- पुनर्जागरण का संगीत
XIV-XVI सदियों में कला और विज्ञान का पुनरुद्धार। महान परिवर्तन का युग था, जो मध्ययुगीन जीवन शैली से आधुनिकता में परिवर्तन का प्रतीक था। इस अवधि के दौरान संगीत रचना और प्रदर्शन को विशेष महत्व प्राप्त हुआ। ग्रीस और रोम की प्राचीन संस्कृतियों का अध्ययन करने वाले मानवतावादियों ने संगीत रचना को एक उपयोगी और महान गतिविधि घोषित किया। ऐसा माना जाता था कि हर बच्चे को गाना सीखना चाहिए और संगीत वाद्ययंत्र बजाने में महारत हासिल करनी चाहिए। इस कारण से, प्रतिष्ठित परिवारों ने अपने बच्चों को शिक्षा देने और मेहमानों का मनोरंजन करने के लिए संगीतकारों का अपने घरों में स्वागत किया।
पुनर्जागरण के संगीत सौंदर्यशास्त्र को संगीतकारों और सिद्धांतकारों द्वारा कला के अन्य रूपों की तरह ही गहनता से विकसित किया गया था। आखिरकार, जैसे जियोवन्नी बोकाशियो का मानना था कि दांते ने अपने काम के माध्यम से, संगीत की वापसी में योगदान दिया और मृत कविता में जीवन की सांस ली, जैसे जियोर्जियो वासारी ने कला के पुनरुद्धार के बारे में बात की, इसलिए जोसेफो ज़ारलिनो ने अपने ग्रंथ "इस्टैब्लिशमेंट्स" में लिखा सद्भाव का” (1588):
“हालाँकि, चाहे यह घातक समय के कारण हो या मानवीय लापरवाही के कारण, लोगों ने न केवल संगीत को, बल्कि अन्य विज्ञानों को भी बहुत कम महत्व देना शुरू कर दिया। और सबसे बड़ी ऊंचाइयों तक पहुंच कर, वह बेहद नीचे गिर गई; और, उसे अनसुना सम्मान दिए जाने के बाद, वे उसे दयनीय, महत्वहीन और इतना कम पूजनीय मानने लगे कि विद्वान लोग भी उसे मुश्किल से पहचानते थे और उसे उसका हक नहीं देना चाहते थे।
13वीं-14वीं शताब्दी के मोड़ पर, संगीत के उस्ताद जॉन डी ग्रोहे का ग्रंथ "म्यूजिक" पेरिस में प्रकाशित हुआ, जिसमें उन्होंने संगीत के बारे में मध्ययुगीन विचारों को आलोचनात्मक रूप से संशोधित किया। उन्होंने लिखा: “जो लोग परियों की कहानियां सुनाने के इच्छुक हैं, उन्होंने कहा कि संगीत का आविष्कार पानी के पास रहने वाले म्यूज़ द्वारा किया गया था। दूसरों ने कहा कि इसका आविष्कार संतों और पैगम्बरों द्वारा किया गया था। लेकिन बोथियस, एक महत्वपूर्ण और महान व्यक्ति, अलग विचार रखता है... वह अपनी पुस्तक में कहता है कि संगीत की शुरुआत पाइथागोरस ने की थी। लोग शुरू से ही गाते थे, क्योंकि संगीत उनके स्वभाव से जन्मजात था, जैसा कि प्लेटो और बोथियस दावा करते हैं, लेकिन पाइथागोरस के समय तक गायन और संगीत की नींव अज्ञात थी..."
हालाँकि, जॉन डी ग्रोहेओ बोथियस और उनके अनुयायियों के तीन प्रकारों में संगीत के विभाजन से सहमत नहीं हैं: विश्व संगीत, मानव संगीत, वाद्य संगीत, क्योंकि आंदोलन के कारण सामंजस्य होता है खगोलीय पिंड, किसी ने स्वर्गदूतों का गायन भी नहीं सुना; सामान्य तौर पर, "स्वर्गदूतों के गायन की व्याख्या करना एक संगीतकार का काम नहीं है, जब तक कि वह धर्मशास्त्री या भविष्यवक्ता न हो।"
“चलो, फिर, पेरिसवासियों के बीच संगीत की धारा को स्पष्ट रूप से तीन मुख्य प्रभागों में घटाया जा सकता है। एक भाग सरल या नागरिक (सिविलिस) संगीत है, जिसे हम लोक भी कहते हैं; दूसरा जटिल संगीत है (रचित - कंपोजिटा), या सही (सीखा - रेग्युलरिस), या विहित, जिसे मेन्सुरल कहा जाता है। और तीसरा खंड, जो उपरोक्त दोनों का अनुसरण करता है और जिसमें वे दोनों मिलकर कुछ बेहतर बनाते हैं, चर्च संगीत है, जिसका उद्देश्य निर्माता की प्रशंसा करना है।"
जॉन डी ग्रोहे अपने समय से आगे थे और उनका कोई अनुयायी नहीं था। संगीत ने, कविता और चित्रकला की तरह, केवल 15वीं और विशेष रूप से 16वीं शताब्दी में नए गुण प्राप्त किए, जिसके साथ संगीत पर अधिक से अधिक नए ग्रंथों का उदय हुआ।
ग्लेरियन (1488 - 1563), संगीत पर निबंध "द ट्वेल्व-स्ट्रिंग्ड मैन" (1547) के लेखक, स्विट्जरलैंड में पैदा हुए थे, उन्होंने कलात्मक संकाय में कोलोन विश्वविद्यालय में अध्ययन किया था। लिबरल आर्ट्स के मास्टर बेसल में कविता, संगीत, गणित, ग्रीक और लैटिन पढ़ाने में लगे हुए हैं, जो युग के महत्वपूर्ण हितों की बात करता है। यहां उनकी दोस्ती रॉटरडैम के इरास्मस से हो गई।
ग्लेरियन संगीत को, विशेष रूप से चर्च संगीत में, उन कलाकारों की तरह देखते हैं जो चर्चों में पेंटिंग और भित्तिचित्रों को चित्रित करना जारी रखते हैं, अर्थात, संगीत, पेंटिंग की तरह, धार्मिक उपदेशों और प्रतिबिंब के बाहर, सबसे पहले आनंद देना चाहिए, "की जननी" बनना चाहिए आनंद।"
ग्लेरेन मोनोडिक संगीत बनाम पॉलीफोनी के फायदों की पुष्टि करते हैं, जबकि वह दो प्रकार के संगीतकारों के बारे में बात करते हैं: फोनो और सिम्फनीस्ट: पूर्व में एक राग बनाने की स्वाभाविक प्रवृत्ति होती है, दूसरे में - दो, तीन या अधिक आवाज़ों के लिए एक राग विकसित करने की।
ग्लेरियन, संगीत के सिद्धांत को विकसित करने के अलावा, संगीत के इतिहास, उसके विकास पर भी विचार करते हैं, जैसा कि यह पता चला है, पुनर्जागरण के ढांचे के भीतर, मध्य युग के संगीत को पूरी तरह से नजरअंदाज करते हुए। वह संगीत और कविता, वाद्य प्रदर्शन और पाठ की एकता के विचार की पुष्टि करते हैं। संगीत सिद्धांत के विकास में, ग्लेरियन ने बारह स्वरों, एओलियन और आयोनियन मोड के उपयोग के साथ वैधीकरण किया, जिससे सैद्धांतिक रूप से प्रमुख और लघु की अवधारणाओं को प्रमाणित किया गया।
ग्लेरियन खुद को संगीत सिद्धांत के विकास तक सीमित नहीं रखता, बल्कि आधुनिक संगीतकार जोस्किन डेस्प्रेस, ओब्रेक्ट, पियरे डे ला रुए के काम की जांच करता है। वह जोस्किन डेस्प्रेस के बारे में प्यार और प्रसन्नता के साथ बात करता है, जैसे वासारी माइकल एंजेलो के बारे में।
जिओसेफ़ो ज़ारलिनो (1517 - 1590), जिनके कथन से हम पहले से ही परिचित हैं, 20 वर्षों तक वेनिस में संगीत समारोहों और चित्रकला के विकास के साथ फ्रांसिस्कन आदेश में शामिल हुए, जिसने एक संगीतकार, संगीतकार और संगीत सिद्धांतकार के रूप में उनके व्यवसाय को जागृत किया। 1565 में उन्होंने सेंट चैपल का नेतृत्व किया। ब्रांड। ऐसा माना जाता है कि "सद्भाव की स्थापना" निबंध में ज़ारलिनो ने बुनियादी सिद्धांतों को शास्त्रीय रूप में व्यक्त किया है संगीत सौंदर्यशास्त्रपुनर्जागरण।
ज़ारलिनो, जिन्होंने निस्संदेह, मध्य युग में संगीत के पतन की बात की थी, संगीत सद्भाव की प्रकृति के बारे में अपने सिद्धांत को विकसित करने में प्राचीन सौंदर्यशास्त्र पर भरोसा करते हैं। "संगीत को कितना पवित्र माना जाता था और पवित्र माना जाता था, यह दार्शनिकों और विशेष रूप से पाइथागोरस के लेखन से स्पष्ट रूप से प्रमाणित होता है, क्योंकि उनका मानना था कि दुनिया संगीत कानूनों के अनुसार बनाई गई थी, कि गोले की गति सद्भाव का कारण है और हमारा आत्मा उन्हीं नियमों के अनुसार निर्मित होती है, गीतों और ध्वनियों से जागृत होती है, और वे उसके गुणों पर जीवनदायी प्रभाव डालते प्रतीत होते हैं।
ज़ार्लिनो उदार कलाओं में संगीत को मुख्य मानते हैं, जैसे लियोनार्डो दा विंची ने चित्रकला को महत्व दिया। लेकिन कुछ प्रकार की कलाओं के प्रति यह जुनून हमें भ्रमित नहीं करना चाहिए, क्योंकि हम एक व्यापक सौंदर्य श्रेणी के रूप में सद्भाव के बारे में बात कर रहे हैं।
"और यदि विश्व की आत्मा (जैसा कि कुछ लोग सोचते हैं) सद्भाव है, तो क्या हमारी आत्मा हममें सभी सद्भाव का कारण नहीं हो सकती है और हमारा शरीर आत्मा के साथ सद्भाव में एकजुट नहीं हो सकता है, खासकर जब भगवान ने मनुष्य को समानता में बनाया है बड़ी दुनिया, जिसे यूनानियों ने ब्रह्मांड कहा है, यानी, एक आभूषण या सुशोभित, और जब उसने मिक्रोकोसमोस कहे जाने वाले के विपरीत, एक छोटी मात्रा का एक सादृश्य बनाया, जो है छोटी सी दुनिया? यह स्पष्ट है कि ऐसी धारणा निराधार नहीं है।”
ज़ार्लिनो में ईसाई धर्मशास्त्रप्राचीन सौंदर्यशास्त्र में बदल जाता है। सूक्ष्म और स्थूल जगत की एकता का विचार उनमें एक और विचार को जन्म देता है - विश्व के वस्तुनिष्ठ सामंजस्य की आनुपातिकता और मानव आत्मा में निहित व्यक्तिपरक सामंजस्य के बारे में। संगीत को मुख्य उदार कलाओं के रूप में उजागर करते हुए, ज़रलिनो संगीत और कविता की एकता, संगीत और पाठ, माधुर्य और शब्दों की एकता की बात करते हैं। इसमें "इतिहास" जोड़ा गया है, जो ओपेरा की उत्पत्ति का अनुमान लगाता है या उसे उचित ठहराता है। और यदि नृत्य होगा, जैसा कि पेरिस में होगा, तो हम बैले का जन्म देखेंगे।
ऐसा माना जाता है कि यह ज़ारलिनो ही थे जिन्होंने प्रमुख और लघु की सौंदर्य संबंधी विशेषताएं दीं, प्रमुख त्रय को हर्षित और उज्ज्वल के रूप में परिभाषित किया, और लघु त्रय को दुखद और उदासी के रूप में परिभाषित किया। वह काउंटरपॉइंट को "एक हार्मोनिक संपूर्ण के रूप में परिभाषित करता है जिसमें सहसंबंध के एक निश्चित पैटर्न में और समय की एक निश्चित माप के साथ ध्वनियों या गायन की आवाज़ों में विभिन्न परिवर्तन होते हैं, या यह स्थिरता में लाई गई विभिन्न ध्वनियों का एक कृत्रिम संयोजन है।"
टिटियन की तरह जोसेफ़ो ज़ारलिनो, जिनके साथ वे जुड़े थे, ने व्यापक प्रसिद्धि प्राप्त की और वेनिस अकादमी ऑफ़ फ़ेम के सदस्य चुने गए। सौंदर्यशास्त्र पुनर्जागरण के दौरान संगीत की स्थिति को स्पष्ट करता है। संस्थापक वेनिस स्कूलसंगीतकार एड्रियन विलार्ट (1480/90 - 1568 के बीच), जन्म से डच थे। ज़ारलिनो ने उनके साथ संगीत का अध्ययन किया। वेनिस का संगीत, पेंटिंग की तरह, एक समृद्ध ध्वनि पैलेट द्वारा प्रतिष्ठित था, जिसने जल्द ही बारोक विशेषताएं हासिल कर लीं।
वेनिस स्कूल के अलावा, सबसे बड़े और सबसे प्रभावशाली रोमन और फ्लोरेंटाइन थे। रोमन स्कूल के प्रमुख जियोवन्नी फ़िलिस्तीना (1525 - 1594) थे।
फ्लोरेंस में कवियों, मानवतावादी वैज्ञानिकों, संगीतकारों और संगीत प्रेमियों के समुदाय को कैमराटा कहा जाता है। इसका नेतृत्व विन्सेन्ज़ो गैलीली (1533 - 1591) ने किया था। संगीत और कविता की एकता के बारे में सोचते हुए, और साथ ही थिएटर के साथ, मंच पर कार्रवाई के साथ, कैमराटा के सदस्यों ने एक नई शैली बनाई - ओपेरा।
पहला ओपेरा जे. पेरी (1597) का "डाफ्ने" और रिनुकिनी (1600) के ग्रंथों पर आधारित "यूरीडाइस" माना जाता है। यहां पॉलीफोनिक शैली से होमोफोनिक शैली में परिवर्तन किया गया। ऑरेटोरियो और कैंटाटा का प्रदर्शन पहली बार यहां किया गया था।
15वीं - 16वीं शताब्दी के नीदरलैंड का संगीत महान संगीतकारों के नामों से समृद्ध है, उनमें जोस्किन डेस्प्रेस (1440 - 1524) शामिल हैं, जिनके बारे में ज़ारलिनो ने लिखा था और जिन्होंने फ्रांसीसी अदालत में सेवा की थी, जहां फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल विकसित हुआ था। ऐसा माना जाता है कि डच संगीतकारों की सर्वोच्च उपलब्धि कैपेला कोरल मास थी, जो गॉथिक कैथेड्रल के उर्ध्वगामी जोर के अनुरूप थी।
जर्मनी में अंग कला विकसित हो रही है। फ्रांस में, दरबार में चैपल बनाए गए और संगीत समारोह आयोजित किए गए। 1581 में, हेनरी तृतीय ने अदालत में "संगीत के मुख्य अभिकर्ता" का पद स्थापित किया। पहले "संगीत के मुख्य अभिलाषी" इतालवी वायलिन वादक बाल्टज़ारिनी डी बेलगियोसो थे, जिन्होंने "द क्वीन्स कॉमेडी बैले" का मंचन किया, एक प्रदर्शन जिसमें संगीत और नृत्य को पहली बार स्टेज एक्शन के रूप में प्रस्तुत किया गया था। इस प्रकार कोर्ट बैले का उदय हुआ।
क्लेमेंट जेनेक्विन (सी. 1475 - सी. 1560), फ्रांसीसी पुनर्जागरण के एक उत्कृष्ट संगीतकार, पॉलीफोनिक गीत शैली के रचनाकारों में से एक हैं। ये फंतासी गीतों की तरह 4-5 आवाज वाले काम हैं। धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत - चैनसन - फ्रांस के बाहर व्यापक हो गया।
पुनर्जागरण के दौरान, वाद्य संगीत का व्यापक विकास हुआ। मुख्य संगीत वाद्ययंत्रों में ल्यूट, वीणा, बांसुरी, ओबो, तुरही, विभिन्न प्रकार के अंग (सकारात्मक, पोर्टेबल), हार्पसीकोर्ड की किस्में हैं; वायलिन एक लोक वाद्ययंत्र था, लेकिन नए तारों के विकास के साथ झुके हुए वाद्ययंत्रवायल की तरह, यह वायलिन है जो प्रमुख संगीत वाद्ययंत्रों में से एक बन जाता है।
नये युग की मानसिकता यदि सबसे पहले काव्य में जागृत होती है और स्थापत्य एवं चित्रकला से लेकर संगीत तक में शानदार विकास प्राप्त करती है लोक - गीत, जीवन के सभी क्षेत्रों में व्याप्त है। यहां तक कि चर्च संगीत को भी अब काफी हद तक माना जाता है, जैसे कि बाइबिल के विषयों पर कलाकारों द्वारा बनाई गई पेंटिंग, किसी पवित्र चीज के रूप में नहीं, बल्कि कुछ ऐसी चीज के रूप में जो खुशी और आनंद लाती है, जिसकी संगीतकार, संगीतकार और गायक मंडलियां खुद परवाह करती हैं।
एक शब्द में, कविता में, चित्रकला में, वास्तुकला में, संगीत के विकास में एक महत्वपूर्ण मोड़ आया, संगीत सौंदर्यशास्त्र और सिद्धांत के विकास के साथ, नई शैलियों के निर्माण के साथ, विशेष रूप से कला के सिंथेटिक रूप, जैसे ओपेरा और बैले, जिसे पुनर्जागरण के रूप में माना जाना चाहिए, ने सदियों को प्रसारित किया। पुनर्जागरण का संगीत वास्तुकला में भागों और संपूर्ण के सामंजस्य के रूप में सुनाई देता है, जो प्रकृति में और महलों के अंदरूनी हिस्सों में और चित्रों में अंकित है, जिसमें हम हमेशा एक प्रदर्शन देखते हैं, एक रुका हुआ एपिसोड, जब आवाजें शांत हो जाती हैं, और सभी पात्र फीकी धुन सुन रहे थे, जिसे हम मानो सुन सकते थे...
- संगीत वाद्ययंत्र
लंबे समय तक, वायल की ध्वनि को संगीत में परिष्कार का एक मॉडल माना जाता था। वियोला परिवार में तीन मुख्य प्रकार हैं। वायोला दा गाम्बा एक बड़ा वाद्य यंत्र है जिसे कलाकार लंबवत रखता है और अपने पैरों से किनारों से दबाता है (इतालवी शब्द गाम्बा का अर्थ है "घुटना")। दो अन्य किस्में - वियोला दा ब्रैकियो (इतालवी ब्रैकियो से - "प्रकोष्ठ") और वियोल डी'अमोर (फ़्रेंच वियोले डी'अमोर - "प्यार का वियोला") क्षैतिज रूप से उन्मुख थे, और जब खेला जाता था तो उन्हें कंधे पर दबाया जाता था। वायोला दा गाम्बा ध्वनि सीमा में सेलो के करीब है, वायोला दा ब्रैकियो वायलिन के करीब है, और वायोला डी'अमोर वायोला के करीब है।
पुनर्जागरण के वाद्ययंत्रों में से, मुख्य स्थान पर ल्यूट (पोलिश लुटनिया, अरबी "अलुड" - "पेड़") का कब्जा है। यह 14वीं शताब्दी के अंत में मध्य पूर्व से यूरोप में आया, और 16वीं शताब्दी की शुरुआत तक इस उपकरण का एक विशाल भंडार मौजूद था; सबसे पहले, वीणा की संगत में गीत गाए जाते थे। ल्यूट का शरीर छोटा होता है; ऊपरी भाग समतल है और निचला भाग गोलार्ध जैसा दिखता है। चौड़ी गर्दन से एक गर्दन जुड़ी होती है, जो झल्लाहट से विभाजित होती है, और यंत्र का सिर लगभग समकोण पर पीछे की ओर मुड़ा होता है। आप चाहें तो लुटेरे की शक्ल में कटोरे जैसी समानता देख सकते हैं। बारह तारों को जोड़े में समूहीकृत किया जाता है, और ध्वनि उंगलियों और एक विशेष प्लेट - एक मध्यस्थ दोनों के साथ उत्पन्न होती है।
15वीं-16वीं शताब्दी में विभिन्न प्रकार के कीबोर्ड उभरे। ऐसे मुख्य प्रकार के वाद्ययंत्र - हार्पसीकोर्ड, क्लैविकॉर्ड, झांझ, वर्जिनेल - पुनर्जागरण के संगीत में सक्रिय रूप से उपयोग किए गए थे, लेकिन उनका वास्तविक उत्कर्ष बाद में हुआ।
- लोकप्रिय उपकरण
उस समय बहुत से लोग रिकॉर्डर, बांसुरी और हॉर्न बजाना पसंद करते थे। सबसे जटिल संगीत नव निर्मित हार्पसीकोर्ड, वर्जिनेल (एक अंग्रेजी हार्पसीकोर्ड, जो अपने छोटे आकार से प्रतिष्ठित है) और ऑर्गन के लिए लिखा गया था। साथ ही, संगीतकार सरल संगीत की रचना करना नहीं भूले जिसके लिए उच्च प्रदर्शन कौशल की आवश्यकता नहीं थी। उसी समय, संगीत लेखन में परिवर्तन हुए: भारी लकड़ी के मुद्रण ब्लॉकों को इतालवी ओटावियानो पेत्रुकी द्वारा आविष्कृत चल धातु प्रकारों से बदल दिया गया। सभी प्रकाशित संगीत रचनाएँ तुरंत बिक गईं अधिक लोगसंगीत से जुड़ने लगे।
16वीं सदी में नए संगीत वाद्ययंत्र सामने आए। सबसे लोकप्रिय वे थे जिन्हें संगीत प्रेमियों के लिए बजाना आसान और सरल था, बिना किसी विशेष कौशल की आवश्यकता के।
सबसे आम थे वायोला और संबंधित तोड़े गए फूल। वायोला वायलिन का अग्रदूत था, और फ्रेट्स (गर्दन पर लकड़ी की पट्टियाँ) के कारण इसे बजाना आसान था, जो आपको सही स्वर बजाने में मदद करता था। वायोला की आवाज़ शांत थी, लेकिन छोटे हॉल में यह अच्छी लगती थी। एक अन्य झल्लाहट वाले वाद्य यंत्र - ल्यूट - की संगत में उन्होंने गाया, जैसा कि वे अब गिटार के साथ करते हैं।
उस समय बहुत से लोग रिकॉर्डर, बांसुरी और हॉर्न बजाना पसंद करते थे। सबसे जटिल संगीत नव निर्मित हार्पसीकोर्ड, वर्जिनेल (एक अंग्रेजी हार्पसीकोर्ड जो अपने छोटे आकार की विशेषता है) और ऑर्गन के लिए लिखा गया था। साथ ही, संगीतकार सरल संगीत की रचना करना नहीं भूले जिसके लिए उच्च प्रदर्शन कौशल की आवश्यकता नहीं थी। उसी समय, संगीत लेखन में परिवर्तन हुए: भारी लकड़ी के मुद्रण ब्लॉकों को इतालवी ओटावियानो पेत्रुकी द्वारा आविष्कृत चल धातु प्रकारों से बदल दिया गया। प्रकाशित संगीत कृतियाँ तेजी से बिक गईं और अधिक से अधिक लोग संगीत से जुड़ने लगे।
- देशानुसार युग का संक्षिप्त विवरण
नीदरलैंड उत्तर-पश्चिमी यूरोप का एक ऐतिहासिक क्षेत्र है जिसमें आधुनिक बेल्जियम, हॉलैंड, लक्ज़मबर्ग और उत्तरपूर्वी फ्रांस के क्षेत्र शामिल हैं। 15वीं सदी तक नीदरलैंड उच्च आर्थिक और सांस्कृतिक स्तर पर पहुंच गया है और एक समृद्ध यूरोपीय देश बन गया है।
यहीं पर डच पॉलीफोनिक स्कूल का उदय हुआ - पुनर्जागरण के संगीत की सबसे बड़ी घटनाओं में से एक। 15वीं शताब्दी में कला के विकास के लिए संगीतकारों के बीच संवाद स्थापित हुआ विभिन्न देश, रचनात्मक विद्यालयों का पारस्परिक प्रभाव। डच स्कूल ने इटली, फ्रांस, इंग्लैंड और नीदरलैंड की परंपराओं को आत्मसात किया।
इसके उत्कृष्ट प्रतिनिधि: गुइल्यूम डुफे (1400-1474) (डुफे) (लगभग 1400 - 11/27/1474, कंबराई), फ्रांसीसी-फ्लेमिश संगीतकार, डच स्कूल के संस्थापकों में से एक। डच संगीत में पॉलीफोनिक परंपरा की नींव गिलाउम डुफे (लगभग 1400 - 1474) द्वारा रखी गई थी। उनका जन्म फ़्लैंडर्स (नीदरलैंड के दक्षिण में एक प्रांत) के कंबराई शहर में हुआ था और उन्होंने कम उम्र से ही एक चर्च गायक मंडली में गाया था। उसी समय, भविष्य के संगीतकार ने निजी रचना पाठ लिया। छोटी उम्र में, डुफे इटली गए, जहां उन्होंने अपनी पहली रचनाएँ - गाथागीत और मोटेट्स लिखीं। 1428-1437 में उन्होंने रोम में पोप चैपल में एक गायक के रूप में काम किया; उन्हीं वर्षों के दौरान उन्होंने इटली और फ्रांस की यात्रा की। 1437 में संगीतकार को नियुक्त किया गया। ड्यूक ऑफ सेवॉय (1437-1439) के दरबार में, उन्होंने समारोहों और छुट्टियों के लिए संगीत तैयार किया। डुफे को रईसों से बहुत सम्मान प्राप्त था - उनके प्रशंसकों में, उदाहरण के लिए, मेडिसी दंपत्ति (इतालवी शहर फ्लोरेंस के शासक) थे। [इटली और फ्रांस में काम किया। 1428-37 में वह रोम और अन्य इतालवी शहरों में पोप चैपल के गायक थे, और 1437-44 में उन्होंने ड्यूक ऑफ सेवॉय के साथ सेवा की। 1445 से, कंबराई में कैथेड्रल में संगीत गतिविधियों के कैनन और निदेशक। पवित्र (3-, 4-आवाज जन, मोटेट्स) के स्वामी, साथ ही धर्मनिरपेक्ष (3-, 4-आवाज फ्रेंच चांसन, इतालवी गाने, गाथागीत, रोंडो) लोक पॉलीफोनी और पुनर्जागरण की मानवतावादी संस्कृति से जुड़ी शैलियाँ। डेनिश कला, जिसने यूरोपीय संगीत कला की उपलब्धियों को अवशोषित किया, का यूरोपीय पॉलीफोनिक संगीत के आगे के विकास पर बहुत प्रभाव पड़ा। वह संगीत संकेतन के सुधारक भी थे (डी. को व्हाइट हेड्स वाले नोट्स पेश करने का श्रेय दिया जाता है)। डी. की संपूर्ण रचनाएँ रोम में प्रकाशित हुईं (6 खंड, 1951-66)।] डुफे संगीतकारों में से पहले थे जिन्होंने समग्र संगीत रचना के रूप में सामूहिक रचना शुरू की। चर्च संगीत बनाने के लिए एक असाधारण प्रतिभा की आवश्यकता होती है: ठोस, भौतिक साधनों के माध्यम से अमूर्त, अमूर्त अवधारणाओं को व्यक्त करने की क्षमता। कठिनाई यह है कि ऐसी रचना, एक ओर, श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ती है, और दूसरी ओर, सेवा से ध्यान नहीं भटकाती है और प्रार्थना पर अधिक गहराई से ध्यान केंद्रित करने में मदद करती है। ड्यूफे के कई लोग प्रेरित हैं, आंतरिक जीवन से भरपूर हैं; वे ईश्वरीय रहस्योद्घाटन का पर्दा उठाने में एक पल के लिए मदद करते प्रतीत होते हैं।
अक्सर, सामूहिक रचना करते समय, डुफे ने एक सुप्रसिद्ध राग लिया जिसमें उन्होंने अपना राग भी जोड़ा। ऐसी उधारियाँ पुनर्जागरण की विशेषता हैं। यह बहुत महत्वपूर्ण माना जाता था कि सामूहिक प्रार्थना एक परिचित राग पर आधारित हो जिसे उपासक पॉलीफोनिक कार्य में भी आसानी से पहचान सकें। ग्रेगोरियन मंत्र का एक टुकड़ा अक्सर इस्तेमाल किया जाता था; धर्मनिरपेक्ष कार्यों को भी बाहर नहीं रखा गया।
चर्च संगीत के अलावा, डुफे ने धर्मनिरपेक्ष ग्रंथों पर आधारित मोटेट्स की रचना की। उनमें उन्होंने जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों का भी उपयोग किया।
जोस्किन डेस्प्रेस (1440-1521)। 15वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के डच पॉलीफोनिक स्कूल का प्रतिनिधि। जोस्किन डेस्प्रेस (लगभग 1440-1521 या 1524) थे, जिनका अगली पीढ़ी के संगीतकारों के काम पर बहुत प्रभाव था। अपनी युवावस्था में उन्होंने कंबराई में एक चर्च गायक मंडली के रूप में कार्य किया; लिया संगीत का पाठओकेगेम में. बीस साल की उम्र में, युवा संगीतकार इटली आए, मिलान में सफ़ोर्ज़ा ड्यूक्स (बाद में महान इतालवी कलाकार लियोनार्डो दा विंची ने यहां सेवा की) और रोम में पोप चैपल में गाया। इटली में, डेस्प्रेस ने संभवतः संगीत रचना शुरू की। 16वीं शताब्दी की शुरुआत में। वह पेरिस चले गये। उस समय तक, डेस्प्रेस पहले से ही प्रसिद्ध था, और उसे फ्रांसीसी राजा लुई XII द्वारा दरबारी संगीतकार के पद पर आमंत्रित किया गया था। 1503 से, डेस्प्रेस फिर से इटली में फेरारा शहर में बस गए, ड्यूक डी'एस्टे के दरबार में उन्होंने बहुत सारी रचनाएँ कीं, और उनके संगीत को जल्द ही व्यापक क्षेत्रों में पहचान मिली: इसे कुलीन वर्ग और कुलीन वर्ग दोनों ने पसंद किया। आम लोग। संगीतकार ने न केवल चर्च रचनाएँ बनाईं, बल्कि धर्मनिरपेक्ष भी बनाईं, विशेष रूप से, उन्होंने इतालवी लोक गीत की शैली की ओर रुख किया - फ्रोटोला (इतालवी फ्रोटोला, फ्रोटा से - "भीड़"), जो एक नृत्य लय की विशेषता है। तेज़ गति। डेस्प्रेस ने चर्च संगीत में धर्मनिरपेक्ष कार्यों की विशेषताएं पेश कीं: ताज़ा, जीवंत स्वर ने सख्त अलगाव को तोड़ दिया और जीवन की खुशी और परिपूर्णता की भावना पैदा की, हालांकि, संगीतकार की पॉलीफोनिक तकनीक कभी भी विफल नहीं हुई लेकिन यही उनकी रचनाओं की लोकप्रियता का राज है.
जोहान्स ओकेगेम (1430-1495), जैकब ओब्रेक्ट (1450-1505)। गिलाउम ड्यूफे के युवा समकालीन जोहान्स (जीन) ओकेघेम (लगभग 1425-1497) और जैकब ओब्रेक्ट थे। डुफे की तरह, ओकेगेम फ़्लैंडर्स से था। उन्होंने जीवन भर कड़ी मेहनत की; संगीत रचना के अलावा, उन्होंने चैपल के प्रमुख के रूप में भी काम किया। संगीतकार ने पंद्रह जनसमूह, तेरह मोटेट्स और बीस से अधिक गीत बनाए। ओकेगोम के कार्यों की विशेषता कठोरता, एकाग्रता और चिकनी मधुर रेखाओं का लंबा विकास है। उन्होंने पॉलीफोनिक तकनीक पर बहुत ध्यान दिया, और प्रयास किया कि द्रव्यमान के सभी हिस्सों को एक ही संपूर्ण माना जाए। संगीतकार की रचनात्मक शैली को उनके गीतों में भी देखा जा सकता है - वे लगभग धर्मनिरपेक्ष हल्केपन से रहित हैं, चरित्र में वे मोटेट्स और कभी-कभी जनता के टुकड़ों की अधिक याद दिलाते हैं। जोहान्स ओकेगेम को उनकी मातृभूमि और विदेश दोनों में सम्मान दिया गया था (उन्हें फ्रांस के राजा का सलाहकार नियुक्त किया गया था)। जैकब ओब्रेक्ट नीदरलैंड के विभिन्न शहरों के गिरिजाघरों में गायक-मंडली थे और चैपल का नेतृत्व करते थे; उन्होंने फेरारा (इटली) में ड्यूक डी'एस्टे के दरबार में कई वर्षों तक सेवा की। वह पच्चीस मास, बीस मोटेट्स, तीस चांसों के लेखक हैं। अपने पूर्ववर्तियों की उपलब्धियों का उपयोग करते हुए, ओब्रेक्ट ने बहुत सी नई चीजें पेश कीं पॉलीफोनिक परंपरा। उनका संगीत विरोधाभासों से भरा है, बोल्ड है, तब भी जब संगीतकार पारंपरिक चर्च शैलियों की ओर रुख करता है।
ऑरलैंडो लैस्सो की रचनात्मकता की बहुमुखी प्रतिभा और गहराई। डच पुनर्जागरण संगीत का इतिहास ऑरलैंडो लासो (असली नाम रोलैंड डी लासो, लगभग 1532-1594) के काम के साथ समाप्त होता है, जिन्हें उनके समकालीन "बेल्जियम ऑर्फ़ियस" और "संगीत का राजकुमार" कहते थे। लैस्सो का जन्म मॉन्स (फ़्लैंडर्स) में हुआ था। बचपन से ही उन्होंने चर्च गायक मंडली में अपनी अद्भुत आवाज़ से पैरिशियनों को आश्चर्यचकित करते हुए गाया। इतालवी शहर मंटुआ के ड्यूक गोंजागा ने गलती से युवा गायक की बात सुनी और उसे अपने चैपल में आमंत्रित किया। मंटुआ के बाद, लैस्सो ने कुछ समय के लिए नेपल्स में काम किया, और फिर रोम चले गए - वहां उन्हें कैथेड्रल में से एक के चैपल के निदेशक का पद प्राप्त हुआ। पच्चीस वर्ष की आयु तक, लैस्सो पहले से ही एक संगीतकार के रूप में जाने जाते थे, और संगीत प्रकाशकों के बीच उनके कार्यों की मांग थी। 1555 में, कार्यों का पहला संग्रह प्रकाशित हुआ, जिसमें मोटेट्स, मैड्रिगल्स और चान्सन शामिल थे। लैस्सो ने अपने पूर्ववर्तियों (डच, फ्रेंच, जर्मन और इतालवी संगीतकारों) द्वारा बनाई गई सभी बेहतरीन चीज़ों का अध्ययन किया और उनके अनुभव का उपयोग अपने काम में किया। एक असाधारण व्यक्ति होने के नाते, लैस्सो ने चर्च संगीत की अमूर्त प्रकृति पर काबू पाने और इसे वैयक्तिकता देने की कोशिश की। इस उद्देश्य के लिए, संगीतकार ने कभी-कभी शैली और रोजमर्रा के रूपांकनों (लोक गीतों, नृत्यों के विषय) का उपयोग किया, इस प्रकार चर्च और धर्मनिरपेक्ष परंपराओं को एक साथ लाया। लैस्सो ने पॉलीफोनिक तकनीक की जटिलता को बड़ी भावुकता के साथ जोड़ा। वह मैड्रिगल्स में विशेष रूप से सफल रहे, जिनके ग्रंथों से पात्रों की मानसिक स्थिति का पता चलता है, उदाहरण के लिए, इतालवी कवि लुइगी ट्रानज़िलो की कविताओं पर आधारित "टियर्स ऑफ़ सेंट पीटर" (1593) संगीतकार अक्सर बड़ी संख्या में लिखते थे आवाजों की संख्या (पांच से सात), इसलिए उसके कार्यों को करना कठिन है।
1556 से, ऑरलैंडो लास्सो म्यूनिख (जर्मनी) में रहते थे, जहाँ उन्होंने चैपल का नेतृत्व किया। अपने जीवन के अंत तक, संगीत और कलात्मक क्षेत्रों में उनका अधिकार बहुत ऊंचा था, और उनकी प्रसिद्धि पूरे यूरोप में फैल गई। यूरोपीय संगीत संस्कृति के विकास पर डच पॉलीफोनिक स्कूल का बहुत प्रभाव था। डच संगीतकारों द्वारा विकसित पॉलीफोनी के सिद्धांत सार्वभौमिक हो गए, और 20वीं शताब्दी में पहले से ही संगीतकारों द्वारा अपने काम में कई कलात्मक तकनीकों का उपयोग किया गया था।
फ़्रांस.
फ़्रांस के लिए, 15वीं-16वीं शताब्दी महत्वपूर्ण परिवर्तनों का युग बन गई: सौ साल का युद्ध(1337-1453) 15वीं सदी के अंत तक इंग्लैंड के साथ। राज्य का एकीकरण पूरा हुआ; 16वीं शताब्दी में देश में कैथोलिक और प्रोटेस्टेंट के बीच धार्मिक युद्ध हुए। के साथ मजबूत स्थिति में है पूर्णतया राजशाहीदरबारी समारोहों और लोक उत्सवों की भूमिका बढ़ गई। इसने कला के विकास में योगदान दिया, विशेष रूप से संगीत जो ऐसे आयोजनों के साथ आता था। गायन और वाद्य समूहों (चैपल और कंसोर्ट) की संख्या, जिसमें बड़ी संख्या में कलाकार शामिल थे, में वृद्धि हुई। इटली में सैन्य अभियानों के दौरान, फ्रांसीसी इतालवी संस्कृति की उपलब्धियों से परिचित हो गए। उन्होंने इतालवी पुनर्जागरण के विचारों को गहराई से महसूस किया और स्वीकार किया - मानवतावाद, आसपास की दुनिया के साथ सद्भाव की इच्छा, जीवन का आनंद लेना।
यदि इटली में संगीत पुनर्जागरण मुख्य रूप से जनसमूह के साथ जुड़ा था, तो फ्रांसीसी संगीतकार, चर्च संगीत के साथ विशेष ध्यानधर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत - चांसन को समर्पित। फ़्रांस में इसमें रुचि 16वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में पैदा हुई, जब क्लेमेंट जेनेक्विन (लगभग 1485-1558) द्वारा संगीत नाटकों का एक संग्रह प्रकाशित हुआ। इस संगीतकार को इस शैली के रचनाकारों में से एक माना जाता है।
क्लेमेंट जेनेक्विन (1475-1560) द्वारा प्रमुख कोरल कार्यक्रम कार्य। एक बच्चे के रूप में, जेनेक्विन ने अपने गृहनगर चेटेलरॉल्ट (मध्य फ़्रांस) में एक चर्च गायक मंडली में गाया था। इसके बाद, जैसा कि संगीत इतिहासकारों का सुझाव है, उन्होंने डच मास्टर जोस्किन डेस्प्रेस या अपने सर्कल के संगीतकार के साथ अध्ययन किया। पुरोहिती प्राप्त करने के बाद, जेनेक्विन ने एक रीजेंट (गाना बजानेवालों के निदेशक) और ऑर्गेनिस्ट के रूप में काम किया; तब उन्हें ड्यूक ऑफ गुइज़ द्वारा सेवा के लिए आमंत्रित किया गया था। 1555 में, संगीतकार रॉयल चैपल का गायक बन गया, और 1556-1557 में। - शाही दरबार संगीतकार. क्लेमेंट जेनेक्विन ने दो सौ अस्सी चांसन बनाए (1530 और 1572 के बीच प्रकाशित); चर्च संगीत लिखा - जनसमूह, मोटेट्स, भजन। उनके गीत प्रायः आलंकारिक प्रकृति के होते थे। श्रोता के मन की आंखों के सामने लड़ाई की तस्वीरें ("मैरिग्नानो की लड़ाई", "रेंटा की लड़ाई", "मेट्ज़ की लड़ाई"), शिकार के दृश्य ("द हंट"), प्रकृति की छवियां ("बर्डसॉन्ग", "नाइटिंगेल") गुजरती हैं। ", "लार्क" ), रोजमर्रा के दृश्य ("महिला चैट")। अद्भुत स्पष्टता के साथ, संगीतकार "क्राईज़ ऑफ़ पेरिस" गीत में पेरिस में रोजमर्रा की जिंदगी के माहौल को व्यक्त करने में कामयाब रहे: उन्होंने पाठ में विक्रेताओं के विस्मयादिबोधक ("दूध!" - "पाईज़!" - "आर्टिचोक!" - का परिचय दिया) "मछली!" - "माचिस!" - "कबूतर")!" - "पुराने जूते!" - "शराब!")। जेनेक्विन ने व्यक्तिगत आवाजों और जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों के लिए लगभग लंबे और सहज विषयों का उपयोग नहीं किया, रोल कॉल, दोहराव और ओनोमेटोपोइया को प्राथमिकता दी।
फ्रांसीसी संगीत की एक और दिशा पैन-यूरोपीय सुधार आंदोलन से जुड़ी है।
चर्च सेवाओं में, फ्रांसीसी प्रोटेस्टेंट (ह्यूजेनॉट्स) ने लैटिन और पॉलीफोनी को त्याग दिया। पवित्र संगीत ने अधिक खुला, लोकतांत्रिक चरित्र प्राप्त कर लिया है। इस संगीत परंपरा के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक क्लाउड गुडीमेल (1514 और 1520-1572 के बीच) थे, जो बाइबिल ग्रंथों और प्रोटेस्टेंट कोरल पर आधारित भजनों के लेखक थे।
चैनसन. फ्रांसीसी पुनर्जागरण की मुख्य संगीत शैलियों में से एक चांसन (फ्रेंच चांसन - "गीत") है। इसकी उत्पत्ति लोक कला में है (महाकाव्य कहानियों के तुकांत छंदों को संगीत में सेट किया गया था), मध्ययुगीन ट्रौबैडोर्स और ट्रौवेर्स की कला में। सामग्री और मनोदशा के संदर्भ में, गीत बहुत विविध हो सकते हैं - इसमें प्रेम गीत, रोजमर्रा के गीत, हास्य गीत, व्यंग्य गीत आदि थे। संगीतकारों ने लोक कविताओं और आधुनिक कविता को ग्रंथों के रूप में लिया।
इटली.
पुनर्जागरण के आगमन के साथ, इटली में विभिन्न वाद्ययंत्रों पर प्रतिदिन बजने वाला संगीत फैल गया; संगीत प्रेमियों की मंडली उभरी। पेशेवर क्षेत्र में, दो सबसे मजबूत स्कूल उभरे: रोमन और वेनिसियन।
मैड्रिगल. पुनर्जागरण के दौरान, धर्मनिरपेक्ष शैलियों की भूमिका बढ़ गई। XIV सदी में। मैड्रिगल इतालवी संगीत में दिखाई दिया (पुराने लाट से। मैट्रिकेल - "मूल भाषा में गीत")। इसका गठन लोक (चरवाहा) गीतों के आधार पर किया गया था। मैड्रिगल्स दो या तीन आवाज़ों के गाने थे, अक्सर बिना किसी वाद्य संगत के। वे आधुनिक इतालवी कवियों की कविताओं पर लिखे गए थे, जो प्रेम के बारे में बात करते थे; रोजमर्रा और पौराणिक विषयों पर गीत थे।
15वीं शताब्दी के दौरान, संगीतकारों ने शायद ही इस शैली की ओर रुख किया; इसमें रुचि केवल 16वीं शताब्दी में पुनर्जीवित हुई। 16वीं शताब्दी के मैड्रिगल की एक विशिष्ट विशेषता संगीत और कविता के बीच घनिष्ठ संबंध है। संगीत ने लचीले ढंग से पाठ का अनुसरण किया और काव्य स्रोत में वर्णित घटनाओं को प्रतिबिंबित किया। समय के साथ, अद्वितीय मधुर प्रतीक विकसित हुए, जो कोमल आहें, आँसू आदि को दर्शाते हैं। कुछ संगीतकारों के कार्यों में, प्रतीकवाद दार्शनिक था, उदाहरण के लिए, गेसुल्डो डी वेनोसा के मैड्रिगल "आई एम डाइंग, अनफॉरच्युनेट" (1611) में।
यह शैली 16वीं-17वीं शताब्दी के मोड़ पर फली-फूली। कभी-कभी, किसी गीत के प्रदर्शन के साथ-साथ, उसका कथानक भी बजाया जाता था। मैड्रिगल मैड्रिगल कॉमेडी (कॉमेडी नाटक के पाठ पर आधारित कोरल रचना) का आधार बन गया, जिसने ओपेरा की उपस्थिति तैयार की।
रोमन पॉलीफोनिक स्कूल। जियोवानी डी फ़िलिस्तीना (1525-1594)। रोमन स्कूल के प्रमुख जियोवानी पियरलुइगी दा फिलिस्तीना थे, जो पुनर्जागरण के महानतम संगीतकारों में से एक थे। उनका जन्म इतालवी शहर फ़िलिस्तीना में हुआ था, जहाँ से उन्हें अपना उपनाम मिला। बचपन से, फिलिस्तीन ने चर्च गाना बजानेवालों में गाया, और वयस्कता तक पहुंचने पर उन्हें रोम में सेंट पीटर बेसिलिका में कंडक्टर (गाना बजानेवालों के नेता) के पद पर आमंत्रित किया गया; बाद में उन्होंने सिस्टिन चैपल (पोप का दरबार चैपल) में सेवा की।
कैथोलिक धर्म के केंद्र रोम ने कई प्रमुख संगीतकारों को आकर्षित किया। में अलग समयडच मास्टर पॉलीफोनिस्ट गुइलाउम डुफे और जोस्किन डेस्प्रेस ने यहां काम किया। उनकी विकसित रचना तकनीक से कभी-कभी सेवा के पाठ को समझना मुश्किल हो जाता था: यह आवाज़ों की उत्कृष्ट अंतर्संबंध के पीछे खो गया था और शब्द, वास्तव में, श्रव्य नहीं थे। इसलिए, चर्च के अधिकारी ऐसे कार्यों से सावधान थे और ग्रेगोरियन मंत्रों के आधार पर एकरसता की वापसी की वकालत करते थे। चर्च संगीत में पॉलीफोनी की स्वीकार्यता के मुद्दे पर कैथोलिक चर्च की ट्रेंट काउंसिल (1545-1563) में भी चर्चा की गई थी। पोप के करीबी, फिलिस्तीन ने चर्च के नेताओं को ऐसे काम बनाने की संभावना के बारे में आश्वस्त किया जिसमें रचनात्मक तकनीक पाठ की समझ में हस्तक्षेप नहीं करेगी। प्रमाण के रूप में, उन्होंने "मास ऑफ़ पोप मार्सेलो" (1555) की रचना की, जो प्रत्येक शब्द की स्पष्ट और अभिव्यंजक ध्वनि के साथ जटिल पॉलीफोनी को जोड़ती है। इस प्रकार, संगीतकार ने पेशेवर पॉलीफोनिक संगीत को चर्च अधिकारियों द्वारा उत्पीड़न से "बचाया"। 1577 में, संगीतकार को कैथोलिक चर्च के पवित्र भजनों के संग्रह - क्रमिक सुधार पर चर्चा करने के लिए आमंत्रित किया गया था। 80 के दशक में फ़िलिस्तीन ने पवित्र आदेश लिया, और 1584 में वह सोसाइटी ऑफ़ मास्टर्स ऑफ़ म्यूज़िक का सदस्य बन गया, जो संगीतकारों का एक संघ था जो सीधे पोप को रिपोर्ट करता था।
फिलिस्तीन का काम एक उज्ज्वल विश्वदृष्टि से ओत-प्रोत है। उनके द्वारा बनाए गए कार्यों ने उनके समकालीनों को उनके उच्चतम कौशल और मात्रा (एक सौ से अधिक द्रव्यमान, तीन सौ मोटेट्स, एक सौ मैड्रिगल्स) दोनों से आश्चर्यचकित कर दिया। संगीत की जटिलता कभी भी इसकी धारणा में बाधा नहीं बनी है। संगीतकार जानता था कि अपनी रचनाओं की परिष्कार और श्रोता तक उनकी पहुंच के बीच बीच का रास्ता कैसे खोजा जाए। फिलिस्तीन ने अपना मुख्य रचनात्मक कार्य संपूर्ण विकास के रूप में देखा महान काम. उनके मंत्रों में प्रत्येक स्वर स्वतंत्र रूप से विकसित होता है, लेकिन साथ ही अन्य स्वरों के साथ एक संपूर्णता बनाता है, और अक्सर स्वर सुरों का अद्भुत संयोजन बनाते हैं। अक्सर शीर्ष स्वर की धुन बाकियों के ऊपर तैरती हुई प्रतीत होती है, जो पॉलीफोनी के "गुंबद" को रेखांकित करती है; सभी आवाजें सहजता और विकास से प्रतिष्ठित हैं।
संगीतकारों की अगली पीढ़ी ने जियोवानी दा फ़िलिस्तीना की कला को अनुकरणीय और शास्त्रीय माना। 19वीं-8वीं शताब्दी के कई उत्कृष्ट संगीतकारों ने उनकी रचनाओं से अध्ययन किया।
पुनर्जागरण संगीत की एक और दिशा वेनिस स्कूल के संगीतकारों के काम से जुड़ी है, जिसके संस्थापक एड्रियन विलार्ट (लगभग 1485-1562) थे। उनके छात्र ऑर्गेनिस्ट और संगीतकार एंड्रिया गेब्रियली (1500 और 1520 के बीच - 1586 के बाद), संगीतकार साइप्रियन डी पोप (1515 या 1516-1565) और अन्य संगीतकार थे। जबकि फ़िलिस्तीना के कार्यों में स्पष्टता और सख्त संयम की विशेषता है, विलार्ट और उनके अनुयायियों ने एक शानदार कोरल शैली विकसित की। सराउंड साउंड और लकड़ी के वादन को प्राप्त करने के लिए, उन्होंने रचनाओं में मंदिर के विभिन्न स्थानों पर स्थित कई गायक मंडलियों का उपयोग किया। गायकों के बीच रोल कॉल के उपयोग ने चर्च के स्थान को अभूतपूर्व प्रभावों से भरना संभव बना दिया। यह दृष्टिकोण समग्र रूप से युग के मानवतावादी आदर्शों को प्रतिबिंबित करता है - इसकी प्रसन्नता, स्वतंत्रता और स्वयं वेनिस की कलात्मक परंपरा के साथ - हर उज्ज्वल और असामान्य चीज़ की इच्छा के साथ। वेनिस के उस्तादों के काम में, संगीत की भाषा भी अधिक जटिल हो गई: यह स्वरों और अप्रत्याशित सामंजस्य के साहसिक संयोजनों से भरी हुई थी।
पुनर्जागरण का एक प्रमुख व्यक्ति कार्लो गेसुल्डो डि वेनोसा (लगभग 1560-1613) था, जो वेनोसा शहर का राजकुमार था, जो धर्मनिरपेक्ष मैड्रिगल के महानतम गुरुओं में से एक था। उन्होंने एक परोपकारी, वीणा वादक और संगीतकार के रूप में प्रसिद्धि प्राप्त की। प्रिंस गेसुल्डो इतालवी कवि टोरक्वेटो टैसो के मित्र थे; कुछ दिलचस्प पत्र बचे हैं जिनमें दोनों कलाकार साहित्य, संगीत और ललित कला के मुद्दों पर चर्चा करते हैं। गेसुल्डो डि वेनोसा ने टैसो की कई कविताओं को संगीत में ढाला - इस तरह कई अत्यधिक कलात्मक मैड्रिगल सामने आए। देर से पुनर्जागरण के प्रतिनिधि के रूप में, संगीतकार विकसित हुआ नया प्रकारमैड्रिगल, जहां भावनाएं सबसे पहले आईं - तूफानी और अप्रत्याशित। इसलिए, उनके कार्यों में मात्रा में परिवर्तन, आहें भरने और यहां तक कि सिसकने के समान स्वर, तेज़-ध्वनि वाले तार और गति में विपरीत परिवर्तन की विशेषता है। इन तकनीकों ने गेसुल्डो के संगीत को एक अभिव्यंजक, कुछ हद तक विचित्र चरित्र दिया; इसने आश्चर्यचकित किया और साथ ही साथ उनके समकालीनों को भी आकर्षित किया। गेसुल्डो डि वेनोसा की विरासत में पॉलीफोनिक मैड्रिगल्स के सात संग्रह शामिल हैं; आध्यात्मिक कार्यों में - "पवित्र भजन"। उनका संगीत आज भी श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ता।
वाद्य संगीत की शैलियों और रूपों का विकास। वाद्य संगीत भी नई शैलियों के उद्भव से चिह्नित है, विशेष रूप से वाद्य संगीत कार्यक्रम। वायलिन, हार्पसीकोर्ड और ऑर्गन धीरे-धीरे एकल वाद्ययंत्रों में बदल गए। उनके लिए लिखे गए संगीत ने न केवल संगीतकार, बल्कि कलाकार की प्रतिभा को भी प्रदर्शित करने का अवसर प्रदान किया। सबसे ऊपर जो महत्व दिया गया वह सद्गुण (तकनीकी कठिनाइयों से निपटने की क्षमता) था, जो धीरे-धीरे अपने आप में एक लक्ष्य बन गया और कई संगीतकारों के लिए एक कलात्मक मूल्य बन गया। 17वीं-18वीं शताब्दी के संगीतकार आमतौर पर न केवल संगीत की रचना करते थे, बल्कि वाद्ययंत्रों को भी निपुणता से बजाते थे और शिक्षण गतिविधियों में लगे रहते थे। कलाकार की भलाई काफी हद तक विशिष्ट ग्राहक पर निर्भर करती थी। एक नियम के रूप में, प्रत्येक गंभीर संगीतकार या तो एक राजा या एक अमीर अभिजात वर्ग के दरबार में (कुलीन वर्ग के कई सदस्यों के पास अपने स्वयं के ऑर्केस्ट्रा या ओपेरा हाउस थे) या एक मंदिर में जगह पाने की कोशिश करता था। इसके अलावा, अधिकांश संगीतकारों ने आसानी से चर्च संगीत को एक धर्मनिरपेक्ष संरक्षक की सेवा के साथ जोड़ दिया।
इंग्लैण्ड.
पुनर्जागरण के दौरान इंग्लैंड का सांस्कृतिक जीवन सुधार के साथ निकटता से जुड़ा हुआ था। 16वीं शताब्दी में देश में प्रोटेस्टेंटवाद फैल गया। कैथोलिक चर्च ने अपनी प्रमुख स्थिति खो दी, एंग्लिकन चर्च राज्य चर्च बन गया, जिसने कैथोलिक धर्म के कुछ हठधर्मिता (मौलिक प्रावधानों) को मान्यता देने से इनकार कर दिया; अधिकांश मठों का अस्तित्व समाप्त हो गया। इन घटनाओं ने संगीत सहित अंग्रेजी संस्कृति को प्रभावित किया। ऑक्सफोर्ड और कैम्ब्रिज विश्वविद्यालयों में संगीत विभाग खोले गए। कुलीन सैलून में कीबोर्ड वाद्ययंत्र बजाए जाते थे: वर्जिनेल (एक प्रकार का हार्पसीकोर्ड), पोर्टेबल (छोटा) ऑर्गन, आदि। घरेलू संगीत बजाने के लिए बनाई गई छोटी रचनाएँ लोकप्रिय थीं। उस समय की संगीत संस्कृति के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि विलियम बर्ड (1543 या 1544-1623) थे, जो एक शीट संगीत प्रकाशक, ऑर्गेनिस्ट और संगीतकार थे। बर्ड इंग्लिश मैड्रिगल के संस्थापक बने। उनके कार्यों को सरलता (उन्होंने जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों से परहेज किया), पाठ के अनुरूप रूप की मौलिकता और हार्मोनिक स्वतंत्रता द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है। मध्ययुगीन गंभीरता और संयम के विपरीत, सभी संगीत साधन जीवन की सुंदरता और आनंद की पुष्टि करने के लिए डिज़ाइन किए गए हैं। मैड्रिगल शैली में संगीतकार के कई अनुयायी थे।
बर्ड ने आध्यात्मिक रचनाएँ (सामूहिक, भजन) और वाद्य संगीत भी बनाया। वर्जिनल के लिए अपनी रचनाओं में उन्होंने लोक गीतों और नृत्यों के रूपांकनों का उपयोग किया।
जैसा कि विलियम बर्ड ने अपने एक संगीत संग्रह की प्रस्तावना में लिखा था, संगीतकार वास्तव में चाहते थे कि उनके द्वारा लिखा गया संगीत "खुशी से कम से कम थोड़ी कोमलता, विश्राम और मनोरंजन ले जाए"।
वगैरह.................
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यह पाठ संगीत साहित्य के अध्ययन के दूसरे वर्ष में 5वीं कक्षा के छात्रों के लिए आयोजित किया जाता है।
पाठ का उद्देश्य: शिक्षा सौंदर्य संस्कृतिसंगीत के संपर्क के माध्यम से छात्रपुनर्जागरण।
पाठ मकसद:
- पुनर्जागरण के लोगों के जीवन में संगीत और संगीत-निर्माण की भूमिका का एक विचार देना;
- पुनर्जागरण के संगीत वाद्ययंत्रों, शैलियों, संगीतकारों से परिचित होना;
- यूरोपीय पुनर्जागरण के संगीत कार्यों का परिचय;
- बुनियादी श्रवण संगीत विश्लेषण कौशल का विकास;
- रिश्ते की समझ विकसित करना अलग - अलग प्रकारकला;
- कला के कार्यों की भावनात्मक धारणा का पोषण करना;
- छात्रों की सोच और भाषण का विकास;
- अपने क्षितिज का विस्तार करना.
पाठ का प्रकार:एक नया विषय सीखने पर पाठ.
पाठ उपकरण:मल्टीमीडिया प्रस्तुति, कंप्यूटर।
संगीत सामग्री:
- वर्जिनल "वोल्टा" के लिए डब्ल्यू. बर्ड का नाटक;
- ल्यूट के लिए एफ. दा मिलानो "फैंटासिया" नंबर 6;
- फ़िल्म "एलिज़ाबेथ" का दृश्य: रानी वोल्टा नृत्य करती है (वीडियो);
- I. अल्बर्टी "पावेन और गैलियार्ड" (वीडियो);
- अंग्रेजी लोक गीत "ग्रीन्सलीव्स";
- जे.पी. फिलिस्तीन "मास ऑफ़ पोप मार्सेलो", "अग्नुस देई" का हिस्सा;
- ओ लास्सो "इको";
- जी. डि वेनोसा मेड्रिगल "मोरो, लासो, अल मियो डुओलो";
- ओपेरा "यूरीडाइस" से जे. पेरी दृश्य।
कक्षाओं के दौरान
I. संगठनात्मक क्षण
द्वितीय. ज्ञान को अद्यतन करना
पिछले पाठ में हमने पुनर्जागरण की संस्कृति और चित्रकला के बारे में बात की थी।
– इस युग का दूसरा नाम क्या है (फ्रेंच में “पुनर्जागरण”)?
– पुनर्जागरण किन शताब्दियों को कवर करता है? इसने किस युग का स्थान ले लिया?
– इस युग का नाम कहाँ से आया है? वे क्या "पुनर्जीवित" करना चाहते थे?
– पुनर्जागरण किस देश में दूसरों की तुलना में पहले शुरू हुआ?
- कौन इटालियन शहर"पुनर्जागरण का उद्गम स्थल" कहा जाता है? क्यों?
– फ्लोरेंस में कौन से महान कलाकार रहते थे? उनके काम याद रखें.
– उनकी रचनाएँ मध्यकालीन कला से किस प्रकार भिन्न हैं?
तृतीय. एक नया विषय सीखना
आज हम फिर पुनर्जागरण की ओर जा रहे हैं। हम पता लगाएंगे कि इस समय संगीत कैसा था. आइए पुनर्जागरण के संगीत वाद्ययंत्रों से परिचित हों, उन्हें देखें और उनकी प्रामाणिक ध्वनि सुनें। हमारी भी एक बैठक है उत्कृष्ट संगीतकारपुनर्जागरण और उनकी उत्कृष्ट कृतियाँ।
चतुर्थ. एक प्रस्तुति के साथ काम करना
स्लाइड 1.शीर्षक पेज।
स्लाइड 2.हमारे पाठ का विषय "पुनर्जागरण का संगीत" है। समय सीमा: XIV-XVI सदियों।
स्लाइड 3.पाठ का पुरालेख. आप इन शब्दों को कैसे समझते हैं?
...पृथ्वी पर कोई जीवित प्राणी नहीं है
इतना कठोर, अच्छा, नारकीय रूप से दुष्ट,
जिससे कि मैं एक घंटे भी नहीं कर सका
इसमें संगीत एक क्रांति ला देता है.
(विलियम शेक्सपियर)
स्लाइड 4.पुनर्जागरण के दौरान, कला की भूमिका सांस्कृतिक जीवनसमाज। कलात्मक शिक्षा को एक महान व्यक्ति के विकास का एक महत्वपूर्ण पहलू, अच्छी परवरिश के लिए एक शर्त के रूप में पहचाना जाता है।
समाज पर चर्च का नियंत्रण कमजोर हो गया है, संगीतकारों को अधिक स्वतंत्रता प्राप्त हुई है। लेखक का व्यक्तित्व और रचनात्मक वैयक्तिकता उनके लेखन में अधिकाधिक स्पष्ट होती जा रही है। पुनर्जागरण के दौरान, "की अवधारणा" संगीतकार».
संगीत के विकास के लिए यह बहुत महत्वपूर्ण हो गया संगीत मुद्रण का आविष्कार 15वीं सदी के अंत में. 1501 में, इतालवी प्रकाशक ओटावियानो पेत्रुकी ने घरेलू संगीत वादन के लिए पहला संग्रह प्रकाशित किया। नई रचनाएँ बहुत तेजी से प्रकाशित और वितरित की गईं। अब कोई भी मध्यम आय वाला शहरी निवासी शीट संगीत खरीद सकता है। परिणामस्वरूप, शहरी संगीत निर्माण तेजी से विकसित होने लगा और अधिक से अधिक लोगों तक पहुंचने लगा।
स्लाइड 5. संगीत वाद्ययंत्रपुनर्जागरण। हवाएँ, तार, कीबोर्ड।
स्लाइड 6. ल्यूट- पुनर्जागरण का सबसे प्रिय वाद्ययंत्र। तार वाले वाद्ययंत्रों को संदर्भित करता है। सबसे पहले ल्यूट को पल्ट्रम से बजाया जाता था, लेकिन 15वीं शताब्दी तक उन्होंने अपनी उंगलियों से बजाना शुरू कर दिया।
स्लाइड 7.इसका शरीर आधे कटे हुए नाशपाती जैसा दिखता है। ल्यूट की गर्दन छोटी होती है, जिसमें झल्लाहट होती है और यह समकोण पर मुड़ी होती है।
स्लाइड 8.ल्यूट से आया था अरबी वाद्ययंत्रअल-उद (अरबी में "पेड़") कहा जाता है। 8वीं शताब्दी में ऊद ने यूरोप में प्रवेश किया उत्तरी अफ्रीकास्पेन की अरब विजय के दौरान और कई स्पेनिश रईसों के दरबार में जड़ें जमा लीं। समय के साथ, यूरोपीय लोगों ने ऊद में फ्रेट (फ्रेटबोर्ड पर विभाजन) जोड़ा और इसे "ल्यूट" कहा।
स्लाइड 9.पुरुष और महिला दोनों ही वीणा बजाते थे।
स्लाइड 10.ल्यूट कॉम्पैक्ट, हल्का था और इसे हर जगह अपने साथ ले जाया जा सकता था।
स्लाइड 11.ल्यूट संगीत को नोट्स के साथ नहीं, बल्कि टेबलेचर की मदद से रिकॉर्ड किया गया था। देखिए: ल्यूट टेबलेचर में स्ट्रिंग्स को इंगित करने वाली 6 लाइनें होती हैं। संख्याएँ झल्लाहट को दर्शाती हैं, अवधि शीर्ष पर हैं।
स्लाइड 12. झुके हुए तार वाले वाद्ययंत्र. यदि ल्यूट विभिन्न वर्गों के लोगों द्वारा बजाया जाता था, तो केवल एक बहुत अमीर व्यक्ति ही वायल परिवार का एक वाद्य यंत्र खरीद सकता था। वायोला महंगे थे; वे कीमती लकड़ी से बने होते थे और सुंदर डिजाइनों और गहनों से सजाए जाते थे। वियोलास थे विभिन्न आकार. इस पेंटिंग में, देवदूत सबसे लोकप्रिय प्रकार के उल्लंघन - दा गाम्बा और दा ब्रैकिया बजाते हैं।
स्लाइड 13. वियोलाइतालवी में - "बैंगनी"। वायोला की आवाज़ बहुत सुखद थी: नरम, कोमल और शांत।
स्लाइड 14, 15.वियोला दा ब्रैकिया नाम का इतालवी से अनुवाद "हाथ, कंधा" के रूप में किया गया है। यह उन छोटी-छोटी वायलों को दिया गया नाम था जिन्हें बजाते समय कंधे पर रखा जाता था।
स्लाइड 16.वियोला दा गाम्बा - "पैर"। यह आकार में बड़ा था और खेलते समय इसे घुटनों के बीच पकड़ना पड़ता था या जांघ पर रखना पड़ता था। ये वायल आमतौर पर पुरुषों द्वारा बजाए जाते थे।
स्लाइड 17.क्या आपने देखा है कि वायल किस शास्त्रीय वाद्ययंत्र से बहुत मिलते-जुलते हैं? वायलिन, सेलो. आइए वायोला दा गाम्बा की तुलना सेलो से करें।
हम थोड़ी देर बाद उल्लंघनों की आवाज सुनेंगे।
स्लाइड 18.वर्जिनेल. एक आयताकार कीबोर्ड उपकरण, आमतौर पर बिना पैरों के। उपकरण के सिद्धांत के अनुसार, यह पियानो के पूर्ववर्तियों में से एक था। लेकिन ध्वनि की गुणवत्ता के मामले में यह वीणा और ल्यूट के करीब था। उनकी लय कोमलता और कोमलता से प्रतिष्ठित थी।
स्लाइड 19.कौन जानता है कि अंग्रेजी शब्द का क्या अर्थ है? कुँवारी? कन्या, लड़की. अनुमान लगाएं कि इस वाद्ययंत्र को "गर्लिश" क्यों कहा गया?अक्सर, वर्जिनल का किरदार कुलीन जन्म की युवा लड़कियों द्वारा किया जाता था। यह ज्ञात है कि इंग्लैंड की महारानी एलिजाबेथ प्रथम को भी वर्जिनल बहुत पसंद थी और वह इसे अच्छी तरह से निभाती थी।
स्लाइड 20. विलियम बर्ड- सबसे वृहद अंग्रेजी संगीतकार, एलिज़ाबेथ के समय के ऑर्गेनिस्ट और हार्पसीकोर्डिस्ट। 1543 में जन्म, 1623 में मृत्यु। कोर्ट ऑर्गेनिस्ट के रूप में सेवा की। उन्होंने वर्जिन के लिए कई पवित्र कृतियों, मैड्रिगल्स और टुकड़ों की रचना की।
चलो सुनते हैं:वर्जिन "वोल्टा" के लिए डब्ल्यू पक्षी का टुकड़ा
स्लाइड 21-24.पुनर्जागरण कलाकारों ने अक्सर अपने चित्रों में स्वर्गदूतों को संगीत बजाते हुए चित्रित किया। क्यों? इसका अर्थ क्या है? स्वर्गदूतों को संगीत की आवश्यकता क्यों है? लोगों के बारे में क्या?
स्लाइड 25.देखो क्या बड़ी कंपनीसंगीतकार. वे क्या खेल रहे हैं? कैसे वे महसूस करते हैं? क्या वे एक साथ अच्छे हैं? क्या डब्ल्यू शेक्सपियर के शब्द इस तस्वीर पर फिट बैठते हैं? इन श्लोकों में मुख्य शब्द क्या है? एकता, सहमति.
सुनो तार कितने अनुकूल हैं
वे गठन में आते हैं और अपनी आवाज़ देते हैं, -
जैसे माँ, बाप और जवान लड़का
वे खुश एकता में गाते हैं.
एक संगीत कार्यक्रम में तारों का सामंजस्य हमें बताता है,
कि सुनसान रास्ता मौत के समान है.
स्लाइड 26. वाद्य शैलियाँ पुनर्जागरण को 3 प्रकारों में विभाजित किया गया था: मुखर कार्यों के प्रतिलेखन, एक कामचलाऊ प्रकृति के कलाप्रवीण नाटक (रिसरकार, प्रस्तावना, फंतासी), नृत्य नाटक (पावेन, गैलियार्ड, वोल्टा, मोरेस्का, साल्टेरेला)।
स्लाइड 27. फ्रांसेस्को दा मिलानो- 16वीं शताब्दी के प्रसिद्ध इतालवी ल्यूटेनिस्ट और संगीतकार, जिन्हें उनके समकालीन "द डिवाइन" कहते थे। उनके पास ल्यूट के कई टुकड़े हैं, जो तीन संग्रहों में संयुक्त हैं।
चलो सुनते हैं:ल्यूट के लिए एफ. दा मिलानो "फैंटासिया"।
स्लाइड 28. पुनर्जागरण के नृत्य. पुनर्जागरण के दौरान, नृत्य के प्रति दृष्टिकोण ही बदल गया। एक पापपूर्ण, अयोग्य गतिविधि से, नृत्य एक अनिवार्य सहायक बन जाता है। सामाजिक जीवनऔर एक महान व्यक्ति के सबसे आवश्यक कौशलों में से एक बन जाता है। बॉल्स यूरोपीय अभिजात वर्ग के जीवन में मजबूती से स्थापित हैं। किस प्रकार के नृत्य प्रचलन में थे?
स्लाइड 29. वोल्टा- इतालवी मूल का 16वीं शताब्दी का लोकप्रिय नृत्य। वोल्टा नाम इतालवी शब्द वोल्टारे से आया है, जिसका अर्थ है "मोड़।" वोल्टा की गति तेज़ है, आकार तीन-बीट है। नृत्य की मुख्य गति: सज्जन तेजी से ऊंचा उठते हैं और अपने साथ नृत्य कर रही महिला को हवा में घुमाते हैं। इसके अलावा, यह आंदोलन स्पष्ट और शालीनता से किया जाना चाहिए। और केवल प्रशिक्षित पुरुष ही इस नृत्य का सामना कर सकते थे।
आओ देखे:वीडियो फिल्म "एलिज़ाबेथ" का अंश
स्लाइड 30. पावना– गंभीर एक धीमा नृत्यस्पैनिश मूल का. पावना नाम लैटिन पावो - मोर से आया है। पवन का आकार द्विध्रुव है, गति धीमी है। उन्होंने दूसरों को अपनी महानता और शानदार पोशाक दिखाने के लिए यह नृत्य किया। यह नृत्य जनता और पूंजीपति वर्ग ने नहीं किया।
स्लाइड 31.गैलियार्ड(इतालवी से - हंसमुख, हंसमुख) - सक्रिय नृत्य। गैलियार्ड का चरित्र नृत्य की लोक उत्पत्ति की स्मृति को संरक्षित करता है। वह कूदने और अचानक हरकत करने की विशेषता रखती है।
पावने और गैलियार्ड को अक्सर एक के बाद एक प्रदर्शित किया जाता था, जिससे एक प्रकार का सुइट बनता था।
अब आप प्राचीन संगीत समूह "हेस्पेरियन XXI" के एक संगीत कार्यक्रम का एक अंश देखेंगे। इसके नेता हैं जोर्डी सावल- स्पैनिश सेलिस्ट, जुआरी और कंडक्टर, आज सबसे आधिकारिक संगीतकारों में से एक, प्राचीन संगीत को प्रामाणिक रूप से प्रस्तुत करते हैं (जैसा कि इसके निर्माण के समय लगता था)।
स्लाइड 32. देखो: I. अल्बर्टी "पावेन और गैलियार्ड"।
प्राचीन संगीत समूह "हेस्पेरियन XXI" द्वारा निर्देशित, प्रदर्शन किया गया। जे. सावल.
स्लाइड 33. स्वर शैलियाँपुनर्जागरण को चर्च संबंधी और धर्मनिरपेक्ष में विभाजित किया गया था। "धर्मनिरपेक्ष" का क्या मतलब है? चर्च में एक सामूहिक प्रार्थना सभा हुई। चर्च के बाहर - कैसिया, बल्लाटा, फ्रोटोला, विलेनले, चांसन, मैड्रिगल।
स्लाइड 34.चर्च गायन अपने विकास के चरम पर पहुँच जाता है। यह "सख्त लेखन" की बहुध्वनि का समय है।
पुनर्जागरण के सबसे उत्कृष्ट संगीतकार-पॉलीफ़ोनिस्ट इतालवी जियोवानी पियरलुइगी दा थे फ़िलिस्तीन. उन्हें अपना उपनाम - फ़िलिस्तीना - उस शहर के नाम से मिला जिसमें उनका जन्म हुआ था। उन्होंने वेटिकन में काम किया, ऊंचे पद पर रहे संगीतमय पदपोप सिंहासन के नीचे.
द्रव्यमान – संगीत रचना, जिसमें कैथोलिक चर्च में सेवाओं के दौरान सुनी जाने वाली लैटिन भाषा की प्रार्थनाएँ शामिल हैं।
चलो सुनते हैं:जे.पी. दा फ़िलिस्तीना "मास ऑफ़ पोप मार्सेलो", "अग्नस देई" का हिस्सा
स्लाइड 35.धर्मनिरपेक्ष गीत. अंग्रेज़ी गाथागीत "ग्रीन स्लीव्स"- आज बहुत लोकप्रिय है। इस गीत के शब्दों का श्रेय अंग्रेजी राजा हेनरी अष्टम को दिया जाता है। उन्होंने इन छंदों को अपनी प्रिय ऐनी बोलिन को संबोधित किया, जो बाद में उनकी दूसरी पत्नी बनीं। क्या आप जानते हैं कि यह गाना किस बारे में है?
स्लाइड 36.गीत "ग्रीन स्लीव्स" के बोल एस.वाई.ए. मार्शल द्वारा अनुवादित।
चलो सुनते हैं:अंग्रेजी गाथागीत "ग्रीन्सलीव्स"
स्लाइड 37. ऑरलैंडो लासो- डच पॉलीफोनिक स्कूल के सबसे उत्कृष्ट प्रतिनिधियों में से एक। बेल्जियम में जन्मे, इटली, इंग्लैंड और फ्रांस में रहे। अपने जीवन के अंतिम 37 वर्षों में, जब उनका नाम पूरे यूरोप में पहले से ही जाना जाता था, उन्होंने म्यूनिख में कोर्ट चैपल का निर्देशन किया। उन्होंने धार्मिक और धर्मनिरपेक्ष दोनों प्रकृति की 2,000 से अधिक गायन रचनाएँ कीं।
स्लाइड 38.चैनसन "इको" दो चार आवाज वाले गायक मंडलियों के लिए लिखा गया था। पहला गायक मंडल प्रश्न पूछता है, दूसरा गायक दल प्रतिध्वनि की तरह उसका उत्तर देता है।
चलो सुनते हैं:ओ लास्सो चैनसन "इको"
स्लाइड 39. मैड्रिगल(इतालवी शब्द माद्रे से - "माँ") - मूल, मातृभाषा में एक गीत। मैड्रिगल एक पॉलीफोनिक (4 या 5 आवाज़ों के लिए) गीत है जिसमें गीतात्मक सामग्री और एक उत्कृष्ट चरित्र है। इसका उत्कर्ष काल स्वर शैली 16वीं सदी में आता है.
स्लाइड 40.गेसुल्डो डि वेनोसा – इतालवी संगीतकार XVI सदी, धर्मनिरपेक्ष मैड्रिगल के महानतम उस्तादों में से एक। वह था रहस्यमय व्यक्ति. एक अमीर राजकुमार, वेनोसा शहर का शासक। अपनी खूबसूरत पत्नी को धोखा देते हुए पकड़ने के बाद, गेसुल्डो ने ईर्ष्या के आवेश में आकर उसकी जान ले ली। समय-समय पर वह उदासी में पड़ जाता था और अपने महल में सभी से छिपता रहता था। 47 साल की उम्र में उनकी मृत्यु एक उदास दिमाग में हुई...
अपने जीवनकाल के दौरान उन्होंने पांच आवाज वाले मैड्रिगल्स के 6 संग्रह प्रकाशित किए। जी डि वेनोसा की शैली की एक विशेषता संगीत की संतृप्ति है, जो उनके समय के लिए अद्वितीय है, जिसमें असंगत स्वरों के वर्णवाद और रंगीन संयोजन शामिल हैं। तो गेसुल्डो ने उसका भयानक अनुवाद किया दिल का दर्दऔर अंतरात्मा की पीड़ा.
उनके समकालीन लोग उनके संगीत को नहीं समझते थे, वे इसे भयानक और कठोर मानते थे। 20वीं सदी के संगीतकारों ने उनकी सराहना की, जी. डि वेनोसा के बारे में एक फिल्म बनाई गई, किताबें लिखी गईं और संगीतकार ए. श्निटके ने ओपेरा "गेसुआल्डो" उन्हें समर्पित किया।
स्लाइड 41.मैड्रिगल "मोरो, लासो, अल मियो डुओलो" जी. डि वेनोज़ की नवीनतम कृतियों में से एक है। उनके पास संगीत और गीत दोनों का स्वामित्व है:
ओह! मैं दुःख से मर रहा हूँ
जिसने खुशियों का वादा किया था
वह अपनी शक्ति से मुझे मार डालता है!
ओह, दु:ख का दुष्ट बवंडर!
जिसने जीवन का वादा किया था
मौत ने मुझे दे दिया.
चलो सुनते हैं:जी. डि वेनोसा "मोरो, लासो, अल मियो डुओलो"
स्लाइड 42. 16वीं शताब्दी के अंत में, फ्लोरेंस में इसका उदय हुआ फ्लोरेंटाइन कैमराटा- संगीतकारों और कवियों का एक समूह जो पुनर्जीवित होना चाहता था प्राचीन यूनानी त्रासदीपाठ के उच्चारण के अपने अंतर्निहित विशेष तरीके के साथ (भाषण और गायन के बीच कुछ)।
स्लाइड 43. ओपेरा का जन्म।इन प्रयोगों के परिणामस्वरूप ओपेरा का जन्म हुआ। 6 अक्टूबर, 1600 को पहला ओपेरा, जो आज तक बचा हुआ है, यूरीडाइस का फ्लोरेंस में प्रीमियर हुआ। इसके लेखक संगीतकार और गायक जैकोपो पेरी हैं।
चलो सुनते हैं:ओपेरा "यूरीडाइस" से जे. पेरी दृश्य
वी. पाठ सारांश
– आज आपने पुनर्जागरण के बारे में क्या नया सीखा?
– आपको किस वाद्य यंत्र की ध्वनि पसंद आई? कैसे?
- जो लोग? आधुनिक उपकरणक्या ल्यूट, वायोला और वर्जिन एक जैसे हैं?
– पुनर्जागरण के दौरान लोगों ने क्या गाया? कहाँ? कैसे?
– पुनर्जागरण कलाकारों ने इतनी बार संगीतकारों का चित्रण क्यों किया?
– आज कक्षा में बजने वाला कौन सा संगीत आपको पसंद आया और याद है?
VI. गृहकार्य (वैकल्पिक):
- नोट्स से "ग्रीन स्लीव्स" गाना गाएं; जो लोग चाहें वे इसके लिए एक संगत चुन सकते हैं;
- पुनर्जागरण कलाकारों की संगीतमय पेंटिंग ढूंढें और उनके बारे में बात करें।
पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति में कई परिभाषित नवीन विशेषताओं की पहचान की जा सकती है।
सबसे पहले, धर्मनिरपेक्ष कला का तेजी से विकास, कई धर्मनिरपेक्ष गीत और नृत्य शैलियों के व्यापक प्रसार में व्यक्त हुआ। ये इटालियन हैंfrottola ("लोक गीत, से फ्रोटोला शब्द - भीड़), विलेनलेल्स ("गाँव के गीत"),कैसिया , कैनज़ोन (शाब्दिक रूप से - गाने) और मैड्रिगल्स, स्पेनिशVillancico (विला से - गाँव), फ्रेंच चांसन गाने, जर्मनझूठ बोला , अंग्रेज़ी गाथागीत और दूसरे। ये सभी विधाएँ, होने के आनंद को गौरवान्वित करती हैं, रुचि रखती हैं भीतर की दुनियाजीवन की सच्चाई के लिए प्रयास करने वाले लोगों ने सीधे तौर पर पुनर्जागरण विश्वदृष्टि को प्रतिबिंबित किया। उनकी अभिव्यक्ति के साधनों में आम तौर पर लोक संगीत के स्वर और लय का व्यापक उपयोग होता है।
पुनर्जागरण की कला में धर्मनिरपेक्ष रेखा की पराकाष्ठा -Madrigal . शैली के नाम का अर्थ है "माँ (अर्थात, इतालवी) भाषा में गीत।" यह लैटिन में प्रस्तुत मैड्रिगल और पवित्र संगीत के बीच अंतर पर जोर देता है। शैली का विकास एक साधारण एक आवाज वाले चरवाहे के गीत से एक परिष्कृत गीतात्मक पाठ के साथ 5-6 आवाज वाले मुखर-वाद्य टुकड़े तक चला गया। मैड्रिगल शैली की ओर रुख करने वाले कवियों में पेट्रार्क, बोकाशियो, टैसो शामिल हैं। मेड्रिगल के उल्लेखनीय उस्ताद संगीतकार ए. विलार्ट, जे. अर्काडेल्ट, फ़िलिस्तीना, ओ. लासो, एल. मारेंजियो, सी. गेसुल्डो, सी. मोंटेवेर्डी थे। इटली में उत्पन्न, मैड्रिगल तेजी से अन्य पश्चिमी देशों में फैल गया यूरोपीय देश.
पॉलीफोनिक गीत की फ़्रेंच किस्म को कहा जाता हैगीत . यह वास्तविक, रोजमर्रा की जिंदगी, यानी इसकी शैली की प्रकृति से अधिक निकटता के कारण मैड्रिगल से अलग है। चैनसन के रचनाकारों में -क्लेमेंट जेनेक्विन , सबसे प्रसिद्ध फ़्रांसीसी संगीतकारपुनर्जागरण।
दूसरे, कोरल पॉलीफोनी का उच्चतम विकास, जो अग्रणी बन गया संगीतमय तरीकायुग. राजसी और मधुर, यह चर्च सेवा की गंभीरता से पूरी तरह मेल खाता है। उसी समय, पॉलीफोनिक पॉलीफोनी न केवल आध्यात्मिक शैलियों में, बल्कि धर्मनिरपेक्ष शैलियों में भी अभिव्यक्ति का प्रमुख रूप था।
कोरल पॉलीफोनी का विकास, सबसे पहले, डच (फ़्रेंच-फ्लेमिश) स्कूल के संगीतकारों के काम से जुड़ा था: गुइल्यूम डुफे, जोहान्स ओकेघेम, जैकब ओब्रेक्ट, जोस्किन डेस्प्रेस, ऑरलैंडो लासो।
ऑरलैंडो लैस्सो (लगभग 1532-1594) कई यूरोपीय देशों में काम किया। उनकी प्रतिभा, वास्तव में अभूतपूर्व, ने सभी को मंत्रमुग्ध और प्रसन्न किया। ऑरलैंडो लैस्सो की विशाल रचनात्मकता में हर किसी का प्रतिनिधित्व है संगीत शैलियाँपुनर्जागरण (पवित्र संगीत पर धर्मनिरपेक्ष संगीत की प्रधानता के साथ)। उनके सबसे लोकप्रिय कार्यों में "इको" शामिल है, जो एक इतालवी रोजमर्रा के गीत की शैली में लिखा गया है। यह कार्य दो गायक मंडलियों के रंगीन संयोजन पर आधारित है, जो एक प्रतिध्वनि प्रभाव पैदा करता है। इसका पाठ स्वयं संगीतकार का है।
सबसे बड़े प्रतिनिधि ऑरलैंडो लास्सो के साथ उच्च पुनर्जागरणसंगीत में एक इटालियन थाफ़िलिस्तीन (पूरा नामजियोवन्नी पियरलुई दा फिलिस्तीना, लगभग 1525-1594)। फिलिस्तीन का अधिकांश जीवन रोम में बीता, जहां वह लगातार चर्च में काम से जुड़े रहे, विशेष रूप से, उन्होंने सेंट कैथेड्रल के चैपल का नेतृत्व किया। पेट्रा. उनके संगीत का बड़ा हिस्सा पवित्र कार्य है, मुख्य रूप से जनसमूह (उनमें से सौ से अधिक हैं, जिनमें से प्रसिद्ध "मास ऑफ पोप मार्सेलो" प्रमुख है) और मोटेट्स। हालाँकि, फ़िलिस्तीन ने भी स्वेच्छा से धर्मनिरपेक्ष संगीत - मैड्रिगल्स, कैन्ज़ोनेट्स की रचना की। गाना बजानेवालों के लिए फिलीस्तीना का काम एक सर्रेएलएलएपुनर्जागरण पॉलीफोनी का एक उत्कृष्ट उदाहरण बन गया।
पुनर्जागरण के संगीत की मुख्य शैली के विकास में पॉलीफोनिक संगीतकारों के काम ने अग्रणी भूमिका निभाई -जनता . मध्य युग में उत्पन्न, जनसमूह की शैलीXIV- XVIसदियों से, यह तेजी से रूपांतरित हो रहा है, अलग-अलग, असमान भागों में प्रस्तुत नमूनों से एक सामंजस्यपूर्ण चक्रीय रूप के कार्यों की ओर बढ़ रहा है।
निर्भर करना चर्च कैलेंडरजनसमूह के संगीत में कुछ भाग हटा दिए गए और अन्य भाग डाल दिए गए। अनिवार्य भाग जो निरंतर विद्यमान रहते हैं चर्च की सेवा, पाँच। मेंमैंऔर वी - « काइरीएलिसन» ("भगवान दया करो") और« एग्नसदेई» (« भगवान का मेमना") - क्षमा और क्षमा की प्रार्थना व्यक्त की गई थी। मेंद्वितीयऔर चतुर्थ - « ग्लोरिया"("महिमा") और " सैन्क्ट्स» (« पवित्र") - प्रशंसा और कृतज्ञता। मध्य भाग में, "मूलमंत्र» (« मेरा मानना है"), ईसाई सिद्धांत के बुनियादी सिद्धांतों को निर्धारित किया।
तीसरा, वाद्य संगीत की बढ़ती भूमिका (मुखर शैलियों की स्पष्ट प्रबलता के साथ)। यदि यूरोपीय मध्य युग लगभग कोई पेशेवर वाद्यवाद नहीं जानता था, तो पुनर्जागरण में ल्यूट (उस समय का सबसे आम संगीत वाद्ययंत्र), अंग, वायोल, विहुएला, वर्जिनल और अनुदैर्ध्य बांसुरी के लिए कई काम बनाए गए थे। वे अभी भी गायन पैटर्न का पालन करते हैं, लेकिन वाद्ययंत्र बजाने में उनकी रुचि पहले से ही निर्धारित हो चुकी है।
चौथा, पुनर्जागरण के दौरान राष्ट्रीय संगीत विद्यालयों (डच पॉलीफोनिस्ट, अंग्रेजी वर्जिनलिस्ट, स्पेनिश विहुएलिस्ट और अन्य) का सक्रिय गठन हुआ, जिनकी रचनात्मकता उनके देश के लोकगीत पर आधारित थी।
अंततः, संगीत सिद्धांत बहुत आगे बढ़ गया है, आगे बढ़ रहा है पूरी लाइनअद्भुत सिद्धांतकार. यह फ़्रेंच हैफिलिप डी विट्री , ग्रंथ के लेखक " अर्सनया तारा» (« नई कला", जहां नई पॉलीफोनिक शैली के लिए सैद्धांतिक औचित्य दिया गया है); इतालवीजोसेफ़ो ज़ार्लिनो , सद्भाव के विज्ञान के रचनाकारों में से एक; स्विसGlarean , माधुर्य के सिद्धांत के संस्थापक।
पुनर्जागरण, या पुनर्जागरण, पश्चिमी और मध्य यूरोप के सांस्कृतिक इतिहास का एक काल है, जो लगभग XIV-XVI सदियों तक फैला हुआ है। इस काल को इसका नाम प्राचीन कला में रुचि के पुनरुद्धार के संबंध में मिला, जो आधुनिक समय की सांस्कृतिक हस्तियों के लिए एक आदर्श बन गया। संगीतकार और संगीत सिद्धांतकार - जे. टिंक्टोरिस, जी. ज़ारलिनो और अन्य - ने प्राचीन यूनानी संगीत ग्रंथों का अध्ययन किया; जोस्किन डेस्प्रेस के कार्यों में, जिनकी तुलना माइकल एंजेलो से की गई थी, समकालीनों के अनुसार, "प्राचीन यूनानियों के संगीत की खोई हुई पूर्णता को पुनर्जीवित किया गया था": जो 16 वीं शताब्दी के अंत और 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में दिखाई दिया। ओपेरा प्राचीन नाटक के नियमों द्वारा निर्देशित था।
संगीत सिद्धांत कक्षाएं. 16वीं शताब्दी की उत्कीर्णन से।
जे. पी. फ़िलिस्तीन।
पुनर्जागरण संस्कृति का विकास समाज के सभी पहलुओं के उत्थान से जुड़ा है। एक नए विश्वदृष्टिकोण का जन्म हुआ - मानवतावाद (लैटिन ह्यूमनस से - "मानवीय")। रचनात्मक शक्तियों की मुक्ति से विज्ञान, व्यापार और शिल्प का तेजी से विकास हुआ और अर्थव्यवस्था में नए, पूंजीवादी संबंधों ने आकार लिया। मुद्रण के आविष्कार ने शिक्षा के प्रसार में योगदान दिया। महान भौगोलिक खोजेंऔर एन. कोपरनिकस की दुनिया की सूर्यकेंद्रित प्रणाली ने पृथ्वी और ब्रह्मांड के बारे में विचारों को बदल दिया।
अभूतपूर्व समृद्धि तक पहुँचे कला, वास्तुकला, साहित्य। नया दृष्टिकोण संगीत में परिलक्षित हुआ और उसका स्वरूप बदल गया। वह धीरे-धीरे मध्ययुगीन कैनन के मानदंडों से हट रही है, शैली वैयक्तिकृत है, और "संगीतकार" की अवधारणा पहली बार सामने आती है। कार्यों की बनावट बदल जाती है, आवाज़ों की संख्या बढ़कर चार, छह या अधिक हो जाती है (उदाहरण के लिए, 36-आवाज़ वाला कैनन सबसे बड़े प्रतिनिधि के लिए जिम्मेदार है) डच स्कूलजे. ओकेगेम). सामंजस्य में, व्यंजन व्यंजन हावी होते हैं; असंगतियों का उपयोग विशेष नियमों द्वारा कड़ाई से सीमित होता है (देखें व्यंजन और असंगति)। बाद के संगीत की विशेषता वाली प्रमुख और छोटी विधाएँ और लय की एक घड़ी प्रणाली बनती है।
इन सभी नए साधनों का उपयोग संगीतकारों द्वारा पुनर्जागरण व्यक्ति की भावनाओं की विशेष संरचना - उदात्त, सामंजस्यपूर्ण, शांत और राजसी को व्यक्त करने के लिए किया गया था। पाठ और संगीत के बीच संबंध घनिष्ठ हो जाता है, संगीत मनोदशा को व्यक्त करना शुरू कर देता है, या, जैसा कि उन्होंने तब कहा था, व्यक्तिगत शब्द, जैसे "जीवन", "मृत्यु", "प्रेम", आदि; अक्सर विशेष संगीत साधनों से चित्रित किया जाता है।
पुनर्जागरण का संगीत दो दिशाओं में विकसित हुआ - चर्च और धर्मनिरपेक्ष। चर्च संगीत की मुख्य शैलियाँ मास और मोटेट हैं - गाना बजानेवालों के लिए पॉलीफोनिक पॉलीफोनिक काम, अकेले या एक वाद्ययंत्र के साथ (कोरल संगीत, पॉलीफोनी देखें)। वाद्ययंत्रों में अंग को प्राथमिकता दी गई।
धर्मनिरपेक्ष संगीत के विकास को शौकिया संगीत-निर्माण की वृद्धि से सहायता मिली। संगीत हर जगह बजता था: सड़कों पर, नागरिकों के घरों में, कुलीनों के महलों में। पहले संगीत कार्यक्रम में कलाप्रवीण कलाकार ल्यूट, हार्पसीकोर्ड, ऑर्गन, वायल और विभिन्न प्रकार की अनुदैर्ध्य बांसुरी बजाते हुए दिखाई दिए। पॉलीफोनिक गीतों (इटली में मैड्रिगल, फ्रांस में चांसन) में, संगीतकारों ने प्यार और जीवन में होने वाली हर चीज के बारे में बात की। यहाँ कुछ गानों के शीर्षक हैं: "स्टैग हंट", "इको", "बैटल ऑफ़ मैरिग्नानो"।
XV-XVI सदियों में। नृत्य की कला का महत्व बढ़ता है, कोरियोग्राफी पर कई ग्रंथ और व्यावहारिक मैनुअल, नृत्य संगीत के संग्रह सामने आते हैं, जिनमें शामिल हैं लोकप्रिय नृत्यउस समय का - बास नृत्य, ब्रैनल, पावेन, गैलियार्ड।
पुनर्जागरण के दौरान, राष्ट्रीय संगीत विद्यालयों का गठन किया गया। उनमें से सबसे बड़ा डच (फ़्रेंच-फ्लेमिश) पॉलीफोनिक स्कूल है। इसके प्रतिनिधि हैं जी. डुफे, सी. जेनेक्विन, जे. ओकेगेम, जे. ओब्रेक्ट, जोस्किन डेप्रेस, ओ. लासो। अन्य राष्ट्रीय स्कूलों में इतालवी (जे.पी. फिलिस्तीन), स्पेनिश (टी.एल. डी विक्टोरिया), अंग्रेजी (डब्ल्यू. बर्ड), और जर्मन (एल. सेनफ्ल) शामिल हैं।
पुनर्जागरण के संगीत पक्ष का प्रश्न काफी जटिल है। उस समय के संगीत में कला के अन्य क्षेत्रों - चित्रकला, मूर्तिकला, वास्तुकला, कलात्मक शिल्प, इत्यादि की तुलना में मध्य युग की तुलना में नए, मौलिक रूप से भिन्न तत्वों और प्रवृत्तियों की पहचान करना अधिक कठिन है। तथ्य यह है कि संगीत ने, मध्य युग और पूरे पुनर्जागरण में, अपने विविध चरित्र को बरकरार रखा। चर्च-आध्यात्मिक संगीत और धर्मनिरपेक्ष रचनाओं, गीतों और नृत्यों के बीच एक स्पष्ट विभाजन था। हालाँकि, पुनर्जागरण संगीत का अपना मूल चरित्र है, हालाँकि यह पिछली उपलब्धियों से निकटता से संबंधित है।
संगीत संस्कृतिपुनर्जागरण
पुनर्जागरण के संगीत की एक विशेषता, जिसमें 15वीं-16वीं शताब्दी का संगीत युग भी शामिल है, विभिन्न राष्ट्रीय विद्यालयों का संयोजन है, जिसमें एक ही समय में एक सामान्य विकास प्रवृत्ति थी। विशेषज्ञ संगीत की इतालवी दिशा में मूड युग की विशेषता वाले पहले तत्वों की पहचान करते हैं। इसके अलावा, पुनर्जागरण की मातृभूमि में " नया संगीत"14वीं शताब्दी के अंत में प्रकट होना शुरू हुआ। पुनर्जागरण शैली की विशेषताएं डचों में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुईं संगीत विद्यालय, 15वीं सदी के मध्य से शुरू। डच संगीत की एक विशेषता उपयुक्त वाद्य संगत के साथ मुखर रचनाओं पर ध्यान बढ़ाना था। इसके अलावा, मुखर पॉलीफोनिक रचनाएँ डच स्कूल के चर्च संगीत और इसकी धर्मनिरपेक्ष दिशा दोनों की विशेषता थीं।
तो, 16वीं शताब्दी में ही यह फ्रांस, जर्मनी और इंग्लैंड में फैल गया। इसके अलावा, डच शैली में मुखर धर्मनिरपेक्ष रचनाएँ प्रस्तुत की गईं विभिन्न भाषाएं: उदाहरण के लिए, संगीत इतिहासकार इन गीतों में पारंपरिक फ्रेंच चांसन की उत्पत्ति देखते हैं। पुनर्जागरण के सभी यूरोपीय संगीत की विशेषता दो प्रतीत होने वाली बहुदिशात्मक प्रवृत्तियाँ हैं। उनमें से एक ने रचनाओं के स्पष्ट वैयक्तिकरण को जन्म दिया: धर्मनिरपेक्ष कार्यों में लेखक की उत्पत्ति तेजी से दिखाई देती है, किसी विशेष संगीतकार के अधिक व्यक्तिगत गीत, अनुभव और भावनाएं दिखाई देती हैं।
एक और प्रवृत्ति संगीत सिद्धांत के बढ़ते व्यवस्थितकरण में परिलक्षित हुई। कार्य, चर्च और धर्मनिरपेक्ष दोनों, अधिक से अधिक जटिल हो गए, संगीतमय पॉलीफोनी में सुधार और विकास हुआ। सबसे पहले, चर्च संगीत में, गठन, हार्मोनिक अनुक्रम, आवाज मार्गदर्शन और इसी तरह के स्पष्ट नियम तैयार किए गए थे।
पुनर्जागरण के सिद्धांतकार या संगीतकार?
पुनर्जागरण के दौरान संगीत के विकास की इस जटिल प्रकृति से संबंधित तथ्य यह है कि वर्तमान में इस बात पर बहस चल रही है कि क्या उस समय के प्रमुख संगीत हस्तियों को संगीतकार, सिद्धांतकार या वैज्ञानिक माना जाना चाहिए। तब कोई स्पष्ट "श्रम विभाजन" नहीं था, इसलिए संगीतकार एकजुट हो गए विभिन्न कार्य. इस प्रकार, स्विस ग्लेरियन, जो 16वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में रहते थे और काम करते थे, एक सिद्धांतवादी के रूप में अधिक थे। में उन्होंने महत्वपूर्ण योगदान दिया संगीत सिद्धांत, प्रमुख और लघु जैसी अवधारणाओं के परिचय के लिए आधार तैयार करना। साथ ही, उन्होंने संगीत को आनंद के स्रोत के रूप में देखा, यानी उन्होंने इसकी धर्मनिरपेक्ष प्रकृति की वकालत की, वास्तव में मध्य युग के धार्मिक पहलू में संगीत के विकास को खारिज कर दिया। इसके अलावा, ग्लेरियन ने संगीत को केवल कविता के साथ अटूट संबंध में देखा बहुत ध्यान देनागीत शैलियों के प्रति समर्पित।
इटालियन जोसेफ़ो ज़रलिनो, जिनकी रचनात्मक गतिविधि दूसरी तिमाही में हुई - 16वीं शताब्दी के अंत में, ऊपर प्रस्तुत सैद्धांतिक विकास को बड़े पैमाने पर विकसित और पूरक किया गया। विशेष रूप से, उन्होंने सबसे पहले बड़े और छोटे की पहले से ही तैयार की गई अवधारणाओं को किसी व्यक्ति की भावनात्मक मनोदशा के साथ जोड़ने का प्रस्ताव रखा, छोटे को उदासी और उदासी के साथ जोड़ा, और बड़े को खुशी और के साथ जोड़ा। उत्कृष्ट भावनाएँ. इसके अलावा, ज़ारलिनो ने संगीत की व्याख्या करने की प्राचीन परंपरा को जारी रखा: उनके लिए, संगीत उस सद्भाव की एक मूर्त अभिव्यक्ति थी जिसमें ब्रह्मांड का अस्तित्व होना चाहिए। नतीजतन, संगीत, उनकी राय में, था उच्चतम अभिव्यक्तिरचनात्मक प्रतिभा और कलाओं में सबसे महत्वपूर्ण।
पुनर्जागरण संगीत कहाँ से आया?
सिद्धांत सिद्धांत है, लेकिन व्यवहार में संगीत वाद्ययंत्रों के बिना अकल्पनीय है - बेशक, उनकी मदद से इसे जीवन में लाया गया संगीत कलापुनर्जागरण। पिछले मध्ययुगीन संगीत काल से पुनर्जागरण में "स्थानांतरित" होने वाला मुख्य वाद्य अंग था। इस कीबोर्ड-विंड उपकरण का चर्च संगीत में सक्रिय रूप से उपयोग किया गया था, और पुनर्जागरण के संगीत में पवित्र रचनाओं का सबसे महत्वपूर्ण स्थान दिए जाने के कारण, अंग का महत्व बना रहा। हालाँकि, सामान्य तौर पर, इस उपकरण का "विशिष्ट वजन" शायद कम हो गया है - झुके हुए और खींचे गए तार वाले उपकरणों ने बढ़त ले ली है। हालाँकि, इस अंग ने कीबोर्ड उपकरणों की एक अलग दिशा की शुरुआत की, जिसमें उच्च और अधिक धर्मनिरपेक्ष ध्वनि थी। उनमें से सबसे आम हार्पसीकोर्ड था।
झुके हुए तार वाले वाद्ययंत्रों ने एक पूरा अलग परिवार विकसित किया है - वायल। वायल वे वाद्ययंत्र थे जो रूप और कार्य में आधुनिक वायलिन वाद्ययंत्रों (वायलिन, वायोला, सेलो) के समान थे। वायल और वायलिन परिवार के बीच संभवतः पारिवारिक संबंध हैं, लेकिन वायल में हैं विशेषताएँ. उनके पास बहुत अधिक स्पष्ट व्यक्तिगत "आवाज़" है, जिसमें एक मखमली रंग है। वायल में मुख्य और गूंजने वाले तारों की समान संख्या होती है, यही कारण है कि वे बहुत बारीक होते हैं और उन्हें धुनना मुश्किल होता है। इसलिए, वायल लगभग हमेशा एक एकल वाद्ययंत्र होता है, किसी ऑर्केस्ट्रा में उनका सामंजस्यपूर्ण उपयोग प्राप्त करना शायद ही संभव होता है;
जहाँ तक तार वाले वाद्ययंत्रों की बात है, पुनर्जागरण के दौरान उनमें से मुख्य स्थान ल्यूट का था, जो 15वीं शताब्दी के आसपास यूरोप में दिखाई दिया। ल्यूट पूर्वी मूल का था और इसकी एक विशिष्ट संरचना थी। वह उपकरण, जिसकी ध्वनि अंगुलियों से और एक विशेष प्लेट (आधुनिक मध्यस्थ के अनुरूप) दोनों की मदद से उत्पन्न की जा सकती थी, ने पुरानी दुनिया में बहुत तेजी से लोकप्रियता हासिल की।
अलेक्जेंडर बबिट्स्की