Tajemniczy świat sztuka może wydawać się zagmatwana dla niewyrafinowanych osób, ale są arcydzieła, które każdy powinien znać. Talent, inspiracja i żmudna praca nad każdym uderzeniem dają początek dziełom, które podziwia się wieki później.
Nie sposób zebrać w jednym wyborze wszystkich wybitnych dzieł, ale staraliśmy się wybrać jak najwięcej słynne obrazy, tworząc gigantyczne kolejki przed muzeami na całym świecie.
Najsłynniejsze obrazy rosyjskich artystów
„Poranek w sosnowym lesie”, Iwan Szyszkin i Konstantin Sawicki
Rok powstania: 1889Muzeum
Szyszkin był znakomitym malarzem pejzaży, ale rzadko musiał rysować zwierzęta, dlatego postacie niedźwiadków namalował Savitsky, znakomity artysta zajmujący się zwierzętami. Pod koniec pracy Tretiakow nakazał usunięcie podpisu Savickiego, biorąc pod uwagę, że Szyszkin wykonał znacznie obszerniejszą pracę.
„Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, Ilja Repin
Lata stworzenia: 1883–1885Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa
Do stworzenia arcydzieła, lepiej znanego jako „Iwan Groźny zabija swojego syna”, Repin zainspirował się symfonią „Antar” Rimskiego-Korsakowa, a mianowicie jej drugą częścią „Słodycz zemsty”. Artysta pod wpływem dźwięków muzyki przedstawił krwawą scenę morderstwa i późniejszej skruchy obserwowanej w oczach władcy.
„Siedzący demon”, Michaił Wrubel
Rok powstania: 1890Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa
Obraz był jedną z trzydziestu ilustracji narysowanych przez Vrubela na potrzeby rocznicowego wydania dzieł M.Yu. Lermontow. „Siedzący demon” reprezentuje wątpliwości nieodłącznie związane z do ludzkiego ducha, subtelny, nieuchwytny „nastrój duszy”. Zdaniem ekspertów artysta miał w pewnym stopniu obsesję na punkcie wizerunku demona: po tym obrazie pojawiły się „Latający demon” i „Pokonany demon”.
„Bojaryna Morozowa”, Wasilij Surikow
Lata stworzenia: 1884–1887Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa
Film oparty jest na fabule życia staroobrzędowców „Opowieść o Boyarinie Morozowej”. Zrozumienie kluczowy obraz przyszedł do artysty, gdy zobaczył wronę rozpościerającą czarne skrzydła niczym plamę na zaśnieżonej powierzchni. Później Surikow długo szukał prototypu twarzy szlachcianki, ale nie mógł znaleźć nic odpowiedniego, aż pewnego dnia spotkał na cmentarzu starowiercę o bladej, szalonej twarzy. Szkic portretu powstał w ciągu dwóch godzin.
„Bogatyrs”, Wiktor Wasniecow
Lata stworzenia: 1881–1898Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa
Przyszłe, epickie arcydzieło narodziło się jako małe szkic ołówkiem w 1881; Do dalszej pracy na płótnie Wasnetsow spędził wiele lat pieczołowicie zbierając informacje o bohaterach z mitów, legend i tradycji, a także badał w muzeach autentyczną starożytną rosyjską amunicję.
Analiza obrazu Wasnetsowa „Trzej bohaterowie”
„Kąpiel czerwonego konia”, Kuzma Petrov-Vodkin
Rok powstania: 1912Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa
Początkowo obraz był pomyślany jako codzienny szkic z życia rosyjskiej wsi, jednak w trakcie pracy płótno artysty zostało porośnięte ogromną liczbą symboli. Przez czerwonego konia Pietrow-Wodkin miał na myśli „Los Rosji”; po przystąpieniu kraju do Pierwszej wojna światowa wykrzyknął: „Więc dlatego namalowałem ten obraz!” Jednak po rewolucji proradzieccy krytycy sztuki zinterpretowali kluczową postać obrazu jako „zwiastun rewolucyjnych pożarów”.
„Trójca”, Andriej Rublow
Rok powstania: 1411Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa
Ikona, która położyła podwaliny pod tradycję rosyjskiego malarstwa ikonowego w XV – XVI wieku. Płótno przedstawiające starotestamentową trójcę aniołów, która ukazała się Abrahamowi, jest symbolem jedności Trójcy Świętej.
„Dziewiąta fala”, Iwan Aiwazowski
Rok powstania: 1850Muzeum
Perła w „kartografii” legendarnego rosyjskiego malarza morskiego, którego bez wahania można uznać za jednego z najsłynniejszych artystów na świecie. Widzimy, jak marynarze, którzy cudem przeżyli sztorm, trzymają się masztu w oczekiwaniu na spotkanie „dziewiątej fali”, mitycznego apogeum wszystkich sztormów. Ale ciepłe odcienie dominujące na płótnie dają nadzieję na zbawienie ofiar.
„Ostatni dzień Pompejów”, Karl Bryullov
Lata stworzenia: 1830–1833Muzeum: Muzeum Rosyjskie, St. Petersburg
Ukończony w 1833 roku obraz Bryulłowa był pierwotnie wystawiany w największych miast Włochy, gdzie wywołało prawdziwą sensację - malarza porównywano do Michała Anioła, Tycjana, Rafaela... W kraju arcydzieło przyjęto z nie mniejszym entuzjazmem, zapewniając Bryullovowi przydomek „Karol Wielki”. Płótno jest naprawdę wspaniałe: jego wymiary to 4,6 na 6,5 metra, co czyni go jednym z największych obrazów wśród dzieł rosyjskich artystów.
Najsłynniejsze obrazy Leonarda da Vinci
„Mona Lisa”
Lata stworzenia: 1503–1505Muzeum: Luwr, Paryż
Arcydzieło florenckiego geniuszu, którego nie trzeba przedstawiać. Warto dodać, że obraz zyskał status kultowego po incydencie kradzieży z Luwru w 1911 roku. Dwa lata później złodziej, który okazał się pracownikiem muzeum, próbował sprzedać obraz Galerii Uffizi. Wydarzenia głośnej sprawy zostały szczegółowo opisane w prasie światowej, po czym do sprzedaży trafiły setki tysięcy reprodukcji, a tajemnicza Mona Lisa stała się obiektem kultu.
Lata stworzenia: 1495–1498Muzeum: Santa Maria delle Grazie w Mediolanie
Po pięciu wiekach fresk o klasycznej fabule na ścianie refektarza klasztoru dominikanów w Mediolanie uznawany jest za jeden z najbardziej tajemniczych obrazów w historii. Według pomysłu Da Vinci obraz przedstawia moment posiłku wielkanocnego, kiedy Chrystus zawiadamia uczniów o zbliżającej się zdradzie. Ogromna liczba ukrytych symboli dała początek równie ogromnej liczbie studiów, aluzji, zapożyczeń i parodii.
„Madonna Litta”
Rok powstania: 1491Muzeum: Ermitaż w Petersburgu
Obraz, zwany także Madonną z Dzieciątkiem, przez długi czas znajdował się w zbiorach książąt Litty, a w 1864 roku został zakupiony przez Ermitaż w Petersburgu. Wielu ekspertów zgadza się, że postać dziecka nie została namalowana przez da Vinci osobiście, ale przez jednego z jego uczniów – jest to poza nietypowa dla malarza.
Najsłynniejsze obrazy Salvadora Dali
Rok powstania: 1931Muzeum: Muzeum sztuka współczesna, Nowy Jork
Paradoksalnie, ale jak najbardziej słynne dzieło geniusz surrealizmu, zrodził się z myśli o serze Camembert. Któregoś wieczoru, po przyjacielskiej kolacji, zakończonej przystawkami z serem, artysta zamyślił się nad „smarowaniem miąższu”, a jego wyobraźnia namalowała obraz topiącego się zegara z gałązką oliwną na pierwszym planie.
Rok powstania: 1955Muzeum: Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton
Tradycyjna fabuła z surrealistycznym akcentem, wykorzystująca zasady arytmetyczne studiowane przez Leonarda da Vinci. Artysta na pierwszy plan wysunął swoistą magię liczby „12”, odchodząc od hermeneutycznego sposobu interpretacji biblijnej fabuły.
Najsłynniejsze obrazy Pabla Picassa
Rok powstania: 1905Muzeum: Muzeum Puszkina, Moskwa
Obraz stał się pierwszym przejawem tzw. „różowego” okresu w twórczości Picassa. Surowa faktura i uproszczony styl łączą się z delikatną grą linii i kolorów, kontrastem pomiędzy masywną sylwetką sportowca i delikatną gimnastyczką. Płótno zostało sprzedane wraz z 29 innymi dziełami za 2 tysiące franków (w sumie) paryskiemu kolekcjonerowi Vollardowi, zmieniło kilka kolekcji, a w 1913 roku nabył je rosyjski filantrop Iwan Morozow już za 13 tysięcy franków.
Rok powstania: 1937Muzeum: Muzeum Reina Sofia, Madryt
Guernica to nazwa miasta w Kraju Basków, które zostało zniszczone przez niemieckie bombardowania w kwietniu 1937 roku. Picasso nigdy nie był w Guernicy, ale był zdumiony skalą katastrofy, jak „ciosem byczego rogu”. Artysta w abstrakcyjnej formie przekazał okropności wojny i pokazał prawdziwe oblicze faszyzmu, zasłaniając je dziwacznymi geometrycznymi kształtami.
Najsłynniejsze obrazy renesansu
„Madonna Sykstyńska”, Raphael Santi
Lata stworzenia: 1512–1513Muzeum: Galeria Starych Mistrzów, Drezno
Jeśli przyjrzysz się uważnie tłu, które na pierwszy rzut oka składa się z chmur, zauważysz, że tak naprawdę Rafael przedstawił tam głowy aniołów. Dwa anioły znajdujące się w dolnej części obrazu są niemal bardziej znane niż samo arcydzieło ze względu na jego szeroki obieg w sztuce masowej.
„Narodziny Wenus”, Sandro Botticelli
Rok powstania: 1486Muzeum: Galeria Uffizi, Florencja
Obraz oparty jest na starożytnym greckim micie o narodzinach Afrodyty piana morska. W przeciwieństwie do wielu arcydzieł renesansu, płótno przetrwało do dziś w doskonałym stanie dzięki ochronnej warstwie żółtka jaja, którym Botticelli ostrożnie pokrył dzieło.
„Stworzenie Adama”, Michelangelo Buonarotti
Rok powstania: 1511Muzeum: Kaplica Sykstyńska, Watykan
Jeden z dziewięciu fresków na suficie Kaplica Sykstyńska, ilustrujący rozdział z Księgi Rodzaju: „I stworzył Bóg człowieka na swój obraz”. To Michał Anioł jako pierwszy przedstawił Boga jako siwowłosego starca, po czym obraz ten stał się archetypowy. Współcześni naukowcy uważają, że kontury postaci Boga i aniołów reprezentują ludzki mózg.
„Nocna straż”, Rembrandt
Rok powstania: 1642Muzeum: Muzeum Państwowe, Amsterdamie
Pełny tytuł obrazu brzmi: „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Koka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Nowoczesne imię Obraz zwrócił na siebie uwagę w XIX w., kiedy został odnaleziony przez krytyków sztuki, którzy ze względu na warstwę brudu pokrywającą dzieło, uznali, że akcja na obrazie rozgrywa się pod osłoną nocnych ciemności.
„Ogród rozkoszy ziemskich”, Hieronim Bosch
Lata stworzenia: 1500–1510Muzeum: Muzeum Prado w Madrycie
Być może najsłynniejszy tryptyk Boscha, nazwany na cześć centralnej części kompozycji: przedstawione na nim postacie bezinteresownie oddają się grzechowi zmysłowości. W przeciwieństwie do środkowej części, pełnej drobnych, „gorączkowych” szczegółów, lewe skrzydło obrazu, przedstawiające prawdziwy raj, oddaje atmosferę ciszy i spokoju, a prawe skrzydło, pełne diabelskich mechanizmów, wręcz przeciwnie , przypomina męki piekielne.
Najsłynniejsze obrazy XX wieku
„Czarny kwadrat”, Kazimierz Malewicz
Rok powstania: 1915Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa
Malewicz pisał „Czarny kwadrat” przez kilka miesięcy; Legenda głosi, że obraz ukryty jest pod warstwą czarnej farby – artysta nie zdążył dokończyć dzieła w terminie i w przypływie złości zakrył obraz. Istnieje co najmniej siedem kopii „Czarnego kwadratu” wykonanego przez Malewicza, a także swoista „kontynuacja” kwadratów suprematystycznych – „Kwadrat Czerwony” (1915) i „Kwadrat Biały” (1918).
„Krzyk”, Edvard Munch
Rok powstania: 1893Muzeum: Galeria Narodowa, Oslo
Ze względu na niewytłumaczalny mistyczny wpływ na widza obraz został skradziony w 1994 i 2004 roku. Istnieje opinia, że obraz powstały na przełomie XIX i XX wieku zapowiadał liczne katastrofy nadchodzącego stulecia. Głęboka symbolika „Krzyku” zainspirowała wielu artystów, w tym Andy'ego Warhola, reżyserów, muzyków, a nawet animatorów.
„Spacer”, Marc Chagall
Rok powstania: 1918Muzeum: Muzeum Rosyjskie, St. Petersburg
Jeśli dręczyło Cię również pytanie: „Dlaczego ludzie na obrazie Marca Chagalla szybują w powietrzu?”, oto odpowiedź samego artysty - siła, która może dać człowiekowi możliwość latania, to nic innego jak miłość . Uważa się, że mężczyzna i kobieta na płótnie to Marc Chagall i jego żona.
„Nr 5, 1948”, Jackson Pollock
Rok powstania: 1948Muzeum: Kolekcja prywatna, Nowy Jork
Obraz ten do dziś budzi wiele kontrowersji. Niektórzy krytycy sztuki uważają, że emocje wokół obrazu, namalowanego charakterystyczną techniką rozpryskiwania, zostały stworzone sztucznie. Płótno zostało sprzedane dopiero po zakupie wszystkich pozostałych dzieł artysty, w związku z czym cena za niefiguratywne arcydzieło gwałtownie wzrosła. „Numer pięć” został sprzedany za 140 milionów dolarów, stając się najdroższym obrazem w historii.
„Dyptyk Marilyn”, Andy Warhol
Rok powstania: 1962Muzeum: Galeria Tate, Londyn
Tydzień po śmierci Marilyn Monroe skandaliczny artysta zaczął pracować na płótnie. Na płótno naniesiono 50 szablonowych portretów aktorki, stylizowanych w gatunku „pop-art” na podstawie fotografii z 1953 roku.
Subskrybuj nasz kanał w Yandex.Zen
Artyści zawsze byli bardzo cenieni, bo potrafili przekazać potomnym tych, których sami nie byliby w stanie zobaczyć. Pomogli znaleźć życie wieczne. W czasach nowożytnych, wraz z wynalezieniem aparatu, artyści nie stracili na wartości. W każdym zawodzie są wybitni przedstawiciele, których można nazwać najlepszymi. Ten top przedstawia listę najlepszych i najpopularniejszych artystów na świecie.
10 Izaak Lewitan
Izaak Lewitan to znakomity artysta, pochodzący z Imperium Rosyjskie. Jego życie było dość trudne, podobnie jak droga, którą musiał pokonać, aby zostać artystą najwyższej klasy. Ale to właśnie dzięki swojej pracy Lewitan dał światu duża liczba krajobrazy.
9 Augusta Renoira
Ten francuski malarz, rzeźbiarz i grafik urodził się w 1919 roku w mieście Limonge. Ten genialny artysta jest jednym z pierwszych impresjonistów, który odniósł sukces wśród zamożnych mieszkańców Paryża, a jego liczne prace wystawiane są w wielu galeriach na całym świecie.
8. Claude Monet
Claude Monet urodził się we Francji, w Paryżu, w 1926 roku. Jest jednym z najsłynniejszych malarzy świata i jednym z twórców impresjonizmu. Jego twórczość do dziś budzi podziw. ogromna ilość ludzie.
7 Salvadora Dali
Ten ekscentryczny artysta XX wieku od wielu lat nawiedza naszych współczesnych. Jego obrazy zachwycają techniką, ale jeszcze bardziej uderzające jest to, co przedstawił na swoich obrazach. Wielu przerażają i dezorientują, a wielu zachwycają. Pomimo swoich kontrowersyjnych dzieł można powiedzieć, że Salvador Dali to jeden z najsłynniejszych artystów na świecie.
6 Michał Anioł Buonarroti
Michelangelo Buonarroti to jeden z najwybitniejszych artystów renesansu, znany na całym świecie. Jego życie było długie i pełne wydarzeń, a jego dzieła przetrwały wieki i dały mu życie wieczne. Jego nazwisko do dziś kojarzone jest z nazwiskiem największego artysty na świecie.
5 Rafaela Santi
Rafael Santi jest znany artysta Renesans. Jego prace zadziwiają umysły wielu, a jego technika jest po prostu niepowtarzalna. Miał ogromną liczbę uczniów, ale żadnemu z nich nie udało się osiągnąć takiego sukcesu, jaki osiągnął ich nauczyciel.
4 stycznia Wermeera
Jan Vermeer to genialny holenderski artysta, którego portrety zadziwiają dokładnością i oryginalnością. Przez całe życie nieźle zarabiał, tworząc portrety zamożnych klientów. A teraz jego obrazy są warte fortunę. Niestety nie przekazał swoich umiejętności nikomu, bo nie miał ani jednego ucznia.
3 Pabla Picassa
Ten wybitny artysta znany wielu osobom. I choć nie wszyscy rozumieją wartość jego obrazów, nie można zaprzeczyć, że wniósł on kolosalny wkład w rozwój sztuki piękne, a jego obrazy przyniosły mu ogromną fortunę.
2 Vincenta Van Gogha
Ten holenderski artysta znany jest nie tylko ze swoich niezwykłych dzieł, ale także z zaburzeń psychicznych, które później doprowadziły do jego samobójstwa. Niestety w ciągu swojego życia udało mu się sprzedać tylko jeden obraz, ale teraz jego prace są warte mnóstwo pieniędzy.
1 Leonardo da Vinci
Ten wybitny człowiek jest nie tylko znakomitym artystą, ale także naukowcem i wynalazcą. Był jednym z najwybitniejszych przedstawicieli swoich czasów. Jego obrazy znane są nawet osobom dalekim od sztuki. Jego prace wniosły ogromny wkład w rozwój społeczeństwa ludzkiego.
„Każdy portret malowany z uczuciem jest w istocie portretem artysty, a nie osoby, która mu pozowała.” Oskara Wilde’a
Co trzeba zrobić, żeby zostać artystą? Prosta imitacja dzieła nie może być uznana za sztukę. Sztuka to coś, co pochodzi z wnętrza. Pomysł autora, pasja, poszukiwania, pragnienia i smutki, które ucieleśniają na płótnie artysty. W całej historii ludzkości namalowano setki tysięcy, a może i miliony obrazów. Niektóre z nich to prawdziwe arcydzieła, znane na całym świecie, znają je nawet osoby nie mające nic wspólnego ze sztuką. Czy wśród takich obrazów można wskazać 25 najwybitniejszych? Zadanie jest bardzo trudne, ale próbowaliśmy...
✰ ✰ ✰
25„Trwałość pamięci”, Salvador Dali
Dzięki temu obrazowi Dali zasłynął w dość młodym wieku, miał 28 lat. Obraz ma kilka innych tytułów - „Miękkie godziny”, „Twardość pamięci”. To arcydzieło przyciągnęło uwagę wielu krytyków sztuki. W zasadzie interesowała ich interpretacja obrazu. Mówi się, że idea malarstwa Dali nawiązuje do teorii względności Einsteina.
✰ ✰ ✰
24„Taniec”, Henri Matisse
Henri Matisse nie zawsze był artystą. Swoją miłość do malarstwa odkrył po ukończeniu studiów prawniczych w Paryżu. Studiował sztukę tak gorliwie, że stał się jednym z najwybitniejszych artystów na świecie. Ten obraz ma bardzo mało negatywnej krytyki ze strony krytyków sztuki. Odzwierciedla połączenie pogańskich rytuałów, tańca i muzyki. Ludzie tańczą w transie. Trzy kolory - zielony, niebieski i czerwony, symbolizują Ziemię, Niebo i Ludzkość.
✰ ✰ ✰
23„Pocałunek”, Gustav Klimt
Gustav Klimt był często krytykowany za nagość w swoich obrazach. „Pocałunek” został doceniony przez krytyków jako połączenie wszystkich form sztuki. Obraz mógłby przedstawiać samego artystę i jego kochankę Emilię. Klimt napisał ten obraz pod wpływem Bizantyjska mozaika. Bizantyjczycy używali złota w swoich obrazach. Podobnie Gustav Klimt dodawał złoto do swoich farb, tworząc swój własny styl malarstwa.
✰ ✰ ✰
22„Śpiący Cygan”, Henri Rousseau
Nikt poza samym Rousseau nie potrafił lepiej opisać tego obrazu. Oto jego opis – „Cyganka-koczownica, która śpiewa swoje piosenki przy akompaniamencie mandoliny, śpi na ziemi ze zmęczenia, w pobliżu leży jej dzbanek z wodą pitną. Przechodzący lew podszedł, aby ją obwąchać, ale jej nie dotknął. Wszystko jest zalane światło księżyca, bardzo poetycka atmosfera.” Warto zauważyć, że Henri Rousseau jest samoukiem.
✰ ✰ ✰
21„Sąd Ostateczny”, Hieronim Bosch
Bez niepotrzebne słowa- zdjęcie jest po prostu wspaniałe. Tryptyk ten jest największym zachowanym obrazem Boscha. Lewe skrzydło przedstawia historię Adama i Ewy. Centralna część to „ Dzień Sądu Ostatecznego„ze strony Jezusa – kto powinien pójść do nieba, a kto do piekła. Ziemia, którą tu widzimy, płonie. Prawe skrzydło przedstawia obrzydliwy obraz piekła.
✰ ✰ ✰
20
Każdy zna Narcyza Mitologia grecka- mężczyzna, który miał obsesję na punkcie swojego wyglądu. Dali napisał własną interpretację Narcyza.
Oto historia. Piękny młody mężczyzna Narcyz z łatwością złamał serca wielu dziewcząt. Bogowie interweniowali i aby go ukarać, pokazali mu swoje odbicie w wodzie. Narcyz zakochał się w sobie i ostatecznie umarł, ponieważ nigdy nie był w stanie się objąć. Wtedy bogowie pożałowali, że mu to zrobili i postanowili uwiecznić go w postaci kwiatu narcyza.
Po lewej stronie obrazu Narcyz patrzy na swoje odbicie. Po czym zakochał się w sobie. Prawy panel pokazuje wydarzenia, które miały miejsce później, w tym powstały kwiat, żonkil.
✰ ✰ ✰
19
Fabuła filmu oparta jest na biblijnej masakrze niemowląt w Betlejem. Gdy mędrcy dowiedzieli się o narodzinach Chrystusa, król Herod nakazał zabicie wszystkich małych dzieci płci męskiej i niemowląt w Betlejem. Na zdjęciu masakra osiąga szczyt, ostatnie dzieci odebrane matkom czekają na bezlitosną śmierć. Widoczne są także zwłoki dzieci, dla których wszystko jest już za sobą.
Dzięki zastosowaniu bogatej kolorystyki obraz Rubensa stał się arcydziełem światowej sławy.
✰ ✰ ✰
18
Twórczość Pollocka bardzo różni się od twórczości innych artystów. Położył płótno na ziemi i poruszał się po płótnie, ściekając z góry na płótno farbą za pomocą patyków, pędzli i strzykawek. Dzięki temu unikalna technologia w kręgach artystycznych nazywany był „Jack the Sprinkler”. Przez pewien czas obraz ten nosił miano najdroższego obrazu świata.
✰ ✰ ✰
17
Znany również jako „Dancing at Le Moulin de la Galette”. Obraz ten uważany jest za jeden z najradośniejszych obrazów Renoira. Ideą filmu jest pokazanie widzom zabawnej strony paryskiego życia. Na szczegółowe badanie malowaniu widać, że Renoir umieścił na płótnie kilku swoich przyjaciół. Ponieważ obraz wydaje się nieco zamazany, początkowo został skrytykowany przez współczesnych Renoira.
✰ ✰ ✰
16
Fabuła została zaczerpnięta z Biblii. Na zdjęciu” ostatnia kolacja„przedstawia ostatnią wieczerzę Chrystusa przed jego aresztowaniem. Właśnie rozmawiał ze swoimi apostołami i powiedział im, że jeden z nich go zdradzi. Wszyscy apostołowie są zasmuceni i mówią mu, że to oczywiście nie oni. To był ten moment, który Da Vinci pięknie przedstawił poprzez swoje żywe przedstawienie. Ukończenie tego obrazu zajęło wielkiemu Leonardo cztery lata.
✰ ✰ ✰
15
„Lilie wodne” Moneta można znaleźć wszędzie. Prawdopodobnie widziałeś je na tapetach, plakatach i okładkach magazynów o sztuce. Faktem jest, że Monet miał obsesję na punkcie lilii. Zanim zaczął je malować, wyhodował niezliczoną ilość tych kwiatów. Monet zbudował w swoim ogrodzie most w stylu japońskim nad stawem z liliami. Był tak zadowolony z tego, co osiągnął, że narysował tę fabułę siedemnaście razy w ciągu jednego roku.
✰ ✰ ✰
14
Jest w tym obrazie coś złowrogiego i tajemniczego, otacza go aura strachu. Tylko taki mistrz jak Munch potrafił przedstawić strach na papierze. Munch stworzył cztery wersje Krzyku w oleju i pastelach. Z wpisów w pamiętniku Muncha wynika, że on sam wierzył w śmierć i duchy. Na obrazie „Krzyk” przedstawił siebie w momencie, gdy pewnego dnia, spacerując z przyjaciółmi, poczuł strach i podekscytowanie, które chciał namalować.
✰ ✰ ✰
13
Obraz, o którym zwykle mówi się jako o symbolu macierzyństwa, nie miał nim zostać. Mówi się, że model Whistlera, który miał zasiadać do obrazu, nie pojawił się, a zamiast tego postanowił namalować swoją matkę. Można powiedzieć, że ukazane jest tu smutne życie matki artysty. Nastrój ten zawdzięczamy ciemnym kolorom zastosowanym w tym obrazie.
✰ ✰ ✰
12
Picasso poznał Dorę Maar w Paryżu. Mówią, że była intelektualnie bliższa Picassowi niż wszystkie jego poprzednie kochanki. Korzystając z kubizmu, Picasso był w stanie przekazać ruch w swoich pracach. Wydaje się, że twarz Maara zwraca się w prawo, w stronę twarzy Picassa. Artysta uczynił obecność kobiety niemal realną. Może chciał czuć, że ona tam była, zawsze.
✰ ✰ ✰
11
Van Gogh napisał „Gwiaździstą noc” podczas leczenia, podczas którego pozwolono mu malować tylko do czasu poprawy jego stanu. Na początku tego samego roku odciął sobie lewy płatek ucha. Wielu uważało artystę za szaleńca. Z całej kolekcji dzieł Van Gogha” Gwiaździsta noc„ zyskała największą sławę, być może dzięki niezwykłemu sferycznemu światłu wokół gwiazd.
✰ ✰ ✰
10
Na tym obrazie Manet odtworzył Wenus z Urbino Tycjana. Artysta miał złą reputację ze względu na przedstawianie prostytutek. Choć panowie w tamtym czasie dość często odwiedzali kurtyzany, nie przypuszczali, że komukolwiek przyjdzie do głowy ich malowanie. Wtedy preferowano, aby artyści malowali obrazy o tematyce historycznej, mitycznej lub tematy biblijne. Jednak Manet, wbrew krytyce, pokazał widzom ich współczesność.
✰ ✰ ✰
9
To zdjęcie jest malarstwo historyczne, który przedstawia podbój Hiszpanii przez Napoleona.
Otrzymawszy zamówienie na obrazy przedstawiające walkę narodu hiszpańskiego z Napoleonem, artysta nie malował płócien heroicznych i żałosnych. Wybrał moment, w którym hiszpańscy rebelianci zostali zastrzeleni przez francuskich żołnierzy. Każdy z Hiszpanów przeżywa ten moment na swój sposób, niektórzy już się pogodzili, ale dla innych główna bitwa dopiero nadeszła. Wojna, krew i śmierć – to właśnie przedstawił Goya.
✰ ✰ ✰
8
Uważa się, że przedstawiona dziewczyna jest najstarsza córka Vermeer, Maria. Jego cechy są obecne w wielu jego dziełach, ale trudno je porównywać. Książka o tym samym tytule została napisana przez Tracy Chevalier. Ale Tracy ma zupełnie inną wersję osoby przedstawionej na tym zdjęciu. Twierdzi, że podjęła ten temat, bo informacji o Vermeerze i jego obrazach jest bardzo mało, a ten konkretny obraz emanuje tajemniczą atmosferą. Później na podstawie jej powieści powstał film.
✰ ✰ ✰
7
Dokładny tytuł obrazu brzmi: „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Towarzystwo Strzeleckie było cywilną milicją wezwaną do obrony miasta. Oprócz milicji Rembrandt dodał kilka dodatkowe osoby. Biorąc pod uwagę, że malując ten obraz, kupił drogi dom, może być prawdą, że za „Nocną Straż” otrzymał ogromne wynagrodzenie.
✰ ✰ ✰
6
Choć obraz zawiera wizerunek samego Velázqueza, nie jest to autoportret. Główny bohater obrazy - Infantka Małgorzata, córka króla Filipa IV. Przedstawia to moment, gdy Velázquez, pracując nad portretem króla i królowej, zmuszony jest zatrzymać się i spojrzeć na infantkę Małgorzatę, która właśnie weszła do pokoju ze swoim orszakiem. Obraz wygląda niemal jak żywy, wzbudzając ciekawość publiczności.
✰ ✰ ✰
5
Jest to jedyny obraz Bruegla namalowany techniką olejną, a nie temperą. W dalszym ciągu istnieją wątpliwości co do autentyczności obrazu, głównie z dwóch powodów. Po pierwsze, nie malował olejami, po drugie, najnowsze badania wykazały, że pod warstwą malarstwa kryje się kiepskiej jakości rysunek schematyczny, nie należący do Bruegla.
Obraz przedstawia historię Ikara i moment jego upadku. Według mitu pióra Ikara zostały przytwierdzone woskiem, a ponieważ Ikar wzniósł się bardzo blisko słońca, wosk stopił się i wpadł do wody. Krajobraz ten zainspirował W. H. Audena do napisania swojego najsłynniejszego wiersza na ten sam temat.
✰ ✰ ✰
4
Szkoła Ateńska to chyba najsłynniejszy fresk autorstwa włoskiego artysty renesansu, Rafaela.
Na tym fresku w Szkole Ateńskiej wszyscy wielcy matematycy, filozofowie i naukowcy zebrali się pod jednym dachem, dzieląc się swoimi teoriami i ucząc się od siebie nawzajem. Mieszkali w nim wszyscy bohaterowie różne czasy, ale Raphael umieścił ich wszystkich w jednym pokoju. Niektóre z postaci to Arystoteles, Platon, Pitagoras i Ptolemeusz. Po bliższym przyjrzeniu się okazuje się, że na tym obrazie znajduje się także autoportret samego Rafaela. Każdy artysta chciałby pozostawić po sobie ślad, jedyną różnicą jest forma. Choć może uważał się za jedną z tych wielkich postaci?
✰ ✰ ✰
3
Michał Anioł nigdy nie uważał się za artystę, zawsze myślał o sobie bardziej jako o rzeźbiarzu. Udało mu się jednak stworzyć niesamowity, przepiękny fresk, którym zachwyca się cały świat. To arcydzieło znajduje się na suficie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie. Michał Anioł otrzymał zlecenie namalowania kilku Historie biblijne, z których jednym jest stworzenie Adama. Na tym zdjęciu wyraźnie widać rzeźbiarza Michała Anioła. Ludzkie ciało Adama jest renderowane z niesamowitą precyzją przy użyciu żywych kolorów i precyzyjnych form mięśni. Można się więc zgodzić z autorem, przecież jest on bardziej rzeźbiarzem.
✰ ✰ ✰
2„Mona Lisa”, Leonardo da Vinci
Choć jest to najczęściej badany obraz, Mona Lisa nadal pozostaje najbardziej tajemnicza. Leonardo powiedział, że nigdy nie przestał nad tym pracować. Dopiero jego śmierć, jak mówią, zakończyła pracę na płótnie. „Mona Lisa” to pierwszy włoski portret, na którym modelka jest przedstawiona od pasa w górę. Skóra Mony Lisy nabiera blasku dzięki zastosowaniu kilku warstw przezroczystych olejków. Istnienie naukowcy Leonardo da Vinci wykorzystał całą swoją wiedzę, aby uczynić wizerunek Mony Lisy realistycznym. Kto dokładnie jest przedstawiony na obrazie, wciąż pozostaje tajemnicą.
✰ ✰ ✰
1
Obraz przedstawia Wenus, boginię miłości, unoszącą się na muszli na wietrze niesionym przez Zefira, boga zachodniego wiatru. Na brzegu spotyka ją Ora, bogini pór roku, która jest gotowa ubrać nowonarodzone bóstwo. Za modelkę Wenus uważa się Simonettę Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo zmarła w wieku 22 lat, a Botticelli chciał być pochowany obok niej. Nieodwzajemniona miłość związała go z nią. Ten obraz jest najwspanialszym dziełem sztuki, jakie kiedykolwiek powstało.
✰ ✰ ✰
Wniosek
To był artykuł TOP 25 najsłynniejszych obrazów świata. Dziękuję za uwagę!
Spośród wszystkich najsłynniejszych artystów chciałbym szczególnie zwrócić uwagę na twórczość artysty Miftyachow Marat Chajdarowicz.
Krajobrazy Maratu są niesamowite i niepowtarzalne.
Zdjęcia mogą być różne: realistyczne i nierealne, zrozumiałe i niezrozumiałe.
Jeśli widzisz, że na zdjęciu narysowana jest szklanka, jest to całkowicie oczywiste, więc o czym warto pomyśleć? Spojrzałeś na zdjęcie i zdałeś sobie sprawę, że to szklanka, jutro spojrzałeś raz po raz i zdałeś sobie sprawę, że to było szklanka... Najprawdopodobniej po obejrzeniu takiego zdjęcia raz nie będziesz chciał na nie patrzeć ponownie, ponieważ jest to oczywiste i nie wymaga wyjaśnień. Obrazy Marata są całkowitym przeciwieństwem takich obrazów. Przyciągają i fascynują, ponieważ przedstawiają zupełnie nieznane i niezrozumiałe obiekty i krajobrazy, tworząc w połączeniu ze sobą fantastyczne widoki.
Obrazy zawierają wiele różnych drobnych szczegółów.
Bardzo trudno jest szczegółowo zbadać cały obraz na raz; takie zdjęcia wymagają wielokrotnego oglądania. I za każdym razem, zbliżając się do obrazu, widz może odkryć coś nowego, coś, czego wcześniej nie zauważył. Ta cecha jest wpisana we wszystkie obrazy Marata i sprawia, że oglądanie ich staje się jeszcze atrakcyjniejsze. Obrazy są bogate w informacje i niosą ze sobą głębokie znaczenie filozoficzne.
„Uważam Renato Guttuso za najważniejszego artystę współczesnego Europa Zachodnia„- napisał J. Berger.
A oto słowa Carlo Leviego: „Guttuso to wielki artysta i to nie tylko Sycylii i Włoch. Teraz jest jednym z największych artystów na świecie. „Jestem o tym głęboko przekonany i cieszę się, że mogę to ogłosić bez ograniczeń i zastrzeżeń, z pełną odpowiedzialnością”.
Renato Guttuso urodził się na Sycylii w Bagherii koło Palermo 26 grudnia 1911 roku (według innych źródeł – 2 stycznia 1912 roku) w rodzinie geodety. Pierwsze umiejętności zawodowe zdobywał u artysty ludowego Emilio Murdolo, który malował powozy. Podczas studiów w Liceum Guttuso zajmował się jednocześnie malarstwem: zapoznawał się z książkami o sztuce i odwiedzał pracownie artystów. Pod koniec lat dwudziestych pojawiły się jego pierwsze obrazy.
Na pierwszej Cuadriennale (wystawa czteroletnia Włoscy artyści) przychodzi mu niewielki sukces - krytycy zwrócili uwagę na dwa jego obrazy.
Już za życia nazwisko Dali było otoczone aureolą światowej sławy. Nikt poza Pablo Picasso nie mógł się z nim równać pod względem sławy.
Słynny reżyser Alfred Hitchcock napisał: „Doceniłem Dalego za wycinane kontury jego obrazów - oczywiście pod wieloma względami podobnych do obrazów de Chirico - za jego długie cienie, niekończące się zniesławianie, nieuchwytną linię przechodzącą w nieskończoność, dla twarzy bez kształtu. Naturalnie wynalazł wiele innych bardzo dziwnych rzeczy, których nie udało się zrealizować.
Dali mówił o swoim malarstwie: „Jak chcesz rozumieć moje obrazy, skoro ja, który je stworzyłem, też ich nie rozumiem. To, że w momencie malowania nie rozumiem swoich obrazów, nie oznacza, że te obrazy nie mają żadnego znaczenia, wręcz przeciwnie, ich znaczenie jest tak głębokie, złożone, powiązane, mimowolne, że wymyka się prostej logicznej analizie.
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dali y Domenech urodził się 11 maja 1904 roku w małym miasteczku Figueres (prowincja Girona), w rodzinie prawnika. Na chrzcie otrzymał takie samo imię jak jego brat, który zmarł w wieku siedmiu lat na zapalenie opon mózgowo-rdzeniowych. Artysta w swojej autobiografii pisze: „Rodząc się, zająłem miejsce ukochanego zmarłego, który nadal był kochany przeze mnie... Wszystkie moje późniejsze ekscentryczne działania, wszystkie moje niekonsekwentne wybryki były tragiczną stałą mojego życia : Musiałem sobie udowodnić, że nie jestem swoim zmarłym bratem, ale sobą samym żywym. W ten sposób zetknąłem się z mitem o Kastorze i Polluksie: zabijając w sobie własnego brata, zdobyłem własną nieśmiertelność.
„Realizm nie jest ustaloną raz na zawsze formułą, nie jest dogmatem, nie jest niezmiennym prawem. Realizm, jako forma odzwierciedlenia rzeczywistości, musi być w ciągłym ruchu” – mówi Siqueiros. I jeszcze jedna jego wypowiedź: „Widz nie jest posągiem wpisanym w linearną perspektywę obrazu… on porusza się po całej jego powierzchni… osoba obserwująca obraz dopełnia intuicję artysty kreatywność w swoim ruchu.”
29 grudnia 1896 roku w meksykańskim mieście Chihuahua Don Cipriano Alfaro i Teresie Siqueiros urodził się syn José David Alfaro Siqueiros. Już w wieku jedenastu lat wykazywał talent do malarstwa, dlatego w 1907 roku chłopiec został wysłany na studia do Państwowej Wyższej Szkoły Filmowej im. szkoła przygotowawcza w Meksyku. Wkrótce potem Alfaro rozpoczyna naukę w klasach Akademii Sztuki w San Carlos.
Tutaj Siqueiros staje się jednym z przywódców studenckich i podburza akademię do protestów i strajku. Artysta wspomina: „Jakie były cele naszego strajku? Czego żądaliśmy? Nasze żądania dotyczyły zarówno kwestii edukacyjnych, jak i politycznych. Chcieliśmy położyć kres przestarzałej rutynie akademickiej, która panowała w naszej szkole. Jednocześnie stawiamy także pewne żądania natury ekonomicznej... Domagaliśmy się nacjonalizacji koleje. Cały Meksyk się z nas śmiał... Szczerze mówiąc, jestem głęboko przekonany, że właśnie tego dnia w duszy każdego z nas narodził się artysta-obywatel, artysta żyjący w interesie publicznym...”
Płótna Plastova są pełne mocy afirmującej życie. Poprzez kolor i dzięki kolorowi wypełnia swoje obrazy żywym, żywym uczuciem. Artystka mówi: „Kocham to życie. A kiedy widzisz to rok po roku... myślisz, że trzeba o tym ludziom opowiadać... Nasze życie jest pełne i bogate, jest w nim tyle niesamowicie ciekawych rzeczy, że przyciągają nawet zwykłe codzienne sprawy naszych ludzi uwagę i wstrząsnąć duszą. Trzeba to zobaczyć, zauważyć.”
Arkady Aleksandrowicz Plastow urodził się 31 stycznia 1893 roku we wsi Prislonikha w obwodzie symbirskim w rodzinie wiejskiego malarza ikon. Jego rodzice marzyli o tym, aby ich syn został księdzem. Po ukończeniu trzech klas szkoły wiejskiej, w 1903 roku Arkady został wysłany do Symbirskiej Szkoły Teologicznej. Pięć lat później wstąpił do Seminarium Teologicznego w Symbirsku.
Wiosną tego samego 1908 roku zetknął się z twórczością zespołu malarzy ikon, który odnawiał cerkiew w Prisłonikach. „Kiedy zaczęto stawiać rusztowanie – pisze artysta w swojej autobiografii – „szlifując farby, gotując suszący się olej na stromym brzegu rzeki, ja sam nie byłem sobą i oczarowany chodziłem wokół przyjezdnych cudotwórców”. Obserwując, jak na ścianach starego, brudnego kościoła rodził się nowy, niespotykany dotąd świat obrazów, chłopiec stanowczo zdecydował: „Być tylko malarzem i niczym więcej”.
Chagalla można zrozumieć poprzez „czucie”, a nie „rozumienie”. „Niebo i lot to główny stan pędzla Chagalla” – zauważył Andrei Voznesensky.
„Spacerowałem po Księżycu” – powiedział artysta – „kiedy nie było jeszcze astronautów. Na moich obrazach postacie znajdowały się na niebie i w powietrzu…”
Marek Zacharowicz Chagall urodził się 7 lipca 1887 roku w Witebsku. Był najstarszym z dziesięciorga dzieci drobnego kupca. Jego ojciec był robotnikiem u handlarza śledziem, a jego matka, Feiga, prowadziła mały sklep. W 1905 roku Marek ukończył czteroletnią miejską szkołę zawodową.
Pierwszym nauczycielem Marka był Yu.M. Peng. W swojej autobiografii zatytułowanej „Moje życie” Chagall poświęcił Jurijowi Moiseevichowi następujące wersety: „Pióro jest mi drogie. Tak więc jego drżąca postać staje mi przed oczami. W mojej pamięci mieszka obok swojego ojca. Często, spacerując w myślach opustoszałymi ulicami mojego miasta, wciąż na niego wpadam. Ile razy byłem gotowy go błagać, stojąc na progu szkoły: nie potrzebuję sławy, tylko żebym stał się jak ty, pokornym mistrzem, albo żeby zamiast twoich obrazów powiesić na twojej ulicy, w twoim dom, obok ciebie. Pozwól mi!”
Znany krytyk Paul Husson pisał w 1922 roku o Modiglianim:
„Po Gauguinie niewątpliwie wiedział najlepiej, jak wyrazić w swojej twórczości poczucie tragizmu, jednak u niego to uczucie było bardziej intymne i zwykle pozbawione jakiejkolwiek ekskluzywności.
...Ten artysta nosi w sobie wszystkie niewypowiedziane aspiracje do nowej wyrazistości, charakterystyczne dla epoki, która pragnie absolutu i nie zna drogi do niego.
Amedeo Clemente Modigliani urodził się 12 lipca 1884 roku w rodzinie włoskich Żydów. Jego ojciec, Flaminio Modigliani, po bankructwie swojego biura Drewno Opałowe i Węgiel, stał na czele biura pośrednictwa. Matka, Evgenia Garsen, pochodziła z rodziny kupieckiej.
Picasso powiedział: „Sztuka jest kłamstwem, które pomaga nam zrozumieć prawdę”.
Pablo Ruiz Picasso urodził się 25 października 1881 roku w Maladze w Hiszpanii w rodzinie artysty Don José Ruiza i Marii Picasso y Lopez. Z czasem artysta przyjął nazwisko matki. Mój ojciec był skromnym nauczycielem plastyki, czasami wykonywał zlecenia na malowanie wnętrz. Chłopiec bardzo wcześnie zaczął rysować. Już pierwsze szkice zachwycają kunsztem i profesjonalizmem. Pierwszy obraz młodego artysty nosił tytuł „Picador”.
Kiedy Pablo kończy dziesięć lat, wraz z rodziną przeprowadza się do La Coruña. W 1892 roku wstąpił do miejscowego Szkoła artystyczna, gdzie jego ojciec prowadzi zajęcia z rysunku i zdobnictwa.
G.S. Oganov pisze: „...Artysta dążył do wydobycia życia obrazu poprzez wyrazistość formy, stąd poszukiwanie dynamicznego napięcia, rytmu i koloru. Oczywiście widza dziwią nie same poszukiwania, ale przede wszystkim wynik. I ten wynik w Petrov-Vodkin zawsze wykracza poza czysto kompozycyjne, dekoracyjne, obrazowe poszukiwania - życie ducha jest tu zawsze obecne w konkretnym psychologicznym, a jednocześnie filozoficznie uogólnionym wyrazie. To nadaje skalę jego dziełom i czyni je, z wszelkimi zewnętrznymi, formalnymi podobieństwami do starożytnego rosyjskiego lub współczesnego Sztuka zachodnioeuropejska dzieła oryginalne, niepowtarzalne i głęboko niezależne.”
Kuźma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin urodził się nad Wołgą w małym miasteczku Chwalińsk 5 listopada 1878 r. Był pierworodnym w rodzinie szewca Siergieja Fiodorowicza Wodkina i jego żony Anny Panteleevnej z domu Petrova. Kiedy chłopiec był w trzecim roku życia, jego ojciec został zwerbowany do wojska i wysłany do służby w Petersburgu, na Ochcie. Wkrótce Anna Panteleevna przeprowadziła się tam wraz ze swoim małym synkiem. Po dwóch i pół roku wróciła do Chwalińska, gdzie jej matka rozpoczęła służbę w domu miejscowych bogatych ludzi. Kuźma mieszkała z nią w oficynie.
TJ. Repin nazwał Kustodiewa „bohaterem malarstwa rosyjskiego”. „Wielki rosyjski artysta - i z rosyjską duszą” – powiedział o nim inny znany malarz- M.V. Niestierow. A oto co pisze N.A.: Sautin: „Kustodiew to artysta o wszechstronnym talencie. Znakomity malarz, wszedł do sztuki rosyjskiej jako autor znaczących dzieł gatunek codzienny, oryginalne krajobrazy i portrety o głębokiej treści. Znakomity rysownik i grafik Kustodiew zajmował się linorytem i drzeworytem, występował ilustracje książkowe i szkice teatralne. Opracował własny oryginał systemie artystycznym, udało się poczuć i ucieleśnić oryginalne cechy rosyjskiego życia.
Borys Michajłowicz Kustodiew urodził się 7 marca 1878 roku w Astrachaniu. Jego ojciec, Michaił Łukicz Kustodiew, który uczył języka rosyjskiego, literatury i logiki w gimnazjum i seminarium dla dziewcząt w Astrachaniu, zmarł, gdy chłopiec nie miał nawet dwóch lat. Wszystkie zmartwienia związane z wychowaniem czwórki dzieci spadły na ramiona matki, Ekateriny Prochorownej. Matka wynajęła mały budynek gospodarczy w domu bogatego kupca. Jak wspomina Borys Michajłowicz: „Widoczny był cały szlak bogatego i obfitego życia kupieckiego… To były żywe typy Ostrowskiego…”. Kilkadziesiąt lat później wrażenia te materializują się na obrazach Kustodiewa.
Twórca własnego stylu abstrakcyjnego – suprematyzmu – Kazimierz Siewierinowicz Malewicz urodził się 23 lutego 1878 r. (według innych źródeł – 1879 r.) w Kijowie. Rodzice Severin Antonowicz i Ludwiga Aleksandrowna byli z pochodzenia Polakami. Artysta wspominał później: „Okoliczności, w jakich toczyło się moje dzieciństwo, były następujące: mój ojciec pracował w cukrowniach i cukrowniach, które zwykle buduje się w głębokiej dziczy, z dala od dużych i małych miast”.
Około 1890 roku mój ojciec został przeniesiony do fabryki, która znajdowała się we wsi Parkhomovka koło Belopolye. Tutaj Kazimierz kończy pięcioletnią szkołę rolniczą: „Wieś... zajmowała się sztuką (nie znałem wtedy takiego słowa)... Z wielkim wzruszeniem przyglądałem się, jak chłopi malowali, pomagali im mazać wykładać gliną podłogi chat i układać wzory na piecu... Całe życie chłopów bardzo mnie fascynowało... Na tym tle rozwinęło się we mnie uczucie do sztuki, do sztuki. Cztery lata później rodzina przeniosła się do fabryki w Wołchoku, a następnie do Konotopu.
Malarstwo rosyjskie słusznie wyróżnia się na tle świata sztuki artystyczne. Faktem jest, że do XVII w. malarstwo domowe kojarzono wyłącznie z tematyką religijną. Sytuacja uległa zmianie wraz z dojściem do władzy reformującego się cara Piotra Wielkiego. Dzięki jego reformom zaczęli angażować się rosyjscy mistrzowie malarstwo świeckie nastąpiło wyodrębnienie się malarstwa ikonowego jako odrębnego kierunku. Wiek XVII to czas twórczości takich artystów jak Szymon Uszakow i Józef Władimirow. Potem po rosyjsku świat sztuki portret narodził się i szybko stał się popularny. W XVIII wieku pojawili się pierwsi artyści, przenosząc się z malarstwo portretowe do krajobrazu. Zauważalna jest wyraźna sympatia artystów do zimowych panoram. Wiek XVIII pamięta się także z pojawieniem się malarstwa codziennego. W XIX wieku w Rosji popularność zyskały trzy ruchy: romantyzm, realizm i klasycyzm. Tak jak poprzednio, rosyjscy artyści nadal zwracali się ku gatunkowi portretów. Wtedy pojawiły się światowej sławy portrety i autoportrety O. Kiprensky'ego i V. Tropinina. W drugiej połowie XIX wieku artyści coraz częściej przedstawiali zwykłych Rosjan w ich uciskanym państwie. Realizm staje się centralnym kierunkiem malarstwa tego okresu. Wtedy właśnie pojawili się artyści wędrowni, przedstawiający tylko prawdziwe, prawdziwe życie. Cóż, wiek XX to oczywiście awangarda. Artyści tamtych czasów wywarli znaczący wpływ zarówno na swoich zwolenników w Rosji, jak i na całym świecie. Ich obrazy stały się prekursorami sztuki abstrakcyjnej. Malarstwo rosyjskie jest ogromne niesamowity świat utalentowani artyści którzy wychwalali Rosję swoimi dziełami