva pagina en la historia centenaria del arte del País sol naciente. Sus nombres, conocidos en su tierra natal, son todavía prácticamente desconocidos para el público ruso y europeo: Kanauji Teppei, Kengo Kito, Kuvakubo Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita, Hiraki. Sawa y otros.
Existe desde el siglo X, el término "mono no consciente" puede traducirse como "el encanto de una cosa" o "deleite en una cosa", y está asociado con la idea budista de lo efímero y la inutilidad de existencia. Los objetos materiales y espirituales que rodean a una persona están llenos de un encanto (avare) único y fugaz, característico sólo de ella. Una persona, y sobre todo un artista, debe tener un corazón receptivo para encontrar y sentir este encanto, para responder internamente a él. Los artistas contemporáneos tienen un agudo sentido de los materiales en los que brilla la simplicidad interior del significado. Limitándose deliberadamente a ciertos temas y motivos, utilizan las antiguas técnicas artísticas japonesas de una manera nueva.
En Japón, como en Rusia, el arte contemporáneo es un fenómeno traído de fuera, de Occidente, que no siempre es comprensible y provoca rechazo. Ambas culturas aceptaron el término angloamericano arte contemporáneo como símbolo de préstamos culturales novedosos. En el Japón de los años setenta, como en Rusia en los noventa, los artistas se sentían marginados. Fueron a trabajar a Occidente, pero todavía en el Japón de los años 1970 las palabras “arte contemporáneo” sonaban positivas, permitiendo a la generación más joven Olvidemos la definición de "arte de posguerra", asociado a la tragedia y la decadencia.
El verdadero florecimiento del arte moderno en el sentido occidental no se produjo hasta finales de la década de 1980, cuando se abrieron galerías no sólo en Ginza, sino también en otras zonas de Tokio. En 1989, se creó el primer museo de arte moderno en Hiroshima, y pronto le siguieron los museos de Tokio en la década de 1990. A partir de ese momento se inició un paulatino reconocimiento del fenómeno del arte contemporáneo a nivel nacional y su ingreso a la cotidianidad cultural. El siguiente paso fue la celebración de bienales y trienales nacionales.
En la era del dominio total de las tecnologías mediáticas artistas japoneses concentrar su atención en los materiales nativos, en su tacto, en escucharlos. De gran interés en la exposición son las instalaciones, incluida la obra de Ryota Kuwakubo (n. 1971), de diseño simple, pero de funcionamiento complejo, donde papel principal juegos de sombras. El artista delinea objetos y crea un sorprendente caleidoscopio en movimiento. Kaneuji Teppei (n. 1978) presenta diseños inesperados a partir de materiales domésticos cotidianos. Los objetos que coleccionó, que tienen color diferente y propósito, se desarrollan en formas extrañas que se convierten en esculturas modernistas o paisajes nevados de pinturas japonesas sobre seda.
Las “selecciones de material” en obras de video y en el género de “objeto encontrado” son realizadas por Hiroaki Morita (n. 1973), y en pintura por Shinishiro Kano (n. 1982) y Masaya Chiba (n. 1980). El potencial de las muy prosaicas "selecciones materiales" compiladas por los artistas se remonta a la espiritualización de todo y de todos, tradicional del budismo con su idea de que en cada criatura y en cada objeto, desde una persona hasta una pequeña brizna de hierba, se encuentra la naturaleza del Buda. También prestan atención a esencia interior cosas percibidas como belleza y encanto.
La instalación de Kengo Kito (n. 1977), compuesta por aros, es a la vez escultura y panorama general con planos desconectados, colores elementales y perspectiva. El espacio que contiene se convierte en planos ante nuestros ojos, lo que permite copiar sin cesar todos estos signos y símbolos del arte que han perdido su conexión con la realidad.
Yasuaki Onishi (n. 1979) y Motoi Yamamoto (n. 1966) trabajan el espacio de forma algo diferente en sus instalaciones. Como para unir todos estos enfoques diferentes con una simplicidad cautivadora, Yoshihiro Suda (n. 1969) inicia una intrusión mínima en el espacio de exposición colocando discretamente plantas de madera que parecen reales.
La exposición "Mono no consciente. El encanto de las cosas. Arte contemporáneo de Japón" fue preparada por el Departamento de Arte Contemporáneo en el marco del proyecto Hermitage 20/21. Según M. B. Piotrovsky, director general Ermita estatal: “Los objetivos del proyecto son recopilar, exhibir y estudiar el arte de los siglos XX-XXI. “Hermitage 20/21” está dirigido a aquellos que quieren mantenerse al día: aficionados y profesionales, conocedores sofisticados y los espectadores más jóvenes”.
Los comisarios de la exposición son Dmitry Yurievich Ozerkov, jefe del Departamento de Arte Contemporáneo del Hermitage Estatal, Candidato de Filosofía y Ekaterina Vladimirovna Lopatkina, subdirectora del Departamento de Arte Contemporáneo. Consultor científico de la exposición - Anna Vasilievna Savelyeva, investigador Departamento del Este del Estado Hermitage. Para la exposición se ha elaborado un folleto ilustrado, el autor del texto es D.Yu. Özerkov.
El arte japonés ocupa un lugar importante en la colección del Hermitage Estatal y cuenta con unas 10.000 obras: el museo almacena 1.500 hojas de grabados en madera en color, incluidas obras de famosos maestros del grabado japonés de mediados del siglo XVIII al XX; colección de porcelana y cerámica (más de 2000 piezas expuestas); barnices de los siglos XVI-XX; Muestras de telas y disfraces. La parte más valiosa de la colección de arte japonés del Hermitage es la colección de netsuke, escultura en miniatura de los siglos XVII al XIX, que cuenta con más de 1.000 obras.
El Hermitage acoge una interesante exposición: Arte contemporáneo de Japón "MONO-NO AWARE. El encanto de las cosas".
No puedo decir que sea un fanático del arte contemporáneo. Me gusta más cuando hay algo que mirar (gráficos ocupados, artes decorativas, etnicidad, ese es mi todo). Admirar la belleza de un concepto puro no siempre me resulta divertido. (¡Malevich, lo siento! ¡No me gusta el cuadrado negro!)
¡Pero hoy llegué a esta exposición!
Queridos, si están en San Petersburgo, interesados en el arte y aún no han estado allí, ¡la exposición estará abierta hasta el 9 de febrero! ¡Vaya, es interesante!
No estoy muy convencido de los conceptos, como escribí anteriormente. De alguna manera pensé que en un año de visitar exposiciones contemporáneas, como máximo uno o dos objetos me parecen divertidos. Y muchas cosas no me conmueven tanto como para sentir pena por el tiempo que pasé. Pero esto es en cualquier género, en cualquier arte, el porcentaje de talento y mediocridad, ¡bueno si es uno entre diez! Pero me gustó esta exposición.
En las salas de exposiciones del edificio del Estado Mayor se exhibieron creaciones japonesas. La primera instalación que recibe a los visitantes es un laberinto increíblemente grande cubierto de sal en el suelo. Suelo gris, sal blanca, un espacio increíblemente bien marcado, entretejido en un solo campo. Grande sala de exposiciones, y un adorno blanco que se extiende por el suelo como una especie de locha increíble. Además, comprendes lo temporal que es este arte. Se cerrará la exposición, el laberinto será barrido con una escoba. Una vez vi una película, "El pequeño Buda". Y allí, al principio, un monje budista colocó un complejo adorno hecho de arena de colores. Y al final de la película, el monje hizo un movimiento brusco con su pincel y la titánica obra se esparció al viento. Estaba ahí, luego fue un salto y luego desapareció. Y esto dice, aprecia la belleza aquí y ahora, todo es pasajero. Entonces este laberinto de sal entra en diálogo contigo, comienzas a responder las preguntas que te plantea. Artista: Motoi Yamamoto.
¡Sí, sí! Este es un laberinto tan grande, ¿puedes sentir la escala?
El segundo objeto que cautiva es la enorme cúpula realizada en polietileno y resina negra de Yasuaki Onishi. El espacio ha sido diseñado de una forma inusual. Colgando de hilos de resina negros, delgados y desiguales, que se mueven ligeramente, hay una cúpula... o una montaña con un terreno complejo. Cuando entras, ves un patrón abigarrado de puntos, lugares donde se pega la resina. Es curioso, como si una lluvia negra cayera silenciosamente y tú estuvieras bajo el dosel.
¿Cómo se te ocurrió esta técnica? Gracioso, ¿verdad? Pero en la vida real parece “más viva”, la cúpula se balancea ligeramente con la brisa creada por los visitantes que pasan. Y hay una sensación de interacción con el objeto. ¡Puedes entrar "en la cueva" y ver cómo es desde dentro!
Pero para evitar la impresión de que todo era blanco y negro, publicaré aquí un par de fotos más de la composición hecha con aros conectados entre sí. ¡Qué divertidos rizos de plástico de colores! Y además, puedes caminar por esta sala, dentro de los aros, o puedes mirar todo desde afuera.
Estos objetos me gustaron más. Por supuesto, pronto el arte contemporáneo conceptual será diferente, en sintonía con los nuevos tiempos. No volverá a ser como antes y no permanecerá como es ahora. Cambiará. Pero para comprender qué sucedió, dónde fluyó el flujo y qué y de dónde viene, es necesario saber qué está sucediendo ahora. Y no dejes de lado el hecho de que nooo, el concepto no es para mí, pero intenta verlo y apreciarlo. Talentos hay pocos, como siempre, pero existen. Y si las piezas expuestas resuenan, ¡¡¡no todo está perdido!!!