Rose Salvator - wszystkie obrazy artysty. Plakaty, reprodukcje obrazów znanych artystów w wysokiej rozdzielczości, dobrej jakości, kliparty i fotografie w dużych rozmiarach do pobrania obrazów róż Salvatora

Salvator Rosa był włoskim malarzem, rytownikiem, poetą i muzykiem.

Urodzony w Renella koło Neapolu, 20 czerwca 1615 r. (16150620), wychowywał się w klasztorze i przygotowywał się do przyjęcia święceń kapłańskich, ale wkrótce poczuł nieodparty pociąg do sztuki i zaczął studiować najpierw muzykę, a potem malarstwo. Jego mentorami w tym ostatnim byli najpierw szwagier ks. Francanzone, uczeń X. Ribery, potem sam Ribera i wreszcie malarz batalistyczny Aniello Falcone. Oprócz tych artystów rozwój talentu R. znacznie ułatwiło pisanie przez niego szkiców z życia bez niczyjej pomocy. W wieku osiemnastu lat wyruszył na wędrówkę po Apulii i Kalabrii, wpadł w ręce miejscowych zbójców i przez jakiś czas mieszkał wśród nich, studiując ich typy i zwyczaje, po czym podjął pracę w Neapolu.

W 1634 przeniósł się do Rzymu, gdzie nie zwlekając ze zdobyciem sławy dzięki wizerunkom charakterystycznym, pełen życia sceny z życia pasterzy, żołnierzy i bandytów, ale dzięki swoim satyrom, a zwłaszcza dwóm obrazom: „Przemijanie życia ludzkiego” i „Bogini szczęścia marnująca swoje dary na niegodnych”, zantagonizował społeczeństwo rzymskie do takich do tego stopnia, że ​​musiał wycofać się do Neapolu. Kiedy wybuchła tam rewolucja Masaniello, brał w niej udział. Od 1650 do 1660 pracował we Florencji, na dworze wielkiego księcia J.-C. Medici, od czasu do czasu odwiedzając Rzym. Wreszcie osiadł ponownie w tym mieście, gdzie zmarł 15 marca 1673 roku.

Należąca do kierunku talentu przyrodników neapolitańskiej szkoły malarstwa, mająca pewne powiązania ze swoimi nauczycielami, Riberą i Falcone, Rosa wykazała się jednak, przy dużej różnorodności w wyborze tematów, dużą oryginalnością w ich interpretacji. Na obrazach na tematy historyczne wiedział, jak połączyć realizm obrazu ze szlachetnością żywej kompozycji i mocnym wyrazem idei. Za najlepszy z tych obrazów uważa się „Spisek Katyliny” (w galerii Pałacu Pitti we Florencji). Wśród innych tego typu dzieł Róży na szczególną uwagę zasługują: „Anioł i Tobiasz” oraz „Pojawienie się cienia Samuela Saulowi” (w Luwrze w Paryżu), „Jonasz w Niniwie” oraz „Kadmus i Minerwa” (w Galerii Kopenhaskiej), „Ukrzyżowanie” (w Muzeum w Brunszwiku), „Prometeusz” (w Galerii w Hadze), „ Syn marnotrawny„, „Odyseusz i Nausicaa” oraz „Demokryt i Protagoras” (w Państwowy Ermitaż) i kilka innych.

Portrety Rosy są bardzo charakterystyczne i wyraziste, co sugeruje ich podobieństwo do pozujących przed nim twarzy. W tych pejzażach, które wyszły spod jego pędzla podczas pobytu we Florencji, jak na przykład w dużym nadmorskim widoku znajdującym się w Galerii Colonna w Rzymie, koneserzy malarstwa dostrzegają wpływ Claude'a Lorraina. W innych obrazach tego typu zauważalna jest pewna sztuczność i letarg. Ale Rose to znakomity, na wskroś oryginalny mistrz, przesiąknięty poezją, gdy przedstawia surowe góry, dzikie wąwozy, głębokie leśne zarośla, zwłaszcza gdy maluje na małych płótnach. Jest wiele jego obrazów, na których gra pejzaż Niewielkie znaczenie, a główną treść stanowią postacie ludzkie – głównie postacie żołnierzy i rabusiów. Takie zdjęcia można zobaczyć m.in Cesarski Ermitaż(„Żołnierze grający w kości”), w Wiedniu, Monachium, Hadze i innych galeriach. Wreszcie Rose pięknie namalowała bardzo skomplikowane obrazy bitew, których wspaniały przykład znajduje się w Luwrze w Paryżu. Jeśli chodzi o kolorystykę R., trzeba powiedzieć, że wcale nie wyróżnia się ona wielkim blaskiem, ale jest niezwykle przyjemna w swoim cieple i konsystencji światłocienia.

W ostatnie lata Przez całe życie Rosa pilnie zajmowała się grawerowaniem. W sumie wykonał 86 rycin własnej kompozycji, z których wiele można uznać za jedne z najlepszych dzieł artysty i w dobrych drukach są wysoko cenione przez miłośników grafiki, jak na przykład „Św. Wilhelm Pustelnik”, „Platon i jego uczniowie”, „Wojownik siedzący na wzgórzu” itp.

To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykuły tutaj →

Salwator Róża

http://art-line.co.ua/baroque/italian_baroque/

W 1615 roku w domu geodety i architekta Vitantonio Rosy w małym miasteczku Arenella pod Neapolem urodził się chłopiec. Nazwali go Salwator. Z okien zrujnowanej posiadłości Casaccio roztaczał się wspaniały widok na Neapol i wulkan Wezuwiusz. Wokół wioski było wiele miejsc, które urzekały swoim pięknem: wysoka skała San Elmo, twierdza Borgo di Arenella, zbudowana za panowania Karola V, wzgórza Vomero i Posilipo, wyspa Capri, wybrzeże Zatoka Neapolitańska z czystymi, błękitnymi wodami. Wszystkie te obrazy znajdą później pełne odzwierciedlenie w obrazach Salvatora Rosy. Przyszły artysta od najmłodszych lat starał się uchwycić na małych kawałkach papieru ekscytujące go obrazy natury.

Widząc u syna pragnienie wiedzy, nauki i sztuki, rodzice postanowili zapisać go do Kolegium Jezuickiego Zgromadzenia Somasca, mieszczącego się w Neapolu. Tam Salvator Rosa otrzymał różnorodne wykształcenie: studiował literaturę klasyczną, studiował gramatykę, retorykę i logikę. Między innymi otrzymałem edukacja muzyczna, nauczył się grać na harfie, flecie, gitarze, a nawet próbował komponować dzieła muzyczne(znane są napisane przez niego serenady-doncelle). Niektóre serenady były tak popularne wśród Neapolitańczyków, że śpiewali je dzień i noc pod oknami swoich kochanków.

Po pewnym czasie Salvator Rosa opuszcza uczelnię i wraca do rodzinnego miasta Arenella, gdzie poznaje lokalnego artystę Francesco Fracanzano, byłego ucznia niezwykle popularnego wówczas hiszpańskiego mistrza malarstwa Jusepe Ribery. Salvator po obejrzeniu obrazów Francesco wykonał ich kilka kopii, za co należy mu się pochwała ze strony Fracanzano, który potrafił dostrzec w młodym człowieku talent prawdziwego artysty i doradzał mu, aby poważnie zajął się malarstwem.
Od teraz Rosa dużo rysuje. W poszukiwaniu nowych obrazów wyrusza w podróż po górach Abruzji. W tym czasie pojawiają się krajobrazy przedstawiające doliny Monte Sarkio wygasły wulkan, groty Palignano, jaskinie Otranto, a także ruiny starożytnych miast Canusia i Brundisia, ruiny łuku i amfiteatru Benevento.

Tam, w górach Abruzji i Kalabrii, młody artysta spotkał włóczęgów-rozbójników, wśród których byli tacy, którzy zostali wyrzuceni ze społeczeństwa „szanowanych” ludzi za kochające wolność i odważne myśli. Pojawienie się tych bandytów tak zszokowało Salvatora, że ​​postanowił uwiecznić ich w swoim albumie. Ich wizerunki zostały następnie wykorzystane w późniejszych kompozycjach dojrzałego już mistrza (tu wypada przypomnieć rycinę z suity Capricci, która ukazuje pojmanie młodzieńca przez zbójców na czele z wodzem), znalazły także swoje odzwierciedlenie w malarstwie przedstawiające sceny batalistyczne.

Wyjazd był owocny i znaczący dla rozwoju twórczości krajobrazowej młodego malarza. Podczas swoich podróży wykonał wiele szkiców widoków włoskiej przyrody.

Przeniesione na obrazy pejzaże te są niezwykle realistyczne, żywe i naturalne. Wydaje się, że przyroda zasnęła tylko na chwilę. Wydaje się, że za sekundę wszystko ożyje, powieje lekki wiatr, drzewa się zakołyszą, ptaki zaćwierkają. Pejzaże Rosy kryją w sobie ogromną moc i szczególny wyraz. Postacie ludzi i budynków, tworząc jedną całość, harmonijnie łączą się z obrazami natury.

Pierwsza wystawa Salvatora Rosy odbyła się w Neapolu. Jeden z tych, którzy zauważyli i docenili pracę młody artysta, był znanym mistrzem monumentalne malarstwo Giovanni Lanfranco, który na wystawie kupił dla siebie kilka krajobrazów.

W połowie lat 30. XVII wiek Salvator Rosa przenosi się do Rzymu, stolicy światowej sztuki pięknej, gdzie króluje barok i klasycyzm. To właśnie w Rzymie Rosa zapoznała się z twórczością takich wielkich mistrzów malarstwa jak Michał Anioł, Rafael, Tycjan, Claude Lorrain. Duży wpływ na powstanie miał ich styl pisania metoda twórcza oraz techniki artystyczne i wizualne Rose. Jest to najbardziej widoczne w obrazach z pejzażami morskimi. Tym samym „Seaport” został napisany w najlepszych tradycjach C. Lorraina. Młody artysta idzie jednak dalej niż nauczyciel. Jego pejzaż jest naturalny i konkretny: idealne, wręcz abstrakcyjne obrazy Lotaryngii zastępują tu postacie zwykłych rybaków z Neapolu.

Kilka miesięcy później ciężko chora Rosa opuszcza bujną i piękną stolicę Włoch. Wrócił dopiero w 1639 r. Latem tego roku w Rzymie odbył się karnawał, podczas którego Róża występowała jako podróżująca aktorka pod postacią Coviello (plebejusza, który nie pogodził się ze swoim losem). A jeśli inny Coviello starał się jak najbardziej upodobnić do prawdziwych chłopów, to Rosa doskonale zagrała jego maskę, komponując cały spektakl i pokazując mu śpiewającego i grającego na gitarze, pogodnego, nie zniechęconego żadnymi okolicznościami i przeciwnościami życia młody człowiek. Akcja karnawałowa odbyła się na Piazza Navona. Salvator Rosa z małą grupą aktorów odjechał wozem bogato ozdobionym kwiatami i zielonymi gałązkami. Sukces Rose był ogromny. Po zakończeniu karnawału wszyscy zdjęli maski. Wyobraź sobie zdziwienie otaczających go osób, gdy odkryto, że pod postacią chłopa ukrywał się nie kto inny jak Salvator Rosa.

Potem Rosa zdecydowała się zająć aktorstwem. Niedaleko Porta del Popolo, w jednej z pustych willi, otwiera własny teatr. Treść spektakli wystawianych pod kierunkiem Rozy nie jest znana krytykom i historykom sztuki. Są jednak fakty, które mówią same za siebie: po premierze spektaklu, w którym aktorzy naśmiewali się z teatru dworskiego pod kierunkiem słynnego wówczas architekta i rzeźbiarza Lorenza Berniniego, ktoś wynajął dla Rosy zabójców. Czyhali na niego w pobliżu jego domu. Na szczęście do zamachu nie doszło – młody człowiek przeżył. Jednakże w związku z tymi okolicznościami zmuszony był ponownie opuścić Rzym.

Odpowiadając na zaproszenie kardynała Giovanniego Carlo Medici, Rosa udaje się do Florencji. Tutaj artysta tworzy słynny „Autoportret”.

Płótno wyróżnia się wyjątkowym wykonaniem. Młody mężczyzna przedstawiony na portrecie wydaje się nieco kanciasty. Wyczuwa się w nim jednak żywiołową energię, niezwykłą siłę woli i determinację. Na obrazie młody mężczyzna opiera się o tablicę, na której widnieje łaciński napis: „Avt tace, Avt Loqver meliora Silentio” („Albo milcz, albo powiedz, co jest lepsze od milczenia”). Napis ten brzmi jak przemyślane całe dzieło sztuki i jednocześnie credo ukazanego na płótnie młodzieńca (a więc i samego malarza).

Artysta po mistrzowsku opanował grę światła i cienia. Wyrazistość obrazu osiąga się właśnie dzięki efektowi cienia, który ostro, a czasem nawet nieoczekiwanie zamienia się w jasne plamy.

To nie przypadek, że postać młodego mężczyzny znajduje się na tle wieczornego nieba: wizerunek dumnego, niezależnego młodzieńca w ciemnych ubraniach wyróżnia się na jasnym tle, dzięki czemu staje się bliższy i bardziej zrozumiały dla widza .
W tym samym duchu powstały słynne satyry Rosy, wśród których szczególne miejsce zajmują „Poezja”, „Muzyka”, „Zazdrość”, „Wojna”, „Malarstwo”, które stały się swoistym hymnem młodego pisarza i artysty . Autorka mówi tu, że malarze, będący sługami jednej z sióstr sztuki – twórczości artystycznej i wizualnej, powinni dobrze znać historię, etnografię i nauki ścisłe. Styl Rose w poezji, a także w malarstwie objawił się w całości. Jego wiersze są energetyczne, porywcze, emocjonalne, a miejscami zbyt niegrzeczne i ostre. Stanowią swoistą opozycję wobec panującego wówczas w literaturze uroczego i sztucznie teatralnego sposobu konstruowania i brzmienia form poetyckich.

Salvator Rosa przebywał we Florencji do 1654 roku. Jego dom, według wspomnień współczesnych, był miejscem, w którym najliczniej sławni ludzie: poeta R. Giambatisti, malarz i pisarz F. Baldinucci, naukowiec E. Torricelli, profesor Uniwersytetu w Pizie G. B. Ricciardi.
Jedną z głównych idei sztuki baroku było „uczyć widza lub czytelnika dyskretnie, uczyć poprzez piękno”. Podążając za tym niepisana zasada artyści tworzyli płótna, których oglądanie wywoływało u widza bardzo specyficzne skojarzenia, przywołując wizerunki literackich bohaterów. I odwrotnie, zdaniem pisarzy epoki baroku, dzieło poetyckie Powinno być tak, aby po przeczytaniu przed oczami czytelnika pojawiały się malownicze, jasne i kolorowe obrazy.

Dziełem Salvatora Rosy jest etap początkowy powstanie i rozwój nowej formy malarskiej - malarstwa pejzażowego. W tak skonstruowanych pracach łączą się elementy realnie istniejące w życiu codziennym z tymi, które są fikcyjne.

W 1649 roku Salvator Rosa opuścił Florencję i udał się do Rzymu, gdzie osiadł na Monte Pincio, mieszczącym się na Piazza della Trinita del Monte. Z okien domu roztaczał się wspaniały widok na Katedrę Św. Piotra i Wzgórze Kwirynalskie. Obok Rose mieszkali znani artyści tamtych czasów, Nicolas Poussin i Claude Lorrain, a niedaleko domu malarza znajdowała się Villa Medici.

Od czasu pojawienia się Salvatora Rosy we Florencji mieszkańcy ulicy Monte Pincio podzielili się na dwa obozy. Jedną z grup przewodził ascetycznie wyglądający młody człowiek, Nicolas Poussin. Kolejna, w której były znani muzycy, śpiewaków i poetów, na czele z Rose.

Salvator Rosa zamienił jedno z pomieszczeń swojego domu w warsztat. Jego ściany zdobiły oryginalne dzieła artysty. Mistrz nieustannie pracował, tworząc płótna o różnej treści: o tematyce religijnej, mitologicznej i historycznej. Jego credo to ciągła praca, doskonalenie technologii. Wszystkim mówił, że” gorączka gwiazd„(jak powiedzieliby teraz nasi współcześni) może zniszczyć nawet najsilniejszy i najzdolniejszy talent. Dlatego nawet po zdobyciu przez mistrza sławy i powszechnego uznania należy nadal pracować nad sobą i swoimi dziełami.

W późny okres Twórczość Salvatora Rosy często porusza tematy biblijne i starożytne. Dla artysty najważniejsze okazuje się tutaj oddanie samego ducha tamtych czasów i ich cech. Mistrz próbuje niejako ożywić, przywrócić do życia wszystko, co istniało na długo przed tymi, których życie było źródłem bajecznie pięknych i pouczających historii.

Jest ich wystarczająco dużo znane obrazy„Sprawiedliwość zstępująca do pasterzy” (1651), „Odyseusz i Nausicaa”, „Demokryt i Protagoras” (1664), „Syn marnotrawny”.

Obraz „Sprawiedliwość zstępująca do pasterzy” został namalowany na podstawie słynnej fabuły „Przemian” Owidiusza. Na płótnie widz widzi boginię Sprawiedliwości, która daje pasterzom miecz i wagę sprawiedliwości. Główną ideę obrazu można zdefiniować następująco: prawdziwa sprawiedliwość jest możliwa tylko wśród zwykłych ludzi.

„Odyseusz i Nausicaa”, „Demokryt i Protagoras” Salvator Rosa pisał po przybyciu z Wenecji, gdzie zapoznał się z malarstwem malarzy weneckich (m.in. Paolo Veronese, w którego najlepszych tradycjach powstały powyższe dzieła).

W filmie „Syn marnotrawny” fabuła w porównaniu z ewangeliczną przypowieścią okazuje się nieco uproszczona i przyziemna. Bohater ukazany jest zatem jako prosty wieśniak z Neapolu. Tutaj też nie ma wspaniałej okolicy: syn marnotrawny zwraca się do Boga w otoczeniu baranów i krowy. Ogromny format płótna przedstawiającego nieco zmodyfikowaną scenę wywołuje poczucie kpiny i sarkazmu na temat tego, co w społeczeństwie uważane jest za dobry gust. Róża jawi się tu jako kontynuatorka idei realizmu, których kształtowanie się rozpoczyna się od twórczości Michała Anioła da Caravaggia.

W 1656 roku Salvator Rosa rozpoczął pracę nad cyklem składającym się z 72 rycin, zwanym „Capricci”. Wizerunki na tych arkuszach to chłopi, rabusie, włóczędzy, żołnierze. Niektóre szczegóły rycin są charakterystyczne wczesna twórczość Róże. Sugeruje to, że być może w cyklu znalazły się szkice powstałe w dzieciństwie, a także podczas podróży w Góry Abruzji i Kalabrii.

Wielki mistrz malarstwa, poeta, wspaniały aktor i reżyser przedstawień dramatycznych zmarł w 1673 roku.

Autoportret (Alegoria ciszy)
Galeria Narodowa w Londynie
Jakby ostrzegawczo, artysta spogląda na nas przez ramię ze smutnym i pogardliwym wyrazem twarzy. Istotnie, napis na tabliczce, którą trzyma w rękach, głosi: „Milcz, jeśli to, co chcesz powiedzieć, nie jest lepsze od milczenia”. Surowe znaczenie tego mrocznego autoportretu dodatkowo wzmacnia ciemny płaszcz i czarny kapelusz artysty, nadając mu niemal złowrogi wygląd. Wyłania się groźnie przed nami na tle dziwnego, pozbawionego horyzontu nieba. Duży wpływ na Rosę miał surowy realizm Jusepe Ribera, który pracował w Neapolu od 1616 roku. Salvator Rosa (20.6.1615–15.3.1673) urodził się w okolicach Neapolu, we wsi Arenella. Ojciec Rosy, Vito Antonio, był budowniczym lub geodetą, jej matka Giulia Greco była córką artysty Vito Greco i siostrą malarza Domenico Antonio Greco. Róża została wysłana do kolegium jezuickiego zgromadzenia Somasca w Neapolu, gdzie otrzymała dobro edukacja w zakresie sztuk wyzwolonych, uczenie się literatura klasyczna, logika, retoryka, historia. Od młodości interesował się muzyką, grą na harfie, flecie, gitarze i komponowaniem serenad. Salvator był właściwie samoukiem, ukształtowanym w kręgu mistrzów szkoły neapolitańskiej. Początkowo kopiował dzieła Francesco Fracanzano, którego dzieła cieszyły się dużym zainteresowaniem klientów i trafiały nawet na dwór hiszpański. Następnie uczył się w pracowni Agnello Falcone, znakomitego rysownika i malarza batalistycznego.
Salvator Rosa rozwijał się w środowisku neapolitańskim nie tylko jako artysta, ale także jako „wolnomyśliciel”. Południe Włoch było kolebką takich wybitne osobistości w historii kraju, jak Giordano Bruno, Tommaso Campanella, Cesare Vanini. Ci odważni ludzie bronili swojego narodu, znosząc ucisk cudzoziemców, buntowali się przeciwko terrorowi Inkwizycji w okresie, który nasilił się od drugiej połowa XVI stulecia kontrreformacji, marzył o społecznej równości ludzi. Nauczyciele Rosy, Agnello Falcone i Francesco Fracanzano, należeli do zwolenników tych „wolnomyślicieli”, obaj trafili w szeregi obrońców Tommaso Agnello, który przewodził powstaniu klas niższych przeciwko szlachcie (handel i finanse); elita miasta) i baronowie (wielcy właściciele ziemscy). Bohaterami obrazów Rosy będą biedni – rybacy, ładowacze, włóczędzy lazzaroni, których widział ukrywających się przed pościgiem wojsk namiestnika, a czasem toczących z nimi bitwę i budzących strach szlachty nieoczekiwanymi atakami i rabunkami.

Krajobraz leśny
Pewnego dnia Giovanni Lanfranco zauważył wystawione na wystawie obrazy Rosy. słynny mistrz monumentalne malarstwo barokowe, które tworzyło w Neapolu. Kupił nawet kilka swoich dzieł. W 1635 roku Salvator Rosa opuścił rodzinne miasto i przeniósł się do Rzymu, gdzie rozpoczęło się jego bogate życie. W latach 1640–1649 mieszkał we Florencji, a następnie przez cały kolejny okres (1649–1673) w Rzymie.
W Rzymie Rosa znalazła bogatego patrona w osobie niejakiego Girolamo Mercuriego, neapolitańczyka, majordomusa kardynała Brancacciego z Viterbo. Kardynał, dostrzegając talent artysty, zabrał go z domu Merkurego. Dla rezydencji arcybiskupa Viterbo Rosa stworzyła ołtarz w kościele San Sisto.

Opuszczając na jakiś czas Rzym, Salvator Rosa nadal wystawiał swoje prace na rzymskiej wystawie członków zgromadzenia Wirtuozów Panteonu (utworzonej w 1543 r.), odbywającej się corocznie 29 sierpnia z okazji dnia św. Jana II. Baptysta (San Giovanni Decolato) na dziedzińcu kościoła San Bartolomeo dei Padri Bergamaschi. W 1639 roku obraz Róży „Tityus” odniósł na tej wystawie duży sukces. Znacznie później, w latach pięćdziesiątych XVII wieku, Salvator Rosa po raz kolejny zadziwił rzymską publiczność podczas święta San Giovanni Decolato. Jego obraz Fortuna (1658–1659) stanie się skandaliczną sensacją, za którą będą próbowali postawić artystę przed sądem Inkwizycji.

„Alegoria fortuny” ok. 1658-59
Muzeum Getty'ego. Los Angeles Tylko interwencja kardynała Chigi uratuje go z więzienia. Róża przedstawiała boginię Losu rozdającą monety z róg obfitości, klejnoty, książki, które trafiają do świń, byka, osła, owcy, barana (u jej stóp leży paleta, dlatego jest to alegoria złego malarza), a wcale nie do godnych ludzi. Twarz Fortuny przypominała kobietę publiczną, którą pociągał szlachetny duchowny. Była to odważna aluzja do niesprawiedliwości w oddawania zaszczytów ludziom, którzy nie są tego godni, ale którzy osiągają sukces dzięki pochlebstwom, oszustwom i pochlebstwom.

W pejzażach i wierszach Rosy nawiązuje się do neapolitańskiej tradycji poetyckiej, wydają się nieco szorstkie w porównaniu z melodyjnym i słodkim stylem neapolitańskiego poety, współczesnego jej J.B. Marino, który zyskał sławę na dworach europejskich, czy pejzaże Nicolasa Poussina o ich uszlachetnionej i idealnie spokojnej przyrodzie. Obrazowość poezji Rosy odbiega od opisów „ogrodów błogości” w tekstach Marino. Również malarstwo pejzażowe artysty, w którym jego bogata wyobraźnia subtelnie łączy się z obserwacjami terenowymi, budzi zupełnie inne emocje niż pejzaże rzymskiej Kampanii Poussina. Jest to szczególne uczucie emocjonalne XIX wiek będziemy nazywać „romantycznym” postrzeganiem natury.

Postacie wędrowców czy wojowników wśród górskich wąwozów, podróżników w drodze, rybaków, ładowaczy, graczy w karty na wybrzeżu morskim przywołują na płótnach Salvatora Rosy skojarzenia nie z obrazy literackie, jak w obrazach Claude'a Lorraina, który uwielbiał umieszczać, podobnie jak na scenie, wśród scen w postaci drzew czy budynków architektonicznych, postacie postaci z dzieł Wergiliusza, Owidiusza, ze Starego Testamentu. W pejzażach Rose zawsze dominuje przyroda, niezwykła i tajemnicza.

Anioł ukazuje się Hagar i Izmaelowi na pustyni.
Najwyraźniej sukces jego krajobrazów wśród klientów był częściowo ciężarem dla Salvatora Rosy. W satyrze „Malarstwo” pisał z sarkazmem: „Z wielkim zdumieniem... Zastanawiam się nad tym, że prawie każdy artysta traci swój talent, gdy zaczyna odnosić sukcesy, bo widzi, jak go zaszczycono i co łatwo namalował znaleźć dla siebie miejsce... Dlatego nie zawraca sobie już głowy nadmierną pracą i całkowicie leniwy, szczęśliwie zamienia się w osła. Artysta stał się jednak twórcą prawdziwych arcydzieł pejzaż XVII wiek. Jednym z jego najbardziej poetyckich wczesnych pejzaży jest płótno „Stary most” (ok. 1640).

„Krajobraz ze zniszczonym mostem” ok. 1640.
Olej na płótnie 106X127 cm.
Palazzo Pitti we Florencji.
W Rzymie Salvator Rosa zajął się malowaniem scen batalistycznych.

Bitwa chrześcijan z Turkami. Lata 50. XVII w. W swoich dużych kompozycjach panoramicznych na pierwszym planie umieścił scenę szalonej bitwy wojowników, a tłem były góry, ruiny świątyń, wież i pałaców. W satyrze „Wojna” (1647) artysta wyraził swój stosunek do powstania: „Spójrzcie, z jaką odwagą rybak, nikczemny, bosy, robak, w ciągu jednego dnia otrzymał tyle praw! Spójrz na to wysoka dusza w maluczkim, który dla ocalenia ojczyzny... w nic najwyższe głowy wrzucił... Czyż nie odnawiają się dawne wartości, jeśli dziś pogardzany rybak daje przykład królom..." Rysunki: Salvatora Rosy przedstawiającego postacie jeźdźców, zachowały się fragmenty sceny walki. Ogółem zbiór jego rysunków nie jest zbyt duży, choć wśród mistrzów baroku uważany jest za płodnego rysownika.

Fragment ryciny ze zbioru Róża
Wśród jego rysunków znajdują się m.in. „Jeździec na upadłym koniu”, „Święty Jerzy zabijający smoka” oraz rycina „Jazon i smok” (wykonana na płótnie o tym samym tytule na podstawie sceny z „Metamorfoz” Owidiusza). A czasem obrazy jego rysunków są pełne liryzmu („Apollo i Daphne”), wnikliwej obserwacji („Lutnista pod drzewem”, „Dwie postacie w pejzażu”, „Rybak”).

Alegoria kłamstw
We Florencji powstały dwa wybitne dzieła Salvatora Rosy – wspomniany już „Autoportret” (ok. 1648 r.) i Alegoria kłamstw (lata czterdzieste XVII w.). Pozwalają ocenić jego postawę w latach 1640–1649, jego trudną relację ze światem pełnym rekwizytów teatralnych, a nie szczerości. Róża często malowała swoje odbicie w lustrze. W obrazie „Alegoria kłamstw” artysta wygląda starzej niż w londyńskim „Autoportrecie”.

„Autoportret” Olej na płótnie, 99 x 79 cm.
Muzeum Sztuki Metropolitan. Nowy Jork. We Florencji napisano: „ Portret mężczyzny„(1640). Podobno jest to także autoportret, na którym Rosa uchwyciła się w kostiumie Pascariello, jednej z jego ulubionych postaci z komedii dell'arte. Badacze jego twórczości dostrzegają także podobieństwa z artystą w obrazie starożytnego matematyka, projektanta i filozofa Arkity, przedstawianego trzymającego zaprojektowanego przez siebie mechanicznego gołębia („Arkita, filozof z Tarentu”).
Wśród portretów Salvatora Rosy warto zwrócić uwagę na „Portret mężczyzny” (lata 40. XVII w.), który przedstawia mężczyznę z niższej klasy, włóczęgę lub chłopa.

„Portret mężczyzny” z lat czterdziestych XVII w
Olej na płótnie, 78 x 65 cm.
Państwowe Muzeum Ermitażu. Sankt Petersburg. W łachmanach i bandażu na głowie przypomina rabusiów, których postaci artysta lubił wprowadzać w swoje pejzaże („Zbójcy w jaskini”). Przekonująco przekazane charakter kobiecy oraz w „Portrecie Lukrecji” ukochanej artysty. Rosa pozostała blisko florenckiej Lukrecji do końca jego dni, nazywając ją w swoich listach z wielkim szacunkiem „Signorą Lukrecją”.

Lukrecja.
Podczas pobytu we Florencji, a następnie w Rzymie Rosa tworzyła dzieła z gatunku tzw. „diableries” lub „stregonerie” (z włoskiego – stregonerie), czyli sceny czarów i diabelstwa.

„Demony i pustelnik”.

Czarownice przy swoich zaklęciach („Sabat czarownic”) Odwoływanie się do podobnych wątków przedstawiających czarownice, narzędzia czarów (stare księgi, instrumenty astronomiczne, przedmioty symboliczne) było powszechne w Malarstwo europejskie XVII w. („Ludzka słabość”, 1657; „Autoportret z czaszką, 1656–1675”). Na pierwszym obrazie siedząca kobieta z dzieckiem na kolanach jest alegorią macierzyństwa. Dziecko pisze na zwoju, ale jego pióro prowadzi ręka śmierci, którą uosabia skrzydlaty, przerażający szkielet.

„Kruchość człowieka” Olej na płótnie, 199 x 134 cm.
Muzeum Fitzwilliama w Cambridge. Herma, zwieńczona wieńcem z gałązek cyprysu (drzewo cmentarzy i smutków), obelisk (symbol pamięci), kryształowa kula, na której siedzi kobieta (symbol losów życia), sowa (nocny ptak ), kolejne dziecko stojące w kołysce, zapalające koniec włóczki na końcu, kołowrotek (symbol kruchości życia, przewidziany już dla dziecka w kołysce), dwa noże (symbol przymusowej separacji), napis na zwoju („poczęcie jest grzechem, narodziny męką, życie żmudną pracą, śmierć fatalną nieuchronnością”) ze słynnego wiersza, wersety, które w pieśni przesłał artyście J.B. Ricciardi; Podpis Rose na ostrzu noża (alegoria rozłąki z wcześnie zmarłym synem) – cały ten skomplikowany zestaw symboli ukazuje głęboką tragedię jego przeżyć.

„Demokryt w medytacji” ok. 1650
Olej na płótnie, 344 x 214 cm.
Państwowe Muzeum Sztuki. Kopenhaga

« Pejzaż morski z wieżami” po 1645 r
Olej na płótnie, 102 x 127 cm.
Galeria Palatyn (Palazzo Pitti), Florencja.
We Florencji Salvator Rosa nadal tworzy sceny batalistyczne i maluje pejzaże (Pejzaż z Merkurym i drwalem, ok. 1650; „Pejzaż z Apollem i Sybillą z Cumae” (lata 50. XVII w.), „Pejzaż z kazaniem Jana Chrzciciela”, 1660).

Jan Chrzciciel głosi kazanie na pustyni.
Pod koniec lat czterdziestych i pięćdziesiątych XVII wieku w twórczości Salvatora Rosy nasiliły się tendencje klasycystyczne. Próbuje opanować techniki malarstwa „wysokiego stylu”, zwracając się do tematów Historia starożytna i mitologii, aż po tematykę biblijną. Artystce trudno jednak pogodzić się z odrzuceniem gatunkowej interpretacji sztafażów, dlatego dydaktyka, z jaką ukazuje się moralny sens wątków, czasami wygląda na prymitywną. Dotyczy to takich obrazów jak „Powołanie Cyncynata”, „Gaj filozofów” (Pejzaż z trzema filozofami),

Filozofowie drewno „Hagar i Izmael na pustyni”, napisany przed przeprowadzką do Rzymu. Zwrócenie się ku gatunkowi historycznemu, ku stylistyce „wysokiego stylu” było sprzeczne z talentem artysty, dlatego nie zawsze udawało mu się na tej drodze osiągnąć upragniony sukces i uznanie.
W 1660 roku Salvator Rosa przeniósł się do Rzymu.
Coraz częściej Salvator Rosa sięga po historie z Historia starożytna i mitologii, niosącej znaczenie etyczne i moralne („Syn marnotrawny” i „Astraea opuszcza ziemię”, lata 60. XVII w.). Idee stoicyzmu są szczególnie wyraźnie wyrażone w tym ostatnim. Bohaterami dzieł Róży są Diogenes, grecki filozof-cynik; Św. Paweł Eremita, pustelnik, święty chrześcijański, pierwszy z pustelników Egiptu, który w imię refleksji wybrał samotne życie; Demokryt, największy starożytny logik, poprzednik Arystotelesa.

Odyseusz i Nausicaa

Demokryt i Protagoras Rosa próbują filozoficznie zrozumieć historię w obrazach „Śmierć Atiliusza Regulusa” i „Spisek Katyliny” oraz rycinach „Belizariusz” i „Laomidont”. Zwraca się ku obrazom legendarna historia(„Saul u czarownicy z Endor”), tworzy cykl rycin „Capricci” (1656) i wreszcie pisze swoje słynne płótno „Prometeusz”, pełne głębokich myśli o zemście za cnotę i niesprawiedliwość świata.

Prometeusz Obraz „Sen Eneasza” jest ściśle powiązany z tematyką rzymską.

„Sen Eneasza” Nowy Jork. Metropolita. Róża nadaje filozoficzne znaczenie moralistyczne historycznemu obrazowi gatunkowemu „Aleksander Wielki i Diogenes”. Biedny stoicki filozof, który odważył się powiedzieć największemu z generałów: „Odsuń się i nie zasłaniaj mi słońca!”, wygląda jak ekscentryczny starzec, który wdał się w rozmowę z potężnym wojownikiem.

„Syn marnotrawny” 1651-55
Olej na płótnie, 254 x 201 cm.
Państwowe Muzeum Ermitażu. Sankt Petersburg.
Obraz Syn marnotrawny należy do arcydzieł artysty. W dziele tym Salvator Rosa jawi się jako jeden z najbardziej oczywistych i oryginalnych spadkobierców karawagizmu, który już w tym okresie stopniowo tracił swoją pozycję.
W późniejsze lata Salvator Rosa stworzył w swoim życiu wiele rysunków. Są wśród nich karykaturalne wizerunki osób odwiedzających jego dom, romantyczne wizerunki jego samego, napływy fantazji – reprodukcje postaci z cyklu Capricci, często przenoszone na obrazy. Po 1664 roku Róża nie zajmowała się już grawerowaniem ze względu na gwałtownie pogarszający się wzrok.
W 1668 roku na kolejnej wystawie w dniu San Giovanni Decolato Salvator Rosa wystawił obraz Duch Samuela, wezwany do Saula przez Czarodziejkę z Endor. Dramatyczna fabuła w malarstwie gatunku „wysokiego” nabrał w interpretacji artysty satyrycznej, wręcz farsowej interpretacji.

„Pojawienie się cienia proroka Samuela królowi Saulowi” 1668
Olej na płótnie, 275 x 191 cm.
Żaluzja. Paryż. Salvatore Rosa zmarł 15 marca 1673 roku w Rzymie na puchlinę. Przed śmiercią artysta poślubił swoją kochankę Lukrecję, z którą mieszkał przez wiele lat i wychował dwóch synów.

„Lukrecja jako poezja” 1640-1641
Olej na płótnie 1040 x 910 cm.
Muzeum Sztuki Wadsworth Ateneum. HartfordMajor włoski mistrz baroku Salvator Rosa renderowany znaczący wpływ dla rozwoju Malarstwo włoskie. Pod wpływem jego sztuki ukształtował się talent Magnasco, Ricciego i wielu innych mistrzów. Sztuka Salvatore Rosa inspirowała także malarzy epoka romantyczna.

„Pitagoras i rybak” 1662
Olej na płótnie, 132 x 188 cm.
Muzeum Narodowe. Berlin

„Skalisty krajobraz z myśliwym i wojownikiem” ok. 1670
Olej na płótnie, 142 x 192 cm.
Żaluzja. Paryż

Krajobraz z Merkurym i Nieuczciwym Drwalem

86.

„Bohaterska bitwa” 1652-64
Olej na płótnie, 214 x 351 cm.
Żaluzja. Paryż

Anioł wyprowadza św. Piotra

Diogenes wyrzuca swój kubek do picia. 1651

„Jason urzeka smoka” wersja 2

„Krajobraz wieczorny” 1640-43
Olej na płótnie, 99 x 151 cm.
Prywatna kolekcja

„Krajobraz rzeczny z Apollem i Sybillą” ok. 1655
Olej na płótnie, 174 x 259 cm.
Kolekcja królewska. Windsor

„Jason urzeka smoka”, ok. 1665-1670
Muzeum sztuki piękne. Montreal

„Wojownik” Olej na płótnie
Galeria Uniwersytecka w Sienie

„Portret filozofa” Olej na płótnie, 119 x 93 cm.
Prywatna kolekcja

„Pitagoras wychodzi męt» 1662
Muzeum Sztuki Kimbel w Teksasie Fort Worth

„Diogenes odrzucający swój kielich”, lata pięćdziesiąte XVII wieku
Olej na płótnie, 219 x 148 cm.
Prywatna kolekcja

Heraklit i Demokryt

Autoportret Salvatora Rosy

„Jason urzeka smoka”

Demokryt

Będąc mistrzem XVII wieku, Salvator Rosa w swojej twórczości był w stanie głęboko ujawnić jedną z głównych cech estetyki baroku - syntezę tragizmu i komizmu. W satyrach i na płótnach opowiadał o obrazie prawdziwego „teatru życia” swojej epoki, sprawiał, że czytelnicy i widzowie poczuli głębię swojego daru dramatycznego i wrodzoną subtelną ironię w ocenie niedoskonałości życia.
Na podstawie książki E.D. Fedotova „Salvator Rosa” (seria „Mistrzowie malarstwa. Artyści zagraniczni") http://www.art-catalog.ru/article.php?id_article=568

Salwator Róża(1615-1673) – włoski malarz, rytownik i poeta, poprzednik malarstwo romantyczne. Pracował w Neapolu, Florencji i Rzymie.

Twórczość Rosy przesiąknięta elementami swoistego romantycznego protestu przeciwko zaistnieniu normy społeczne, sprzeciwiał się ruchowi akademickiemu we włoskim baroku. Obrazy i ryciny Salvatore Rosy – kompozycja religijno-mitologiczna („Astraea żegna chłopów”, Kunsthistorisches Museum, Wiedeń), a także sceny bitew kawaleryjskich i widoki dzikich terenów nadmorskich, które przyniosły mu sławę – wyróżniają się ostrymi kontrasty światła i cienia; Obrazy Rosy charakteryzują się swobodną manipulacją pędzlem i ponurą, brązowo-ołowianą kolorystyką.
Urodzony w Renella koło Neapolu 20 czerwca 1615 roku, wychowywał się w klasztorze i przygotowywał się do przyjęcia święceń kapłańskich, ale wkrótce poczuł nieodparty pociąg do sztuki i zaczął studiować najpierw muzykę, a potem malarstwo. Jego mentorami w tym ostatnim byli najpierw szwagier ks. Francanzone, uczeń X. Ribery, potem sam Ribera i wreszcie malarz batalistyczny Aniello Falcone. Oprócz tych artystów rozwój talentu R. znacznie ułatwiło pisanie przez niego szkiców z życia bez niczyjej pomocy. W wieku osiemnastu lat wyruszył na wędrówkę po Apulii i Kalabrii, wpadł w ręce miejscowych zbójców i przez jakiś czas mieszkał wśród nich, studiując ich typy i zwyczaje, po czym podjął pracę w Neapolu.

W 1634 przeniósł się do Rzymu, gdzie szybko zyskał sławę dzięki przedstawieniu charakterystycznych, pełnych życia scen z życia pasterzy, żołnierzy i bandytów, ale dzięki swoim satyrom, a zwłaszcza dwóm obrazom: „Przemijanie życia ludzkiego” i „Bogini szczęścia, marnująca swoje dary na rzecz niegodnych” – zraził do siebie społeczeństwo rzymskie do tego stopnia, że ​​musiał udać się na emeryturę do Neapolu. Kiedy wybuchła tam rewolucja Masaniello, brał w niej udział. Od 1650 do 1660 pracował we Florencji, na dworze wielkiego księcia J.-C. Medici, od czasu do czasu odwiedzając Rzym. Wreszcie osiadł ponownie w tym mieście, gdzie zmarł 15 marca 1673 roku.
Wpływ Salvatora Rosy na historię współczesną sztuka włoska bardzo istotny. Miał wielu naśladowców. Tradycja romantyczny krajobraz Kontynuacją Salvatora Rosy była twórczość M. Ricciego i A. Magnasco. Następnie w XVIII i na początku XIX w. wpływy S. Rosy rozszerzyły się poza Włochy. Artyści epoki romantyzmu widzieli w nim swojego poprzednika, z zachwytem dostrzegając nie tylko malarstwo, ale także osobowość Róży. W XX wieku sztukę S. Rosy rozumiano w całej jej złożoności i niespójności, co stanowiło o oryginalności ścieżka twórcza ten niezwykły mistrz.

Na podstawie materiałów: Wikipedia, Encyklopedia Sztuki Świata - Wilno, UAB „Bestiariusz”, 2008, Wielka ilustrowana encyklopedia „Mistrzowie Malarstwa Świata” St. Petersburg, LLC „SZKEO”, 2011, Portal informacyjny Art Planet Small Bay - muzeum sztuki i historii, Słownik encyklopedyczny Brockhausa i Efrona (1890-1907), 82 tomy. i 4 dodatkowe tom. - M .: Terra, 2001. - 40 726 s., „Popularne encyklopedia sztuki.” wyd. Polevoy V.M.; M.: Wydawnictwo „ Encyklopedia radziecka", 1986 Dołgopołow I.V. Mistrzowie i arcydzieła: w 3 tomach. - M: sztuka 1987. - T. 3.

Zgodnie z art. 1282 Kodeksu cywilnego Federacji Rosyjskiej dzieła tego autora przeszły do ​​domeny publicznej

Biografia

Salvator Rosa wychował się w klasztorze i przygotowywał się do przyjęcia święceń kapłańskich, ale wkrótce poczuł pociąg do sztuki i zaczął studiować malarstwo. Jego mentorami byli ks. Francanzone, J. Ribera i A. Falcone. Oprócz tych artystów rozwój jego talentu znacznie ułatwiło pisanie szkiców z życia bez żadnej pomocy. W wieku 18 lat udał się w podróż po Apulii i Kalabrii, wpadł w ręce miejscowych zbójców i przez jakiś czas mieszkał wśród nich, studiując ich typy i zwyczaje, po czym podjął pracę w Neapolu.

kreacja

Należąca do kierunku talentu przyrodników neapolitańskiej szkoły malarstwa, mająca pewne powiązania ze swoimi nauczycielami, Riberą i Falcone, Rosa wykazała się jednak, przy dużej różnorodności w wyborze tematów, dużą oryginalnością w ich interpretacji. W obrazach o tematyce historycznej umiał łączyć realizm obrazu z szlachetnością animowanej kompozycji i mocnym wyrazem idei. Za najlepszy z tych obrazów uważa się „Spisek Katyliny” (w galerii Pałacu Pitti we Florencji). Wśród innych tego typu dzieł Róży na szczególną uwagę zasługują: „Anioł i Tobiasz” oraz „Pojawienie się cienia Samuela Saulowi” (w Luwrze w Paryżu), „Jonasz w Niniwie” oraz „Kadmus i Minerwa” (w Galerii Kopenhaskiej), „Ukrzyżowanie” (w Muzeum w Brunszwiku), „Prometeusz” (w Galerii w Hadze), „Syn marnotrawny”, „Odyseusz i Nausicaa” oraz „Demokryt i Protagoras” (w Państwowej Ermitaż) i kilka innych.

Portrety Rosy są bardzo charakterystyczne i wyraziste, co sugeruje ich podobieństwo do pozujących przed nim twarzy. W tych pejzażach, które wyszły spod jego pędzla podczas pobytu we Florencji, jak na przykład w dużym nadmorskim widoku znajdującym się w Galerii Colonna w Rzymie, koneserzy malarstwa dostrzegają wpływ Claude'a Lorraina. W innych obrazach tego typu zauważalna jest pewna sztuczność i letarg. Ale Róża to znakomity, na wskroś oryginalny mistrz, przesiąknięty poezją, gdy przedstawia surowe góry, dzikie wąwozy, gęste leśne zarośla, zwłaszcza gdy maluje na płótnach o niewielkich rozmiarach. Istnieje wiele jego obrazów, w których pejzaż odgrywa rolę drugorzędną, a główną treścią są postacie ludzkie – głównie postacie żołnierzy i zbójców. Takie obrazy można oglądać w Ermitażu („Żołnierze grający w kości”), w Wiedniu, Monachium, Hadze i innych galeriach. Wreszcie Rose pięknie namalowała bardzo skomplikowane obrazy bitew, których wspaniały przykład znajduje się w Luwrze w Paryżu. Jeśli chodzi o kolorystykę jego obrazów, należy powiedzieć, że wcale nie wyróżnia się ona wielkim blaskiem, ale jest niezwykle przyjemna w swoim cieple i konsystencji światłocienia.

W ostatnich latach życia Rosa pilnie zajmowała się grawerowaniem. W sumie wykonał 86 rycin własnej kompozycji, z których wiele można uznać za jedne z najlepszych dzieł artysty i w dobrych drukach są wysoko cenione przez miłośników grafiki, jak na przykład „Św. Wilhelm Pustelnik”, „Platon”