V 17. stoletju Nizozemska je postala vzorčna kapitalistična država. Izvajala je obsežno kolonialno trgovino, imela je močno floto, ladjedelništvo pa je bilo ena vodilnih panog. Tudi angleški ladjarji so pogosto naročali pri nizozemskih ladjedelnicah. Pridni kmetje Nizozemci so na razmeroma majhni površini uspeli ustvariti takšno mlečno industrijo, da so zasloveli na vseevropskem trgu. Konec 17. - začetek 18. stol. z vstopom Anglije in Francije v mednarodno trgovinsko areno Nizozemska izgubi svoj gospodarski in politični pomen, vendar vseskozi XVII stoletje je vodilna evropska gospodarska sila.
Hkrati je bila Nizozemska v tem obdobju tudi najpomembnejše središče evropska kultura. Boj za nacionalno neodvisnost in zmaga meščanov sta določila tudi značaj nizozemske kulture v 17. stoletju. Protestantizem (kalvinizem kot njegova najhujša oblika), ki je popolnoma izpodrinil vpliv katoliške cerkve, je privedel do tega, da duhovščina na Nizozemskem ni imela takega vpliva na umetnost kot v Flandriji, zlasti pa v Španiji ali Italiji. Univerza v Leidnu je bila središče svobodne misli. Duhovno ozračje je bilo ugodno za razvoj filozofije, naravoslovja in matematike. Odsotnost bogatega patricija in katoliške duhovščine je imela ogromne posledice za razvoj nizozemske umetnosti. U nizozemski umetniki bil je še en kupec: meščani, nizozemski magistrat, ki ni okrasil palač in vil, temveč skromna bivališča ali javne zgradbe - zato slike na Nizozemskem tega časa nimajo enakih dimenzij kot platna Rubensa ali Jordanesa, in so pretežno štafelajne in ne monumentalne naloge. Na Nizozemskem cerkev ni igrala vloge naročnika umetniških del: cerkve niso bile okrašene z oltarnimi podobami, kajti kalvinizem je zavračal vsak kanček razkošja; Protestantske cerkve so bile enostavne v arhitekturi in znotraj nikakor niso bile okrašene.
Glavni dosežek Nizozemcev umetnost XVIII stoletja - v štafelajnem slikarstvu. Človek in narava sta bila predmet opazovanja in upodabljanja nizozemskih umetnikov. Trdo delo, marljivost, ljubezen do reda in čistoče se odražajo na slikah, ki prikazujejo nizozemsko življenje. Domače slikarstvo postaja eden vodilnih žanrov, katerega ustvarjalci so v zgodovini prejeli ime "mali Nizozemci", bodisi zaradi nezahtevnosti motivov bodisi zaradi majhnosti slik in morda obojega. Nizozemci so želeli na slikah videti ves raznolik svet. Od tod širok razpon slikarstva tega stoletja, "ozka specializacija" v določene vrste teme: portret in pokrajina, tihožitje in živalski žanr. Znotraj žanra je obstajala celo specializacija: večerne in nočne pokrajine (Art van der Neer), »nočni ognji« (Ecbert van der Poel), zimske pokrajine (Aver Kamp), ladje na cestah (J. Porcellis), ravninska pokrajina. (F. Koninck); tihožitja - "zajtrki" (P. Claes in V. Heda) ali podobe rož in sadja (B. van der Ast, J. van Huysum), cerkvena notranjost (A. de Lorm) itd. Slikanje na evangeliju in svetopisemske zgodbe je tudi zastopana, vendar ne v tolikšni meri kot v drugih državah, kot starodavna mitologija. Na Nizozemskem nikoli ni bilo povezav z Italijo in klasična umetnost ni imela takšne vloge kot v Flandriji. Obvladovanje realističnih trendov, razvoj določenega obsega tem, diferenciacija žanrov kot en sam proces so se zaključili do 20. let 17. stoletja. A ne glede na žanr, v katerem nizozemski mojstri delujejo, povsod najdejo poetično lepoto v običajnem, znajo poduhovliti in povzdigniti svet materialnih stvari.
Zgodovina nizozemskega slikarstva 17. stoletja. odlično prikazuje razvoj dela enega največjih nizozemskih portretistov, Fransa Halsa (okoli 1580-1666). V 10-30 letih je Hals veliko delal v žanru skupinskih portretov. To je v bistvu upodobitev puškarskih cehov – združb častnikov za obrambo in zaščito mest. Meščani so želeli biti ovekovečeni na platnu, za pravico do upodobitve so plačevali določeno pristojbino, umetnik pa je moral vsakemu modelu posvetiti enako pozornost. Toda v teh Halsovih delih nas ne očara portretna podobnost. Izražajo ideale mlade republike, občutke svobode, enakosti in tovarištva. S platen teh let gledajo veseli, energični, podjetni ljudje, prepričani v svoje sposobnosti in v prihodnost (»Struški ceh sv. Adrijana«, 1627 in 1633; »Struški ceh sv. Jurija«, 1627). Hale jih običajno prikazuje na prijateljski pojedini, na veseli pojedini. Velika velikost kompozicije, vodoravno podolgovata, široka samozavestna pisava, intenzivne, nasičene barve (rumena, rdeča, modra itd.) ustvarjajo monumentalni značaj slike. Umetnik nastopa kot zgodovinopisec cele dobe.
Halsove individualne portrete raziskovalci včasih imenujejo žanrski portreti zaradi posebne specifičnosti podobe in določenega načina karakterizacije. V pozi Heythuisena, ki se ziba na svojem stolu, je nekaj nestabilnega, zdi se, da se bo njegova mimika spremenila. Portret pijane starke, »harlemske čarovnice«, lastnice gostilne Malle Babbe (zgodnja 30. leta), s sovo na rami in vrčkom piva v roki, nosi značilnosti žanrskega slikarstva. Hulsejev nedorečen slog, njegovo drzno pisanje, ko poteza čopiča oblikuje obliko in volumen ter prenaša barvo; poteza čopiča je včasih debela, impasto, na debelo prekriva platno, včasih omogoča sledenje tonu tal, poudarek na enem detajlu in podcenjenost drugega, notranja dinamika, sposobnost določitve celote iz enega namiga - to so značilne značilnosti Halsove pisave.
F. Hulse. Strelski ceh sv. George. Fragment. Haarlem, Halsov muzej
F Hulse Portret Willema van Heythuizena. Bruselj, Muzej lepih umetnosti
G. Terborch. Koncert. Berlin, muzej
V portretih Halsa poznega obdobja (50-60) izginejo brezskrbna hrabrost, energija in intenzivnost v likih upodobljenih oseb. V ermitaškem portretu moškega je kljub vsej impresivnosti figure mogoče zaslediti celo nekaj bahatosti, utrujenosti in žalosti. Te značilnosti so še poudarjene v briljantno naslikanem portretu moškega s širokokrajnim klobukom iz muzeja v Kasslu (60. leta). V teh letih Khale preneha biti priljubljen, ker nikoli ne laska in se izkaže, da je tuj degeneriranim okusom bogatih strank, ki so izgubile svoj demokratični duh. Toda Hale je v poznem obdobju ustvarjalnosti dosegel vrhunec mojstrstva in ustvaril najgloblja dela. Barvitost njegovih slik postane skoraj enobarvna. Običajno gre za temna, črna oblačila, z belim ovratnikom in manšetami ter temno olivno barvo ozadja. Lakonična slikovna paleta pa je zgrajena na najfinejših stopnjah.
Dve leti pred smrtjo, leta 1664, se je Hale ponovno vrnil k skupinskemu portretu. Naslika dva portreta regentov in regentov doma za ostarele, v enega je ob koncu življenja našel zatočišče tudi sam. V portretu regentov ni čutiti duha tovarištva prejšnjih kompozicij, modeli so razklani, nemočni, topih pogledov, na njihovih obrazih je zapisano opustošenje. Mračna barvna shema (črna, siva in bela) doda posebno napetost rožnato-rdečemu madežu blaga na kolenu enega od regentov. Bolan, osamljen in obubožan umetnik torej v svojem devetem desetletju ustvarja svoja najbolj dramatična in najbolj izvrstna umetniška dela.
V. Kheda. Zajtrk z robidovo pito. Dresden, galerija
Halsova umetnost je imela velik pomen za svoj čas; vplivala je na razvoj ne samo portreta, ampak tudi vsakdanji žanr, pokrajina, tihožitje.
Posebno zanimiv je krajinski žanr Nizozemske iz 17. stoletja. To ni narava na splošno, neka splošna slika vesolja, ampak nacionalna, specifično nizozemska pokrajina, ki jo prepoznamo v sodobni Nizozemski: slavni mlini na veter, puščavske sipine, kanali, po katerih poleti drsijo čolni in drsalci zima. Zrak je nasičen z vlago. Sivo nebo zavzema veliko mesto v kompozicijah. Natančno tako Holland prikazujeta Jan van Goyen (1596-1656) in Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).
Razcvet krajinskega slikarstva v nizozemski šoli sega v sredino 17. stoletja. Največji mojster realistične krajine je bil Jacob van Ruisdael (1628/29-1682), umetnik neusahljive domišljije. Njegova dela so običajno polna globoke dramatike, pa naj gre za gozdne goščave (Gozdno močvirje), krajine s slapovi (Slap) ali romantično pokrajino s pokopališčem (Židovsko pokopališče). Ruisdaelova narava se kaže v dinamiki, v večnem obnavljanju. Tudi najpreprostejši motivi narave dobijo pod umetnikovim čopičem monumentalen značaj. Ruisdael se nagiba k kombinaciji skrbnega upodabljanja z veliko vitalno celovitostjo, s sintetično podobo.
P. de Hach. Dvorišče. London, Narodna galerija
Samo morsko sliko (marina) je naredil Jan Porcellis (okoli 1584-1632). Poleg realistične, čisto nizozemske pokrajine je v tistem času obstajala druga smer: pokrajine italijanskega značaja, ki so jih oživljali mitološki liki, liki ljudi in živali.
Živalski žanr je tesno povezan z nizozemsko pokrajino. Najljubši motiv Alberta Cuypa so krave na napajališču (»Sončni zahod na reki«, »Krave na bregu potoka«). Paul Potter poleg splošnih načrtov rad upodablja eno ali več živali od blizu na ozadju pokrajine ("Pes na verigi").
Tihožitje doseže sijajen razvoj. Nizozemsko tihožitje je za razliko od flamskega tihožitja slika intimne narave, skromna po velikosti in motivih. Pieter Claes (ok. 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) sta najpogosteje upodabljala tako imenovane zajtrke: jedi s šunko ali pito na razmeroma skromno postreženi mizi. V spretnem aranžmaju so predmeti prikazani tako, da je mogoče občutiti notranje življenje stvari (Nizozemci so zaman tihožitje imenovali "stilliven" - " mirno življenje«, in ne »nature morte« - »mrtva narava«. Res je, kot je pravilno ugotovil I. V. Linnik, "tiho življenje" je poznejši pesniški prevod. V jeziku 17. stoletja je to pomenilo »fiksen model«, kar je bolj skladno s praktičnim vpogledom in poslovnim pristopom Nizozemcev tistega časa). Barvanje je zadržano in rafinirano (Heda. "Zajtrk z jastogom", 1648; Razred. "Tihožitje s svečo", 1627).
Wermeer iz Delfta. Dekliška glava. Fragment. Haag, Mauritshuis
S spremembo življenja nizozemske družbe v drugi polovici 17. stoletja, s postopnim naraščanjem želje meščanstva po aristokraciji in izgubo nekdanje demokratičnosti se je spremenila tudi narava tihožitij. Khedine »zajtrke« zamenjajo Kalfove razkošne »sladice«. Preproste pripomočke zamenjajo marmorne mize, preproge, srebrni čaši, posode iz bisernih školjk in kristalni kozarci. Kalf dosega neverjetno virtuoznost pri podajanju teksture breskev, grozdja in kristalnih površin. Enoten ton tihožitij prejšnjega obdobja nadomesti bogata gradacija najizvrstnejših pisanih odtenkov.
Nizozemsko tihožitje je ena od umetniških udejanjanj najpomembnejše teme nizozemske umetnosti - teme zasebnega življenja navadnega človeka. Ta tema je v celoti utelešena v žanrskem filmu. V 20-30-ih letih 17. stoletja. Nizozemci so ustvarili posebno vrsto male male figure. 40-60-a so bila razcvet slikarstva, ki je poveličevalo umirjeno meščansko življenje Nizozemske, izmerjen vsakdanji obstoj. A tudi v krogu Fransa Halsa, kjer se je oblikoval tudi flamski slikar Adrian Brouwer, se je oblikovalo izrazito zanimanje za teme iz kmečkega življenja. Adrian van Ostade (1610-1685) sprva prikazuje senčne plati kmečkega življenja (»Boj«). Od 40. let prejšnjega stoletja so satirične note v njegovem delu vedno bolj nadomeščale humorne (»V vaški krčmi«, 1660). Včasih so te majhne slike obarvane z velikim liričnim občutkom. Za Ostadejevo slikarsko mojstrovino se upravičeno šteje njegov "Slikar v ateljeju" (1663), v katerem umetnik poveličuje ustvarjalno delo, ne da bi se zatekel k deklaraciji ali patosu.
Toda glavna tema "malih Nizozemcev" še vedno ni kmečko življenje, ampak meščansko življenje. Običajno so to slike brez fascinantnega zapleta. V filmih tega žanra je, kot da se nič ne zgodi. Ženska bere pismo, gospod in gospa igrata glasbo. Ali pa sta se šele spoznala in se med njima porodi prvo čustvo, ki pa je le začrtano, gledalcu je dana pravica do lastnega ugibanja.
Najbolj zabaven pripovedovalec v tovrstnih filmih je bil Jan Stan (1626-1679) ("Veselci", "Igra backgammon"). Počasen tempo življenja, natančnost vsakodnevne rutine in nekaj monotonosti bivanja odlično prenaša Gabriel Metsu (1629-1667, "Zajtrk", "Bolna ženska in zdravnik"),
Še večje mojstrstvo je pri tem dosegel Gerard Terborch (1617-1681). Začel je z najbolj demokratičnimi temami ("Mlinec"), vendar je s spreminjanjem okusa nizozemskih meščanov prešel k bolj aristokratskim modelom in tu dosegel velik uspeh.
Notranjost "malega Nizozemca" postane še posebej poetična. Življenje Nizozemcev je potekalo predvsem v hiši, pravi pevec te teme je bil Pieter de Hooch (1629-1689). Njegove sobe z na pol odprtim oknom, z nehote odvrženimi čevlji ali zapuščeno metlo so pogosto upodobljene brez človeške figure, a človek je tu nevidno prisoten, vedno je prisotna povezava med notranjostjo in ljudmi. Ko upodablja ljudi, namerno poudarja nek zamrznjen ritem, življenje prikazuje kot zamrznjeno, nepremično kot stvari same (»Gospodarica in služkinja«, »Dvorišče«).
Rembrandt. Anatomija dr. Tulpa. Haag, Mauritshuis
Nova etapažanrsko slikarstvo se začne v 50. letih prejšnjega stoletja in je povezano s tako imenovano delftsko šolo, z imeni umetnikov, kot so Carel Fabricius, Emmanuel de Witte in Jan Wermeer, v umetnostni zgodovini poznan kot Wermeer iz Delfta (1632-1675). Vermeer je bil eden tistih umetnikov, ki je vnaprej določil številna koloristična iskanja 19. stoletja in v marsičem tlakoval pot impresionistom, čeprav se zdi, da Vermeerjeve slike niso v ničemer izvirne. To so iste slike zamrznjenega meščanskega življenja: branje pisma, gospod in gospa, ki se pogovarjata, služkinje, ki opravljajo preprosta gospodinjska opravila, pogledi na Amsterdam ali Delft. Vermeerjeva zgodnja slika »Pri prokuristki« (1656) je nenavadno (za »male Nizozemce«) velika, monumentalna po obliki in zveneča v barvi velikih lokalnih lis: rdeča oblačila gospoda, rumena obleka deklice in bel šal .
Pozneje je Vermeer opustil velike velikosti in slikal enaka majhna platna, ki so bila sprejeta v žanrskem slikarstvu tistega časa. Toda te slike, preproste v delovanju: »Dekle, ki bere pismo«, »Kavalir in dama pri Spinetu«, »Oficir in smejoče se dekle« itd., so polne duhovne jasnosti, tišine in miru. Glavne prednosti Vermeerja kot umetnika so v prenosu svetlobe in zraka. Kombinira širok čopič s fino potezo, ki usklajuje svetlobo in barvo. Raztapljanje predmetov v svetlobno-zračnem okolju, sposobnost ustvarjanja te iluzije je v prvi vrsti določilo prepoznavnost in slavo Vermeerja ravno v 19. stoletju. Kasneje je Vermeerjevo pisanje postalo bolj zlito, gladko, zgrajeno na nežnih kombinacijah modre, rumene, temno modre, združene z neverjetno biserno, celo biserno sivo (»Glava deklice«).
Vermeer je naredil nekaj, česar v 17. stoletju ni nihče: slikal je pokrajine iz življenja (»Ulica«, »Pogled na Delft«). Lahko jih imenujemo prvi primeri plenerističnega slikarstva. Vermeerjeva zrela, klasična v svoji preprostosti umetnost je bila velikega pomena za prihodnja obdobja.
Vrh Nizozemski realizem, rezultat slikarskih dosežkov nizozemske kulture 17. stoletja je delo Rembrandta. Toda pomen Rembrandta, kot vsi drugi genialni umetnik, presega le nizozemsko umetnost in nizozemsko šolo.
Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) se je rodil v Leidnu, v družini dokaj premožnega lastnika mlina, po latinski šoli pa je kratek čas študiral na univerzi v Leidnu, a jo je zapustil zaradi študija slikarstva, najprej z malo znanega domačega mojstra, nato pa z amsterdamskim umetnikom Pietrom Lastmanom.
Obdobje študija je bilo kratkotrajno in kmalu je Rembrandt odšel domači kraj da začnete sami slikati v svojem studiu. Zato se leta 1625-1632 običajno imenuje leidensko obdobje njegovega dela. To je bil čas umetnikovega oblikovanja, njegove največje strasti do Caravaggia, mojstrov slog v tem obdobju je bil še precej suhoparen, interpretacija motivov pa pogosto melodramatična. To je obdobje, ko se prvič posveti jedkanici.
Leta 1632 je Rembrandt odšel v Amsterdam, središče umetniška kultura Nizozemska, kar je mladega umetnika seveda pritegnilo. Trideseta leta so bila čas njegove največje slave, pot do katere je slikarju odprla velika naročena slika iz leta 1632 - skupinski portret, znan tudi kot "Anatomija doktorja Tulpa" ali "Lekcija anatomije". Na Rembrandtovem platnu ljudi združuje dejanje, vsi so predstavljeni v naravnih pozah, njihovo pozornost pritegne glavni lik - doktor Tulp, ki prikazuje mišično strukturo "razkosanega" trupla. Kot pravi Nizozemec se Rembrandt ne boji realističnih podrobnosti, kot velik umetnik se zna izogibati naturalizmu. Leta 1634 se je Rembrandt poročil z dekletom iz bogate družine - Saskio van Uylenborch - in od takrat naprej vstopil v patricijske kroge. Začne se najsrečnejše obdobje njegovega življenja. Postane znan in moden umetnik. Njegova hiša privablja najboljše predstavnike aristokracije duha in bogate stranke, ima veliko delavnico, kjer uspešno delajo njegovi številni učenci. Saskijina obsežna dediščina in njegova lastna dela zagotavljajo materialno svobodo.
Vse to obdobje je zavito v romantiko. Slikar se tako rekoč pri svojem delu posebej trudi pobegniti od dolgočasnega meščanskega vsakdana in slika sebe in Saskijo v razkošnih oblekah, v fantastičnih oblačilih in pokrivalih, ustvarja spektakularne kompozicije, izražajoč v zapletenih obratih, pozah, gibih različna stanja. v katerem prevladuje skupno – veselje. To razpoloženje je izraženo v enem avtoportretu iz zbirke Louvre iz leta 1634 in v portretu Saskije iz muzeja v Kasslu (istega leta), pa tudi v ermitaški podobi Saskije kot Flore. Toda morda je Rembrandtov pogled na svet teh let najbolj jasno predstavljen s slavnim "Avtoportretom s Saskio na kolenih" (okoli 1636). Celotno platno je prežeto z odkritim veseljem do življenja in veseljem. Te občutke izraža preprost izraz sijočega obraza samega umetnika, ki je bil videti, da je dosegel vse zemeljske blagoslove; vsa okolica, od bogatih oblačil do slovesno dvignjenega kristalnega kozarca v roki; ritem plastičnih mas, bogastvo barvnih nians, svetlobno in senčno modeliranje, ki bo postalo glavno izrazno sredstvo v Rembrandtovem slikarstvu. Očarljiv, pravljičen svet ... Jezik baroka je najbližji izrazu visokega razpoloženja. In na Rembrandta v tem obdobju je močno vplival italijanski barok.
Liki na sliki iz leta 1635 »Abrahamova žrtev« se pred nami pojavljajo iz zapletenih zornih kotov. Od Izakovega telesa, raztegnjenega v ospredju in izraža popolno nemoč žrtve, se pogled gledalca obrne v globino - k liku starejšega Abrahama in božjega glasnika - angela, ki se prebijata iz oblakov. Kompozicija je izrazito dinamična, grajena po vseh pravilih baroka. Nekaj pa je na sliki, kar jo odlikuje ravno po rembrandtovskem značaju ustvarjalnosti: dušno sledenje duševnega stanja Abrahama, ki ob nenadnem pojavu angela ni imel časa občutiti niti veselja ob odrešitvi. od strašne žrtve ali hvaležnosti, vendar še vedno doživlja le utrujenost in zmedenost. Bogat potencial Rembrandta kot psihologa se na tej sliki jasno kaže.
V istih tridesetih letih se je Rembrandt prvič začel resneje ukvarjati z grafiko, predvsem z jedkanico. Zapuščina grafika Rembrandta, ki je zapustil tako gravure kot unikatne risbe, ni nič manj pomembna od njegovih slik. Rembrandtove jedkanice so predvsem svetopisemske in evangeljske tematike, v svojih risbah pa se kot pravi nizozemski umetnik pogosto obrača h žanru. Res je, Rembrandtov talent je tak, da vsako žanrsko delo pod njegovo roko zveni kot filozofska posplošitev.
Na obratu zgodnje obdobje umetnikove ustvarjalnosti in njegove ustvarjalne zrelosti se pred nami pojavi ena njegovih najbolj znanih slik, znana kot »Nočna straža« (1642) - skupinski portret strelske čete kapitana Banninga Cocka.
Toda skupinski portret je le formalno ime dela, ki izhaja iz želja naročnika. Rembrandt se je oddaljil od običajne kompozicije skupinskega portreta, ki prikazuje praznik, med katerim je "uvod" vsakega od subjektov. Razširil je obseg žanra in predstavil bolj zgodovinsko sliko: na znak alarma se odred Banning Cocka odpravi na pohod. Nekateri so mirni in samozavestni, drugi vznemirjeni v pričakovanju prihajajočega, vsi pa nosijo izraz splošne energije, patriotskega navdušenja in zmagoslavja državljanskega duha.
Podoba ljudi, ki izhajajo izpod oboka v svetlo sončno svetlobo, je polna odmevov heroične dobe nizozemske revolucije, časa zmagoslavja republikanske Nizozemske. Rembrandtov skupinski portret se je razvil v junaško podobo dobe in družbe.
Toda to razpoloženje je bilo meščanski Nizozemski sredi stoletja tuje, ni ustrezalo okusom kupcev, tehnike slikanja pa so bile v nasprotju s splošno sprejetimi. Spektakularna, nedvomno nekoliko teatralna, izjemno svobodna kompozicija, kot že omenjeno, ni bila namenjena predstavitvi vsakega od naročnikov. Številne obraze je preprosto težko "prebrati" v tem ostrem chiaroscuru, v teh kontrastih gostih senc in močne sončne svetlobe, v kateri se pojavlja odmaknjenost (v 19. stoletju je slika že tako temna, da so jo imeli za upodobitev nočnega prizora , od tod tudi njegovo napačno ime. Senca, ki pada s figure kapitana na svetla oblačila poročnika, dokazuje, da to ni noč, ampak dan).
Pojav tujcev v tem prizoru se je gledalcu zdel nerazumljiv in absurden, še posebej deklica v zlato rumeni obleki, ki se je vtisnila v množico bojevitih moških. Vse tukaj je povzročilo začudenje in razdraženost javnosti in lahko rečemo, da se s to sliko začne in poglablja konflikt med umetnikom in družbo. S smrtjo Saskije istega leta 1642 je prišlo do naravnega preloma Rembrandta z njemu tujimi patricijskimi krogi.
40. in 50. leta so čas ustvarjalne zrelosti. Rembrandtovo zunanje življenje se ni spremenilo le, ampak se je spremenil predvsem on sam. To je čas oblikovanja njegovega ustvarjalnega sistema, iz katerega bo marsikaj postalo preteklost in v katerem bodo pridobljene druge, neprecenljive kvalitete. V tem obdobju se pogosto obrača na prejšnja dela, da bi jih predelal na nov način. Tako je bilo na primer z "Danae", ki jo je napisal leta 1636. Že takrat je bilo v tej podobi izraženo glavno: čutno načelo, pogansko, do neke mere "Tician", je bilo v njej le del splošno v izražanju kompleksnih čustvenih doživetij, en sam čustveni impulz. Klasičen, lep, a tudi abstrakten lepotni ideal je nadomestil izraz življenjske resnice, svetla individualnost fizičnega sestava. To grdo telo je bilo posredovano izjemno realistično. Toda Rembrandt ni bil zadovoljen z zunanjo resnico. Z obračanjem k sliki v 40. letih je umetnik stopnjeval svoje čustveno stanje. Preoblikoval je osrednji del z junakinjo in služkinjo. Z novo potezo dvignjene roke Danae ji je prenesel veliko navdušenje, izraz veselja, upanja, privlačnosti. Spremenil se je tudi slog pisanja. V nedotaknjenih delih je slika v hladnih tonih, forma je skrbno obdelana; V prepisanih prevladujejo tople, zlatorjave barve, pisava je drzna in svobodna. Svetloba ima veliko vlogo: zdi se, da svetlobni tok obdaja figuro Danae, vsa žari od ljubezni in sreče, to svetlobo dojemamo kot izraz človeškega čustva.
V 40. in 50. letih je Rembrandtovo mojstrstvo vztrajno raslo. Za interpretacijo izbira najbolj lirične, poetične vidike človekovega bivanja, tiste človečnosti, ki je večna, vsečloveška: materinska ljubezen, sočutje. Največ gradiva zanj daje Sveto pismo, iz njega pa prizori iz življenja svete družine, zapleti iz Tobijevega življenja. V delih tega obdobja ni zunanjih učinkov. Rembrandt prikazuje preprosto življenje, navadni ljudje, kot na sliki »Sveta družina«: le angeli, ki se spuščajo v somrak revnega doma, nas spomnijo, da ne gre za navadno družino. Kretnja materine roke, odgrnitev zavese, da bi pogledala spečega otroka, koncentracija v figuri Jožefa - vse je globoko premišljeno. Preprostost načina življenja in videza ljudi ne utemeljuje teme. Rembrandt zna v vsakdanjem življenju videti ne majhno in običajno, temveč globoko in trajno. Iz tega platna vejeta mirna tišina delovnega življenja in svetost materinstva. Chiaroscuro ima v Rembrandtovih slikah ogromno vlogo - osnova njegove umetniške strukture. V koloritu prevladujejo tonska razmerja, v katera Rembrandt rad vnaša močne barvne lise. V Sveti družini služi rdeča odeja na zibelki kot taka povezovalna točka.
Pokrajina, tako slikovna kot grafična (jedkanica in risba), zavzema v Rembrandtovem delu veliko mesto. Pri upodabljanju resničnih kotičkov države se zna, tako kot v tematski sliki, dvigniti nad vsakdanje (»Pokrajina z mlinom«).
Zadnjih 16 let je najbolj tragičnih let Rembrandtovega življenja; propadel je, nima ukazov, nima svojega doma, izgubil je vse svoje ljube, ljube in celo učenci ga izdajo. Toda ta leta so bila polna neverjetne ustvarjalne dejavnosti, zaradi katere so nastale slikovite podobe, izjemne po svojem monumentalnem značaju in duhovnosti, dela globoko filozofske in visoko etične narave. V teh Rembrandtovih slikah je vse očiščeno minljivega, naključnega. Podrobnosti so čim manjše, kretnje, drže in nagibi glave so skrbno premišljeni in smiselni. Figure so povečane, bližje sprednji ravnini platna. Tudi majhna dela Rembrandta iz teh let ustvarjajo vtis izjemne veličine in prave monumentalnosti. Glavno izrazno sredstvo niso črte in mase, temveč svetloba in barva. Skladba v veliki meri temelji na ravnovesju barvnih zvokov. V barvi prevladujejo odtenki rdeče in rjave, kot da gori od znotraj.
Barva pridobi zvočnost in intenzivnost. O poznem Rembrandtu bi bilo pravilneje reči, da je njegova barva »svetleča«, saj sta na njegovih platnih svetloba in barva eno, njegove barve se zdi, da oddajajo svetlobo. Ta kompleksna interakcija barve in svetlobe ni sama sebi namen, temveč ustvarja določeno čustveno okolje in psihološke značilnosti slike.
Portreti poznega Rembrandta se zelo razlikujejo od portretov iz 30. in celo 40. let. Te skrajno preproste (polovične ali vzporedne) podobe ljudi, ki so umetniku blizu po svoji notranji strukturi, so vedno figurativni izraz večplastne človeške osebnosti, presenetljive z mojstrovo sposobnostjo prenašanja nestabilnih, izmuzljivih duhovnih gibov.
Rembrandt je znal ustvariti biografski portret; s poudarjanjem le obraza in rok je izrazil celotno zgodbo življenja (»Portret starca v rdečem«, okoli 1654). Največjo subtilnost karakterizacije pa je Rembrandt dosegel v svojih avtoportretih, ki jih je do nas prišlo okoli sto in na katerih je odlično razvidna neskončna raznolikost psiholoških vidikov in raznolikost Rembrandtovih značilnosti. Po prazničnih portretih 30. let se nam ponuja drugačna interpretacija podobe; človek, poln visokega dostojanstva in izredne preprostosti na vrhuncu življenja na portretu iz dunajske zbirke 1652; te lastnosti bi sčasoma postale prevladujoče, tako kot izraz trdnosti in ustvarjalne moči (portret 1660).
Zadnji del v zgodovini skupinskih portretov je bila Rembrandtova upodobitev starešin suknarske delavnice - tako imenovanih Sindikov (1662), kjer je Rembrandt s skromnimi sredstvi ustvarjal živo in hkrati drugačno. človeški tipi, predvsem pa mu je uspelo prenesti občutek duhovne enotnosti, medsebojnega razumevanja in povezanosti ljudi, ki jih združuje ena stvar in naloga, kar ni uspelo niti Halsu.
V zrelih letih (predvsem v 50. letih) je Rembrandt ustvaril svoje najboljše jedkanice. Kot jedkalec mu v svetovni umetnosti ni para. Njegova tehnika jedkanice se je neverjetno zakomplicirala in obogatila. Jedkanici dodaja tehniko »suhe igle«, med tiskom različno nanaša barvo, po prejemu prvih odtisov včasih naredi spremembe na plošči, zato je znanih veliko jedkanic v več državah. Toda v vseh imajo podobe globok filozofski pomen; pripovedujejo o skrivnostih bivanja, o tragiki človeškega življenja. In še ena značilnost Rembrandtovih jedkanic tega obdobja: izražajo sočutje do trpečih, zapostavljenih in umetnikov neizkoreninjen občutek za pravičnost in dobroto.
Rembrandtove grafike so v celoti razkrile demokratizem njegovega pogleda na svet ("Slepi Tobit", "Snemanje s križa", "Pokopavanje", "Čaščenje pastirjev", "Trije križi", 1653 in 1660).
Veliko riše. Rembrandt je zapustil 2000 risb. Sem sodijo skice iz življenja, skice za slike in priprave za jedkanice. Tehnično briljantne Rembrandtove brezhibne risbe prikazujejo njegovo običajno evolucijo: od izdelave podrobnosti in kompleksnosti kompozicije do presenetljive lakoničnosti in klasično jasne, veličastne preprostosti.
Epilog Rembrandtovega dela se lahko šteje za njegovo slavno sliko "Izgubljeni sin" (okoli 1668-1669), v kateri sta se najpopolneje pokazala umetnikova etična višina in slikarska spretnost. Zgodba svetopisemske prispodobe o razuzdanem sinu, ki se je po mnogih potepanjih vrnil v očetovo hišo, je Rembrandta pritegnila že prej, o čemer pričajo ena njegovih zgodnjih jedkanic in več risb. V tej skupini - v figuri razcapanega mladeniča, ki pada na kolena, in starca, ki polaga roke na svojo obrito glavo - je izjemna intenzivnost občutkov, čustvena pretresenost, sreča vračanja in pridobitve, brezdna starševska ljubezen, a tudi grenkobo razočaranja, izgube, ponižanja, sramu in kesanja. Ta nečlovečnost naredi prizor razumljiv različnim ljudem vseh časov in mu daje nesmrtnost. Koloristična enotnost tukaj je še posebej presenetljiva. Iz oranžno-rdečih tonov ozadja je vse en sam slikoviti tok, dojet kot izraz enega samega občutja.
Rembrandt je imel velik vpliv na umetnost. V njegovem času na Nizozemskem ni bilo slikarja, ki ne bi doživel vpliva velikega umetnika. Imel je veliko učencev. Asimilirali so sistem Rembrandtovega chiaroscura, vendar Rembrandtovo razumevanje človeška osebnost Seveda tega niso mogli razumeti. Zato nekateri med njimi niso presegli zunanjega posnemanja učitelja, večina pa ga je izdala, prešla na stališča akademizma in posnemanja takrat modnih Flamcev, nato pa Francozov.
V zadnji četrtini 17. stol. začne se zaton nizozemske slikarske šole, izguba nacionalne identitete, od začetka 18. stoletja pa konec velika doba Nizozemski realizem.
Nizozemsko slikarstvo - slike iz 17. stoletja
Pomembna značilnost nizozemske umetnosti je bila znatna prevlada v vseh vrstah slikarstva. Predstavniki najvišjih vrhov oblasti, revni meščani, obrtniki in kmetje, so svoje domove okrasili s slikami. Prodajali so jih na dražbah in sejmih; umetniki so jih včasih uporabljali celo kot sredstvo za plačilo računov.
Cesta v gozdu, Meindert Hobbema, 1670
Slikarjev je bilo na pretek, konkurenca pa je bila kar huda, saj je bil umetnikov poklic zelo razširjen. Le redki so se lahko preživljali s slikanjem. Večina umetnikov je morala opravljati različna dela: Jacob van Ruisdael je bil zdravnik, Meindert Hobbema je delal kot trošarin, Jan Steen pa je bil gostilničar.
V 17. stoletju se nizozemsko slikarstvo hitro razvija ne le zaradi vse večjega povpraševanja po tistih, ki želijo s slikami okrasiti svoje domove, temveč tudi zaradi dejstva, da so nanje začeli gledati kot na blago, sredstvo špekulacij in vir dobiček. Umetnik je bil popolnoma odvisen od tržnih trendov in se je osvobodil neposrednih kupcev, kot so vplivni meceni (fevdalci) in katoliška cerkev. Določene so bile poti razvoja nizozemske družbe, umetniki, ki so jim nasprotovali in branili svojo ustvarjalno neodvisnost, pa so se osamili in prezgodaj umirali v osamljenosti in revščini. V večini primerov so bili to le najbolj nadarjeni umetniki, kot sta Rembrandt in Frans Hals.
Nizozemski slikarji so upodabljali predvsem okoliško resničnost, ki je umetniki drugih slikarskih šol niso upodabljali tako celovito. Glavno mesto pri krepitvi realističnih usmeritev so zavzemali portreti, vsakdanje življenje, tihožitja in krajine, saj so se umetniki obračali k različnim vidikom življenja. Tako globoko in resnično so upodabljali resnični svet, ki se je odvijal pred njimi, njihova dela so bila tako impresivna.
Jan Steen, Srečanje z veseljaki, 1679
Vsaka zvrst je imela svoja gibanja. Med tistimi, ki so upodabljali pokrajino, so bili marinisti in slikarji, ki so imeli raje ravnine ali gozdove, tudi mojstri zimskih pokrajin in vedut z mesečino. Med žanrskimi umetniki so izstopali tisti, ki so upodabljali meščane in kmete, prizore domačega življenja in zabav, bazarjev in lova. Obstajali so tudi umetniki, ki so se specializirali za notranjost cerkva in različne vrste tihožitij, kot so "klop", "sladica", "zajtrk" itd. Na število opravljenih nalog je vplivala takšna značilnost nizozemskega slikarstva kot omejenost. K slikarjevi virtuoznosti pa je pripomoglo dejstvo, da se je vsak umetnik osredotočil na določen žanr. Slikali so le najpomembnejši nizozemski umetniki različne zvrsti.
Razvoj realističnega nizozemskega slikarstva je potekal v boju proti manirizmu in gibanju, ki je posnemalo italijansko klasično umetnost. Formalno izposojeno od italijanski umetniki, predstavniki teh smeri, so bile tehnike izjemno nenaravne za tradicijo nacionalnega nizozemskega slikarstva. Realistični trendi so se jasneje pokazali v vsakdanjem žanru in portretih med razvojem nizozemskega slikarstva, ki je obsegal 1609-1640.
Jakob van Ruisdael(1628-1682) je bil izjemen mojster krajinskega žanra (slikali so klasično nizozemsko pokrajino - puščavske sipine, znamenite mline na veter, kanalske čolne, drsalce in ne narave na splošno), umetnik brezmejne domišljije (»Slap«, » Gozdno močvirje", "Židovsko pokopališče"). Z marljivim skiciranjem narave Ruisdael hkrati dosega monumentalnost.
Mlin na veter v Wijk bei Dyrsted. 1670. Rijksmuseum. Amsterdam, Jacob van Ruisdael
Lahko se imenuje eden najbolj nadarjenih portretistov tega obdobja Frans Hals(ok. 1585-1666). Ustvaril je številne skupinske portrete, kot so podobe strelskih cehov (združenje častnikov za zaščito mest in obrambo). Meščani so želeli ujeti sami sebe, umetnik pa se je moral spomniti, da mora spoštovati vsak model. Na teh slikah je privlačen prikaz idealov mlade republike, tovarištva, enakopravnosti in občutka svobode. Ljudje, ki so prepričani vase in v jutri, polni energije gledajo na gledalca s platen (»Streltsy Guild of St. George«, »Streltsy Guild of St. Adrian«). Seveda so upodobljeni na prijateljski pogostitvi. Zahvaljujoč individualnemu slogu umetnika - širokemu, samozavestnemu, z bogatimi, svetlimi barvami (rdeča, rumena, modra itd.) - se iz teh posameznikov oblikuje umetniški dokument dobe.
Portret Stefana Geradsa, 1652, Kraljevi muzej, Antwerpen
V posameznih portretih z obrisi žanrske slike je veliko brezobzirne vneme, pritiska, nezadržne energije. To izgine v kasnejših portretih. Na primer, na portretu moškega iz Ermitaža je mogoče videti žalost in utrujenost junaka Halsa, kljub vsej njegovi impresivnosti in celo bahatosti. Te lastnosti so še poudarjene na drugem portretu (podoba moškega v klobuku s širokimi krajci). V tem poznem obdobju doseže Hals najvišjo stopnjo spretnosti, toni v njegovih delih postanejo monokromatski (običajno temna, črna oblačila, z belim ovratnikom in manšetami ter temno olivna barva ozadja). Kljub jedrnatosti slikovne palete ta temelji na izjemno subtilnih gradacijah.
Ustvarjanje Rembrandt van Rijn(1606-1669) je postal končni dosežek nizozemske umetnosti 17. stoletja in vrhunec njenega realizma.
Od: Artemenko Alena, -
V tem obdobju je na Nizozemskem potekala buržoazna revolucija. Privedla je do spremembe svetovnega nazora in družbene strukture. Zdaj so glavne stranke meščani. Vse večja je vloga kalvinizma, enega od protestantskih gibanj. Njegova posebnost je zavrnitev razkošnega dekoriranja cerkvenih notranjosti. Zato so verski predmeti postali nepriljubljeni. Na Nizozemskem so tako imenovani "trg umetnosti". Dela se naročajo in prodajajo. Uspeh umetnika je odvisen od števila prodanih slik.
Znotraj krajinskega žanra so bili še pododdelki: marinizem Ravninske krajine Nočne ali »lunarne« krajine V vsakdanjem žanru je posebej izstopal tudi interier (posvetni in cerkveni). Portrete smo razdelili na individualne in skupinske.
I. Porcellis. Morski vetrič Hermitage Little Dutchmen
Svet narave je za Jana van Goyena svet vsakdanjega življenja, to je naravno življenje travnikov in polj, vodnih prostranstev, očarljivih podeželskih razgledov. Posebej uspešen je bil umetnik pri upodabljanju motnih oblačnih dni, vlažnega, meglenega zraka, ki ovija obrise hiš in dreves. J. van Goyen. "Poletna pokrajina z reko"
Pieter de Hooch. Gospodarica in služkinja
G. Metsu. Glasbeni pouk e.
I. Stan. “Gostilniški vrt” Domači žanr. Prizori iz zasebnega življenja srednjega in malega meščana, mestne revščine in kmetov, veselice in zabava. Adrian van Ostade. "Soba v kmečki hiši"
Nizozemci so se vpisali v zgodovino svetovnega slikarstva kot neprekosljivi mojstri tihožitja (francosko: »mrtva narava«). Peter Claes. Zajtrk s šunko gospod Willem Heda. Tihožitje z zlatim kozarcem.
Peter Claes. Zajtrk g. Willem Heda. Zajtrk z robidovo pito G. Pieter Claes se je osredotočil na upodobitev predmetov, ki obdajajo človeka v resničnem, vsakdanjem življenju. Willem Heda je raje pisal »prekinjene zajtrke«, v katerih vse spominja na nedavno prisotnost človeka (zmečkan prt, pomešani servirni predmeti, komaj dotaknjena hrana).
F. Hulse. Portret mladeniča z rokavico.
Vermeer iz Delfta - »največji čarovnik in čarovnik slikarstva« Jan Wermeer (1632 – 1675) je bil za svojega življenja deležen tako visoke ocene. Kasneje, sredi 19. stoletja, so ga upravičeno začeli uvrščati med utemeljitelje plenerističnega (francosko plain air - open air) slikarstva, ki je reproduciral najmanjše spremembe v zračnem okolju, ki jih povzroča sončna svetloba in stanje ozračja. "ulica" Hrast Amsterdam "Pogled na Delft" Hrast Haag
Wermeer iz Delfta. Klekljarica gospoda
J. Wermer. "Dekle s pismom" ok g.
J. Wermer. "Dekle z bisernim uhanom." Slikanju je dostopno vse - zapovedi modrosti, razvade in dobrote, zavezništva in razdori. Pesnikov čopič ustvarja, razkriva našim očem To notranje bistvo, očem skrita, ki že od pradavnine živi naš svet in vse stvarstvo. Adrian van de Winne (pesnik-sodobnik J. Wermeerja)
»Resnica je najlepša in redka kakovost« - je postalo bistvo dela največjega nizozemskega umetnika Rembrandta Harmensza van Rijna (1606 – 1669). Svojim potomcem je zapustil ogromno umetniško dediščino: okoli 800 slik in del - dokaz najvišje veščine in umetniške resnice.
Zlata doba nizozemskega slikarstva je eno najvidnejših obdobij v zgodovini celotnega svetovnega slikarstva. Šteje se za zlato dobo nizozemskega slikarstva 17. stoletje. V tem času so najbolj nadarjeni umetniki in slikarji ustvarjali svoja nesmrtna dela. Njihove slike še danes veljajo za neprekosljive mojstrovine, ki jih hranijo znameniti muzeji po vsem svetu in veljajo za neprecenljivo dediščino človeštva.
Na začetku 17. stoletje Na Nizozemskem je še vedno cvetela precej primitivna umetnost, ki so jo opravičevali vsakdanji okusi in preference bogatih in močnih ljudi. Zaradi političnih, geopolitičnih in verskih sprememb se je nizozemska umetnost močno spremenila. Če so se pred tem umetniki poskušali podrediti nizozemskim meščanom, prikazovati njihovo življenje in način življenja, brez kakršnega koli vzvišenega in poetičnega jezika, delali pa so tudi za cerkev, ki je umetnikom naročila delo v precej primitivnem žanru z dolgotrajnimi temami. , nato je bil začetek 17. stoletja pravi prelom. Na Nizozemskem je vladala prevlada protestantov, ki so umetnikom praktično prenehali naročati slike na verske teme. Nizozemska se je osamosvojila od Španije in se uveljavila na zgodovinskem odru. Umetniki so od prej znanih tem prešli k slikam vsakdanji prizori, portreti, pokrajine, tihožitja itd. Tu, na novem področju, se zdi, da so umetniki zlate dobe dobili nov dih in na svetu so se začeli pojavljati pravi geniji umetnosti.
Nizozemski umetniki 17. stoletja so v modo uvedli realizem v slikarstvu. Osupljive v kompoziciji, realizmu, globini in nenavadnosti so slike začele uživati ogromen uspeh. Povpraševanje po slikah se je močno povečalo. Posledično se je začelo pojavljati vse več novih umetnikov, ki so z neverjetno hitrim tempom razvijali osnove slikarstva, razvijali nove tehnike, stile in žanre. Nekateri najbolj znani umetniki zlate dobe so bili: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel starejši, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck in mnogi drugi.
Slike nizozemskih slikarjev
Cornelis de Man - Manufaktura kitovega olja
Cornelis Trost - Zabava v parku
Ludolf Backhuizen - Pristanišče kampanje Vzhodne Indije v Amsterdamu
Pieter Bruegel starejši - Alkimistova katastrofa
XVII stoletje svetu pokazala dva umetniške šole- nizozemščina in flamščina. Oba sta bila dediča umetniške tradicije Nizozemske - evropske države, na ozemlju katere je bila takrat oblikovana katoliška Flandrija, poimenovana po najpomembnejši provinci (danes je to ozemlje Belgije in Francije). Druge province, ki so branile svojo zavezanost idejam reformacije, so se združile in postale znane kot Nizozemska republika ali preprosto Nizozemska. V 17. stoletju je bilo na Nizozemskem približno tri četrtine mestnega prebivalstva, srednji razred pa je veljal za glavni razred. Reformirana cerkev je opustila sijaj dekoracije, ni bilo kronanih kupcev in ne rodbinske aristokracije, kar pomeni, da so predstavniki meščanstva postali glavni porabniki umetnosti. Slikarstvu namenjen prostor je bil omejen na meščanske hiše in javne zgradbe.
Velikosti slik praviloma niso bile velike (v primerjavi s slikami palač ali oltarnimi kompozicijami za cerkve), motivi pa so bili intimne narave in so prikazovali prizore zasebnega, vsakdanjega življenja. Glavni dosežek nizozemske umetnosti 17. stoletja. - v štafelajnem slikarstvu. Človek in narava sta bila predmet opazovanja in upodabljanja nizozemskih umetnikov. Trdo delo, marljivost, ljubezen do reda in čistoče se odražajo na slikah, ki prikazujejo nizozemsko življenje. Zato so nizozemske mojstre 17. stoletja (z izjemo Rembrandta in Halsa) imenovali "mali Nizozemec" (širok krog nizozemskih slikarjev 17. stol. nastala v povezavi z intimnostjo njihovega dela in majhnostjo njihovih slik (krajina, interier, vsakdanji motivi). Za malo nizozemsko slikarstvo so značilni tenkočutnost pisave, izraznost drobnih detajlov, lepota svetlobe in barvnih odtenkov, splošen občutek ugodja, intimnost in enotnost likov v krajinskem ali notranjem okolju. Med najvidnejšimi predstavniki so Jan Wermeer, brata Ostade (Adrian van O. in Izak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu).
Večina umetnikov je motive za svoje slike našla v domovini, pri čemer so upoštevali Rembrandtov nasvet: »Naučite se predvsem slediti bogati naravi in upodabljati predvsem to, kar v njej najdete. Nebo, zemlja, morje, živali, dobri in zli ljudje - vse nam služi za vadbo. Ravnine, hribi, potoki in drevesa ponujajo umetniku veliko dela. Mesta, trgi, cerkve in na tisoče naravnih virov nas kličejo in pravijo: pridite, žejni znanja, kontemplirajte nas in nas razmnožujte.« Produktivnost umetnikov je dosegla neverjetne razsežnosti, posledično se je pojavila konkurenca med slikarji, kar je posledično vodilo v specializacijo mojstrov. In morda je prav zaradi tega prišlo do najrazličnejših žanrskih diferenciacij. Pojavili so se umetniki, ki so delali le v žanru morskih krajin ali mestnih vedut ali upodabljali notranjost prostorov (sob, templjev). V zgodovini slikarstva so bili primeri tihožitij in krajin, vendar še nikoli prej ti žanri niso dosegli tako široke priljubljenosti in samozadostnosti kot na Nizozemskem v 17. stoletju.
Nizozemci so želeli na slikah videti ves raznolik svet. Od tod širok razpon slikarstva tega stoletja, "ozka specializacija" v določenih vrstah tem: portret in pokrajina, tihožitje in živalski žanr. Na Nizozemskem ni bilo povezav z Italijo in klasična umetnost ni imela enake vloge kot v Flandriji. Obvladovanje realističnih teženj, razvoj določenega obsega tem in delitev žanrov kot en sam proces so se zaključili do 20. let 17. stoletja.
Zgodovina nizozemskega slikarstva 17. stoletja. odlično prikazuje razvoj dela enega največjih nizozemskih portretistov Frans Hals(1580-1666) Njegova dejavnost je skoraj v celoti potekala v Harlemu. Tu se je okoli leta 1616 izkazal kot najpomembnejši portretist in svojo vlogo na tem področju obdržal do konca svojega življenja. S pojavom Halsa dozori strogo realističen in izrazito individualen nizozemski portret. Vse plašno, malenkostno, naturalistično, kar je odlikovalo njegove predhodnike, je premagano.
Začetna faza umetnosti Khalsa ni jasna. Takoj opazimo mojstra, ki rešuje najtežji problem skupinskega portreta. Eno za drugo slika slike, ki prikazujejo strelce korporacije St. Adrijana in sv. George (Harlem, muzej Fransa Halsa), kjer se z neponovljivo lahkoto podata tako živahnost množičnega srečanja kot svetlost tipov vsakega od prisotnih. Slikarska spretnost in kompozicijska iznajdljivost sklopov gresta v teh portretih z roko v roki z izjemno ostrino karakterizacije. Hals ni psiholog: mentalno življenje njegovih modelov gre običajno mimo njega. In piše večinoma o ljudeh, katerih vse življenje poteka v pogojih intenzivne, aktivne dejavnosti, vendar se ne poglabljajo preveč v vprašanja psihološke narave. A Hals kot nihče drug ujame videz teh ljudi, zna ujeti tisto najbolj minljivo, a hkrati najbolj značilno v izrazu obraza, drži in kretnjah. Vesele narave si prizadeva ujeti vsako podobo v trenutku živahnosti, veselja in nihče ne prenaša smeha s tako subtilnostjo in raznolikostjo kot on. Portret častnika (1624, London, zbirka Wallace), zibanje na stolu "Geitheusen" (pozne 1630, Bruselj, umetnostna galerija), "Cigan" (pozne 1620, Louvre), ali t.i. "Čarovnica iz Harlema" - "Malle Bobbe"(Berlin) lahko navedemo kot tipične primere njegove ostre in pogosto igrive umetnosti. Moške, ženske in otroke upodablja z enakim občutkom žive podobe (» Portret mladeniča z rokavico", OK. 1650, Ermitaž). K vtisu živahnosti prispeva tudi sama tehnika Khalsa, ki je nenavadno svobodna in se z leti širi v svojo širino. Dekorativna barvitost zgodnjih del je naknadno umirjena, barvitost postane srebrnkasta, svoboda uporabe črno-belih tonov govori o mojstrstvu, ki si lahko privošči najdrznejšo slikarsko drznost.
V portretih poznega obdobja (50-60-a) izginejo brezskrbna hrabrost, energija in pritisk. V ermitaškem portretu moškega je kljub impresivnosti figure mogoče zaslediti utrujenost in žalost. Te lastnosti so še poudarjene v briljantno naslikanem portretu moškega s širokokrajnim klobukom (muzej v Kasslu). Hals v teh letih preneha biti priljubljen, ker nikoli ne laska in se izkaže, da je tuj degeneriranim okusom bogatih strank, ki so izgubile svoj demokratični duh. Toda prav v poznem obdobju ustvarjalnosti je Hals dosegel vrhunec mojstrstva in ustvaril najgloblje delo. V nekaterih delih so začrtane impresionistične tehnike barvnih rešitev. Hals je do zadnjih let svojega življenja naslikal nešteto individualnih portretov, a se je spet vrnil k skupinskim portretom. Naslika 2 portreta regentov in regentov doma za ostarele, v enem izmed njih je ob koncu življenja našel zavetje tudi sam. V portretu regentov ni čutiti duha tovarištva prejšnjih kompozicij, modeli so razklani, nemočni, imajo tope poglede, na njihovih obrazih je zapisano opustošenje. Posebno napetost v mračno barvno shemo (črna, siva in bela) doda rožnato rdeča lisa na kolenu enega od regentov. Bolan, osamljen in obubožan umetnik torej v svojem 9. desetletju ustvarja svoja najbolj dramatična in najbolj izvrstna umetniška dela.
Halsova umetnost je imela velik pomen za svoj čas, vplivala je na razvoj ne le portretov, temveč tudi vsakdanjih žanrov, krajin in tihožitij.
Krajinski žanr Nizozemska 17. stoletje še posebej zanimivo. To ni narava na splošno, neka splošna slika vesolja, ampak nacionalna, specifično nizozemska pokrajina, ki jo prepoznamo v sodobni Nizozemski: slavni mlini na veter, puščavske sipine. Sivo nebo zavzema veliko mesto v kompozicijah. Tako je prikazana Nizozemska Jan Van Goyen (1596-1656) in Salomon Van Ruisdael (1600-1670).
Zora krajinskega slikarstva v nizozemski šoli sega v sredino. 17. stoletje Največji mojster realistične krajine je bil Jacob van Ruisdael (1628-1682), umetnik neusahljive domišljije. Njegova dela so običajno polna globoke drame, pa naj gre za gozdno goščavo (»Gozdno močvirje«), krajine s slapovi (»Slap«) ali romantično pokrajino s pokopališčem (»Judovsko pokopališče«). Ruisdaelova narava se kaže v dinamiki, v večnem obnavljanju. Tudi najbolj zapleteni motivi narave dobijo pod umetnikovim čopičem monumentalen značaj. Ruisdael se nagiba k kombinaciji skrbnega upodabljanja z veliko vitalno celovitostjo, s sintetično podobo.
Rodil se je v Haarlemu leta 1628 ali 1629. Njegovo prvo ohranjeno delo iz leta 1646 je videti kot delo zrelega mojstra – takrat je bil star komaj 18 let. S popolno gotovostjo lahko rečemo, da je leta 1648 Ruisdael postal član ceha umetnikov Haarlema.
V svoji mladosti je Ruisdael precej potoval v iskanju narave - vendar ni zapustil več kot sto milj od svojega rodnega Haarlema. Sredi 1650-ih se je umetnik preselil iz Haarlema v Amsterdam, kjer je živel do konca svojih dni.
Metropolitanski Amsterdam v času Ruisdaela se je osupljivo razlikoval od provincialnega Haarlema (čeprav je bila razdalja med tema mestoma že takrat premagana v dveh urah). Ruisdael svojih slik ni slikal po zasebnih naročilih, ampak za prosto prodajo. Okoli leta 1670 se je preselil v samo središče mesta, na trg Dam, kjer je najel stanovanje neposredno nad trgovino Hieronymusa Sweertsa, trgovca s slikami in knjigami. .
Meindert Hobbema(1638, Amsterdam, - 7. december 1709) - najpomembnejši mojster nizozemske krajine po svojem mentorju Jacobu van Ruisdaelu.
Znano je, da sta Hobbema in Ruisdael skupaj potovala in delala skice iz narave. Novembra 1668 se je Hobbema poročil s kuharico amsterdamskega burgomastra in preko nje prejel službo nadzornika kakovosti uvoženih vin. Dolgo časa je veljalo, da je s tem konec njegovega slikarskega delovanja.
Morda je moral slikanju posvečati manj časa kot prej, a njegovo najboljše delo, The Alley at Middelharnis, je iz leta 1689, druga londonska slika, The Ruins of Brederode Castle, pa iz leta 1671. Ta pozna dela sodijo med najuspešnejše dosežke nizozemskega krajinskega slikarstva in v bistvu vlečejo črto v njegovem razvoju.
Umetnik je umrl v revščini, a že v 18. stoletju so ga začeli veliko posnemati, njegova dela pa so postala predmet rivalstva med zbiratelji. Za razliko od Ruisdaela, ki je raje ujel divjo naravo, so Hobbema pritegnili tihi podeželski prizori s pogledom na s soncem obsijane vasi, ki jih tu in tam popestrijo visoke skupine dreves. V teh podeželskih idilah je vse naslikano zelo skrbno, predvsem pa listje.
V tesni povezavi z nizozemsko pokrajino je živalski žanr. Mnogi predstavniki krajinskega slikarstva se zanimajo za upodobitev živali. Slednji se zelo pogosto izkažejo za enakovredne povsem krajinskim elementom, včasih pa jim krajina služi le kot ozadje. Sposobnost prepoznavanja pasme živali, njene strukture, barve in značilnih gibov je ena od presenetljivih lastnosti Nizozemcev. Tankočutnost podajanja atmosfere in svetlobe v kombinaciji s to veščino pri nekaterih živalskih slikarjih doseže izjemno popolnost. To dokazujejo številna dela Paulus Potter(1625-1654) in Albert Cuyp(1620-1691). Oba sta poleg slik, ki prikazujejo živali, ki se pasejo ali počivajo na prostem (»Kmetija« Potterja, Hermitage, 1649), slikala tudi njihove posamezne kopije v bližnjem planu. Potter poleg dolgih posnetkov rad upodablja eno ali več živali od blizu na ozadju pokrajine ("Pes na verigi"). Capeov najljubši motiv so krave na napajališču (»Sončni zahod na reki«, »Krave na bregu potoka«). Slika "Pokrajina s čredo, jezdecem in kmeti."
Mirno podeželsko prizorišče se kopa v zlatem sijaju sončnega zahoda. Topla svetloba prežema vse podrobnosti kompozicije in ustvarja žareč učinek. Zaradi tega se barva Cape presenetljivo razlikuje od hladnih modrih in zelenih njegovih sodobnikov, kot je npr. Meindert Hobbema. Navidezna naključnost razporeditve živali je v resnici skrbno premišljena, da bi prikazali igro svetlobe in sence.
Rt ima tudi eno vodilnih mest med čistimi pokrajinami. Njegove slike odlikuje izjemna veščina podajanja zlatega, sončna svetloba, so motivsko izjemno raznoliki in vključujejo številne marine (morske vrste).
Samo morska pokrajina (Marina) je študirala Ian Porcellis(1584-1632). Marina je imela zelo pomembno vlogo v umetnosti Nizozemske 17. stoletja in je spodbudila številne prvorazredne strokovnjake. Splošni potek razvoja marine se zdi enak tistemu, ki ga na splošno opazimo v zgodovini nizozemske pokrajine. V zgodnji fazi so sestavki preprosti. Umetnik vidi svoj cilj dosežen, če z največjo verodostojnostjo prenese morsko širino, ladje, ki se zibljejo na njem, in vodo samo. Tako piše Jan Porcellis. V naslednji generaciji se narava prenosa morskih vrst spremeni v smeri večje dinamike. Resda še vedno nastajajo slike, ki prikazujejo mirnost vodnega elementa, a to ni več dovolj; nevihte začnejo ladje metati na skale, velikanski valovi jim grozijo s smrtjo in mornarje ženejo, da se zatečejo v pristanišče. V obeh primerih za Backhuisena (1631-1709) ni težav. Njegov čopič z enako virtuoznostjo prenaša nebo brez oblačka, ciklone, pljuske, skale in sledi razbitin.
Tihožitje doseže sijajen razvoj. Nizozemsko tihožitje je za razliko od flamskega tihožitja slika intimne narave, skromna po velikosti in motivih. Peter Klass (1597-1661), Willem Heda(1594-1680) je največkrat upodabljal t.i. zajtrki: jedi s šunko ali pito na razmeroma skromno postreženi mizi. V spretni postavitvi so predmeti prikazani tako, da je mogoče občutiti notranje življenje stvari (nizozemci so tihožitje imenovali "still leven" - "tiho življenje" in ne "nature morte" - "mrtva narava"). Barva je zadržana in prefinjena (Heda "Zajtrk z jastogom", 1658; Razred "Tihožitje s svečami", 1627)
Willem Heda je delal v Haarlemu in nanj je vplival Pieter Claes. Skromna tihožitja glave - "zajtrki", ki so običajno upodabljali majhen nabor gospodinjskih predmetov in obrokov, so značilna subtilna spretnost pri prenašanju teksture stvari, zadržana srebrno-zelena ali srebrno-rjava barva ("Zajtrk z robidovo pito" , 1631, Galerija slik, Dresden; "Šunko in srebrnina«, 1649, Državni muzej lepih umetnosti, Moskva).
S spremembo v življenju nizozemske skupnosti v 2. pol. 17. stoletja, s postopnim povečevanjem želje meščanstva po aristokraciji in z izgubo nekdanje demokracije, se spreminja tudi značaj tihožitij. Khedine "zajtrke" zamenjajo razkošne "sladice" Willem Kalf (1619-1693). Preproste pripomočke zamenjajo marmorne mize, preproge, srebrni čaši, posode iz bisernih školjk in kristalni kozarci. Kalf dosega neverjetno virtuoznost pri podajanju teksture breskev, grozdja in kristalnih površin. Enoten ton tihožitij prejšnjega obdobja nadomesti bogata gradacija najizvrstnejših pisanih odtenkov.
nizozemski slikar. V letih 1640-1645 je delal v Franciji, od 1653 - v Amsterdamu. Pozneje je Willem Kalf živel in delal predvsem v Amsterdamu. globoko, bogate barve Ta slikar tihožitij je svoje slike morda dolgoval vplivu dela svojega sodobnika Johannesa Vermeerja. Kalf, eden največjih mojstrov nizozemske šole tihožitja, je slikal tako skromne slike, ki temeljijo na revnih kuhinjah in dvoriščih (»Dvorišče kmečke hiše«, Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg) kot spektakularne kompozicije z dragocenimi pripomočki in eksotiko. južno sadje (»Zajtrk«, Rijksmuseum, Amsterdam; »Tihožitje«, Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg). Kalfova virtuoznost tihožitja se je kazala v klasični natančnosti prostorskih konstrukcij, pretanjenem občutku za izvirnost in notranjo vrednost vsake stvari, prefinjenosti in bogastvu svetlobnih in senčnih ter barvnih razmerij ter učinkovitosti kontrastnega primerjanja različne teksture in materiali.
"Tihožitje z jastogom, vinskim rogom in kozarci." Zbirka eksotičnih in luksuznih predmetov, položenih na mizo, je naslikana z briljantno izdelavo in globokim občutkom za barve. Jastog, vinski rog s bleščečim srebrnim filigranskim robom, prozorni kozarci, limona in turška preproga so uslikani s tako neverjetno skrbnostjo, da se zdi, da so resnični in da se jih je mogoče dotakniti z roko. Postavitev vsakega predmeta je izbrana tako skrbno, da skupina kot celota tvori harmonijo barve, oblike in teksture. Topla svetloba, ki obdaja predmete, jim daje dostojanstvo dragocenega nakita, njihova redkost, sijaj in muhavost pa odsevajo prefinjen okus nizozemskih zbirateljev v 17. stoletju, v času, ko so bila tihožitja izjemno priljubljena.
Nizozemsko tihožitje- ena od umetniških izvedb najpomembnejše teme nizozemske umetnosti - teme zasebnega življenja običajnega človeka. Ta tema je v celoti utelešena v žanrskem filmu. V 20.-30. 17. stoletje Nizozemci so ustvarili posebno vrsto male male figure. 40-60 let - razcvet slikarstva, ki poveličuje umirjeno nizozemsko meščansko življenje, odmerjen vsakdanjik. Tudi v Halsovem krogu, kjer se je oblikoval tudi flamski slikar Adrian Brouwer, se je oblikovalo izrazito zanimanje za teme iz kmečkega življenja. Adrian van Ostade(1610-1685) - je bil po svojih slikovnih odlikah največji pri prikazovanju kmečkega življenja. Običajno upodablja njene senčne plati (»Borba«). Tako kot drugi njeni predstavniki se svojih tem navadno loteva povsem v duhu ideologije vladajočega razreda in bodisi idealizira realnost ali pa v kmetih vidi le smešna bitja, katerih morala vzbuja smeh in šale. (»V vaški krčmi« 1660).
V poznejšem obdobju je njegova umetnost dobila značilnosti liričnosti, prejšnje motive pa so nadomestile podobe mirne sprostitve na pragu koče ali na dvorišču vaške gostilne, pa tudi interierji s prizori tihega družinskega udobja (» Vaški koncert«, 1655, Hermitage). Poleg takšnih malofiguralnih slik je Ostade pogosto slikal strogo realistične polfigure predstavnikov raznih obrti v večjem tlorisu. Njegov "Slikar v ateljeju" (1663) upravičeno velja za Ostadejevo slikarsko mojstrovino, v kateri umetnik poveličuje človeško delo, ne da bi se zatekel k deklaraciji ali patosu.
Toda glavna tema "malih Nizozemcev" še vedno ni bilo kmečko življenje, ampak meščansko življenje. Običajno so to slike brez fascinantnega zapleta. V filmih tega žanra se zdi, da se nič ne zgodi. Ženska bere pismo, gospod in gospa igrata glasbo. Ali pa sta se šele srečala in se porodi njun prvi občutek, ki pa je le začrtan, gledalcu je dana pravica do lastnega ugibanja. Najzabavnejši pripovedovalec v tovrstnih filmih je bil Ian Stan(1626-1679). Za Stana, za razliko od večine njegovih sodobnikov, zaplet ni ravnodušen. V svojih slikah namenja pomembno vlogo pripovedni prvini in rad upodablja različne zabavne prizore iz malomeščanskega vsakdana. V njih mojster razkriva ostro opazovanje, primerno opisuje tipe in pripoveduje epizode, ki jih je izbral, s subtilnim, veselim humorjem. O njem govori slika »Bolna žena in zdravnik« (ok. 1660, Ermitaž). IN pozno obdobje Med Stanovim delovanjem te poteze izgubijo svojo ostrino in v skladu s splošnim trendom stopi na pot umetnosti, bolj elegantno in posvečeno problemom zgolj vizualnega dojemanja realnega sveta.
Dosegel veliko mojstrstvo Gerard Terborch(1617-1681). Začel je z najbolj demokratičnimi temami (»The Grinders«). Odlikoval se je z izjemno veščino upodabljanja svile in satena, prosojnosti steklenih kozarcev in površine katere koli stvari. Za Terborchove figure je zelo pogosto značilen določen aristokratski videz, kar je razloženo z izbiro modelov med plemstvom. Za prefinjenost Terborchove umetnosti je v veliki meri zaslužna njena barvitost, v kateri prevladujejo izvrstni srebrnasti toni. Med umetnikovimi najboljšimi slikami sta "Kozarec limonade" (Ermitaž) in "Koncert" (Berlin, Dahlem).
Notranjost postane med majhnimi Nizozemci še posebej poetična. Življenje Nizozemcev je potekalo predvsem v hiši. Pravi pevec te teme je bil Pieter de Hooch(1629-1689). Iluzornost prenosa stvari se pri tem mojstru umakne v ozadje, zanimanje pa se osredotoči na razvoj prostorskih odnosov, zlasti na upodabljanje notranjosti, pa tudi dvorišč in ulic, ki se odpirajo za njimi (»Gospodarica z služkinja«, puščavnik, ok. 1660). njegove sobe z napol odprtim oknom z naključno odvrženimi čevlji ali zapuščeno metlo so običajno upodobljene brez človeške figure, vendar je človek tu nevidno prisoten, vedno obstaja povezava med notranjostjo in ljudmi. Ko upodablja ljudi, namenoma poudarja zamrznjen ritem, življenje prikazuje kot zamrznjeno, negibno kot stvari same (»Dvorišče«).
Počasen ritem življenja, natančnost vsakodnevne rutine in nekaj monotonije bivanja odlično prenaša Gabriel Metsu(1629-1667; "Zajtrk"). V splošnem značaju njegovih žanrskih podob je blizu Terborchu, vendar je svetlejši v barvah.
Nova stopnja žanrskega slikarstva se začne v 50. letih in je povezana s t.i. Šola Delft, z imeni umetnikov, kot so Karel Fabricius, Emmanuel de Witte in Jan Wermeer(1632-1675), v umetnostni zgodovini znan kot Wermeer iz Delfta (vzdevek po kraju njegovega delovanja). Umetnost Wermeerja iz Delfta sodi v pozni razvoj Nizozemske. Generacija junaških, a surovih osamosvojiteljev in treznih poslovnežev - organizatorjev kapitalističnega gospodarstva - je že pripadala preteklosti. Njihovi vnuki so vstopili v zgodovinsko areno in lahko varno uživali pridobljene koristi. V teh razmerah se oblikuje živa, radostna umetnost. zadnja stopnja vzpon republike Nizozemske.
Temu obdobju pripada zrela, duševna in hkrati jasna in preprosta, kljub vsej zahtevnosti tehnologije, umetnost Wermeerja iz Delfta. Avtentična dela Vermeerjev je malo, le redki muzeji imajo majhne in vedno dragocene slike delftskega mojstra. Vermeerjeva tematika je bolj ali manj tradicionalna; mladenke, ki berejo pismo, vezejo v družbi gospoda, slikarja pred štafelajem, dekleta, ki preprosto sanja ob oknu (»Dekle s pismom«, Dresden; »Kavalir in gospa pri Spinetu, ” itd.) - z eno besedo, vse, kar je bilo upodobljeno več kot enkrat nizozemski slikarji. Glede tematike v ožjem pomenu besede Vermeer nima nič izvirnega. Le v redkih primerih se obrne na zabavne teme in v skladbo vnese element akcije (»Pri zvodniku«, 1656, Dresden). Vendar pa imajo vse njegove slike popolnoma individualen značaj. V vseh likih, ki jih upodablja, je nekakšna lahkotna in svetla poezija, ob tej poeziji in mehkobi pa vsa njegova dela zaznamuje poseben občutek stroge preprostosti, nekaj resnično klasičnega.
Vermeer je nedvomno eden največjih koloristov v zgodovini Zahodnoevropska umetnost. Ne le njegov subtilen okus pri izbiri barv, ampak tudi njegova sposobnost iskanja njihovega medsebojnega razmerja uvršča Vermeerja med najbolj prefinjene mojstre barve. Z največjim občutkom za mero in taktnost združuje limonino rumeno, modro, vijolično različnih odtenkov, škrlatno in bledozeleno barvo v eno zvenečo tonsko paleto. Prav v delu Wermeerja iz Delfta je tradicionalni problem svetlobe v nizozemski umetnosti dobil najbolj popolno rešitev. Prelivajoča se biserna svetloba je ena najbolj značilnih značilnosti slik delftskega mojstra. Prav tako ni dvoma, da je bil Wermeer iz Delfta eden najnaprednejših tehnikov svojega časa. Njegovih nekaj slik je naslikanih v bogatih in raznolikih teksturah. Njegov način nanašanja barve, ki je vnaprej določil kasnejšo tehniko impresionistov, je Vermeerju samemu omogočil upodabljanje svetlobnih objektov v vsej njihovi slikovni konkretnosti. Svetloba na Vermeerjevih slikah ni le prozoren medij, temveč zrak, bogat s subtilnimi prehodi srebrnih tonov.
Vermeer je naredil nekaj, česar v 17. stoletju ni nihče: slikal je pokrajine iz življenja (»Ulica«, »Pogled na Delft«). Lahko jih imenujemo prvi primeri plenerističnega slikarstva. Vermeerjeva zrela, klasična v svoji preprostosti umetnost je bila velikega pomena za prihodnja obdobja.
Vrhunec nizozemskega realizma, rezultat slikarskih dosežkov nizozemske kulture 17. stoletja. je delo Rembrandta. Toda pomen R., tako kot vsakega briljantnega umetnika, presega meje le nizozemske umetnosti in nizozemske šole. Rembrandt, ki je zasedal osrednje mesto v nizozemski šoli v času njenega vrhunca, še vedno izstopa med številnimi umetniki svoje domovine. Širina razpona Rembrandtovega umetniškega zanimanja in globok psihologizem njegovega dela sta jim ostala tuja.
Harmens van Rijn Rembrandt je bil rojen leta 1606 v Leidnu in je bil sin bogatega lastnika mlina. Zgodaj je odkril privlačnost do slikarstva in se po krajšem bivanju na Univerzi v Leidnu povsem posvetil umetnosti. Po koncu običajnega triletnega študija pri nepomembnem lokalnem umetniku Jacobu Swannenburchu je Rembrandt odšel na izpopolnjevanje v Amsterdam, kjer je postal Lastmanov študent. Lastman, spreten obrtnik, ki je študiral v Italiji, je Rembrandtu predstavil učinek chiaroscura, ki se uporablja za prenos glasnosti in razkrivanje dramatike dejanja. Ta tehnika bo postala osrednja v umetnikovem delu. Rembrandt je naslednja leta delal v Leidnu in si pridobil sloves mojstra svetopisemskih in mitoloških prizorov. Zato se običajno imenujejo leta 1625-1632. leidensko obdobje njegovega dela.
Leta 1632 se je preselil v Amsterdam, kjer je takoj zaslovel s pisanjem "Anatomske lekcije dr. Tulpa." 30. leta so bila čas največje slave, pot v CT je slikarju odprla slika, ki velja za skupinski portret in nosi tudi ime »Učna ura anatomije«. Na tem platnu ljudi združuje njihovo delovanje, vsi so predstavljeni v naravnih pozah, njihovo pozornost pritegne glavni lik - doktor Tulpa, ki prikazuje strukturo mišic trupla. Živi pri trgovcu z umetninami Hendrikom van Uylenborchom, ki mu je pokrovitelj, ureja naročila za portrete, kar ustvarja mlademu umetniku sloves modnega, uspešnega mojstra. Leta 1634 se je Rembrandt uspešno poročil z nečakinjo Hendrika Saskie in do leta 1639 skupaj z ženo pridobil veličastno hišo v prestolnici. Do začetka 1640. ima velik uspeh pri strankah, to je čas njegove osebne blaginje. IN znana mojstrovina tega obdobja - "Avtoportret s Saskijo na kolenih" (okoli 1635, Umetnostna galerija, Dresden) Rembrandt se je upodobil s svojo mlado ženo za praznično mizo. Nežni bleski zlatih tonov in tokovi svetlobe, ki prebijajo sliko, izražajo veselo razpoloženje mladega in uspešnega umetnika in njegove žene, polne upanja in sanj.
Vse to obdobje je zavito v romantiko. Slikar si tako rekoč v svojem delu posebej prizadeva za odmik od dolgočasnega meščanskega vsakdana. Sebe in Saskio slika v razkošnih oblekah, v fantastičnih oblekah in pokrivalih, ustvarja spektakularne kompozicije, v vsem, v pozah, v gibih, prevladuje običajna stvar - veselje do bivanja. (Saskia kot Flora). Jezik baroka je najbližji izrazu tega vznesenega razpoloženja. Na Rembrandta v tem obdobju je močno vplival italijanski barok.
Liki na sliki »Abrahamova žrtev« (1635) se pred nami pojavljajo iz zapletenih zornih kotov. Slika zasleduje stanje duha Abrahama, ki ob nenadnem pojavu angela ni imel časa občutiti niti veselja, da se je znebil strašne žrtve, niti hvaležnosti, ampak za zdaj čuti le utrujenost in zmedenost.
Rembrandt je vedno plačal velika pozornost jedkanice (gravure) in risbe ter kmalu postal največji mojster grafične tehnologije v Evropi. Portrete in krajine, vsakdanje in religiozne prizore, ki jih je izvajal v tehniki jedkanice, so odlikovali novost likovnih tehnik, globok psihologizem podob, bogastvo svetlobe, ekspresivnost in lakonizem linij. Do nas je prišlo približno dva tisoč Rembrandtovih risb. Med njimi so pripravljalne skice, skice za slike, skice prizorov iz vsakdanjega življenja in zamisli, rojene v njegovi domišljiji.
Na prelomu zgodnjega obdobja njegove ustvarjalnosti se pojavi ena njegovih najbolj znanih slik "Nočna straža" - skupinski portret strelskega ceha. A skupinski porter je formalno ime dela, ki izhaja iz želja strank. V "Nočni straži" Rembrandt ubere nov pristop k žanru skupinskih portretov, ki je tradicionalen za nizozemsko umetnost. Slika (1642, Rijks Museum, Amsterdam) je skupinski portret članov strelskega ceha kapitana Banninga Cocka in jo umetnik upodablja kot resnični prizor na ulici. Rembrandt je opustil takrat sprejeto statično razporeditev vseh udeležencev in ustvaril prizor, poln gibanja. Kontrasti svetlobe in sence, čustvenost slike izražajo vznemirljivost dogodka. Slika ima zgodovinski značaj, pripoveduje o pogumnih ljudeh, ki so pripravljeni z orožjem v roki braniti svobodo in nacionalno neodvisnost svoje domovine. Kupci niso razumeli umetnikovih namenov in od te slike se bo konflikt s prevladujočim okoljem stopnjeval, vendar ne bo zmanjšal mojstrove energije, Rembrandt pa bo še naprej ustvarjal realistična platna, izjemna po svojem čustvenem vplivu. Impresivna, nedvomno nekoliko teatralna svobodna kompozicija, kot že omenjeno, ni bila namenjena predstavitvi vsakega od naročnikov. Številne obraze je preprosto težko "prebrati" v ostrem chiaroscuru, v kontrastih gostih senc in močne sončne svetlobe, ko se iz kamere pojavi četa (v 19. stoletju je slika postala tako temna, da je veljala za upodobitev nočni prizor, od tod tudi napačno ime, ki ga meče lik kapitana na svetla oblačila poročnika, dokazuje, da ni noč, ampak dan). Pojav tujcev v tem prizoru, zlasti deklice v zlato rumeni obleki, se je gledalcu zdel nerazumljiv in absurden. Vse tukaj je povzročilo zmedo in razdraženost javnosti in lahko rečemo, da se s to sliko začne konflikt med umetnikom in družbo. S smrtjo Saskie istega leta je prišlo do naravnega preloma Rembrandta z njemu tujimi meščanskimi krogi.
Z leti se je Rembrandtovo realistično mojstrstvo poglobilo. Opušča nepotrebne detajle in dekorativne učinke v korist večje globine in čustvene intenzivnosti likovne podobe. Komorni portret začne zavzemati zelo pomembno mesto v umetnikovem delu. Rembrandt razkriva duhovno življenje človeka, kot da traja v času in prostoru. To so neke vrste portreti-biografije. Takšni so na primer »Portret stare dame«, »Hendrickje na oknu«, »Titus bere«, portreti umetnikovih prijateljev N. Breuninga, J. Sixa, številni avtoportreti (več kot sto v olju). in oglje).
40-50 let – to je čas ustvarjalne zrelosti. To je čas oblikovanja njegovega ustvarjalnega sistema, iz katerega bo marsikaj postalo preteklost in bodo pridobljene nove, neprecenljive kvalitete. V tem obdobju se pogosto obrača na prejšnja dela, da bi jih predelal na nov način. Tako je bilo z "Danae", ki ga je naslikal leta 1636. Ko se je v 40. letih obrnil na sliko, je umetnik okrepil svoje čustveno stanje. Preoblikoval je osrednji del z junakinjo in služkinjo. Z novo potezo dvignjene roke Danae ji je prenesel veliko navdušenje, izraz veselja, upanja, privlačnosti. Svetloba ima veliko vlogo: zdi se, da svetlobni tok obdaja figuro Danae, vsa žari od ljubezni in sreče, to svetlobo dojemamo kot izraz človeškega čustva.
V zgodnjih 50-ih je umetnik ustvaril eno mojstrovino za drugo. To je že šlo iz mode, vendar bogate stranke niso bile prenesene.
V teh letih za interpretacijo izbira najbolj lirične, poetične vidike človeškega bivanja, tistega, kar je človeško, večno in vsečloveško: materinska ljubezen, sočutje. Največji material zanj daje Sveto pismo in iz njega prizori iz življenja svete družine. Religiozna po temi, vendar čisto žanrska po interpretaciji ploskve, je puščavniška slika "Sveta družina" (1645) izjemno značilna za ta čas.
Poleg svetopisemskih žanrskih kompozicij je to obdobje za Rembrandta polno nove vrste upodobitve resničnosti - pokrajine. V nekaterih primerih se pokloni svojim romantičnim željam in ob tem ustvari slike neokrašene nizozemske vasi, ki navdušijo s svojim strogim realističnim pristopom. Mali "Zimski pogled" (1646, Kassel), ki prikazuje kmečko dvorišče in več figur na površini zamrznjenega kanala v luči jasnega zmrznjenega dne, v smislu subtilnosti občutkov in resničnosti vizualne percepcije služi kot eno najpopolnejših primerov realistične nizozemske pokrajine.
Kljub obsežnosti in umetniška vrednost nastala v tem obdobju, se je Rembrandtov finančni položaj do sredine 1650-ih izkazal za izjemno težkega. Zaradi upada števila naročil, težke prodaje slik, predvsem pa mojstrove malomarnosti pri vodenju svojih poslov, je Rembrandt doživljal velike finančne težave. Dolg, povezan s pridobitvijo drage hiše v času Saskiinega življenja, je grozil s popolnim propadom. Poskusi, da bi se razdolžili, so lahko le odložili katastrofo, a je vseeno izbruhnila. Poleti 1656 je bil Rembrandt razglašen za insolventnega in vse njegovo premoženje je bilo prodano na dražbi. Ker je bil prikrajšan za svoje običajno zatočišče, se je bil prisiljen z družino preseliti v revno judovsko četrt trgovske prestolnice in tukaj so njegovi zadnji dnevi minili v hudem pomanjkanju.
Te stiske, pa tudi nesreče, ki so kasneje doletele Rembrandta - Hendrikova smrt, smrt njegovega edinega sina Tita - niso bile močne, da bi ustavile nadaljnjo rast njegovega genija.
Konec 1650-ih in 1660-ih so najbolj tragična leta R.-jevega življenja, vendar so polna Rembrandtove ogromne ustvarjalne dejavnosti. Predstavlja tako rekoč sintezo vseh njegovih dosedanjih psiholoških in slikarskih iskanj. Na teh slikah je vse očiščeno minljivega in naključnega. Podrobnosti so čim manjše, kretnje, drže in nagib glave so skrbno premišljeni in smiselni. Figure so povečane, bližje sprednji ravnini platna. Tudi majhna dela teh let ustvarjajo vtis izjemne veličine in prave monumentalnosti. Glavni izrazni sredstvi sta svetloba in črte. Za pokojnega R. bi bilo pravilneje reči, da je njegova barva »svetleča«, saj sta na njegovih platnih svetloba in barva eno, njegove barve se zdi, da oddajajo svetlobo. Ta kompleksna interakcija barve in svetlobe ni sama sebi namen, temveč ustvarja določeno čustveno okolje in psihološke značilnosti slike.
Pri portretih se Rembrandt zdaj znajde svobodnejši pri izbiri modelov in slika predvsem obraze s poudarjeno individualnostjo. To so predvsem starejše ženske in stari Judje. Toda z enako ostrino je sposoben prenesti čar mladih ženski obraz ali čar mladostnega videza. Vse drobno na teh portretih se umika posplošenemu, a hkrati nenavadno pretresljivemu podajanju podobe. K temu močno pripomore vse večja širina načina tehnične izvedbe.
Zadnji del v zgodovini skupinskih portretov je bila Rembrandtova upodobitev starešine suknarske delavnice - t.i. "The Syndics" (1662, Amsterdam). zasluženo velja za enega od vrhuncev Rembrandtovega dela). Ostre psihološke značilnosti, preprostost konstrukcije, prikrita nezmotljivost ritma linij in mas ter skromno število barv, a intenziven kolorit povzemajo celotno Rembrandtovo dosedanjo pot portretista.
V zrelih letih (50 let) je Rembrandt ustvaril svoje najboljše jedkanice. Rembrandtova izrazita globina psihološka analiza, izrazni realizem slik in popolnost lastništva umetniška tehnika so se zrcalile v dolgem nizu izjemnih listov, tematsko celo bolj raznolikih kot mojstrove slike. Še posebej znani so »Kristus ozdravlja bolne« (tako imenovani »List stotih florintov«, ok. 1649), »Trije križi« (1653), portreti Lutme (1656), Haring (1655), Šest ( 1647), kot tudi krajine, znane kot "Tri drevesa" (1643) in "Posestvo zlate tehtnice" (1651).
Nič manj pomembno mesto Rembrandtova grafična dediščina vključuje risbe. Ostrina in izvirnost Rembrandtovega dojemanja sveta, ki nas obdaja, se je v teh številnih in raznolikih listih še posebej močno odrazila. Način risanja se, tako kot Rembrandtov slikarski slog, opazno razvija v mojstrovem ustvarjalnem razvoju. Če so bile Rembrandtove zgodnje risbe podrobno izdelane in so bile kompozicijsko precej zapletene, jih je v zrelejšem obdobju izvajal na širok slikovni način, nenavadno lakoničen in preprost. Rembrandt je navadno slikal s peresom iz peresa ali trstike in je z najpreprostejšimi tehnikami dosegel izjemno izrazno moč. R. je zapustil 2000 risb. Njegove risbe, tudi ko so drobne skice kakega vsakdanjega motiva, predstavljajo zaokroženo celoto, ki v celoti podaja vso pestrost narave.
Epilog dela R. se lahko šteje za njegovo veličastno platno "Vrnitev izgubljenega sina" (okoli 1668-1669, Ermitaž), v katerem sta bila umetnikova estetska višina in slikarska spretnost najbolj prikazana. Umetnik evangeljsko prispodobo o mladeniču, ki je odšel od doma, zapravil svoje premoženje in se usmiljen, razcapan in ponižan vrnil k očetu, napolni z globoko človeško vsebino. Plemenita ideja ljubezni do trpečega se tu razodeva v podobah, ki presenetijo s svojo življenjsko prepričljivostjo. Obraz starega napol slepega očeta in poteza njegovih rok izražata neskončno prijaznost, lik sina v umazanih cunjah, ki se drži očeta, izraža iskreno in globoko kesanje. Morda nobena druga Rembrandtova slika ne vzbuja toliko globokih in sočutnih občutkov. Rembrandt je svoje gledalce učil ljubezni in odpuščanja. Kasneje, v zadnja leta in mesecih Rembrandtovo življenje poteka navzven mirno. Potem ko je preživel Hendrickjeja in Titusa, je umrl 4. oktobra 1669.
R. je imel velik vpliv na umetnost. Na Nizozemskem v njegovem času ni bilo slikarja, ki ne bi izkusil vpliva velikih umetnikov, med katerimi so bili najbolj znani Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckout (1621-1674) in Art de Gelder (1645). -1727). Ko ste obvladali temo, kompozicijske tehnike in učiteljski tipi, v svojem figuralnem slikarstvu še vedno niso presegli zunanjega posnemanja Rembrandtovih tehnik. Nasprotno, živi vpliv mojstra je bil vsekakor čutiti med številnimi krajinskimi slikarji, ki so bili z njim - Philips Koninck (1619-1688), Doomer (1622-1700) in drugi. Toda večina ga je izdala, prestopila na pozicije akademizma in posnemanja takrat modnih Flamcev, nato pa Francozov.
Kot se pogosto zgodi v zgodovini umetnosti, je Rembrandt kljub svojemu sijajnemu talentu umrl v revščini in osamljenosti, pozabljen, nekoristen mojster. A bolj ko čas beži, bolj je umetnikova zapuščina dragocena v očeh človeštva. Brez pretiravanja lahko rečemo, da je Rembrandt eden najbolj največji umetniki v zgodovini svetovne umetnosti. Mnogi bi ga označili za neprekosljivega. Rembrandtov grob je izgubljen, vendar bodo njegova dela živela stoletja.
V zadnji četrtini 17. stol. začne se zaton nizozemskega slikarstva, izguba nacionalne identitete in od zač. 18. stoletje Prihaja konec velike dobe nizozemskega realizma.