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Por dónde empezar a escuchar a Shostakovich

Dmitry Shostakovich se hizo famoso a la edad de 20 años, cuando su Primera Sinfonía se interpretó en salas de conciertos de la URSS, Europa y Estados Unidos. Un año después de su estreno, la Primera Sinfonía se representó en todos los teatros más importantes del mundo. Los contemporáneos llamaron a las 15 sinfonías de Shostakovich "la gran era de la música rusa y mundial". Ilya Ovchinnikov habla sobre la ópera “Lady Macbeth de Mtsensk”, Sinfonía n.° 5, Cuarteto de cuerda n.° 8.

Foto: telegraph.co.uk

Concierto n.° 1 para piano, trompeta y orquesta

El concierto es una de las últimas obras del atrevido y temprano Shostakovich, autor de obras de vanguardia como la ópera "La Nariz" y la Segunda y Tercera Sinfonías. No es casualidad que Shostakovich avance hacia un estilo más democrático. El concierto está lleno de citas ocultas y explícitas. Aunque la parte de trompeta en la obra es extremadamente importante, no se puede llamar un concierto doble, donde los roles de los dos instrumentos son iguales: la trompeta hace un solo, luego acompaña al piano, luego lo interrumpe y luego se queda en silencio durante mucho tiempo. . El concierto es como una colcha de retazos: lleno de citas de Bach, Mozart, Haydn, Grieg, Weber, Mahler, Tchaikovsky, sin dejar de ser una obra absolutamente integral. Las fuentes de citas incluyen el rondó "Rage for a Lost Penny" de Beethoven. Shostakovich utilizó su tema en una cadencia que inicialmente no tenía intención de escribir: apareció a petición urgente del pianista Lev Oborin, quien, junto con el autor, se convirtió en uno de los primeros intérpretes del Concierto. Sergei Prokofiev, que planeaba tocar el Concierto en París, también se interesó por la composición, pero nunca llegó a ser así.

Ópera "Lady Macbeth de Mtsensk"

Los temas principales de una de las principales óperas del siglo XX fueron el sexo y la violencia; poco después de su triunfal estreno en 1934, fue oficialmente prohibida en nuestro país durante casi 30 años. Según el ensayo de Leskov, Shostakovich cambió mucho en la imagen de la heroína. "A pesar de que Ekaterina Lvovna es la asesina de su marido y de su suegro, todavía simpatizo con ella", escribió el compositor. A través de los años destino trágico La ópera hizo que se la viera como una protesta contra el régimen. Sin embargo, la música, impregnada de una sensación de presentimiento, sugiere que la escala de la tragedia es más amplia que la escala de la época. No es casualidad que la policía, aburrida en la comisaría, esté muy contenta con la noticia de un cadáver en el sótano de los Izmailov, y el descubrimiento real del cadáver, una de las escenas más impresionantes de la ópera, va acompañado de una galope vigoroso y gallardo. La imagen de bailar sobre una tumba, una de las claves para Shostakovich en general, era demasiado relevante para la URSS en la década de 1930 y es posible que a Stalin no le hubiera gustado. Presta atención al baile de los invitados en el tercer acto: una vez que lo escuchas, es imposible olvidarlo.

El mismo galope, realizado por Shostakovich.

Sinfonía nº 5

La sinfonía no habría nacido sin la ópera Lady Macbeth y su demoledora crítica. El artículo "Confusión en lugar de música", dictado por Stalin, asestó un duro golpe a Shostakovich: esperaba ser arrestado, aunque no dejó de trabajar. La Cuarta Sinfonía pronto se completó, pero su interpretación fue cancelada y tuvo lugar 25 años después. Shostakovich escribió una nueva sinfonía, cuyo estreno resultó ser un verdadero triunfo: el público no se fue durante media hora. La sinfonía pronto fue reconocida como una obra maestra. el nivel más alto; Alexei Tolstoi y Alexander Fadeev la elogiaron. Shostakovich logró crear una sinfonía que le ayudó a rehabilitarse, pero no fue un compromiso. EN Trabajos previos el compositor experimentó audazmente; en la Quinta, sin pisarse la garganta, presentó los resultados de su compleja búsqueda en la forma tradicional de una sinfonía romántica de cuatro movimientos. Para los círculos oficiales ella gran final sonaba más que aceptable; La especialidad obsesiva brindó al público infinitas oportunidades para pensar en lo que el autor tenía en mente y todavía tiene en mente.

Cuarteto de cuerda n.º 8

Junto a las quince sinfonías del legado de Shostakovich hay quince cuartetos de cuerda: su Diario personal, diálogo interno, autobiografía. Sin embargo, la escala de sus otros cuartetos es sinfónica, muchos de ellos están interpretados en arreglos para orquesta. El más famoso es el Octavo, cuyo título “En memoria de las víctimas del fascismo y de la guerra” es sólo una fachada de la verdadera intención del autor. Shostakovich le escribió a su amigo Isaac Glickman: “... escribió un cuarteto inútil e ideológicamente vicioso. Pensé que si alguna vez moría, sería poco probable que alguien escribiera una obra dedicada a mi memoria. Entonces decidí escribir uno yo mismo. Se podría haber escrito en la portada: “Dedicado a la memoria del autor de este cuarteto”... La pseudotragedia de este cuarteto es tal que, al escribirlo, derramo tantas lágrimas como orina se derrama después de media docena. cervezas. Al llegar a casa, intenté tocarlo dos veces y nuevamente derramé lágrimas. Pero no se trata sólo de su pseudotragedia, sino también de la sorpresa ante la bella integridad de la forma”.

Opereta “Moscú, Cheryomushki”

La única opereta de Shostakovich está dedicada al traslado de los moscovitas a un nuevo distrito de la capital. Para los tiempos del Deshielo, el libreto de Cheryomushki está sorprendentemente libre de conflictos: aparte de la lucha de los nuevos colonos por un espacio habitable con el sinvergüenza Drebednev y su esposa Vava, los conflictos restantes aquí son sólo entre los buenos y los excelentes. Incluso el pícaro director Barabashkin es simpático. La letra de Shostakovich es prácticamente inaudible en esta opereta ejemplar: es interesante imaginar cómo la habría percibido un oyente que no supiera el nombre del autor. Además de la música, también destacan los conmovedores diálogos: “¡Oh, qué lámpara de araña tan interesante!” - “Esto no es una lámpara de araña, sino una ampliadora fotográfica”. - “Oh, qué interesante ampliadora de fotos... ¡De qué podemos hablar, la gente sabe cómo vivir!” La opereta “Moscú, Cheryomushki” es una especie de museo donde se exhibe no tanto nuestra vida de hace 60 años, sino cómo se entendía en ese momento.

Dmitri Shostakóvich. Foto – es.wikipedia.org

El programa de las salas de conciertos de todo el mundo del pasado domingo se desarrolló en torno a una de las fechas principales del año: el 110º aniversario del nacimiento de Dmitry Shostakovich.

El viernes apareció en nuestra web la primera parte del ensayo dedicado al aniversario.

El compositor Anton Safronov continúa hablando sobre el destino y la obra de un hombre reconocido por sus contemporáneos como un fenómeno independiente en el arte del siglo pasado.

Los ensayos más exitosos.

Es muy difícil nombrar una de las obras más destacadas de Shostakovich.

El compositor trabajó durante más de medio siglo. Se trata de una longevidad creativa comparable a la de Haydn o Stravinsky. Puedes intentar nombrar sus obras más destacadas, creadas en varios períodos creativos.

Ópera “La Nariz” (1928)

“La Nariz”, creada por Shostakovich a finales de la década de 1920, es una de las óperas más importantes del siglo XX y una de mejores trabajos teatro musical mundial.

El texto de Gogol se conserva aquí con mucha precisión y cuidado, y su refracción musical y escénica es extremadamente cercana al mundo absurdo de Kharms. Toda la música de la ópera y todas sus decisiones escénicas son la quintaesencia del “oberiutismo” musical, con numerosos “desapegos”, “alienaciones” y convenciones escénicas enfatizadas.

El propio compositor dijo:

“En “The Nose” los elementos de acción y música son iguales. Intenté crear una síntesis de música y representación teatral”.

Todo en el diseño musical de la ópera es magnífico: la cáustica parodia de imitaciones sonoras, el intermedio entre dos escenas, escritas únicamente para batería (¡la primera obra en la historia mundial para una composición tan instrumental!), y el “doble dúo” de cuatro personajes, que están en el mismo escenario por parejas en dos lugares de acción diferentes (una técnica que parodia el comienzo de “Eugene Onegin” de Tchaikovsky, y al mismo tiempo anticipa el “total” de la posguerra). Teatro musical” Bernd Alois Zimmermann).

En una palabra: ¡una obra maestra desde la primera hasta la última nota!

Ópera “La Nariz”. Teatro Musical de Cámara de Moscú, director – Gennady Rozhdestvensky, 1979:

Sinfonía nº 4 (1936)

Una de las mejores y aún más subestimadas sinfonías de Shostakovich. El más “mahleriano” no sólo por el dramatismo y la ironía, sino también por el tamaño, la composición de la orquesta y el increíble ingenio con el que el autor utiliza este gigantesco aparato instrumental.

Shostakovich no utilizó una orquesta tan grande en ninguna de sus otras composiciones. También es sin duda la más “Oberiut” entre las sinfonías del compositor. Su poderosa tragedia va de la mano de las técnicas del juego deliberado, exponiendo el marco formal. Muchos episodios de la sinfonía suenan como un "grito clandestino" de los héroes de Kharms.

Al mismo tiempo, es una sinfonía visionaria. En él no sólo aparecen carteles por primera vez. estilo tardío Shostakovich, pero también algunas técnicas del futuro posmodernismo musical.

Por ejemplo, el tercer y último movimiento de la sinfonía presenta un cambio dramático inusual. Comenzando como una marcha fúnebre, se convierte en un divertimento inmensamente largo de temas sucesivos del campo de la "basura" musical: valses, marchas, polcas, galopes, hasta llegar a un desenlace real y un desenlace "doble".

Primero, "fuerte y mayor": un aterrador ritual chamánico de continuos gritos de victoria en el contexto de un ostinato rítmico inmutable de tambores (percibido como una alusión sonora viva a las sangrientas acciones masivas soviéticas de esa época). Luego, "tranquilo y menor": con el telón de fondo de acordes entumecidos, el solo de celesta repite motivos melancólicos breves y simples, que recuerdan mucho a la música futura de Pärt.

En el año de la creación de su sinfonía, en una atmósfera de persecución que había comenzado (), para protegerse de nuevos ataques, el autor consideró mejor cancelar el estreno ya anunciado en la Filarmónica de Leningrado, que iba a ser dirigida por Fritz Stiedri, director de orquesta austro-alemán y alumno de Gustav Mahler, que emigró a la URSS desde la Alemania nazi.

Así fue como una de las mejores sinfonías de Shostakovich nunca vio la luz. Sonó sólo un cuarto de siglo después. La cancelación por parte del compositor del estreno de su obra, junto con el posterior “cambio de paradigmas” en sus obras posteriores, se convirtió en un precipicio creativo de todo hacia lo que se había encaminado durante la primera década de su obra. Y algo a lo que sólo volverá en los últimos años.

Sinfonía nº 4. Escoceses reales orquesta nacional, directora – Neeme Jarvi:

Sinfonía n.º 8 (1943)

La sinfonía más dramáticamente perfecta y más interpretada de Shostakovich y una de las mejores obras de arte mundial relacionadas con el tema de la guerra.

También plantea el tema filosófico general de la catástrofe de la violencia universal, la destrucción del hombre por el hombre. La octava sinfonía se puede comparar con una novela polifónica diversa y de múltiples temas, que consta de varios “círculos de desarrollo”, los más poderosos de los cuales son los últimos tres movimientos, que se desarrollan sin interrupción.

Comienza con una toccata siniestramente mecánica, que crea una imagen visible de una máquina de destrucción y la "banalidad del mal". Después de un fuerte clímax viene un declive: una comprensión trágico-filosófica de la catástrofe del holocausto. Esta parte del episodio se basa en un tema constante (ostinato), que se repite doce veces en el bajo (una referencia a la antigua forma de passacaglia, a la que Shostakovich suele recurrir en el clímax de sus obras).

En el punto más bajo del declive comienza el final de la sinfonía: en él nace la única imagen de esperanza de toda la obra.

Dónde escuchar: 9 de octubre Sala de conciertos lleva el nombre de Tchaikovsky. Orquesta Estatal de Rusia que lleva el nombre de Svetlanov, director – Vladimir Yurovsky. Precio: desde 3000 rublos.

Sinfonía nº 8. Filarmónica de Leningrado ZKR ASO, director – Evgeny Mravinsky:

Sinfonía n.º 14 (1969)

En la década de 1950, aunque Shostakovich escribió varias obras destacadas (como 24 preludios y fugas para piano, la Décima Sinfonía, el Primer Concierto para violonchelo), las mejores obras de esos años no aportaron nada fundamentalmente nuevo a su lenguaje e imágenes musicales. En la década siguiente, en la década de 1960, comenzaron a producirse cambios significativos en el mundo creativo de Shostakovich.

Su mas destacado trabajo atrasado y una de sus mejores obras en general es la Decimocuarta Sinfonía vocal, una especie de cantata sinfónica, en gran medida sucesora de la idea de Mahler de una sinfonía de despedida sobre la muerte, como “Canción de la Tierra”.

El propio autor también señaló la conexión de su obra con el ciclo vocal de Mussorgsky "Canciones y danzas de la muerte". Para Shostakovich, Mussorgsky y Mahler fueron los compositores más importantes a lo largo de su vida. Además de los ecos semánticos con ellos, la Decimocuarta Sinfonía se acerca en muchos aspectos a los últimos ciclos vocales de Shostakovich.

Al igual que la “Canción de la Tierra” de Mahler, fue escrita para dos cantantes solistas: un hombre y voz femenina. Pero, a diferencia de Mahler, ésta es la sinfonía más camerística de Shostakovich, tanto en su tono como en la inusual composición de la orquesta para el compositor, deliberadamente reducida a un conjunto de cuerdas y percusión (incluida la celesta): dos mundos sonoros opuestos, que entran en un dialogan entre sí, lo mismo ocurre con las voces humanas. Aquí hay continuidad con Bartok. Y también con Britten, a quien está dedicada la sinfonía.

En total, la Decimocuarta Sinfonía tiene 11 movimientos, la secuencia más larga y “no sinfónica” de Shostakovich. Al igual que “Canción de la Tierra”, la sinfonía de Shostakovich se compuso de poemas de diferentes autores y también se tradujo al idioma nativo del compositor.

En total, cuenta con cuatro poetas que se reemplazan entre sí: Lorca (los dos primeros movimientos), Apollinaire (los seis siguientes), Kuchelbecker (¡sólo un movimiento y el único poema de la sinfonía escrito por un poeta ruso!) y Rilke (el último dos movimientos). La música de la sinfonía está llena de letras conmovedoras e imágenes igualmente sombrías de lo macabro. Su lenguaje musical abre muchas cosas nuevas para la música rusa: no es casualidad que fue esta obra la que inspiró a los contemporáneos más jóvenes de Shostakovich: Schnittke, Denisov, Gubaidulina, Shchedrin.

En la partitura del Decimocuarto se pueden encontrar muchas soluciones de sonido que fueron audaces para Shostakovich, incluidos flujos de timbre y sonido con notas individuales difíciles de distinguir de oído (sonorística). El compositor parece regresar al mundo sonoro con “La Nariz” y la Segunda Sinfonía, escrita cuatro décadas antes.

La última parte de la sinfonía (“Conclusión”), que habla de la expectativa y la proximidad de la muerte, es especialmente sorprendente: la música termina con un poderoso crescendo disonante, que termina abrupta e inesperadamente, como la vida misma.

Sinfonía nº 14. Orquesta Sinfónica de la Radio de Colonia (Alemania Occidental) (WDR), director – Rudolf Barshai:

Un tema especial en la obra de Shostakovich.

Varias obras de Shostakovich contienen el tema de la tragedia del pueblo judío.

Durante la guerra, aparece por primera vez en el final del Trío con piano en memoria de Sollertinsky (1944), donde un motivo que recuerda a la danza tradicional judía freylahs suena con especial fuerza desesperada. Más tarde, este mismo tema se repite en el Octavo Cuarteto de Shostakovich, construido en gran medida a partir de autocitas musicales de obras anteriores.

En el mismo 1944, Shostakovich completó la ópera en un acto de su alumno Veniamin Fleishman "El violín de Rothschild" (según Chéjov), que quedó inconclusa después de que su autor se ofreciera como voluntario para el frente y muriera en el otoño de 1941 en batallas cerca de Leningrado.

Después de la guerra, en 1948, Shostakovich creó el Primer Concierto para violín y el ciclo vocal "De los judíos". poesía popular" En la segunda parte del concierto para violín se vuelve a escuchar un tema que recuerda a Freilachs. Y en el ciclo vocal, el tema judío encuentra por primera vez expresión verbal en Shostakovich.

El tema alcanza su máximo desarrollo en la Decimotercera Sinfonía vocal basada en poemas de Yevtushenko, escritos en 1962. Su primera parte, “Babi Yar”, cuenta la historia de la ejecución de judíos de Kiev al comienzo de la Gran Guerra Patria y revela plenamente el tema del antisemitismo.

Los preparativos para el estreno de la sinfonía no transcurrieron sin incidentes: las autoridades soviéticas no estaban entusiasmadas con la nueva obra. Mravinsky, que anteriormente había sido el primer intérprete de casi todas las sinfonías de Shostakovich (empezando por la Quinta), prefirió evitar la “política” y se negó a dirigir la Decimotercera. Esto provocó un enfriamiento de las relaciones entre director y compositor.

El estreno estuvo a cargo de Kirill Kondrashin. Las autoridades querían que Yevtushenko "editara" el poema "Babi Yar", fortaleciendo el "elemento internacionalista" que contenía. Hay que decirlo, el poeta, que siempre ha evitado enfrentamientos graves con las autoridades, hizo este compromiso. Las representaciones de la sinfonía en la URSS se llevaron a cabo con una nueva versión censurada del texto.

Trío con piano n.º 2 op.67, final. Svyatoslav Richter (piano), Oleg Kagan (violín), Natalya Gutman (violonchelo):

Shostakovich creó mucha música oficial soviética. Se cree que de esta manera le arrojó el “hueso” necesario a las autoridades para que lo dejaran en paz y le dieran la oportunidad de hacer lo que realmente era cercano e importante para él.

Su famosa “Canción del Contador” (de la película “Contador”, 1932) se convirtió en un símbolo musical del optimismo cultivado en la era de la industrialización. Su última composición en este género, una breve introducción musical para la Intervisión Soviética (1971), sonada antes de las transmisiones televisivas de desfiles y congresos del partido, es ya un monumento de granito al "estancamiento" de Brezhnev. Shostakovich escribió la mayor parte de la “música soviética” a finales de los años 1940 y 1950.

Pero su obra soviética más destacada musicalmente es la canción "The Motherland Hears" con letra de Dolmatovsky (1950). Un verdadero himno de la época, impresionante por su rara belleza melódica.

Esta canción (cuya letra es la despedida de un piloto que vuela sobre país de origen) está lejos del sonoro patetismo del típico “imperio” musical estalinista. Su música deleita con su expresividad sobria, la sensación de un cielo helado y un aire enrarecido, transmitido por un acompañamiento casi inmóvil.

Desde que Gagarin voló al espacio y (según sus propias palabras) cantó esta canción durante el aterrizaje, sus motivos iniciales se convirtieron en el distintivo de llamada de All-Union Radio, donde sonaban junto con las señales del primer satélite, algo así como la "melodía" oficial. para teléfonos móviles”, un símbolo sonoro de la era de prosperidad soviética de revolución científica y tecnológica.

La letra de la canción es puro Orwell:

“La Patria escucha,
La patria sabe
donde su hijo vuela en las nubes.

Con cariño amistoso,
con tierno amor
las estrellas escarlatas de la torre de Moscú,
Torres del Kremlin
ella te está mirando”.

D. Shostakovich, poesía - E. Dolmatovsky, “La Patria oye…”. Coro de niños de la Escuela de Moscú que lleva el nombre. A. V. Sveshnikova bajo V. S. Popov:

“Mal Shostakóvich”

A lo largo de medio siglo de creatividad, el compositor creó alrededor de ciento cincuenta obras diferentes. Junto a las obras maestras, entre ellas también se encuentran obras "pasajeras", claramente escritas en una máquina semiautomática.

En la mayoría de los casos se trata de obras del género aplicado o en ocasiones oficiales. El compositor los escribió sin invertir mucha alma e inspiración. Replican las técnicas más populares de "Shostakovich": toda esta fragmentación interminable del ritmo, escalas "sombrías" con pasos bajos, "clímax poderosos", etc. etcétera. Desde entonces, apareció la expresión “mal Shostakovich”, que significa escritura cursiva superficial de este tipo.

Entre sus sinfonías, no es la más exitosa, por ejemplo, la Tercera ("Pervomayskaya") con un coro con letra de Semyon Kirsanov (1929). Escrito con la clara intención de experimentar con la forma, termina suelto y desmoronándose en episodios que no están estrechamente conectados entre sí.

La Duodécima Sinfonía “1917” de Shostakovich, dedicada a la memoria de Lenin (1961), claramente no es la mejor de Shostakovich, sino que más bien recuerda a la buena música de cine. Sin embargo, según el autor de estas líneas, la Decimotercera Sinfonía “Deshielo” de Yevtushenko (1962) también resulta interesante más por sus temas programáticos que por su música.

No todos los cuartetos de cuerda de Shostakovich están al mismo nivel que sus mejores ejemplos de este tipo (como el Tercero, el Octavo o el Decimoquinto), ni tampoco lo están algunas de las otras obras de cámara del compositor.

Las obras muertas y resucitadas de Shostakovich

Como ya se mencionó, algunas de las obras de Shostakovich se publicaron mucho más tarde de lo que fueron escritas. El primer ejemplo de este tipo es la Cuarta Sinfonía, creada en 1936 e interpretada un cuarto de siglo después.

Shostakóvich tuvo que poner "sobre la mesa" una serie de obras de los años de la posguerra hasta tiempos mejores, que llegaron junto con el "deshielo" de Jruschov. Esto también se aplica a obras relacionadas directa o indirectamente con temas judíos: el ciclo vocal "De la poesía popular judía" y el Primer Concierto para violín.

Ambos fueron escritos en 1948, cuando en la Unión Soviética, junto con la “lucha contra el formalismo”, se desarrollaba una campaña antisemita para “luchar contra el cosmopolitismo”. No se escucharon por primera vez hasta 1955.

Durante los años de liberalización, junto con los estrenos de las obras de Shostakovich, que no habían visto la luz durante los años de la dictadura de Stalin, también se produjo la “rehabilitación” de sus óperas. En 1962, "Lady Macbeth de Mtsensk" fue revivida en una nueva versión de autor más "casta" llamada "Katerina Izmailova".

Un año antes de la muerte del compositor, la ópera "La Nariz" también regresó a la URSS. En 1974, se representó en el Teatro Musical de Cámara de Moscú bajo la dirección de Gennady Rozhdestvensky y dirigida por Boris Pokrovsky. Desde entonces, esta actuación se ha convertido en el principal tarjeta de visita teatro, como “La Gaviota” en el Teatro de Arte de Moscú.

Shostakóvich tiene una composición que se publicó y se hizo famosa tras la muerte del autor. Este es el "Paraíso antiformalista", una burla malvada e ingeniosa del pogromo ideológico de 1948, escrita inmediatamente después del propio texto del compositor.

Es una cantata (o miniópera en un acto) inspirada en la satírica “Rike” de Mussorgsky y representa una reunión de funcionarios culturales que condenan el “formalismo” musical. El compositor mantuvo esta pieza en secreto toda su vida y la mostró sólo a unos pocos amigos cercanos, entre ellos Grigory Kozintsev e Isaac Glikman. “Paraíso antiformalista” llegó a Occidente sólo durante los años de la “perestroika” de Gorbachov y se representó por primera vez en 1989 en Estados Unidos. Inmediatamente después, se escuchó en la URSS.

En los personajes satíricos de la cantata Edinitsyn, Dvoikin y Troikin, se adivinan fácilmente sus prototipos: Stalin, Zhdanov y Shepilov (un líder del partido que habló sobre música ya en los años cincuenta). La música de esta obra está repleta de citas y parodias. La partitura está precedida por un prefacio estilizado ingenioso y bilioso del autor: un engaño (sobre un supuesto "manuscrito encontrado en una caja de aguas residuales"), donde se nombran varios nombres más encriptados, detrás de los cuales es fácil reconocer a los inquisidores ideológicos. de la era estalinista.

Shostakovich también tiene obras inacabadas. Su ópera, iniciada durante la guerra, "Los jugadores", basada en la obra homónima de Gogol (basada en el texto original), quedó inconclusa. Después de la muerte del compositor, la ópera fue completada por Krzysztof Meyer y estrenada en Wuppertal, Alemania Occidental, en 1983.

También han sobrevivido otros proyectos de ópera inacabados (o incluso apenas iniciados) de Shostakovich. Probablemente todavía queden algunas de las obras del compositor (parcialmente interpretadas, pero ideas del compositor inacabadas) que aún tenemos que descubrir.

“Paraíso antiformalista”. “Moscow Virtuosi”, director – Vladimir Spivakov, Alexey Mochalov (bajo), Teatro Coral Boris Pevzner:

Discípulos y seguidores

Shostakovich sentó las bases de toda una escuela de compositores. Enseñó durante varias décadas, con una pausa durante los años de "lucha contra el formalismo".

Varios niños salieron de la “escuela de niños” compositores famosos. Uno de los alumnos favoritos del compositor fue Boris Tishchenko (1939-2010), destacado representante de la escuela de Leningrado formada por Shostakovich. Los otros dos estudiantes más famosos e igualmente queridos de la DDS se alejaron más tarde de él y se adentraron en las alas “derecha” e “izquierda” de la música rusa de posguerra.

El primero de ellos, Georgy Sviridov (1915-1998), ya en la década de 1950 se convirtió en el representante más influyente de la tendencia del "suelo nacional" en la música rusa, en muchos aspectos cercano a los escritores y "poetas de pueblo". Otra – Galina Ustvolskaya (1919-2006) – en los años más oscuros (desde finales de los años 1940) se convirtió en una representante intransigente de la “nueva música” rusa.

Posteriormente, habló de su completa ruptura creativa con su profesora. Pero a pesar de lo lejos que se ha alejado de él su propio lenguaje musical, habiendo adquirido un ascetismo extremo y, al mismo tiempo, una medida de expresión igualmente extrema, puede ser considerada una exponente de “no la letra, sino el espíritu” de Shostakovich, elevado al máximo grado de poder existencial.

Cualquier escuela de composición está plagada de epigonismo e inercia de estilo. Además de varias personas creativas, la escuela de Shostakovich formó muchas “sombras pálidas” que replicaban los elementos más típicos de su música. Muy rápidamente, estos clichés del pensamiento musical se convirtieron en el estándar en los departamentos de composición de los conservatorios soviéticos. Al difunto Edison Denisov le gustaba decir acerca de este tipo de epigonismo que tales autores escriben “no como Shostakovich, sino como Levitin” (es decir, uno de los típicos seguidores no creativos de “Dmit-Dmitch”).

Además de sus alumnos directos, muchos otros compositores fueron influenciados por Shostakovich. Los mejores heredan no tanto las características del estilo como los principios básicos de su música: narrativa (eventualidad), colisión (tendencia a colisiones dramáticas directas) y entonación aguda.

Entre los sucesores creativos de Shostakovich se encuentran nuestro compatriota Alfred Schnittke, el alemán Wolfgang Rihm, el polaco Krzysztof Meyer y el inglés Gerard McBurney. Los dos últimos autores también hicieron una importante contribución a la reconstrucción de las obras inacabadas de Shostakovich.

Edison Denisov, “DSCH”. Richard Valitutto (piano), Brian Walsh (clarinete), Derek Stein (violonchelo), Matt Barbier (trombón):

Críticos y detractores

No fueron sólo los burócratas soviéticos quienes expresaron su descontento con la música de Shostakovich. Incluso antes de "Confusión en lugar de música", el naturalismo enfático de la ópera "Lady Macbeth de Mtsensk" no fue del agrado de los críticos del periódico estadounidense "New York Sun", que calificaron esta obra de "pornofonía".

Prokofiev, que entonces vivía en Occidente, habló de “olas de lujuria” en la música de la ópera. Stravinsky creía que "Lady Macbeth..." "tiene un libreto repugnante, el espíritu musical de esta obra está dirigido al pasado y la música proviene de Mussorgsky". Sin embargo, la relación entre los tres compositores rusos más importantes del siglo XX nunca fue sencilla...

Si los líderes soviéticos, oportunistas y retrógrados criticaron a Shostakovich por un “modernismo” excesivo, los críticos de la “izquierda”, por el contrario, por una “relevancia” insuficiente. Entre estos últimos se encontraba el recientemente fallecido compositor y director de orquesta francés Pierre Boulez, uno de los fundadores de la vanguardia musical de la posguerra en Occidente.

Para él, simplemente no había música basada en eventos dramáticos y programáticos gratuitos, ni en la novedad. lenguaje musical y perfección estructura de sonido. La música de Shostakovich y Tchaikovsky siempre “desapareció” del repertorio de las orquestas que dirigía Boulez. Por la misma razón, Philip Gershkovich, un estudiante vienés de Berg y Webern que emigró a la URSS durante la guerra, también reprendió a Shostakovich. Con su maximalismo característico, llamó cáusticamente a Shostakovich “un hack en trance”, en referencia a las técnicas replicadas de su música.

Shostakovich también tuvo suficientes críticas en la derecha. A principios del siglo XXI se publicaron los diarios del fallecido Sviridov, alumno de Shostakovich, que le debía gran parte de su exitosa carrera como compositor. En ellos critica de manera muy dura a su maestro por “ Camino equivocado” de su obra, para el sinfonismo, “ajena a la naturaleza de la música rusa”. Sviridov declara que las óperas de Shostakovich son una burla de la vieja Rusia: “La Nariz” es de la Rusia metropolitana-urbana, y “Lady Macbeth” es de la Rusia provincial-rural. El maestro también lo consiguió para canciones y oratorios basados ​​en las palabras de Dolmatovsky...

Por supuesto, una posición así también tiene derecho a existir. Sólo queda preguntar: ¿qué impidió a Sviridov, en ese momento ya un importante funcionario de la Unión de Compositores, decirle a Shostakovich en su cara su opinión honesta y de principios, en lugar de derramar su bilis en las anotaciones del diario?

¿Y realmente valía la pena condenar al autor del oratorio sobre Stalin basado en las palabras de Dolmatovsky, al autor del oratorio sobre Lenin basado en las palabras de Mayakovsky, la música de la película sobre la industrialización de Stalin (que luego se convirtió en el salvapantallas de la principal programa de televisión de propaganda soviética) y el participante en el concurso para el nuevo himno nacional de la URSS, organizado por Khrushchev a principios de los años 1960?

Por supuesto, Shostakovich tuvo muchos críticos políticos tanto dentro como fuera del país. Algunos lo consideraban demasiado “antisoviético”. Otros, por el contrario, son demasiado “soviéticos”.

Así, por ejemplo, Solzhenitsyn, en quien el compositor mostró gran interés cuando se publicó su prosa campestre en la URSS, le dio a Shostakovich una reprimenda categórica por la Decimocuarta Sinfonía, reprochando al autor la falta de religiosidad en ella, actuando así como un " ideólogo inverso”.

La actitud de Shostakóvich hacia el poder soviético puede calificarse de “hamletiana”. Esto dio lugar a muchas disputas, especulaciones y leyendas. La imagen del “compositor soviético Shostakóvich” se difundió principalmente mediante la propaganda oficial. Otro mito opuesto, el del “compositor antisoviético Shostakovich”, se creó en los círculos de intelectuales de mentalidad opositora.

De hecho, la actitud de Shostakovich hacia el poder cambió a lo largo de su vida. Para un nativo de la intelectualidad raznochinsky de San Petersburgo, donde el “régimen zarista” era tradicionalmente odiado y despreciado, la revolución bolchevique significó tanto una estructura nueva y justa de la sociedad como el apoyo a todo lo nuevo en el arte.

Hasta mediados de la década de 1930, en las declaraciones de Shostakovich (tanto impresas como en cartas personales) se pueden encontrar muchas palabras de aprobación de la entonces política cultural soviética. En 1936, Shostakovich recibió el primer golpe de las autoridades, lo que le hizo pensar y asustarse mucho. Después de él terminó la historia de amor del compositor con la ideología y la estética de izquierda. Luego llegó un nuevo golpe en 1948. Así, la discordia interna del compositor creció en su actitud hacia sus antiguos ideales y la realidad que existía a su alrededor.

Desde antes de la guerra, Shostakovich perteneció a la élite de los "maestros del arte" rusos. A partir de la década de 1950, poco a poco pasó a formar parte de la nomenklatura, ocupando cada vez más “cargas de trabajo y puestos de responsabilidad” (como él mismo lo expresó sarcásticamente en el “Prefacio a las obras completas de Mis obras...”).

Es sorprendente que Shostakovich asumiera todas estas "cargas" ya en aquellos tiempos relativamente liberales, cuando nadie lo obligaba a hacerlo por la fuerza y, si quería, podía rechazarlas. En sus declaraciones y acciones aparecía cada vez más doble ánimo al estilo de Hamlet. Al mismo tiempo, al comunicarse con la gente, Shostakovich siguió siendo una persona extremadamente decente.

Aprovechando sus privilegios, ayudó mucho a quienes lo necesitaban, especialmente a los jóvenes compositores de tendencia “izquierdista”. Al parecer, en sus relaciones con las autoridades, Shostakovich eligió de una vez por todas el camino de menor resistencia. Mientras pronunciaba públicamente discursos “correctos” acordes con su “carga de trabajo responsable”, en la vida cotidiana se permitía ser franco sólo con sus más cercanos.

Por supuesto, a Shostakóvich no se le puede llamar en modo alguno “disidente”. Según algunos relatos, se mostró escéptico acerca de representantes famosos ambiente disidente, pudiendo discernir en ellos rasgos humanos antiestéticos. Y Shostakovich tenía un gran instinto para aquellos con hábitos de liderazgo, sin importar a qué campo político pertenecieran.

Música para la película “Hamlet” de Kozintsev. Episodio “La muerte de Ofelia”:

Se basan en episodios de ataques oficiales contra el compositor que tuvieron lugar en 1936 y 1948. Pero no debemos olvidar que durante los años de la dictadura de Stalin prácticamente no hubo representantes de la intelectualidad "no azotados". Las autoridades estalinistas trataron a los maestros de la cultura utilizando su método favorito de zanahorias y palos.

Los golpes que sufrió Shostakovich se llamarían más exactamente desgracia a corto plazo que represión. No fue más “víctima” y “mártir del sistema” que muchos de sus otros compañeros artistas, quienes mantuvieron su posición como una élite cultural, recibiendo órdenes gubernamentales, títulos honoríficos y premios gubernamentales. Las desgracias de Shostakovich no pueden compararse estrechamente con el destino de personas como Meyerhold, Mandelstam, Zabolotsky, Kharms o Platonov, que sufrieron ejecuciones, prisión, campos o pobreza.

Lo mismo ocurre con los compositores que “probaron” el Gulag estalinista (como Vsevolod Zaderatsky o Alexander Veprik) o fueron borrados para siempre de la vida musical y destruidos moralmente (como Nikolai Roslavets o Alexander Mosolov).

La falta de estándares claros en las evaluaciones se hace especialmente evidente cuando, por un lado, hablamos de Shostakovich en la URSS y, por el otro, de compositores en la Alemania nazi. Hoy en día, tanto en Rusia como en Occidente, a Shostakovich se le suele llamar “víctima” del totalitarismo, y compositores alemanes como Richard Strauss o Carl Orff son sus “compañeros de viaje” (los períodos de colaboración de Strauss u Orff con las autoridades nazis tuvieron una vida muy corta, ambos compositores no eran miembros del partido gobernante y sus obras, escritas en ocasiones oficiales, quedaron aisladas en su obra). Además, al igual que Shostakovich, Richard Strauss tuvo la oportunidad de experimentar el desagrado de las autoridades nazis. No está claro por qué entonces algunos deberían ser considerados “víctimas” y otros “conformistas”...

Shostakovich a través de los ojos de los biógrafos: cartas y apócrifos

Shostakovich rara vez confiaba sus pensamientos más íntimos al papel. A pesar de las numerosas apariciones en material impreso y documental donde podemos verlo y escuchar su voz, tenemos acceso a muy pocas de las declaraciones del compositor hechas fuera de un entorno oficial.

Shostakovich no llevó un diario. Entre sus conocidos había muy pocas personas con las que fuera franco en conversaciones y correspondencia personal. El gran mérito de Isaac Glickman es que en 1993 publicó alrededor de 300 cartas supervivientes de Shostakovich en el libro "Cartas a un amigo". Dmitri Shostakóvich a Isaac Glickman”. En estas cartas leemos los pensamientos auténticos de Shostakovich sobre una variedad de temas.

La falta de un “discurso directo” documentado y sin censura de Shostakovich ha convertido la cita de sus palabras en un tema folklore oral. De aquí surgieron muchas anécdotas y leyendas urbanas sobre él. A lo largo de muchas décadas se han publicado cientos de libros, artículos, memorias y estudios sobre el compositor.

Hasta la fecha, la monografía más concienzuda, detallada y fiable sobre Shostakovich puede considerarse el libro de Krzysztof Meyer “Dmitri Shostakovich: Life, Work, Time”, publicado a mediados de los años 1990 en Alemania (y poco después en Rusia). Está escrito en un lenguaje accesible, contiene un estudio detallado de la vida del compositor, numerosas citas y ejemplos musicales.

Por desgracia, pero por lo demás, la mayor parte de la literatura existente sobre Shostakovich merece la famosa definición de Mayakovsky: "simplemente una tontería o una tontería dañina". Muchas de estas publicaciones no se hicieron tanto con el objetivo de realizar una investigación objetiva, sino para la autopromoción de sus autores o con otros fines egoístas. Fue beneficioso para alguien crear un mito sobre el “soviético” Shostakovich. Algunos, por el contrario, crean una leyenda sobre una “víctima y un disidente”.

Después de la muerte de Shostakovich, los editores extranjeros, las compañías discográficas, los agentes de conciertos y nuestros intérpretes nacionales que emigraron a Occidente estaban muy interesados ​​​​en cultivar la imagen "antisoviética" del compositor para aumentar la "vendibilidad" de Shostakovich y extraer tantos beneficios. de su nombre como sea posible para ellos mismos.

Un ejemplo clásico de literatura poco fiable sobre Shostakovich fue el libro “Testimony” de Solomon Volkov, publicado en 1979 en Estados Unidos en inglés. Su texto se presenta como memorias autobiográficas orales, dictadas por el propio Shostakovich al autor antes de que este partiera hacia su residencia permanente en el extranjero.

En este libro, Shostakovich es tal como Volkov lo imagina: expresa su actitud negativa hacia el poder soviético y habla con dureza de sus colegas y contemporáneos. Algunas de estas afirmaciones parecen incluso plausibles, ya que reproducen con toda naturalidad la manera de hablar de Shostakóvich y están confirmadas por otras observaciones del compositor que conocemos sobre temas similares.

Otras declaraciones plantean serias dudas sobre su autenticidad, especialmente las interpretaciones del autor. composiciones propias y sus sensacionales interpretaciones políticas.

Volkov aseguró a lectores y críticos que grabó en un dictáfono y luego transcribió en papel el discurso directo de Shostakovich, y luego leyó y respaldó personalmente todas estas hojas de papel. Para confirmar sus palabras, Volkov publicó un facsímil de algunas páginas en las que aparecen las firmas de Shostakovich.

La viuda de Shostakovich no niega que realmente tuvieron lugar varios encuentros breves entre su marido y Volkov, pero sería completamente increíble esperar tanta franqueza de Shostakovich en una conversación con un joven al que apenas conocía.

El hecho de que durante casi 40 años desde la primera publicación, Volkov nunca se molestó en proporcionar los textos originales que presentó como palabras de Shostakovich (páginas enteras respaldadas personalmente por el compositor, o grabaciones en las que habría sonado su voz), da todas las razones creer que este libro es una falsificación. O, en el mejor de los casos, un libro apócrifo, basado en una recopilación de declaraciones reales e imaginarias de Shostakovich.

Shostakovich murió poco más de un año antes de cumplir 70 años.

En general, los compositores rusos rara vez lograron superar esta barrera de edad. La excepción es Ígor Stravinsky. Deseamos a quienes ahora viven una larga vida. Probablemente, sólo ahora llegue el momento en que la vida y la música de Shostakovich, conservando su gran poder de influencia e interés para la nueva generación, tengan la oportunidad de esperar sus investigaciones honestas e imparciales.

"Orango", prólogo de una ópera cómica con libreto de Alexander Starchakov y Alexei Tolstoi, sin orquestación ()

“El cuento del sacerdote y su obrero Balda”, música para la ópera-caricatura ()

“Katerina Izmailova” (segunda edición de la ópera “Lady Macbeth de Mtsensk”), op. 114 (1953-1962). Primera producción: Moscú, Teatro Musical Académico de Moscú que lleva el nombre. K. S. Stanislavsky y V. I. Nemirovich-Danchenko, 8 de enero.

“Los jugadores”, ópera basada en la obra homónima de Gogol (1941-1942), no fue completada por el autor. Realizado por primera vez en concierto en Gran salón Filarmónica de Leningrado el 18 de septiembre. Estreno en la versión de Krzysztof Meyer - 12 de junio, Wuppertal. Primera producción en Moscú - 24 de enero, Teatro Musical de Cámara.

“Moscú, Cheryomushki”, opereta en tres actos con libreto de Vladimir Mass y Mikhail Chervinsky, op. 105 (1957-1958)

ballets

• "Edad de oro", ballet en tres actos con libreto de A. Ivanovsky, op. 22 (1929-1930). Primera producción: Leningrado, 26 de octubre, coreógrafo Vasily Vainonen. Primera representación de la versión revivida: Moscú, Teatro Bolshoi, 14 de octubre, coreógrafo Yuri Grigorovich
• "Tornillo", representación coreográfica en tres actos con libreto de V. Smirnov, op. 27 (1930-1931). Primera producción: Leningrado, Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet, 8 de abril, coreógrafo Fyodor Lopukhov.
• "Corriente brillante", ballet cómico en tres actos con prólogo de libreto de F. Lopukhov y A. Piotrovsky, op. 39 (1934-1935). Primera producción: Leningrado, Ópera de Maly, 4 de junio, coreógrafo F. Lopukhov.

Música para producciones teatrales.

• "Bicho", música para la obra de V. V. Mayakovsky, puesta en escena de V. E. Meyerhold, op. 19 (1929). Estreno - 13 de febrero de 1929, Moscú
• "Disparo", música para la obra de A. Bezymensky, op. 24. (1929). Estreno - 14 de diciembre de 1929, Leningrado, Teatro de la Juventud Trabajadora
• "Tierra Virgen", música para la obra de A. Gorbenko y N. Lvov, op. 25 (1930); la puntuación se pierde. Estreno - 9 de mayo de 1930, Leningrado, Teatro de la Juventud Trabajadora
• "Regla Britannia", música para la obra de A. Petrovsky, op. 28 (1931). Estreno - 9 de mayo de 1931, Leningrado, Teatro de la Juventud Trabajadora
• "Asesinado condicionalmente", música para la obra de V. Voevodin y E. Riess, op. 31 (1931). Estreno - 2 de octubre de 1931, Leningrado, Music Hall
• "Aldea", música para la tragedia de W. Shakespeare, op. 32 (1931-1932). Estreno: 19 de mayo de 1932, Moscú, Teatro que lleva el nombre. Vajtangov
• "Comedia humana", música para la obra de P. Sukhotin basada en las novelas de O. de Balzac, op. 37 (1933-1934). Estreno: 1 de abril de 1934, Moscú, Teatro que lleva el nombre. Vajtangov
• "¡Saludos, España!", música para la obra de A. Afinogenov, op. 44 (1936). Estreno: 23 de noviembre de 1936, Leningrado, Teatro Dramático. Pushkin
• "Rey Lear", música para la tragedia de W. Shakespeare, op. 58a (1941). Estreno - 24 de marzo de 1941, Leningrado
• "Patria", música para la obra, op. 63 (1942). Estreno: 7 de noviembre de 1942, Moscú, Club Central que lleva el nombre de Dzerzhinsky
• "Río Ruso", música para la obra, op. 66 (1944). Estreno: 17 de abril de 1944, Moscú, Club Central Dzerzhinsky
• "Primavera de la victoria", dos canciones para la obra basadas en poemas de M. Svetlov, op. 72 (1946). Estreno: 8 de mayo de 1946, Moscú, Club Central Dzerzhinsky
• "Aldea", música para la tragedia de W. Shakespeare (1954). Estreno: 31 de marzo de 1954, Leningrado, Teatro Dramático. Pushkin

musica para peliculas

• “New Babylon” (película muda; directores G. Kozintsev y L. Trauberg), op. 18 (1928-1929)
• “Solo” (dirigida por G. Kozintsev y L. Trauberg), op. 26 (1930-1931)
• “Montañas Doradas” (director S. Yutkevich), op. 30 (1931)
• “Oncoming” (dirigida por F. Ermler y S. Yutkevich), op. 33 (1932)
• “El cuento del sacerdote y su trabajador Balda” (dibujos animados; director Mikhail Tsekhanovsky), op. 36 (1933-1934). el trabajo no esta terminado
• “Amor y odio” (director A. Gendelstein), op. 38 (1934)
• “La juventud de Maxim” (dirigida por G. Kozintsev y L. Trauberg), op. 41 (1934)
• “Novias” (director L. Arnstam), op. 41a (1934-1935)
• “El regreso de Maxim” (dirigida por G. Kozintsev y L. Trauberg), op. 45 (1936-1937)
• “Días de Volochaev” (dirigida por G. y S. Vasiliev), op. 48 (1936-1937)
• “Vyborg Side” (directores G. Kozintsev y L. Trauberg), op. 50 (1938)
• “Friends” (director L. Arnstam), op. 51 (1938)
• “El gran ciudadano” (director F. Ermler), op. 52 (1 serie, 1937) y 55 (2 series, 1938-1939)
• “El hombre de la pistola” (director S. Yutkevich), op. 53 (1938)
• “El ratón estúpido” (director M. Tsekhanovsky), op. 56 (1939)
• “Las aventuras de Korzinkina” (director K. Mintz), op. 59 (1940-1941)
• “Zoe” (director L. Arnstam), op. 64 (1944)
• “Gente común” (dirigida por G. Kozintsev y L. Trauberg), op. 71 (1945)
• “La joven guardia” (director S. Gerasimov), op. 75 (1947-1948)
• “Pirogov” (director G. Kozintsev), op. 76 (1947)
• “Michurin” (director A. Dovzhenko), op. 78 (1948)
• “Encuentro en el Elba” (director G. Alexandrov), op. 80 (1948)
• “La caída de Berlín” (director M. Chiaureli), op. 82 (1949)
• “Belinsky” (director G. Kozintsev), op. 85 (1950)
• “Inolvidable 1919” (director M. Chiaureli), op. 89 (1951)
• “Canción de los grandes ríos” (director J. Ivens), op. 95 (1954)
• “El tábano” (director A. Fainzimmer), op. 97 (1955)
• “First Echelon” (director M. Kalatozov), op. 99 (1955-1956)
• “Khovanshchina” (cine-ópera - orquestación de la ópera de M. P. Mussorgsky), op. 106 (1958-1959)
• “Cinco días - cinco noches” (director L. Arnstam), op. 111 (1960)
• “Cheryomushki” (basada en la opereta “Moscú, Cheryomushki”; director G. Rappaport) (1962)
• “Hamlet” (director G. Kozintsev), op. 116 (1963-1964)
• “Un año como la vida” (dirigida por G. Roshal), op. 120 (1965)
• “Katerina Izmailova” (basada en la ópera; directora M. Shapiro) (1966)
• “Sofya Perovskaya” (directora L. Arnstam), op. 132 (1967)
• “El rey Lear” (director G. Kozintsev), op. 137 (1970)

obras para orquesta

Sinfonías

• Sinfonía n.º 1 en fa menor, op. 10 (1924-1925). Estreno: 12 de mayo de 1926, Leningrado, Gran Sala Filarmónica. Orquesta Filarmónica de Leningrado, director N. Malko
• Sinfonía n.° 2 en si mayor “A Octubre”, op. 14, con coro final con letra de A. Bezymensky (1927). Estreno: 5 de noviembre de 1927, Leningrado, Gran Sala Filarmónica. Orquesta y coro de la Filarmónica de Leningrado, director N. Malko
• Sinfonía nº 3 Es-dur “Primero de Mayo”, op. 20, con coro final con letra de S. Kirsanov (1929). Estreno: 21 de enero de 1930, Leningrado. Orquesta y coro de la Filarmónica de Leningrado, director A. Gauk
• Sinfonía n.º 4 en do-moll, op. 43 (1935-1936). Estreno: 30 de diciembre de 1961, Moscú, Gran Salón del Conservatorio. Orquesta Filarmónica de Moscú, director K. Kondrashin
• Sinfonía n.º 5 en re menor, op. 47 (1937). Estreno: 21 de noviembre de 1937, Leningrado, Gran Sala Filarmónica. Orquesta Filarmónica de Leningrado, directora E. Mravinsky
• Sinfonía n.º 6 en si menor, op. 54 (1939) en tres partes. Estreno: 21 de noviembre de 1939, Leningrado, Gran Sala Filarmónica. Orquesta Filarmónica de Leningrado, director E. Mravinsky
• Sinfonía n.º 7 en do mayor “Leningradoskaya”, op. 60 (1941). Estreno: 5 de marzo de 1942, Kuibyshev, Casa de la Cultura. Orquesta del Teatro Bolshoi, director S. Samosud
• Sinfonía n.º 8 en do menor, op. 65 (1943), dedicado a E. Mravinsky. Estreno: 4 de noviembre de 1943, Moscú, Gran Salón del Conservatorio. Académico Estatal Orquesta Sinfónica URSS, director de orquesta E. Mravinsky
• Sinfonía n.º 9 en mi mayor, op. 70 (1945) en cinco partes. Estreno: 3 de noviembre de 1945, Leningrado, Gran Sala Filarmónica. Orquesta Filarmónica de Leningrado, director E. Mravinsky
• Sinfonía n.º 10 e-moll, op. 93 (1953). Estreno: 17 de diciembre, Leningrado, Gran Sala Filarmónica. Orquesta Filarmónica de Leningrado, director E. Mravinsky
• Sinfonía n.º 11 en sol menor “1905”, op. 103 (1956-1957). Estreno: 30 de octubre de 1957, Moscú, Gran Salón del Conservatorio. Orquesta Sinfónica Académica Estatal de la URSS, director N. Rakhlin
• Sinfonía n.º 12 en re-moll “1917”, op. 112 (1959-1961), dedicado a la memoria de V.I. Estreno: 1 de octubre de 1961, Leningrado, Gran Sala Filarmónica. Orquesta Filarmónica de Leningrado, directora E. Mravinsky
• Sinfonía n.º 13 en simoll “Babi Yar”, op. 113 (1962) en cinco movimientos, para bajo, coro de bajos y orquesta, basado en poemas de E. Yevtushenko. Estreno: 18 de diciembre, Moscú, Gran Salón del Conservatorio. V. Gromadsky (bajo), Coro Estatal y la Orquesta Filarmónica de Moscú, dirigida por K. Kondrashin.
• Sinfonía núm. 14, op. 135 (1969) en once movimientos, para soprano, bajo, cuerdas y percusión, con poemas de F. G. Lorca, G. Apollinaire, W. Küchelbecker y R. M. Rilke. Estreno: 29 de septiembre, Leningrado, Gran Salón de la Academia de Arte Coral que lleva el nombre de M. I. Glinka. G. Vishnevskaya (soprano), E. Vladimirov (bajo), Orquesta de Cámara de Moscú, director R. Barshai.
• Sinfonía n.º 15 en la mayor, op. 141 (). Estreno: 8 de enero, Moscú, Orquesta Sinfónica de la Televisión Estatal y Radio de toda la Unión, director M. Shostakovich

Conciertos

• Concierto para piano y orquesta (cuerdas y trompeta solista) n.° 1 en do-moll, op. 35 (1933). Estreno: 15 de octubre de 1933, Leningrado, Gran Sala Filarmónica. D. Shostakovich (piano), A. Schmidt (trompeta), Orquesta Filarmónica de Leningrado, director F. Shtidri.
• Concierto para piano n.° 2 en fa mayor, op. 102 (1957). Estreno: 10 de mayo de 1957, Moscú, Gran Salón del Conservatorio. M. Shostakovich (piano), Orquesta Sinfónica Académica Estatal de la URSS, director N. Anosov.

• Concierto para violín y orquesta n.° 1 en a-moll, op. 77 (1947-1948). Estreno: 29 de octubre de 1955, Leningrado, Gran Sala Filarmónica. D. Oistrakh (violín), Orquesta Filarmónica de Leningrado, director E. Mravinsky
• Concierto para violín y orquesta n.° 2 cis-moll, op. 129 (1967). Estreno: 26 de septiembre de 1967, Moscú, Gran Salón del Conservatorio. D. Oistrakh (violín), Orquesta Filarmónica de Moscú, director K. Kondrashin

• Concierto para violonchelo y orquesta n.° 1 Es-dur, op. 107 (1959). Estreno: 4 de octubre de 1959, Leningrado, Gran Sala Filarmónica. M. Rostropovich (violonchelo), Orquesta Filarmónica de Leningrado, director E. Mravinsky
• Concierto para violonchelo y orquesta n.° 2 en sol mayor, op. 126 (1966). Estreno: 25 de septiembre de 1966, Moscú, Gran Salón del Conservatorio. M. Rostropovich (violonchelo), Orquesta Sinfónica Académica Estatal de la URSS, director E. Svetlanov

Otros trabajos

• Scherzo fis-moll, op. 1 (1919)
• Tema y variaciones en si mayor, op. 3 (1921-1922)
• Scherzo en Mi mayor, op. 7 (1923-1924)
• Suite de la ópera “La Nariz” para tenor, barítono y orquesta, op. 15a (1928)
• Suite del ballet "La Edad de Oro", op. 22a (1930)
• Dos piezas para la ópera "Pobre Colón" de E. Dressel, op. 23 (1929)
• Suite del ballet Bolt (Ballet Suite No. 5), op. 27a (1931)
• Suite de la música de la película “Las Montañas Doradas”, op. 30a (1931)
• Suite de la música de la película "Hamlet", op. 32a (1932)
• Suite nº 1 para orquesta pop (1934)
• Cinco fragmentos, op. 42 (1935)
• Suite nº 2 para orquesta pop (1938)
• Suite de música para películas sobre Maxim (coro y orquesta; arreglo de L. Atovmyan), op. 50a (1961)
• Marcha ceremonial para banda (1942)
• Suite de la música de la película “Zoya” (con coro; arreglo de L. Atovmyan), op. 64a (1944)
• Suite de la música de la película “La joven guardia” (arreglada por L. Atovmyan), op. 75a (1951)
• Suite de la música de la película “Pirogov” (arreglada por L. Atovmyan), op. 76a (1951)
• Suite de la música de la película “Michurin” (arreglada por L. Atovmyan), op. 78a (1964)
• Suite de la música de la película “Encuentro en el Elba” (voces y orquesta; arreglo de L. Atovmyan), op. 80a (1948)
• Suite de la música de la película “La caída de Berlín” (con coro; arreglo de L. Atovmyan), op. 82a (1950)
• Suite de ballet n.° 1 (1949)
• Suite de la música de la película “Belinsky” (con coro; arreglo de L. Atovmyan), op. 85a (1960)
• Suite de la música de la película “The Unforgettable 1919” (arreglada por L. Atovmyan), op. 89a (1952)
• Suite de ballet nº 2 (1951)
• Suite de ballet nº 3 (1951)
• Suite de ballet nº 4 (1953)
• Obertura festiva en la mayor, op. 96 (1954)
• Suite de la música de la película “The Gadfly” (arreglada por L. Atovmyan), op. 97a (1956)
• Suite de la música de la película “First Echelon” (con coro; arreglo de L. Atovmyan), op. 99a (1956)
• Suite de la música de la película “Cinco días - Cinco noches” (arreglada por L. Atovmyan), op. 111a (1961)
• Suite de la ópera “Katerina Izmailova” para soprano y orquesta, op. 114a (1962)
• Obertura sobre temas rusos y kirguís, op. 115 (1963)
• Suite de la música de la película “Hamlet” (arreglada por L. Atovmyan), op. 116a (1964)
• Suite de la música de la película “Un año como la vida” (arreglada por L. Atovmyan), op. 120a (1969)
• Funeral y preludio triunfal a la memoria de los héroes de la batalla de Stalingrado, op. 130 (1967)
• "Octubre", poema sinfónico, op. 131 (1967)
• “Marcha de la policía soviética” para banda de música, op. 139 (1970)

Obras con participación coral.

• “De Karl Marx hasta nuestros días”, poema sinfónico con letra de N. Aseev para voces solistas, coro y orquesta (1932), inacabado, perdido
• “Juramento al Comisario del Pueblo” con letra de V. Sayanov para bajo, coro y piano (1941)
• Canción de la división de guardias (“The Fearless Guards Regiments Are Coming”) con letra de Rakhmilevich para bajo, coro y piano (1941)
• “Salve, patria de los soviéticos” con letra de E. Dolmatovsky para coro y piano (1943)
• “Black Sea” con letra de S. Alimov y N. Verkhovsky para bajo, coro masculino y piano (1944)
• “Canción de bienvenida a la Patria” con letra de I. Utkin para tenor, coro y piano (1944)
• “Poema de la Patria”, cantata para mezzosoprano, tenor, dos barítonos, bajo, coro y orquesta, op. 74 (1947)
• “Paraíso antiformalista” para cuatro bajos, lector, coro y piano (1948/1968)
• “La canción de los bosques”, oratorio con letra de E. Dolmatovsky para tenor, bajo, coro de niños, coro mixto y orquesta, op. 81 (1949)
• “Nuestra canción” con letra de K. Simonov para bajo, coro y piano (1950)
• “Marcha de los partidarios de la paz” con letra de K. Simonov para tenor, coro y piano (1950)
• Diez poemas basados ​​en palabras de poetas revolucionarios para coro no acompañado (1951)
• “El sol brilla sobre nuestra Patria”, cantata con letra de E. Dolmatovsky para coro de niños, coro mixto y orquesta, op. 90 (1952)
• “Glorificamos la Patria” (letra de V. Sidorov) para coro y piano (1957)
• “Mantenemos los amaneceres de octubre en nuestro corazón” (letra de V. Sidorov) para coro y piano (1957)
• Dos arreglos de canciones populares rusas para coro no acompañado, op. 104 (1957)
• “Amanecer de octubre” (letra de V. Kharitonov) para coro y piano (1957)
• “La ejecución de Stepan Razin”, poema vocal-sinfónico con letra de E. Yevtushenko para bajo, coro y orquesta, op. 119 (1964)
• “Loyalty”, ocho baladas con letra de E. Dolmatovsky para coro masculino no acompañado, op. 136 (1970)

Composiciones para voz con acompañamiento.

• Dos fábulas de Krylov para mezzosoprano, coro y orquesta, op. 4 (1922)
• Seis romances con poemas de poetas japoneses para tenor y orquesta, op. 21 (1928-1932)
• Cuatro romances sobre poemas de A. S. Pushkin para bajo y piano, op. 46 (1936-1937)
• Siete arreglos de canciones populares finlandesas (Suite sobre temas finlandeses) para solistas (soprano y tenor) y conjunto de cámara. Sin n/op. (1939)
• Seis romances basados ​​en poemas de poetas británicos, traducidos por B. Pasternak y S. Marshak para bajo y piano, op. 62 (1942). Posteriormente orquestado y publicado como op. 62a (1943), la segunda versión de la orquestación, como op. 140 (1971)
• “Canción patriótica” con letra de Dolmatovsky (1943)
• “Canción del Ejército Rojo” con letra de M. Golodny (1943), junto con A. Khachaturian
• "De la poesía popular judía" para soprano, contralto, tenor y piano, op. 79 (1948). Posteriormente se realizó la orquestación y se publicó como op. 79a
• Dos romances sobre poemas de M. Yu Lermontov para voz y piano, op. 84 (1950)
• Cuatro canciones con letra de E. Dolmatovsky para voz y piano, op. 86 (1950-1951)
• Cuatro monólogos sobre poemas de A. S. Pushkin para bajo y piano, op. 91 (1952)
• “Canciones griegas” (traducción de S. Bolotin y T. Sikorskaya) para voz y piano (1952-1953)
• “Canciones de nuestros días” con letra de E. Dolmatovsky para bajo y piano, op. 98 (1954)
• “Hubo besos” con letra de E. Dolmatovsky para voz y piano (1954)
• “Canciones españolas” (traducción de S. Bolotin y T. Sikorskaya) para mezzosoprano y piano, op. 100 (1956)
• “Sátiras”, cinco romances con letra de Sasha Cherny para soprano y piano, op. 109 (1960)
• Cinco romances basados ​​en textos de la revista “Cocodrilo” para bajo y piano, op. 121 (1965)
• Prefacio a mis obras completas y breve reflexión sobre este prefacio para bajo y piano, op. 123 (1966)
• Siete poemas de A. A. Blok para trío de soprano y piano, op. 127 (1967)
• “Primavera, primavera” con poemas de A. S. Pushkin para bajo y piano, op. 128 (1967)
• Seis romances para bajo y orquesta de cámara, op. 140 (después de Op.62; 1971)
• Seis poemas de M. I. Tsvetaeva para contralto y piano, op. 143 (1973), orquestado como op. 143a
• Suite con letra de Michelangelo Buonarroti, traducida por A. Efros para bajo y piano, op. 145 (1974), orquestado como op. 145a
• Cuatro poemas del Capitán Lebyadkin (de la novela “Demonios” de F. M. Dostoievski) para bajo y piano, op. 146 (1974)

Composiciones instrumentales de cámara

• Sonata para violonchelo y piano en re menor, op. 40 (1934). Primera actuación: 25 de diciembre de 1934, Leningrado. V. Kubatsky, D. Shostakóvich
• Sonata para violín y piano, op. 134 (1968). Primera actuación: 3 de mayo de 1969, Moscú. DF Oistrakh, ST Richter
• Sonata para viola y piano, op. 147 (1975). Primera representación: 1 de octubre de 1975, Leningrado. F. S. Druzhinin, M. Muntyan

• Tres piezas para violonchelo y piano, op. 9 (1923-1924). No publicado, perdido.
• Moderato para violonchelo y piano (década de 1930)
• Tres piezas para violín (1940), perdida

• Trío con piano n.° 1, op. 8 (1923)
• Trío con piano n.º 2 e-moll, op. 67 (1944), dedicado a la memoria de I. I. Sollertinsky. Primera actuación: Leningrado, 14 de noviembre de 1944. D. Tsyganov (violín), S. Shirinsky (violonchelo), D. Shostakovich (piano)

• Cuarteto de cuerda n.º 1 en do mayor, op. 49 (1938). Primera representación: 10 de octubre de 1938, Leningrado. Cuarteto Glazunov
• Cuarteto de cuerda n.º 2 en la mayor, op. 68 (1944). Primera representación: 14 de noviembre de 1944, Leningrado. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 3 en fa mayor, op. 73 (1946). Primera actuación: 16 de diciembre de 1946, Moscú. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 4 en re mayor, op. 83 (1949). Primera actuación: 3 de diciembre de 1953, Moscú. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 5 en si mayor, op. 92 (1952). Primera actuación: 13 de noviembre de 1953, Moscú. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 6 en sol mayor, op. 101 (1956). Primera representación: 7 de octubre de 1956, Leningrado. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 7 fis-moll, op. 108 (1960). Primera representación: 15 de mayo de 1960, Leningrado. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 8 en do menor, op. 110 (1960). Primera representación: 2 de octubre de 1960, Leningrado. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 9 en mi mayor, op. 117 (1964). Primera actuación: 20 de noviembre de 1964, Moscú. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 10 As-dur, op. 118 (1964). Primera actuación: 20 de noviembre de 1964, Moscú. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 11 en fa menor, op. 122 (1966). Primera actuación: 28 de mayo de 1966, Leningrado. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 12 Des mayor, op. 133 (1968). Primera actuación: 14 de septiembre de 1968, Moscú. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.° 13 en si menor, op. 138 (1970). Primera actuación: 13 de diciembre de 1970, Leningrado. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 14 Fis-dur, op. 142 (1973). Primera actuación: 12 de noviembre de 1973, Leningrado. Cuarteto de Beethoven
• Cuarteto de cuerda n.º 15 es-moll, op. 144 (1974). Primera actuación: 15 de noviembre de 1974, Leningrado. Cuarteto Taneyev

• Quinteto con piano en sol menor, op. 57 (1940). Primera representación: 23 de noviembre de 1940, Moscú. Cuarteto de Beethoven, D. Shostakovich (piano)

• Dos piezas para octeto de cuerda, op. 11 (1924-1925)

obras para piano

• Sonata n.° 1 en re mayor, op. 12 (1926). Primera representación: Leningrado, 12 de diciembre de 1926, D. Shostakovich
• Sonata n.° 2 en si menor, op. 61 (1943). Primera representación: Moscú, 6 de junio de 1943, D. Shostakovich

• Numerosas composiciones tempranas, incluida la Marcha fúnebre en memoria de las víctimas de la revolución, etc.
• Ocho Preludios, op. 2 (1918-1920), no publicado
• Minueto, preludio e intermezzo (hacia 1919-1920), inacabado
• "Murzilka"
• Cinco Preludios (1919-1921), junto a P. Feldt y G. Clemens
• Tres bailes fantásticos, op. 5 (1920-1922)
• "Aforismos", diez piezas, op. 13 (1927)
• Veinticuatro preludios, op. 34 (1932-1933)
• “Cuaderno infantil”, siete piezas, op. 69 (1944-1945)
• Veinticuatro preludios y fugas, op. 87 (1950-1951). Primera representación: Leningrado, 23 y 28 de diciembre de 1952, T. Nikolaeva
• "Siete danzas de las muñecas" (1952)

• Suite fis-moll para dos pianos, op. 6 (1922)
• “Feliz Marcha” para dos pianos (1949)
• Concertino para dos pianos, op. 94 (1954)
• Tarantella para dos pianos (1954)

Orquestación

• N. A. Rimsky-Korsakov - "Estaba esperando en la gruta" (1921)
• V. Youmans - “Té para dos” (orquestado bajo el título “Tahiti Trot”; 1927), op. dieciséis
• Dos piezas de D. Scarlatti (para banda de música; 1928), op. 17
• P. Degeyter - Internacional (1937)
• M. P. Mussorgsky - ópera “Boris Godunov” (1939-1940), op. 58
• M. P. Mussorgsky - Canción de Mefistófeles en el sótano de Auerbach ("Canción de la pulga"; 1940)
• J. Strauss - polca "Jolly Train" (1941)
• Veintisiete romances y canciones (1941)
• Ocho canciones populares inglesas y americanas (traducidas por S. Marshak, S. Bolotin, T. Sikorskaya) para bajo y orquesta (1943)
• V. Fleishman - ópera "El violín de Rothschild" (acabado y orquestación; 1944)
• M. P. Mussorgsky - ópera “Khovanshchina” (1958-1959), op. 106
• M. P. Mussorgsky - "Canciones y danzas de la muerte" (1962)
• A. Davidenko - dos coros, op. 124 (1963)
• R. Schumann - concierto para violonchelo y orquesta, op. 125 (1963)
• B. I. Tishchenko - concierto para violonchelo y orquesta n.° 1 (1969)
• L. van Beethoven - “La canción de la pulga” (op. 75 no. 3; 1975)

Literatura

• Meskhishvili E. Dmitry Shostakovich: libro de referencia notográfica. - M., 1995

Su destino lo tenía todo: reconocimiento internacional y órdenes internas, hambre y persecución de las autoridades. Su legado creativo no tiene precedentes en su alcance de género: sinfonías y óperas, cuartetos de cuerda y conciertos, ballets y bandas sonoras de películas. Un innovador y un clásico, creativamente emocional y humanamente modesto: Dmitry Dmitrievich Shostakovich. El compositor es un clásico del siglo XX, un gran maestro y un artista brillante, que vivió los duros tiempos en los que le tocó vivir y crear. Se tomó en serio los problemas de su pueblo; en sus obras se puede escuchar claramente la voz de un luchador contra el mal y un defensor contra la injusticia social.

Lea una breve biografía de Dmitry Shostakovich y muchos datos interesantes sobre el compositor en nuestra página.

Breve biografía de Shostakóvich.

En la casa donde Dmitry Shostakovich vino a este mundo el 12 de septiembre de 1906, ahora hay una escuela. Y luego, la tienda de pruebas de la ciudad, que estaba dirigida por su padre. De la biografía de Shostakovich aprendemos que a la edad de 10 años, como estudiante de secundaria, Mitya toma la decisión categórica de escribir música y solo 3 años después se convierte en estudiante del conservatorio.

El comienzo de los años 20 fue difícil: la época del hambre se vio agravada por su grave enfermedad y la repentina muerte de su padre. El director del conservatorio mostró gran interés por la suerte del talentoso estudiante. ALASKA. Glazunov, quien le otorgó una mayor beca y organizó la rehabilitación postoperatoria en Crimea. Shostakovich recordó que caminaba hasta la escuela sólo porque no podía tomar el tranvía. A pesar de las dificultades de salud, en 1923 se graduó como pianista y en 1925 como compositor. Sólo dos años después, su Primera Sinfonía está siendo interpretada por las mejores orquestas del mundo bajo la dirección de B. Walter y A. Toscanini.

Con una eficiencia y una autoorganización increíbles, Shostakovich escribió rápidamente sus siguientes obras. En su vida personal, el compositor no estaba dispuesto a tomar decisiones apresuradas. Hasta tal punto que permitió que la mujer con la que mantuvo una estrecha relación durante 10 años, Tatyana Glivenko, se casara con otra persona por su falta de voluntad para decidirse por el matrimonio. Le propuso matrimonio a la astrofísica Nina Varzar y la boda, varias veces pospuesta, finalmente tuvo lugar en 1932. Después de 4 años, apareció su hija Galina y, después de otros 2 años, su hijo Maxim. Según la biografía de Shostakovich, en 1937 se convirtió en profesor y luego en profesor del conservatorio.

La guerra no sólo trajo tristeza y dolor, sino también nueva inspiración trágica. Junto con sus alumnos, Dmitry Dmitrievich quería ir al frente. Cuando no me dejaron entrar, quise quedarme en mi amado Leningrado, rodeado de fascistas. Pero él y su familia fueron llevados casi por la fuerza a Kuibyshev (Samara). EN ciudad natal el compositor nunca regresó; tras la evacuación, se instaló en Moscú, donde continuó actividades docentes. El decreto “Sobre la ópera “La gran amistad” de V. Muradeli”, publicado en 1948, declaró a Shostakóvich “formalista” y su obra antipopular. En 1936 ya intentaron llamarlo “enemigo del pueblo” después de artículos críticos en Pravda sobre “Lady Macbeth de Mtsensk” y “Sendero Luminoso”. De hecho, esta situación puso fin a las futuras investigaciones del compositor en los géneros de ópera y ballet. Pero ahora no sólo el público, sino también el propio aparato estatal lo atacó: lo despidieron del conservatorio, lo privaron de su estatus de profesor y dejaron de publicar y representar sus obras. Sin embargo, era imposible no fijarse en un creador de este nivel durante mucho tiempo. En 1949, Stalin le pidió personalmente que fuera a los Estados Unidos con otras figuras culturales, devolviéndole todos los privilegios elegidos por su consentimiento, en 1950 recibió el Premio Stalin por la cantata "La canción de los bosques" y en 1954 se convirtió en Artista del Pueblo; la URSS.

A finales del mismo año, Nina Vladimirovna murió repentinamente. Shostakovich se tomó en serio esta pérdida. Era fuerte en su música, pero débil e indefenso en los asuntos cotidianos, cuya carga siempre recaía sobre su esposa. Probablemente sea el deseo de volver a racionalizar la vida lo que explica su nuevo matrimonio apenas un año y medio después. Margarita Kaynova no compartía los intereses de su marido y no apoyaba su círculo social. El matrimonio duró poco. Al mismo tiempo, el compositor conoció a Irina Supinskaya, quien después de 6 años se convirtió en su tercera y última esposa. Ella era casi 30 años más joven, pero casi no hubo calumnias sobre esta unión a sus espaldas: el círculo íntimo de la pareja entendió que el genio de 57 años estaba perdiendo gradualmente su salud. Justo en el concierto empezó a perder el conocimiento. mano derecha, y luego se hizo el diagnóstico final en los EE. UU.: la enfermedad es incurable. Incluso cuando Shostakovich luchaba con cada paso, esto no detuvo su música. El último día de su vida fue el 9 de agosto de 1975.

Datos interesantes sobre Shostakóvich

• Shostakovich era un apasionado del club de fútbol Zenit e incluso llevaba un cuaderno de todos los partidos y goles. Sus otros pasatiempos eran las cartas: jugaba al solitario todo el tiempo y le gustaba jugar al "rey", además, exclusivamente por dinero y la adicción a fumar.
• El plato favorito del compositor eran las albóndigas caseras elaboradas con tres tipos de carne.
• Dmitry Dmitrievich trabajó sin piano, se sentó a la mesa e inmediatamente tomó notas en papel en plena orquestación. Tenía una capacidad de trabajo tan única que pudo reescribir completamente su ensayo en poco tiempo.
• Shostakovich buscó durante mucho tiempo el regreso de Lady Macbeth de Mtsensk a los escenarios. A mediados de los años 50 hizo una nueva edición de la ópera, llamándola “Katerina Izmailova”. A pesar de la apelación directa a V. Molotov, la producción fue nuevamente prohibida. Sólo en 1962 la ópera subió al escenario. En 1966, se estrenó una película del mismo nombre con Galina Vishnevskaya en el papel principal.

• Para expresar todas las pasiones mudas en la música de "Lady Macbeth de Mtsensk", Shostakovich utilizó nuevas técnicas cuando los instrumentos chirriaban, tropezaban y hacían ruido. Creó formas sonoras simbólicas que dotan a los personajes de un aura única: flauta alto para Zinovy ​​​​Borisovich, contrabajo para Boris Timofeevich, violonchelo para Sergei, oboe Y clarinete - para Katerina.
• Katerina Izmailova es uno de los papeles más populares del repertorio operístico.

• Shostakovich es uno de los 40 compositores de ópera más interpretados del mundo. Anualmente se ofrecen más de 300 representaciones de sus óperas.
• Shostakovich es el único de los “formalistas” que se arrepintió y de hecho renunció a su trabajo anterior. Esto causó actitud diferente sus colegas le dijeron y el compositor explicó su posición diciendo que de lo contrario no le habrían permitido trabajar más.
• El primer amor del compositor, Tatyana Glivenko, fue recibido calurosamente por la madre y las hermanas de Dmitry Dmitrievich. Cuando se casó, Shostakovich la llamó con una carta desde Moscú. Ella vino a Leningrado y se quedó en la casa de Shostakovich, pero él no pudo decidirse a convencerla de que dejara a su marido. Dejó de intentar reanudar la relación sólo después de la noticia del embarazo de Tatyana.
• Una de las canciones más famosas escritas por Dmitry Dmitrievich se escuchó en la película "Oncoming" de 1932. Se llama "Canción sobre el mostrador".
• Durante muchos años, el compositor fue diputado del Consejo Supremo de la URSS, recibió a los "votantes" y, lo mejor que pudo, trató de solucionar sus problemas.

• A Nina Vasilievna Shostakovich le encantaba tocar el piano, pero después de casarse lo dejó y explicó que a su marido no le gustaba el amateurismo.
• Maxim Shostakovich recuerda que vio a su padre llorar dos veces: cuando murió su madre y cuando lo obligaron a unirse al partido.
• En las memorias publicadas de los niños Galina y Maxim, el compositor aparece como un padre sensible, cariñoso y amoroso. A pesar de su constante ajetreo, pasaba tiempo con ellos, los llevaba al médico e incluso tocaba canciones populares en el piano. melodías de baile durante las fiestas infantiles en casa. Al ver que a su hija no le gustaba practicar el instrumento, le permitió dejar de estudiar piano.
• Irina Antonovna Shostakovich recordó que durante la evacuación a Kuibyshev ella y Shostakovich vivían en la misma calle. Allí escribió la Séptima Sinfonía y ella solo tenía 8 años.
• La biografía de Shostakovich dice que en 1942 el compositor participó en un concurso para escribir un himno nacional. Unión Soviética. También participó en el concurso A. Khachaturian. Después de escuchar todas las obras, Stalin pidió a los dos compositores que compusieran juntos un himno. Así lo hicieron y su obra fue incluida en la versión final, junto con los himnos de cada uno de ellos, de A. Alexandrov y del compositor georgiano I. Tuskia. A finales de 1943 se tomó la decisión final: la música de A. Alexandrov, antes conocida como el “Himno del Partido Bolchevique”.
• Shostakovich tenía un oído único. Mientras asistía a los ensayos orquestales de sus obras, escuchó imprecisiones incluso en la interpretación de una sola nota.

• En los años 30, el compositor esperaba que lo arrestaran todas las noches, por lo que guardaba una maleta con lo esencial junto a su cama. En esos años, muchas personas de su círculo fueron fusiladas, incluidas las más cercanas a él: el director Meyerhold, el mariscal Tukhachevsky. El suegro y el marido de la hermana mayor fueron exiliados a un campo y la propia María Dmitrievna fue enviada a Tashkent.
• El compositor dedicó a su memoria el octavo cuarteto, escrito en 1960. Se abre con el anagrama musical de Shostakovich (D-Es-C-H) y contiene temas de muchas de sus obras. La dedicatoria “indecente” tuvo que cambiarse por “En memoria de las víctimas del fascismo”. Compuso esta música entre lágrimas después de unirse a la fiesta.

Obras de Dmitri Shostakóvich

La primera obra que se conserva del compositor, el fis-moll Scherzo, data del año en que ingresó al conservatorio. Durante sus estudios, siendo también pianista, Shostakovich escribió mucho para este instrumento. Trabajo de graduación convertirse Primera sinfonía. Este trabajo fue un éxito increíble y todo el mundo conoció al joven compositor soviético. La inspiración de su propio triunfo dio como resultado las siguientes sinfonías: la Segunda y la Tercera. Los une una forma inusual: ambos tienen partes corales basadas en poemas de poetas actuales de la época. Sin embargo, el propio autor reconoció más tarde que estos trabajos no habían tenido éxito. Desde finales de los años 20, Shostakovich ha estado escribiendo música para cine y teatro dramático, por ganar dinero y no por obedecer a un impulso creativo. En total, diseñó más de 50 películas y actuaciones de destacados directores: G. Kozintsev, S. Gerasimov, A. Dovzhenko, Vs. Meyerhold.

En 1930 tuvieron lugar los estrenos de su primera ópera y ballet. Y " Nariz"basado en la historia de Gogol, y " edad de oro» sobre el tema de las aventuras del soviético equipo de fútbol en el Oeste hostil recibió malas críticas de los críticos y después de poco más de una docena de actuaciones en largos años abandonó el escenario. El próximo ballet “. Tornillo" En 1933, el compositor interpretó la parte de piano en el estreno de su Concierto debut para piano y orquesta, en el que la segunda parte solista estuvo a cargo de la trompeta.

La ópera se creó en el transcurso de dos años. Lady Macbeth de Mtsensk", que se representó en 1934 casi simultáneamente en Leningrado y Moscú. El director de actuación de la capital fue V.I. Nemirovich-Danchenko. Un año después, "Lady Macbeth..." cruzó las fronteras de la URSS, conquistando los escenarios de Europa y América. El público quedó encantado con la primera ópera clásica soviética. Así como del nuevo ballet del compositor, “Bright Stream”, que tiene libreto en formato póster, pero está lleno de magnífica música de baile. El final de la exitosa vida escénica de estas representaciones se puso en 1936, después de la visita de Stalin a la ópera y los artículos posteriores en el periódico Pravda "Confusión en lugar de música" y "Ballet falso".

El estreno del nuevo estaba previsto para finales del mismo año. Cuarta Sinfonía, se estaban realizando ensayos orquestales en la Filarmónica de Leningrado. Sin embargo, el concierto fue cancelado. El año 1937 no trajo consigo ninguna expectativa halagüeña: las represiones estaban ganando impulso en el país y una de las personas cercanas a Shostakovich, el mariscal Tujachevski, recibió un disparo. Estos hechos dejaron su huella en la música trágica. Quinta Sinfonía. En el estreno en Leningrado, el público, sin contener las lágrimas, ovacionó durante cuarenta minutos al compositor y la orquesta dirigida por E. Mravinsky. El mismo elenco de intérpretes interpretó la Sexta Sinfonía dos años después, la última composición importante de Shostakovich antes de la guerra.

El 9 de agosto de 1942 tuvo lugar un acontecimiento sin precedentes: una actuación en el Gran Salón del Conservatorio de Leningrado. Séptima Sinfonía (“Leningrado”). La actuación fue transmitida por radio a todo el mundo, asombrando el coraje de los habitantes de la ciudad intacta. El compositor escribió esta música antes de la guerra y en los primeros meses del asedio, que acabó con la evacuación. Allí, en Kuibyshev, el 5 de marzo de 1942, la orquesta del Teatro Bolshoi interpretó por primera vez la sinfonía. En el aniversario del inicio de la Gran Guerra Patria, se representó en Londres. El 20 de julio de 1942, el día después del estreno de la sinfonía en Nueva York (dirigida por A. Toscanini), la revista Time publicó un retrato de Shostakovich en la portada.

La Octava Sinfonía, escrita en 1943, fue criticada por su tono trágico. Y la Novena, que se estrenó en 1945, por el contrario, por su “ligereza”. Después de la guerra, el compositor trabajó en música para películas, obras para piano y cuerdas. El año 1948 puso fin a la representación de las obras de Shostakovich. Los oyentes conocieron la siguiente sinfonía recién en 1953. Y la Undécima Sinfonía en 1958 tuvo un increíble éxito de audiencia y recibió el Premio Lenin, después de lo cual el compositor fue completamente rehabilitado por la resolución del Comité Central sobre la abolición de la resolución "formalista". . La duodécima sinfonía estuvo dedicada a V.I. Lenin, y los dos siguientes habían forma inusual: fueron creados para solistas, coro y orquesta: el Decimotercero con poemas de E. Yevtushenko, el Decimocuarto con poemas de varios poetas, unidos por el tema de la muerte. La decimoquinta sinfonía, que se convirtió en la última, nació en el verano de 1971; su estreno fue dirigido por el hijo del autor, Maxim Shostakovich.

En 1958, el compositor se dedicó a la orquestación de " jovanshchiny" Su versión de la ópera está destinada a convertirse en la más popular en las próximas décadas. Shostakovich, confiando en el clave restaurado del autor, logró limpiar la música de Mussorgsky de capas e interpretaciones. Había realizado un trabajo similar veinte años antes con “ Borís Godunov" En 1959 tuvo lugar el estreno de la única opereta de Dmitry Dmitrievich: “ Moscú, Cheryomushki”, lo que causó sorpresa y fue recibido con entusiasmo. Tres años más tarde, se estrenó una popular película musical basada en la obra. Entre los 60 y 70 años, el compositor escribió 9 cuartetos de cuerda y trabajó mucho en obras vocales. La última obra del genio soviético fue la Sonata para viola y piano, interpretada por primera vez tras su muerte.

Dmitry Dmitrievich escribió música para 33 películas. Se filmaron "Katerina Izmailova" y "Moscú, Cheryomushki". Sin embargo, siempre decía a sus alumnos que escribir para cine sólo era posible bajo la amenaza del hambre. A pesar de que compuso música de cine únicamente por una tarifa, contiene muchas melodías de asombrosa belleza.

Entre sus películas:

• “El mostrador”, directores F. Ermler y S. Yutkevich, 1932
• Trilogía sobre Maxim dirigida por G. Kozintsev y L. Trauberg, 1934-1938
• “El hombre de la pistola”, director S. Yutkevich, 1938
• “Joven Guardia”, director S. Gerasimov, 1948
• “Encuentro en el Elba”, director G. Alexandrov, 1948
• “El tábano”, director A. Fainzimmer, 1955
• “Hamlet”, director G. Kozintsev, 1964
• “El rey Lear”, director G. Kozintsev, 1970

La industria cinematográfica moderna suele utilizar la música de Shostakovich para crear escenarios musicales para películas:

Trabajar	Película
Suite para orquesta de jazz nº 2	"Batman v Superman: El amanecer de la justicia", 2016
	"Ninfómana: Parte 1", 2013
	"Ojos bien cerrados", 1999
Concierto para piano n.º 2	"Puente de los espías", 2015
Suite de la música de la película “The Gadfly”	"Retribución", 2013
Sinfonía nº 10	"Hijos de los hombres", 2006

Incluso hoy en día la figura de Shostakovich es tratada de manera ambigua, llamándolo genio u oportunista. Nunca se pronunció abiertamente contra lo que estaba sucediendo, sabiendo que al hacerlo perdería la oportunidad de escribir música, que era lo principal en su vida. Esta música, incluso décadas después, habla elocuentemente tanto de la personalidad del compositor como de su actitud ante su terrible época.

Video: mira una película sobre Shostakovich

para componer musica Shostakóvich Comenzó cuando sólo tenía nueve años. Después de visitar la ópera Rimski-Kórsakov"El cuento del zar Saltan", el niño declaró su deseo de dedicarse a la música en serio y entró en el gimnasio comercial Maria Shidlovskaya.

Durante muchos años trabajó activamente en sinfonías y óperas. En enero de 1936 la ópera "Katerina Izmailova", para el cual Dmitry Shostakovich escribió la música, visitó Joseph Stalin. La obra conmocionó al dictador, cuyo gusto estaba formado por los clásicos populares y la música folclórica. Su reacción fue expresada en un editorial. "Confusión en lugar de música", que determinó durante años el desarrollo de la música soviética. La mayoría de las obras de Shostakovich escritas antes de 1936 prácticamente han desaparecido de la circulación cultural del país.

En febrero de 1948, se publicó el Decreto del Comité Central del Partido Comunista de los Bolcheviques de toda la Unión sobre la ópera "La gran amistad" de Muradeli, en la que se reproduce la música del mayor compositores soviéticos(incluidos Prokofiev, Shostakovich y Khachaturian) fue declarado “formalista” y “ajeno al pueblo soviético”. Nueva ola Los ataques a Shostakovich en la prensa superaron significativamente a los que surgieron en 1936. El compositor, obligado a someterse a los dictados y “dándose cuenta de sus errores”, interpretó el oratorio “La canción de los bosques” (1949), la cantata “El sol brilla sobre nuestra patria” (1952), así como música de películas de contenido histórico y militar-patriótico, que en parte facilitó su situación.

Los ciclos vocales y las obras para piano de Shostakovich han entrado en el tesoro mundial arte musical, pero sobre todo fue un brillante sinfonista. Fue en sus sinfonías donde intentó traducir la historia del siglo XX, con todas sus tragedias y sufrimientos, al lenguaje de la música. "Tarde Moscú" trae a su atención una selección de los más famosos.

Sinfonía nº 1

El primer trabajo verdaderamente original de Shostakovich fue su trabajo de diploma. Tras su estreno en Leningrado el 12 de mayo de 1926, la crítica empezó a hablar de Shostakovich como un artista capaz de llenar el vacío dejado en la música rusa tras la emigración de Rachmaninov, Stravinsky y Prokofiev. Los oyentes quedaron asombrados cuando, después de una tormenta de aplausos, un joven, casi un niño con una testaruda cresta en la cabeza, subió al escenario para hacer una reverencia.

Ya en esta partitura juvenil, era evidente la inclinación de Shostakovich por la ironía y el sarcasmo, por los contrastes repentinos y dramáticamente ricos, y por el uso generalizado de motivos simbólicos, a menudo sujetos a transformaciones figurativas y semánticas radicales. En 1927, la Primera Sinfonía de Shostakovich se representó en Berlín, luego en Filadelfia y Nueva York. Los principales directores de orquesta del mundo lo han incluido en su repertorio. Así entró el joven de diecinueve años en la historia de la música.

Sinfonía nº 7

Mientras estuvo en Leningrado durante los primeros meses de la Gran Guerra Patria (hasta la evacuación a Kuibyshev en octubre), Shostakovich comenzó a trabajar en su séptima sinfonía, “Leningradskaya”. La terminó en diciembre de 1941 y el 5 de marzo de 1942 la sinfonía se estrenó en Kuibyshev. También se celebraron conciertos en Moscú y Novosibirsk, pero la interpretación verdaderamente legendaria de la sinfonía tuvo lugar en la sitiada Leningrado. Los músicos fueron retirados de las unidades militares, algunos de ellos tuvieron que ser trasladados al hospital antes de comenzar los ensayos para recibir alimentación y tratamiento. El día de la interpretación de la sinfonía, el 9 de agosto de 1942, todas las fuerzas de artillería de la ciudad sitiada fueron enviadas a suprimir los puestos de tiro enemigos; nada debería haber interferido con el importante estreno.

Es curioso lo que Alexey Tolstoi escribió sobre la sinfonía: “La séptima sinfonía está dedicada al triunfo de lo humano en el hombre. Intentemos (al menos en parte) adentrarnos en el camino del pensamiento musical de Shostakovich, en las amenazadoras noches oscuras. de Leningrado, bajo el rugido de las explosiones, al resplandor de los incendios, le llevó a escribir esta obra reveladora."

Sinfonía nº 10

La Décima Sinfonía, una de las obras autobiográficas más personales de Shostakovich, fue compuesta en 1953. Se esperaba que fuera la apoteosis de la victoria, pero lo que obtuvieron fue algo extraño, ambiguo, que provocó desconcierto e insatisfacción entre los críticos. Simbólicamente abrió la era del “deshielo” en la música soviética. Fue una confesión profundamente íntima de un artista que defendió su “yo” en una oposición desesperada, casi desesperada, al estalinismo. A continuación surgió una crisis en la obra de Shostakovich que duró varios años.