Svetlana Obukhova
O življenju Krečana Domenica Theotokopoulija, umetnika, ki je pod imenom El Greco, torej Grk, osvojil španski Toledo, ni več skoraj nobenih dokazov. "Neumnosti" njegovega značaja in nenavaden slikarski način so mnoge presenetili in jih prisilili, da so prijeli za pero - a ohranilo se je le nekaj črk. Ena izmed njih vsebuje naslednje vrstice: »... vreme je bilo lepo, spomladansko sonce je nežno sijalo. Vsem je razveselilo in mesto je bilo videti praznično. Predstavljajte si moje presenečenje, ko sem vstopil v El Grecov studio in videl, da so polkna na oknih zaprta, zato je bilo težko videti, kaj je naokoli. El Greco sam je sedel na stolu in ni delal ničesar, a je bil buden. Ni hotel ven z mano, ker po njegovih besedah. sončna svetloba posegel v njegovo notranjo svetlobo ...«
O možu Domenicu skorajda ni več nobenih dokazov, le odmevi: da je živel v velikem slogu, imel bogato knjižnico, bral številne filozofe in tudi tožil stranke (te so ga imele rade, pogosteje pa ne razumele), umrl skoraj l. revščina - kot tanki žarki dnevne svetlobe prebijajo razpoke v "zaprtih polknih" njegovega življenja. Vendar ne odvračajo od glavne stvari - od notranje svetlobe, ki napolnjuje slike umetnika El Greca. Predvsem portreti.
Ni pokrajin, ki bi se odpirale za portretirancem, ni obilice detajlov, ki pritegnejo radoveden pogled. Celo ime junaka je pogosto izpuščeno iz slike. Ker bi vam vse to preprečilo, da bi videli obraz. In oči, globoke, temne, gledajo naravnost vate. Težko se jim je odtrgati, in če se prisiliš, je videti gesto in se spet ustaviti v mislih.
To je "Portret kavalirja z roko na prsih" (1577-1579), ki ga je mojster naslikal kmalu po tem, ko se je preselil v Toledo. Ta portret je priznan kot eden najboljših v špansko slikarstvo XVI stoletje. Tujec El Greco je ustvaril »živopisne podobe španskega življenja in zgodovine«, ki zajemajo »pristna živa bitja, ki združujejo v sebi vse, kar je v našem ljudstvu vredno občudovanja, vse junaško in neuklonljivo, s tistimi nasprotnimi lastnostmi, ki se ne morejo odražati, ne da bi uničili njeno bistvo« (A. Segovia). Aristokrati iz starodavnih družin Toleda so postali pravi junaki El Greca, videl jih je notranja svetloba- njihova plemenitost in dostojanstvo, zvestoba dolžnosti, inteligenca, uglajenost manir, pogum, zunanja zadržanost in notranji impulz, moč srca, ki ve, za kaj živi in umira ...
Dan za dnem se obiskovalci galerije Prado ustavljajo pred neznanim hidalgom, presenečeni z besedami: »Kot živ ...« Kdo je on, ta vitez? Zakaj tako iskreno odpre svoje srce? Zakaj so njegove oči tako privlačne? In ta gesta prisege? In ročaj meča?.. Morda se je iz teh vprašanj rodila legenda, da je oseba, upodobljena na portretu, še en veliki Španec: Miguel de Cervantes. Bojevnik in pisatelj, ki je svetu pripovedoval zgodbo o vitezu žalostne podobe, ki mu je bil dan enak božanski dar kot El Greco - videti ljudi, kakršni morajo biti, videti njihovo notranjo luč ...
In druge slike iz muzeja Prado v Ermitažu ...
El Greco "Kristus objema križ" 1600 - 1605
Upodobljen v ozadju nevihtnega neba, značilnega za El Greca, Kristus objema križ s svojimi gracioznimi rokami in gleda navzgor z mirno obsojenostjo. Slika je doživela velik uspeh in v El Grecovi delavnici je nastalo veliko njenih različic.
El Greco" Sveta družina iz St. Ana in mali Janez Krstnik" ok. 1600 - 1605
Za pozno obdobje El Grecovega dela je značilna uporaba prodornih barv in prebliskov; prostor je popolnoma zapolnjen s figurami, ki zastirajo obzorje. Forme, naslikane z vibrirajočim čopičem, izgubijo materialnost. Mali Janez Krstnik kliče gledalca k tišini, da ne bi motil miru dojenčka Kristusa ...
Velasquez - Portret Filipa IV. Portret kralja Filipa IV. 1653-1657
Osnove psihološkega portreta v evropska umetnost ustanovil španski slikar Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Rodil se je v revni plemiški družini v Sevilli in študiral pri Herreri starejšem in Pachecu. Leta 1622 je prvič prišel v Madrid. V praktičnem smislu to potovanje ni bilo zelo uspešno - Velazquez ni našel vrednega mesta zase. Upal je, da se bo srečal z mladim kraljem Filipom IV., a do srečanja ni prišlo. Vendar pa govorice o mladi umetnik prišel na dvor in že naslednje leto, 1623, je prvi minister, vojvoda de Olivares (prav tako rojen v Sevilli), povabil Velazqueza v Madrid, da bi naslikal kraljev portret. To delo, ki nas ni doseglo, je na monarha naredilo tako prijeten vtis, da je Velazquezu takoj ponudil položaj dvornega umetnika. Kmalu so se med kraljem in Velazquezom razvili precej prijateljski odnosi, kar ni bilo ravno značilno za red, ki je vladal na španskem dvoru. Kralj, ki je vladal največjemu imperiju na svetu, ni veljal za človeka, temveč za božanstvo, umetnik pa ni mogel računati niti na plemiške privilegije, saj se je preživljal z delom. Medtem je Filip ukazal, da odslej samo Velazquez slika njegove portrete. Veliki monarh je bil presenetljivo velikodušen in podpiral Velazqueza. Umetnikov atelje se je nahajal v kraljevih apartmajih, tam pa je bil nameščen stol za njegovo veličanstvo. Kralj, ki je imel ključ do delavnice, je prihajal sem skoraj vsak dan, da bi opazoval umetnikovo delo. Medtem ko je bil v kraljevi službi od leta 1623 do 1660, je Velazquez naslikal približno ducat portretov svojega vladarja. Od tega je do nas prišlo nekaj več kot 10 slik. Tako je Velazquez svojega vladarja v povprečju slikal približno enkrat na tri leta. Slikanje kraljevih portretov je bila Velazquezova naloga, ki jo je odlično opravil. Zahvaljujoč temu imamo kompleks del, ki je edinstven na svoj način: Velazquezovi portreti tako jasno zarisujejo življenjsko pot kralja Filipa, kot se je kasneje uveljavilo šele v dobi fotografije. Evolucija je jasno vidna na umetnikovih slikah. Prvič, spremeni se sam kralj, na prvem portretu star 18 let, na zadnjem pa 50 let; na njegovem obrazu je odtisnjen pečat starosti in duhovnih sprememb. Drugič, umetnikovo dojemanje modela se poglobi in se iz površnega spremeni v pronicljivo. Sčasoma se spreminja način predstavitve modela in likovne tehnike. Velazquezova manira se preoblikuje pod vplivom lastne ustvarjalne rasti, pa tudi pod vplivom sodobne domače in tuje tradicije. Ta podprsni portret prikazuje Filipa IV. na temnem ozadju, oblečenega v črna oblačila z belim ovratnikom, ki jasno poudarja monarhov obraz. Velázquez se v portretu kralja izogiba bahatosti in prikazuje "človeški obraz" monarha brez laskanja ali dvorne zvijačnosti. Jasno čutimo, da je oseba, ki nas gleda s platna, nesrečna, zadnja leta Vladavina za kralja ni bila lahka. To je človek, ki je poznal razočaranje, a hkrati človek, čigar meso je polno prirojene veličine, ki je nič ne more omajati. Še ena velik umetnik, Španec do jedra - Pablo Ruiz Picasso o podobi španskega kralja pravi takole: "ne moremo si predstavljati drugega Filipa IV. razen tistega, ki ga je ustvaril Velazquez ..."
"Portret kralja Filipa IV" (ok. 1653 - 1657)
Eden zadnjih portretov monarha. Zanimivo je, da tukaj ni niti enega elementa, ki bi govoril o kraljevskem statusu portretiranca. Velazquez je Filipu IV služil skoraj štirideset let - od leta 1623 do njegove smrti, slikal je portrete kralja in njegove družine, velika tematska platna za kraljevo zbirko.
Diego Velazquez "Portret norčka Don Diega de Aceda" (El Primo) c. 1644
Diego Velazquez "Portret kraljice Marianne Avstrijske" 1652-1653
Tizian (Tiziano Vecellio) "Venera z Kupidom in organistom" 1555
Glasbenik igra, sedi ob nogah Venere in občuduje golo telo boginje, ki se raztreseno igra s Kupidom. Nekateri so to sliko videli kot čisto erotično delo, drugi pa so jo dojemali simbolično - kot alegorijo občutkov, kjer sta vid in sluh orodji za spoznavanje lepote in harmonije. Tizian je napisal pet različic te teme.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Spokorna Marija Magdalena" 1583
Po spreobrnjenju je Marija Magdalena svoje življenje posvetila kesanju in molitvi ter se umaknila od sveta. Na tej sliki je upodobljena, kako gleda v nebesa in se kopa v božanski svetlobi. Slika je naslikana v gostih temnih barvah, značilnih za Veronesejev slog v poznem obdobju njegovega ustvarjanja. Pred vstopom v španske kraljeve zbirke je delo pripadalo angleškemu kralju Karlu I. (usmrčen leta 1649)
Anthony Van Dyck "Portret moškega z lutnjo" 1622-1632
Anthony Van Dyck se za svojo slavo zahvaljuje prav žanru portretiranja, ki je v hierarhiji evropskega slikarstva zavzemal precej nizek položaj. Toda v Flandriji se je v tem času že razvila tradicija portretna umetnost. Van Dyck je naslikal na stotine portretov, več avtoportretov in postal eden od ustvarjalcev sloga ceremonialnega portretiranja 17. stoletja. V portretih svojih sodobnikov je prikazoval njihov intelektualni, čustveni svet, duhovno življenje in živi človeški značaj.
Tradicionalni model za ta portret je Jacob Gautier, lutnjist na angleškem dvoru od 1617 do 1647, vendar prisotnost meča in v večji meri slogovne značilnosti dela kažejo, da mora biti veliko prej kot Van Dyckovo potovanje v London, ki dvomi o tej teoriji. Prisotnost glasbila ne pomeni nujno, da je bil model glasbenik. Glasbila so bila kot simbol pogosto upodobljena na portretih kot pokazatelj intelektualne prefinjenosti in občutljivosti subjekta.
Juan Bautista Maino "Čaščenje pastirjev" 1612-1614
Ena Mainovih mojstrovin. V zbirki Državni puščavnik Obstaja še ena različica te zgodbe, ki jo je napisal Maino. Umetnik se je rodil v Pastrani (Guadalajara) in od leta 1604 do 1610 živel v Rimu. To delo, naslikano po njegovi vrnitvi v Španijo, kaže vpliv Caravaggia in Orazia Gentileschija. Leta 1613 je Maino postal član dominikanskega reda in slika je bila vključena v oltarni ciklus samostana sv. Petra Mučenika v Toledu.
Georges de Latour "Slepi glasbenik s Hurdy-Hurdy" pribl. 1625- 1630
Latour prikazuje starega slepega glasbenika, ki igra na hurdy-gurdy. Ta zaplet je večkrat ponovil. Umetnik, ki je deloval pod vplivom Caravaggiovega sloga, z navdušenjem reproducira podrobnosti - vzorce, ki krasijo glasbilo, gube na obrazu slepca, njegovi lasje.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Osvobaja Andromedo" Pribl. 1639-1640
Francisco de Goya "Portret Ferdinanda VII" 1814-1815
Po Napoleonovem porazu leta 1814 se je na španski prestol vrnil Ferdinand VII. Na portretu je oblečen v kraljevsko haljo, podrobljeno s hermelinom, drži žezlo ter ordene Carlosa III. in zlato runo.
Ferdinand VII., ki je državi vladal do leta 1833, je leta 1819 ustanovil muzej Prado.
Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, žena prvega direktorja Prada, je bila ena najbolj cenjenih žensk v Španiji svojega časa.
Na portretu iz leta 1805 je Goya upodobil markizo kot muzo lirike Evterpo, ki leži na kavču in v levi roki drži liro. Izbira te posebne slike je posledica markizine strasti do poezije.
Francisco Goya - "Jesen (trgatev)" 1786 - 1787
Francisco GOYA - "Obiranje grozdja" fragment
V letih 1775–1792 je Goya ustvaril sedem serij kartonskih tapiserij za palači Escorial in Prado na obrobju Madrida. Ta slika spada zlasti v serijo letnih časov in je bila namenjena jedilnici princa Asturijskega v Pradu. Goya je klasično zgodbo upodobil kot vsakdanji prizor, ki odraža naravo razmerja med različnimi sloji - slika prikazuje lastnike vinograda s sinom in služkinjo.
Francisco Goya "Portret generala Joséja de Urrutie" (ok. 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - eden najvidnejših španskih vojskovodij in edini častnik nearistokratskega porekla v 18. stoletju, ki je dosegel čin generalnega stotnika - je upodobljen z redom sv. Jurija, ki ga mu je podelila ruska cesarica Katarina Velika za sodelovanje pri zavzetju Očakova med krimsko kampanjo leta 1789.
Peter Paul Rubens "Portret Marie de' Medici." OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) je bila hči velikega toskanskega vojvode Francesca I. Leta 1600 je postala žena francoskega kralja Henrika IV. Od leta 1610 je bila regentka svojega mladega sina, bodočega kralja Ludvika XIII. Rubensu je naročila serijo del, v katerih poveličuje sebe in svojega pokojnega moža. Portret prikazuje kraljico z vdovskim pokrivalom in nedokončanim ozadjem.
Domenico Tintoretto "Ženska, ki razgali prsi" Pribl. 1580-1590
Vicente Lopez Portanha "Portret Felixa Maxima Lopeza, prvega organista kraljeve kapele" 1820
Španski neoklasični slikar, ki je ohranil sledove rokokoja. Lopez je veljal za enega najboljših portretistov svojega časa, takoj za Franciscom de Goyo. Slikarstvo je začel študirati v Valencii pri 13 letih in v štirih letih osvojil več prvih nagrad na akademiji San Carlos, s čimer si je prislužil štipendijo za študij na prestižni kraljevi akademiji v prestolnici. likovna umetnost San Fernando. Po končanem študiju je Lopez več let delal v delavnici svojega učitelja Mariana Salvadorja Maelle. Do leta 1814, po francoski okupaciji, je bil Lopez že precej zdrav slavni umetnik, zato ga je španski kralj Ferdinand VII. poklical v Madrid in ga imenoval za uradnega dvornega umetnika, kljub dejstvu, da je »prvi kraljevi umetnik"Takrat je bil sam Francisco Goya. Vicente Lopez je bil plodovit umetnik, slikal je verske, alegorične, zgodovinske in mitološke zgodbe, predvsem pa je bil seveda portretist. V svoji dolgoletni karieri je naslikal portrete skoraj vseh znana oseba v Španiji v prvi polovici 19. stoletja.
Ta portret prvega organista kraljeve kapele in slavni glasbenik in skladatelj je bil napisan malo pred umetnikovo smrtjo, dokončal pa ga je njegov najstarejši sin Ambrosio Lopez.
Anton Raphael Mengs "Portret Marije Luise iz Parme, princese Asturijske" 1766
Juan Sanchez Cotan "Tihožitje z divjadjo, zelenjavo in sadjem" 1602
Don Diego de Acedo je bil na dvoru od leta 1635. Poleg "službe za norčije" je služil kot kraljevi glasnik in skrbel za kraljev pečat. Očitno o teh dejavnostih govorijo knjige, papirji in pisalni pripomočki na sliki. Predvideva se, da je bil portret naslikan v mestu Fraga, provinca Huesca, med potovanjem Filipa IV. v Aragon, na katerem ga je spremljal Diego de Acedo. V ozadju se dviga vrh Malicios gorovja Guadarrama.
Hieronymus Bosch "Pridobivanje kamna norosti" ok. 1490
Satirični prizor s figurami na pokrajinskem ozadju prikazuje operacijo odstranjevanja »kamna neumnosti«. Napis v gotski pisavi se glasi: "Mojster, hitro odstrani kamen. Moje ime je Lubbert Das." Lubbert je pogost samostalnik, ki označuje nevednost in preprostost. Kirurg, ki nosi pokrivalo v obliki obrnjenega lijaka, ki simbolizira nevednost, "odstrani" kamen (vodno lilijo) z glave lahkovernega pacienta in od njega zahteva velikodušno plačilo. Preprosti ljudje so takrat verjeli, da je za njihovo neumnost kriv kamen v glavi. To so izkoristili šarlatani.
Rafael (Raffaello Santi) "Sveta družina z jagnjetom" 1507
Marija pomaga malemu Kristusu sesti na jagnje - krščanski simbol prihajajoči Kristusov pasijon in sv. Jožef jih opazuje. Slika je bila naslikana v Firencah, kjer je umetnik študiral delo Leonarda da Vincija pod vplivom njegovih kompozicij s Sveto družino. V muzeju Prado je to edino delo Rafaela, naslikano v zgodnjem obdobju.
Albrecht Durer "Portret neznanega človeka" Pribl. 1521
Portret pripada pozno obdobje Dürerjeva ustvarjalnost. Napisano na način, podoben slogu nizozemski umetniki. Klobuk z širok rob pritegne pozornost na obraz portretiranca, svetloba, ki pada z leve strani, usmeri pozornost gledalca nanj. Drugo središče pozornosti na portretu so roke, predvsem leva, v kateri neznanec drži zvitek - očitno pojasnjuje njegov socialni status.
Rogier Van der Weyden "Žalovanje" Pribl. 1450
Vzorec je bil oltarni triptih za samostan Miraflores (shranjen v umetniška galerija Berlin), ki ga je ustvaril Van der Weyden pred letom 1444 in ponovil z nekaterimi razlikami. V tej različici z dodanim v neznanem obdobju zgornji del Marija, Kristus, sv. Na istem prostoru sta upodobljen Janez in darovalec (naročnik slike) - član družine Broers. Umetnik ekspresivno prenaša žalost Matere božje, ki na prsih stiska telo mrtvega sina. Tragična skupina na levi je v nasprotju s figuro darovalca, ločena s kamnom. Je v stanju molitvene zbranosti. Takrat so stranke pogosto prosile, naj se upodobijo na slikah. Toda njihove podobe so bile vedno sekundarne - nekje v ozadju, v množici itd. Tukaj je darovalec upodobljen v ospredju, vendar je od glavne skupine ločen s kamnom in barvo.
Alonso Cano "Mrtvi Kristus, ki ga podpira angel" c. 1646 - 1652
Na ozadju somračne pokrajine angel podpira brezživo Kristusovo telo. Nenavadna ikonografija te slike je razložena z dejstvom, da ni povezana z evangeličanskimi besedili, temveč s tako imenovanim Kristusom sv. Gregory. Po legendi je papež Gregor Veliki videl vizijo mrtvega Kristusa, ki sta ga podpirala dva angela. Kano je to zaplet razlagal drugače - samo en angel podpira negibno Kristusovo telo.
Bartolome Esteban Murillo "Gospa rožnega venca" pribl. 1650 -1655
Delo Bartolomeja Estebana Murilla končuje zlato dobo španskega slikarstva. Murillova dela so kompozicijsko brezhibno natančna, barvno bogata in harmonična ter lepa v najvišjem pomenu besede. Njegova čustva so vedno iskrena in rahločutna, a v Murillovih slikah ni več tiste duhovne moči in globine, ki je tako pretresljiva v delih njegovih starejših sodobnikov. Umetnikovo življenje je povezano z njegovo rodno Sevillo, čeprav je moral obiskati Madrid in druga mesta. Po šolanju pri lokalnem slikarju Juanu del Castillu (1584-1640) je Murillo veliko delal po naročilih iz samostanov in templjev. Leta 1660 je postal predsednik Akademije lepih umetnosti v Sevilli.
S svojimi slikami verskih tem je Murillo skušal prinesti tolažbo in pomiritev. Ni naključje, da je zelo pogosto slikal podobo Matere Božje. Marijina podoba je prehajala iz slike v sliko v podobi ljubke mlade deklice pravilnih potez obraza in mirnega pogleda. Njena nedolžna pojava naj bi v gledalcu vzbudila občutek sladke nežnosti. Na tej sliki je Bartolome Murillo upodobil Madono in Jezusa z rožnim vencem, tradicionalnim katoliškim rožnim vencem, katerega molitvi so v umetnikovem času pripisovali velik pomen. V tem delu so še vedno opazne poteze naturalizma, ki je prevladoval v delih predstavnikov seviljske šole v prvi polovici 17. stoletja, vendar je Murillov slikarski slog že svobodnejši od njegovega zgodnje delo. Ta svobodna manira je še posebej očitna pri upodobitvi Marijinega tančice. Umetnik uporablja močno svetlobo, da poudari figure na temnem ozadju in ustvari kontrast med nežnimi toni obraza Device Marije in telesa otroka Kristusa ter globokimi sencami v gubah blaga.
V Andaluziji v 17. stoletju je bila še posebej iskana podoba Device z otrokom. Murillo, čigar ustvarjalno življenje je minilo v Sevilli, je naslikal veliko takih slik, prežetih z nežnostjo. V tem primeru je Mati Božja upodobljena z rožnim vencem. In tukaj, kot v zgodnja leta umetnik ostaja zvest svoji strasti do svetlobnih in senčnih kontrastov.
Bartolome Esteban Murillo "Dobri pastir" 1655-1660
Slika je prežeta z globoko liričnostjo in prijaznostjo. Naslov je vzet iz Janezovega evangelija: "Jaz sem dobri pastir." To pove, da slika upodablja Kristusa, čeprav v največji zgodnja starost. Vse v Murillovem filmu je lepo in preprosto. Umetnik je rad slikal otroke in vso to ljubezen je vložil v lepoto podobe tega dečka-boga. V letih 1660-1670, v času razcveta svojih slikarskih veščin, je Murillo skušal poetizirati svoje like in pogosto so mu očitali nekaj sentimentalnosti v njegovih slikah in njihovi premišljeni lepoti. Vendar ti očitki niso povsem pošteni. Otroka, upodobljenega na sliki, je še danes mogoče videti tako v Sevilli kot v okoliških vaseh. In ravno v tem se je pokazala demokratična usmeritev umetnikovega dela - v enačenju lepote Madone z lepoto običajnega Španke, in lepoto njenega sina, malega Kristusa, z lepoto uličnih ježkov.
Alonso Sanchez Coelho "Portret Infantes Isabella Clara Eugenia in Catalina Micaela" 1575
Portret prikazuje princeso, staro osem in devet let, ki drži venec iz rož. Sánchez Coelho je slikal portrete infant - ljubljenih hčera kralja Filipa II. in njegove tretje žene Isabelle Valois - že zelo zgodaj. Vsi portreti so narejeni v skladu s kanoni dvornega portreta - dekleta v veličastnih oblačilih in z brezstrasnimi obraznimi izrazi.
Anton Rafael Mengs. Portret kralja Carlosa III. 1767
Karla III so imenovali morda edini resnično razsvetljeni monarh v zgodovini Španije. Prav on je leta 1785 ustanovil muzej Prado, najprej kot naravoslovni muzej. Charles III je sanjal, da bi muzej Prado skupaj z bližnjimi botaničnimi vrtovi postal središče znanstvenega izobraževanja.
Ko je zasedel prestol, je začel izvajati resne politične in gospodarske reforme, ki jih je država takrat tako nujno potrebovala. Vendar so bila njegova prizadevanja zaman - njegov sin Charles IV ni delil naprednih pogledov svojega očeta in po smrti Charlesa III so bile reforme končane.
Ta portret je popolnoma tipičen za svoj čas. Umetnik z vsako podrobnostjo opozarja na položaj, ki ga zavzema model: plašč, okrašen s hermelinom, malteški križ, obdan z dragulji, sijoč oklep - nepogrešljivi atributi kraljeve veličine. Bujna draperija in pilaster (element klasična arhitektura) je tradicionalno ozadje za takšne portrete.
Toda že na tem portretu je presenetljivo, kako je predstavljen obraz modela. Mengs ne poskuša shujšati kraljevega gomoljastega nosu ali zgladiti gub na njegovih nagubanih licih. Zahvaljujoč maksimalni individualnosti ta slika ustvarja občutek življenja, ki ga Mengsovi predhodniki niso mogli doseči. Portret vzbuja sočutje do Carlosa III., ki je pripravljen "pokazati" svoj nepopolni videz.
Antoine Watteau "Praznik v parku" ok. 1713 - 1716
Ta očarljivi prizor je tipičen primer Watteaujevih »galantnih počitnic«. Rahla megla, ki zabriše obrise, kip Neptuna, skoraj skrit v listju nad vodnjakom, in zbledela zlata barva - vse to oddaja vzdušje akutnega, a minljivega užitka.
Slika je pripadala Isabelli Farnese, drugi ženi kralja Filipa V.
Antonio Carnicero "Dvig balona na vroč zrak v Aranjuezu" c. 1784
Sliko sta naročila vojvoda in vojvodinja Haussouinova in zajema duh razsvetljenstva, ki je vzbudilo zanimanje za dosežke znanstvenega napredka. Prikazan je resničen dogodek: leta 1784 je bil v kraljevih vrtovih Aranjuez v navzočnosti monarha, članov njegove družine in dvorjanov izveden polet z balonom. Antonio Carnicero je bil znan po svoji ljubki žanrske scene, in ta slika je eno njegovih najbolj ambicioznih del.
Jose de Madrazo y Agudo "Nebeška ljubezen in zemeljska ljubezen" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Jagnje božje" 1635-1640
Na sivi mizi leži jagnje, ki močno izstopa na temnem ozadju v ostro fokusirani močni svetlobi. Vsak človek v 17. stoletju bi ga takoj prepoznal kot »božje jagnje« in bi razumel, da je to namig na Kristusovo samožrtvovanje. Jagnječja volna je čudovito obdelana in se zdi tako mehka, da je težko umakniti pogled z živali in se je želite dotakniti.
Juan Pantoja de la Cruz "Portret kraljice Izabele Valoiške" c. 1604 – 1608
Pantoja de la Cruz je naslikal ta portret in ponovil delo Sofonisbe Angishole - izvirnik je leta 1604 zgorel v palači. Umetnik je kraljičini obleki dodal le ogrinjalo iz svizčevega krzna.
Sofonisba Angishola je bila umetnica iz Cremone, ki je delala na španskem dvoru. To je bil prvi umetnikov portret mlade kraljice v seriji. Slika je bila naslikana v maniri, ki je blizu španščini, vendar v toplejših in svetlejših barvah.
Jean Rann "Portret Carlosa III kot otroka" 1723
Luis Melendez "Tihožitje s škatlo sladkarij, preste in drugih predmetov" 1770
Največji mojster španskega tihožitja 18. stoletja Luis Melendez se je rodil v Italiji, v družini miniaturista iz Asturije. Leta 1717 se je družina preselila v Madrid, kjer je mladenič vstopil na pripravljalni oddelek akademije San Fernando in zasedel prvo mesto med najbolj nadarjenimi študenti. Vendar pa je bil leta 1747 prisiljen zapustiti akademijo, po očetu, ki je bil iz nje izključen zaradi spopada. V tem obdobju Melendez ponovno obišče Italijo. Sprva je pomagal očetu, postal je miniaturist, po vrnitvi iz Italije pa ga je Ferdinand VI. povabil k ilustriranju knjig v kraljevi kapeli v Madridu. V žanru tihožitja, h kateremu se je umetnik obrnil v zgodnjih šestdesetih letih 17. stoletja, se je pojavila nova plat njegovega dela.
To tihožitje je nastalo v umetnikovem zrelem obdobju. V tem času se v njegovih skladbah pojavili luksuzni predmeti, srebrnina. Toda kljub temu se umetnik še vedno drži svojih idealov in deluje v skladu z žanrsko tradicijo. Materialna oprijemljivost vsakega od predmetov, naslikanih na platnu, nas spominja na najboljše primere tihožitja v svetovni umetnosti. Otipljivo prozorno steklo kozarca se odraža v mat sijoči površini srebrne vaze. Mehka pereca na beli servieti, ki diši po sveže pečenem kruhu. Grlo zaprte steklenice se motno lesketa. Srebrne vilice štrlijo nekoliko čez rob osvetljene mize. V kompoziciji tega tihožitja ni asketske razporeditve predmetov v eni vrsti, značilne na primer za Zurbaranova tihožitja. Morda ima nekaj skupnega z nizozemskimi vzorci. Toda ton je temnejši, predmetov je manj in kompozicija je preprostejša.
Juan de Arellano "Košara rož" 1670
Španski baročni slikar, specializiran za upodabljanje cvetličnih aranžmajev, rojen v Santorcasu leta 1614. Sprva se je učil v ateljeju danes neznanega umetnika, pri 16 letih pa se je preselil v Madrid, kjer je študiral pri Juanu de Solisu, umetniku, ki je izvajal naročila za kraljico Izabelo. Juan de Arellano je dolgo živel od majhnih naročil, tudi stenskih poslikav, dokler se ni odločil posvetiti izključno slikanju rož in na tem področju postal neprekosljiv mojster. Menijo, da je mojster začel s kopiranjem del drugih, zlasti italijanskih umetnikov; flamska tihožitja so njegovemu slogu dodala eleganco in strogost. Kasneje je tej kombinaciji dodal svoje kompozicijske zamisli in značilno barvno paleto.
Za Arellano je značilna precej preprosta kompozicija tega tihožitja. Čiste, intenzivne rastlinske barve zaradi intenzivne osvetlitve močno izstopajo na nevtralnem rjavkastem ozadju.
O življenju Krečana Domenica Theotokopoulija, umetnika, ki je pod imenom El Greco, torej Grk, osvojil španski Toledo, ni več skoraj nobenih dokazov. "Neumnosti" njegovega značaja in nenavaden slikarski način so mnoge presenetili in jih prisilili, da so prijeli za pero - a ohranilo se je le nekaj črk. Ena izmed njih vsebuje naslednje vrstice: »... vreme je bilo lepo, spomladansko sonce je nežno sijalo. Vsem je razveselilo in mesto je bilo videti praznično. Predstavljajte si moje presenečenje, ko sem vstopil v El Grecov studio in videl, da so polkna na oknih zaprta, zato je bilo težko videti, kaj je naokoli. El Greco sam je sedel na stolu in ni delal ničesar, a je bil buden. Ni hotel iti ven z menoj, saj je po njegovih besedah sončna svetloba motila njegovo notranjo svetlobo ...«
O možu Domenicu skorajda ni več nobenih dokazov, le odmevi: da je živel v velikem slogu, imel bogato knjižnico, bral številne filozofe in tudi tožil stranke (te so ga imele rade, pogosteje pa ne razumele), umrl skoraj l. revščina - kot tanki žarki dnevne svetlobe prebijajo razpoke v "zaprtih polknih" njegovega življenja. Vendar ne odvračajo od glavne stvari - od notranje svetlobe, ki napolnjuje slike umetnika El Greca. Predvsem portreti.
Ni pokrajin, ki bi se odpirale za portretirancem, ni obilice detajlov, ki pritegnejo radoveden pogled. Celo ime junaka je pogosto izpuščeno iz slike. Ker bi vam vse to preprečilo, da bi videli obraz. In oči, globoke, temne, gledajo naravnost vate. Težko se jim je odtrgati in če se prisilite, da vidite gesto, se boste spet ustavili v mislih.
To je "Portret kavalirja z roko na prsih" (1577-1579), ki ga je mojster naslikal kmalu po tem, ko se je preselil v Toledo. Ta portret je priznan kot eden najboljših v španskem slikarstvu 16. stoletja. Tujec El Greco je ustvaril »živopisne podobe španskega življenja in zgodovine«, ki zajemajo »pristna živa bitja, ki združujejo v sebi vse, kar je v našem ljudstvu vredno občudovanja, vse junaško in neuklonljivo, s tistimi nasprotnimi lastnostmi, ki se ne morejo odražati, ne da bi uničili njeno bistvo« (A. Segovia). Aristokrati iz starodavnih družin Toleda so postali pravi junaki El Greca, videl je njihovo notranjo luč - njihovo plemenitost in dostojanstvo, zvestobo dolžnosti, inteligenco, prefinjenost manir, pogum, zunanjo zadržanost in notranji impulz, moč srca, ki ve za kaj živi in umira.
Dan za dnem se obiskovalci galerije Prado ustavljajo pred neznanim hidalgom, presenečeni z besedami: »Kot živ ...« Kdo je on, ta vitez? Zakaj tako iskreno odpre svoje srce? Zakaj so njegove oči tako privlačne? In ta gesta prisege? In ročaj meča?.. Morda se je iz teh vprašanj rodila legenda, da je oseba, upodobljena na portretu, še en veliki Španec: Miguel de Cervantes. Bojevnik in pisatelj, ki je svetu pripovedoval zgodbo o vitezu žalostne podobe, ki mu je bil dan enak božanski dar kot El Greco - videti ljudi, kakršni morajo biti, videti njihovo notranjo luč ...
reviji Človek brez meja
El caballero de la mano en el pecho"Vitez z roko na prsih"- slikanje Španski umetnik El Greco, napisan v Toledu okoli leta 1580. Najbolj znan v seriji posvetni portreti neznani caballerosi v črnih oblačilih in belih rezalih na temnem ozadju. Trenutno shranjeno v Pradu.
Poza caballero lahko pomeni prisego ali izkazovanje zaupanja ob sklenitvi pogodbe ali plemeniti izvor lika ali celo skrivni pogojeni signal. Zlati meč in medaljon nakazujeta bogastvo in pripadnost visoka družba. Videz lika je značilen za plemiča iz španske zlate dobe. Med restavriranjem slike se je izkazalo, da sprva ozadje ni bilo črno, ampak svetlo sivo, sčasoma pa je slika potemnela. Bogastvo odtenkov na temnih oblačilih kaže na vpliv beneške slikarske šole na El Greca.
Prej je veljalo, da je "Vitez z roko na prsih" Cervantesov portret, zdaj pa je večina umetnostnih zgodovinarjev nagnjena k prepričanju, da portret prikazuje Juana de Silva y Ribero, tretjega markiza Montemayorskega in alcalda Alcazarja iz Toledo. Umetnostni kritik Alex Burghart in umetnik Robert Shrive dopuščata možnost, da gre za avtorjev avtoportret.
Napišite oceno o članku "Vitez z roko na prsih"
Opombe
Odlomek, ki opisuje viteza z roko na prsih
"Nasprotno, zdi se, da je vse v redu, sestrična," je rekel Pierre s tisto navado igrivosti, ki si jo je Pierre, ki je vedno v zadregi prenašal svojo vlogo dobrotnika pred princeso, pridobil v odnosu do nje.- Ja, dobro je ... dobro počutje! Danes mi je Varvara Ivanovna povedala, kako različne so naše čete. Vsekakor ga lahko pripišete v čast. In ljudje so se popolnoma uprli, nehajo poslušati; Tudi moja punca je začela biti nesramna. Kmalu nas bodo začeli tudi tepsti. Ne moreš hoditi po ulicah. In kar je najpomembneje, Francozi bodo jutri tukaj, kaj lahko pričakujemo! "Enega prosim, moj bratranec," je rekla princesa, "ukaži, naj me odpeljejo v Sankt Peterburg: karkoli že sem, ne morem živeti pod Bonapartovo vladavino."
- Daj no, mama sestrična, od kod ti informacije? proti…
- Ne bom se podredil tvojemu Napoleonu. Drugi to hočejo... Če ti tega nočeš...
- Da, naredil bom, zdaj bom naročil.
Princeso je očitno motilo, da ni bilo nikogar, na katerega bi se jezila. Sedla je na stol in nekaj šepetala.
"Toda to vam je bilo napačno posredovano," je rekel Pierre. "V mestu je vse mirno in ni nobene nevarnosti." Ravnokar sem bral ...« Pierre je princesi pokazal plakate. – Grof piše, da s svojim življenjem odgovarja, da sovražnika ne bo v Moskvi.
"O, ta vaš grof," je jezno rekla princesa, "je hinavec, hudobnež, ki je sam hujskal ljudi k uporu." Ali ni bil on tisti, ki je na tistih neumnih plakatih pisal, da kdorkoli je, naj ga vleče za greben do izhoda (in kako neumno)! Kdor ga vzame, pravi, bo imel čast in slavo. Tako da sem bil zelo vesel. Varvara Ivanovna je rekla, da so jo njeni ljudje skoraj ubili, ker je govorila francosko ...
"Ja, tako je ... Vse jemlješ zelo k srcu," je rekel Pierre in začel igrati pasjanso.
Kljub dejstvu, da je pasjansa uspela, Pierre ni odšel v vojsko, ampak je ostal v prazni Moskvi, še vedno v isti tesnobi, neodločnosti, v strahu in hkrati v veselju, v pričakovanju nečesa groznega.
Naslednji dan je princesa zvečer odšla in njegov glavni upravitelj je prišel k Pierru z novico, da denarja, ki ga potrebuje za opremljanje polka, ni mogoče dobiti, če ne bo prodano eno posestvo. Generalni direktor je Pierru na splošno predstavil, da naj bi ga vsi ti podvigi polka uničili. Pierre je s težavo skrival nasmeh, ko je poslušal direktorjeve besede.
"No, prodaj," je rekel. - Kaj lahko storim, zdaj ne morem zavrniti!
Človek v zrcalu umetnosti: portretni žanr
Portret(francoski portret) - podoba določene osebe ali skupine ljudi. Portretni žanr je postal razširjen v antiki v kiparstvu, nato pa v slikarstvu in grafiki. Ampak zunanja podobnost to ni edina stvar, ki jo mora umetnik posredovati. Veliko bolj pomembno je, ko mojster na platno prenese notranje bistvo človeka in prenese vzdušje časa. Razlikovativhodna vrata in komora portreti. Obstajajo portretidvojne in skupina. Namenjeni so okrasitvi državnih prostorov, pohvali določenih oseb in ohranjanju spomina na ljudi, ki jih povezujejo poklicne, duhovne in družinske vezi. Posebna kategorijaznaša avtoportret, na kateri umetnik upodablja samega sebe.
Vsakega od portretov lahko pripišemo bodisi psihološkemu portretu bodisi
na portret-lik ali na portret-biografijo.
Umetnost pomaga spoznati človeka. Ne samo, da bi videl njegov zunanji videz
obraza, ampak tudi razumeti njegovo bistvo, značaj, razpoloženje itd. Portret je skoraj
vedno realen. Navsezadnje je njen glavni cilj prepoznavnost upodobljenegana njem je oseba. Vendar pa običajno umetnikova naloga ni natančnostkopiranje zunanjih značilnosti modela, ne posnemanje narave, temveč "slikovno poustvarjanje" podobe osebe. Ni naključje, da se želja pojavile prepoznajte se na portretu in morda celo odkrijte kaj novega v sebi.
Gledalec nehote prenaša umetnikov odnos do modela. Pomembno
je vse, kar izraža čustva, odnos do življenja, do ljudi: obrazna mimika
upodobljen obraz, izraz oči, linija ustnic, obračanje glave, drža,
gesta.
Pogosto interpretiramo delo z vidika današnje osebe
dnevu pripisujemo karakternim lastnostim, ki so za njegov čas povsem nenavadne, to je, da stremimo k razumevanju neznanega skozi znano.
Zelo pomembno je tudi prikazati družbeni položaj portretiranca, ustvariti tipično podobo predstavnika določene dobe.
Kot žanr se je portret pojavil pred več tisoč leti v antični umetnosti. Med freskami znamenite knosoške palače, ki so jih našli arheologi med izkopavanji na otoku Kreta, je cela serija slikovne podobe žensk, povezanih z XVI stoletje pr. n. št Čeprav so raziskovalci te podobe poimenovali "dvorne dame", ne vemo, koga so poskušali prikazati kretski mojstri - boginje, svečenice ali plemenite dame, oblečene v elegantne obleke.
"pariški". Freska iz palače v Knososu, 16. stoletje pr.
Najbolj znan portret mlade ženske, ki so ga znanstveniki poimenovali "Parižanka". Pred seboj vidimo profilno (v skladu s tradicijo umetnosti tistega časa) podobo mlade ženske, zelo spogledljive in ne zanemarja kozmetike, o čemer pričajo njene oči, obrisane s temnim obrisom, in svetlo naslikane ustnice.
Umetniki, ki so ustvarili freske portrete svojih sodobnikov, se niso poglobili v značilnosti modelov, zunanja podobnost teh podob pa je zelo relativna.
Verske ideje v starem Egiptu so bile povezane s kultom
mrtev, je določila željo po prenosu portretne podobnosti v kiparsko podobo osebe: duša pokojnika je morala najti svojo posodo.
V začetku 20. stol. Arheologi so celemu svetu odkrili čudovit portret kraljice Nefertiti.
Ustvarjeno v XIV stoletje pr. n. št e.,ta podoba preseneča z gladkostjo profilnih linij, gracioznostjo gibljivega vratu, zračno lahkotnostjo in tekočimi prehodi nepravilnih, a očarljivih potez ženskega obraza.
Nefertiti ni bila le kraljica Egipta, ampak so jo častili kot boginjo. Najslavnejša in morda najlepša žena egipčanskih faraonov je živela s svojim okronanim možem v ogromni razkošni palači na vzhodna obala Nila.
V umetnosti Stara Grčija posebno mesto zavzemajo posplošene, idealizirane podobe junakov ali bogov. V zlitju duhovnega in telesnegaumetniki in kiparji videli utelešenjelepota in harmonija človeka. 
V svojem znamenitem "Discoballu" je kipar iz 5. st. pr. n. št e Miron si prizadeva predvsem prenesti občutek gibanja s stabilnostjo in monumentalnostjo linij telesa, ne da bi pozornost občinstva usmeril na poteze obraza. 
Posebno nežnost in toplino izžareva kip Afrodite, boginje ljubezni in lepote, ki ga je v 4. stoletju izklesal kipar Praksiteles. pr. n. št za tempelj na otoku Kreta. V tej podobi ni božanske veličine, podoba dihaneverjeten mir in čistost. 
Portret Karakale zajema podobo močnega, zlobnega in kriminalnega človeka. Napete obrvi, nagubano čelo, sumničav, mežikast pogled in čutne ustnice presenetijo z močjo svojih lastnosti. Močna glava je postavljena na debel, mišičast vrat. Strmi kodri las so tesno stisnjeni k glavi in poudarjajo njeno okroglo obliko. Nimajo dekorativnega značaja, kot v prejšnjem obdobju. Izkazana je rahla asimetrija obraza: desno oko je manjše in postavljeno pod levo, linija ust je poševna. Kipar, ki je ustvaril ta portret, je imel vso bogastvo virtuoznih tehnik obdelave marmorja; vsa njegova spretnost je bila usmerjena v ustvarjanje dela, ki z največjo ekspresivnostjo izraža fizične in duševne značilnosti Karakaline osebnosti.
Rimski portret je povezan s kultom prednikov, z željo po ohranitvi njihovega videza za potomce. To je prispevalo k razvoju realističnega portreta. Odlikujejo ga individualne značilnosti osebe: veličina,
zadržanost ali krutost in despotizem, duhovnost ali aroganca.
Razcvet portretnega žanra se je začel v renesansi, ko glavna vrednost svet je postal aktivna in namenska oseba, ki je sposobna spremeniti ta svet in iti proti nasprotju. V 15. stoletju so umetniki začeli ustvarjati samostojne portrete, ki so prikazovali modele na ozadju panoramskih veličastnih pokrajin.
B. Pinturicchio. »Portret dečka«, Umetnostna galerija, Dresden
Pinturicchio (Pinturicchio) (ok. 1454-1513) Italijanski slikar zgodnje renesanse, znan predvsem po svojih izjemnih freskah.
To je "Portret dečka" B. Pinturicchia. Vendar pa prisotnost drobcev narave na portretih ne ustvarja celovitosti, enotnosti človeka in sveta okoli njega, zdi se, da portretiranca zamegljujejo naravna krajina. Šele v portretih 16. stoletja se pojavi harmonija, nekakšen mikrokozmos
Zdi se, da portretna umetnost renesanse združuje
oporoke antike in srednjega veka. Spet se sliši svečano
hvalnica mogočnemu človeku z edinstveno fizično podobo, duhovnim svetom, individualnimi potezami značaja in temperamenta.
Priznan mojster portretnega žanra je bil nemški umetnik Albrecht Durer, čigar avtoportreti še vedno navdušujejo gledalce in so zgled umetnikom.
V "Avtoportret" Albrecht Durer(1471–1528) je želja uganjena umetnik najti idealiziranega junak. Podobe univerzalnih genijev 16. stoletja, mojstrov visoke dobe Renesansa - Leonardo da Vinci in Rafael Santi - poosebi idealna oseba tistega časa.
Michelangelo da Caravaggio(1573-1610) Italijanski "lutnjist" Sankt Peterburg, Državni muzej Ermitaž
Med slavnimi portretnimi mojstrovinami tistega časa je Lutnjist Michelangelo da Caravaggio(1573-1610), v kateri umetnik razvija motiv iz resničnega vsakdana.
El Greco(1541-1614) Španija. Portret moškega z roko na prsih
Ob koncu 16. stoletja v delu španskega umetnika El Greco
(1541-1614) nastane nov tip portret, ki sporočaobičajna notranja koncentracija človeka, intenzivnost njegovegaduhovno življenje, zatopljenost v svoje notranji svet. Da bi to naredil, umetnik uporablja ostre svetlobne kontraste, izvirnebarva, sunkoviti gibi ali zamrznjene poze. Duhovnost in edinstvena lepota bledo podolgovate, ki jih je ujel, so drugačneobrazi z ogromnimi temnimi, navidez brezdna očmi.V 17. stoletju je pomembno mesto v evropskem slikarstvu zavzemal intimni (komorni) portret, katerega namen je bil prikazati človekovo duševno stanje, njegove občutke in čustva. Priznan mojster te vrste portreta je bil nizozemski umetnik Rembrandt, ki je naslikal veliko duševnih podob.
"Portret stare dame" (1654) je prežet z iskrenim občutkom. Ta dela gledalcu predstavljajo navadne ljudi, ki nimajo niti plemenitih prednikov niti bogastva. Toda za Rembrandta, ki je odprl novo stran v zgodovini portretnega žanra, je bilo pomembno prenesti duhovno prijaznost svojega modela, njene resnično človeške lastnosti.
V 17. stoletju glavno merilo umetnosti postane materialni svet, zaznan s čutili. V portretu je imitacija realnosti nadomestila nerazumljivost in nerazložljivost človekovih duševnih manifestacij in njegovih raznolikih duhovnih vzgibov. Čar mehkega žameta in zračne svile, puhastega krzna in krhkega stekla, mehkega mat usnja in bleščeče trde kovine se v tem času prenaša z najvišjo veščino.
Portreti velikega Nizozemca Rembrandt(1606-1669) ne brez razloga veljajo za vrhunec portretne umetnosti. Upravičeno so prejeli ime portreti-biografije. Rembrandta so imenovali pesnik trpljenja in sočutja. Blizu in dragi so mu skromni, potrebni, od vseh pozabljeni ljudje. Umetnik s posebno ljubeznijo obravnava »ponižane in užaljene«. Po naravi njegovega ustvarjanja ga primerjajo s F. Dostojevskim. Njegove portretne biografije odsevajo kompleksno usodo, polno tegob in stisk navadni ljudje ki kljub hudim preizkušnjam, ki so jih doletele, niso izgubili človeškega dostojanstva in topline.
Ko je komaj prestopil prag, ki ločuje 17. stol. iz XVIII., bomo na portretih videli drug rod ljudi, drugačnih od svojih predhodnikov. Dvorna aristokratska kultura je postavila v ospredje rokokojski slog s prefinjenimi, zapeljivimi, premišljeno lenobnimi, zasanjano raztresenimi podobami.
Risanje portretov umetnikov Antoine Watteau(1684-1721), Francois Boucher(1703-1770) in drugi so lahki, okretni, njihova barva je polna gracioznih odtenkov in je značilna kombinacija izvrstnih poltonov.
Diapozitiv 27 A. Watteau. (1684-1721) Mezzeten
Slikarstvo rokokoja in neoklasicizma.
Slika francoskega slikarja Antoina Watteauja "Mezzeten". V obdobju 1712-1720 se je Watteau začel zanimati za pisanje prizorov iz gledališkega življenja. Watteau je uporabil skice poz, kretenj in obraznih izrazov igralcev, ki so mu bili všeč, ki jih je naredil v gledališču, ki je zanj postalo zatočišče živih občutkov. Romantična in melanholična podoba junaka je polna ljubezenske poezije pošteno gledališče, igralec, ki izvaja serenado v filmu "Mezzeten".
Spomenik Petru I. delo francoskega kiparja Etienne Maurice Falconet
Iskanje herojskega, pomembnega, monumentalnega v umetnosti je povezano z 18. stol. s časom revolucionarnih sprememb. Eden genialnih kiparskih portretov svetovne umetnosti je spomenik
Peter I francoskega kiparja Etienne Maurice Falconet(1716-1791), postavljen v Sankt Peterburgu v 1765-1782 Zamišljen je kot podoba genija in ustvarjalca. Neuklonljiva energija, poudarjena s hitrim gibanjem konja in jezdeca, se izraža v oblastni kretnji iztegnjene roke, v pogumnem odprtem obraz z neustrašnostjo, voljo, bistrino duha.
XIX stoletje v portretno umetnost vnesel variabilnost umetniških okusov in relativnost pojma lepote. Inovativna iskanja v slikarstvu so zdaj usmerjena v zbliževanje z realnostjo, v iskanje raznolikosti podob.
Eugene Delacroix(1798-1863). Portret F. Chopina
V obdobju romantike se portret dojema kot podoba notranjega "jaz" osebe, obdarjene s svobodno voljo. Pravi romantični patos se pojavi v portretu F. Chopina Francozov
romantični umetnik Eugene Delacroix(1798-1863).
Pred nami je pravi psihološki portret, ki prenaša strast, gorečnost skladateljeve narave, njegovo notranje bistvo. Slika je napolnjena s hitrim, dramatičnim gibanjem. Ta učinek je dosežen z vrtenjem Chopinove figure, intenzivno barvitostjo slike, kontrastnim chiaroscurom, hitrimi, intenzivnimi potezami,
Umetniška struktura Delacroixovega portreta je skladna z glasbo Etude
E-dur za klavir Chopin. Zadaj je resnična podoba - o-
časi domovine. Navsezadnje je nekega dne, ko je njegov najljubši učenec igral to etudo,
Chopin je dvignil roke z vzklikom: "O, moja domovina!"
Chopinova melodija, pristna in močna, je bila njegovo glavno izrazno sredstvo, njegov jezik. Moč njegove melodije je v njeni moči
vpliv na poslušalca. Je kot razvijajoča se misel, ki je podobna razpletu zapleta zgodbe ali vsebini zgodovinsko pomembnega
sporočila.
V portretni umetnosti XX-XXI stoletja. Pogojno lahko ločimo dve smeri. Eden od njih nadaljuje klasično tradicijo realistične umetnosti, poveličuje lepoto in veličino človeka, drugi išče nove abstraktne oblike in načine izražanja svojega notranjega sveta.
K portretnemu žanru so se obračali tudi predstavniki modernističnih gibanj, ki so se pojavila v 20. stoletju. Slavni francoski umetnik Pablo Picasso nam je zapustil številne portrete. Iz teh del je mogoče zaslediti, kako se je mojstrovo delo razvilo iz t.i. modro obdobje do kubizma.
Slide 32 Picasso (1881-1973) "Portret Ambroisa Vollarda."
Ideje analitičnega kubizma so našle prvotno utelešenje v Picassovem delu "Portret Ambroisa Vollarda".
Ustvarjalne naloge
Poiščite portrete, ki so obravnavani v besedilu. Primerjajte jih med seboj, prepoznajte podobne in različne lastnosti. Podajte svojo interpretacijo njihovih slik.
Katere portrete bi uvrstili med tradicionalno klasično umetnost in katere med abstraktno umetnost? Navedite razloge za svoje mnenje.
Ujemite jezik razne smeri portretno slikarstvo. Določite izraznost linij, barvo, barvo, ritem, sestavo vsake od njih.
poslušaj glasbene kompozicije. Poveži portrete s tistimi deli, ki se skladajo s podobami, ujetimi na njih.
Umetniško ustvarjalna naloga
Pripravite album, časopis, almanah, računalniško predstavitev (neobvezno) na temo "Žanr portreta v kulturi različnih časov."
Vključite informacije o umetnikih, kiparjih, grafikih, pa tudi pesmi, prozne odlomke in fragmente glasbenih del, ki so skladni s slikami vaše galerije portretov.
poslušajGlasbena dela:Chopin Nokturno v b-molu; etuda F. Chopina v E-duru;
El Greco - "Portret gospoda z roko na prsih"Svetlana Obukhova
O življenju Krečana Domenica Theotokopoulija, umetnika, ki je pod imenom El Greco, torej Grk, osvojil španski Toledo, ni več skoraj nobenih dokazov. "Neumnosti" njegovega značaja in nenavaden slikarski način so mnoge presenetili in jih prisilili, da so prijeli za pero - a ohranilo se je le nekaj črk. Ena izmed njih vsebuje naslednje vrstice: »... vreme je bilo lepo, spomladansko sonce je nežno sijalo. Vsem je razveselilo in mesto je bilo videti praznično. Predstavljajte si moje presenečenje, ko sem vstopil v El Grecov studio in videl, da so polkna na oknih zaprta, zato je bilo težko videti, kaj je naokoli. El Greco sam je sedel na stolu in ni delal ničesar, a je bil buden. Ni hotel iti ven z menoj, saj je po njegovih besedah sončna svetloba motila njegovo notranjo svetlobo ...«
O možu Domenicu skorajda ni več nobenih dokazov, le odmevi: da je živel v velikem slogu, imel bogato knjižnico, bral številne filozofe in tudi tožil stranke (te so ga imele rade, pogosteje pa ne razumele), umrl skoraj l. revščina - kot tanki žarki dnevne svetlobe prebijajo razpoke v "zaprtih polknih" njegovega življenja. Vendar ne odvračajo od glavne stvari - od notranje svetlobe, ki napolnjuje slike umetnika El Greca. Predvsem portreti.
Ni pokrajin, ki bi se odpirale za portretirancem, ni obilice detajlov, ki pritegnejo radoveden pogled. Celo ime junaka je pogosto izpuščeno iz slike. Ker bi vam vse to preprečilo, da bi videli obraz. In oči, globoke, temne, gledajo naravnost vate. Težko se jim je odtrgati, in če se prisiliš, je videti gesto in se spet ustaviti v mislih.
To je "Portret kavalirja z roko na prsih" (1577-1579), ki ga je mojster naslikal kmalu po tem, ko se je preselil v Toledo. Ta portret je priznan kot eden najboljših v španskem slikarstvu 16. stoletja. Tujec El Greco je ustvaril »živopisne podobe španskega življenja in zgodovine«, ki zajemajo »pristna živa bitja, ki združujejo v sebi vse, kar je v našem ljudstvu vredno občudovanja, vse junaško in neuklonljivo, s tistimi nasprotnimi lastnostmi, ki se ne morejo odražati, ne da bi uničili njeno bistvo« (A. Segovia). Aristokrati iz starodavnih družin Toleda so postali pravi junaki El Greca, videl je njihovo notranjo luč - njihovo plemenitost in dostojanstvo, zvestobo dolžnosti, inteligenco, prefinjenost manir, pogum, zunanjo zadržanost in notranji impulz, moč srca, ki ve za kaj živi in umira..
Dan za dnem se obiskovalci galerije Prado ustavljajo pred neznanim hidalgom, presenečeni z besedami: »Kot živ ...« Kdo je on, ta vitez? Zakaj tako iskreno odpre svoje srce? Zakaj so njegove oči tako privlačne? In ta gesta prisege? In ročaj meča?.. Morda se je iz teh vprašanj rodila legenda, da je oseba, upodobljena na portretu, še en veliki Španec: Miguel de Cervantes. Bojevnik in pisatelj, ki je svetu pripovedoval zgodbo o vitezu žalostne podobe, ki mu je bil dan enak božanski dar kot El Greco - videti ljudi, kakršni morajo biti, videti njihovo notranjo luč ...
In druge slike iz muzeja Prado v Ermitažu ...
El Greco "Kristus objema križ" 1600 - 1605
Upodobljen v ozadju nevihtnega neba, značilnega za El Greca, Kristus objema križ s svojimi gracioznimi rokami in gleda navzgor z mirno obsojenostjo. Slika je doživela velik uspeh in v El Grecovi delavnici je nastalo veliko njenih različic.
El Greco "Sveta družina s sv. Ano in malim Janezom Krstnikom" c. 1600 - 1605
Za pozno obdobje El Grecovega dela je značilna uporaba prodornih barv in prebliskov; prostor je popolnoma zapolnjen s figurami, ki zastirajo obzorje. Forme, naslikane z vibrirajočim čopičem, izgubijo materialnost. Mali Janez Krstnik kliče gledalca k tišini, da ne bi motil miru dojenčka Kristusa ...
Velasquez - Portret Filipa IV. Portret kralja Filipa IV. 1653-1657
Temelje psihološkega portreta v evropski umetnosti je postavil španski slikar Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Rodil se je v revni plemiški družini v Sevilli in študiral pri Herreri starejšem in Pachecu. Leta 1622 je prvič prišel v Madrid. V praktičnem smislu to potovanje ni bilo zelo uspešno - Velazquez ni našel vrednega mesta zase. Upal je, da se bo srečal z mladim kraljem Filipom IV., a do srečanja ni prišlo. Kljub temu so govorice o mladem umetniku dosegle dvor in že naslednje leto, 1623, je prvi minister, vojvoda de Olivares (tudi rojen v Sevilli), povabil Velazqueza v Madrid, da bi naslikal portret kralja. To delo, ki nas ni doseglo, je na monarha naredilo tako prijeten vtis, da je Velazquezu takoj ponudil položaj dvornega umetnika. Kmalu so se med kraljem in Velazquezom razvili precej prijateljski odnosi, kar ni bilo ravno značilno za red, ki je vladal na španskem dvoru. Kralj, ki je vladal največjemu imperiju na svetu, ni veljal za človeka, temveč za božanstvo, umetnik pa ni mogel računati niti na plemiške privilegije, saj se je preživljal z delom. Medtem je Filip ukazal, da odslej samo Velazquez slika njegove portrete. Veliki monarh je bil presenetljivo velikodušen in podpiral Velazqueza. Umetnikov atelje se je nahajal v kraljevih apartmajih, tam pa je bil nameščen stol za njegovo veličanstvo. Kralj, ki je imel ključ do delavnice, je prihajal sem skoraj vsak dan, da bi opazoval umetnikovo delo. Medtem ko je bil v kraljevi službi od leta 1623 do 1660, je Velazquez naslikal približno ducat portretov svojega vladarja. Od tega je do nas prišlo nekaj več kot 10 slik. Tako je Velazquez svojega vladarja v povprečju slikal približno enkrat na tri leta. Slikanje kraljevih portretov je bila Velazquezova naloga, ki jo je odlično opravil. Zahvaljujoč temu imamo kompleks del, ki je edinstven na svoj način: Velazquezovi portreti tako jasno zarisujejo življenjsko pot kralja Filipa, kot se je kasneje uveljavilo šele v dobi fotografije. Evolucija je jasno vidna na umetnikovih slikah. Prvič, spremeni se sam kralj, na prvem portretu star 18 let, na zadnjem pa 50 let; na njegovem obrazu je odtisnjen pečat starosti in duhovnih sprememb. Drugič, umetnikovo dojemanje modela se poglobi in se iz površnega spremeni v pronicljivo. Sčasoma se spreminja način predstavitve modela in likovne tehnike. Velazquezova manira se preoblikuje pod vplivom lastne ustvarjalne rasti, pa tudi pod vplivom sodobne domače in tuje tradicije. Ta podprsni portret prikazuje Filipa IV. na temnem ozadju, oblečenega v črna oblačila z belim ovratnikom, ki jasno poudarja monarhov obraz. Velázquez se v portretu kralja izogiba bahatosti in prikazuje "človeški obraz" monarha brez laskanja ali dvorne zvijačnosti. Jasno čutimo, da je oseba, ki nas gleda s platna, nesrečna; zadnja leta njegove vladavine za kralja niso bila lahka. To je človek, ki je poznal razočaranje, a hkrati človek, čigar meso je polno prirojene veličine, ki je nič ne more omajati. Še en veliki umetnik, Španec do duše, Pablo Ruiz Picasso, pravi o podobi španskega kralja tole: "ne moremo si predstavljati drugega Filipa IV. razen tistega, ki ga je ustvaril Velazquez ..."
"Portret kralja Filipa IV" (ok. 1653 - 1657)
Eden zadnjih portretov monarha. Zanimivo je, da tukaj ni niti enega elementa, ki bi govoril o kraljevskem statusu portretiranca. Velazquez je Filipu IV služil skoraj štirideset let - od leta 1623 do njegove smrti, slikal je portrete kralja in njegove družine, velika tematska platna za kraljevo zbirko.
Diego Velazquez "Portret norčka Don Diega de Aceda" (El Primo) c. 1644
Diego Velazquez "Portret kraljice Marianne Avstrijske" 1652-1653
Tizian (Tiziano Vecellio) "Venera z Kupidom in organistom" 1555
Glasbenik igra, sedi ob nogah Venere in občuduje golo telo boginje, ki se raztreseno igra s Kupidom. Nekateri so to sliko videli kot čisto erotično delo, drugi pa so jo dojemali simbolično - kot alegorijo občutkov, kjer sta vid in sluh orodji za spoznavanje lepote in harmonije. Tizian je napisal pet različic te teme.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Spokorna Marija Magdalena" 1583
Po spreobrnjenju je Marija Magdalena svoje življenje posvetila kesanju in molitvi ter se umaknila od sveta. Na tej sliki je upodobljena, kako gleda v nebesa in se kopa v božanski svetlobi. Slika je naslikana v gostih temnih barvah, značilnih za Veronesejev slog v poznem obdobju njegovega ustvarjanja. Pred vstopom v španske kraljeve zbirke je delo pripadalo angleškemu kralju Karlu I. (usmrčen leta 1649)
Anthony Van Dyck "Portret moškega z lutnjo" 1622-1632
Anthony Van Dyck se za svojo slavo zahvaljuje prav žanru portretiranja, ki je v hierarhiji evropskega slikarstva zavzemal precej nizek položaj. Vendar se je v tem času v Flandriji že razvila tradicija portretne umetnosti. Van Dyck je naslikal na stotine portretov, več avtoportretov in postal eden od ustvarjalcev sloga ceremonialnega portretiranja 17. stoletja. V portretih svojih sodobnikov je prikazoval njihov intelektualni, čustveni svet, duhovno življenje in živi človeški značaj.
Tradicionalni model za ta portret je Jacob Gautier, lutnjist na angleškem dvoru od 1617 do 1647, vendar prisotnost meča in v večji meri slogovne značilnosti dela kažejo, da mora biti veliko prej kot Van Dyckovo potovanje v London, ki dvomi o tej teoriji. Prisotnost glasbila ne pomeni nujno, da je bil model glasbenik. Glasbila so bila kot simbol pogosto upodobljena na portretih kot pokazatelj intelektualne prefinjenosti in občutljivosti subjekta.
Juan Bautista Maino "Čaščenje pastirjev" 1612-1614
Ena Mainovih mojstrovin. Zbirka državnega puščavnika vsebuje še eno različico te zgodbe, ki jo je napisal Maino. Umetnik se je rodil v Pastrani (Guadalajara) in od leta 1604 do 1610 živel v Rimu. To delo, naslikano po njegovi vrnitvi v Španijo, kaže vpliv Caravaggia in Orazia Gentileschija. Leta 1613 je Maino postal član dominikanskega reda in slika je bila vključena v oltarni ciklus samostana sv. Petra Mučenika v Toledu.
Georges de Latour "Slepi glasbenik s Hurdy-Hurdy" pribl. 1625- 1630
Latour prikazuje starega slepega glasbenika, ki igra na hurdy-gurdy. Ta zaplet je večkrat ponovil. Umetnik, ki je deloval pod vplivom Caravaggiovega sloga, navdušeno reproducira podrobnosti - vzorec, ki okrasi glasbilo, gube na obrazu slepega človeka, njegove lase.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Osvobaja Andromedo" Pribl. 1639-1640
Francisco de Goya "Portret Ferdinanda VII" 1814-1815
Po Napoleonovem porazu leta 1814 se je na španski prestol vrnil Ferdinand VII. Na portretu je oblečen v kraljevsko haljo, podrobljeno s hermelinom, drži žezlo ter ordene Carlosa III. in zlato runo.
Ferdinand VII., ki je državi vladal do leta 1833, je leta 1819 ustanovil muzej Prado.
Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, žena prvega direktorja Prada, je bila ena najbolj cenjenih žensk v Španiji svojega časa.
Na portretu iz leta 1805 je Goya upodobil markizo kot muzo lirike Evterpo, ki leži na kavču in v levi roki drži liro. Izbira te posebne slike je posledica markizine strasti do poezije.
Francisco Goya - "Jesen (trgatev)" 1786 - 1787
Francisco GOYA - "Obiranje grozdja" fragment
V letih 1775–1792 je Goya ustvaril sedem serij kartonskih tapiserij za palači Escorial in Prado na obrobju Madrida. Ta slika spada zlasti v serijo letnih časov in je bila namenjena jedilnici princa Asturijskega v Pradu. Goya je klasično zgodbo upodobil kot vsakdanji prizor, ki odraža naravo razmerja med različnimi sloji - slika prikazuje lastnike vinograda s sinom in služkinjo.
Francisco Goya "Portret generala Joséja de Urrutie" (ok. 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - eden najvidnejših španskih vojskovodij in edini častnik nearistokratskega porekla v 18. stoletju, ki je dosegel čin generalnega stotnika - je upodobljen z redom sv. Jurija, ki ga mu je podelila ruska cesarica Katarina Velika za sodelovanje pri zavzetju Očakova med krimsko kampanjo leta 1789.
Peter Paul Rubens "Portret Marie de' Medici." OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) je bila hči velikega toskanskega vojvode Francesca I. Leta 1600 je postala žena francoskega kralja Henrika IV. Od leta 1610 je bila regentka svojega mladega sina, bodočega kralja Ludvika XIII. Rubensu je naročila serijo del, v katerih poveličuje sebe in svojega pokojnega moža. Portret prikazuje kraljico z vdovskim pokrivalom in nedokončanim ozadjem.
Domenico Tintoretto "Ženska, ki razgali prsi" Pribl. 1580-1590
Vicente Lopez Portanha "Portret Felixa Maxima Lopeza, prvega organista kraljeve kapele" 1820
Španski neoklasični slikar, ki je ohranil sledove rokokoja. Lopez je veljal za enega najboljših portretistov svojega časa, takoj za Franciscom de Goyo. Slikarstvo je začel študirati v Valencii pri 13 letih in v štirih letih osvojil več prvih nagrad na akademiji San Carlos, s čimer si je prislužil štipendijo za študij na prestižni kraljevi akademiji lepih umetnosti San Fernando. Po končanem študiju je Lopez več let delal v delavnici svojega učitelja Mariana Salvadorja Maelle. Do leta 1814, po francoski okupaciji, je bil Lopez že znan umetnik, zato ga je španski kralj Ferdinand VII. poklical v Madrid in ga imenoval za uradnega dvornega umetnika, kljub temu, da je bil takrat »prvi kraljevi umetnik« Francisco. Goya sam. Vicente Lopez je bil ploden umetnik, slikal je slike na verske, alegorične, zgodovinske in mitološke teme, predvsem pa je bil seveda portretist. V svoji dolgoletni karieri je naslikal portrete skoraj vseh znanih osebnosti Španije v prvi polovici 19. stoletja.
Ta portret prvega organista kraljeve kapele ter slavnega glasbenika in skladatelja je bil naslikan tik pred umetnikovo smrtjo, dokončal pa ga je njegov najstarejši sin Ambrosio Lopez.
Anton Raphael Mengs "Portret Marije Luise iz Parme, princese Asturijske" 1766
Juan Sanchez Cotan "Tihožitje z divjadjo, zelenjavo in sadjem" 1602
Don Diego de Acedo je bil na dvoru od leta 1635. Poleg "službe za norčije" je služil kot kraljevi glasnik in skrbel za kraljev pečat. Očitno o teh dejavnostih govorijo knjige, papirji in pisalni pripomočki na sliki. Predvideva se, da je bil portret naslikan v mestu Fraga, provinca Huesca, med potovanjem Filipa IV. v Aragon, na katerem ga je spremljal Diego de Acedo. V ozadju se dviga vrh Malicios gorovja Guadarrama.
Hieronymus Bosch "Pridobivanje kamna norosti" ok. 1490
Satirični prizor s figurami na pokrajinskem ozadju prikazuje operacijo odstranjevanja »kamna neumnosti«. Napis v gotski pisavi se glasi: "Mojster, hitro odstrani kamen. Moje ime je Lubbert Das." Lubbert je pogost samostalnik, ki označuje nevednost in preprostost. Kirurg, ki nosi pokrivalo v obliki obrnjenega lijaka, ki simbolizira nevednost, "odstrani" kamen (vodno lilijo) z glave lahkovernega pacienta in od njega zahteva velikodušno plačilo. Preprosti ljudje so takrat verjeli, da je za njihovo neumnost kriv kamen v glavi. To so izkoristili šarlatani.
Rafael (Raffaello Santi) "Sveta družina z jagnjetom" 1507
Marija pomaga malemu Kristusu sesti na jagnje - krščanski simbol prihajajočega Kristusovega trpljenja, in sv. Jožef jih opazuje. Slika je bila naslikana v Firencah, kjer je umetnik študiral delo Leonarda da Vincija pod vplivom njegovih kompozicij s Sveto družino. V muzeju Prado je to edino delo Rafaela, naslikano v zgodnjem obdobju.
Albrecht Durer "Portret neznanega človeka" Pribl. 1521
Portret sodi v pozno obdobje Dürerjevega ustvarjanja. Slikano na način, podoben slogu nizozemskih umetnikov. Klobuk s širokim robom pritegne pozornost na obraz portretiranca, svetloba, ki pada z leve strani, osredotoči pozornost gledalca nanj. Drugo središče pozornosti na portretu so roke, predvsem leva, v kateri neznanec drži zvitek - očitno pojasnjuje njegov socialni status.
Rogier Van der Weyden "Žalovanje" Pribl. 1450
Vzorec je bil oltarni triptih za samostan Miraflores (hrani se v berlinski umetnostni galeriji), ki ga je ustvaril Van der Weyden pred letom 1444 in ponovil z nekaterimi razlikami. V tej različici z zgornjim delom, dodanim v neznanem času, so Marija, Kristus, sv. Na istem prostoru sta upodobljen Janez in darovalec (naročnik slike) - član družine Broers. Umetnik ekspresivno prenaša žalost Matere božje, ki na prsih stiska telo mrtvega sina. Tragična skupina na levi je v nasprotju s figuro darovalca, ločena s kamnom. Je v stanju molitvene zbranosti. Takrat so stranke pogosto prosile, naj se upodobijo na slikah. Toda njihove podobe so bile vedno sekundarne - nekje v ozadju, v množici itd. Tukaj je darovalec upodobljen v ospredju, vendar je od glavne skupine ločen s kamnom in barvo.
Alonso Cano "Mrtvi Kristus, ki ga podpira angel" c. 1646 - 1652
Na ozadju somračne pokrajine angel podpira brezživo Kristusovo telo. Nenavadna ikonografija te slike je razložena z dejstvom, da ni povezana z evangeličanskimi besedili, temveč s tako imenovanim Kristusom sv. Gregory. Po legendi je papež Gregor Veliki videl vizijo mrtvega Kristusa, ki sta ga podpirala dva angela. Kano je to zaplet razlagal drugače - samo en angel podpira negibno Kristusovo telo.
Bartolome Esteban Murillo "Gospa rožnega venca" pribl. 1650 -1655
Delo Bartolomeja Estebana Murilla končuje zlato dobo španskega slikarstva. Murillova dela so kompozicijsko brezhibno natančna, barvno bogata in harmonična ter lepa v najvišjem pomenu besede. Njegova čustva so vedno iskrena in rahločutna, a v Murillovih slikah ni več tiste duhovne moči in globine, ki je tako pretresljiva v delih njegovih starejših sodobnikov. Umetnikovo življenje je povezano z njegovo rodno Sevillo, čeprav je moral obiskati Madrid in druga mesta. Po šolanju pri lokalnem slikarju Juanu del Castillu (1584-1640) je Murillo veliko delal po naročilih iz samostanov in templjev. Leta 1660 je postal predsednik Akademije lepih umetnosti v Sevilli.
S svojimi slikami verskih tem je Murillo skušal prinesti tolažbo in pomiritev. Ni naključje, da je zelo pogosto slikal podobo Matere Božje. Marijina podoba je prehajala iz slike v sliko v podobi ljubke mlade deklice pravilnih potez obraza in mirnega pogleda. Njena nedolžna pojava naj bi v gledalcu vzbudila občutek sladke nežnosti. Na tej sliki je Bartolome Murillo upodobil Madono in Jezusa z rožnim vencem, tradicionalnim katoliškim rožnim vencem, katerega molitvi so v umetnikovem času pripisovali velik pomen. V tem delu so še opazne značilnosti naturalizma, ki je prevladoval v delih predstavnikov seviljske šole v prvi polovici 17. stoletja, vendar je Murillov slikarski slog že bolj svoboden kot v njegovem zgodnjem delu. Ta svobodna manira je še posebej očitna pri upodobitvi Marijinega tančice. Umetnik uporablja močno svetlobo, da poudari figure na temnem ozadju in ustvari kontrast med nežnimi toni obraza Device Marije in telesa otroka Kristusa ter globokimi sencami v gubah blaga.
V Andaluziji v 17. stoletju je bila še posebej iskana podoba Device z otrokom. Murillo, čigar ustvarjalno življenje je minilo v Sevilli, je naslikal veliko takih slik, prežetih z nežnostjo. V tem primeru je Mati Božja upodobljena z rožnim vencem. In tukaj, tako kot v zgodnjih letih svojega ustvarjanja, umetnik ostaja zvest svoji strasti do svetlobnih in senčnih kontrastov.
Bartolome Esteban Murillo "Dobri pastir" 1655-1660
Slika je prežeta z globoko liričnostjo in prijaznostjo. Naslov je vzet iz Janezovega evangelija: "Jaz sem dobri pastir." To nakazuje, da slika prikazuje Kristusa, čeprav v zelo zgodnji mladosti. Vse v Murillovem filmu je lepo in preprosto. Umetnik je rad slikal otroke in vso to ljubezen je vložil v lepoto podobe tega dečka-boga. V letih 1660-1670, v času razcveta svojih slikarskih veščin, je Murillo skušal poetizirati svoje like in pogosto so mu očitali nekaj sentimentalnosti v njegovih slikah in njihovi premišljeni lepoti. Vendar ti očitki niso povsem pošteni. Otroka, upodobljenega na sliki, je še danes mogoče videti tako v Sevilli kot v okoliških vaseh. In ravno v tem se je pokazala demokratična usmeritev umetničinega dela - v enačenju lepote Madone z lepoto običajnih španskih žensk in lepote njenega sina, malega Kristusa, z lepoto uličnih ježkov.
Alonso Sanchez Coelho "Portret Infantes Isabella Clara Eugenia in Catalina Micaela" 1575
Portret prikazuje princeso, staro osem in devet let, ki drži venec iz rož. Sánchez Coelho je slikal portrete infant - ljubljenih hčera kralja Filipa II. in njegove tretje žene Isabelle Valois - že zelo zgodaj. Vsi portreti so narejeni v skladu s kanoni dvornega portreta - dekleta v veličastnih oblačilih in z brezstrasnimi obraznimi izrazi.
Anton Rafael Mengs. Portret kralja Carlosa III. 1767
Karla III so imenovali morda edini resnično razsvetljeni monarh v zgodovini Španije. Prav on je leta 1785 ustanovil muzej Prado, najprej kot naravoslovni muzej. Charles III je sanjal, da bi muzej Prado skupaj z bližnjimi botaničnimi vrtovi postal središče znanstvenega izobraževanja.
Ko je zasedel prestol, je začel izvajati resne politične in gospodarske reforme, ki jih je država takrat tako nujno potrebovala. Vendar so bila njegova prizadevanja zaman - njegov sin Charles IV ni delil naprednih pogledov svojega očeta in po smrti Charlesa III so bile reforme končane.
Ta portret je popolnoma tipičen za svoj čas. Umetnik z vsako podrobnostjo opozarja na položaj, ki ga zavzema model: plašč, okrašen s hermelinom, malteški križ, obdan z dragulji, sijoč oklep - nepogrešljivi atributi kraljeve veličine. Bujne draperije in pilaster (element klasične arhitekture) so tradicionalno ozadje za takšne portrete.
Toda že na tem portretu je presenetljivo, kako je predstavljen obraz modela. Mengs ne poskuša shujšati kraljevega gomoljastega nosu ali zgladiti gub na njegovih nagubanih licih. Zahvaljujoč maksimalni individualnosti ta slika ustvarja občutek življenja, ki ga Mengsovi predhodniki niso mogli doseči. Portret vzbuja sočutje do Carlosa III., ki je pripravljen "pokazati" svoj nepopolni videz.
Antoine Watteau "Praznik v parku" ok. 1713 - 1716
Ta očarljivi prizor je tipičen primer Watteaujevih »galantnih počitnic«. Rahla megla, ki zabriše obrise, kip Neptuna, skoraj skrit v listju nad vodnjakom, in zbledela zlata barva - vse to oddaja vzdušje akutnega, a minljivega užitka.
Slika je pripadala Isabelli Farnese, drugi ženi kralja Filipa V.
Antonio Carnicero "Dvig balona na vroč zrak v Aranjuezu" c. 1784
Sliko sta naročila vojvoda in vojvodinja Haussouinova in zajema duh razsvetljenstva, ki je vzbudilo zanimanje za dosežke znanstvenega napredka. Prikazan je resničen dogodek: leta 1784 je bil v kraljevih vrtovih Aranjuez v navzočnosti monarha, članov njegove družine in dvorjanov izveden polet z balonom. Antonio Carnicero je bil znan po svojih čudovitih žanrskih prizorih in ta slika je eno njegovih najbolj ambicioznih del.
Jose de Madrazo y Agudo "Nebeška ljubezen in zemeljska ljubezen" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Jagnje božje" 1635-1640
Na sivi mizi leži jagnje, ki močno izstopa na temnem ozadju v ostro fokusirani močni svetlobi. Vsak človek v 17. stoletju bi ga takoj prepoznal kot »božje jagnje« in bi razumel, da je to namig na Kristusovo samožrtvovanje. Jagnječja volna je čudovito obdelana in se zdi tako mehka, da je težko umakniti pogled z živali in se je želite dotakniti.
Juan Pantoja de la Cruz "Portret kraljice Izabele Valoiške" c. 1604 – 1608
Pantoja de la Cruz je naslikal ta portret in ponovil delo Sofonisbe Angishole - izvirnik je leta 1604 zgorel v palači. Umetnik je kraljičini obleki dodal le ogrinjalo iz svizčevega krzna.
Sofonisba Angishola je bila umetnica iz Cremone, ki je delala na španskem dvoru. To je bil prvi umetnikov portret mlade kraljice v seriji. Slika je bila naslikana v maniri, ki je blizu španščini, vendar v toplejših in svetlejših barvah.
Jean Rann "Portret Carlosa III kot otroka" 1723
Luis Melendez "Tihožitje s škatlo sladkarij, preste in drugih predmetov" 1770
Največji mojster španskega tihožitja 18. stoletja Luis Melendez se je rodil v Italiji, v družini miniaturista iz Asturije. Leta 1717 se je družina preselila v Madrid, kjer je mladenič vstopil na pripravljalni oddelek akademije San Fernando in zasedel prvo mesto med najbolj nadarjenimi študenti. Vendar pa je bil leta 1747 prisiljen zapustiti akademijo, po očetu, ki je bil iz nje izključen zaradi spopada. V tem obdobju Melendez ponovno obišče Italijo. Sprva je pomagal očetu, postal je miniaturist, po vrnitvi iz Italije pa ga je Ferdinand VI. povabil k ilustriranju knjig v kraljevi kapeli v Madridu. V žanru tihožitja, h kateremu se je umetnik obrnil v zgodnjih šestdesetih letih 17. stoletja, se je pojavila nova plat njegovega dela.
To tihožitje je nastalo v umetnikovem zrelem obdobju. V tem času so se v njegovih kompozicijah pojavili luksuzni predmeti in srebrnina. Toda kljub temu se umetnik še vedno drži svojih idealov in deluje v skladu z žanrsko tradicijo. Materialna oprijemljivost vsakega od predmetov, naslikanih na platnu, nas spominja na najboljše primere tihožitja v svetovni umetnosti. Otipljivo prozorno steklo kozarca se odraža v mat sijoči površini srebrne vaze. Mehka pereca na beli servieti, ki diši po sveže pečenem kruhu. Grlo zaprte steklenice se motno lesketa. Srebrne vilice štrlijo nekoliko čez rob osvetljene mize. V kompoziciji tega tihožitja ni asketske razporeditve predmetov v eni vrsti, značilne na primer za Zurbaranova tihožitja. Morda ima nekaj skupnega z nizozemskimi vzorci. Toda ton je temnejši, predmetov je manj in kompozicija je preprostejša.
Juan de Arellano "Košara rož" 1670
Španski baročni slikar, specializiran za upodabljanje cvetličnih aranžmajev, rojen v Santorcasu leta 1614. Sprva se je učil v ateljeju danes neznanega umetnika, pri 16 letih pa se je preselil v Madrid, kjer je študiral pri Juanu de Solisu, umetniku, ki je izvajal naročila za kraljico Izabelo. Juan de Arellano je dolgo živel od majhnih naročil, tudi stenskih poslikav, dokler se ni odločil posvetiti izključno slikanju rož in na tem področju postal neprekosljiv mojster. Menijo, da je mojster začel s kopiranjem del drugih, zlasti italijanskih umetnikov; flamska tihožitja so njegovemu slogu dodala eleganco in strogost. Kasneje je tej kombinaciji dodal svoje kompozicijske zamisli in značilno barvno paleto.
Za Arellano je značilna precej preprosta kompozicija tega tihožitja. Čiste, intenzivne rastlinske barve zaradi intenzivne osvetlitve močno izstopajo na nevtralnem rjavkastem ozadju.