Za japonsko umetnost je že od antičnih časov značilna aktivna ustvarjalnost. Kljub odvisnosti od Kitajske, kjer so se nenehno pojavljali novi umetniški in estetski trendi, so japonski umetniki vedno uvajali nove značilnosti in spreminjali umetnost svojih učiteljev ter ji dajali japonski videz.

Zgodovina Japonske kot take začne dobivati ​​določene oblike šele ob koncu 5. stoletja. Odkritih je bilo razmeroma malo predmetov iz prejšnjih stoletij (arhaično obdobje), čeprav nekatere najdbe med izkopavanji ali med gradbenimi deli kažejo na izjemen umetniški talent.

Arhaično obdobje.

Najstarejša dela japonske umetnosti so glineni lonci tipa jomon (vtis vrvice). Ime izhaja iz okrasja površine s spiralnimi odtisi vrvi, ovitih okoli palic, ki jih je mojster uporabil za izdelavo posode. Morda so obrtniki sprva po naključju odkrili pletene odtise, potem pa so jih začeli namerno uporabljati. Včasih so bili vrvicam podobni glineni kodri nalepljeni na površino, kar je ustvarilo bolj zapleteno dekorativni učinek, skoraj olajšanje. Prva japonska skulptura je nastala v kulturi Jomon. Dogu (dosl. "glinena podoba") osebe ali živali je verjetno imel določen verski pomen. Podobe ljudi, večinoma žensk, so zelo podobne glinenim boginjam drugih primitivnih kultur.

Radiokarbonsko datiranje kaže, da nekatere najdbe iz kulture Jomon lahko segajo v 6–5 tisoč pr. n. št., vendar tako zgodnje datiranje ni splošno sprejeto. Seveda so takšne posode izdelovali v daljšem časovnem obdobju in čeprav natančne datacije še ni mogoče ugotoviti, lahko ločimo tri obdobja. Najstarejši primerki imajo koničasto osnovo in so skoraj neornamentirani, razen sledov lončarskega orodja. Srednjedobne posode so bogateje okrašene, včasih z vlivanimi elementi, ki ustvarjajo vtis volumna. Oblike posod tretjega obdobja so zelo raznolike, vendar se dekoracija spet splošči in postane bolj zadržana.

Okoli 2. stol. pr. n. št Keramika Jomon se je umaknila keramiki Yayoi, ki jo zaznamujejo graciozne oblike, preprostost oblikovanja in visoka tehnična kakovost. Črepina posode je postala tanjša in ornament manj domiseln. Ta tip je prevladoval do 3. stoletja. AD

Z umetniškega vidika so morda najboljša dela zgodnjega obdobja haniwa, glineni valji iz 3. do 5. stoletja. AD Značilni spomeniki te dobe so ogromni griči ali gomile, grobišča cesarjev in mogočnega plemstva. Pogosto zelo velika velikost, so dokaz moči in bogastva cesarske družine in dvorjanov. Gradnja takšne zgradbe za cesarja Nintoku-tenna (okoli 395–427 n. št.) je trajala 40 let. Najbolj opazna značilnost teh gomil so bili glineni valji, haniwa, ki so jih obdajali kot ograja. Običajno so bili ti valji povsem preprosti, včasih pa so bili okrašeni s človeškimi figurami, redkeje s figuricami konjev, hiš ali petelin. Njihov namen je bil dvojen: preprečiti erozijo ogromnih površin zemlje in preskrbeti pokojnika z potrebščinami, ki jih je uporabljal v zemeljskem življenju. Seveda so bili valji izdelani takoj v velike količine. Raznolikost tem, obraznih izrazov in potez figur, ki jih krasijo, je v veliki meri rezultat mojstrove improvizacije. Kljub temu, da so to bolj verjetno dela rokodelcev kot pa umetnikov in kiparjev, imajo velika vrednost kot prava oblika japonske umetnosti. Zgradbe, pokriti konji, pridne dame in bojevniki predstavljajo zanimivo sliko vojaškega življenja zgodnje fevdalne Japonske. Možno je, da so se prototipi teh valjev pojavili na Kitajskem, kjer so različne predmete polagali neposredno v pokope, vendar izvedba in način uporabe haniwa pripadata lokalni tradiciji.

Na arhaično obdobje se pogosto gleda kot na čas brez del visoke umetniške ravni, čas prevlade stvari predvsem arheološke in etnološke vrednosti. Vendar je treba spomniti, da dela tega zgodnja kultura na splošno so imele veliko vitalnost, saj so njihove oblike preživele in še naprej obstajale kot posebne nacionalne značilnosti japonske umetnosti v kasnejših obdobjih.

Obdobje Asuka

(552-710 AD). Uvedba budizma sredi 6. stoletja. bistveno spremenila način življenja in razmišljanja Japoncev ter postala spodbuda za razvoj umetnosti tega in naslednjih obdobij. Prihod budizma iz Kitajske preko Koreje tradicionalno datirajo v leto 552 našega štetja, vendar je bil verjetno znan že prej. V zgodnjih letih se je budizem soočal s političnim nasprotovanjem, z nasprotovanjem nacionalni veri šintoizmu, a le nekaj desetletij kasneje je nova vera prejela uradno odobritev in je bil končno ustanovljen. Budizem je bil v prvih letih uvedbe na Japonsko razmeroma preprosta religija z majhnim številom božanstev, ki so potrebovala podobe, po približno sto letih pa se je okrepil in panteon se je izjemno povečal.
V tem obdobju so bili ustanovljeni templji, ki niso služili le širjenju vere, ampak so bili središča umetnosti in izobraževanja. Samostan-tempelj v Horyujiju je eden najpomembnejših za preučevanje zgodnje budistične umetnosti. Med drugimi zakladi je kip velike triade Syaka-Nerai (623 AD). To delo Torija Bussija, prvega velikega japonskega kiparja, ki ga poznamo, je stilizirana bronasta podoba, podobna podobnim skupinam v velikem jamski templji Kitajska. Poza sedečega Shakyja (japonska transkripcija besede "Shakyamuni", zgodovinski Buda) in dveh figur, ki stojita na obeh straneh njega, je strogo frontalna. Oblike človeške figure skrivajo težke simetrične gube shematsko upodobljenih oblačil, v gladkih podolgovatih obrazih pa je čutiti zasanjano samozagledanost in kontemplacijo. Kiparstvo tega prvega budističnega obdobja temelji na slogu in prototipih s celine petdeset let prej; zvesto sledi kitajski tradiciji, ki je na Japonsko prišla preko Koreje.

Nekatere najpomembnejše skulpture tega časa so bile narejene iz brona, uporabljal pa se je tudi les. Dve najbolj znani leseni skulpturi sta boginji Kannon: Yumedono Kannon in Kudara Kannon, obe v Horyujiju. So bolj privlačen predmet čaščenja kot triada Shaki, s svojimi arhaičnimi nasmehi in zasanjanimi izrazi. Čeprav imajo Kannonove figure tudi shematično in simetrično razporeditev gub oblačil, so lahkotnejše in polne gibanja. Visoke, vitke figure poudarjajo duhovnost obrazov, njihovo abstraktno prijaznost, oddaljene od vseh posvetnih skrbi, a občutljive na molitve trpečih. Kipar je nekaj pozornosti namenil obrisom figure Kudare Kannon, skrite z gubami oblačil, v nasprotju z nazobčano silhueto Yumedono pa je gibanje tako figure kot tkanine usmerjeno v globino. V profilu ima Kudara Kannon graciozen obris v obliki črke S.

Edini ohranjeni primer slikarstva, ki daje idejo o slogu zgodnjega 7. stoletja, je slika Tamamushi Zushi, "krilata svetišča". To miniaturno svetišče je dobilo ime po prelivajočih se krilih hrošča, vstavljenih v perforiran kovinski okvir; kasneje so jo okrasili z nabožnimi kompozicijami in figurami posameznih likov, izdelanimi z barvnim lakom. Tako kot kiparstvo tega obdobja tudi nekatere slike kažejo veliko svobodo oblikovanja.

Obdobje Nara

(710-784). Leta 710 so prestolnico preselili v Naro, novo mesto, po vzoru kitajske prestolnice Chang'an. Tam so bile široke ulice, velike palače in številni budistični templji. Ne samo budizem v vseh njegovih vidikih, ampak celotno kitajsko kulturno in politično življenje je bilo dojeto kot model, ki mu je treba slediti. Nobena druga država se morda ni počutila bolj neprimerno v svoji kulturi ali tako dovzetna za zunanje vplive. Učenjaki in romarji so se prosto gibali med Japonsko in celino, vladno in palačno življenje pa je bilo oblikovano po vzoru Kitajske dinastije Tang. Ne smemo pa pozabiti, da so Japonci kljub posnemanju zgledov Kitajske Tang, zlasti v umetnosti, zaznavanju njenega vpliva in sloga, tuje oblike skoraj vedno prilagajali svojim.

V kiparstvu sta se stroga frontalnost in simetrija prejšnjega obdobja Asuka umaknili svobodnejšim oblikam. Razvoj idej o bogovih, povečana tehnična spretnost in svoboda uporabe materiala so umetnikom omogočili ustvarjanje bolj intimnih in dostopnih kultnih podob. Ustanovitev novih budističnih ločin je panteon razširila celo na svetnike in ustanovitelje budizma. Poleg bronaste skulpture je znanih veliko del iz lesa, gline in laka. Kamen je bil redek in skoraj nikoli uporabljen za kiparstvo. Še posebej priljubljen je bil suh lak, morda zato, ker so bila dela, narejena iz njega, kljub zapletenosti postopka priprave kompozicije videti bolj impresivna kot lesena in močnejša od glinenih izdelkov, ki jih je bilo lažje narediti. Lakirane figure so oblikovali na leseni ali glineni podlagi, ki so jo nato odstranili, ali na leseni ali žični armaturi; bili so lahki in vzdržljivi. Kljub dejstvu, da je ta tehnika narekovala določeno togost v pozah, je bila dovoljena velika svoboda pri upodabljanju obrazov, kar je delno pripomoglo k razvoju tistega, kar lahko imenujemo prava portretna skulptura. Upodobitev obraza božanstva je bila izvedena v skladu s strogimi zahtevami budističnih kanonov, vendar je priljubljenost in celo deifikacija nekaterih ustanoviteljev in pridigarjev vere zagotovila odlične možnosti za prenos portretne podobnosti. To podobnost lahko vidimo v skulpturi iz suhega laka kitajskega patriarha Genjina, cenjenega na Japonskem, ki se nahaja v templju Toshodaiji. Genjin je bil slep, ko je leta 753 prispel na Japonsko, njegove nevidne oči in razsvetljeno stanje notranje kontemplacije pa je čudovito ujel neznani kipar. Ta realistična težnja je bila najbolj jasno izražena v leseni skulpturi pridigarja Kuya, ki jo je v 13. in 14. stoletju ustvaril kipar Kosho. Pridigar je oblečen kot tavajoči berač s palico, gongom in kladivom, iz njegovih napol odprtih ust pa se pojavljajo majhne figure Bude. Ker se kipar ni zadovoljil s podobo pojočega meniha, je poskušal izraziti najgloblji pomen njegovih besed.
Podobe Bude iz obdobja Nara odlikuje tudi velik realizem. Ustvarjeni za vedno večje število templjev, niso tako neomajno hladni in zadržani kot njihovi predhodniki, imajo bolj graciozno lepoto in plemenitost in so nagovorjeni z večjo naklonjenostjo ljudem, ki jih častijo.

Iz tega časa se je ohranilo zelo malo slik. Večbarvni dizajn na papirju prikazuje pretekla in sedanja življenja Bude. To je eden redkih starodavnih primerov emakimona ali slikanja z zvitki. Zvitki so se počasi odvijali od desne proti levi in ​​gledalec je lahko užival le v tistem delu slike, ki se je nahajal med rokama, ki sta odvijala zvitek. Ilustracije so bile nameščene neposredno nad besedilom, za razliko od poznejših zvitkov, kjer se je del besedila izmenjeval s sliko za razlago. V teh najstarejših ohranjenih primerih slikanja svitkov so obrisane figure postavljene proti komaj začrtani pokrajini, pri čemer se osrednji lik, v tem primeru Shaka, pojavlja v različnih prizorih.

Zgodnji Heian

(784-897). Leta 784 so prestolnico začasno preselili v Nagaoko, delno zato, da bi se izognili prevladi Narine budistične duhovščine. Leta 794 se je za daljše obdobje preselila v Heian (danes Kyoto). Pozno 8. in 9. stoletje je bilo obdobje, ko je Japonska uspešno asimilirala številne tuje novosti, prilagajala se svojim značilnostim. Tudi budistična vera je doživela čas sprememb, pojav novih sekt ezoteričnega budizma z razvitim obredjem in bontonom. Med njimi sta bili najvplivnejši sekti Tendai in Shingon, ki sta izvirali iz Indije, dosegli Kitajsko, od tam pa sta ju dva znanstvenika, ki sta se po dolgotrajnem vajeništvu vrnila v domovino, prinesla na Japonsko. Sekta Shingon (»Prave besede«) je bila še posebej priljubljena na dvoru in je hitro prevzela prevladujoč položaj. Njegovi glavni samostani so bili na gori Koya blizu Kjota; tako kot druga pomembna budistična središča so postali skladišča ogromnih zbirk umetnosti.

Skulptura 9. stoletja je bil večinoma lesen. Podobe božanstev so odlikovale njihova resnost in nedostopna veličina, ki jo je poudarila slovesnost njihovega videza in masivnost. Draperije so bile spretno izrezane po standardnih vzorcih, šali pa so ležali v valovih. Stoječa figura Shakija iz templja Muroji je primer tega sloga. Za to in podobne podobe iz 9. stol. značilne toge rezbarije z globljimi, jasnimi gubami in drugimi detajli.

Povečanje števila bogov je umetnikom povzročilo velike težave. V zapletenih mandalah, podobnih zemljevidom (geometrijske oblike z magičnim pomenom), so bila božanstva razporejena v hierarhiji okoli osrednjega Bude, ki je bil sam le ena od manifestacij absolutnega. V tem času se je pojavil nov način upodabljanja figur božanstev varuhov, obdanih s plameni, grozljivega videza, a blagodejne narave. Ta božanstva so bila nameščena asimetrično in so bila upodobljena v premikajočih se pozah, z mogočnimi potezami obraza, ki so močno branile vero pred morebitnimi nevarnostmi.

Srednje in pozno obdobje Heian ali Fujiwara

(898-1185). Prenos prestolnice v Heian, ki naj bi se izognil težkim zahtevam duhovščine, je povzročil tudi spremembe v političnem sistemu. Plemstvo je bilo dominantna sila, njeni najbolj reprezentativni predstavniki pa so bili družina Fujiwara. Obdobje 10-12 stoletja. pogosto povezana s tem imenom. Začelo se je obdobje posebne moči, ko so pravim cesarjem »močno svetovali«, naj pustijo državne posle ob strani zaradi prijetnejšega ukvarjanja s poezijo in slikarstvom. Cesarja je do njegove polnoletnosti vodil strogi regent – ​​običajno iz družine Fujiwara. To je bila doba razkošja in izjemnih dosežkov v literaturi, kaligrafiji in umetnosti; Vseskozi je bilo čutiti malodušnost in čustvenost, ki je le redko dosegla globino, v celoti pa je bila očarljiva. Elegantna prefinjenost in eskapizem sta se odražala v umetnosti tega časa. Tudi privrženci budizma so iskali lažje poti, še posebej priljubljeno pa je postalo čaščenje nebeškega Bude Amida. Ideje o sočutju in rešilni milosti Amide Bude so se globoko odražale v slikarstvu in kiparstvu tega obdobja. Masivnost in zadržanost kipov iz 9. stoletja. v 10.-11. dal prostor blaženosti in šarmu. Božanstva so upodobljena zasanjana, premišljeno umirjena, rezbarjenje postane manj globoko, površina postane bolj barvita, z bogato razvito teksturo. Najpomembnejši spomeniki tega obdobja pripadajo kiparju Jochu.
Dela umetnikov so pridobila tudi mehkejše poteze, ki so spominjale na risbe na tkanini, in tudi strašna božanstva - zagovorniki vere - so postala manj strašljiva. Sutre (budistična besedila) so bile napisane v zlatu in srebru na globokem papirju modri ton, pred lepo kaligrafijo besedila je bila pogosto majhna ilustracija. Najbolj priljubljene smeri budizma in z njimi povezana božanstva odražajo preference aristokracije in postopen odmik od strogih idealov zgodnjega budizma.

Vzdušje tega časa in njegova dela so delno povezana s prekinitvijo formalnih odnosov s Kitajsko leta 894. Budizem na Kitajskem je bil v tem času preganjan, pokvarjeni dvor Tang pa je bil v zatonu. Osamljeni otoški obstoj, ki je sledil tej ločitvi, je spodbudil Japonce, da so se obrnili k lastni kulturi in razvili nov, čistejši japonski slog. Dejansko posvetno slikarstvo 10.-12. je bila skoraj povsem japonska – tako po tehniki kot po kompoziciji in temah. Posebnost V teh japonskih zvitkih, imenovanih yamato-e, so prevladovale teme engi (izvor, zgodovina). Medtem ko so kitajski zvitki najpogosteje upodabljali prostrano, osupljivo naravo, panorame gora, potokov, skal in dreves, ljudje pa so se zdeli razmeroma nepomembni, je bila na japonskih pripovednih zvitkih glavna stvar v risbi in besedilu oseba. Pokrajina je imela le vlogo ozadja pripovedovane zgodbe, podrejene glavnemu liku oziroma osebam. Številni zvitki so bili ročno narisane kronike življenja slavnih budističnih pridigarjev ali zgodovinskih osebnosti, njihovih potovanj in vojaških pohodov. Drugi so pripovedovali o romantičnih epizodah iz življenja plemičev in dvorjanov.

Očitno značilen slog zgodnjih zvitkov je izhajal iz preprostih skic s črnilom na straneh budističnih zvezkov. Gre za spretne risbe, ki skozi živalske podobe karikirajo človeško vedenje: opica v meniški obleki, ki časti napihnjeno žabo, tekmovanja med zajci, opicami in žabami. Ti in drugi pozni heianski zvitki so služili kot osnova za bolj zapletene narativne zvitke razvitega sloga 13. in 14. stoletja.

Obdobje Kamakura

(1185-1392). Konec 12. stoletja prinesel velike spremembe v politično in versko življenje Japonske ter seveda v njeno umetnost. Eleganco in estetiko kjotskega dvora sta nadomestila oziroma v tradiciji »posebne« vladavine »dobila dodatek« v obliki nove, ostre in pogumne vladavine – šogunata Kamakura. Čeprav je prestolnica nominalno ostala Kjoto, je šogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) ustanovil svoj sedež v mestu Kamakura in v samo 25 letih vzpostavil tog sistem vojaške diktature in fevdalizma. Budizem, ki je postal tako kompleksen in ritualiziran, da so ga običajni laiki malo razumeli, je prav tako doživel velike spremembe, ki sploh niso obljubljale pokroviteljstva umetnosti. Sekta Yodo (Čista dežela), oblika čaščenja Bude Amide, je pod vodstvom Honen Shonina (1133-1212) reformirala hierarhijo Bud in božanstev ter dala upanje na odrešitev vsem, ki so preprosto verjeli v Amido. To doktrino o lahko dosegljivem raju je kasneje poenostavil še en menih, Shinran (1173-1262), ustanovitelj sekte Shin, ki je priznal, da je Amidina prizanesljivost tako velika, da ni bilo treba izvajati verskih dejanj, preprosto ponavljati zaklinjanje " Namu Amida Butsu" (prva beseda pomeni "ubogati"; drugi dve sta "Buddha Amida"). Ta preprosta metoda reševanja duše je bila izjemno privlačna in zdaj jo uporabljajo milijoni. Generacijo pozneje je bojeviti pridigar Nichiren (1222-1282), po katerem se sekta imenuje, opustil to poenostavljeno obliko vere. Njegovi privrženci so častili Lotusovo Sutro, ki ni obljubljala takojšnje in brezpogojne odrešitve. Njegove pridige so se pogosto dotikale političnih tem, njegova prepričanja in predlagane reforme cerkve in države pa so pritegnili nov vojaški razred v Kamakuri. Nazadnje je zen filozofija, ki se je pojavila že v 8. stoletju, začela igrati vse pomembnejšo vlogo v budistični misli v tem obdobju. Zen je poudarjal pomen meditacije in zaničevanja kakršnih koli podob, ki bi lahko človeka ovirale pri njegovem iskanju združitve z Bogom.

To je bil torej čas, ko je verska misel omejila število slikarskih in kiparskih del, ki so bila prej potrebna za kult. Kljub temu so bila nekatera najboljša dela japonske umetnosti ustvarjena v obdobju Kamakura. Spodbuda je bila inherentna japonska ljubezen do umetnosti, a ključ do rešitve je v odnosu ljudi do novih veroizpovedi in ne v dogmah kot takih. Že sama dela nakazujejo razlog za njihov nastanek, saj je veliko teh kipov in slik, polnih življenja in energije, portretov. Čeprav bi lahko filozofija zena običajne verske predmete obravnavala kot oviro za razsvetljenje, je bila tradicija spoštovanja učiteljev povsem sprejemljiva. Portret sam po sebi ni mogel biti predmet čaščenja. Ta odnos do portreta ni bil značilen le za zen budizem: številni ministri sekte čiste dežele so bili cenjeni skoraj kot budistična božanstva. Zahvaljujoč portretu se je pojavila celo nova arhitekturna oblika - mieido ali portretna kapela. Hiter razvoj realizma je bil povsem v duhu časa.
Čeprav so bili slikoviti portreti duhovnikov očitno res podobe določenih ljudi, so bili pogosto predelave slik kitajskih utemeljiteljev budizma. Upodabljali so jih, kako pridigajo, z odprtimi usti, z rokami, ki gestikulirajo; včasih so upodabljali beraške menihe na težkem potovanju za slavo vere.

Eden najbolj priljubljenih motivov je bil raigo (zaželeni prihod), ki je upodabljal Budo Amida s svojimi tovariši, ki se spuščajo na oblaku, da bi rešili dušo vernika na smrtni postelji in jo prenesli v nebesa. Barve takšnih slik so bile pogosto poudarjene z nanosom zlata, valovite črte, plavajoči ogrinjala in vrtinčasti oblaki pa so spustu Bude dajali občutek gibanja.

Unkei, ki je deloval v drugi polovici 12. in zgodnjem 13. stoletju, je bil avtor inovacije, ki je olajšala rezbarjenje v lesu, ki je ostal najljubši material kiparjev v obdobju Kamakura. Prej je bil mojster omejen z velikostjo in obliko hloda ali hloda, iz katerega je bila figura izrezana. Roke in oblačilni elementi so bili uporabljeni ločeno, vendar je končni kos pogosto spominjal na prvotno cilindrično obliko. V novi tehniki je bilo več deset majhnih kosov skrbno združenih skupaj, da so oblikovali votlo piramido, iz katere so lahko vajenci nato grobo izrezali obliko. Kipar je imel na voljo bolj prožen material in možnost ustvarjanja kompleksnejših oblik. Mišičasti tempeljski stražarji in božanstva v padajočih pelerinah in oblačilih so se zdeli bolj živi tudi zato, ker so jim v očesne jamice začeli vstavljati kristal ali steklo; kipe so začeli krasiti s pozlačenim bronom. S sušenjem lesa so postali lažji in redkeje pokali. Zgoraj omenjeni leseni kip Kuya Shonina, ki ga je izdelal Kosho, Unkeijev sin, prikazuje najvišji dosežek realizma iz obdobja Kamakura v portretnem kiparstvu. Dejansko je kiparstvo v tem času doseglo svoj vrhunec v svojem razvoju in pozneje ni več zasedalo tako vidnega mesta v umetnosti.

Tudi posvetno slikarstvo je odražalo duh časa. Pripovedni zvitki poznega obdobja Heian z zadržanimi barvami in gracioznimi linijami so pripovedovali o romantičnih eskapadah princa Genjija ali zabavah samotnih dvornih dam. Zdaj so umetniki dobe Kamakura s svetlimi barvami in energičnimi potezami čopiča upodabljali bitke vojskujočih se klanov, palače, ki jih je zajel plamen, in prestrašene ljudi, ki so bežali pred napadalnimi enotami. Čeprav se je na zvitku odvijala verska zgodovina, podoba ni bila toliko ikona, kot zgodovinski zapis o potovanjih svetih mož in čudežih, ki so jih delali. V snovanju teh prizorov je zaznati naraščajočo ljubezen do narave in občudovanje domače pokrajine.

Obdobje Muromachi ali Ashikaga

(1392-1568). Leta 1392 je po več kot 50 letih sporov tretji šogun iz družine Ašikaga, Jošimicu (1358-1408), ponovno združil državo. Sedež vlade je spet postal nominalna prestolnica Kjota, kjer so šoguni Ašikaga zgradili svoje palače v četrti Muromači. (To obdobje se včasih imenuje Muromachi ali Ashikaga.) Vojni čas ni prizanesel številnim templjem - skladiščem japonske umetnosti, ki so bili požgani skupaj z zakladi, ki so se tam nahajali. Država je bila brutalno uničena in tudi mir ni prinesel veliko olajšanja, saj so vojskujoči se klani, ki so dosegali uspehe, delili usluge po svoji volji. Zdi se, da so bile razmere za razvoj umetnosti izredno neugodne, v resnici pa so jo šoguni Ashikaga pokroviteljili, zlasti v 15. in 16. stoletju, ko je slikarstvo doživelo razcvet.

Najpomembnejši umetniški pojav tega časa so bile enobarvne poetične slike s črnilom, ki jih je spodbudil zen budizem in pod vplivom kitajskih zgledov iz dinastij Song in Yuan. V času dinastije Ming (1368-1644) so ​​se obnovili stiki s Kitajsko, Yoshimitsu, zbiralec in pokrovitelj umetnosti, je spodbujal zbiranje in študij kitajskega slikarstva. Postala je vzor in izhodišče nadarjenim umetnikom, ki so z lahkimi in tekočimi potezami čopiča slikali pokrajine, ptice, rože, podobe duhovnikov in modrecev. Za japonsko slikarstvo tega časa je značilna ekonomičnost črte; Zdi se, da umetnik izlušči bistvo upodobljene ploskve in omogoči gledalcu, da jo napolni s podrobnostmi. Prehodi sive in svetleče črne barve na teh slikah so zelo blizu zenovski filozofiji, ki je zagotovo navdihovala njihove avtorje. Čeprav je to prepričanje doseglo velik vpliv pod vojaško vladavino Kamakure, se je še naprej hitro širilo v 15. in 16. stoletju, ko so nastali številni zenovski samostani. Pridigajoč predvsem idejo »samoodrešitve«, odrešitve ni povezovala z Budo, ampak se je bolj zanašala na človekovo strogo samodisciplino, da bi dosegla nenadno intuitivno »razsvetljenje«, ki ga združi z absolutom. Varčna, a drzna uporaba črnila in asimetrična kompozicija, v kateri so nepobarvani deli papirja igrali pomembno vlogo pri upodobitvah idealizirane pokrajine, modrecev in znanstvenikov, sta bili skladni s to filozofijo.

Eden najbolj znanih predstavnikov sumi-eja, sloga enobarvnega slikanja s črnilom, je bil Sesshu (1420–1506), zenovski duhovnik, ki mu je dolgo in plodno življenje prineslo dolgotrajno čaščenje. Ob koncu življenja je začel uporabljati slog haboku (hitro črnilo), ki je v nasprotju z zrelim slogom, ki je zahteval jasne, varčne poteze, pripeljal tradicijo monokromnega slikanja skoraj do abstrakcije.
Isto obdobje zaznamuje dejavnost umetnikov družine Kano in razvoj njihovega sloga. Po izboru motivov in uporabi črnila je bila blizu kitajščini, po izraznih sredstvih pa je ostala japonska. Kano je ob podpori šogunata postal "uradna" šola ali umetniški stil slikanja in je cvetel vse do 19. stoletja.

Naivna tradicija Yamato-e je še naprej živela v delih šole Tosa, drugega pomembnega gibanja Japonsko slikarstvo. Pravzaprav sta bili v tem času obe šoli, Kano in Tosa, tesno povezani, združevalo ju je zanimanje za sodobno življenje. Motonobu Kano (1476-1559), eden od izjemnih umetnikov tega obdobja, ni samo poročil svoje hčere s slavnim umetnikom Tosa, ampak je tudi slikal v njegovi maniri.

V 15-16 stoletjih. Pojavilo se je le nekaj omembe vrednih kiparskih del. Treba pa je poudariti, da je razvoj noo drame s svojo pestrostjo razpoloženj in čustev odprl kiparjem novo področje delovanja - izrezovali so maske za igralce. V klasični japonski drami, ki jo je izvajala aristokracija in zanjo, so igralci (eden ali več) nosili maske. Posredovali so paleto občutkov od strahu, tesnobe in zmede do zadržanega veselja. Nekatere maske so bile tako lepo izrezljane, da je že najmanjši obrat igralčeve glave povzročil subtilne spremembe v izražanju čustev. Izjemne primerke teh mask so leta hranili v družinah, za katere člane so bile izdelane.

Obdobje Momoyama

(1568-1615). Leta 1593 je veliki vojaški diktator Hideyoshi zgradil svoj grad na Momoyami, "Peach Hillu", in s tem imenom je bilo na splošno označeno obdobje 47 let od padca šogunata Ashikaga do ustanovitve obdobja Tokugawa ali Edo leta 1615. To je bil čas prevlade povsem novega vojaškega razreda, katerega veliko bogastvo je prispevalo k razcvetu umetnosti. Impresivni gradovi z velikimi dvoranami za občinstvo in dolgimi hodniki so prišli v modo v poznem 16. stoletju. in zahtevali odlikovanja, primerna njihovi veličini. To je bil čas hudih in pogumni ljudje, in novi pokrovitelji, za razliko od prejšnje aristokracije, niso bili posebej zainteresirani za intelektualna prizadevanja ali tankosti obrtništva. Na srečo je bila nova generacija umetnikov precej dosledna svojim mecenom. V tem obdobju so se pojavili čudoviti zasloni in premične plošče v svetlo škrlatni, smaragdni, zeleni, vijolični in modre barve. Takšne bujne barve in okrasne oblike, pogosto na zlati ali srebrni podlagi, so bile zelo priljubljene sto let, njihove ustvarjalce pa so povsem upravičeno imenovali »veliki dekoraterji«. Zahvaljujoč subtilnemu japonskemu okusu se bujni slog ni razvil v vulgarnost in tudi ko sta se zadržanost in podcenjenost umaknila razkošju in dekorativnim presežkom, je Japoncem uspelo ohraniti eleganco.

Eitoku Kano (1543-1590), eden prvih velikih umetnikov tega obdobja, je deloval v slogu Kana in Tose, pri čemer je razširil risarske koncepte prvega in jih združil z bogastvom barv drugega. Čeprav je ohranjenih le nekaj del, ki jih lahko z gotovostjo pripišemo Eitokuju, velja za enega od utemeljiteljev sloga Momoyama, večina umetnikov tega obdobja pa je bila njegovih učencev ali pa je nanje vplival.

Obdobje Edo ali Tokugawa

(1615-1867). Dolgo obdobje miru, ki je sledilo novo združeni Japonski, imenujemo bodisi čas Tokugawa, po priimku vladarja, bodisi Edo (sodobni Tokio), saj je to mesto leta 1603 postalo novo središče moči. Dvema slavnima generaloma kratkega obdobja Momojame, Odi Nobunagi (1534-1582) in Tojotomiju Hidejošiju (1536-1598), je z vojaško akcijo in diplomacijo končno uspelo pomiriti močne klane in bojevito duhovščino. S Hideyoshijevo smrtjo leta 1598 je oblast prešla na Ieyasu Tokugawa (1542-1616), ki je dokončal skupno začeto dejavnost. Odločilna bitka pri Sekigahari leta 1600 je okrepila Ieyasujev položaj; padec gradu Oska leta 1615 je spremljal dokončen propad hiše Hidejoši in vzpostavitev nedeljive vladavine šogunata Tokugava.

Mirna vladavina Tokugawe je trajala 15 generacij in se končala šele v 19. stoletju. To je bilo večinoma obdobje politike "zaprtih vrat". Odlok 1640 je tujcem prepovedal vstop na Japonsko in Japonci niso mogli potovati v tujino. Edina trgovska in kulturna povezava je bila z Nizozemci in Kitajci prek pristanišča Nagasaki. Tako kot v drugih obdobjih izolacije je prišlo tudi do porasta narodnih čustev in nastanka ob koncu 17. st. tako imenovana šola žanrsko slikarstvo in gravure.
Hitro rastoča prestolnica Edo je postala središče ne le političnega in poslovnega življenja otoškega imperija, temveč tudi središče umetnosti in obrti. Zahteva, da so daimyo, provincialni fevdalci, v prestolnici določen del vsakega leta, je povzročila potrebo po novih stavbah, vključno s palačami, in s tem po umetnikih, ki bi jih okrasili. Istočasno je nastajajoči sloj bogatih, a nearistokratskih trgovcev umetnikom zagotovil novo in pogosto neprofesionalno pokroviteljstvo.

Umetnost zgodnjega obdobja Edo delno nadaljuje in razvija stil Momoyama, krepi svoje težnje po razkošju in sijaju. Bogastvo bizarnih podob in polihromije, podedovane iz prejšnjega obdobja, se še naprej razvija. Ta dekorativni slog je dosegel vrhunec v zadnji četrtini 17. stoletja. v ti Obdobje Genroku obdobja Tokugawa (1688-1703). V japonski dekorativni umetnosti nima para v ekstravaganci in bogastvu barv in okrasnih motivov v slikah, tkaninah, lakih in umetniških detajlih - atributih razkošnega življenjskega sloga.

Ker govorimo o relativno pozno obdobje zgodovini ni presenetljivo, da so se ohranila imena mnogih umetnikov in njihovih del; Tukaj je mogoče našteti le nekaj najbolj izstopajočih. Predstavniki dekorativne šole, ki so živeli in delali v obdobjih Momoyama in Edo, vključujejo Honnami Koetsu (1558-1637) in Nonomura Sotatsu (um. 1643). Njihovo delo izkazuje izjemen občutek za oblikovanje, kompozicijo in barve. Koetsu, nadarjen keramičar in umetnik laka, je bil znan po lepoti svoje kaligrafije. Skupaj s Sotatsujem sta ustvarjala pesmi na zvitkih, ki so bili takrat modni. V tej kombinaciji literature, kaligrafije in slikarstva podobe niso bile preproste ilustracije: ustvarjale so ali nakazovale razpoloženje, ki ustreza dojemanju besedila. Ogata Korin (1658-1716) je bil eden od dedičev dekorativnega sloga in je skupaj s svojim mlajšim bratom Ogato Kenzanom (1663-1743) pripeljal njegovo tehniko do popolnosti. Kenzan, bolj znan kot keramičar kot umetnik, je žgal posode z motivi svojega slavnega starejšega brata. Oživitev te šole v začetku 19. stol. pesnik in umetnik Sakai Hoitsu (1761-1828) je bil zadnji vzpon dekorativnega sloga. Horitsujevi čudoviti zvitki in zasloni so združili Korinov smisel za oblikovanje z zanimanjem za naravo, ki je značilno za naturalizem šole Maruyama, izraženo v bogastvu barv in okrasnih motivov, značilnih za prejšnje obdobje, ki sta bila umirjena s sijajem in gracioznostjo čopiča.

Poleg polikromnega dekorativnega sloga je bila tradicionalna risba s tušem šole Kano še naprej priljubljena. Leta 1622 je bil Kanō Tan'yu (1602-1674) imenovan za dvornega slikarja šoguna in poklican v Edo. Z njegovim imenovanjem na ta položaj in ustanovitvijo slikarske šole Kano v Edu v Kobikitu se je začelo polstoletno obdobje umetniškega vodstva te tradicije, ki je družini Kano povrnilo ugled in naredilo dela Obdobje Edo je najpomembnejše v slikarstvu Kano. Kljub priljubljenosti zaslonov, pobarvanih z zlatom in svetlimi barvami, ki so jih ustvarili "veliki dekoraterji" in tekmeci, je Tanyu, zahvaljujoč moči svojega talenta in uradnega položaja, uspel narediti poslikavo oživljene šole Kano priljubljeno med plemstvom. Tradicionalnim značilnostim šole Kano je Tanyu dodal moč in preprostost, ki temelji na togi lomljeni liniji in premišljeni razporeditvi kompozicijskih elementov na veliki prosti površini.

Nova smer, v katero glavna značilnost pojavilo se je zanimanje za naravo, ki je začelo prevladovati konec 18. stoletja. Maruyama Okyo (1733-1795), vodja nova šola, je bil kmet, potem je postal duhovnik in nazadnje umetnik. Prvi dve študiji mu nista prinesli ne sreče ne uspeha, a kot umetnik je dosegel velike višine in velja za utemeljitelja realistične šole Maruyama. Študiral je pri mojstru šole Kano Ishida Yutei (umrl okoli 1785); Na podlagi uvoženih nizozemskih gravur se je naučil zahodne tehnike perspektivnega upodabljanja in včasih te gravure preprosto kopiral. Preučeval je tudi kitajske sloge iz dinastij Song in Yuan, vključno s subtilnim in realističnim slogom Chen Xuana (1235-1290) in Shen Nanpinga; slednji je v začetku 18. stoletja živel v Nagasakiju. Ōkyo je ustvaril veliko del iz življenja, njegova znanstvena opazovanja pa so služila kot osnova za dojemanje narave, na katerem je temeljila šola Maruyama.

Poleg zanimanja za naturalizem je v 18. stol. obnovil se je vpliv kitajske umetniške tradicije. Predstavniki tega trenda so gravitirali k slikarski šoli umetnikov-znanstvenikov iz obdobja Ming (1368-1644) in Qing (1644-1912), čeprav so bile verjetno njihove ideje o sodobnem stanju umetnosti na Kitajskem omejene. Umetnost te japonske šole se je imenovala bujinga (umetnost izobražencev). Eden najvplivnejših mojstrov, ki je delal v slogu bujinga, je bil Ikeno Taiga (1723-1776), slavni umetnik in kaligraf. Za njegov zrel slog so značilne debele konturne črte, napolnjene z lahkimi pernatimi potezami svetlih tonov in črnila; Slikal je tudi s širokimi, prostimi potezami črnega tuša in upodabljal v vetru in dežju upognjena debla bambusa. S kratkimi, ukrivljenimi linijami je dosegel učinek gravure pri upodobitvi meglenih gora nad jezerom, obdanim z gozdom.
17. stoletje je rodil še eno izjemno gibanje umetnosti obdobja Edo. To so tako imenovani ukiyo-e (slike spreminjajočega se sveta) - žanrski prizori, ki so jih ustvarili navadni ljudje in za njih. Zgodnji ukiyo-e se je pojavil v stari prestolnici Kyoto in je bil predvsem slikovit. Toda središče njihove proizvodnje se je kmalu preselilo v Edo in pozornost obrtnikov se je osredotočila na graviranje na les. Tesna povezava lesenih grafik z ukiyo-ejem je pripeljala do napačnega prepričanja, da so lesene grafike odkritje tega obdobja; pravzaprav je nastal že v 11. stoletju. Takšne zgodnje podobe so bile votivne narave in so upodabljale ustanovitelje budizma in božanstva, v obdobju Kamakura pa so bili nekateri pripovedni zvitki reproducirani iz izrezljanih blokov. Posebej priljubljena pa je graverska umetnost postala v obdobju od sredine 17. do 19. stoletja.

Teme ukiyo-e printov so bile lepe kurtizane veselih sosesk, najljubši igralci in prizori iz dram. Zgodnji, tako imenovani Primitivne gravure so bile narejene v črni barvi, z močnimi ritmičnimi valovitimi črtami, značilne pa so bile preproste oblike. Včasih so bili ročno pobarvani v oranžno-rdeči barvi, imenovani tan-e (svetlo rdeče slike), z oznakami gorčično rumene in zelene barve. Nekateri "primitivni" umetniki so uporabljali ročno slikanje, imenovano urushu-e ( barvanje z lakom), pri katerem so temne predele poudarili in posvetlili z dodatkom lepila. Zgodnji večbarvni tisk, ki se je pojavil leta 1741 ali 1742, se je imenoval benizuri-e (malinov tisk) in je običajno uporabljal tri barve - rožnato rdečo, zeleno in včasih rumeno. Resnično večbarvni odtisi, ki uporabljajo celotno paleto in se imenujejo nishiki-e (brokatne slike), so se pojavili leta 1765.

Poleg ustvarjanja posameznih grafik so številni graverji ilustrirali knjige in zaslužili z izdelavo erotičnih ilustracij v knjigah in na zvitkih. Upoštevati je treba, da je graviranje ukiyo-e obsegalo tri vrste dejavnosti: bilo je delo risarja, čigar ime je nosil tisk, rezbarja in tiskarja.

Hishikawa Moronobu (ok. 1625-1694) velja za utemeljitelja tradicije ustvarjanja grafike ukiyo-e. Drugi "primitivni" umetniki tega gibanja so Kiyomasu (1694-1716) in skupina Kaigetsudo (nenavadna skupnost umetnikov, katerih obstoj ostaja nejasen), pa tudi Okumura Masanobu (1686-1764).

Tranzicijski umetniki, ki so ustvarili grafike benizuri-e, so bili Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (aktiven c. 1751-1760) in Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Dela Suzukija Harunobuja (1725-1770) so začela dobo polikromnega graviranja. Polni mehkih, skoraj nevtralnih barv, poseljeni z gracioznimi damami in galantnimi ljubimci, so bili Harunobujevi odtisi velik uspeh. Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) in Kitagawa Utamaro (1753-1806) so delali z njim približno v istem času. Vsak od njih je prispeval k razvoju tega žanra; mojstri dokončali gravure, ki prikazujejo graciozne lepote in znani igralci do popolnosti. V nekaj mesecih leta 1794-1795 je skrivnostni Tosusai Saraku ustvaril osupljivo močne in odkrito brutalne portrete igralcev tistega časa.

V prvih desetletjih 19. stol. žanr je dosegel zrelost in začel propadati. Katsushika Hokusai (1760-1849) in Ando Hiroshige (1797-1858) sta največja mojstra dobe, njuna dela povezujejo zaton graverske umetnosti v 19. stoletju. in njegovo novo oživitev v začetku 20. stoletja. Oba sta bila predvsem krajinska slikarja, ki sta v svojih gravurah beležila dogodke sodobnega življenja. Briljantno obvladovanje tehnik rezbarjev in tiskarjev je omogočilo prenos muhastih linij in najmanjših odtenkov zahajajočega sonca ali megle, ki se dviga ob zori, v gravuro.

Restavracija Meiji in moderno obdobje.

Pogosto se zgodi, da je starodavna umetnost določenega ljudstva revna z imeni, datumi in ohranjenimi deli, zato je morebitne sodbe mogoče podajati le z veliko previdnostjo in pogojenostjo. Vendar pa ni nič manj težko soditi o sodobni umetnosti, saj smo prikrajšani za zgodovinsko perspektivo, da bi pravilno ocenili obseg katerega koli gibanja ali umetnika in njegovega dela. Študij japonske umetnosti ni nobena izjema in največ, kar lahko naredimo, je predstaviti panoramo sodobne umetnosti in narediti nekaj okvirnih predhodnih zaključkov.

V drugi polovici 19. stol. Japonska pristanišča so bila ponovno odprta za trgovino, velike spremembe pa so se zgodile na političnem prizorišču. Leta 1868 je bil šogunat ukinjen in obnovljena je bila vladavina cesarja Meijija. Uradna prestolnica in cesarjeva rezidenca sta bili prestavljeni v Edo, samo mesto pa je postalo znano kot Tokio (vzhodna prestolnica).

Kot se je že zgodilo v preteklosti, je konec nacionalne izolacije povzročil veliko zanimanje za dosežke drugih narodov. V tem času so Japonci naredili velik preskok na področju znanosti in tehnologije. Umetniško gledano začetek dobe Meiji (1868-1912) dokazuje sprejemanje vsega zahodnega, vključno s tehnologijo. Vendar ta vnema ni trajala dolgo, sledilo ji je obdobje asimilacije, pojava novih oblik, ki so združevale vračanje k lastni tradiciji in nove zahodne trende.

Pomembni umetniki so bili Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) in Tomioka Tessai (1836-1942). Prvi trije so se držali tradicionalnega japonskega sloga in tematike, čeprav so stremeli k izvirnosti v razpoloženju in tehniki. Seiho je na primer delal v mirnem in konzervativnem ozračju Kjota. Njegova zgodnja dela so bila ustvarjena v naturalističnem slogu Maruyama, kasneje pa je veliko potoval po Kitajskem in nanj je močno vplivalo kitajsko slikarstvo s tušem. Na njegovem delu so zaznamovala tudi potovanja po muzejih in vodilnih umetniških središčih v Evropi. Od vseh izjemnih umetnikov tega časa se je le ena Tomioka Tessai približala razvoju novega sloga. Njegova energična in mogočna dela združujejo grobe, zvite, nazobčane črte in madeže črnila s fino upodobljenimi barvnimi področji. V kasnejših letih je nekaterim mladim oljnim slikarjem uspelo tam, kjer ni uspelo njihovim dedom. Prvi poskusi dela s tem nenavadnim materialom so spominjali na pariška platna in jih niso odlikovali niti posebna vrednost niti specifično japonske značilnosti. Vendar pa zdaj nastajajo izjemno privlačna dela, v katerih skozi abstraktne teme sije značilen japonski občutek za barve in uravnoteženost. Drugi umetniki, ki delajo z bolj naravnim in tradicionalnim črnilom in včasih uporabljajo kaligrafijo kot začetni motiv, ustvarjajo energična abstraktna dela v briljantni črnini s sivimi odtenki.

Tako kot v obdobju Edo je v 19. in 20. st. kip ni bil priljubljen. A tudi na tem področju so zelo uspešno eksperimentirali predstavniki sodobne generacije, ki so študirali v Ameriki in Evropi. Majhne bronaste skulpture, abstraktne oblike in s čudnimi imeni, kažejo japonski občutek za linijo in barvo, očiten v uporabi mehko zelene ali toplo rjave patine; Rezbarenje lesa priča o ljubezni Japoncev do teksture materiala.

Sosaku hanga, japonska »ustvarjalna grafika«, se je pojavila šele v prvem desetletju 20. stoletja, a je kot posebno umetniško gibanje zasenčila vsa druga področja moderne umetnosti. Ta sodobna lesena grafika ni, strogo gledano, naslednica starejše lesene grafike ukiyo-e; razlikujejo se po slogu, temah in načinih ustvarjanja. Umetniki, med katerimi je bilo veliko pod močnim vplivom zahodnega slikarstva, so prepoznali pomen lastne umetniške dediščine in v lesu našli primeren material za izražanje svojih ustvarjalnih idealov. Hanga mojstri ne le rišejo, ampak tudi izrezujejo podobe na lesene kocke in jih sami tiskajo. Čeprav so najvišji dosežki v tej umetniški zvrsti povezani z obdelavo lesa, so uporabljene vse sodobne zahodne tehnike graviranja. Eksperimentiranje z listi, vrvicami in »najdenimi predmeti« lahko v nekaterih primerih ustvari edinstvene učinke teksture površine. Sprva so bili mojstri tega gibanja prisiljeni iskati priznanje: navsezadnje so tudi najboljše dosežke šole ukiyo-e intelektualni umetniki povezovali z nepismeno množico in jih imeli za plebejsko umetnost. Umetniki, kot so Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi in Maekawa Senpan, so naredili veliko za povrnitev spoštovanja do grafike in uveljavitev tega gibanja kot vredne veje likovna umetnost. V svojo skupino so privabili veliko mladih umetnikov in graverjev je zdaj na stotine. Med mojstri te generacije, ki so dosegli priznanje na Japonskem in Zahodu, so Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen in Saito Kiyoshi. To so mojstri, katerih inovativnost in nesporen talent sta si prislužila njihov pravičen položaj med vodilnimi japonskimi umetniki. Čudovite grafike so ustvarili tudi številni njihovi vrstniki in drugi mlajši hangarji; To, da tukaj ne omenjamo njihovih imen, ne pomeni nizke ocene njihovega dela.

OKRASNA UMETNOST, ARHITEKTURA IN VRTOVI

Prejšnji razdelki so obravnavali predvsem slikarstvo in kiparstvo, ki v večini držav veljata za glavni vrsti likovne umetnosti. Morda bi bilo nepošteno, če bi na koncu članka vključili dekorativno umetnost in ljudsko obrt, vrtno umetnost in arhitekturo - oblike, ki so bile pomemben in sestavni del japonske umetnosti. Vendar pa, razen morda arhitekture, zahtevajo posebno obravnavo poleg splošne periodizacije japonske umetnosti in sprememb v slogu.

Keramika in porcelan.

Najpomembnejše vrste okrasnih uporabne umetnosti na Japonskem vključujejo keramiko in porcelan. Keramična umetnost seveda spada v dve kategoriji. Fini polikromirani porcelan Imari, Nabeshima in Kakiemon je dobil ime po mestih izdelave, njegova bogata poslikava na kremni ali modro-beli površini pa je bila namenjena plemstvu in dvornim krogom. Postopek izdelave pravega porcelana je postal znan na Japonskem v poznem 16. ali začetku 17. stoletja; krožniki in sklede z gladko glazuro, z asimetričnim ali brokatnim vzorcem, so cenjeni tako doma kot na zahodu.

Za razliko od porcelana je pri grobih posodah iz gline ali kamnite mase nizke kakovosti, značilnih za Shino, Oribe in Bizen, pozornost usmerjena na material, navidezno malomarno, a premišljeno razporeditev okrasnih elementov. Pod vplivom konceptov zen budizma so bile takšne posode zelo priljubljene v intelektualnih krogih in so se pogosto uporabljale, zlasti v čajnih ceremonijah. Številne skodelice, čajniki in čajniki, atributi umetnosti čajnega obreda, so utelešali samo bistvo zen budizma: strogo samodisciplino in strogo preprostost. V času razcveta japonske dekorativne umetnosti sta se nadarjena umetnika Korin in Kenzan ukvarjala z dekoracijo keramičnih izdelkov. Ne smemo pozabiti, da je Kenzanova slava bolj povezana z njegovim talentom keramičarja kot pa slikarja. Nekatere najpreprostejše vrste plovil in tehnik izhajajo iz tradicije ljudska obrt. Sodobne delavnice, ki nadaljujejo staro tradicijo, izdelujejo čudovite izdelke, ki navdušujejo s svojo elegantno preprostostjo.

Lakirani izdelki.

Že v 7-8 stoletjih. lak je bil znan na Japonskem. Iz tega časa so ohranjeni pokrovi zabojev, okrašeni s podobami ljudi in geometrijskimi motivi, nanesenimi s tankimi zlatimi črtami. O pomenu tehnike suhega laka za kiparstvo v 8. in 9. stoletju smo že govorili; v istem času in pozneje so nastajali okrasni predmeti, kot so škatlice za pisma ali škatlice za kadila. V obdobju Edo so bili ti izdelki izdelani v velikih količinah in z najrazkošnejšim okrasjem. Razkošno okrašene škatle za kosilo, pecivo, kadila in zdravila, imenovane inro, so odražale bogastvo in ljubezen do razkošja, ki sta bila neločljivo povezana s tem časom. Površino predmetov so krasili vzorci iz zlatega in srebrnega prahu, koščki zlate folije, ločeno ali v kombinaciji z vložki s školjkami, biserom, zlitino kositra in svinca itd.; ti vzorci so bili v nasprotju z lakiranimi rdečimi, črnimi ali rjavimi površinami. Včasih so risbe za lake naredili umetniki, na primer Korin in Koetsu, vendar je malo verjetno, da so osebno sodelovali pri teh delih.

Meči.

Japonci so bili, kot že rečeno, precejšnje obdobje svoje zgodovine ljudstvo bojevnikov; orožje in oklepi so veljali za nujne za velik del prebivalstva. Meč je bil človekov ponos; tako samo rezilo kot tudi vsi drugi deli meča, predvsem ročaj (tsuba), so bili okrašeni z različnimi tehnikami. Tsube iz železa ali brona so bile okrašene z vložki iz zlata in srebra, prekrite z rezbarijami ali okrašene z obojim. Upodabljale so pokrajine ali človeške figure, rože ali družinske grbe (mon). Vse to je dopolnjevalo delo izdelovalcev mečev.

Tkanine.

Bogato vzorčasta svila in druge tkanine, ki so jih imeli radi dvori in duhovščina v časih bogastva in izobilja, ter preproste tkanine s skoraj primitivnimi vzorci, značilnimi za ljudsko umetnost, so prav tako izrazi nacionalnega japonskega talenta. Umetnost tekstila, ki je svoj vrhunec dosegla v razkošni dobi Genroku, je ponovno zacvetela v sodobni Japonski. Uspešno združuje ideje in umetna vlakna z Zahoda s tradicionalnimi barvami in okrasnimi motivi.

Vrtovi.

V zadnjih desetletjih se je zanimanje za japonske vrtove in arhitekturo povečalo zaradi povečane izpostavljenosti zahodne javnosti tem oblikam umetnosti. Vrtovi imajo na Japonskem posebno mesto; so izraz in simbol visokih verskih in filozofskih resnic in ti nejasni, simbolični prizvoki, združeni z očitno lepoto vrtov, pritegnejo zanimanje zahodnega sveta. Ne moremo reči, da so bile religiozne ali filozofske ideje glavni razlog za nastanek vrtov, vendar je umetnik-načrtovalec pri načrtovanju in ustvarjanju vrta upošteval takšne prvine, katerih kontemplacija bi gledalca pripeljala do razmišljanja o različnih filozofskih resnicah. Tu je kontemplativni vidik zen budizma utelešen v skupini nenavadnih kamnov, valov nabranega peska in proda v kombinaciji s travo ali rastlin, razporejenih tako, da potok za njimi izgine in se nato znova pojavi - vse to spodbuja gledalca, da samostojno dokonča načrte. določene med gradnjo vrt ideje. Prednost nejasnim namigom pred jasnimi razlagami je značilna za zen filozofijo. Nadaljevanje teh idej so pritlikavi bonsaji in majhni vrtovi v lončkih, ki so zdaj priljubljeni na Zahodu.

Arhitektura.

Glavni arhitekturni spomeniki Japonske so templji, samostanski kompleksi, fevdalni gradovi in ​​palače. Od pradavnine do danes je bil glavni les gradbeni material in v v veliki meri določa značilnosti oblikovanja. Najstarejše verske zgradbe so svetišča japonske narodne vere šintoizma; sodeč po besedilih in risbah so bile razmeroma preproste zgradbe s slamnato streho, kot starodavna bivališča. Tempeljske zgradbe, postavljene po širjenju budizma in povezane z njim, so v slogu in postavitvi temeljile na kitajskih prototipih. Arhitektura budističnih templjev se je skozi čas spreminjala, okrasje in razporeditev zgradb pa sta se med različnimi sektami razlikovala. Japonske zgradbe odlikujejo ogromne dvorane z visokimi strehami in zapletenimi sistemi konzol, njihov dekor pa je odražal okus svojega časa. Preprosta in veličastna arhitektura kompleksa Horyuji, zgrajenega v bližini Nare v zgodnjem 7. stoletju, je tako značilna za obdobje Asuka kot lepota in eleganca proporcev Hooda, »dvorane Feniksa« v Ujiju, ki se odraža v Lotusovem jezeru , je iz obdobja Heian. Dovršenejše zgradbe obdobja Edo so dobile dodaten okras v obliki bogato poslikanih drsnih vrat in paravanov, ki so jih izdelali isti »veliki dekoraterji«, ki so okrasili notranjost gradov z jarkom in fevdalnih palač.

Japonska arhitektura in vrtovi so tako tesno povezani, da jih je mogoče obravnavati kot dele drug drugega. To še posebej velja za zgradbe in vrtne hiše za čajno slovesnost. Njihova odprtost, preprostost in skrbno premišljen odnos do krajine in perspektive imajo velik vpliv moderna arhitektura Zahod.

VPLIV JAPONSKE UMETNOSTI NA ZAHOD

V samo enem stoletju je japonska umetnost postala znana na Zahodu in imela nanj pomemben vpliv. Stiki so bili že prej (Nizozemci so na primer trgovali z Japonsko prek pristanišča Nagasaki), a predmeti, ki so v 17. stoletju prispeli v Evropo, so bili predvsem umetniški izdelki - porcelan in lak. Nestrpno so jih zbirali kot zanimivosti in kopirali na različne načine, vendar ti okrasni izvozi niso odražali bistva in kakovosti japonske umetnosti in so Japoncem celo dali nelaskavo predstavo o zahodnjaškem okusu.

Japonska umetnost v Evropi je prvič neposredno vplivala na zahodno slikarstvo leta 1862 na veliki mednarodni razstavi v Londonu. Ob predstavitvi na pariški razstavi pet let pozneje so japonske lesene grafike ponovno vzbudile veliko zanimanja. Takoj se je pojavilo več zasebnih zbirk gravur. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh in drugi so japonske barvne grafike dojemali kot razodetje; Pogosto je opažen rahel, a vedno prepoznaven vpliv japonskih grafik na impresioniste. Američana Whistlerja in Mary Cassatt sta pritegnila zadržanost linij in svetle barvne lise ukiyo-e grafik in slik.

Odprtje Japonske tujcem leta 1868 je povzročilo norijo za vsem, kar je zahodno, in povzročilo, da so se Japonci odvrnili od lastne bogate kulture in umetniške dediščine. V tem času je bilo prodanih veliko lepih slik in kipov, ki so končali v zahodnih muzejih in zasebnih zbirkah. Razstave teh predmetov so Zahodu predstavile Japonsko in spodbudile zanimanje za potovanja na Japonsko. Daljni vzhod. Seveda je okupacija Japonske s strani ameriških vojakov ob koncu druge svetovne vojne odprla večje možnosti kot prej za raziskovanje in učenje več o japonskih templjih in njihovih zakladih. To zanimanje se je odražalo v obiskovanju ameriških muzejev. Zanimanje za Vzhod nasploh je vzbudilo organizacijo razstav del japonske umetnosti, izbranih iz japonskih javnih in zasebnih zbirk ter pripeljanih v Ameriko in Evropo.

Znanstvene raziskave v zadnjih desetletjih so veliko pripomogle k zavrnitvi mnenja, da je japonska umetnost le odsev kitajske umetnosti, številne japonske publikacije v angleščini pa so Zahodu predstavile ideale Vzhoda.

Japonska je zelo zanimiva država, znana po najrazličnejših tradicijah in običajih. Geografska lega Država vzhajajočega sonca jo je nekoliko izolirala od drugih držav, zaradi česar se je razvila ne glede na evropske države. Japonska kultura je izjemno bogata in raznolika. Edinstvene japonske tradicije so se oblikovale pod vplivom zgodovinsko pomembnih dogodkov. Japonska se je postopoma spremenila v močno, združeno državo z značilnimi lastnostmi in določeno miselnostjo prebivalstva.

Osnovni vidiki japonske kulture

Kultura države se kaže na številnih področjih družbe. Na Japonskem so njegovi vidiki;

Za Japonce proces pitja čaja ni preprosto zadovoljevanje fizioloških potreb telesa, ampak pravi kult. Čajno slovesnost na Japonskem spremljajo posebni atributi in vsebuje veliko tradicij. Zdi se, da se je tako spoštljiv odnos do vsakdanjega procesa razvil iz meditacije budističnih menihov. Oni so tisti, ki so procesu pitja čaja prinesli toliko pomena.

Za Evropejce je pojem "kimono" značilen za nacionalna oblačila Japonske. Vendar pa v državi sami vzhajajoče sonce Obstajata dva pomena te besede - v ozkem in v širšem smislu. Beseda "kimono" na Japonskem ne pomeni samo narodna noša, pa tudi vsa oblačila nasploh. Pod kimonom se praviloma nosi posebna obleka in sedem pasov. Kimono, ki se nosi poleti, se imenuje jukata. Odvisno od starosti ženske se lahko model oblačil razlikuje.

Na Japonskem se uspešno pridigata dve verski gibanji hkrati - šintoizem in budizem. Šintoizem se je pojavil v starodavni Japonski; temelji na čaščenju različnih bitij. Budizem pa je razdeljen na več vrst. Na Japonskem obstaja veliko šol, ki promovirajo eno ali drugo gibanje budizma.

Skalni vrtovi so posebnega pomena za japonsko kulturo. Niso le arhitekturna stvaritev, ki pritegne pozornost turistov, ampak tudi kraj duhovne rasti. Tu Japonci najdejo razsvetljenje od razmišljanja o kamnitih strukturah, urejenih v posebnem vrstnem redu. Skalni vrtovi vključujejo posebno zasnovo, ki jo lahko razvozla le razsvetljena oseba.

Tango no sekku je praznik fantov. Posvečen ni le vsem majhnim moškim predstavnikom, ampak tudi moškosti in moči celotnega Japonskega ljudstva. Praznik je običajno praznovati spomladi, ko se narava prebudi in razveseli s svojo lepoto. Na dan Tango no Sekku za fante skrbijo starši. Oče mora sinu povedati o vseh japonskih bojevnikih in njihovih podvigih. In mama mu pripravi mizo z okusno hrano.

Češnjevo cvetenje velja za najlepši naravni pojav. Mnogi turisti pridejo sem ravno zato, da bi uživali v razmišljanju o cvetoči rastlini. Spomladi je v japonskih parkih mogoče opaziti velike množice ljudi. Številne družine gredo na piknike in opazujejo lepoto japonskih češenj.

Ena od edinstvenih tradicij države vključuje klanjanje. Poosebljajo pravila dobrega vedenja. Pri Japoncih ni navada, da se poslavljajo, priklonijo se tolikokrat, kot se je sogovornik.

Samuraji predstavljajo določen sloj družbe, ki je nastal pod vplivom tradicij in običajev. Ima neposredno povezavo s kulturo države. Samuraji so bojevniki, ki opravljajo določeno službo, ki je lahko vojaška, varnostna ali domača. V katerem koli od teh primerov samuraji poosebljajo pogum, moškost in plemenitost Japoncev.

Proces oblikovanja kulture starodavne Japonske

Kultura starodavne Japonske se je začela razvijati z rojstvom japonskega jezika in pisave. Dežela vzhajajočega sonca si je osnovo za to izposodila na Kitajskem. Japonska pisava vsebuje tudi hieroglife, ki jih lahko razumete tujemu državljanu ne bo mogoče. Po nekaj časa v japonska Začele so se dodajati nove besede, zvoki in fraze. Tako je bil popolnoma preoblikovan, vendar je še vedno mogoče zaslediti skupne značilnosti s Kitajsko.

Tudi religioznost dežele izvira iz antičnih časov. Šintoizem je bil posledica razvoja različnih mitologij. Trenutno to učenje spodbuja kult voditeljev in mrtvih ljudi. Budizem ima tako globoke korenine, da so mnenja znanstvenikov in zgodovinarjev o nastanku te vrste vere zelo različna.

Japonska umetnost

Skoraj vse vrste umetnosti, ki se izvajajo na Japonskem, imajo eno glavno idejo - umirjenost in sprostitev. Ravno harmonija človeka s samim seboj je tista, ki vsebuje umetnost, ne glede na način podajanja informacij. Mnoge vrste umetnosti, znane po vsem svetu, so se začele razvijati na Japonskem. Med njimi lahko izpostavimo origami - sposobnost zgibanja različnih oblik iz papirja.

Drug priljubljen del japonske umetnosti je ikebana. To je veščina oblikovanja šopkov rož s posebno tehnologijo. Od tu je nastala prav tako priljubljena dejavnost, imenovana bonsaj. To je ustvarjanje različnih kompozicij iz pritlikavih dreves. V Omiyi, nedaleč od Tokia, je cel bonsaj park. Vsako tukaj predstavljeno pritlikavo drevo je edinstveno in lepo na svoj način.

Japonsko slikarstvo si zasluži poseben pomen, saj ima vsaka slika skriti pomen. Kot dizajn se praviloma uporabljajo svetle barve, kontrastni prehodi in jasne črte. Japonska ima tudi umetnost kaligrafije. To je veščina estetsko lepega pisanja hieroglifov. Na Japonskem je razširjena tudi uporabna umetnost. V Tokiu je cel muzej posvečen tej obrti. Tukaj si lahko ogledate izdelke iz papirja, stekla ali kovine. In to ni popoln seznam materialov, ki se uporabljajo v ta namen.

Posebno pozornost si zasluži tudi japonski stil notranje opreme. Vključuje funkcionalnost in preprostost ter izvirnost izvedbe. Poleg tega notranja oprema nosi religiozno filozofijo, tako kot katera koli druga oblika japonske umetnosti.

Arhitektura Japonske

Arhitekturne strukture na Japonskem so tako ali drugače povezane z religijo. Sprva so bile tempeljske zgradbe najpogosteje brez cvetja. To je bilo posledica uporabe nebarvanega lesa pri gradnji. Kasneje so začeli uporabljati rdeče in modre odtenke.

Les velja za glavni material za arhitekturne zgradbe na Japonskem. To je posledica dejstva, da je rezerva tega vira v državi precej velika. Poleg tega, da les dobro prevaja toploto in vpija vlago, je praktičen tudi ob potresih, ki so na Japonskem precej pogosti. Če je kamnito hišo po uničenju zelo težko ponovno ustvariti, potem je lesena veliko lažja.

Glavna značilnost japonske arhitekture je prisotnost celo geometrijske oblike. Najpogosteje so to trikotniki in pravokotniki. V kateri koli strukturi je skoraj nemogoče najti gladke in okrogle črte. Glavno načelo, po katerem Japonci urejajo svoje domove, je neločljiv obstoj notranjosti in zunanjosti hiše. To velja za japonske vrtove. Okrašeni morajo biti v popolnoma enakem slogu kot sama hiša. V nasprotnem primeru velja za slabo formo in popoln slab okus. Japonci svojim vrtom posvečajo posebno pozornost.

Japonska glasba

V smislu glasbeni razvoj Japonska se je ozirala na druge države za uporabo kakršnih koli glasbil. Kasneje pa jih je pod vplivom lokalnih okusov in tradicije posodobila. Prva, ki je vplivala na oblikovanje klasične glasbe na Japonskem, je bila lokalna folklora Dengaku, pomešana s tujimi vplivi in ​​rodila glasbo, ki jo Japonska trenutno pozna.

K glasbenemu izvoru je prispevala tudi verska plat vprašanja. Po zaslugi krščanstva se je začelo širiti igranje na orgle. In budizem je spodbujal igranje na flavto.

Trenutno je klasična glasba na Japonskem postala priljubljena. Mnogi predstavniki te ustvarjalne celice potujejo v tujino na Japonskem. Med njimi so Goto Midori, Ozawa Seiji in Uchida Mitsuko. Relativno nedavno so na Japonskem odprli dvorane, namenjene udobnemu poslušanju klasične glasbe. Sem spadajo Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard itd.

Gospodinjske tradicije Japonske

Japonci so dobro vzgojeni ljudje, ki spoštujejo svoje tradicije in običaje. Spoštljivo ravnanje s samim seboj in drugimi velja za normo na Japonskem. Otroke že od otroštva učijo lepega vedenja, razlagajo jim osnovne vrednote Japoncev in jih izobražujejo na vse možne načine. In vse to koristi družbi. Vsak turist, ki pride v deželo vzhajajočega sonca iz druge države, je presenečen, kako prijazni, prijazni in dobro vzgojeni so Japonci.

Za razliko od evropskih državah, na Japonskem že dolgo velja prepoved kajenja na javnih mestih. To velja tudi za zasebno lastnino. Kajenje v bližini drugih oseb je dovoljeno le, če so ti dali soglasje.

Japonci se med drugim dosledno držijo vseh higienskih pravil, ki jim jih narekuje družba. Na primer, v kateri koli sobi, vključno z verskimi zgradbami, so posebne slamnate preproge. Ne morete hoditi po njih v čevljih; veljajo ne le za notranjo dekoracijo, ampak tudi za pravo svetost. Prav tako so se Japonci odločili zaščititi pred morebitnimi bakterijami, ki prihajajo iz stranišča na njihovih nogah. Na vsakem javnem mestu in v stanovanjih so posebni copati za stranišče, ki preprečujejo prenos škodljivih mikrobov v druge prostore.

Pri Japoncih prehranjevanje ne velja za življenjski proces, temveč za pravi kult. Pred jedjo si Japonci vedno obrišejo roke s posebno brisačo, navlaženo z vodo, ki se imenuje oshibori. Postavitev mize se ne zgodi v naključnem vrstnem redu, ampak po posebnem vzorcu. Tudi vsaka naprava ima svoje mesto. Japonci jih delijo na samce in samice, kar je zanje zelo pomembno. Na Japonskem žlice uporabljajo samo za uživanje juhe o-zoni, ki jo pripravijo za novo leto, ostale prve jedi pa Japonci raje pijejo izključno iz posebnih skledic. Poleg tega se cmokljanje z ustnicami med obrokom ne šteje za slabo vedenje. Menijo, da se na ta način okus jedi bolje razkrije.

Pomen lepega vedenja na Japonskem dokazujejo naslednja pravila:

• O kraju in času srečanja se je treba dogovoriti vnaprej. Na Japonskem zamujanje velja za nesramnost, ki presega meje spodobnosti.
• Sogovornika ne morete prekiniti; potrpežljivo morate počakati, da oseba spregovori, nato pa začnite izražati svoje mnenje.
• Če pokličete napačno številko, se morate opravičiti.
• Če vam je nekdo priskočil na pomoč, se mu morate zagotovo zahvaliti.
• Nekateri gostje Japoncev se lahko štejejo za častne. Za mizo jim je dodeljeno celo posebno mesto, ki je praviloma najbolj oddaljeno od vhoda v sobo.
• Ko podarjate darilo Japoncem, se morate opravičiti za skromnost, kljub temu, kar predstavlja. To so pravila, ne smejo se jih kršiti.
• Med sedenjem za mizo lahko moški prekrižajo noge, ženskam pa je to strogo prepovedano. Noge naj bodo stisnjene in usmerjene v eno smer.

Med tradicijami v vsakdanjem življenju na Japonskem je tudi čaščenje starejših ljudi. Ni važno, kakšen je človekov poklic, dohodek, videz ali značajske lastnosti, če je starejši, je treba z njim ravnati spoštljivo. Starost na Japonskem vzbuja spoštovanje in ponos. To pomeni, da je oseba minila na dolge razdalje in zdaj si zasluži čast.

Pomoč spletnemu mestu: Pritisnite gumbe

Pozdravljeni, dragi bralci – iskalci znanja in resnice!

Danes vas vabimo, da se dotaknete lepote in pogovora o umetnosti starodavne Japonske. V spodnjem članku si bomo na kratko ogledali stopnje zgodovine, ki so vplivale na oblikovanje japonske umetnosti, nato pa se bomo podrobneje posvetili vsaki od njenih komponent. Spoznali boste značilnosti ne le tradicionalnih vrst, na primer arhitekture, slikarstva, temveč tudi o umetnosti bitk, miniatur, gledališča, parkov in še veliko več.

Torej, članek obljublja, da bo zanimiv, in kar je najpomembneje - poučen!

Zgodovinska obdobja

Dežela vzhajajočega sonca ima edinstveno kulturo, utelešeno v tradicionalnih izvirnih zgradbah in templjih, slikah, kipih, nakitu, vrtovih in literarnih delih. V zadnjih stoletjih postajajo vse bolj priljubljene tako netrivialne smeri, kot so lesorezi, poezija, origami, bonsaj, ikebana in celo manga in anime. Vsi so se dolgo razvijali, segajo v starodavne čase.

O tem času se je vse do začetka prejšnjega stoletja vedelo zelo malo, saj je bila Japonska za preostali svet precej zaprta država. Vendar so bile od takrat opravljene številne raziskave, katerih arheološke najdbe so osupljive. Kažejo, da je že v drugem tisočletju pred našim štetjem obstajala kulturna japonska družba, primitivna plemena pa so živela na otokih pred 15-12 tisoč leti.

Japonska kultura se je začela oblikovati okoli 4. tisočletja pred našim štetjem, a je vrhunec razvoja dosegla v srednjem veku – od 6. do 18. stoletja.

Stara japonska zgodovina se začne s prazgodovino in konča s stopnjo Heian v 8.-9. stoletju, čeprav mnogi raziskovalci sem vključujejo tudi kasnejša obdobja. V zvezi s tem ločimo tri velike stopnje, ki pa se delijo na manjša obdobja oz Jidai. Za vsako od njih je značilen pojav novih izdelkov, struktur in stilov.

1. Primitivni komunalni sistem

Primitivna družba na Japonskem je obstajala v neolitski dobi, ko so ljudje razvili prva kamnita orodja, pa tudi v obdobjih Jomon in Yayoi. Domneva se, da je Jomon trajal od 10. tisočletja do 4. stoletja pred našim štetjem. Nato so se začeli pojavljati prvi keramični izdelki, ki so imeli isto ime kot celotna doba - Jomon.

Glinena posoda iz obdobja Jomon

Te ladje so bile asimetrične oblike in so imele tradicionalno zasnovo zvite vrvi. Menijo, da so jih uporabljali v različnih ritualih in obredih. Hkrati so se pojavile različne vrste nakita - uhani, zapestnice in ogrlice iz gline, živalskih zob, školjk, kamnov in kristala.

Glineni uhani in zapestnice iz obdobja Jomon

V 3. stoletju pred našim štetjem se je začela doba Yayoi, ki je trajala šest stoletij. Potem lokalni prebivalci naučil gojiti pridelke riža, prevzel kmetijstvo, nadaljeval z obvladovanjem keramičarske obrti, začel pa je tudi taliti kovine, med katerimi je bilo najpomembnejše železo, izdelovati orožje iz bakra in zvonove iz brona.

Bronasti zvon dotaku, konec dobe Yayoi

• Oblikovanje japonske državnosti se je začelo oblikovati od 4. do 8. stoletja. Ta čas je znan kot obdobji Kofun in Yamato. Nato se je v državi pojavila cela mreža grobišč, ​​sama Japonska pa se je začela približevati Nebesnemu cesarstvu in neizogibno prevzela religijo - in z njo - arhitekturo in kiparstvo. Najpomembnejša zgradba tega obdobja je Horyu-ji, ki ga predstavlja petstopenjska pagoda. V bližini gomil so začeli postavljati posebne glinene skulpture, imenovane "haniwa".

Horyu-ji, Japonska

• Vzpostavitev zakonov Ta stopnja spada v obdobje Nara (8. stoletje) in Heian (pozno 8.-12. stoletje). Takrat so se Japonci še bolj zbližali s svojimi sosedi - Kitajci in Korejci, ki so si poleg budističnega koncepta izposodili tudi konfucijanske in taoistične tehnike obdelave kovin, metode gradnje in oblikovanja zgradb, nove trende v arhitekturi še posebej spremenjeno - preprosta šintoistična svetišča so nadomestila večstopenjske budistične stupe, kot so indijske. V domovih navadnih ljudi so se namesto gole zemlje na tleh pojavile lesene deske, na vrhu pa strehe cipres.

Prikaz obdobja Nara na Japonskem

Če govorimo o poznejših časih, lahko ločimo še več obdobij in njihovih glavnih kulturnih značilnosti:

• Karakum (XII-XIV. st.) – nastanek samurajev in borilnih veščin;
• Sengoku in Jidai (XV-XVI stoletja) - čas evropske ekspanzije v svet Vzhoda, v katerem so krščanstvo in zahodni kulturni trendi prodrli celo v deželo vzhajajočega sonca;
• Edo (XVII-XIX stoletja) - vladavina slavne družine Tokugawa, za katero je značilna izolacija Japonske in razvoj kulturne identitete.

Vse, kar se je zgodilo pozneje, je New Age in modernost, zdaj pa nedvomno tudi na razmeroma zaprti Japonski poteka nekakšna kulturna globalizacija - prevzemajo se izkušnje zahodnih mojstrov, na Zahodu pa japonski motivi postajajo modni. Vendar je imela japonska umetnost vedno poseben okus in značilnosti, ki so bile edinstvene zanjo.

Preprostost, sorazmernost s človekom, jedrnatost, naravni materiali, enotnost z naravo - tako lahko označimo japonske mojstrovine, starodavne in sodobne.

Slikanje

Japonska je, kot veste, dolgo časa stala ločeno, njene meje so bile zaprte za druge države. Ko so Japonci z nastopom 7. stoletja začeli vse bolj komunicirati s sosedi in vzpostavljati povezave s celinskim svetom, so odkrili barve, pergament, črnilo in z njimi likovno umetnost.

Sprva jo je odlikovala izredna preprostost in jedrnatost: preproste podobe so bile izdelane na črnem ali belem papirju, običajno v eni od treh barv - rumeni, zeleni ali rdeči. Vendar pa je postopoma spretnost lokalnih slikarjev rasla, predvsem zaradi širjenja Budovih naukov, saj je nastajalo vedno več novih slik iz življenja Učitelja in njegovih učencev.

Slike z budističnimi temami v starodavni Japonski

V 9. stoletju je Japonska že oblikovala svojo vejo slikarstva, ki je bila neodvisna od Kitajcev. Hkrati je začela slabeti vloga budizma, verske motive pa so nadomestili tako imenovani sekularni, torej sekularni, ki so bili še posebej priljubljeni v času vladavine družine Tokugawa.

Šoguni iz dinastije Tokugawa

Kaiga, kot so Japonci imenovali slikarstvo, je dobila povsem drugačne oblike in sloge, pomembno mesto pa je v njem zasedla narava. Od takrat se je slikarstvo pojavilo v novih oblikah:

• Yamato-e je glavna slikarska šola. Nastala je v 9.-10. stoletju in jo je podpirala Akademija umetnosti pod cesarjem. Dela so bila zloženi zvitki, ki so upodabljali literarne teme v kombinaciji s spretno kaligrafijo. Obstajali sta dve glavni vrsti zvitkov: emakimono - dolg več metrov, zložen vodoravno in pogosto viden na mizi, in kakimono - zvit navpično in obešen na steno. Običajno sta bila svila ali papir svetlo pobarvana v slogu Yamato-e, pozneje pa so se kot platno vedno bolj uporabljale keramične posode, narodna oblačila, pahljače, stene in zasloni. Posebna pozornost je bila namenjena podajanju stanja duha.
• Sumi-e - kot samostojen slog se je oblikoval okoli 14. stoletja. Njene značilnosti so uporaba akvarela in črno-belih barv.
• Portreti so postali priljubljeni v 13.-14.
• Pokrajina - priljubljenost je dosegla v 14.-15. stoletju, predvsem zaradi širjenja zen budizma po vsej državi, ki temelji na ideji kontemplacije in enotnosti z naravo.
• Ukiyo-e je značilna svetla slika na tablicah. Pojavil se je v 17. stoletju in je vseboval podobe narave, slavnih japonskih gejš ali umetnikov gledališča Kabuki. Stoletje kasneje je ta trend postal tako priljubljen, da je celo osvojil srca Evropejcev - ta slog so začeli uporabljati v svojih delih.

Tradicionalna gravura Ukiyo-e

Arhitekturna smer

Sprva je bila japonska arhitektura omejena na gradnjo starodavnih tradicionalnih hiš - haniwa. Nastali so pred 4. stoletjem, o njihovem videzu pa lahko sodimo le po ohranjenih miniaturnih glinenih modelih in risbah, saj se do danes niso ohranili.

Tu je potekalo življenje in vsakdanje življenje preprostih ljudi. To so bile neke vrste zemljanke, na vrhu pokrite s slamnatim nadstreškom. Podpirali so ga posebni leseni okvirji.

Kasneje se je pojavila takayuka - analog kašč. Sestavljali so jih tudi posebni podporni tramovi, ki so omogočali reševanje pridelka pred naravnimi nesrečami in škodljivci.

Približno v istem času, v 1.-3. stoletju, so se začeli pojavljati templji starodavne šintoistične vere v čast božanstvom, ki so pokroviteljstvo sil narave. Najpogosteje so bili zgrajeni iz neobdelanih in nepobarvanih čempresov in so imeli jedrnato pravokotno obliko.

Slamnata ali borova streha je bila dvokapna, same konstrukcije pa so bile zgrajene na stebrih, obdanih s paviljoni. Druga značilnost šintoističnih svetišč so vrata v obliki črke U na vhodu.

V šintoizmu velja zakon obnove: vsakih dvajset let je bil tempelj uničen in na istem mestu zgrajen skoraj popolnoma enak, a nov.

Najbolj znan tak tempelj se imenuje Ise. Prvič je bila zgrajena v začetku 1. tisočletja in je bila po izročilu nenehno prezidana. Ise je sestavljen iz dveh podobnih kompleksov, ki sta nekoliko narazen drug od drugega: prvi je posvečen moči sonca, drugi pa božanstvu plodnosti.

Od 6. stoletja so se v Deželi vzhajajočega sonca začeli širiti budistični nauki, ki so prihajali iz Kitajske in Koreje, s tem pa tudi načela gradnje budističnih templjev. Sprva so predstavili kitajske kopije, kasneje pa je v tempeljski arhitekturi začel slediti poseben, resnično japonski slog.

Strukture so bile zgrajene asimetrično, kot da bi se zlile z naravo. Lakonizem in jasnost oblik, lesen okvir skupaj s kamnitim temeljem, pagode v več nivojih, ne preveč svetle barve - to je tisto, kar razlikuje svetišča tistega časa.

Veliko jih je preživelo do danes. Arhitekturni spomeniki vključujejo Horyu-ji iz zgodnjega 7. stoletja z znamenitim zlatim templjem in 40 drugimi stavbami, Todai-ji iz sredine 8. stoletja v mestu Nara, ki še vedno velja za največjo leseno zgradbo na planetu. Obenem je budistična arhitektura tesno prepletena s kiparstvom in slikarstvom, ki prikazujeta božanstva in motive iz Učiteljevega življenja.

Tempelj Todai-ji

Na prelomu iz 12. v 13. stoletje se je v državi začel fevdalizem, zato je postal priljubljen stil Shinden, ki ga odlikuje pompeznost. Nadomestil ga je slog sein, ki ga vodita preprostost in nekaj intimnosti: namesto sten so skoraj breztežni zasloni, na tleh so podloge in tatami.

Istočasno so se začele pojavljati palače in templji lokalnih fevdalcev. Mojstrovine te vrste strukture so znameniti Kinkaku-ji iz 14. stoletja ali Zlati paviljon, pa tudi Ginkaku-ji iz 15. stoletja, znan tudi kot Srebrni tempelj.

Tempelj Ginkaku-ji (zlati paviljon)

Skupaj s palačami in templji se je v 14.–15. stoletju začela pojavljati umetnost krajinskega vrta. Njegov pojav je v veliki meri posledica prodora kontemplativnega učenja zena na Japonsko. Okoli templjev in velikih bivališč so se začeli pojavljati vrtovi, kjer glavne sestavine niso bile samo rastline in rože, temveč tudi kamni, voda, pa tudi peščene in prodnate gomile, ki simbolizirajo vodni element.

Edinstveno mesto Kyoto je znano po vsem svetu.

Druga vrsta vrta je čajni vrt, ki se imenuje "tyaniva". Obdaja čajnico, kjer poteka poseben, ležeren obred, skozi celoten vrt do hiše pa vodi posebna pot. Tianiva, ki se je pojavila v srednjem veku, je danes povsod.

Kiparska smer

Kiparstvo v starodavni Japonski je večinoma povezano z verskimi in obrednimi tradicijami. Že v 3.-5. stoletju so se ljudje naučili izdelovati majhne figurice, imenovane dogu.

Dogu je upodabljal ljudi in živali in glede na to, da so jih našli v grobiščih, lahko sklepamo, da so bili položeni v grob skupaj s pokojniki - to so bili njihovi služabniki, ki bi lahko bili koristni v naslednjem svetu. Dogu so bile glinene, bronaste, lesene in lakirane figure. Kasneje so večji kipi božanstev nastali tudi na grobovih in šintoističnih svetiščih.

Dogu figurica

Prihod budizma v državo je seveda vplival na lokalno kiparstvo. V 6.-7. stoletju so se začeli pojavljati številni spomeniki Budi. Po kitajskih in korejskih mojstrih so svojo pot začeli domači kiparji.

Do 9. stoletja se je kiparska smer začela še bolj razvijati, vendar se je videz Bude spremenil in začeli so imeti več, do tisoč, obrazov in rok. Najpogosteje so bili izdelani iz močnega lesa, laka, brona in gline.

Številni lepi spomeniki so preživeli do danes. Na primer, v templju Haryu-ji veličastna figura Bude sedi na lotosovem cvetu, v Todai-ji pa je celoten ansambel božanstev na čelu s 16-metrskim Budo, ki sta ga ustvarila kiparja Kaikei in Unkei.

Druge vrste

Japonska umetnost je večplastna in o njej lahko govorimo ure in ure. Pogovorimo se o več vrstah umetnosti, ki so nastale v starih časih.

• Kaligrafija

Imenuje se sedo, kar pomeni »cesta obvestil«. Kaligrafija se je pojavila na Japonskem zahvaljujoč lepi hieroglifi, ki so si jih izposodili pri Kitajcih. V mnogih sodobnih šolah velja za obvezen predmet.

• Haiku ali haiku

Haiku je posebna japonska lirika, ki se je pojavila v 14. stoletju. Pesnik se imenuje "haijin".

• Origami

To ime pomeni "zložen papir". Origami, ki prihaja iz srednjega kraljestva, se je sprva uporabljal v obredih in je bil dejavnost plemstva, v zadnjem času pa se je razširil po vsem svetu.

Starodavna umetnost origamija na Japonskem

• Ikebana

Beseda v prevodu pomeni "žive rože". Tako kot origami so ga prvotno uporabljali v obredih.

• Miniature

Dve najpogostejši vrsti miniatur sta bonsaj in netsuke. Bonsaji so kopije pravih dreves v močno pomanjšani obliki. Netsuke so majhne figurice, kot so talismanski obeski za ključe, ki so se pojavili v 18.-19. stoletju.

• Borilne veščine

Povezani so predvsem s samuraji - nekakšno viteštvo, ninjami - plačanimi morilci, bushido - bojevniki.

• Gledališka umetnost

Najbolj znano gledališče, ponos vseh Japoncev, je klasično gledališče Kabuki. Podrobno si lahko preberete o gledališki umetnosti na Japonskem.

Kabuki gledališče na Japonskem

Zaključek

Kot je razvidno iz članka, je Japonska cela zakladnica umetniških mojstrovin, ne samo nacionalne, ampak tudi svetovne. Od antičnih časov, ki se začnejo že dolgo pred našim štetjem, so Japonci začeli ustvarjati in ustvarjati lepe stvari okoli sebe: slike, zgradbe, skulpture, pesmi, parke, miniature - in to ni celoten seznam.

Zanimivo je, da je v kreacijah sodobnega časa mogoče zaslediti značilnosti, ki so značilne za japonsko kulturo antike - preprostost, jedrnatost, naravnost, želja po harmoniji z naravo.

Najlepša hvala za vašo pozornost, dragi bralci! Upamo, da ste se danes veliko naučili o tako skrivnostni in oddaljeni državi, kot je Japonska. Pridružite se nam - pustite komentarje, delite povezave do člankov s prijatelji - z veseljem bomo z vami raziskovali skrivnostni svet vzhoda!

Se vidimo kmalu!

Himeji je eden najstarejših gradov na Japonskem

Starodavna japonska umetnost
Japonska kultura se je oblikovala in razvijala v posebnih naravnih in zgodovinskih razmerah. Japonska leži na štirih velikih in številnih majhnih otokih, obdanih z morji. Nahaja se na samem robu vzhoda in je doživljal občasno naraščajoč, nato pa spet bledeč vpliv celinskih kultur, kot sta Kitajska in Koreja. Obdobjem interakcije z zunanjim svetom so v japonski zgodovini sledila dolga stoletja kulturne izolacije (obdobja od 10. do 14. in od 17. do sredine 19. stoletja). Slednja okoliščina je prispevala k razvoju in utrditvi številnih edinstvenih značilnosti japonske kulture na splošno in zlasti umetnosti. Spoznavanje kulture Zahoda se je zgodilo v 16. stoletju, ko so se že oblikovale glavne značilnosti prvotne japonske civilizacije. Do leta 1854 je Japonska trgovala s Kitajsko in Nizozemsko le v enem pristanišču.

Od starodavnih prebivalcev japonskih otokov - lovcev in ribičev - so prišle najdbe, odkrite kot rezultat arheološka izkopavanja Kamnite sekire, harpune, konice puščic in ročno izklesane keramične posode, imenovane po vzorcu "Jomon", kar pomeni "žig vrvi", vtisnjen na njih. Zato se neolitska kultura na Japonskem imenuje tudi Jomon. Naseljenci, ki so prišli iz Sibirije, Polinezije in kasneje iz Koreje in Kitajske, so bili na različnih stopnjah kulturnega razvoja. To pojasnjuje dejstvo, da v nekaterih kulturnih plasteh najdemo spomenike neolitika in bronaste dobe. Japonski jezik je blizu jezikom altajske skupine. Ko so se Japonci zaradi stikov s kitajsko kulturo seznanili s kitajsko hieroglifsko pisavo, se je izkazalo, da je zelo težko prilagoditi kitajske znake za prenos ustnega japonskega govora.

Začetno obdobje japonske kulture, o katerem so ohranjeni zanesljivi podatki, se imenuje doba kofunov (kopi) - grobov, katerih talni del je bil zemeljski nasip značilne oblike - povezava kroga in trapeza, spominja na ključavnico, ki je simbolizirala združitev zemlje in vode. Bile so precejšnje velikosti, obdajal jih je dvojni jarek z vodo, na vrhu gomile je rasla trava, po notranjem obodu gomile pa so bile votle glinene figurice ljudi, živali, modeli čolnov in hiš od 30 cm. do višine enega in pol metra. Imenovali so jih "haniwa". V pogrebni sobi so bile krste s pokojnimi predstavniki plemstva, kjer so bili postavljeni obredni predmeti: ogledalo, zvonec dotaku, katerega zvok naj bi prestrašil zle duhove in privabil bogove - pokrovitelje kmetov. Pokopi kraljev Yamato so nujno vsebovali takšne ritualne simbole moči, kot so žadni obeski in meči. Da bi poveličali kralje klana Yamato, je bil postavljen začetek zgodovine, določena je bila hierarhija bogov in identificirano božanstvo Amaterasu (»Sijoč z neba«), ki je preneslo oblast nad japonskimi otoki na kralje Yamato klan. Ime "Nippon" ali "Nihon", kar pomeni "dežela vzhajajočega sonca", se je pojavilo v 7. stoletju. Leta 608 so se začela študijska potovanja na Kitajsko, ki so trajala več kot dve stoletji.

Dotaku - obredni bronasti zvonovi - cilindri, zoženi proti vrhu, na vrhu s širokimi zankami s figuriranimi izboklinami, katerih stene so razdeljene na kvadrate, napolnjene z grafičnimi podobami

Heterogena prepričanja Japoncev, ki imajo številne značilnosti primitivnega animizma in fetišizma, se odražajo v šintoizmu. Šinto (»pot bogov«) sam po sebi odraža japonske ideje o univerzalni duhovnosti narave. Nešteto tako imenovanih "kami" (duhov) obstaja tako v čudežnih krajinskih objektih, kot sta jezero Biwa in gora Fuji, kot v predmetih, ki so jih ustvarili ljudje - mečih, ogledalih, ki so zato obdarjeni s čarobnimi lastnostmi. Šintoistični tempelj se je odlikoval s preprostostjo lesene konstrukcije: ena soba je bila postavljena na kolih, obdana z vseh strani z verando. Znotraj šintoističnega svetišča je bilo temno in prazno. Verniki niso vstopili v tempelj.

Para obdobje (645-794 AD)

Nara je ime prve prestolnice in edinega mesta na Japonskem v tistem času. To je bil čas vzpostavitve japonske državnosti, uvedbe budizma in nastanka spomenikov budistične umetnosti - templjev, pagod in raznih kipov budističnih božanstev. Budizem v tem obdobju ni bil toliko vera ljudi kot nadaljevanje politike dvora. Različne sekte budizma so imele zelo pomembno vlogo na dvoru, zemljiška posest budističnih samostanov je rasla, menihi so imeli ogromen vpliv na dvoru. Pojavijo se budistični samostani, ki so skupine lesenih zgradb, ki se nahajajo na pravokotnem območju, obdanem z obzidjem. Posebej pomembna je bila široka ulica, ki vodi do vhodnih vrat, trg pred templjem in od daleč vidna večnadstropna pagoda. Leseni templji so bili pobarvani z rdečim lakom, postavljeni na kamnite temelje in so imeli široke ukrivljene dvojne strehe - irimoya.

Med zgodnjimi budističnimi templji so Asukadera, Horyuji, gradnja slednjega se je začela leta 607 na ukaz takrat vladajočega prestolonaslednika Shotoku Taishija. Samostan je sestavljalo 53 stavb, ki se nahajajo na površini 90 tisoč kvadratnih metrov. m. Fasada templja je obrnjena proti jugu, glavne stavbe se nahajajo na osi sever-jug, sveto območje je severno, tam je bila dvorana za pridige - kodo, stanovanje in petstopenjska pagoda. V Horyujiju je bilo 265 kipov, glavna kiparska podoba je bila trojica Shakyamuni, ki jo je predstavljala skulptura ustanovitelja vere, ki sta jo spremljala dva bodisatva. V 8. stol Veliki samostani so že imeli kiparske delavnice. Širil se je kult bodisatve Kannona, katerega ime je bil prevod sanskrtskega imena Avalokiteshvara (Poslušalec zvokov sveta). Napolnjen s sočutjem do živih bitij, je Bodhisattva sposoben prisluhniti zvokom tistih, ki trpijo, kjerkoli so. Kult Avalokiteshvare izvira iz severozahodne Indije in se je razširil na Kitajsko. V Lotusovi sutri je bilo rečeno, da je bodisatva prevzel obliko tistih bitij, ki so ga poklicala. Na Japonskem je širjenje kulta Kannona povzročilo pojav velikega števila njenih podob - sveti Kannon, ki pomaga v peklu, Kannon z glavo konja, ki širi usmiljenje do živine in zlih duhov - asure reši tisoč- oborožen Kannon, Kannon z ribiško vrvico rešuje ljudi.

Obdobje Heian (794-1185)

Leta 794 je bila prestolnica države prestavljena v mesto Heian (zdaj Kyoto). V obdobju Heian je cvetela sofisticirana dvorna kultura. Nastal je japonski zlogovni zapis - kana (japonsko - izposojen hieroglif). Sprva so to pisavo uporabljale samo ženske, uradna pisava pa je ostala še naprej kitajska. V celotnem 10. stol. Ženska pisava se je začela uporabljati v zasebni praksi. V 11. stoletju Začel se je razcvet japonske klasične literature, sijajen primer tega je roman "Genji Monogatari", ki ga je ustvarila dvorna dama Murasaki Shikibu.

V umetnosti Heian zavzemajo glavno mesto budistične podobe ezoteričnih sekt Tendai in Shingon, ki so takrat prišle iz Kitajske, ki so učili, da imajo vsa živa bitja esenco Bude. Z urjenjem duha in telesa, izpolnjevanjem zaobljub lahko vsak pridobi esenco Bude v procesu več ponovnih rojstev. Templji teh sekt so bili zgrajeni na vrhovih gora in skalnatih policah, molitvene hiše v njih pa so bile razdeljene na dva dela. Navadni verniki niso smeli vstopiti v notranjo, kjer je bila sveta podoba.

Obdobje Heian je čas razkošja za vladajoče kroge. V tem času se je oblikoval tip stanovanj Shinden. Tudi v toplem podnebju zidovi niso bili kapital in niso imeli podporne vrednosti. Lahko bi jih zelo enostavno razmaknili, zamenjali z bolj trpežnimi v hladnem vremenu ali popolnoma odstranili v toplem vremenu. Tudi oken ni bilo. Namesto stekla je bil čez rešetkasti okvir napet bel papir, ki je v prostor prepuščal medlo razpršeno svetlobo. Široki napušči strehe so ščitili stene pred vlago in sončno svetlobo. Notranjost, brez stalnega pohištva, je imela drsne predelne stene, zaradi katerih je bilo mogoče poljubno oblikovati predsobo ali več majhnih izoliranih prostorov; cm).

Konfucijanska in budistična besedila so bila v obdobju Heian prinesena s Kitajske. Pogosto so bili okrašeni s podobami. Sprva so japonski umetniki kopirali kitajske "slavne kraje", vendar od 10. stoletja. se obrnejo k upodabljanju pokrajine in običajev svoje domovine. Oblikovalo se je slikarstvo Yamato-e, ki se je od kitajskega slikarstva razlikovalo po uporabi tem iz japonske poezije, kratkih zgodb, romanov ali ljudskih legend. Slika je dobila ime po imenu regije Yamato - jugozahodnega dela otoka Honshu, kjer se je oblikovala državnost Japonske.
Slika je pogosto predstavljala zvitek ilustracij z ustreznim besedilom, ki je bil vzet z roko in odvit od desne proti levi; pri branju ustreznega dela je bila preučena naslednja ilustracija.

Slikarstvo Yamato-e je cvetelo v poznem obdobju Heian. V tem času so se pojavili profesionalni umetniki, ki so slikali slike posvetnih tem na zaslonih, drsnih predelnih stenah (shoji) in zvitkih - emakimono. Najstarejši od zvitkov je Genji Monogatari. Emakimanovi svitki so bili slike-zgodbe. Do danes se je ohranil zvitek »Genji-monogatari-emaki«, znameniti roman Murasakija Šikibuja, ki v svetlih barvah prikazuje brezdelno življenje aristokracije; je sinteza kaligrafije, literature in slikarstva. V ohranjenih 19 od 54 poglavij romana v ilustracijah ni enotnega zapleta in neprekinjenega dejanja. Večina upodobljenih prizorov se odvija v interierju, vse vidno je prikazano od zgoraj, ni ene same točke izginja linij, obsežna korespondenca figur in arhitekture, obrazi vseh likov so enaki, le frizure in oblačila so drugačna. . Glavni poudarek umetnikove pozornosti je prenesti čustveno vsebino dogodkov, ki se odvijajo v romanu in so bili vsi dobro znani. Glavni tehniki sta grajenje prostora in uporaba barvnih možnosti. Za prenos notranjega stanja likov in atmosfere vsakega prizora je za umetnika pomembno, pod kakšnim kotom glede na spodnji rob zvitka so usmerjene diagonalne črte, ki označujejo bodisi tramove struktur bodisi zaveso. palice ali rob verande. Odvisno od stopnje čustvene napetosti se ta kot spreminja od 30 do 54 stopinj.

Bodhisattva - Kannon se pojavlja na Kitajskem, v Koreji in na Japonskem predvsem v ženski podobi, v rokah z vrčem, vrbovo vejo in lasom.

V hišah aristokratov ni bilo predelnih sten, zaslonov in zaves najboljši umetniki naslikal slike Yamato-e. Slike Yamato-e so tvorile enotnost z literarnimi deli, ki so bila postavljena tudi na zaslone in zavese. V pesniških antologijah X-XIII. Pesmi, napisane na zaslonih iz 9.–10. stoletja, niso neobičajne. Največ takih pesmi je v antologiji »Suixu«. Tako kot je bila poezija na temo štirih letnih časov, je bilo tudi slikanje za ekrane. V skladu z ljudskim pesništvom se je razvil določen sistem pesniških formul, ki je nato postal osnova japonske klasične poetike. Torej, znamenje pomladi je bila meglena meglica, vrba, znamenje poletja - kukavica, škržati, znamenje jeseni - škrlatni javorjevi listi, jelen, luna, zima - sneg in cvetovi sliv.

Kyoto je starodavni biser Japonske.

Obilica homonimov v jeziku je omogočila, da so pesmi dale veliko pomenov. Teme in zapleti so omogočili, da se je skozi detajl ali namig v izjemno jedrnati pesniški obliki (v tanki je 31 zlogov) izrazila raznolikost vseh odtenkov čustvenih stanj. Od zaslonov z besedili je postopoma prešel na zaslone brez besedila. Tako so nastale dejanske slikarske žanrske delitve - shiki-e (»slike štirih letnih časov«) in mei-se-e (»slike znamenitih krajev«).
Kompozicija takih slik ni ustrezala nobeni kategoriji kitajskega slikarstva. Največje zlitje narave in človeka bo postalo značilno za različne zvrsti japonske umetnosti.

Obdobje Kamakura (1185-1333) in Muromači (1333-1568)

Konec 12. stoletja je bila prestolnica ponovno prestavljena; oblast v državi je zaradi krvavega spora prevzel klan Minamoto, čigar glava je prestolnico preselila v svojo naselbino Kamakura, katere ime je postalo ime naslednje stopnje v zgodovini Japonske. V državi je na oblast prišel vojaški razred samurajev, med katerimi so prišli šoguni - dejanski vojaški vladarji Japonske, ki so ostali v Nari, so ohranili le nominalne lastnosti moči. Samuraji so dajali prednost preprostosti kot prefinjenosti dvorne kulture. Samostani zen sekte niso več vključevali templjev; Od konca 13. stol. pod vplivom panteističnih idej sekte Zen je pokrajina začela utelešati idejo o prisotnosti budističnih božanstev v vseh krajinskih objektih. V samostanih Kamakura se je razvila ikonografija portretov minskega patriarha: sedečega in v mirni pozi s poudarjeno obrazno potezo in hipnotično močjo pogleda. Pod vplivom sekte zen je kiparstvo potisnjeno v ozadje; slikarstvo, zlasti krajinsko, izraža pogled na svet ljudi te dobe.

Obdobje Muromachi se začne z dogodki leta 1333, ko so fevdalni gospodje jugovzhodnih regij otoka Honšu zavzeli in požgali Kamakuro ter vrnili prestolnico Heianu. To je bil čas notranjih sporov in vojn med fevdalnimi klani. Vodilno za nemirne čase je bilo učenje privržencev sekte zen, da se lahko, ko dosežemo enotnost z naravo, sprijaznimo s stiskami življenja in dosežemo enotnost s svetom. V japonski umetnosti pride v ospredje krajinsko slikarstvo pod vplivom učenja zena, da je »telo« Bude narava. V drugi polovici 12. stol. Slikanje s črnim črnilom je prišlo na Japonsko s Kitajske. Japonci, ki so se ukvarjali predvsem s takim slikanjem, so bili pripadniki sekte zen. Ustvarili so nov slog, ki je pojasnil novo veroizpoved (šigaku – kombinacija slikarstva in poezije). XV in XVI stoletja - čas največjega razcveta slikarstva s črnilom, katerega vodilni mojster je bil Sesshu Toyo (1420-1506). Vzporedno s tem slogom je obstajal tudi stil Yamato-e.

Spremembe v družbenopolitičnih odnosih, ki so v ospredje postavile vojaški sloj, so določile tudi pojav v 16. stoletju. Sein arhitekturni slog. Prej enoten volumen hiše je zdaj razdeljen s pomočjo drsnih vrat (shoji) in drsnih predelnih sten (fusuma). V sobah se je pojavil poseben prostor za učenje - polica za knjige in okno s široko okensko polico in nišo (tokonoma), kamor so postavili šopek ali čudaško oblikovan kamen in obesili navpični zvitek.

V 16. stoletju v zgodovini japonske arhitekture se čajni paviljoni pojavijo zaradi potrebe pravilna izvedbačajni obred. Čaj so na Japonsko v obdobju Kamakura prinesli budistični menihi kot zdravilo. Obred čaja (cha-no-yu) je bil uveden na pobudo zenovskega meniha Murata Shuko in je zahteval posebno metodo za njegovo izvajanje. Zgodilo se je tako nov tip arhitekturna struktura- chashitsu (paviljon za čajno slovesnost), v svoji strukturni osnovi je bil blizu stanovanjske zgradbe, v svoji funkciji pa - budističnega templja. Nosilci čajnega paviljona so bili leseni, strop pa obložen z bambusom ali trstiko. Znotraj koče z 1,5 ali 2 tatamijem, pokrite s preprogami, s stenami iz opeke, majhnimi okni na več ravneh, tokonoma nišo z visečo enobarvno pokrajino in rožo v vazi, je bilo ognjišče in polica za posodo.

Umetnost ustvarjanja vrtov je cvetela v obdobju Muromachi. Japonski vrtovi so drugačni. Majhni vrtovi so najpogosteje locirani pri templjih ali povezani s tradicionalno hišo, namenjeni so ogledovanju. Veliki urejeni vrtovi so zasnovani za doživetje od znotraj.

Kondo - (japonska zlata dvorana) - glavni tempelj budističnega kompleksa, ki vsebuje ikone, kipe, stenske slike

Vrt templja Zen je bil zgrajen po principu enobarvnega pokrajinskega zvitka. Namesto lista papirja je umetnik uporabil površino jezera ali ploščadi, prekrito s kamenčki, namesto madežev in erozij pa debele kamne, mahove, listje dreves in grmovja. Postopoma so rože izginile z vrta, zamenjali so jih mahovi in ​​grmičevje, namesto mostov so začeli uporabljati kamne. Nekateri vrtovi so bili urejeni in gričevnati (tsukiyama). Vrtovi Tsukiyama so bili kombinacija naravnih elementov, kot so kamni, mahovi, drevesa, ribniki, z obveznim paviljonom na obali. Najstarejši krajinski vrt se nahaja v Kjotu in pripada samostanu Sohoji. Suhi vrtovi so se imenovali »hiraniwa«, tj. ravno. Hiraniva je »filozofski« vrt, saj je od gledalca zahteval razvito domišljijo. Hiraniwa vrt »je bil narejen iz kamnov, peska in kamenčkov. S treh strani zaprt z zidom, ki ga je obdajal, je bil vrt namenjen samo kontemplaciji. Ob koncu 15. stol. eden najbolj znanih suhih vrtov je nastal v samostanu Reanji. Vključuje 15 kamnov, ki se nahajajo na pravokotni gramozni površini. V vrtu Hiraniwa samostana Daitokuji, ustvarjenem leta 1509, naravo predstavljajo kompozicije kamnov in prodnikov. Eden od delov vrta se imenuje "ocean praznine" in je sestavljen iz dveh nizkih prodnatih gričev med pravokotnim območjem. Vrtovi bi se lahko dopolnjevali.

Ob koncu 15. stol. Nastala je dvorna šola dekorativnega slikarstva Kano. Ustanovitelj šole Kano Masanobu (1434-1530) je izhajal iz vojaškega razreda in postal priznan poklicni dvorni umetnik. Njegove pokrajine so imele le ospredje, vse ostalo je zakrivala meglena meglica. Poudarek na enem specifičnem predmetu slike bo postal značilen za šolo Kano. Glavno mesto v delu umetnikov šole Kano so zasedale dekorativne stenske slike in zasloni z žanrskim slikarstvom. Stenske poslikave so postale glavna sestavina sinteze z arhitekturno formo in sredstvo vplivanja. figurativni pomen arhitekturni prostor. Značilnosti arhitekturne oblike pa so zahtevale določene slogovne lastnosti slik, zato se je postopoma oblikoval nov slogovni kanon, ki se je v japonskem slikarstvu ohranil do 19. stoletja.

Shinden je vrsta stanovanjske zgradbe. Glavna stavba pravokotnega tlorisa ima eno dvorano, ki z južno fasado gleda na trg in jo na vzhodu in zahodu obkrožata galeriji

Obdobje Momoyame (1X73-1614)

In tokrat se je doba fevdalnih vojn končala, oblast v državi je prešla na zaporedne vojaške diktatorje - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi in Iyaesu Tokugawa. To je bil čas urbane rasti, sekularizacije in demokratizacije kulture ter prodora novih vrednostnih usmeritev. Kultna arhitektura je izgubila svoj prejšnji pomen. Novi vladarji Japonske so razglasili svojo moč z gradnjo veličastnih gradov, katerih gradnja je bila posledica pojava na Japonskem strelno orožje in ustrezno spremembo bojne in obrambne taktike. Grad je postal popolnoma nova vrsta japonske arhitekture. Asimetrično locirano ozemlje gradu, obdano z jarkom ter stražnimi in vogalnimi stolpi, je vključevalo osrednji trg ter številna dvorišča in sobe, podzemna zaklonišča in prehode. Bivalni prostori so se nahajali v leseni stavbi na grajskem zemljišču s strogo hierarhijo notranjega prostora, ki je odražala družbeno hierarhijo. Dekorativne stenske poslikave, velike velikosti, poslikane s svetlimi barvami na zlatem ozadju, so bile najbolj primerne za notranjost gradov, potopljenih v somrak.

Kano Eitoku (1543-1590). Ustvarjalec novega sloga slik, namenjenih poveličevanju vojaških diktatorjev. Bil je prvi, ki je razvil načelo enotne kompozicije na velikih vodoravnih površinah, s povečanjem oblik in opuščanjem majhnih detajlov, da bi posredoval ne le silhuete, temveč tudi dinamiko njihovih oblik. Za Eitoku je značilna želja po povečanju ploskosti slike in izboljšanju njenih dekorativnih lastnosti. Tako so na mestih, ki simbolizirajo prazen prostor, postavljene lise s primesjo zlatega prahu. Prostor kompozicije se ni razgrnil v globino, ampak vzdolž pogleda.
Leta 1576 so na obali jezera Biwa postavili grad brez primere z ogromnim sedemnadstropnim stolpom, ki naj bi dokazoval moč diktatorja Ode Nobunage. Posebnost gradu je bila prisotnost ne le uradnih, ampak tudi zasebnih dvoran. Glavni okras prostorov so bile stenske poslikave, ki so bile zaupane Kanu Eitoku, ki jih je z veliko skupino pomočnikov delal tri leta. Kano Eitoku, ki ga je diktator pohitel, da je dokončal naročilo, je začel povečevati oblike z uporabo debelega čopiča iz riževe slame in se zatekel k lakoničnosti umetniški jezik. Glavno mesto je zasedla podoba dreves, rož, ptic in živali. Barvna shema je bila svetla, barvnih nians ni bilo.

Sprememba družbenih razmer v državi po prihodu na oblast šogunov Tokugawa je povzročila prepoved gradnje gradov.
V delih umetnikov prve tretjine 17. st. začnejo prevladovati nove funkcije. V slikarstvu je postala opaznejša želja po uravnoteženih, umirjenih kompozicijah, povečanju ornamentalnih oblik, zanimanju za kulturo obdobja Heian in dela Yamato-e. Posebnost Kano šole tega časa - okrasje in povečana dekorativnost. Ko je v drugi četrtini 17. stol. Gradnja gradov je bila prepovedana, zaslon pa je postal glavna oblika dekorativnega slikarstva. Monumentalnost Kano Eitokuja je izginila iz dekorativnega slikarstva. Umetnost je dobila osebno noto, kar je vplivalo tudi na njene slogovne kvalitete. Dekorativni slikarstvo XVII V. se je najpogosteje zgledovalo po junakih in temah klasične literature, ki je odražalo paleto interesov plemenske aristokracije, pa tudi nastajajoče meščanske elite. Dekorativno slikarstvo se je razvilo v stari prestolnici Kjotu.

Ogata Korin, nova predstavnica šole Kano, je postala eksponent okusa novih potrošnikov umetnosti - mestnih prebivalcev, trgovcev in obrtnikov.

Emakimano - vodoravni zvitek papirja ali svile, prilepljen na podlago, uokvirjeno z brokatno obrobo z lesenim valjem na koncu

Ogata Korin (1658-1716) je živel kot bogataš in nenehno obiskoval »gejevske četrti«. Šele po propadu, soočen s hudo potrebo po zaslužku, se je začel ukvarjati s slikanjem na tekstilu in slikarstvom. Ogata Korin se je ukvarjala tako s keramiko kot z lakiranimi izdelki ter slikala kimone in pahljače. kako
mojster je začel z uvodom v tradicionalno slikarstvo in njegove tehnike. Korin je vedno težil k kompaktnosti in uravnoteženosti oblik, značilnost njegovega ustvarjalnega sloga je osredotočenost na razvijanje več motivov zapletov, njihovo ponavljajoče se ponavljanje in variiranje. V delu Ogate Korin se je prvič pojavilo delo iz življenja. V sliki zaslona "Rdeča in bela sliva" se motiv zapleta, ki ga je prevzel Korin, s svojimi podobami vrača v klasično poezijo zgodnja pomlad in prebujajočo se naravo. Na obeh straneh potoka so na zlatem ozadju zapisana cvetoča drevesa: čokata rdeča sliva z debelim ukrivljenim deblom in skoraj navpično dvigajočimi se vejami ter druga, označena le z vznožjem debla in ostro ukrivljeno vejo, kot če pade v vodo in ga zato nenadoma vrže, posuta z belimi cvetovi.

Kano Eitoku jastreb na borovcu. zaslon. Detajl s konca 16. stoletja.

Ogata Kenzan (1663-1743) je za razliko od svojega starejšega brata Ogata Korina že od mladosti gravitiral k duhovnim vrednotam, bil privrženec zen budizma, poznal je kitajsko in japonsko klasično literaturo, gledališče Noh in čajni ritual. Na ozemlju, ki pripada templju Ninnaji, je Kenzan dobil dovoljenje za gradnjo lastne keramične peči, ki je izdelke proizvajala 13 let do leta 1712. Ni si prizadeval za dobičkonosnost, vodila ga je ideja o ustvarjanju visoko umetniških izdelkov . Pri slikanju je prvič uporabil tradicionalne tehnike tuša volumetrična oblika. Kenzan je začel uporabljati barvo, pisal je na vlažno črepinjo, porozna glina je vpijala barvo, kot papir pri slikanju s tušem. Ogata Kenzan je tako kot njegov veliki sodobnik, pesnik Bašo, ki je popularno nizko zvrst haikuja spremenil v razodetje, pokazal, da so običajni keramični krožniki, skodelice in vaze lahko uporabni predmeti in hkrati poetične umetniške mojstrovine.

Obdobje Edo (1614-1868)

Leta 1615 so bili samuraji preseljeni iz Kjota v Edo. Razred trgovcev, trgovcev in dninarjev, skoncentriran v Mari, Kjotu in Osaki, je pridobil na pomenu. Za predstavnike teh družbene skupine Zanj je bilo značilno svetovno dojemanje življenja, želja po osvoboditvi vpliva fevdalne morale. Umetnost se prvič obrača k temam vsakdanjega življenja, tudi življenja t.i. vesele soseske - svet čajnih hiš, gledališča Kabuki, sumo borcev. Pojav lesoreza je bil povezan z demokratizacijo kulture, saj je za gravuro značilna nakladnost, cenenost in dostopnost. Po vsakdanjem slikanju so graviranje začeli imenovati ukiyo-e (dobesedno smrtni, spremenljivi svet).

Izdelava gravur je dobila širok razpon. Zgodnje obdobje razvoja grafike ukiyo-e je povezano z imenom Hashikawa Moronobu (1618-1694), ki je upodabljal preproste prizore iz življenja prebivalcev čajnic in obrtnikov, ki so v eni gravuri združevali dogodke iz različnih časov, nepovezanih drug drugemu. Ozadje gravure je ostalo belo, črte so bile jasne. Postopoma se je obseg tem v gravurah razširil, zanimanje ne le za zunanji, ampak tudi za notranji svet likov je postalo globlje. Japonska gravura v letih 1780-1790. vstopa v svoj razcvet. Suzuki Haranobu (1725-1770) je prvi začel razkrivati ​​notranji svet junakov v takih gravurah, kot sta "Lepotice trgajo slivovo vejo" in "Ljubimci v zasneženem vrtu". Bil je prvi, ki je uporabil tehniko valjanja, s čimer je ustvaril prehod od temnega do svetlega tona ter spreminjal debelino in teksturo linij. Nikoli se ni oziral na dejanske barve, morje je v njegovih gravurah rožnato, nebo peščeno, trava modra, vse je odvisno od splošnega čustvenega razpoloženja prizora. Eno njegovih najboljših del, "Lovers Playing the Same Shamisen", je nastalo na temo japonskega pregovora - "Če glasba spodbuja ljubezen, igraj."

Tokonoma - niša v notranjosti čajne hiše

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - izjemen mojster ukiyo-eja. Njegovo delo se je začelo z albumoma "The Book of Insects" in "Songs of Shells". V svojih polpostavnih in celopostavnih portretih žensk je Utamaro prvi uporabil sljudo v prahu, ki ustvari svetleče ozadje. Lepotica Utamaro je idealna s svojo graciozno obliko in glavo,
tanek vrat, majhna usta, kratke črne obrvi. V epizodah "Deset" ženski liki« in »Dnevi in ​​ure žensk« je poskušal identificirati različne tipe videza in značaja žensk. Konec 90. let. v Utamaru obravnava temo materinstva v grafikah, kot sta "Mati z otrokom" in "Igra z žogo", hkrati pa ustvarja triptihe in poliptihe na zgodovinske teme, pri čemer se zateka k posrednemu označevanju (junaki države so upodobljeni kot lepotice). ). Teshusai Sharaku je ustvaril serijo portretov Kabuki igralcev in sumo borcev. Opustil je splošno sprejeto tradicijo, pri čemer je groteska postala njegova glavna tehnika. Tretje obdobje razvoja graviranja ukiyo-e pade na 1800-1868. V tem času se je povečal vpliv nizozemskih in nemških jedkanic na japonsko umetnost. Za ustvarjalnost umetniške dinastije Utagawa je postalo značilno zavračanje iskanja individualnosti in želja po formalni milosti. Razcvet krajinskega žanra v gravuri je povezan z imenom Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai je preučeval starodavno in sodobni trendi japonske umetnosti, poznal umetnost Kitajske in se seznanil z evropskimi gravurami. Do skoraj 50. leta starosti je Hokusai delal v tradicionalni maniri umetnikov ukiyo-e. Šele v Manga albumih (knjiga skic), katerih prvi zvezek je izšel leta 1812, je Hokusai našel svoje umetniško področje. Zdaj je risal vsakdanji prizori, pokrajine, množica.

krajinski vrtovi Japonske

V starosti 70 let je Hokusai ustvaril svojo serijo "36 pogledov na goro Fuji", v vsakem od odtisov umetnik prikazuje goro Fuji. Kombinacija žanrske teme s pokrajino je značilnost Hokusaija. Za razliko od starodavnih krajinskih slikarjev Hokusai prikazuje zemljo od spodaj. Hkrati ustvarja serije "Potovanje skozi slapove države", "Mostovi", "Velike rože", "100 pogledov na Fuji". Hokusai je lahko prenesel stvari iz nepričakovanega zornega kota. Na gravurah »100 pogledov na Fuji« se gore pojavljajo iz teme noči kot vizija ali pa so vidne za stebli bambusa ali pa se odsevajo v jezeru. Hokusajev privrženec Ando Hiroshige (1797-1858) je naravo slikal veliko bolj realistično. Po poklicu rečni agent je veliko potoval po državi in ​​ustvaril svojo serijo "53 postaj Tokaido", "8 pogledov na jezero Omi", "69 pogledov na Kishikaido". Hiroshigejeva umetnost se približuje evropskemu slikarstvu in končuje dvestoletni razcvet grafike ukiyo-e.

Vsebina članka

JAPONSKA UMETNOST. Za japonsko umetnost je že od antičnih časov značilna aktivna ustvarjalnost. Kljub odvisnosti od Kitajske, kjer so se nenehno pojavljali novi umetniški in estetski trendi, so japonski umetniki vedno uvajali nove značilnosti in spreminjali umetnost svojih učiteljev ter ji dajali japonski videz.

Zgodovina Japonske kot take začne dobivati ​​določene oblike šele ob koncu 5. stoletja. Odkritih je bilo razmeroma malo predmetov iz prejšnjih stoletij (arhaično obdobje), čeprav nekatere najdbe med izkopavanji ali med gradbenimi deli kažejo na izjemen umetniški talent.

Arhaično obdobje.

Najstarejša dela japonske umetnosti so glineni lonci tipa jomon (vtis vrvice). Ime izhaja iz okrasja površine s spiralnimi odtisi vrvi, ovitih okoli palic, ki jih je mojster uporabil za izdelavo posode. Morda so obrtniki sprva po naključju odkrili pletene odtise, potem pa so jih začeli namerno uporabljati. Včasih so na površino nalepili vrvičaste glinene kodre, ki so ustvarili kompleksnejši dekorativni učinek, skoraj relief. Prva japonska skulptura je nastala v kulturi Jomon. Dogu (dosl. "glinena podoba") osebe ali živali je verjetno imel določen verski pomen. Podobe ljudi, večinoma žensk, so zelo podobne glinenim boginjam drugih primitivnih kultur.

Radiokarbonsko datiranje kaže, da nekatere najdbe iz kulture Jomon morda segajo v obdobje 6–5 tisoč pr. n. št., vendar tako zgodnje datiranje ni splošno sprejeto. Seveda so takšne posode izdelovali v daljšem časovnem obdobju in čeprav natančne datacije še ni mogoče ugotoviti, lahko ločimo tri obdobja. Najstarejši primerki imajo koničasto osnovo in so skoraj neornamentirani, razen sledov lončarskega orodja. Srednjedobne posode so bogateje okrašene, včasih z vlivanimi elementi, ki ustvarjajo vtis volumna. Oblike posod tretjega obdobja so zelo raznolike, vendar se dekoracija spet splošči in postane bolj zadržana.

Okoli 2. stol. pr. n. št Keramika Jomon se je umaknila keramiki Yayoi, ki jo zaznamujejo graciozne oblike, preprostost oblikovanja in visoka tehnična kakovost. Črepina posode je postala tanjša in ornament manj domiseln. Ta tip je prevladoval do 3. stoletja. AD

Z umetniškega vidika so morda najboljša dela zgodnjega obdobja haniwa, glineni valji iz 3. do 5. stoletja. AD Značilni spomeniki te dobe so ogromni griči ali gomile, grobišča cesarjev in mogočnega plemstva. Pogosto zelo velike, so dokaz moči in bogastva cesarske družine in dvorjanov. Gradnja takšne strukture za cesarja Nintokutenna (okoli 395–427 n. št.) je trajala 40 let. Najbolj opazna značilnost teh gomil so bili glineni valji, haniwa, ki so jih obdajali kot ograja. Običajno so bili ti valji povsem preprosti, včasih pa so bili okrašeni s človeškimi figurami, redkeje s figuricami konjev, hiš ali petelin. Njihov namen je bil dvojen: preprečiti erozijo ogromnih površin zemlje in preskrbeti pokojnika z potrebščinami, ki jih je uporabljal v zemeljskem življenju. Seveda so bili valji proizvedeni v velikih količinah naenkrat. Raznolikost tem, obraznih izrazov in potez figur, ki jih krasijo, je v veliki meri rezultat mojstrove improvizacije. Kljub dejstvu, da so dela rokodelcev in ne slikarjev in kiparjev, so zelo pomembna kot japonska oblika umetnosti. Zgradbe, pokriti konji, pridne dame in bojevniki predstavljajo zanimivo sliko vojaškega življenja zgodnje fevdalne Japonske. Možno je, da so se prototipi teh valjev pojavili na Kitajskem, kjer so različne predmete polagali neposredno v pokope, vendar izvedba in način uporabe haniwa pripadata lokalni tradiciji.

Na arhaično obdobje se pogosto gleda kot na čas brez del visoke umetniške ravni, čas prevlade stvari predvsem arheološke in etnološke vrednosti. Ne smemo pa pozabiti, da so imela dela te zgodnje kulture kot celote veliko vitalnost, saj so njihove oblike preživele in še naprej obstajale kot posebne nacionalne značilnosti japonske umetnosti v kasnejših obdobjih.

Obdobje Asuka

(552–710 po Kr.). Uvedba budizma sredi 6. stoletja. bistveno spremenila način življenja in razmišljanja Japoncev ter postala spodbuda za razvoj umetnosti tega in naslednjih obdobij. Prihod budizma iz Kitajske preko Koreje tradicionalno datirajo v leto 552 našega štetja, vendar je bil verjetno znan že prej. V zgodnjih letih se je budizem soočal s političnim nasprotovanjem in nasprotovanjem nacionalni veri šintoizmu, le nekaj desetletij pozneje pa je nova vera dobila uradno potrditev in se dokončno uveljavila. Budizem je bil v prvih letih uvedbe na Japonsko razmeroma preprosta religija z majhnim številom božanstev, ki so potrebovala podobe, po približno sto letih pa se je okrepil in panteon se je izjemno povečal.

V tem obdobju so bili ustanovljeni templji, ki niso služili le širjenju vere, ampak so bili središča umetnosti in izobraževanja. Samostan-tempelj v Horyujiju je eden najpomembnejših za preučevanje zgodnje budistične umetnosti. Med drugimi zakladi je kip velike triade Syaka-Nerai (623 AD). To delo Torija Bussija, prvega velikega japonskega kiparja, ki ga poznamo, je stilizirana bronasta podoba, podobna podobnim skupinam v velikih jamskih templjih na Kitajskem. Poza sedečega Shakyja (japonska transkripcija besede "Shakyamuni", zgodovinski Buda) in dveh figur, ki stojita na obeh straneh njega, je strogo frontalna. Oblike človeške figure skrivajo težke simetrične gube shematsko upodobljenih oblačil, v gladkih podolgovatih obrazih pa je čutiti zasanjano samozagledanost in kontemplacijo. Kiparstvo tega prvega budističnega obdobja temelji na slogu in prototipih s celine petdeset let prej; zvesto sledi kitajski tradiciji, ki je na Japonsko prišla preko Koreje.

Nekatere najpomembnejše skulpture tega časa so bile narejene iz brona, uporabljal pa se je tudi les. Dve najbolj znani leseni skulpturi sta boginji Kannon: Yumedono Kannon in Kudara Kannon, obe v Horyujiju. So bolj privlačen predmet čaščenja kot triada Shaki, s svojimi arhaičnimi nasmehi in zasanjanimi izrazi. Čeprav imajo Kannonove figure tudi shematično in simetrično razporeditev gub oblačil, so lahkotnejše in polne gibanja. Visoke, vitke figure poudarjajo duhovnost obrazov, njihovo abstraktno prijaznost, oddaljene od vseh posvetnih skrbi, a občutljive na molitve trpečih. Kipar je nekaj pozornosti namenil obrisom figure Kudare Kannon, skrite z gubami oblačil, v nasprotju z nazobčano silhueto Yumedono pa je gibanje tako figure kot tkanine usmerjeno v globino. V profilu ima Kudara Kannon graciozen obris v obliki črke S.

Edini ohranjeni primer slikarstva, ki daje idejo o slogu zgodnjega 7. stoletja, je slika Tamamushi Zushi, "krilata svetišča". To miniaturno svetišče je dobilo ime po prelivajočih se krilih hrošča, vstavljenih v perforiran kovinski okvir; kasneje so jo okrasili z nabožnimi kompozicijami in figurami posameznih likov, izdelanimi z barvnim lakom. Tako kot kiparstvo tega obdobja tudi nekatere slike kažejo veliko svobodo oblikovanja.

Obdobje Nara

(710–784). Leta 710 so prestolnico preselili v Naro, novo mesto, oblikovano po vzoru kitajske prestolnice Chang'an. Tam so bile široke ulice, velike palače in številni budistični templji. Ne samo budizem v vseh njegovih vidikih, ampak celotno kitajsko kulturno in politično življenje je bilo dojeto kot model, ki mu je treba slediti. Nobena druga država se morda ni počutila bolj neprimerno v svoji kulturi ali tako dovzetna za zunanje vplive. Učenjaki in romarji so se prosto gibali med Japonsko in celino, vladno in palačno življenje pa je bilo oblikovano po vzoru Kitajske dinastije Tang. Ne smemo pa pozabiti, da so Japonci kljub posnemanju zgledov Kitajske Tang, zlasti v umetnosti, zaznavanju njenega vpliva in sloga, tuje oblike skoraj vedno prilagajali svojim.

V kiparstvu sta se stroga frontalnost in simetrija prejšnjega obdobja Asuka umaknili svobodnejšim oblikam. Razvoj idej o bogovih, povečana tehnična spretnost in svoboda uporabe materiala so umetnikom omogočili ustvarjanje bolj intimnih in dostopnih kultnih podob. Ustanovitev novih budističnih ločin je panteon razširila celo na svetnike in ustanovitelje budizma. Poleg bronaste skulpture je znanih veliko del iz lesa, gline in laka. Kamen je bil redek in skoraj nikoli uporabljen za kiparstvo. Še posebej priljubljen je bil suh lak, morda zato, ker so bila dela, narejena iz njega, kljub zapletenosti postopka priprave kompozicije videti bolj impresivna kot lesena in močnejša od glinenih izdelkov, ki jih je bilo lažje narediti. Lakirane figure so oblikovali na leseni ali glineni podlagi, ki so jo nato odstranili, ali na leseni ali žični armaturi; bili so lahki in vzdržljivi. Kljub dejstvu, da je ta tehnika narekovala določeno togost v pozah, je bila dovoljena velika svoboda pri upodabljanju obrazov, kar je delno pripomoglo k razvoju tistega, kar lahko imenujemo prava portretna skulptura. Upodobitev obraza božanstva je bila izvedena v skladu s strogimi zahtevami budističnih kanonov, vendar je priljubljenost in celo deifikacija nekaterih ustanoviteljev in pridigarjev vere zagotovila odlične možnosti za prenos portretne podobnosti. To podobnost lahko vidimo v skulpturi iz suhega laka kitajskega patriarha Genjina, cenjenega na Japonskem, ki se nahaja v templju Toshodaiji. Genjin je bil slep, ko je leta 753 prispel na Japonsko, njegove nevidne oči in razsvetljeno stanje notranje kontemplacije pa je čudovito ujel neznani kipar. Ta realistična težnja je bila najbolj jasno izražena v leseni skulpturi pridigarja Kuya, ki jo je v 13. in 14. stoletju ustvaril kipar Kosho. Pridigar je oblečen kot tavajoči berač s palico, gongom in kladivom, iz njegovih napol odprtih ust pa se pojavljajo majhne figure Bude. Ker se kipar ni zadovoljil s podobo pojočega meniha, je poskušal izraziti najgloblji pomen njegovih besed.

Podobe Bude iz obdobja Nara odlikuje tudi velik realizem. Ustvarjeni za vedno večje število templjev, niso tako neomajno hladni in zadržani kot njihovi predhodniki, imajo bolj graciozno lepoto in plemenitost in so nagovorjeni z večjo naklonjenostjo ljudem, ki jih častijo.

Iz tega časa se je ohranilo zelo malo slik. Večbarvni dizajn na papirju prikazuje pretekla in sedanja življenja Bude. To je eden redkih starodavnih primerov emakimona ali slikanja z zvitki. Zvitki so se počasi odvijali od desne proti levi in ​​gledalec je lahko užival le v tistem delu slike, ki se je nahajal med rokama, ki sta odvijala zvitek. Ilustracije so bile nameščene neposredno nad besedilom, za razliko od poznejših zvitkov, kjer se je del besedila izmenjeval s sliko za razlago. V teh najstarejših ohranjenih primerih slikanja svitkov so obrisane figure postavljene proti komaj začrtani pokrajini, pri čemer se osrednji lik, v tem primeru Shaka, pojavlja v različnih prizorih.

Zgodnji Heian

(784–897). Leta 784 so prestolnico začasno preselili v Nagaoko, delno zato, da bi se izognili prevladi Narine budistične duhovščine. Leta 794 se je za daljše obdobje preselila v Heian (danes Kyoto). Pozno 8. in 9. stoletje je bilo obdobje, ko je Japonska uspešno asimilirala številne tuje novosti, prilagajala se svojim značilnostim. Tudi budistična vera je doživela čas sprememb, pojav novih sekt ezoteričnega budizma z razvitim obredjem in bontonom. Med njimi sta bili najvplivnejši sekti Tendai in Shingon, ki sta izvirali iz Indije, dosegli Kitajsko, od tam pa sta ju dva znanstvenika, ki sta se po dolgotrajnem vajeništvu vrnila v domovino, prinesla na Japonsko. Sekta Shingon (»Prave besede«) je bila še posebej priljubljena na dvoru in je hitro prevzela prevladujoč položaj. Njegovi glavni samostani so bili na gori Koya blizu Kjota; tako kot druga pomembna budistična središča so postali skladišča ogromnih zbirk umetnosti.

Skulptura 9. stoletja je bil večinoma lesen. Podobe božanstev so odlikovale njihova resnost in nedostopna veličina, ki jo je poudarila slovesnost njihovega videza in masivnost. Draperije so bile spretno izrezane po standardnih vzorcih, šali pa so ležali v valovih. Stoječa figura Shakija iz templja Muroji je primer tega sloga. Za to in podobne podobe iz 9. stol. značilne toge rezbarije z globljimi, jasnimi gubami in drugimi detajli.

Povečanje števila bogov je umetnikom povzročilo velike težave. V zapletenih mandalah, podobnih zemljevidom (geometrijske oblike z magičnim pomenom), so bila božanstva razporejena v hierarhiji okoli osrednjega Bude, ki je bil sam le ena od manifestacij absolutnega. V tem času se je pojavil nov način upodabljanja figur božanstev varuhov, obdanih s plameni, grozljivega videza, a blagodejne narave. Ta božanstva so bila nameščena asimetrično in so bila upodobljena v premikajočih se pozah, z mogočnimi potezami obraza, ki so močno branile vero pred morebitnimi nevarnostmi.

Srednje in pozno obdobje Heian ali Fujiwara

(898–1185). Prenos prestolnice v Heian, ki naj bi se izognil težkim zahtevam duhovščine, je povzročil tudi spremembe v političnem sistemu. Plemstvo je bilo dominantna sila, njeni najbolj reprezentativni predstavniki pa so bili družina Fujiwara. Obdobje 10.–12 pogosto povezana s tem imenom. Začelo se je obdobje posebne moči, ko so pravim cesarjem »močno svetovali«, naj pustijo državne posle ob strani zaradi prijetnejšega ukvarjanja s poezijo in slikarstvom. Cesarja je do njegove polnoletnosti vodil strogi regent, navadno iz družine Fujiwara. To je bila doba razkošja in izjemnih dosežkov v literaturi, kaligrafiji in umetnosti; Vseskozi je bilo čutiti malodušnost in čustvenost, ki je le redko dosegla globino, v celoti pa je bila očarljiva. Elegantna prefinjenost in eskapizem sta se odražala v umetnosti tega časa. Tudi privrženci budizma so iskali lažje poti, še posebej priljubljeno pa je postalo čaščenje nebeškega Bude Amida. Ideje o sočutju in rešilni milosti Amide Bude so se globoko odražale v slikarstvu in kiparstvu tega obdobja. Masivnost in zadržanost kipov iz 9. stoletja. v 10.–11. dal prostor blaženosti in šarmu. Božanstva so upodobljena zasanjana, premišljeno umirjena, rezbarjenje postane manj globoko, površina postane bolj barvita, z bogato razvito teksturo. Najpomembnejši spomeniki tega obdobja pripadajo kiparju Jochu.

Dela umetnikov so pridobila tudi mehkejše poteze, ki so spominjale na risbe na tkanini, in tudi strašna božanstva - zagovorniki vere - so postala manj strašljiva. Sutre (budistična besedila) so bile napisane v zlatu in srebru na temno modrem papirju, pred čudovito kaligrafijo besedila pa je bila pogosto majhna ilustracija. Najbolj priljubljene smeri budizma in z njimi povezana božanstva odražajo preference aristokracije in postopen odmik od strogih idealov zgodnjega budizma.

Vzdušje tega časa in njegova dela so delno povezana s prekinitvijo formalnih odnosov s Kitajsko leta 894. Budizem na Kitajskem je bil v tem času preganjan, pokvarjeni dvor Tang pa je bil v zatonu. Osamljeni otoški obstoj, ki je sledil tej ločitvi, je spodbudil Japonce, da so se obrnili k lastni kulturi in razvili nov, čistejši japonski slog. Dejansko posvetno slikarstvo 10.–12. je bila skoraj povsem japonska - tako po tehniki kot po kompoziciji in zapletih. Posebnost teh japonskih zvitkov, imenovanih yamato-e, je bila prevladujoča tema engi (izvor, zgodovina). Medtem ko so kitajski zvitki najpogosteje upodabljali prostrano, osupljivo naravo, panorame gora, potokov, skal in dreves, ljudje pa so se zdeli razmeroma nepomembni, je bila na japonskih pripovednih zvitkih glavna stvar v risbi in besedilu oseba. Pokrajina je imela le vlogo ozadja pripovedovane zgodbe, podrejene glavnemu liku oziroma osebam. Številni zvitki so bili ročno narisane kronike življenja slavnih budističnih pridigarjev ali zgodovinskih osebnosti, njihovih potovanj in vojaških pohodov. Drugi so pripovedovali o romantičnih epizodah iz življenja plemičev in dvorjanov.

Očitno značilen slog zgodnjih zvitkov je izhajal iz preprostih skic s črnilom na straneh budističnih zvezkov. Gre za spretne risbe, ki skozi živalske podobe karikirajo človeško vedenje: opica v meniški obleki, ki časti napihnjeno žabo, tekmovanja med zajci, opicami in žabami. Ti in drugi pozni heianski zvitki so služili kot osnova za bolj zapletene narativne zvitke razvitega sloga 13. in 14. stoletja.

Obdobje Kamakura

(1185–1392). Konec 12. stoletja prinesel velike spremembe v politično in versko življenje Japonske ter seveda v njeno umetnost. Eleganco in estetiko kjotskega dvora sta nadomestila ali v tradiciji »posebne« vladavine »prejela dodatek« v obliki nove, ostre in pogumne vladavine - šogunata Kamakura. Čeprav je prestolnica nominalno ostala Kjoto, je šogun Minamoto no Yoritomo (1147–1199) ustanovil svoj sedež v mestu Kamakura in v samo 25 letih vzpostavil tog sistem vojaške diktature in fevdalizma. Budizem, ki je postal tako kompleksen in ritualiziran, da so ga običajni laiki malo razumeli, je prav tako doživel velike spremembe, ki sploh niso obljubljale pokroviteljstva umetnosti. Sekta Yodo (Čista dežela), oblika čaščenja Bude Amide, pod vodstvom Honen Shonina (1133–1212) je reformirala hierarhijo Bud in božanstev ter dala upanje na odrešitev vsem, ki so preprosto verjeli v Amido. Ta nauk o lahko dosegljivem raju je kasneje poenostavil drug menih, Shinran (1173–1262), ustanovitelj sekte Shin, ki je priznal, da je bila Amidina prizanesljivost tako velika, da ni bilo treba izvajati verskih dejanj, preprosto ponavljati zaklinjanje " Namu Amida Butsu" (prva beseda pomeni "ubogati"; drugi dve sta "Buddha Amida"). Ta preprosta metoda reševanja duše je bila izjemno privlačna in zdaj jo uporabljajo milijoni. Generacijo kasneje je bojeviti pridigar Nichiren (1222–1282), po katerem se sekta imenuje, opustil to poenostavljeno obliko vere. Njegovi privrženci so častili Lotusovo Sutro, ki ni obljubljala takojšnje in brezpogojne odrešitve. Njegove pridige so se pogosto dotikale političnih tem, njegova prepričanja in predlagane reforme cerkve in države pa so pritegnili nov vojaški razred v Kamakuri. Nazadnje je zen filozofija, ki se je pojavila že v 8. stoletju, začela igrati vse pomembnejšo vlogo v budistični misli v tem obdobju. Zen je poudarjal pomen meditacije in zaničevanja kakršnih koli podob, ki bi lahko človeka ovirale pri njegovem iskanju združitve z Bogom.

To je bil torej čas, ko je verska misel omejila število slikarskih in kiparskih del, ki so bila prej potrebna za kult. Kljub temu so bila nekatera najboljša dela japonske umetnosti ustvarjena v obdobju Kamakura. Spodbuda je bila inherentna japonska ljubezen do umetnosti, a ključ do rešitve je v odnosu ljudi do novih veroizpovedi in ne v dogmah kot takih. Že sama dela nakazujejo razlog za njihov nastanek, saj je veliko teh kipov in slik, polnih življenja in energije, portretov. Čeprav bi lahko filozofija zena običajne verske predmete obravnavala kot oviro za razsvetljenje, je bila tradicija spoštovanja učiteljev povsem sprejemljiva. Portret sam po sebi ni mogel biti predmet čaščenja. Ta odnos do portreta ni bil značilen le za zen budizem: številni ministri sekte čiste dežele so bili cenjeni skoraj kot budistična božanstva. Zahvaljujoč portretu se je pojavila celo nova arhitekturna oblika - mieido ali portretna kapela. Hiter razvoj realizma je bil povsem v duhu časa.

Čeprav so bili slikoviti portreti duhovnikov očitno res podobe določenih ljudi, so bili pogosto predelave slik kitajskih utemeljiteljev budizma. Upodabljali so jih, kako pridigajo, z odprtimi usti, z rokami, ki gestikulirajo; včasih so upodabljali beraške menihe na težkem potovanju za slavo vere.

Eden najbolj priljubljenih motivov je bil raigo (zaželeni prihod), ki je upodabljal Budo Amida s svojimi tovariši, ki se spuščajo na oblaku, da bi rešili dušo vernika na smrtni postelji in jo prenesli v nebesa. Barve takšnih slik so bile pogosto poudarjene z nanosom zlata, valovite črte, plavajoči ogrinjala in vrtinčasti oblaki pa so spustu Bude dajali občutek gibanja.

Unkei, ki je deloval v drugi polovici 12. in zgodnjem 13. stoletju, je bil avtor inovacije, ki je olajšala rezbarjenje v lesu, ki je ostal najljubši material kiparjev v obdobju Kamakura. Prej je bil mojster omejen z velikostjo in obliko hloda ali hloda, iz katerega je bila figura izrezana. Roke in oblačilni elementi so bili uporabljeni ločeno, vendar je končni kos pogosto spominjal na prvotno cilindrično obliko. V novi tehniki je bilo več deset majhnih kosov skrbno združenih skupaj, da so oblikovali votlo piramido, iz katere so lahko vajenci nato grobo izrezali obliko. Kipar je imel na voljo bolj prožen material in možnost ustvarjanja kompleksnejših oblik. Mišičasti tempeljski stražarji in božanstva v padajočih pelerinah in oblačilih so se zdeli bolj živi tudi zato, ker so jim v očesne jamice začeli vstavljati kristal ali steklo; kipe so začeli krasiti s pozlačenim bronom. S sušenjem lesa so postali lažji in redkeje pokali. Zgoraj omenjeni leseni kip Kuya Shonina, ki ga je izdelal Kosho, Unkeijev sin, prikazuje najvišji dosežek realizma iz obdobja Kamakura v portretnem kiparstvu. Dejansko je kiparstvo v tem času doseglo svoj vrhunec v svojem razvoju in pozneje ni več zasedalo tako vidnega mesta v umetnosti.

Tudi posvetno slikarstvo je odražalo duh časa. Pripovedni zvitki poznega obdobja Heian z zadržanimi barvami in gracioznimi linijami so pripovedovali o romantičnih eskapadah princa Genjija ali zabavah samotnih dvornih dam. Zdaj so umetniki dobe Kamakura s svetlimi barvami in energičnimi potezami čopiča upodabljali bitke vojskujočih se klanov, palače, ki jih je zajel plamen, in prestrašene ljudi, ki so bežali pred napadalnimi enotami. Čeprav se je na zvitku odvijala verska zgodovina, podoba ni bila toliko ikona, kot zgodovinski zapis o potovanjih svetih mož in čudežih, ki so jih delali. V snovanju teh prizorov je zaznati naraščajočo ljubezen do narave in občudovanje domače pokrajine.

Obdobje Muromachi ali Ashikaga

(1392–1568). Leta 1392 je po več kot 50 letih sporov tretji šogun iz družine Ašikaga, Jošimicu (1358–1408), ponovno združil državo. Sedež vlade je spet postal nominalna prestolnica Kjota, kjer so šoguni Ašikaga zgradili svoje palače v četrti Muromači. (To obdobje se včasih imenuje Muromachi ali Ashikaga.) Vojni čas ni prizanesel številnim templjem - skladiščem japonske umetnosti, ki so bili požgani skupaj z zakladi, ki so se tam nahajali. Država je bila brutalno uničena in tudi mir ni prinesel veliko olajšanja, saj so vojskujoči se klani, ki so dosegali uspehe, delili usluge po svoji volji. Zdi se, da so bile razmere za razvoj umetnosti izredno neugodne, v resnici pa so jo šoguni Ashikaga pokroviteljili, zlasti v 15. in 16. stoletju, ko je slikarstvo doživelo razcvet.

Najpomembnejši umetniški pojav tega časa so bile enobarvne poetične slike s črnilom, ki jih je spodbudil zen budizem in pod vplivom kitajskih zgledov iz dinastij Song in Yuan. Med dinastijo Ming (1368–1644) so ​​se stiki s Kitajsko obnovili in Yoshimitsu, zbiralec in pokrovitelj umetnosti, je spodbujal zbiranje in študij kitajskega slikarstva. Postala je vzor in izhodišče nadarjenim umetnikom, ki so z lahkimi in tekočimi potezami čopiča slikali pokrajine, ptice, rože, podobe duhovnikov in modrecev. Za japonsko slikarstvo tega časa je značilna ekonomičnost črte; Zdi se, da umetnik izlušči bistvo upodobljene ploskve in omogoči gledalcu, da jo napolni s podrobnostmi. Prehodi sive in svetleče črne barve na teh slikah so zelo blizu zenovski filozofiji, ki je zagotovo navdihovala njihove avtorje. Čeprav je to prepričanje doseglo velik vpliv pod vojaško vladavino Kamakure, se je še naprej hitro širilo v 15. in 16. stoletju, ko so nastali številni zenovski samostani. Pridigajoč predvsem idejo »samoodrešitve«, odrešitve ni povezovala z Budo, ampak se je bolj zanašala na človekovo strogo samodisciplino, da bi dosegla nenadno intuitivno »razsvetljenje«, ki ga združi z absolutom. Varčna, a drzna uporaba črnila in asimetrična kompozicija, v kateri so nepobarvani deli papirja igrali pomembno vlogo pri upodobitvah idealizirane pokrajine, modrecev in znanstvenikov, sta bili skladni s to filozofijo.

Eden najslavnejših predstavnikov sumi-eja, sloga enobarvnega slikanja s črnilom, je bil Sesshu (1420–1506), zenovski duhovnik, ki mu je dolgo in plodno življenje prineslo dolgotrajno čaščenje. Ob koncu življenja je začel uporabljati slog haboku (hitro črnilo), ki je v nasprotju z zrelim slogom, ki je zahteval jasne, varčne poteze, pripeljal tradicijo monokromnega slikanja skoraj do abstrakcije.

Isto obdobje zaznamuje dejavnost umetnikov družine Kano in razvoj njihovega sloga. Po izboru motivov in uporabi črnila je bila blizu kitajščini, po izraznih sredstvih pa je ostala japonska. Kano je ob podpori šogunata postal "uradna" šola ali umetniški stil slikanja in je cvetel vse do 19. stoletja.

Naivna tradicija Yamato-e je še naprej živela v delih šole Tosa, drugega pomembnega gibanja japonskega slikarstva. Pravzaprav sta bili v tem času obe šoli, Kano in Tosa, tesno povezani, združevalo ju je zanimanje za sodobno življenje. Motonobu Kano (1476–1559), eden od izjemnih umetnikov tega obdobja, ni samo poročil svoje hčerke s slavnim umetnikom Toso, ampak je tudi slikal v njegovi maniri.

V 15.–16. Pojavilo se je le nekaj omembe vrednih kiparskih del. Treba pa je poudariti, da je razvoj noo drame s svojo pestrostjo razpoloženj in čustev odprl kiparjem novo področje delovanja - izrezovali so maske za igralce. V klasični japonski drami, ki jo je izvajala aristokracija in zanjo, so igralci (eden ali več) nosili maske. Posredovali so paleto občutkov od strahu, tesnobe in zmede do zadržanega veselja. Nekatere maske so bile tako lepo izrezljane, da je že najmanjši obrat igralčeve glave povzročil subtilne spremembe v izražanju čustev. Izjemne primerke teh mask so leta hranili v družinah, za katere člane so bile izdelane.

Obdobje Momoyama

(1568–1615). Leta 1593 je veliki vojaški diktator Hideyoshi zgradil svoj grad na Momoyami, "Peach Hillu", in s tem imenom je bilo na splošno označeno obdobje 47 let od padca šogunata Ashikaga do ustanovitve obdobja Tokugawa ali Edo leta 1615. To je bil čas prevlade povsem novega vojaškega razreda, katerega veliko bogastvo je prispevalo k razcvetu umetnosti. Impresivni gradovi z velikimi dvoranami za občinstvo in dolgimi hodniki so prišli v modo v poznem 16. stoletju. in zahtevali odlikovanja, primerna njihovi veličini. To je bil čas strogih in pogumnih ljudi, novi pokrovitelji pa za razliko od prejšnje aristokracije niso bili posebej zainteresirani za intelektualna prizadevanja ali tanke obrtne veščine. Na srečo je bila nova generacija umetnikov precej dosledna svojim mecenom. V tem obdobju so se pojavili čudoviti zasloni in premične plošče v svetlo škrlatni, smaragdni, zeleni, vijolični in modri barvi. Takšne bujne barve in okrasne oblike, pogosto na zlati ali srebrni podlagi, so bile zelo priljubljene sto let, njihove ustvarjalce pa so povsem upravičeno imenovali »veliki dekoraterji«. Zahvaljujoč subtilnemu japonskemu okusu se bujni slog ni razvil v vulgarnost in tudi ko sta se zadržanost in podcenjenost umaknila razkošju in dekorativnim presežkom, je Japoncem uspelo ohraniti eleganco.

Eitoku Kano (1543–1590), eden prvih velikih umetnikov tega obdobja, je deloval v slogu Kana in Tose, pri čemer je razširil risarske koncepte prvega in jih združil z bogastvom barv drugega. Čeprav je ohranjenih le nekaj del, ki jih lahko z gotovostjo pripišemo Eitokuju, velja za enega od utemeljiteljev sloga Momoyama, večina umetnikov tega obdobja pa je bila njegovih učencev ali pa je nanje vplival.

Obdobje Edo ali Tokugawa

(1615–1867). Dolgo obdobje miru, ki je sledilo novo združeni Japonski, imenujemo bodisi čas Tokugawa, po priimku vladarja, bodisi Edo (sodobni Tokio), saj je to mesto leta 1603 postalo novo središče moči. Dvema slavnima generaloma kratkega Momojaminega obdobja, Odi Nobunagi (1534–1582) in Tojotomiju Hidejošiju (1536–1598), je z vojaško akcijo in diplomacijo končno uspelo pomiriti močne klane in bojevito duhovščino. S Hideyoshijevo smrtjo leta 1598 je oblast prešla na Ieyasu Tokugawa (1542–1616), ki je dokončal skupno začeto dejavnost. Odločilna bitka pri Sekigahari leta 1600 je okrepila Ieyasujev položaj; padec gradu Oska leta 1615 je spremljal dokončen propad hiše Hidejoši in vzpostavitev nedeljive vladavine šogunata Tokugava.

Mirna vladavina Tokugawe je trajala 15 generacij in se končala šele v 19. stoletju. To je bilo večinoma obdobje politike "zaprtih vrat". Odlok 1640 je tujcem prepovedal vstop na Japonsko in Japonci niso mogli potovati v tujino. Edina trgovska in kulturna povezava je bila z Nizozemci in Kitajci prek pristanišča Nagasaki. Tako kot v drugih obdobjih izolacije je prišlo tudi do porasta narodnih čustev in nastanka ob koncu 17. st. tako imenovana šola žanrskega slikarstva in graverstva.

Hitro rastoča prestolnica Edo je postala središče ne le političnega in poslovnega življenja otoškega imperija, temveč tudi središče umetnosti in obrti. Zahteva, da so daimyo, provincialni fevdalci, v prestolnici določen del vsakega leta, je povzročila potrebo po novih stavbah, vključno s palačami, in s tem po umetnikih, ki bi jih okrasili. Istočasno je nastajajoči sloj bogatih, a nearistokratskih trgovcev umetnikom zagotovil novo in pogosto neprofesionalno pokroviteljstvo.

Umetnost zgodnjega obdobja Edo delno nadaljuje in razvija stil Momoyama, krepi svoje težnje po razkošju in sijaju. Bogastvo bizarnih podob in polihromije, podedovane iz prejšnjega obdobja, se še naprej razvija. Ta dekorativni slog je dosegel vrhunec v zadnji četrtini 17. stoletja. v ti Obdobje Genroku v obdobju Tokugawa (1688–1703). V japonski dekorativni umetnosti nima para v ekstravaganci in bogastvu barv in okrasnih motivov v slikah, tkaninah, lakih in umetniških detajlih - atributih razkošnega življenjskega sloga.

Ker govorimo o razmeroma poznem obdobju zgodovine, ne preseneča, da so se ohranila imena številnih umetnikov in njihovih del; Tukaj je mogoče našteti le nekaj najbolj izstopajočih. Med predstavniki dekorativne šole, ki so živeli in delali v obdobjih Momoyama in Edo, sta Honnami Koetsu (1558–1637) in Nonomura Sotatsu (um. 1643). Njihovo delo izkazuje izjemen občutek za oblikovanje, kompozicijo in barve. Koetsu, nadarjen keramičar in umetnik laka, je bil znan po lepoti svoje kaligrafije. Skupaj s Sotatsujem sta ustvarjala pesmi na zvitkih, ki so bili takrat modni. V tej kombinaciji literature, kaligrafije in slikarstva podobe niso bile preproste ilustracije: ustvarjale so ali nakazovale razpoloženje, ki ustreza dojemanju besedila. Ogata Korin (1658–1716) je bil eden od dedičev dekorativnega sloga in je skupaj s svojim mlajšim bratom Ogato Kenzanom (1663–1743) pripeljal njegovo tehniko do popolnosti. Kenzan, bolj znan kot keramičar kot umetnik, je žgal posode z motivi svojega slavnega starejšega brata. Oživitev te šole v začetku 19. stol. pesnika in umetnika Sakaija Hoitsuja (1761–1828) je bil zadnji vzpon dekorativnega sloga. Horitsujevi čudoviti zvitki in zasloni so združili Korinov smisel za oblikovanje z zanimanjem za naravo, ki je značilno za naturalizem šole Maruyama, izraženo v bogastvu barv in okrasnih motivov, značilnih za prejšnje obdobje, ki sta bila umirjena s sijajem in gracioznostjo čopiča.

Poleg polikromnega dekorativnega sloga je bila tradicionalna risba s tušem šole Kano še naprej priljubljena. Leta 1622 je bil Kanō Tan'yu (1602–1674) imenovan za dvornega slikarja šoguna in poklican v Edo. Z njegovim imenovanjem na ta položaj in ustanovitvijo slikarske šole Kano v Edu v Kobikitu se je začelo polstoletno obdobje umetniškega vodstva te tradicije, ki je družini Kano povrnilo ugled in naredilo dela Obdobje Edo je najpomembnejše v slikarstvu Kano. Kljub priljubljenosti zaslonov, pobarvanih z zlatom in svetlimi barvami, ki so jih ustvarili "veliki dekoraterji" in tekmeci, je Tanyu, zahvaljujoč moči svojega talenta in uradnega položaja, uspel narediti poslikavo oživljene šole Kano priljubljeno med plemstvom. Tradicionalnim značilnostim šole Kano je Tanyu dodal moč in preprostost, ki temelji na togi lomljeni liniji in premišljeni razporeditvi kompozicijskih elementov na veliki prosti površini.

Nova smer, katere glavna značilnost je bilo zanimanje za naravo, se je začela uveljavljati konec 18. stoletja. Maruyama Okyo (1733–1795), vodja nove šole, je bil kmet, nato je postal duhovnik in končno umetnik. Prvi dve študiji mu nista prinesli ne sreče ne uspeha, a kot umetnik je dosegel velike višine in velja za utemeljitelja realistične šole Maruyama. Študiral je pri mojstru šole Kano Ishida Yutei (umrl okoli 1785); Na podlagi uvoženih nizozemskih gravur se je naučil zahodne tehnike perspektivnega upodabljanja in včasih te gravure preprosto kopiral. Preučeval je tudi kitajske sloge iz dinastij Song in Yuan, vključno s subtilnim in realističnim slogom Chen Xuana (1235–1290) in Shen Nanpinga; slednji je v začetku 18. stoletja živel v Nagasakiju. Ōkyo je ustvaril veliko del iz življenja, njegova znanstvena opazovanja pa so služila kot osnova za dojemanje narave, na katerem je temeljila šola Maruyama.

Poleg zanimanja za naturalizem je v 18. stol. obnovil se je vpliv kitajske umetniške tradicije. Predstavniki tega gibanja so gravitirali k slikarski šoli umetnikov-znanstvenikov iz obdobja Ming (1368–1644) in Qing (1644–1912), čeprav so bile njihove predstave o sodobnem stanju umetnosti na Kitajskem verjetno omejene. Umetnost te japonske šole se je imenovala bujinga (umetnost izobražencev). Eden najvplivnejših umetnikov, ki je delal v slogu bujinga, je bil Ikeno Taiga (1723–1776), slavni umetnik in kaligraf. Za njegov zrel slog so značilne debele konturne črte, napolnjene z lahkimi pernatimi potezami svetlih tonov in črnila; Slikal je tudi s širokimi, prostimi potezami črnega tuša in upodabljal v vetru in dežju upognjena debla bambusa. S kratkimi, ukrivljenimi linijami je dosegel učinek gravure pri upodobitvi meglenih gora nad jezerom, obdanim z gozdom.

17. stoletje je rodil še eno izjemno gibanje umetnosti obdobja Edo. To so tako imenovani ukiyo-e (slike spreminjajočega se sveta) - žanrski prizori, ki so jih ustvarili navadni ljudje in za njih. Zgodnji ukiyo-e se je pojavil v stari prestolnici Kyoto in je bil predvsem slikovit. Toda središče njihove proizvodnje se je kmalu preselilo v Edo in pozornost obrtnikov se je osredotočila na graviranje na les. Tesna povezava lesenih grafik z ukiyo-ejem je pripeljala do napačnega prepričanja, da so lesene grafike odkritje tega obdobja; pravzaprav je nastal že v 11. stoletju. Takšne zgodnje podobe so bile votivne narave in so upodabljale ustanovitelje budizma in božanstva, v obdobju Kamakura pa so bili nekateri pripovedni zvitki reproducirani iz izrezljanih blokov. Posebej priljubljena pa je graverska umetnost postala v obdobju od sredine 17. do 19. stoletja.

Teme ukiyo-e printov so bile lepe kurtizane veselih sosesk, najljubši igralci in prizori iz dram. Zgodnji, tako imenovani Primitivne gravure so bile narejene v črni barvi, z močnimi ritmičnimi valovitimi črtami, značilne pa so bile preproste oblike. Včasih so bili ročno pobarvani v oranžno-rdeči barvi, imenovani tan-e (svetlo rdeče slike), z oznakami gorčično rumene in zelene barve. Nekateri "primitivni" umetniki so uporabljali ročno slikanje, imenovano urushu-e (slikanje z lakom), pri katerem so temne predele poudarili in posvetlili z dodatkom lepila. Zgodnji večbarvni tisk, ki se je pojavil leta 1741 ali 1742, se je imenoval benizuri-e (malinov tisk) in je običajno uporabljal tri barve - rožnato rdečo, zeleno in včasih rumeno. Resnično večbarvni odtisi, ki uporabljajo celotno paleto in se imenujejo nishiki-e (brokatne slike), so se pojavili leta 1765.

Poleg ustvarjanja posameznih grafik so številni graverji ilustrirali knjige in zaslužili z izdelavo erotičnih ilustracij v knjigah in na zvitkih. Upoštevati je treba, da je graviranje ukiyo-e obsegalo tri vrste dejavnosti: bilo je delo risarja, čigar ime je nosil tisk, rezbarja in tiskarja.

Hishikawa Moronobu (okoli 1625–1694) velja za utemeljitelja grafične tradicije ukiyo-e. Drugi »primitivni« umetniki tega gibanja so Kiyomasu (1694–1716) in skupina Kaigetsudo (nenavadno združenje umetnikov, katerih obstoj ostaja nejasen), pa tudi Okumura Masanobu (1686–1764).

Tranzicijski umetniki, ki so izdelali grafike benizuri-e, so bili Ishikawa Toyonobu (1711–1785), Torii Kiyohiro (aktiven c. 1751–1760) in Torii Kiyomitsu (1735–1785).

Dela Suzukija Harunobuja (1725–1770) so začela dobo polikromnega graviranja. Polni mehkih, skoraj nevtralnih barv, poseljeni z gracioznimi damami in galantnimi ljubimci, so bili Harunobujevi odtisi velik uspeh. Katsukawa Shunsho (1726–1792), Torii Kienaga (1752–1815) in Kitagawa Utamaro (1753–1806) so delali z njim približno v istem času. Vsak od njih je prispeval k razvoju tega žanra; mojstri so do popolnosti pripeljali gravure, ki prikazujejo graciozne lepotice in slavne igralce. V nekaj mesecih leta 1794–1795 je skrivnostni Tosusai Saraku ustvaril osupljivo močne in odkrito brutalne portrete igralcev tistega časa.

V prvih desetletjih 19. stol. žanr je dosegel zrelost in začel propadati. Katsushika Hokusai (1760–1849) in Ando Hiroshige (1797–1858) sta največja mojstra dobe, njuna dela povezujejo zaton graverske umetnosti v 19. stoletju. in njegovo novo oživitev v začetku 20. stoletja. Oba sta bila predvsem krajinska slikarja, ki sta v svojih gravurah beležila dogodke sodobnega življenja. Briljantno obvladovanje tehnik rezbarjev in tiskarjev je omogočilo prenos muhastih linij in najmanjših odtenkov zahajajočega sonca ali megle, ki se dviga ob zori, v gravuro.

Restavracija Meiji in moderno obdobje.

Pogosto se zgodi, da je starodavna umetnost določenega ljudstva revna z imeni, datumi in ohranjenimi deli, zato je morebitne sodbe mogoče podajati le z veliko previdnostjo in pogojenostjo. Vendar pa ni nič manj težko soditi o sodobni umetnosti, saj smo prikrajšani za zgodovinsko perspektivo, da bi pravilno ocenili obseg katerega koli gibanja ali umetnika in njegovega dela. Študij japonske umetnosti ni nobena izjema in največ, kar lahko naredimo, je predstaviti panoramo sodobne umetnosti in narediti nekaj okvirnih predhodnih zaključkov.

V drugi polovici 19. stol. Japonska pristanišča so bila ponovno odprta za trgovino, velike spremembe pa so se zgodile na političnem prizorišču. Leta 1868 je bil šogunat ukinjen in obnovljena je bila vladavina cesarja Meijija. Uradna prestolnica in cesarjeva rezidenca sta bili prestavljeni v Edo, samo mesto pa je postalo znano kot Tokio (vzhodna prestolnica).

Kot se je že zgodilo v preteklosti, je konec nacionalne izolacije povzročil veliko zanimanje za dosežke drugih narodov. V tem času so Japonci naredili velik preskok na področju znanosti in tehnologije. Umetniško gledano začetek dobe Meiji (1868–1912) dokazuje sprejemanje vsega zahodnega, vključno s tehnologijo. Vendar ta vnema ni trajala dolgo, sledilo ji je obdobje asimilacije, pojava novih oblik, ki so združevale vračanje k lastni tradiciji in nove zahodne trende.

Pomembni umetniki so bili Kano Hogai (1828–1888), Shimomura Kanzan (1873–1916), Takeuchi Seiho (1864–1924) in Tomioka Tessai (1836–1942). Prvi trije so se držali tradicionalnega japonskega sloga in tematike, čeprav so stremeli k izvirnosti v razpoloženju in tehniki. Seiho je na primer delal v mirnem in konzervativnem ozračju Kjota. Njegova zgodnja dela so bila ustvarjena v naturalističnem slogu Maruyama, kasneje pa je veliko potoval po Kitajskem in nanj je močno vplivalo kitajsko slikarstvo s tušem. Na njegovem delu so zaznamovala tudi potovanja po muzejih in vodilnih umetniških središčih v Evropi. Od vseh izjemnih umetnikov tega časa se je le ena Tomioka Tessai približala razvoju novega sloga. Njegova energična in mogočna dela združujejo grobe, zvite, nazobčane črte in madeže črnila s fino upodobljenimi barvnimi področji. V kasnejših letih je nekaterim mladim oljnim slikarjem uspelo tam, kjer ni uspelo njihovim dedom. Prvi poskusi dela s tem nenavadnim materialom so spominjali na pariška platna in jih niso odlikovali niti posebna vrednost niti specifično japonske značilnosti. Vendar pa zdaj nastajajo izjemno privlačna dela, v katerih skozi abstraktne teme sije značilen japonski občutek za barve in uravnoteženost. Drugi umetniki, ki delajo z bolj naravnim in tradicionalnim črnilom in včasih uporabljajo kaligrafijo kot začetni motiv, ustvarjajo energična abstraktna dela v briljantni črnini s sivimi odtenki.

Tako kot v obdobju Edo je v 19. in 20. st. kip ni bil priljubljen. A tudi na tem področju so zelo uspešno eksperimentirali predstavniki sodobne generacije, ki so študirali v Ameriki in Evropi. Majhne bronaste skulpture, abstraktne oblike in s čudnimi imeni, kažejo japonski občutek za linijo in barvo, očiten v uporabi mehko zelene ali toplo rjave patine; Rezbarenje lesa priča o ljubezni Japoncev do teksture materiala.

Sosaku hanga, japonska »ustvarjalna grafika«, se je pojavila šele v prvem desetletju 20. stoletja, a je kot posebno umetniško gibanje zasenčila vsa druga področja moderne umetnosti. Ta sodobna lesena grafika ni, strogo gledano, naslednica starejše lesene grafike ukiyo-e; razlikujejo se po slogu, temah in načinih ustvarjanja. Umetniki, med katerimi je bilo veliko pod močnim vplivom zahodnega slikarstva, so prepoznali pomen lastne umetniške dediščine in v lesu našli primeren material za izražanje svojih ustvarjalnih idealov. Hanga mojstri ne le rišejo, ampak tudi izrezujejo podobe na lesene kocke in jih sami tiskajo. Čeprav so najvišji dosežki v tej umetniški zvrsti povezani z obdelavo lesa, so uporabljene vse sodobne zahodne tehnike graviranja. Eksperimentiranje z listi, vrvicami in »najdenimi predmeti« lahko v nekaterih primerih ustvari edinstvene učinke teksture površine. Sprva so bili mojstri tega gibanja prisiljeni iskati priznanje: navsezadnje so tudi najboljše dosežke šole ukiyo-e intelektualni umetniki povezovali z nepismeno množico in jih imeli za plebejsko umetnost. Umetniki, kot so Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi in Maekawa Senpan, so naredili veliko za povrnitev spoštovanja do grafike in njeno uveljavitev kot vredne veje likovne umetnosti. V svojo skupino so privabili veliko mladih umetnikov in graverjev je zdaj na stotine. Med mojstri te generacije, ki so dosegli priznanje na Japonskem in Zahodu, so Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen in Saito Kiyoshi. To so mojstri, katerih inovativnost in nesporen talent sta si prislužila njihov pravičen položaj med vodilnimi japonskimi umetniki. Čudovite grafike so ustvarili tudi številni njihovi vrstniki in drugi mlajši hangarji; To, da tukaj ne omenjamo njihovih imen, ne pomeni nizke ocene njihovega dela.

OKRASNA UMETNOST, ARHITEKTURA IN VRTOVI

Prejšnji razdelki so obravnavali predvsem slikarstvo in kiparstvo, ki v večini držav veljata za glavni vrsti likovne umetnosti. Morda bi bilo nepošteno, če bi na koncu članka vključili dekorativno umetnost in ljudsko obrt, vrtno umetnost in arhitekturo - oblike, ki so bile pomemben in sestavni del japonske umetnosti. Vendar pa, razen morda arhitekture, zahtevajo posebno obravnavo poleg splošne periodizacije japonske umetnosti in sprememb v slogu.

Keramika in porcelan.

Najpomembnejši umetnosti in obrti na Japonskem sta keramika in porcelan. Keramična umetnost seveda spada v dve kategoriji. Fini polikromirani porcelan Imari, Nabeshima in Kakiemon je dobil ime po mestih izdelave, njegova bogata poslikava na kremni ali modro-beli površini pa je bila namenjena plemstvu in dvornim krogom. Postopek izdelave pravega porcelana je postal znan na Japonskem v poznem 16. ali začetku 17. stoletja; krožniki in sklede z gladko glazuro, z asimetričnim ali brokatnim vzorcem, so cenjeni tako doma kot na zahodu.

Za razliko od porcelana je pri grobih posodah iz gline ali kamnite mase nizke kakovosti, značilnih za Shino, Oribe in Bizen, pozornost usmerjena na material, navidezno malomarno, a premišljeno razporeditev okrasnih elementov. Pod vplivom konceptov zen budizma so bile takšne posode zelo priljubljene v intelektualnih krogih in so se pogosto uporabljale, zlasti v čajnih ceremonijah. Številne skodelice, čajniki in čajniki, atributi umetnosti čajnega obreda, so utelešali samo bistvo zen budizma: strogo samodisciplino in strogo preprostost. V času razcveta japonske dekorativne umetnosti sta se nadarjena umetnika Korin in Kenzan ukvarjala z dekoracijo keramičnih izdelkov. Ne smemo pozabiti, da je Kenzanova slava bolj povezana z njegovim talentom keramičarja kot pa slikarja. Nekatere najpreprostejše vrste in tehnike posod izhajajo iz tradicije ljudske obrti. Sodobne delavnice, ki nadaljujejo staro tradicijo, izdelujejo čudovite izdelke, ki navdušujejo s svojo elegantno preprostostjo.

Lakirani izdelki.

Že v 7.–8. lak je bil znan na Japonskem. Iz tega časa so ohranjeni pokrovi zabojev, okrašeni s podobami ljudi in geometrijskimi motivi, nanesenimi s tankimi zlatimi črtami. O pomenu tehnike suhega laka za kiparstvo v 8. in 9. stoletju smo že govorili; v istem času in pozneje so nastajali okrasni predmeti, kot so škatlice za pisma ali škatlice za kadila. V obdobju Edo so bili ti izdelki izdelani v velikih količinah in z najrazkošnejšim okrasjem. Razkošno okrašene škatle za kosilo, pecivo, kadila in zdravila, imenovane inro, so odražale bogastvo in ljubezen do razkošja, ki sta bila neločljivo povezana s tem časom. Površino predmetov so krasili vzorci iz zlatega in srebrnega prahu, koščki zlate folije, ločeno ali v kombinaciji z vložki s školjkami, biserom, zlitino kositra in svinca itd.; ti vzorci so bili v nasprotju z lakiranimi rdečimi, črnimi ali rjavimi površinami. Včasih so risbe za lake naredili umetniki, na primer Korin in Koetsu, vendar je malo verjetno, da so osebno sodelovali pri teh delih.

Meči.

Japonci so bili, kot že rečeno, precejšnje obdobje svoje zgodovine ljudstvo bojevnikov; orožje in oklepi so veljali za nujne za velik del prebivalstva. Meč je bil človekov ponos; tako samo rezilo kot tudi vsi drugi deli meča, predvsem ročaj (tsuba), so bili okrašeni z različnimi tehnikami. Tsube iz železa ali brona so bile okrašene z vložki iz zlata in srebra, prekrite z rezbarijami ali okrašene z obojim. Upodabljale so pokrajine ali človeške figure, rože ali družinske grbe (mon). Vse to je dopolnjevalo delo izdelovalcev mečev.

Tkanine.

Bogato vzorčasta svila in druge tkanine, ki so jih imeli radi dvori in duhovščina v časih bogastva in izobilja, ter preproste tkanine s skoraj primitivnimi vzorci, značilnimi za ljudsko umetnost, so prav tako izrazi nacionalnega japonskega talenta. Umetnost tekstila, ki je svoj vrhunec dosegla v razkošni dobi Genroku, je ponovno zacvetela v sodobni Japonski. Uspešno združuje ideje in umetna vlakna z Zahoda s tradicionalnimi barvami in okrasnimi motivi.

Vrtovi.

V zadnjih desetletjih se je zanimanje za japonske vrtove in arhitekturo povečalo zaradi povečane izpostavljenosti zahodne javnosti tem oblikam umetnosti. Vrtovi imajo na Japonskem posebno mesto; so izraz in simbol visokih verskih in filozofskih resnic in ti nejasni, simbolični prizvoki, združeni z očitno lepoto vrtov, pritegnejo zanimanje zahodnega sveta. Ne moremo reči, da so bile religiozne ali filozofske ideje glavni razlog za nastanek vrtov, vendar je umetnik-načrtovalec pri načrtovanju in ustvarjanju vrta upošteval takšne prvine, katerih kontemplacija bi gledalca pripeljala do razmišljanja o različnih filozofskih resnicah. Tukaj je kontemplativni vidik zen budizma utelešen v skupini nenavadnih kamnov, valovih nabranega peska in gramoza v kombinaciji s travo ali rastlinah, razporejenih tako, da potok za njimi izgine in se znova pojavi, kar vse spodbuja gledalca, da dokonča namene gradnje. . vrtne ideje. Prednost nejasnim namigom pred jasnimi razlagami je značilna za zen filozofijo. Nadaljevanje teh idej so pritlikavi bonsaji in majhni vrtovi v lončkih, ki so zdaj priljubljeni na Zahodu.

Arhitektura.

Glavni arhitekturni spomeniki Japonske so templji, samostanski kompleksi, fevdalni gradovi in ​​palače. Od antičnih časov do danes je bil les glavni gradbeni material in v veliki meri določa oblikovne značilnosti. Najstarejše verske zgradbe so svetišča japonske narodne vere šintoizma; sodeč po besedilih in risbah so bile razmeroma preproste zgradbe s slamnato streho, kot starodavna bivališča. Tempeljske zgradbe, postavljene po širjenju budizma in povezane z njim, so v slogu in postavitvi temeljile na kitajskih prototipih. Arhitektura budističnih templjev se je skozi čas spreminjala, okrasje in razporeditev zgradb pa sta se med različnimi sektami razlikovala. Japonske zgradbe odlikujejo ogromne dvorane z visokimi strehami in zapletenimi sistemi konzol, njihov dekor pa je odražal okus svojega časa. Preprosta in veličastna arhitektura kompleksa Horyuji, zgrajenega v bližini Nare v zgodnjem 7. stoletju, je tako značilna za obdobje Asuka kot lepota in eleganca proporcev Hooda, »dvorane Feniksa« v Ujiju, ki se odraža v Lotusovem jezeru , je iz obdobja Heian. Dovršenejše zgradbe obdobja Edo so dobile dodaten okras v obliki bogato poslikanih drsnih vrat in paravanov, ki so jih izdelali isti »veliki dekoraterji«, ki so okrasili notranjost gradov z jarkom in fevdalnih palač.

Japonska arhitektura in vrtovi so tako tesno povezani, da jih je mogoče obravnavati kot dele drug drugega. To še posebej velja za zgradbe in vrtne hiše za čajno slovesnost. Njihova odprtost, preprostost in skrben odnos do pokrajine in perspektive imajo velik vpliv na sodobno zahodno arhitekturo.

VPLIV JAPONSKE UMETNOSTI NA ZAHOD

V samo enem stoletju je japonska umetnost postala znana na Zahodu in imela nanj pomemben vpliv. Stiki so bili že prej (Nizozemci so na primer trgovali z Japonsko prek pristanišča Nagasaki), a predmeti, ki so v 17. stoletju prispeli v Evropo, so bili predvsem umetniški izdelki - porcelan in lak. Nestrpno so jih zbirali kot zanimivosti in kopirali na različne načine, vendar ti okrasni izvozi niso odražali bistva in kakovosti japonske umetnosti in so Japoncem celo dali nelaskavo predstavo o zahodnjaškem okusu.

Japonska umetnost v Evropi je prvič neposredno vplivala na zahodno slikarstvo leta 1862 na veliki mednarodni razstavi v Londonu. Ob predstavitvi na pariški razstavi pet let pozneje so japonske lesene grafike ponovno vzbudile veliko zanimanja. Takoj se je pojavilo več zasebnih zbirk gravur. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh in drugi so japonske barvne grafike dojemali kot razodetje; Pogosto je opažen rahel, a vedno prepoznaven vpliv japonskih grafik na impresioniste. Američana Whistlerja in Mary Cassatt sta pritegnila zadržanost linij in svetle barvne lise ukiyo-e grafik in slik.

Odprtje Japonske tujcem leta 1868 je povzročilo norijo za vsem, kar je zahodno, in povzročilo, da so se Japonci odvrnili od lastne bogate kulture in umetniške dediščine. V tem času je bilo prodanih veliko lepih slik in kipov, ki so končali v zahodnih muzejih in zasebnih zbirkah. Razstave teh predmetov so Zahodu predstavile Japonsko in spodbudile zanimanje za potovanja na Daljni vzhod. Seveda je okupacija Japonske s strani ameriških vojakov ob koncu druge svetovne vojne odprla večje možnosti kot prej za raziskovanje in učenje več o japonskih templjih in njihovih zakladih. To zanimanje se je odražalo v obiskovanju ameriških muzejev. Zanimanje za Vzhod nasploh je vzbudilo organizacijo razstav del japonske umetnosti, izbranih iz japonskih javnih in zasebnih zbirk ter pripeljanih v Ameriko in Evropo.

Znanstvene raziskave v zadnjih desetletjih so veliko pripomogle k zavrnitvi mnenja, da je japonska umetnost le odsev kitajske umetnosti, številne japonske publikacije v angleščini pa so Zahodu predstavile ideale Vzhoda.