Kiedy ludzie biznesu dyskutują o przyszłości firmy lub zaletach produktu, udzielają się specjalne znaczenie ideały i ideologia – słyszy się takie pojęcia jak „zwiększanie sprzedaży”, „jakość usług” czy „zrównoważony rozwój”. A biorąc pod uwagę, że pracownicy organizacji, podobnie jak jej klienci, to często ludzie o różnych poglądach i temperamentach, może się wydawać, że takie abstrakcyjne konstrukcje są całkiem właściwe, ponieważ tworzą wspólne zrozumienie.
Ale takie teoretyzowanie podważa jedną z podstawowych zasad komunikacji: nie zapewnia przejrzystości. Menedżerowie muszą mówić o strategiach rozwoju w taki sposób, aby podwładni mieli jasny obraz w głowach. Zamiast frazesów filozoficznych najskuteczniejsi sprzedawcy komunikują swoje pomysły za pomocą jasnych, wyraźnych słów opartych na obrazie.
Czym są obrazy werbalne?
Krótko mówiąc, są to wyrażenia opisujące obiekty o odrębnych właściwościach (takich jak dzieci) i łatwo rozpoznawalnych działaniach (takich jak uśmiechanie się i śmiech). Obrazy przekazują informacje zmysłowe i tym samym tworzą żywy obraz w wyobraźni - słuchaczom bardzo łatwo jest wyobrazić sobie, o czym mówi mówiący. Można powiedzieć, że wizja przekazywana za pomocą obrazów werbalnych jest najbliższa dosłownemu znaczeniu samego słowa „wizja”.
Przemówienie bogate w obrazy jest znacznie skuteczniejsze niż relacja, za pomocą której mówca stara się wyjaśnić słuchaczom abstrakcyjne pojęcia. Andrew Carton wraz z Chadem Murphym z Uniwersytetu w Oregonie i Jonathanem Clarkiem z Penn State odkryli, że pacjenci szpitali lepiej reagują na pracownicy medyczni którzy wykorzystują obrazy w swojej pracy i komunikacji z pacjentami, niż o lekarzach uciekających się do pomocy abstrakcyjnych idei.
Inne badanie, w którym poproszono zespoły o opracowanie prototypu zabawki dla dzieci, wykazało, że dyskusje wykorzystujące emocjonalne obrazy („nasze zabawki... rozśmieszą dziecko, a jego rodzice uśmiechną”) spotkały się ze znacznie lepszym odzewem niż neutralne wyrażenia („nasze zabawki... rozśmieszą dziecko, a jego rodzice uśmiechną”). nasze zabawki... przypadną do gustu wszystkim kupującym”).
Werbalne obrazy i kolorowe metafory dosłownie ożywiają Twoich słuchaczy — inspirowane są krystalicznie czystym zrozumieniem Twoich pomysłów.
Inspirujące obrazy przyszłości
Warto wspomnieć o innym badaniu, które potwierdziło korzyści płynące ze stosowania obrazów werbalnych. Zatem Cynthia Emrich z Purdue University i jej współpracownicy odkryli, że prezydenci USA posługujący się wyrazistymi metaforami byli i są uważani za bardziej charyzmatycznych w porównaniu z prezydentami, którzy wypowiadali się w sposób bardziej abstrakcyjny.
Z pewnością słyszałeś o podobnych badaniach i opiniach. Cechą wspólną wszystkich inspirujących przemówień wygłaszanych w najbardziej krytycznych momentach historii jest to, że prelegenci odwoływali się do wyobraźni słuchaczy. Od Winstona Churchilla, który żywo wyobrażał sobie niedaleką przyszłość, w której alianci będą „walczyć na polach i ulicach”, i Johna Kennedy’ego, który chciał „wysłać człowieka na Księżyc”, po Martina Luthera Kinga z jego marzeniem o czas, kiedy „synowie niewolników i synowie właścicieli niewolników mogli siedzieć przy tym samym stole”.
Obrazy werbalne były także aktywnie wykorzystywane przez rewolucjonistów biznesu. Pomyśl o Billu Gatesie i jego „komputerze na każdym biurku w każdym domu” lub o marzeniu Henry’ego Forda o samochodzie „wystarczająco dużym dla całej rodziny”. Całkiem niedawno pamiętam brytyjskiego chemika Paula Thomasa i jego przemówienie, że „nadejdzie dzień, kiedy będziemy w stanie wykryć guz w płucach, jeśli po prostu poprosimy osobę, aby dmuchnęła w rurkę”.
Więcej szczegółów
W swojej książce Made to Stick: Why Some Ideas Survive, a inni umierają bracia Heath (Chip i Dan Heath) argumentują, że ludzie mają tendencję do ufania konkretnym obrazom, ponieważ samo życie jest konkretne. Dni naszego życia wypełnione są wizualnymi symbolami, dźwiękami i zapachami - odpowiednio obrazy werbalne doskonale oddają rzeczywistość.
Szczególnie te obrazy są najlepszą opcją, jeśli chodzi o dłuższą metę, ponieważ przyszłość jest często niejasna. Kiedy zdarzenie jeszcze nie nastąpiło, ludzie lepiej nie reagują na konstrukty takie jak „maksymalizacja ceny akcji” czy „świadczenie doskonałej obsługi”, ale na wyrażenia, które przekazują istotę poprzez metafory, doznania, a nawet dźwięki.
Jednocześnie sami ludzie nie są skłonni do malowania w wyobraźni żywych obrazów, jeśli chodzi o przyszłość. Nira Liberman z Uniwersytetu w Tel Awiwie i Jacob Troup z Uniwersytetu w Nowym Jorku odkryli, że im bardziej odległe jest wydarzenie, tym bardziej ogólne staje się myślenie danej osoby.
Na przykład, gdy badani zostali poproszeni o wyobrażenie sobie procesu czytania książki, znacznie częściej opisali go jako „zdobywanie wiedzy” niż „podążanie za wydrukowanymi liniami” – jeśli mówili o czytaniu „w przyszłym roku”, a nie "jutro." Ten trend tłumaczy fakt, że ponad 90% menedżerów komunikuje się z podwładnymi bez użycia narzędzi jasne obrazy.
Ci, którzy rzeczywiście próbują odwrócić opisany powyżej trend i mówią o odległej przyszłości w bardziej konkretny sposób, często odwołują się do liczb, aby zilustrować swój cel – na przykład mówią o cenie akcji, udziale w rynku lub ROI. I to jest zrozumiałe: taka analiza jest obowiązkowa dla każdej firmy. Konkretnych danych używamy także po to, by uporządkować otaczający nas chaos, wcisnąć złożoną rzeczywistość w określone ramy. Przeprowadzamy diagnostykę w celu śledzenia zmian.
Badania wykazały, że wyznaczanie celów za pomocą konkretnych liczb zwiększa motywację pracowników, głównie dlatego, że oczekiwania stają się znacznie jaśniejsze. Znaczenie ilościowego określania rzeczywistości wzrosło w epoce cyfrowej. Jednak obrazy werbalne mają zalety, którymi raporty, nawet zawierające dokładne liczby, nie mogą się pochwalić.
2 główne zalety
Inne badanie potwierdziło, że prezentacje wykorzystujące obrazy werbalne mają dwie niezaprzeczalne zalety. Po pierwsze, wiadomości zawierające liczby i statystyki mogą pozostać niezrozumiane, jeśli nie kryje się za nimi żadna interesująca historia, która prawie zawsze jest obecna w wiadomościach zawierających dużą liczbę obrazów. Po drugie, Deborah A. Small i jej współpracownicy odkryli, że historia głodującej 7-letniej dziewczynki w Malawi motywuje ludzi do dawania dwa razy więcej. więcej pieniędzy, niż doniesienie o „głodzie w Malawi, który dotknął ponad trzy miliony dzieci”.
Obie opisane zasady można łatwo zilustrować przykładami.
W pierwszym przypadku mówimy o dostępności percepcji. Firma zamierza na przykład zwiększyć wykorzystanie energii odnawialnej o 25%. Aby tego dokonać, będzie musiała upewnić się, że ludzie wiedzą wszystko o tej formie energii i rozumieją, w jaki sposób można zwiększyć jej wykorzystanie. Ale stwierdzenie: „Miasta z panelami fotowoltaicznymi na każdym dachu, biopaliwami w każdym samochodzie i turbinami wiatrowymi na każdym wzniesieniu” jest zrozumiałe dla każdego słuchacza – niezależnie od jego wykształcenia i obeznania w kwestiach technicznych.
Aby zademonstrować drugą zasadę (wpływ emocjonalny), możemy posłużyć się programem miejskim Nowego Jorku, którego celem było zmniejszenie rocznej liczby zabitych pieszych z 200 do 0. Z punktu widzenia kompilatorów programu na pewno zero wydaje się być skutecznym celem. Ale jasne i zapadające w pamięć słowa mogłyby lepiej pokazać, co zmieni się po osiągnięciu celu - na przykład, jak co roku 200 osób otrzyma dar życia i szczęście spotykania wschodów i zachodów słońca z bliskimi.
Chociaż liczby są bardziej szczegółowe niż ogólne wyrażenia, takie jak „maksymalizacja ceny akcji”, łatwo dać się zwieść, wierząc, że przyspieszą myślenie mózgu lub pobudzą wyobraźnię.
W rzeczywistości wszystko jest dokładnie odwrotnie - liczby zmniejszają zdolność słuchacza do postrzegania informacji przenośnych. Aby zweryfikować słuszność tego argumentu, przejdźmy do badań z zakresu anatomii mózgu.
Według Seymoura Epsteina i jego współpracowników jeden myśli logicznie (analitycznie, czyli „ja racjonalne”), a drugi postrzega informacje zmysłowe z otaczającego nas świata (empiryczne, czyli „ja zmysłowe”). Liczby są przetwarzane w systemie analitycznym i nie przyczyniają się do tworzenia ogólnego obrazu. A obrazy werbalne wchodzą do systemu empirycznego i natychmiast przekształcają się w swoistą „wizję”.
Bardzo trudno jest operować obydwoma systemami poznawczymi jednocześnie. Kiedy jeden pracuje, drugi odpoczywa. Gdy informacje ilościowe (dane, statystyki, metryki itp.) aktywują system analityczny, na swoją kolej czeka kolejna część mózgu odpowiedzialna za tworzenie żywych obrazów. Liczby są dosłownie śmiertelnym wrogiem wyobraźni.
Trochę dziwny tytuł tej lekcji, prawda? Zwykle obrazy są rysowane farbami lub ołówkami. Cóż, w ostateczności możesz stworzyć obraz werbalny: opisz słowami piękno przyrody lub wydarzenia, czyli inaczej opowiedz o nim kolorowo. Wszystko jest poprawne. Ale dzisiaj dowiesz się, że można przedstawić za pomocą dźwięków.
Nawiasem mówiąc, przyjrzeliśmy się już jednemu przykładowi obrazu muzycznego: w lekcji 2 ty i ja słuchaliśmy sztuki D. Kabalewskiego „Klauni” w wykonaniu małego pianisty Georgy'ego Dorodnowa. Za pomocą dźwięków kompozytor stworzył obraz zabawnych klaunów, którzy występują w cyrku i bawią dzieci, a one mogą śpiewać, tańczyć i przewracać się...
A na lekcji 3 wysłuchaliśmy sztuki Shera „Butterfly” w wykonaniu małego skrzypka. Obraz lekki motyl twórz dźwięki skrzypiec, gdy smyczek tylko lekko dotyka strun.
Oczywiście obraz muzyczny jest trudniejszy do zrozumienia niż na przykład malowany. Na zwykłym zdjęciu wszystko jest od razu widoczne. A żeby zrozumieć obraz muzyczny, trzeba wiele umieć: umieć uważnie słuchać muzyki, mieć chociaż odrobinę wyobraźni i fantazji, rozumieć tempo muzyki (szybkie lub wolne), zwracać uwagę na tytuł utworu... Spróbujmy zrozumieć obraz muzyczny?
Znów słuchamy sztuk z „Albumu dla dzieci” P.I. Czajkowski. Uwagę zwracają nazwy spektakli: „Baba Jaga”, „Nowa lalka”, „Choroba lalki”, „Marsz drewnianych żołnierzy” itp. Jak kompozytor potrafił za pomocą muzyki narysować takie obrazy?
Ale posłuchajmy.
„Choroba lalki” z „Albumu dla dzieci” Czajkowskiego. Jak myślisz: jeśli mówimy o chorobie, to jaka powinna być muzyka - wesoła czy smutna?
Lalka jest chora
Lalka Masza zachorowała.
Lekarz powiedział, że jest źle.
Masza cierpi, Masza cierpi.
Nie możesz jej pomóc, biedactwo.
Masza wkrótce nas opuści.
To biada, to biada, biada,
biada, biada, biada, biada...
Już wiesz, jakie mogą być dźwięki wysoki i niski. Wysokie dźwięki w spektaklu oddają jęki chorej lalki i jej płacz. Potem muzyka stopniowo cichnie i ciszej – chora lalka zasypia. I chociaż Czajkowski napisał na tej płycie utwory dla małych pianistów, są też aranżacje na orkiestrę. I to dźwięki skrzypiec w bardziej naturalny sposób oddają jęki i płacze chorej lalki. Oglądajmy i słuchajmy.
Zakarpacka piosenka weselna „Och, Wasilij, Wasiliochka” pomoże Ci odpocząć od poważnej lekcji: poruszaj się w rytm muzyki, wymyślaj własne ruchy, obserwując rytm muzyki.
Kontynuujmy teraz rozmowę o filmach muzycznych.
Piotr Iljicz Czajkowski w „Albumie dla dzieci” nie tylko pokazał dźwiękami obrazy zwyczajnego życia ówczesnego dziecka, ale także wybrał się z dziećmi na wycieczkę. Należy pamiętać, że wiele sztuk nosi nazwy różnych krajów: „Pieśń włoska”, „Pieśń starofrancuska”, „Pieśń niemiecka”, „Pieśń neapolitańska”. Chciał, aby dzieci nauczyły się rozumieć kulturę nie tylko własnego kraju, ale także innych narodów. Ponadto na płycie znajdują się tańce ludowe: „Mazurek” jest tańcem polskim; „Kamarinskaya” – rosyjska piosenka tańca ludowego; „Polka” – czeska taniec ludowy.
Widzisz, jak wiele możesz przekazać poprzez muzykę!
Posłuchajmy „Pieśni neapolitańskiej” z „Albumu dla dzieci” Czajkowskiego. Kompozytor przebywał we Włoszech, zakochał się w muzyce włoskiej i fragmenty tej muzyki wykorzystywał w swoich utworach. Na przykład włączył taniec neapolitański do swojego baletu Jezioro Łabędzie.
Posłuchajcie, jak wykonuje ją mały pianista.
Odpowiedz na pytania:
Na jakim instrumencie gra ta dziewczyna?
W jakim innym wykonaniu słyszeliśmy tę sztukę?
Który występ podobał Ci się najbardziej?
A oto kolejny obraz muzyczny: sztuka niemieckiego kompozytora Roberta Schumanna „Śmiały jeździec”. Posłuchajmy go, a potem porozmawiajmy o tym, jakimi dźwiękami kompozytor opisał dzielnego jeźdźca.
Dźwięki tego utworu gwałtownie, dość szybko- zdają się ilustrować (to znaczy powtarzać, pokazywać) swobodny bieg konia. Chłopiec podkreśla (podkreśla) zabawą poszczególne dźwięki, podkreślając rytm. I możesz powtórzyć ten rytm ołówkiem, tak jak już to zrobiliśmy. Najprawdopodobniej koń jest mały, a na nim jeździ mały, odważny jeździec, bo Schumann też napisał tę sztukę dla dzieci i dla dzieci do występu. Możesz nawet narysować obraz odważnego jeźdźca, który pojawił się podczas słuchania muzyki.
Odważny Jeździec
Przejrzyj pytania
1) Przypomnij sobie tytuły wszystkich sztuk, których dzisiaj słuchałeś, i ich autorów (kompozytorów).
2) Teraz jest jasne, że za pomocą dźwięków możesz przedstawić wszystkie uczucia danej osoby: smutek, radość, wesoły nastrój, a nawet narysować obraz muzyczny?
3) Jakie są dźwięki? Uzupełnij charakterystykę dźwięków, które znasz, tymi, których się dzisiaj nauczyliśmy.
Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.
Opublikowano na http://www.allbest.ru/
Kartistworzyliśmy za pomocą dźwięków
muzyczna twórcza percepcja uczniów
· Nauczanie uczniów słuchania i analizowania dzieł muzycznych
· Dołączyć do na wiele sposobów działalność muzyczna
· Rozwijać myślenie muzyczne I twórcza percepcja studenci
Podczas zajęć
Dzieci wchodzą do klasy przy dźwiękach muzyki. Powiedz cześć ( muzyczne powitanie"Cześć chłopaki").
Chłopaki, przypomnijmy sobie, czego nauczyliśmy się na ostatniej lekcji?
1. Jakie są dźwięki? (hałas i muzyka)
2. Jak może brzmieć Twoje imię, klaszcz je ode mnie.
Okazuje się, że za pomocą muzyki możemy przedstawić wiele różnych obiektów i wydarzeń. A na dzisiejszej lekcji nauczymy się rysować za pomocą muzyki. Goście przyszli na naszą lekcję, zgadnij kim są (pokazując pluszowe zabawki: kota i misia). Chcę opowiedzieć o jednym z nich ciekawa historia(czytanie „Opowieści o kocie” s. 21)
1. Powiedz mi, o kim jest ta bajka?
2. Jak zachował się kot?
4. Jaką muzykę możesz wymyślić do tej bajki? (głośno, cicho, wesoło, smutno)
5. Czy muzyka do naszej bajki jest taka sama czy inna? (różny)
Teraz poznajmy kolejnego naszego gościa (pokazującego misia). Proszę, powiedz mi, jaki głos ma niedźwiedź? (niegrzeczny, niski). Niedźwiedź potrafi warczeć. Wyobraźmy sobie, że nasz miś spaceruje gdzieś daleko w lesie. Jak będzie warczał (cicho). Pokażę ci ręką, jak warczy niedźwiedź (rysuję ręką w powietrzu mały okrąg). Powtórzmy ze mną (dzieci rysują rękami małe kółko). A teraz niedźwiedź zbliża się do naszej szkoły i jego głos staje się coraz głośniejszy (rysuję większe kółka. Dzieci powtarzają). I w końcu. Przyszedł do naszej klasy (Dzieci warczą bardzo głośno i rysują rękami największe koło).
Dobrze zrobiony. A teraz posłuchamy, jak używać dźwięki muzyczne możesz narysować dowolny obrazek. Słuchanie „Flight of the Bumblebee” N.I. Rimski-Korsakow. Pokazano zdjęcie trzmiela.
· Jakich dźwięków używa kompozytor, malując nam obraz lotu?
· W jakim nastroju wprawia nas ta muzyka?
· Jaki obraz możesz narysować, słuchając tego fragmentu?
Chłopaki, prawdopodobnie jesteście zmęczeni, potańczmy trochę
„Taniec kaczątek”
4. Śpiewanie: „Koguciki” Powtórzenie: „ Wesoły muzyk" Praca nad dykcją.
Nauka nowego materiału. „Deszcz” (s. 105) Ruch melodii pokazujemy ręką.
5. Podsumowanie lekcji.
· Czego nowego nauczyłeś się na lekcji?
· Jak się czujesz na koniec lekcji?
· Jakiej piosenki się nauczyliśmy?
Opublikowano na Allbest.ru
...Podobne dokumenty
Psychologiczne i pedagogiczne uzasadnienie rozwoju kultury muzycznej wśród młodzieży. Istota rozwoju postaw emocjonalno-kulturowych. Adekwatność percepcji dzieł muzycznych. Program „Nowoczesne kultura muzyczna”, plan edukacyjno-tematyczny.
praca magisterska, dodana 27.05.2014
Pedagogiczne warunki rozwoju zdolności muzyczne uczniowie na lekcjach muzyki. Związek wiedzy psychologicznej i muzycznej z treścią, formami i metodami działalność pedagogiczna. Stosowanie zróżnicowanego podejścia do uczniów.
praca magisterska, dodana 06.06.2015
Problem rozwijania twórczego myślenia. Warunki kształtowania twórczego myślenia u dzieci w wieku szkolnym. Analiza i wyniki prac eksperymentalnych nad rozwojem twórczego myślenia uczniów klas młodszych na lekcjach matematyki. Diagnostyka poziomu rozwoju myślenia.
praca na kursie, dodano 23.07.2015
Istota i zapewnienie samorealizacji uczniów. Cechy samorealizacji uczniów w działalności muzycznej. Pedagogiczne uwarunkowania samorealizacji uczniów w działalności muzycznej: teoretyczne i praktyczne aspekty problemu.
praca magisterska, dodana 08.03.2010
Ogólna charakterystyka typów myślenia. Zdolność uczenia się i jej elementy. Psychologiczne i pedagogiczne zasady rozwoju myślenia dzieci w wieku szkolnym. Warunki i zadania rozwoju myślenia w Działania edukacyjne. Eksperyment szkoleniowy i analiza jego wyników.
praca magisterska, dodana 11.03.2002
Psychologiczne i pedagogiczne podstawy rozwoju twórczego myślenia dzieci. Możliwości nauczania problemowego w rozwoju twórczego myślenia uczniów. Wdrożenie i analiza wykorzystania sytuacji problemowych w metodyce nauczania matematyki w szkole podstawowej.
praca na kursie, dodano 10.02.2004
Muzyka jest sztuką intonowanego znaczenia. Oznacza to, że nie ma słów - ale jest znaczenie. Wydobywając z instrumentów muzycznych kombinacje dźwięków o różnej wysokości i czasie trwania, człowiek może mówić w inny sposób niż werbalny - wyrażać swoje myśli i uczucia, dzielić się swoimi fantazjami.
Wybraliśmy popularne kompozycje instrumentalne stworzone przez znanych muzyków z przeszłości i przedstawiliśmy krótkie komentarze. Wiele z tych utworów posiada autorskie tytuły, epigrafy i objaśnienia słowne, które nawiązują do źródła literackiego, ujawniają treść muzyki lub przynajmniej ją nawiązują (w końcu sami kompozytorzy chcieli być zrozumiani!) - taką muzykę nazywa się oprogramowaniem . W innych przypadkach wskazówki można znaleźć w dźwięk muzyczny— ciekawie jest o nich rozmawiać i próbować je usłyszeć. To może być klucz do muzyka klasyczna dla dziecka.
Toccata i fuga d-moll
Jana Sebastiana Bacha
Święta Cecylia gra na organach. Miniatura z antyfonarza. Holandia, 1510 Bezpłatna Biblioteka FiladelfiiOrgany były jednym z głównych instrumentów muzyki kościelnej epoki baroku (XVII – pierwsza połowa XVIII wieku). A nawet więcej niż tylko instrument: organów nie budowano, ale zbudowano jako majestatyczne konstrukcje architektoniczne. Kilka rzędów klawiszy dla rąk, rząd pedałów dla stóp i setki połyskujących piszczałek – moc brzmienia organów przypomina ogromną orkiestrę: zmieniając barwę, potrafi imitować flet, obój, trąbkę, puzon. Bach bardzo kochał organy za tę odmianę. Dotykasz klawiszy organów („tocca-ta” – z włoskiego tocca, „dotyk”), a potężny okrzyk wstrząsa wszystkim dookoła – dźwięk toccaty porównywany jest czasem do głosu Boga.
Wykonawcy: Karl Richter
Preludium C-dur z cyklu „Klavier o dobrym temperamencie”, tom 1
Jana Sebastiana Bacha
Zwiastowanie. Malarstwo Fra Beato Angelico. Florencja, około 1426 r Muzeum Prado / Wikimedia Commons Preludium to wstęp przed czymś ważnym. Muzyk zdaje się wypróbowywać instrument: szarpie struny lutni, harfy, gitary, klawiszy klawesynu, fortepianu i fortepianu. Tak rodzi się muzyka. Znawcy symboliki muzyki dawnej kojarzą Preludium C-dur i twierdzą, że Bach przedstawił w nim trzepot skrzydeł anioła. A dokładniej Archanioł Gabriel, który zstępuje na ziemię, aby poinformować młodą Dziewicę Maryję, że stanie się Matką Chrystusa.
Wykonawcy: Ton Kopman
"Kukułka"
Louisa Claude’a Daquina
Rodzina przy klawesynie. Malarstwo Cornelisa Trosta. 1739 Rijksmuzeum Jeden z najlepsze przykłady onomatopeja w muzyce. Sam kompozytor nadał temu spektaklowi tytuł i zasugerował w ten sposób, co przedstawia: szum lasu, głos kukułki w oddali. Poza tym w „Cuckoo” można usłyszeć także echa czasu, w którym kompozycja powstawała. Pierwsza połowa XVIII wieku we Francji to epoka rokoka (rocaille to element dekoracyjny w postaci zawijasu muszli). Na przyjęciach królewskich Wiadomo, że Louis Claude Daquin jako sześcioletni chłopiec występował przed samym Ludwikiem XIV – „Królem Słońce”., w salonach urządzonych według gustów epoki (wiry zdobień na ścianach, eleganckie meble na wygiętych nogach) zabrzmiał klawesyn – koronkowa melodia z taką samą obfitością dekoracji. Rywalizując pysznymi daniami i zabawnymi rozmowami, muzyk starał się przyciągnąć uwagę słuchaczy zabawnymi wynalazkami. „Kukułka” Daquina, podobnie jak sztuki innych wielkich francuskich klawesynistów („ Motyle" I " Małe wiatraki„Francois Couperin”, Tamburyn„Jean-Philippe Rameau”) odpowiadała atmosferze „luksusu i pogodnego piękna”.
Wykonywany przez: Robert Aldwinkle (klawesyn)
Koncert nr 4 f-moll („Zima”) z cyklu „Pory roku”
Antonio Vivaldiego
Zimowy krajobraz. Obraz nieznany artysta. Włochy, XVIII wiek Portfolio Mondadori / Getty Images Włoski kompozytor Antonio Vivaldi napisał ponad 500 koncertów Koncert - utwór muzyczny, zwykle na instrument solowy z orkiestrą.. Około połowa z nich przeznaczona jest na orkiestrę smyczkową ze skrzypcami solo. Nie ma w tym nic dziwnego: przecież on sam był genialnym, niezwykle temperamentnym wirtuozem skrzypiec. Największą popularnością cieszyły się cztery koncerty, do których zapewne sam kompozytor napisał poetyckie komentarze w formie sonetów. Z sonetów dowiadujemy się, że muzyka przedstawia obrazy przyrody i sceny z życia ludzi odpowiadające czterem porom roku Sonet do koncertu „Zima”:
Odrętwieni nad świeżym śniegiem,
Pod ostrym wiatrem wiejącym w rurze,
Biegnij, tupiąc butami,
I drżeć i drżeć z zimna.
I wciąż znajdź zbawienny płomień
A po rozgrzewce zapomnij o kłopotach.
I znowu spiesz się niepewnymi krokami, Ślizgaj się, aż upadniesz na lód.
Flądro, powstań i upadnij jeszcze raz
Na płaszczyźnie pokrywy lodowej,
I każdy dąży do paleniska, do domu.
I usłysz tam, rozgrzewając swoją duszę w komforcie,
Jak Boreańczycy wylatujący z żelaznych bram...
Zimą wciąż jest radość!
(przetłumaczone przez Davida Samoilova). Ponieważ każdy koncert składa się z trzech części (szybka, wolna i znowu szybka), Vivaldi przedstawił w sumie dwanaście takich scen. Z jednej strony muzykę tę można postrzegać jako czystą ekspresję, wyraz emocji. Co ciekawe, kompozytor przyjął bardziej konkretną treść i oprócz sonetów opatrzył nuty uwagami. Dlatego w pierwszej części koncertu „Zima” jest powiedziane wprost: zęby szczękają z zimna, ale tupiesz nogami, żeby się rozgrzać. Druga część to ciepło przytulny dom, rozpalam w kominku i idę spać. Trzecia część - zimne i ciepłe wiatry spychają się na niebie.
Wykonawcy: Orkiestra Filharmonii Berlińskiej, Nigel Kennedy (skrzypce)
Flet solo z opery „Orfeusz i Eurydyka”
Christopha Willibalda Glucka
Orfeusz i Eurydyka. Malarstwo Edwarda Johna Poyntera. Anglia, 1862 Wikimedia Commons Mit o Orfeuszu i Eurydyce opowiada nie tylko o sile miłości próbującej pokonać śmierć, ale także o potężnej mocy muzyki. Władcy królestwa umarłych urzekają urzekającym pięknem głosu Orfeusza i dźwiękami jego liry i pozwalają mu na coś niewiarygodnego – zabrać z powrotem do świata żywych młodą żonę, która zmarła od ukąszenia węża . Najczulsza melodia na flecie rozbrzmiewa w chwili, gdy przed Orfeuszem wreszcie otwiera się wejście do Elizjum – starożytnego raju, w którym bezcielesny cień pięknej Eurydyki opłakuje rozłąkę z ukochanym. W przeciwieństwie do mitu opera ma szczęśliwe zakończenie, typowe dla epoki klasycyzmu.
Wykonawcy: Orkiestra Kameralna Filharmonii Leningradzkiej, dyrygent Wiktor Fiedotow
Symfonia nr 40 g-moll, część 1
Wolfgang Amadeusz Mozart
Jaki jest sekret tej muzyki, tak zapadającej w pamięć i popularnej? W wielu melodiach słychać intonację mowy ludzkiej, tutaj jest to mowa osoby podekscytowanej. Tak mówimy – z wahaniem, wielokrotnie – gdy jesteśmy przytłoczeni uczuciami. I ta symfonia zaczyna się niesamowicie. Bez wstępu, bez przygotowania, bez głośnych akordów zwracających uwagę, ale natychmiast, nagle – z ufnością i szczerością właściwą dzieciom i kochankom (nieprzypadkowo melodia ta jest bliska arii Cherubina – zakochanej młodej strony z opery Mozarta „Wesele Figara”).
Uwertura do opery „Wesele Figara”
Wolfgang Amadeusz Mozart
Scena z Wesela Figara. Rysunek autorstwa Thomasa Charlesa Naudeta. Koniec XVIII wieku Biblioteka Narodowa Francji Uwertura stanowi orkiestrowe wprowadzenie do opery; przygotowuje nas do nadchodzącego przedstawienia. W Operze Buffa Opera Buffa ( Włoski opera buffa – „opera komiczna”) to włoskie określenie opery komicznej. Uwertura „Wesele Figara” wprowadza atmosferę radosnego gwaru i oczekiwania na święto. Jest w nim wielu bohaterów, każdy z własnym charakterem i własnymi intencjami – romantycznymi lub kupieckimi. Fabuła jest skomplikowana, ale rozwija się szybko – równie szybko rozwija się uwertura. Muzyka ta oddaje także charakter głównego bohatera, który uparcie i niecierpliwie popycha akcję, aby doprowadzić ją do szczęśliwego zakończenia.
Wykonawcy: English Baroque Soloists pod dyrekcją Johna Eliota Gardinera
Symfonia nr 5 c-moll, część 1
Ludwiga van Beethovena
Ludwiga van Beethovena. Malarstwo Josepha Karla Stielera. 1820 Dom Beethovena / Wikimedia Commons Wykonawcy: Claudio Arrau
Mazurek a-moll op. 68, nr 2
Fryderyk Chopin
Mazurek. Litografia kolorowa. Niemcy, lata 50. XIX w Biblioteka Publiczna Nowego Jorku Mazurek to polski taniec ludowy, szybki, energiczny, z wirowaniem i podskakiwaniem. W XIX wieku zaczęto ją wykonywać na wszystkich balach europejskich. Będąc dzieckiem, mieszkającym w Polsce, Chopin nie raz obserwował, jak podczas wiejskich świąt tańczono mazurka przy dźwiękach małej wiejskiej orkiestry. Los kompozytora był taki, że całe dorosłe życie spędził w oderwaniu od ojczyzny i bardzo za nią tęsknił. Wspominając Polskę, komponował coraz więcej mazurków; Jest ich w sumie około 60 i mają bardzo zróżnicowany charakter – czasem naśladują zespół instrumentów wiejskich, czasem orkiestrę balową. Ale wiele mazurków Chopina jest głęboko smutnych, jak Mazurek a-moll. To już nie tyle taniec, co liryczne wspomnienie o nim.
Wykonawcy: Grigorij Sokołow
Uwertura „Sen nocy letniej” na podstawie komedii Williama Szekspira
Feliks Mendelssohn
Oberon, Tytania i Puck z tańczącymi wróżkami. Grawerowanie autorstwa Williama Blake'a. Anglia, około 1786 r CC-BY-NC-ND 3.0 / Tate Uwertura została pomyślana jako dzieło skończone. Mały rozmiar, pomieści całą różnorodność zawartości Sztuka szekspirowska i oddaje jego smak. Pierwsze akordy uwertury to początek baśni, oczekiwanie na cud. Akcja rozgrywa się w magicznym nocnym lesie, pełnym tajemniczych szelestów. Czy wiatr szeleści w liściach? Nie, to są krążące małe elfy, których przezroczyste skrzydła migają – świadczy o tym ich ruch główny temat Uwertura nadaje ton całemu utworowi. Oto ich majestatyczni władcy - leśny król Oberon i jego żona Tytania. W uwerturze pojawiają się także obrazy liryczne: dwie pary młodych kochanków zgubiły się w gęstwinie – i, jak się wydaje, również pomieszały się w ich związkach. Liryzm ustępuje miejsca komedii: niezdarni zwykli ludzie tańczą, przygotowują się do porannego przedstawienia w nocnym lesie. Z jakiegoś powodu jeden z nich ma głowę osła i krzyczy jak osioł – to leśny duch Puck, słynny niegrzeczny człowiek i dowcipniś, który wszystkich oszukał swoimi czarami; jego śmiech można odgadnąć w muzyce. Nieważne, w końcu wszystko naprawi – to będzie koniec bajki i uwertury.
Wykonawcy: Boston Symphony Orchestra pod dyrekcją Seiji Ozawy
Gra „Pierrota” i „Arlekina” z cyklu „Karnawał”
Roberta Schumanna
Pierrot i Arlekin. Malarstwo Paula Cezanne’a. Francja, 1888-1890 Muzeum Państwowe Sztuki piękne nazwane na cześć. A. S. Puszkina Schumann – mistrz tworzenia portrety muzyczne. W cyklu miniatur fortepianowych Miniaturka - krótki jednoczęściowy spektakl.„Karnawał” przedstawił całą serię postaci, których charakter wyraża się między innymi poprzez sposób poruszania się. Nadchodzi Pierrot - jest tak zamyślony i smutny, że nie zauważa, jak raz po raz potyka się o swoje długie rękawy. Ale Harlequin jest zwinny, szybki i błyska tu i ówdzie, a podczas biegu udaje mu się wykonać salto. Prawdziwi ludzie współistnieją z zamaskowanymi postaciami. W cyklu znajdują się sztuki „Chopin” i „Paganini”, w których Schumann przekazał wizerunki swoich wybitnych współczesnych, naśladując ich styl muzyczny.
Wykonawcy: Evgeny Kisin
Uwertura do opery „Carmen”
Georgesa Bizeta
Scenografia do opery „Carmen”. Rysunek Aleksandra Golovina. 1908 Państwowe Muzeum Rosyjskie / DIOMEDIA Oślepiające światło południowego słońca, Hiszpania. Dobrze ubrany tłum zgromadzony na walce byków hałaśliwy jest w oczekiwaniu na głównego uczestnika wydarzeń. I oto nadchodzi - przystojny torreador, bohater i ulubieniec publiczności: już w pierwszej, szybkiej części uwertury pojawia się słynny temat jego marszu. Świętowanie życia odczuwa się jeszcze dotkliwiej, gdy graniczy ono ze śmiertelnym ryzykiem – druga, powolna część wyznacza inwazję tragedii.
Wykonawcy: Wiedeńska Orkiestra Symfoniczna, dyrygent Herbert von Karajan
Spektakl „W jaskini króla gór” ze suity „Peer Gynt” na podstawie dramatu Henryka Ibsena
Edwarda Griega
Ilustracja Arthura Rackhama do sztuki Henrika Ibsena Peer Gynt. Anglia, 1936 Wikimedia Commons Trolle i duchy gór to główni bohaterowie folkloru Norwegii, ojczyzny kompozytora Edvarda Griega. Trolle są dzikie, okrutne, uparte i wrogo nastawione do ludzi. Tak właśnie pojawiają się w najsłynniejszym dziele orkiestrowym kompozytora „W jaskini króla gór”.
Władca Trolli maszeruje w otoczeniu swojej świty na swój tron. Procesja rusza z daleka. Po drodze przyłączają się do niej coraz większe trolle, wyłaniają się z każdej szczeliny, zza każdej półki skalnej. W ciemności jaskini buchają płomienie pochodni. A teraz to już nie jest procesja, ale szalony taniec. Trolle wychwalają swojego króla dzikimi okrzykami. To straszne... Ale jak prosto to się robi: melodia jest niezmiennie powtarzana, ale dodaje się liczbę instrumentów, zwiększa się głośność, a tempo przyspiesza.
Spektakl „Chmury” z cyklu „Nokturny”
Claude'a Debussy'ego
Łąka. Malarstwo Alfreda Sisleya. Francja, 1875 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie Debussy napisał krótki program literacki do tego małego utworu orkiestrowego Program(W muzyka instrumentalna) — słowne przedstawienie treści utworu muzycznego.. Nie ma fabuły i bohaterów, nie ma mowy o ludzkich przeżyciach: „Chmury” to nieruchomy obraz nieba, na którym powoli i melancholijnie unoszą się i topnieją szare chmury; oddalając się, wychodzą, delikatnie ocienione białym światłem.” Debussy szukał sposobu na oddanie w muzyce zmiany koloru, różnicy w oświetleniu, starał się przybliżyć muzykę do obrazów impresjonistów. Nie należy szukać w utworze pięknych, rozbudowanych melodii (w końcu melodia wyraża ludzkie uczucia, ale nie ma tu osoby). Krótkie rozmowy motywacyjne są jak głosy samej natury. Impresjonistyczne brzmienie powstaje dzięki barwnym zestawieniom akordów i specyficznemu rozkładowi barw instrumentów: smyczki pełnią niecodzienną rolę tła, krótkie motywy przypisane są instrumentom dętym drewnianym i waltorniom. Unison fletu i harfy w środku utworu wyróżnia się niczym biała chmura.
Wykonawcy: Boston Symphony Orchestra, dyrygent Claudio Abbado
Marsz Czernomoru z opery „Rusłan i Ludmiła”
Michaił Glinka
Projekt kostiumów dla Czernomoru do opery „Rusłan i Ludmiła”. Rysunek Victora Hartmanna. 1871 Państwowe Muzeum A. S. Puszkina / DIOMEDIA Marsz Czernomora w operze „Rusłan i Ludmiła” towarzyszy uroczystemu wejściu złego karłowatego czarnoksiężnika (i usunięciu jego cudownej brody!). Fantastyczny wizerunek Puszkina został doskonale ucieleśniony w muzyce Glinki. W marcu się wydarzy niesamowite przemiany: przesadnie groźne nagle staje się małe i zabawne, a potem znowu groźne i znowu zabawne. Za horror odpowiada potężne brzmienie całej orkiestry ( tutti- z włoskiego. „wszystko”) i fanfary trąbki, dla magicznych – dzwonki, a dla komicznych – „te” akordy wysokich instrumentów dętych drewnianych i pisk fletu piccolo. Bać się czy nie bać – oto jest pytanie!
Wykonawcy: Orkiestra Teatru Bolszoj, dyrygent Jurij Simonow
„Tańce połowieckie” z opery „Książę Igor”
Aleksander Borodin
„Tańce połowieckie” w Teatrze Bolszoj. Moskwa, 1964 Leon Dubilt / RIA Nowosti „Tańce połowieckie” to scena z opery „Książę Igor”, która często wykonywana jest osobno jako utwór koncertowy. Zgodnie z fabułą Khan Konchak organizuje święto na cześć schwytanego księcia Igora, aby położyć kres wrogości z Rosją. Noc. Letnie upały stopniowo ustępują, a przed rosyjskim księciem rozgrywa się akcja o niespotykanym pięknie i luksusie. Uwodzicielsko leniwy taniec niewolników o płynnych, elastycznych ruchach zostaje zastąpiony szalonym tańcem mężczyzn, demonstrujących ich nieokiełznaną siłę (sam autor nazwał ten taniec „dzikim”), a następnie jeszcze szybszym, lekkim tańcem chłopców Kim. Tancerze raz po raz zastępują się nawzajem, ostatecznie jednocząc się we wspólnym tańcu z okrzykami pochwalnymi na cześć chana. Spośród szeregu znanych na całym świecie melodii w tym fragmencie szczególnie wyróżnia się pierwsza, towarzysząca tańcowi niewolników – przykład wyjątkowego połączenia stylów. Smutna melodia z dużą ilością elastycznych zwrotów może być rosyjska Piosenka ludowa(co jest zgodne z fabułą - w końcu to nie piękności połowieckie tańczą, ale jeńcy: w operze tańcu towarzyszy śpiew chór żeński ze słowami „Odleć na skrzydłach wiatru do swojej ojczyzny, nasza rodzima pieśń…”). Jednakże akompaniament w rytmie synkopowanym Omdlenie - przeniesienie akcentu z mocnego uderzenia na słaby. i pikantne dźwięki zostały zaprojektowane w wyraźnie orientalnym stylu.
Wykonawcy: Orkiestra Filharmonii Berlińskiej, dyrygent Herbert von Karajan
„Spacer”, „Krasnal”, „Stary Zamek”, „Balet niewysiedzianych piskląt”, „Dwaj Żydzi bogaci i biedni”, „Baba Jaga” i inne spektakle z cyklu „Obrazy z wystawy”
Modesta Musorgskiego
Projekt kostiumów do baletu „Trilby”. Rysunek Victora Hartmanna. 1871 Wikimedia Commons Musorgski napisał cykl fortepianowy „Obrazy z wystawy” po wizycie na pośmiertnej wystawie jednego ze swoich przyjaciół artystów, Victora Hartmanna. Stąd wyjątkowa różnorodność treści (portrety postaci baśniowych przeplatają się ze szkicami prawdziwego życia, sceny komiksowe z refleksjami na temat śmierci, a z rzymskich katakumb w Paryżu zostajemy przeniesieni do „Bramy Bogatyra” w Kijowie). Cykl rozpoczyna się „Spacerem”, który powtarza się po każdym kolejnym utworze: w tym temacie kompozytor przedstawił siebie przechodzącego z obrazu na obraz. Jeśli wsłuchasz się uważnie, zauważysz, że charakter „Spaceru” zmienia się w zależności od wrażeń autora z tego, co widział. Ponieważ malarstwo utrwala zatrzymane chwile, a muzyka rozwija się w czasie, Musorgski tworzy sceny z obrazów. Baba Jaga z siłą odpycha moździerz od ziemi, przyspiesza i leci. Krasnolud kuleje i utyka. Pod murami starego zamku Trubadur śpiewa piosenkę. Pisklęta – czyli dzieci przebrane za pisklęta – biegają i śmiesznie ćwierkają (w szkicach Hartmanna do baletu dziecięcego Teatru Bolszoj Balet Juliusa Gerbera „Trilby” w inscenizacji Mariusa Petipy Teatr Bolszoj(1871).- kostiumy w postaci nieotwartych muszli). A w sztuce „Samuel Goldenberg i Shmuile” (w wydaniach radzieckich - „Dwóch Żydów, bogaty i biedny”) Musorgski połączył dwóch bohaterów oddzielnych portretów Hartmanna: tutaj słychać żałosny bełkot składającego petycję, przerwany niegrzecznym nagana bogacza.
Istnieją dziesiątki adaptacji „Obrazów” na orkiestry o różnym składzie, zespoły jazzowe i grupy rockowe. Najsłynniejsza z nich należy do Maurice’a Ravela – powstała niemal 50 lat po pierwowzorze i to ona przyczyniła się do światowej popularności dzieła Musorgskiego.
Wykonawcy: Światosław Richter
I Symfonia („Sny zimowe”), część 1
Piotr Czajkowski
Zimowa droga. Malarstwo Lwa Kamieniewa. 1866 Wikimedia Commons Czajkowski nazwał swoją I Symfonię „Snami zimowymi”, a jej pierwszej części nadał nieco bardziej szczegółowe określenie – „Sny na zimowej drodze”. Za obrazem „snów” kryją się osobiste wspomnienia i cała seria „zimowych” wierszy rosyjskich poetów Przed wysłuchaniem możesz przeczytać „ zimowa droga” i „Demony” Puszkina – wtedy muzyka Czajkowskiego zyska niezbędny podtekst., pieśni ludowe i romanse o niekończących się śnieżnych przestrzeniach, pędzącej przez nie trójce i bolesnym lirycznym uczuciu, w którym dusza pogrąża się pod cichym „męczącym” dźwiękiem dzwonka. Obraz bezgranicznej przestrzeni przekazują fagot i flet, powielając się w odległości dwóch oktaw. „Serce melancholia” początkowej melodii ustępuje miejsca zamieciowym harmoniom: płynny ruch wdziera się żrący motyw staccato Staccato- nagłe wykonanie dźwięków..
Taniec Cukrowej Wróżki z baletu „Dziadek do orzechów”
Piotr Czajkowski
Taniec Cukrowej Wróżki z baletu „Dziadek do orzechów” w wykonaniu New York City Ballet. 1974 Martha Swope/Biblioteka Publiczna Nowego Jorku Taniec Cukrowej Wróżki to jeden z najsłynniejszych fragmentów baletu, który zyskał odrębne życie i jest w nim słyszalny koncerty symfoniczne, filmy animowane i programy telewizyjne. Cukrowa Wróżka to władczyni krainy słodyczy, władczyni magicznego pałacu w Confiturenburgu. Już od pierwszych dźwięków jej tańca zostajemy przeniesieni w zaczarowany świat świat wróżek, gdzie nie ma miejsca na nic mrocznego, ponurego i złego. Delikatne kryształowe dzwonienie celesty obiecuje cuda i szczęście (nawet nazwa tego instrumentu pochodzi z języka włoskiego Celesta tłumaczone jako „niebiański”). Na premierze baletu efekt cudu spotęgował fakt, że w Rosji nikt wcześniej nie słyszał czelesty: Czajkowski przywiózł z Paryża ten nowy na ten czas instrument i ponad rok Poprosiłem znajomych, aby zachowali tajemnicę. Podobna do miniaturowego fortepianu, ale z metalowymi lub szklanymi płytami w środku, celesta zakorzeniła się w orkiestrze symfonicznej. Dźwięk, przypominający bicie dzwonów, stał się symbolem bajecznie pięknego, nieziemskiego.
Wykonawcy: Orkiestra Filharmonii, dyrygent John Lanchbury
Suita symfoniczna „Szeherezada”, część 1
Nikołaj Rimski-Korsakow
Projekt kostiumu dla Błękitnej Sułtanki do baletu „Szeherezada”. Rysunek autorstwa Lwa Baksta. 1910 Wikimedia Commons Literacki prototyp eseju to zbiór Arabskie opowieści„Tysiąca i jednej nocy”. Ciekawe, że Rimski-Korsakow jako pierwszy zatytułował wszystkie cztery części suity Zestaw - utwór muzyczny składający się z kilku niezależnych części, kontrastujących ze sobą, ale połączonych wspólną koncepcją., a następnie usunąłem tytuły, nie chcąc pozbawiać słuchacza wolności wyobraźni. Kompozytor pozostawił komentarz wprowadzający, który w skrócie przedstawia historię Szeherezady i sułtana Shahriyara.
Na początku i na końcu każdej części rozbrzmiewa rozpoznawalna melodia skrzypiec solowych, przypominająca misterne wzory luksusowych orientalnych tkanin, elastyczne ruchy orientalnej tancerki i spokojną orientalną mowę ozdobioną licznymi epitetami – to jest motyw przewodni Motyw przewodni(z niemieckiego Leitmotiv — „główny, wiodący motyw”) — motyw, który powraca wielokrotnie w całej pracy w związku z cechami charakteru, uczucia, sytuacji, przedmiotu itp. Szeherezada. Motyw przewodni Shahryara, groźny i władczy, otwiera dzieło. A on, uspokojony, brzmi na samym końcu - She-he-razada znalazła sposób na uspokojenie gniewnego temperamentu sułtana.
Dziś nazwy części, znane z księgi wspomnień Rimskiego-Kor-sakowa „Kronika mojego życie muzyczne„, są prawie zawsze przekazywane słuchaczowi, chociaż malowniczy charakter muzyki pozwala obejść się bez wyjaśnień. Pierwsza część to pierwsza baśń „Morze i statek Sindbada”. Znajdujący się w nim element wody wydaje się żywy i zmienny. Fale toczą się powoli i leniwie, pienią się na grzbietach, rozpraszają się w drobne plamy błyszczące w słońcu, a statek sunie po powierzchni. Jednak choć z początku pozornie łagodne, morze w każdej chwili może pokazać swoją potężną moc – i teraz fala za falą napływa i zapada się. Rimski-Korsakow, były gar-demarin, przedstawił morze jak nikt inny.
Wykonawcy: Państwowa Akademicka Orkiestra Symfoniczna ZSRR, dyrygent Evgeny Svetlanov
Bajka symfoniczna „Kikimora”
Anatolij Lyadov
Kikimora. Rysunek Iwana Bilibina. 1934 Wikimedia Commons Anatolij Lyadov bardzo lubił wszystko, co magiczne i fantastyczne. Jak bardzo to było kapryśne? postać z bajki, tym bardziej go lubił. Zabawiając swoje dzieci, kompozytor sam wymyślał i rysował zabawne baśniowe dziwadła. Zainspirowany opisem Kikimory z książki „Opowieści narodu rosyjskiego” Lyadov postanowił przedstawić ją w muzyce Lyadov poprzedził swój utwór orkiestrowy następującym tekstem zapożyczonym z „Opowieści narodu rosyjskiego” Iwana Sacharowa: „Kikimora żyje i rośnie z magiem w kamiennych górach. Od rana do wieczora bawi Kikimorę kot Baiyun, mówią zagraniczne opowieści. Od wieczora aż do świtu Kikimora kołysze się w kryształowej kołysce. Dokładnie siedem lat później Kikimora dorośnie. Jest szczupłą, ciemnowłosą Kikimorą, ale jej głowa jest mała jak naparstek, a ciała nie można porównać do słomki. Kikimora puka i grzmi od rana do wieczora; Kikimora gwiżdże i syczy od wieczora do południa; od północy do białego dnia przędzie konopie, skręca przędzę konopną i wypacza jedwabną osnowę. Kikimora utrzymuje zło w swoim umyśle dla wszystkich uczciwych ludzi.. W małym utworze na orkiestrę kompozytor opowiedział całą biografię baśniowe stworzenie. Powolna początkowa część to dzieciństwo Kikimory. Ponury Krajobraz górski, gdzie słońce prawie nigdy nie dociera. Motyw magicznej kołysanki kota Bayuna to spokój, który zdaje się trwać wiecznie. Ale mała Kiki-Mora już dała się poznać: jej przeszywający pisk (flet piccolo i go-boy) sprawia, że wszystko wokół niej drży... I znowu zamarza. Słychać jedynie lekkie dzwonienie kryształowej kołyski, w której kołysze się Kikimora (te same dźwięki celes, co w tańcu Cukrowej Wróżki Czajkowskiego). Szybka, porywcza muzyka drugiej części przedstawia dojrzałą Kikimorę. Błąka się po lesie i płata figle: puka, grzechocze (tutaj kompozytor używa rzadkiego w przypadku orkiestry ksylofonu), straszy każdego, kto ją spotka... A jednak Kiki-Mora Lyadova nie jest zła. Po prostu dziwaczny i dziwny, zupełnie jak świat, w którym żyje.
Wersja: rosyjska orkiestra narodowa, dyrygent Michaił Pletnev
Muzyka do baletu „Pietruszka”
Igora Strawińskiego
Scenografia do baletu „Pietruszka”. Rysunek autorstwa Alexandre'a Benois. 1911 Wikimedia Commons Balet „Pietruszka” to połączenie muzyki Strawińskiego, scenografii Aleca-Saint-dra Benois, choreografii Michaiła Fokine'a i wykonania Wasława Niżyńskiego. Chociaż słuchanie muzyki osobno jest nie mniej interesujące niż oglądanie baletu, nadal wskazane jest poznanie fabuły. Petersburgu na początku ubiegłego wieku. Święto Maslenicy to elegancki, hałaśliwy, radosny tłum. Na przestronnych Polach Marsowych nie brakuje rozrywek: grają organy beczkowe, tańczą mechaniczne baletnice, z różnych stron słychać krzyki szczekaczy, próbujących zwabić widzów do swoich budek – kolor masowych scen ludowych jest miał podkreślić dramatyczną istotę dzieła. Pojawienie się Czarodzieja przyciąga uwagę wszystkich, pstrokaty hałas cichnie i gra tajemnicza muzyka: Czarodziej ożywia swoje lalki, a widz przenosi się w inną historię. Odgrywa się sztuka w przedstawieniu: Pietruszka cierpi z powodu nieodwzajemnionej miłości do Baleriny (jego motyw przewodni brzmi jak smutny, liryczny krzyk). Piękna, niewrażliwa lalka woli od niego eleganckiego, choć niegrzecznego Araba. W bitwie z Arabem Pietruszka ginie. Ale to po prostu przedstawienie kukiełkowe– uroczystości trwają. Słychać brzęczenie akordeonu i fragmenty miejskich piosenek („Wzdłuż Piterskiej”, „Och, baldachim, mój baldachim”). Mężczyzna gra na fajce, popisując się tresowanym niedźwiedziem, zamaskowany diabeł żartobliwie straszy spacerujących ludzi, kupiec zaczyna tańczyć z Cyganami. Wszystko to jest widoczne i namacalne. Czy nadal jest Ci żal Pietruszki? Nie musisz się martwić! Magik zabiera zepsutą lalkę, ale w tłumie pojawia się śmieszna twarz Pietruszki, grając wszystkim na nosie: motyw przewodni bohatera dopełnia balet.
Wykonawcy: Columbia Symphony Orchestra. Dyrygent: Igor Strawiński
Marsz z opery „Miłość do trzech pomarańczy”
Siergiej Prokofiew
Okładka magazynu teatralnego „Miłość do trzech pomarańczy”. 1915 Wikimedia Commons Marsz ten najlepiej oddaje charakter baśniowej komedii - wyzywająco błyskotliwej, ekscentrycznej, niekontrolowanie wesołej, zupełnie jak postać jednego z jej bohaterów - nigdy nie nudnego błazna Truffy Lodziarza: zgodnie z fabułą musi on z pewnością dokonać Książę śmieje się i poprawia nastrój. I rzeczywiście, elastyczny rytm marszu jest taki, że nie sposób usiedzieć w miejscu: odważny motyw trąbki, wyraziste uderzenia werbla – trudno sobie wyobrazić muzykę bardziej afirmującą życie. Trafnie odzwierciedlała postawę Siergieja Siergiejewicz Prokofiew
Pokój dziecięcy Arzamy
W innych formach sztuki i jej technikach
Metoda realizacji dzieła literackie
Cii budowana jest wnikliwa analiza dzieła literackiego na prawach nie tylko naukowych, ale także kreatywność artystyczna. Tutaj porozmawiamy o twórczych technikach tłumaczenia tekstu literackiego na inne formy sztuki. Techniki te pozwalają wyrazić stanowisko czytelnika, ukształtować i rozwinąć umiejętność konkretyzacji figuratywnej i uogólnienia figuratywnego, dlatego są istotne dla szkoły podstawowej.
Rysunek słowny (ustny i pisemny) to opis obrazów lub obrazów, które powstały w umyśle czytelnika podczas czytania dzieła literackiego. Obraz słowny nazywa się inaczej ilustracja słowna.
Ta technika jest skierowana przede wszystkim rozwinięcie umiejętności konkretyzacji obrazów werbalnych(wyobraźnia). Ponadto rozwija się u dziecka mowa i logiczne myślenie. Rysując werbalnie, czytelnik musi, w oparciu o obrazy słowne stworzone przez pisarza, opisz swoją wizję w obrazie wizualnym, które reprodukuje i opisuje ustnie lub pisemnie.
W tym samym czasie pojawiają się dwa niebezpieczeństwa: można się pogubić bezpośrednie opowiadanie tekst autora i zbyt aktywną mimowolną wyobraźnię „zapomnieć” o malarstwie autora i zacznij opisywać swoje.
Ten przyjęcie wymaga szeregu operacji: przeczytaj, wyobraź sobie, określ, wybierz dokładne słowa i wyrażenia do opisania, logicznie zbuduj swoją wypowiedź. Dodatkowo technika polega na opisie na statycznym obrazie trudne relacje bohaterowie.
Ta technika kieruje uwagę dzieci na tekst: ponownie odczytują jego poszczególne fragmenty, gdyż dopiero szczegóły semantyczne i wizualne i stylistyczne pomogą im doprecyzować obrazy werbalne, doprecyzować je i przedstawić szczegółowo to, co autor opisuje. Student stopniowo „wchodzi” w świat pracy i zaczyna spójrz na to oczami autora lub jednego z bohaterów(w zależności od tego, z czyjego punktu widzenia obraz jest odtwarzany), tj. przyłącza się do akcji, co oznacza, że będzie mógł uzupełnić obraz autora własnymi szczegółami. Wtedy efektem pracy, która opiera się na analizie tekstu, nie będzie opowiadanie czy opis oderwany od intencji autora, ale twórczy obraz adekwatny do intencji autora, ale bardziej szczegółowy i koniecznie wartościujący emocjonalnie .
Szkolenie recepcji przecieki w kilku gradacja .
1. Oglądanie ilustracji graficznych. Najpierw nauczyciel organizuje obserwację, w jaki sposób ilustrator przekazuje intencję autora, co pomaga artyście stworzyć nastrój i wyrazić swój stosunek do bohaterów. W trakcie tej pracy dzieci zapoznają się z pojęciem „kompozycji obrazu”, ze znaczeniem kolorów, kolorystyki i linii. Pracę tę można wykonać także na zajęciach. Dzieła wizualne i na zajęciach lektura pozalekcyjna.
2. Wybierz jedną z kilku opcji ilustracji najbardziej odpowiedni dla rozpatrywanego odcinka utworu wraz z uzasadnieniem swojej decyzji.
3. Ilustracja zbiorcza z wykorzystaniem gotowych figurek polega na układzie postaci (kompozycji obrazu), wyborze ich póz, mimice.
4. Autoilustracja odcinek, który Ci się podobał i słowny opis tego, co narysowałeś. Technikę tę można skomplikować, prosząc dzieci o opisanie ilustracji wykonanych przez ich kolegów z klasy.
5. Analiza ilustracji wykonanych z wyraźnym odstępstwem od tekstu pracy. Dzieciom proponuje się ilustracje, w których zaburzony jest układ postaci lub inne obrazy dzieła, brakuje niektórych szczegółów autorskich lub zostały one zastąpione innymi, zaburzona jest kolorystyka, zniekształcone pozy i mimika bohaterów itp. Po obejrzeniu dzieci porównują swoje postrzeganie tekstu z percepcją ilustracji.
6. Zbiorowy ustny rysunek ilustracji- sceny rodzajowe. Na tym etapie dzieci wybierają kolorystykę ilustracji.
7. Samodzielny rysunek graficzny krajobrazu oraz jego ustny opis lub artystyczny opis krajobrazu.
8. Werbalne szczegółowy rysunek ustny krajobrazu tekst.
9. Zbiorowe ustne szczegółowy opis bohaterem konkretnego odcinka(jak widzisz bohatera: co się dzieje lub wydarzyło, nastrój bohatera, jego uczucia, postawa, włosy, wyraz twarzy (oczy, usta), ubranie, jeśli jest to ważne itp.) Nauczyciel pomaga dzieciom stworzyć opis z pytaniami.
10. Werbalne zbiorowe i niezależne ustny rysunek bohatera najpierw w jednej konkretnej sytuacji, a później – w innych.
11. Niezależna ustna ilustracja ustna i porównanie utworzonej ilustracji ustnej z grafiką.
To naturalne, że opanowanie techniki rysunek słowa jest możliwe dopiero po opanowaniu podstawowych umiejętności analizy ilustracji do dzieła. Jednak jako propedeutyk już na pierwszych etapach studiowania dzieł literackich warto zadawać dzieciom pytania typu: „ Jakiego bohatera sobie wyobrażasz? ?», « Jak widzisz oprawę akcji?”, „Co widzisz, czytając ten tekst? " I tak dalej.
Przykłady organizacji ustnego rysowania werbalnego w klasie:
Fragment lekcji w klasie I na temat bajki « Owsianka z siekiery »
Etap ponownego przeczytania tekstu i jego analizy
- Przeczytajmy bajkę do końca i przyjrzyjmy się, jak zachował się żołnierz. Przygotujmy plan jego działań.
Dzieci ponownie czytają bajkę fragmentami, numerując wydarzenia ołówkiem. Następnie omawiane są wyniki pracy i otwierane są te zapisane wcześniej na tablicy. działania żołnierza: zauważył topór; zaproponował gotowanie owsianki z siekiery; poproszony o przyniesienie kotła; Umyłem topór, włożyłem go do kotła, nalałem wody i włożyłem do ognia; mieszane i smakowane; narzekał, że nie ma soli; posoliłem, spróbowałem, narzekałem, że fajnie byłoby dodać trochę ziaren; dodawał płatki, mieszał, próbował, chwalił i narzekał, że fajnie byłoby dodać olej; dodany olej; Zacząłem jeść owsiankę. Małe działania łączymy w większe: planował oszukać staruszkę; przygotowuje topór do gotowania i zaczyna go gotować; mieszając i degustując, jedna po drugiej prosi o sól, płatki i masło; zjada owsiankę.
Teraz popatrzmy jak zachowała się stara kobieta w każdej chwili, którą mamy.
- Czy zmienił się jej nastrój i zachowanie? Jakie są przyczyny tych zmian?
Zapraszamy dzieci do wyobraźni jakie ilustracje można zrobić do tej bajki? i opisz żołnierza i staruszkę w każdym momencie akcji (rysunek ustny).
Pomagamy w przypadku pytań:
- Na jakim tle rozgrywa się akcja?? (Chata, wyposażenie chaty, kuchenka, naczynia itp.)
- Gdzie stoi żołnierz, jak stoi, gdzie patrzy?(na staruszce, w kotle, z boku itp.) .), co on robi w tej chwili? Jaki jest jego nastrój? O czym on myśli? Jaki jest jego wyraz twarzy?
Proponujemy opisać staruszkę z bajki „Owsianka z siekiery” w różnych momentach akcji. Pomagamy w przypadku podobnych pytań przewodnich.
Następnie omawiając ilustrację w czytniku(Ryc. 13 V.O. Anikin. „Owsianka z siekiery”).
- Czy można ustalić, który moment bajki przedstawił artysta V.O. Anikin? Co w tym pomaga (lub odwrotnie)?