Μια ιστορία για μια συμφωνική ορχήστρα για παιδιά. Τύποι ορχήστρων που εκτελούν ορχηστρική και συμφωνική μουσική. Ορχηστρικά είδη και μορφές

Η λέξη «ορχήστρα» είναι πλέον γνωστή σε κάθε μαθητή. Αυτό είναι το όνομα μιας μεγάλης ομάδας μουσικών που ερμηνεύουν από κοινού ένα μουσικό κομμάτι. Εν τω μεταξύ μέσα Αρχαία ΕλλάδαΟ όρος «ορχήστρα» (από τον οποίο σχηματίστηκε αργότερα η σύγχρονη λέξη «ορχήστρα») δήλωνε τον χώρο μπροστά από τη σκηνή όπου βρισκόταν η χορωδία, απαραίτητος συμμετέχων στην αρχαία ελληνική τραγωδία. Αργότερα, μια ομάδα μουσικών άρχισε να βρίσκεται στον ίδιο χώρο και ονομάστηκε «ορχήστρα».

Πέρασαν αιώνες. Και τώρα η ίδια η λέξη «ορχήστρα» δεν έχει συγκεκριμένη σημασία. Σήμερα, υπάρχουν διαφορετικές ορχήστρες: χάλκινες, λαϊκές, ορχήστρες ακορντεόν, ορχήστρες δωματίου, ποπ-τζαζ κ.λπ. Καμία όμως δεν αντέχει τον ανταγωνισμό με το «ηχητικό θαύμα». Έτσι αποκαλείται συχνά και, φυσικά, πολύ σωστά μια συμφωνική ορχήστρα.

Οι δυνατότητες μιας συμφωνικής ορχήστρας είναι πραγματικά ατελείωτες. Στη διάθεσή του υπάρχουν όλες οι αποχρώσεις της ηχητικής φωνής, από δονήσεις και θρόισμα που μόλις ακούγονται μέχρι δυνατά βροντερά χτυπήματα. Και το θέμα δεν είναι καν στο εύρος των δυναμικών αποχρώσεων (είναι διαθέσιμες σε οποιαδήποτε ορχήστρα), αλλά σε αυτή τη σαγηνευτική εκφραστικότητα που συνοδεύει πάντα τον ήχο των αληθινών συμφωνικών αριστουργημάτων. Συνδυασμοί χροιάς, ισχυρές κυματοειδείς ανόδους και πτώσεις, εκφραστικά σόλο συνθήματα και συγχωνευμένα στρώματα ήχων «οργάνων» έρχονται στη διάσωση εδώ.

Ακούστε μερικά παραδείγματα συμφωνικής μουσικής. Θυμηθείτε την παραμυθένια εικόνα του διάσημου Ρώσου συνθέτη A. Lyadov, «Η Μαγική Λίμνη», καταπληκτική μέσα στην ψυχική της σιωπή. Το θέμα της εικόνας εδώ είναι η φύση στην ανέγγιχτη, στατική της κατάσταση. Αυτό τονίζει και ο συνθέτης στη δήλωσή του για τη «Μαγική Λίμνη»: «Τι γραφικό, καθαρό, με αστέρια και μυστήριο στα βάθη! Και το πιο σημαντικό - χωρίς ανθρώπους, χωρίς τα αιτήματά τους και τα παράπονά τους - μόνο νεκρή φύση - ψυχρή, κακιά, αλλά φανταστική, σαν παραμύθι». Ωστόσο, το σκορ του Λιάντοφ δεν μπορεί να χαρακτηριστεί νεκρό ή ψυχρό. Αντίθετα, θερμαίνεται από ένα ζεστό λυρικό συναίσθημα - ευλαβικό, αλλά συγκρατημένο.

Ο διάσημος σοβιετικός μουσικολόγος B. Asafiev έγραψε ότι σε αυτή την «ποιητική στοχαστική μουσική εικόνα... το έργο του Lyadov κυριαρχεί στη σφαίρα του λυρικού συμφωνικού τοπίου». Η πολύχρωμη παλέτα του "Magic Lake" αποτελείται από καλυμμένους, πνιγμένους ήχους, θρόισμα, θρόισμα, ελάχιστα αισθητά πιτσιλιές και δονήσεις. Εδώ κυριαρχούν οι λεπτές ανοιχτές πινελιές. Οι δυναμικές συσσωρεύσεις περιορίζονται στο ελάχιστο. Όλες οι ορχηστρικές φωνές φέρουν ένα ανεξάρτητο οπτικό φορτίο. Δεν υπάρχει μελωδική ανάπτυξη με την πραγματική έννοια της λέξης. σαν τρεμόπαιγμα, μεμονωμένες σύντομες φράσεις-μοτίβα λάμπουν... Ο Λιάντοφ, που ήξερε να «ακούει τη σιωπή» με ευαισθησία, ζωγραφίζει με εκπληκτική δεξιοτεχνία μια εικόνα μιας μαγεμένης λίμνης - μια καπνιστή, αλλά εμπνευσμένη εικόνα, γεμάτη υπέροχο άρωμα και καθαρή , αγνή ομορφιά. Ένα τέτοιο τοπίο θα μπορούσε να «ζωγραφιστεί» μόνο με τη βοήθεια μιας συμφωνικής ορχήστρας, γιατί κανένα όργανο και κανένας άλλος «ορχηστρικός οργανισμός» δεν είναι σε θέση να απεικονίσει μια τέτοια οπτική εικόνα και να βρει τόσο διακριτικά χρώματα και αποχρώσεις για αυτό.

Αλλά εδώ είναι ένα παράδειγμα του αντίθετου τύπου - το φινάλε του περίφημου "Ποίημα της Έκστασης" του A. Scriabin. Ο συνθέτης δείχνει σε αυτό το έργο την ποικιλομορφία των ανθρώπινων καταστάσεων και ενεργειών σε μια σταθερή και λογικά μελετημένη ανάπτυξη. η μουσική μεταφέρει με συνέπεια την αδράνεια, την αφύπνιση της θέλησης, την αντιπαράθεση με απειλητικές δυνάμεις, τον αγώνα εναντίον τους. Το Climax ακολουθεί την κορύφωση. Προς το τέλος του ποιήματος, η ένταση μεγαλώνει, προετοιμάζοντας μια νέα, ακόμη πιο μεγαλειώδη άνοδο. Ο επίλογος του «The Poem of Ecstasy» μετατρέπεται σε μια εκθαμβωτική εικόνα κολοσσιαίας έκτασης. Σε ένα αστραφτερό φόντο που λαμπυρίζει από όλα τα χρώματα (ένα όργανο συνδέεται επίσης με την τεράστια ορχήστρα), οκτώ κόρνα και μια τρομπέτα διακηρύσσουν χαρούμενα το κύριο μουσικό θέμα, η ηχητικότητα του οποίου φτάνει προς το τέλος υπεράνθρωπη δύναμη. Κανένα άλλο σύνολο δεν μπορεί να πετύχει τέτοια δύναμη και μεγαλείο ήχου. Μόνο μια συμφωνική ορχήστρα είναι ικανή να εκφράσει τόσο πλούσια και ταυτόχρονα πολύχρωμα απόλαυση, έκσταση και μια ξέφρενη έξαρση συναισθημάτων.

Η «Μαγική Λίμνη» του Λιάντοφ και ο επίλογος του «Ποίημα της Έκστασης» είναι, θα λέγαμε, ο ακραίος ήχος και οι δυναμικοί πόλοι στην πλούσια ηχητική παλέτα της συμφωνικής ορχήστρας.

Ας στραφούμε τώρα σε ένα άλλου είδους παράδειγμα. Το δεύτερο μέρος της Ενδέκατης Συμφωνίας του D. Shostakovich έχει υπότιτλο - "9 Ιανουαρίου". Σε αυτό, ο συνθέτης αφηγείται τα τρομερά γεγονότα της "Bloody Sunday". Και εκείνη τη στιγμή, όταν οι κραυγές και οι στεναγμοί του πλήθους, τα όπλα, ο σιδερένιος ρυθμός του βήματος ενός στρατιώτη συγχωνεύονται σε μια ηχηρή εικόνα εκπληκτικής δύναμης και δύναμης, το εκκωφαντικό μπαράζ ξαφνικά τελειώνει... Και στη σιωπή που ακολουθεί, ακούγεται καθαρά ο «σφυριστικός» ψίθυρος των εγχόρδων το ήσυχο και πένθιμο τραγούδι της χορωδίας. Σύμφωνα με τον εύστοχο ορισμό του μουσικολόγου G. Orlov, έχει κανείς την εντύπωση «σαν να στέναξε ο αέρας της πλατείας του Παλατιού από θλίψη στη θέα της θηριωδίας που είχε γίνει». Διαθέτοντας εξαιρετική αίσθηση ηχοχρώματος και λαμπρή μαεστρία στην οργανική γραφή, ο Ντ. Σοστακόβιτς μπόρεσε να δημιουργήσει την ψευδαίσθηση ενός χορωδιακού ήχου με καθαρά ορχηστρικά μέσα. Υπήρχαν μάλιστα περιπτώσεις που, στις πρώτες παραστάσεις της Ενδέκατης Συμφωνίας, οι ακροατές σηκώνονταν συνέχεια από τις θέσεις τους, νομίζοντας ότι στη σκηνή πίσω από την ορχήστρα υπήρχε μια χορωδία...

Μια συμφωνική ορχήστρα είναι ικανή να μεταφέρει μια μεγάλη ποικιλία νατουραλιστικών εφέ. Ναι, εξαιρετικό Γερμανός συνθέτηςΟ Ρίτσαρντ Στράους στο συμφωνικό ποίημα «Δον Κιχώτης», που εικονογραφεί ένα διάσημο επεισόδιο από το μυθιστόρημα του Θερβάντες, απεικόνισε εκπληκτικά «οπτικά» το βλέμμα ενός κοπαδιού προβάτων στην ορχήστρα. Στη σουίτα Γάλλος συνθέτηςΤο «Καρναβάλι των Ζώων» του C. Saint-Saëns μεταφέρει έξυπνα τις κραυγές των γαϊδάρων, το αδέξιο βάδισμα ενός ελέφαντα και την ανήσυχη ονομαστική κλήση των κότες και των πετεινών. Ο Γάλλος Paul Dukas στο συμφωνικό σκέρτσο «The Sorcerer's Apprentice» (γραμμένο με βάση την ομώνυμη μπαλάντα του V. Goethe) ζωγράφισε έξοχα μια εικόνα του στοιχείου του άγριου νερού (ελλείψει του παλιού μάγου, ο μαθητής αποφασίζει να μετατρέψτε τη σκούπα σε υπηρέτη: τον αναγκάζει να μεταφέρει νερό, το οποίο σταδιακά πλημμυρίζει ολόκληρο το σπίτι). Δεν χρειάζεται καν να πούμε πόσα ονοματοποιητικά εφέ είναι διάσπαρτα στη μουσική της όπερας και του μπαλέτου. Εδώ μεταδίδονται επίσης μέσω μιας συμφωνικής ορχήστρας, αλλά παρακινούνται από την άμεση σκηνική κατάσταση και όχι από ένα λογοτεχνικό πρόγραμμα, όπως στα συμφωνικά έργα. Αρκεί να θυμηθούμε όπερες όπως το "The Tale of Tsar Saltan" και το "The Snow Maiden" του N. Rimsky-Korsakov, το μπαλέτο του I. Stravinsky "Petrushka" και άλλες. Αποσπάσματα ή σουίτες από αυτά τα έργα παίζονται συχνά σε συμφωνικές συναυλίες .

Και πόσοι υπέροχοι, σχεδόν οπτικοί πίνακες θαλάσσια στοιχείαμπορεί να βρεθεί στη συμφωνική μουσική! Η σουίτα του N. Rimsky-Korsakov «Scheherazade», «The Sea» του C. Debussy, η ουβερτούρα «The Calm of the Sea and Happy Sailing» του F. Mendelssohn, οι συμφωνικές φαντασιώσεις «The Storm» του P. Tchaikovsky και «The Sea" του A. Glazunov - ο κατάλογος τέτοιων έργων είναι πολύ μεγάλος. Πολλά έργα έχουν γραφτεί για τη συμφωνική ορχήστρα, που απεικονίζουν εικόνες της φύσης ή περιέχουν εύστοχα σκίτσα τοπίων. Ας ονομάσουμε, για παράδειγμα, την Έκτη («Ποιμαντική») Συμφωνία του Λ. Μπετόβεν με μια εικόνα μιας ξαφνικής καταιγίδας, που εντυπωσιάζει στην εικόνα της, τη συμφωνική εικόνα του A. Borodin «Στην Κεντρική Ασία», τη συμφωνική φαντασία του A. Glazunov «Δάσος», η «σκηνή στα χωράφια» από Φανταστικές συμφωνίες του G. Berlioz. Ωστόσο, σε όλα αυτά τα έργα, η εικόνα της φύσης συνδέεται πάντα με τον συναισθηματικό κόσμο του ίδιου του συνθέτη, καθώς και με την ιδέα που καθορίζει τη φύση του έργου στο σύνολό του. Και γενικά, περιγραφικές, νατουραλιστικές, ονοματοποιητικές στιγμές καταλαμβάνουν πολύ μικρή αναλογία στους συμφωνικούς καμβάδες. Επιπλέον, η ίδια η μουσική προγράμματος, δηλαδή η μουσική που μεταφέρει σταθερά μια λογοτεχνική πλοκή, επίσης δεν κατέχει ηγετική θέση μεταξύ των συμφωνικών ειδών. Το κύριο πράγμα για το οποίο μπορεί να υπερηφανεύεται μια συμφωνική ορχήστρα είναι η πλούσια παλέτα διαφορετικών εκφραστικών μέσων, αυτά είναι κολοσσιαίες, ακόμα μη εξαντλημένες δυνατότητες διάφορους συνδυασμούςκαι συνδυασμούς οργάνων, αυτά είναι τα πλουσιότερα ηχοχρώματα όλων των ομάδων που απαρτίζουν την ορχήστρα.

Μια συμφωνική ορχήστρα διαφέρει έντονα από άλλες οργανικές ομάδες στο ότι η σύνθεσή της είναι πάντα αυστηρά καθορισμένη. Πάρτε, για παράδειγμα, τα πολυάριθμα pop-jazz σύνολα που υπάρχουν πλέον σε αφθονία σχεδόν σε όλες τις γωνιές του πλανήτη. Δεν μοιάζουν καθόλου μεταξύ τους: ο αριθμός των οργάνων ποικίλλει (από 3-4 έως δύο δωδεκάδες ή περισσότερα) και ο αριθμός των συμμετεχόντων. Αλλά το πιο σημαντικό είναι ότι αυτές οι ορχήστρες δεν μοιάζουν στον ήχο τους. Σε ορισμένα κυριαρχούν τα έγχορδα, σε άλλα από τα σαξόφωνα και τα χάλκινα. Σε ορισμένα σύνολα τον πρωταγωνιστικό ρόλο παίζει το πιάνο (υποστηριζόμενο από ντραμς και κοντραμπάσο). Οι ποπ ορχήστρες διαφορετικών χωρών περιλαμβάνουν εθνικά όργανα κ.λπ. Έτσι, σχεδόν κάθε ορχήστρα ποπ ή τζαζ δεν τηρεί μια αυστηρά καθορισμένη οργανική σύνθεση, αλλά χρησιμοποιεί ελεύθερα συνδυασμούς διαφόρων οργάνων. Επομένως, το ίδιο κομμάτι ακούγεται διαφορετικά σε διαφορετικά συγκροτήματα ποπ-τζαζ: το καθένα από αυτά προσφέρει τη δική του συγκεκριμένη αντιμετώπιση. Και αυτό είναι κατανοητό: τελικά, η τζαζ είναι μια τέχνη που είναι κατά βάση αυτοσχεδιαστική.

Υπάρχουν διαφορετικά μπάντες πνευστών. Ορισμένα αποτελούνται αποκλειστικά από χάλκινα όργανα (με την υποχρεωτική συμπερίληψη των κρουστών). Και οι περισσότεροι από αυτούς δεν μπορούν να κάνουν χωρίς ξύλινα πνευστά - φλάουτα, όμποε, κλαρινέτα, φαγκότα. Οι ορχήστρες λαϊκών οργάνων διαφέρουν επίσης μεταξύ τους: μια ρωσική λαϊκή ορχήστρα δεν είναι παρόμοια με μια Κιργιζία και μια ιταλική δεν μοιάζει με λαϊκές ορχήστρεςΣκανδιναβικές χώρες. Και μόνο μια συμφωνική ορχήστρα - ο μεγαλύτερος μουσικός οργανισμός - έχει μια μακροχρόνια, αυστηρά καθορισμένη σύνθεση. Επομένως, ένα συμφωνικό έργο γραμμένο σε μια χώρα μπορεί να ερμηνευτεί από οποιοδήποτε συμφωνικό σύνολο σε άλλη χώρα. Επομένως, η γλώσσα της συμφωνικής μουσικής είναι πραγματικά μια διεθνής γλώσσα. Χρησιμοποιείται για περισσότερο από δύο αιώνες. Και δεν γερνάει. Επιπλέον, πουθενά δεν συμβαίνουν τόσες ενδιαφέρουσες «εσωτερικές» αλλαγές όσο στο σύγχρονο Συμφωνική ορχήστρα. Από τη μια, συχνά ανανεωμένη με νέα χρώματα ηχοχρώματος, η ορχήστρα γίνεται πλουσιότερη κάθε χρόνο, από την άλλη, ο κύριος σκελετός της, που σχηματίστηκε τον 18ο αιώνα, αναδύεται όλο και πιο καθαρά. Και μερικές φορές οι συνθέτες της εποχής μας, στρεφόμενοι σε μια τόσο «παλιομοδίτικη» σύνθεση, αποδεικνύουν για άλλη μια φορά πόσο μεγάλες είναι ακόμα οι εκφραστικές της ικανότητες...

Ίσως κανένα άλλο μουσικό σχήμα δεν έχει δημιουργήσει τόσο υπέροχη μουσική! Ανάμεσα στον λαμπρό γαλαξία των συμφωνικών συνθετών λάμπουν τα ονόματα των Χάιντν και Μότσαρτ, Μπετόβεν και Σούμπερτ, Μέντελσον και Σούμαν, Μπερλιόζ και Μπραμς, Λιστ και Βάγκνερ, Γκριγκ και Ντβόρζακ, Γκλίνκα και Μποροντίν, Ρίμσκι-Κόρσακοφ και Ρατσούλατσαϊνόφ. και Taneyev, Mahler και Bruckner, Debussy και Ravel, Sibelius και R. Strauss, Stravinsky και Bartok, Prokofiev και Shostakovich. Επιπλέον, η συμφωνική ορχήστρα είναι γνωστό ότι είναι απαραίτητος συμμετέχων σε παραστάσεις όπερας και μπαλέτου. Και επομένως, στα εκατοντάδες συμφωνικά έργα θα πρέπει να προσθέσουμε εκείνα τα κομμάτια από όπερες και μπαλέτα στα οποία η ορχήστρα (και όχι οι σολίστ, η χορωδία ή απλώς η σκηνική δράση) παίζει πρωταρχικό ρόλο. Αλλά δεν είναι μόνο αυτό. Παρακολουθούμε εκατοντάδες ταινίες και οι περισσότερες «ηχούνται» από συμφωνική ορχήστρα.

Το ραδιόφωνο, η τηλεόραση, οι δίσκοι και μέσα από αυτούς - η συμφωνική μουσική έχουν μπει σταθερά στη ζωή μας. Σε πολλούς κινηματογράφους παίζουν μικρές συμφωνικές ορχήστρες πριν από τις προβολές. Τέτοιες ορχήστρες δημιουργούνται και σε ερασιτεχνικές παραστάσεις. Με άλλα λόγια, από τον τεράστιο, σχεδόν απέραντο ωκεανό μουσικής που μας περιβάλλει, ένα καλό μισό συνδέεται με τον ένα ή τον άλλο τρόπο με τον συμφωνικό ήχο. Συμφωνίες και ορατόριο, όπερες και μπαλέτα, οργανικές συναυλίες και σουίτες, μουσική για θέατρο και κινηματογράφο - όλα αυτά (και πολλά άλλα) είδη απλά δεν μπορούν να κάνουν χωρίς συμφωνική ορχήστρα.

Ωστόσο, θα ήταν λάθος να υποθέσουμε ότι οποιαδήποτε μουσική σύνθεσημπορεί να παιχτεί σε ορχήστρα. Εξάλλου, φαίνεται ότι γνωρίζοντας τις αρχές και τους νόμους της ενορχήστρωσης, κάθε ικανός μουσικός μπορεί να ενορχηστρώσει ένα πιάνο ή κάποιο άλλο κομμάτι, δηλαδή να το ντύσει με μια φωτεινή συμφωνική στολή. Ωστόσο, στην πράξη αυτό συμβαίνει σχετικά σπάνια. Δεν είναι τυχαίο ότι ο N. Rimsky-Korsakov είπε ότι η ενορχήστρωση είναι «μία από τις πτυχές της ψυχής της ίδιας της σύνθεσης». Επομένως, έχοντας ήδη σκεφτεί την ιδέα, ο συνθέτης υπολογίζει σε μια συγκεκριμένη οργανική σύνθεση. Επομένως, τόσο ελαφριά, ανεπιτήδευτα κομμάτια όσο και μεγαλεπήβολοι καμβάδες μεγάλης κλίμακας μπορούν να γραφτούν για μια συμφωνική ορχήστρα.

Υπάρχουν, όμως, περιπτώσεις που μια σύνθεση αποκτά μια δεύτερη ζωή σε μια νέα, συμφωνική εκδοχή. Αυτό συνέβη με τον λαμπρό κύκλο πιάνου του M. Mussorgsky «Pictures at an Exhibition»: ενορχήστρωσε αριστοτεχνικά ο M. Ravel. (Υπήρχαν άλλες, λιγότερο επιτυχημένες απόπειρες ενορχήστρωσης Εικόνων σε Έκθεση.) Οι παρτιτούρες των όπερων του Μ. Μουσόργκσκι «Boris Godunov» και «Khovanshchina» ξαναζωντάνεψαν κάτω από τα χέρια του D. Shostakovich, ο οποίος πραγματοποίησε τη νέα τους ορχηστρική έκδοση . Μερικές φορές στη δημιουργική κληρονομιά του συνθέτη δύο εκδοχές του ίδιου έργου συνυπάρχουν ειρηνικά - σόλο-οργανική και συμφωνική. Υπάρχουν λίγα τέτοια παραδείγματα, αλλά είναι αρκετά ενδιαφέροντα. Το Pavane του Ravel υπάρχει τόσο σε πιάνο όσο και σε ορχηστρική εκδοχή και ζουν και οι δύο μια ισότιμη συναυλιακή ζωή. Ο Προκόφιεφ ενορχήστρωσε την αργή κίνηση της Τέταρτης Σονάτας του για πιάνο, καθιστώντας την ένα ανεξάρτητο, καθαρά συμφωνικό έργο. Ο συνθέτης του Λένινγκραντ S. Slonimsky έγραψε τον φωνητικό κύκλο «Songs of the Freemen» βασισμένος σε λαϊκά κείμενα. Αυτή η σύνθεση έχει επίσης δύο εκδοχές ίσης καλλιτεχνικής σημασίας: η μία συνοδεύεται από πιάνο, η άλλη συνοδεύεται από συνοδεία ορχήστρας. Ωστόσο, τις περισσότερες φορές, όταν ένας συνθέτης αρχίζει να δουλεύει, έχει μια καλή ιδέα όχι μόνο για την ιδέα της σύνθεσης, αλλά και για την ενσάρκωσή της στο ηχόχρωμα. Και είδη όπως η συμφωνία, το οργανικό κονσέρτο, το συμφωνικό ποίημα, η σουίτα, η ραψωδία κ.λπ. συνδέονται πάντα στενά με τον ήχο μιας συμφωνικής ορχήστρας, θα μπορούσε να πει κανείς, αδιαχώριστη από αυτήν.

Ξύλινα πνευστά

Φλάουτο (ιταλικό φλάουτο, γαλλικό φλάουτο, γερμανικό φλάουτο, αγγλικό φλάουτο)

Το φλάουτο είναι ένα από τα παλαιότερα όργανα στον κόσμο, γνωστό στην αρχαιότητα - στην Αίγυπτο, την Ελλάδα και τη Ρώμη. Από την αρχαιότητα, οι άνθρωποι έχουν μάθει να εξάγουν μουσικούς ήχους από κομμένα καλάμια κλειστά στο ένα άκρο. Αυτό το πρωτόγονο μουσικό όργανο ήταν, προφανώς, μακρινός πρόγονος του φλάουτου. Στην Ευρώπη τον Μεσαίωνα διαδόθηκαν ευρέως δύο τύποι αυλών: ευθύς και εγκάρσιος. Το ίσιο φλάουτο, ή "φλάουτο με μύτες", κρατήθηκε ευθεία μπροστά σας, σαν όμποε ή κλαρίνο. λοξή, ή εγκάρσια - υπό γωνία. Το εγκάρσιο φλάουτο αποδείχθηκε πιο βιώσιμο, καθώς ήταν εύκολο να βελτιωθεί. Στα μέσα του 18ου αιώνα, αντικατέστησε τελικά το άμεσο φλάουτο από τη συμφωνική ορχήστρα. Ταυτόχρονα, το φλάουτο, μαζί με την άρπα και το τσέμπαλο, έγιναν ένα από τα πιο αγαπημένα όργανα για οικιακή μουσική. Το φλάουτο, για παράδειγμα, έπαιζε ο Ρώσος καλλιτέχνης Φεντότοφ και ο Πρώσος βασιλιάς Φρειδερίκος Β'.

Το φλάουτο είναι το πιο ευκίνητο όργανο του γκρουπ ξύλινων πνευστών: από άποψη δεξιοτεχνίας, ξεπερνά όλα τα άλλα πνευστά. Ένα παράδειγμα αυτού είναι η σουίτα μπαλέτου «Daphnis and Chloe» του Ravel, όπου το φλάουτο λειτουργεί ως σόλο όργανο.

Το φλάουτο είναι ένας κυλινδρικός σωλήνας, ξύλινος ή μεταλλικός, κλειστός στη μία πλευρά - στο κεφάλι. Υπάρχει επίσης μια πλαϊνή οπή για την έγχυση αέρα. Το να παίζεις φλάουτο απαιτεί μεγάλη κατανάλωση αέρα: όταν φυσάει μέσα, μέρος του σπάει στην αιχμηρή άκρη της τρύπας και ξεφεύγει. Αυτό δημιουργεί έναν χαρακτηριστικό ήχο σφύριγμα, ειδικά στο χαμηλό ρεσεψιόν. Για τον ίδιο λόγο, οι σταθερές νότες και οι ευρείες μελωδίες είναι δύσκολο να παίξουν στο φλάουτο.

Ο Rimsky-Korsakov περιέγραψε την ηχητικότητα του φλάουτου ως εξής: «Το ηχόχρωμο είναι ψυχρό, πιο κατάλληλο για μελωδίες χαριτωμένης και επιπόλαιας φύσης στη μείζονα, και με μια πινελιά επιφανειακής θλίψης στη δευτερεύουσα».

Συχνά οι συνθέτες χρησιμοποιούν ένα σύνολο τριών φλάουτων. Παράδειγμα ο χορός των βοσκοπούλων από τον «Καρυοθραύστη» του Τσαϊκόφσκι.

Όμποε (Γερμανικά: Oboe)

Το όμποε ανταγωνίζεται το φλάουτο στην αρχαιότητα προέλευσής του: ανιχνεύει την καταγωγή του στον πρωτόγονο σωλήνα. Από τους προγόνους του όμποε, ο πιο διαδεδομένος ήταν ο ελληνικός αυλός, χωρίς τον οποίο οι αρχαίοι Έλληνες δεν μπορούσαν να φανταστούν ούτε γλέντι ούτε θεατρική παράσταση. Οι πρόγονοι του όμποε ήρθαν στην Ευρώπη από τη Μέση Ανατολή.

Τον 17ο αιώνα, το όμποε δημιουργήθηκε από τη μπομπάρδα, ένα όργανο τύπου σωλήνα, το οποίο έγινε αμέσως δημοφιλές στην ορχήστρα. Σύντομα έγινε όργανο συναυλιών. Για σχεδόν έναν αιώνα, το όμποε είναι το είδωλο των μουσικών και των μουσικόφιλων. Οι καλύτεροι συνθέτες του 17ου και του 18ου αιώνα - Lully, Rameau, Bach, Handel - απέτισαν φόρο τιμής σε αυτό το χόμπι: ο Handel, για παράδειγμα, έγραψε κοντσέρτα για όμποε, η δυσκολία των οποίων μπορεί να μπερδέψει ακόμη και τους σύγχρονους ομποίστες. Ωστόσο, στις αρχές του 19ου αιώνα, η «λατρεία» του όμποε στην ορχήστρα ξεθώριασε κάπως και ο πρωταγωνιστικός ρόλος στην ομάδα των ξύλινων πνευστών πέρασε στο κλαρίνο.

Στη δομή του, το όμποε είναι ένας κωνικός σωλήνας. Στο ένα άκρο υπάρχει ένα μικρό χωνί-σχήμα κουδουνάκι, στο άλλο ένα μπαστούνι, το οποίο ο ερμηνευτής κρατά στο στόμα του.

Χάρη σε ορισμένα σχεδιαστικά χαρακτηριστικά, το όμποε δεν χάνει ποτέ τον συντονισμό. Ως εκ τούτου, έχει γίνει παράδοση να συντονίζουμε ολόκληρη την ορχήστρα σε αυτό. Πριν από μια συμφωνική ορχήστρα, όταν οι μουσικοί συγκεντρώνονται στη σκηνή, μπορείτε συχνά να ακούσετε τον ομποϊστα να παίζει Α της πρώτης οκτάβας, ενώ άλλοι ερμηνευτές κουρδίζουν τα όργανά τους.

Το όμποε έχει μια ευέλικτη τεχνική, αν και είναι κατώτερο από αυτή την άποψη από το φλάουτο. Είναι περισσότερο ένα όργανο τραγουδιού παρά ένα βιρτουόζο όργανο: το πεδίο του, κατά κανόνα, είναι η θλίψη και η κομψότητα. Έτσι ακούγεται στο θέμα των κύκνων από το διάλειμμα μέχρι τη δεύτερη πράξη της Λίμνης των Κύκνων και στη λιτή μελαγχολική μελωδία του δεύτερου μέρους της 4ης συμφωνίας του Τσαϊκόφσκι. Περιστασιακά, στο όμποε ανατίθενται «κωμικοί ρόλοι»: στην «Ωραία Κοιμωμένη» του Τσαϊκόφσκι, για παράδειγμα, στην παραλλαγή «The Cat and the Pussycat», το όμποε μιμείται διασκεδαστικά το νιαούρισμα μιας γάτας.

Φαγκότο (ιταλικό fagotto, γερμανικό Fagott, γαλλικό φαγκότο, αγγλικό φαγκότο)

Πρόγονος του φαγκότου θεωρείται ένας αρχαίος μπάσος - η μπομπάρδα. Το φαγκότο που το αντικατέστησε κατασκευάστηκε από τον Canon Afranio degli Albonesi στο πρώτο μισό του 16ου αιώνα. Ο μεγάλος ξύλινος σωλήνας, λυγισμένος στη μέση, έμοιαζε με μια δέσμη καυσόξυλων, το οποίο αντικατοπτρίζεται στο όνομα του οργάνου (η ιταλική λέξη fagotto σημαίνει «φαγκότ»). Το φαγκότο συνεπήρε τους συγχρόνους του με την ευφωνία της χροιάς, οι οποίοι, σε αντίθεση με τη βραχνή φωνή των βομβαρδισμών, άρχισαν να τον αποκαλούν «ντολτσίνο» - γλυκό.

Στη συνέχεια, διατηρώντας το εξωτερικό του περίγραμμα, το φαγκότο υπέστη σοβαρές βελτιώσεις. Από τον 17ο αιώνα εντάχθηκε στη συμφωνική ορχήστρα και από τον 18ο αιώνα στη στρατιωτική ορχήστρα. Το κωνικό ξύλινο βαρέλι του φαγκότου είναι πολύ μεγάλο, οπότε «διπλώνεται» στη μέση. Ένας καμπύλος μεταλλικός σωλήνας είναι στερεωμένος στην κορυφή του οργάνου, πάνω στον οποίο τοποθετείται ένα μπαστούνι. Κατά την αναπαραγωγή, το φαγκότο κρέμεται σε ένα κορδόνι από το λαιμό του καλλιτέχνη.

Τον 18ο αιώνα, το όργανο απολάμβανε μεγάλη αγάπη μεταξύ των συγχρόνων του: κάποιοι το αποκαλούσαν «περήφανο», άλλοι το αποκαλούσαν «ευγενικό, μελαγχολικό, θρησκευόμενο». Ο Rimsky-Korsakov όρισε το χρώμα του φαγκότου με έναν πολύ μοναδικό τρόπο: «Η χροιά κοροϊδεύει γεροντικά στα μείζονα και οδυνηρά λυπηρά στα ελάσσονα». Το να παίζεις φαγκότο απαιτεί πολλή αναπνοή, και το φόρτε σε χαμηλή εγγραφή μπορεί να προκαλέσει υπερβολική κόπωση στον ερμηνευτή. Οι λειτουργίες του εργαλείου είναι πολύ διαφορετικές. Είναι αλήθεια ότι τον 18ο αιώνα περιορίζονταν συχνά στην υποστήριξη εγχόρδων μπάσων. Αλλά τον 19ο αιώνα, με τον Μπετόβεν και τον Βέμπερ, το φαγκότο έγινε η ατομική φωνή της ορχήστρας και καθένας από τους επόμενους δάσκαλους βρήκε νέες ιδιότητες σε αυτό. Ο Meyerbeer στο «Robert the Devil» έκανε τα φαγκότα να απεικονίζουν «θανατηφόρο γέλιο, από το οποίο ο παγετός σέρνεται στο δέρμα» (λόγια του Μπερλιόζ). Ο Ρίμσκι-Κόρσακοφ στο «Σεχεραζάντ» (η ιστορία του Καλέντερ του Τσαρέβιτς) ανακάλυψε έναν ποιητικό αφηγητή στο φαγκότο. Το φαγκότο παίζει ιδιαίτερα συχνά σε αυτόν τον τελευταίο ρόλο - γι' αυτό πιθανώς ο Τόμας Μαν αποκάλεσε το φαγκότο «κοτσάκι». Παραδείγματα μπορούν να βρεθούν στο Χιουμοριστικό Scherzo για τέσσερα φαγκότα και στο Πέτρος και ο Λύκος του Προκόφιεφ, όπου στο φαγκότο ανατίθεται ο «ρόλος» του Παππού ή στην αρχή του φινάλε της Ένατης Συμφωνίας του Σοστακόβιτς.

κοντραφαγκότο

Οι ποικιλίες του φαγκότου περιορίζονται στην εποχή μας σε έναν μόνο εκπρόσωπο - το φαγκότο. Αυτό είναι το χαμηλότερο όργανο στην ορχήστρα. Μόνο το πεντάλ μπάσο του οργάνου ακούγεται χαμηλότερα από τους ακραίους ήχους του κοντραμπάσου.

Η ιδέα να συνεχιστεί η κλίμακα του φαγκότου προς τα κάτω εμφανίστηκε πριν από πολύ καιρό - το πρώτο φαγκότο κατασκευάστηκε το 1620. Αλλά ήταν τόσο ατελές που μέχρι τα τέλη του 19ου αιώνα, όταν το όργανο βελτιώθηκε, χρησιμοποιήθηκε ελάχιστα: περιστασιακά από τον Χάυντν, τον Μπετόβεν, τον Γκλίνκα.

Ένα μοντέρνο κοντραμπάσο είναι ένα όργανο κυρτό τρεις φορές: το μήκος του όταν ξεδιπλώνεται είναι 5 m 93 cm (!). στην τεχνική μοιάζει με φαγκότο, αλλά είναι λιγότερο ευκίνητο και έχει παχύρρευστη χροιά, σχεδόν σαν όργανο. Οι συνθέτες του 19ου αιώνα - Rimsky-Korsakov, Brahms - συνήθως στρέφονταν στο κοντραφάγο για να ενισχύσουν το μπάσο. Αλλά μερικές φορές γράφονται ενδιαφέροντα σόλο γι 'αυτόν, για παράδειγμα, ο Ravel στο "Conversation between the Beauty and the Beast" (μπαλέτο "My Mother Goose") του ανέθεσε τη φωνή του τέρατος.

Κλαρινέτο (ιταλικό κλαρινέτο, γερμανικό κλαρινέτο, γαλλικό κλαρινέτο)

Ενώ το όμποε, το φλάουτο και το φαγκότο βρίσκονται στην ορχήστρα για περισσότερους από τέσσερις αιώνες, το κλαρίνο καθιερώθηκε σταθερά μόλις τον 18ο αιώνα. Ο πρόγονος του κλαρίνου ήταν ένα μεσαιωνικό λαϊκό όργανο - ο σωλήνας Chalumeau. Πιστεύεται ότι το 1690 ο Γερμανός κύριος Ντένερ κατάφερε να το βελτιώσει. Ο επάνω δίσκος του οργάνου εξέπληξε τους σύγχρονους με το αιχμηρό και διαπεραστικό του ηχόχρωμα - τους θύμισε αμέσως τον ήχο μιας τρομπέτας, που ονομαζόταν εκείνη την εποχή «κλαρίνο». Το νέο όργανο ονομαζόταν κλαρινέτο, που σημαίνει «μικρή τρομπέτα».

Στην εμφάνιση, το κλαρίνο θυμίζει όμποε. Είναι ένας κυλινδρικός ξύλινος σωλήνας με κουδούνι σε σχήμα στεφάνης στο ένα άκρο και μύτη με μπαστούνι στο άλλο.

Από όλα τα ξύλινα πνευστά, μόνο το κλαρίνο μπορεί να αλλάξει ευέλικτα την ένταση του ήχου. Αυτή και πολλές άλλες ιδιότητες του κλαρίνου έκαναν τον ήχο του μια από τις πιο εκφραστικές φωνές της ορχήστρας. Είναι περίεργο το γεγονός ότι δύο Ρώσοι συνθέτες, που ασχολούνταν με την ίδια πλοκή, έδρασαν με τον ίδιο ακριβώς τρόπο: και στα δύο «The Snow Maidens» - του Rimsky-Korsakov και του Tchaikovsky - οι ποιμενικοί μελωδίες του Lel ανατίθενται στο κλαρίνο.

Η χροιά του κλαρίνου συνδέεται συχνά με σκοτεινές, δραματικές καταστάσεις. Αυτή η περιοχή εκφραστικότητας «ανακαλύφθηκε» από τον Weber. Στη σκηνή του «Wolf Valley» από το «The Magic Shooter» μάντεψε πρώτα τι τραγικά αποτελέσματα κρύβονταν στο χαμηλό μητρώο του οργάνου. Ο Τσαϊκόφσκι χρησιμοποίησε αργότερα τον απόκοσμο ήχο των χαμηλών κλαρινέτων στο The Queen of Spades όταν εμφανίζεται το φάντασμα της Κοντέσας.

Μικρό κλαρίνο.

Το μικρό κλαρίνο ήρθε στη συμφωνική ορχήστρα από τη στρατιωτική ορχήστρα πνευστών. Ο Μπερλιόζ το χρησιμοποίησε για πρώτη φορά, εμπιστεύοντάς του το παραμορφωμένο «αγαπημένο θέμα» στην τελευταία κίνηση του Symphonie Fantastique. Ο Βάγκνερ, ο Ρίμσκι-Κόρσακοφ και ο Ρ. Στράους στρέφονταν συχνά στο μικρό κλαρίνο. Σοστακόβιτς.

Bassethorn.

Στα τέλη του 18ου αιώνα, η οικογένεια του κλαρινέτου εμπλουτίστηκε με ένα άλλο μέλος: το κόρνο του μπασέ εμφανίστηκε στην ορχήστρα - παλιά ποικιλίαάλτο κλαρίνο. Ήταν μεγαλύτερο από το κύριο όργανο και η χροιά του -ήρεμη, σοβαρή και ματ - καταλάμβανε μια ενδιάμεση θέση ανάμεσα σε κανονικό και μπάσο κλαρίνο. Έμεινε στην ορχήστρα μόνο για μερικές δεκαετίες και χρωστούσε την ακμή του στον Μότσαρτ. Ήταν για δύο κόρνα μπάσων με φαγκότα που γράφτηκε η αρχή του «Ρέκβιεμ» (τώρα τα κόρνα των μπάσων αντικαθίστανται από κλαρίνα).

Μια προσπάθεια αναβίωσης αυτού του οργάνου με το όνομα άλτο κλαρίνο έγινε από τον R. Strauss, αλλά έκτοτε φαίνεται ότι δεν έχει επαναληφθεί. Στις μέρες μας, τα κόρνα μπάσετ περιλαμβάνονται στα στρατιωτικά συγκροτήματα.

Κλαρινέτο μπάσο.

Το μπάσο κλαρίνο είναι ο πιο «εντυπωσιακός» εκπρόσωπος της οικογένειας. Χτισμένο στα τέλη του 18ου αιώνα, έχει αποκτήσει ισχυρή θέση στη συμφωνική ορχήστρα. Το σχήμα αυτού του οργάνου είναι αρκετά ασυνήθιστο: το κουδούνι του είναι λυγισμένο προς τα πάνω, σαν σωλήνας καπνίσματος, και το επιστόμιο είναι τοποθετημένο σε μια καμπύλη ράβδο - όλα αυτά για να μειωθεί το υπερβολικό μήκος του οργάνου και να γίνει πιο εύκολο στη χρήση. Ο Meyerbeer ήταν ο πρώτος που «ανακάλυψε» την τεράστια δραματική δύναμη αυτού του οργάνου. Ο Βάγκνερ, ξεκινώντας από τον Λόενγκριν, τον κάνει μόνιμο μπάσο των πνευστών.

Οι Ρώσοι συνθέτες χρησιμοποιούσαν συχνά το μπάσο κλαρίνο στη δουλειά τους. Έτσι, οι ζοφεροί ήχοι του μπάσου κλαρίνου ακούγονται στην 5η σκηνή του «The Queen of Spades» ενώ ο Herman διαβάζει το γράμμα της Λίζας. Τώρα το μπάσο κλαρίνο είναι μόνιμο μέλος μιας μεγάλης συμφωνικής ορχήστρας και οι λειτουργίες του είναι πολύ διαφορετικές.

Προεπισκόπηση:

Ορείχαλκος

Σαξόφωνο

Δημιουργός του σαξόφωνου είναι ο εξαιρετικός Γαλλο-Βέλγος οργανοπαίχτης Adolphe Sax. Το Sax προχώρησε από μια θεωρητική υπόθεση: είναι δυνατόν να κατασκευαστεί ένα μουσικό όργανο που θα καταλάμβανε μια ενδιάμεση θέση μεταξύ ξύλινου πνευστού και ορείχαλκου; Ένα τέτοιο όργανο, ικανό να συνδυάζει τις χλόες του χαλκού και του ξύλου, χρειαζόταν πολύ οι ατελείς στρατιωτικές μπάντες χάλκινων πνευστών της Γαλλίας. Για να εφαρμόσει το σχέδιό του, ο A. Sachs χρησιμοποίησε μια νέα αρχή κατασκευής: συνέδεσε έναν κωνικό σωλήνα με ένα καλάμι κλαρινέτου και έναν μηχανισμό βαλβίδας όμποε. Το σώμα του οργάνου ήταν κατασκευασμένο από μέταλλο, το εξωτερικό περίγραμμα έμοιαζε με μπάσο κλαρινέτο. ένας σωλήνας φουσκωμένος στο άκρο, έντονα λυγισμένος προς τα πάνω, στον οποίο είναι στερεωμένο ένα μπαστούνι σε μια μεταλλική άκρη λυγισμένη σε σχήμα "S". Η ιδέα του Sax ήταν μια λαμπρή επιτυχία: το νέο όργανο έγινε πραγματικά ένας σύνδεσμος μεταξύ των χάλκινων πνευστών και των ξύλινων πνευστών στα στρατιωτικά συγκροτήματα. Επιπλέον, η χροιά του αποδείχθηκε τόσο ενδιαφέρουσα που τράβηξε την προσοχή πολλών μουσικών. Το χρώμα του ήχου του σαξόφωνου θυμίζει το αγγλικό κόρνο, κλαρινέτο και τσέλο ταυτόχρονα, αλλά η δύναμη του ήχου του σαξόφωνου είναι πολύ μεγαλύτερη από τη δύναμη του ήχου του κλαρινέτου.

Έχοντας ξεκινήσει την ύπαρξή του στα στρατιωτικά συγκροτήματα χάλκινων πνευστών της Γαλλίας, το σαξόφωνο εισήχθη σύντομα στις ορχήστρες της όπερας και της συμφωνικής ορχήστρας. Για πολύ μεγάλο χρονικό διάστημα - αρκετές δεκαετίες - μόνο Γάλλοι συνθέτες στράφηκαν σε αυτόν: Thomas ("Άμλετ"), Massenet ("Werther"), Bizet ("Arlesienne"), Ravel (οργανοποίηση του "Katrinok σε μια έκθεση" του Mussorgsky) . Τότε τον πίστεψαν και συνθέτες από άλλες χώρες: ο Ραχμανίνοφ, για παράδειγμα, εμπιστεύτηκε στο σαξόφωνο μια από τις καλύτερες μελωδίες του στο πρώτο μέρος των Συμφωνικών Χορών.

Είναι περίεργο ότι στο ασυνήθιστο μονοπάτι του το σαξόφωνο έπρεπε επίσης να αντιμετωπίσει τον σκοταδισμό: στη Γερμανία κατά τα χρόνια του φασισμού απαγορεύτηκε ως όργανο μη άριας καταγωγής.

Στα δέκατα χρόνια του 20ου αιώνα, μουσικοί από μουσικά σύνολα τζαζ τράβηξαν την προσοχή στο σαξόφωνο και σύντομα το σαξόφωνο έγινε ο «βασιλιάς της τζαζ».

Πολλοί συνθέτες του 20ου αιώνα εκτίμησαν αυτό το ενδιαφέρον όργανο. Ο Ντεμπυσσύ έγραψε μια ραψωδία για σαξόφωνο και ορχήστρα, ο Γκλαζούνοφ έγραψε ένα Κοντσέρτο για σαξόφωνο και ορχήστρα, ο Προκόφιεφ, ο Σοστακόβιτς και ο Χατσατουριάν του απευθύνθηκαν επανειλημμένα στα έργα τους.

Κόρνο (ιταλικό corno, γερμανικό Waldhorn, γαλλικό cor, αγγλικό γαλλικό κόρνο)

Ο πρόγονος του σύγχρονου κέρατος ήταν το κέρατο. Από την αρχαιότητα, το σήμα της κόρνας ανήγγειλε την έναρξη μιας μάχης στον Μεσαίωνα και αργότερα, μέχρι τις αρχές του 18ου αιώνα, ακουγόταν κατά τη διάρκεια του κυνηγιού, των αγώνων και των επίσημων δικαστικών τελετών. Τον 17ο αιώνα, το κυνηγετικό κόρνο άρχισε να εισάγεται περιστασιακά στην όπερα, αλλά μόλις τον επόμενο αιώνα έγινε μόνιμο μέλος της ορχήστρας. Και το ίδιο το όνομα του οργάνου - κόρνο - θυμίζει τον προηγούμενο ρόλο του: αυτή η λέξη προέρχεται από το γερμανικό "Waldhorn" - "δάσος κόρνο". Στα Τσεχικά αυτό το όργανο ονομάζεται ακόμα κόρνο του δάσους.

Ο μεταλλικός σωλήνας του αρχαίου κόρνου ήταν πολύ μακρύς: όταν ξεδιπλώθηκε, μερικά από αυτά έφτασαν τα 5 m 90 cm. Ως εκ τούτου, ο σωλήνας του κέρατου λυγίστηκε και του δόθηκε ένα χαριτωμένο σχήμα, παρόμοιο με ένα κέλυφος.

Ο ήχος του αρχαίου κόρνα ήταν πολύ όμορφος, αλλά το όργανο αποδείχθηκε περιορισμένο στις ηχητικές του δυνατότητες: ήταν δυνατό να εξαχθεί μόνο η λεγόμενη φυσική κλίμακα, δηλαδή εκείνοι οι ήχοι που προκύπτουν από τη διαίρεση μιας στήλης αέρα που περικλείεται σε ένα σωλήνα σε 2, 3, 4, 5, 6, κ.λπ. μέρη. Όπως λέει ο μύθος, το 1753, ο κορνοπίστας της Δρέσδης Gampel έβαλε κατά λάθος το χέρι του στο κουδούνι και ανακάλυψε ότι το κούρδισμα της κόρνας είχε πέσει. Από τότε, αυτή η τεχνική έχει χρησιμοποιηθεί ευρέως. Οι ήχοι που λαμβάνονταν με αυτόν τον τρόπο ονομάζονταν "κλειστοί". Αλλά ήταν θαμπά και πολύ διαφορετικά από τα φωτεινά ανοιχτά. Δεν κινδύνευαν όλοι οι συνθέτες να στρέφονται συχνά σε αυτούς, συνήθως ικανοποιημένοι με σύντομα, με καλό ήχο μοτίβα φανφάρων που βασίζονται σε ανοιχτούς ήχους.

Το 1830, εφευρέθηκε ο μηχανισμός της βαλβίδας - ένα μόνιμο σύστημα πρόσθετων σωλήνων που επιτρέπει στην κόρνα να παράγει μια πλήρη χρωματική κλίμακα με καλό ήχο. Μετά από αρκετές δεκαετίες, η βελτιωμένη κόρνα αντικατέστησε τελικά την παλιά φυσική, η οποία τελευταία φοράχρησιμοποιήθηκε από τον Rimsky-Korsakov στην όπερα "May Night" το 1878.

Το κόρνο θεωρείται το πιο ποιητικό όργανο στην ομάδα των πνευστών. Στο χαμηλό μητρώο η χροιά της κόρνας είναι κάπως ζοφερή, στην επάνω εγγραφή είναι πολύ τεταμένη. Το κόρνο μπορεί να τραγουδήσει ή να αφηγηθεί αργά. Το κουαρτέτο κόρνα ακούγεται πολύ απαλά - μπορείτε να το ακούσετε στο «Βαλς των Λουλουδιών» από το μπαλέτο «Ο Καρυοθραύστης» του Τσαϊκόφσκι.

Τρομπέτα (ιταλική tromba, γερμανική τρομπέτα, γαλλική τρομπέτα, αγγλική τρομπέτα)

Από τα αρχαία χρόνια -στην Αίγυπτο, στην Ανατολή, στην Ελλάδα και στη Ρώμη- δεν έκαναν χωρίς σάλπιγγα ούτε σε πόλεμο ούτε σε επίσημες θρησκευτικές ή δικαστικές τελετές. Η τρομπέτα είναι μέρος της ορχήστρας της όπερας από την ίδρυσή της. Ο Ορφέας του Μοντεβέρντι είχε ήδη πέντε τρομπέτες.

Τον 17ο και το πρώτο μισό του 18ου αιώνα γράφτηκαν πολύ βιρτουόζικα και υψηλά τεσιτούρα μέρη για τρομπέτες, το πρωτότυπο των οποίων ήταν τα μέρη της σοπράνο στα φωνητικά και οργανικά έργα εκείνης της εποχής. Για να εκτελέσουν αυτά τα πιο δύσκολα μέρη, μουσικοί από την εποχή των Purcell, Bach και Handel χρησιμοποίησαν φυσικά όργανα κοινά εκείνης της εποχής με ένα μακρύ σωλήνα και ένα επιστόμιο μιας ειδικής συσκευής που επέτρεπε την εύκολη εξαγωγή των υψηλότερων αποχρώσεων. Μια τρομπέτα με τέτοιο επιστόμιο ονομαζόταν «κλαρίνο» γιατί έλαβε το ίδιο όνομα στην ιστορία της μουσικής.

Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, με αλλαγές στην ορχηστρική γραφή, το στυλ κλαρίνο ξεχάστηκε και η τρομπέτα έγινε κυρίως όργανο φανφάρων. Περιορίστηκε στις δυνατότητές του όπως η κόρνα, και βρέθηκε σε ακόμη χειρότερη θέση, αφού «κλειστοί ήχοι» που διευρύνουν την κλίμακα δεν χρησιμοποιήθηκαν σε αυτό λόγω της κακής χροιάς τους. Αλλά στη δεκαετία του 30 του 19ου αιώνα, με την εφεύρεση του μηχανισμού βαλβίδων, μια νέα εποχή ξεκίνησε στην ιστορία του σωλήνα. Έγινε χρωματικό όργανο και μετά από μερικές δεκαετίες αντικατέστησε τη φυσική τρομπέτα από την ορχήστρα.

Η χροιά της τρομπέτας δεν είναι τυπική για τον λυρισμό, αλλά πετυχαίνει τους ηρωισμούς με τον καλύτερο δυνατό τρόπο. Μεταξύ των βιεννέζικων κλασικών, οι τρομπέτες ήταν ένα καθαρά όργανο φανφάρας. Συχνά έκαναν τις ίδιες λειτουργίες στη μουσική του 19ου αιώνα, αναγγέλλοντας την έναρξη πομπών, πορειών, πανηγυρικών εορτών και κυνηγιών. Ο Wagner χρησιμοποίησε σωλήνες περισσότερο από άλλους και με νέο τρόπο. Η χροιά τους συνδέεται σχεδόν πάντα στις όπερες του με τον ιπποτικό ρομαντισμό και τον ηρωισμό.

Η τρομπέτα φημίζεται όχι μόνο για την ηχητική της δύναμη, αλλά και για την εξαιρετική τηςβιρτουόζων ιδιοτήτων.

Τούμπα (ιταλική τούμπα)

Σε αντίθεση με άλλους εκπροσώπους της ομάδας πνευστών πνευστών, η τούμπα είναι ένα αρκετά νεανικό όργανο. Χτίστηκε το δεύτερο τέταρτο του 19ου αιώνα στη Γερμανία. Οι πρώτες τούμπα ήταν ατελείς και αρχικά χρησιμοποιήθηκαν μόνο σε στρατιωτικές ορχήστρες και ορχήστρες κήπου. Μόνο όταν ήρθε στη Γαλλία, στα χέρια του ορχηστρικού δεξιοτέχνη Adolphe Sax, η τούμπα άρχισε να ανταποκρίνεται στις υψηλές απαιτήσεις της συμφωνικής ορχήστρας.

Η τούμπα είναι ένα μπάσο όργανο που μπορεί να καλύψει το χαμηλότερο εύρος της μπάντας πνευστών. Στο παρελθόν, τις λειτουργίες του εκτελούσε το φίδι, ένα όργανο παράξενου σχήματος που του οφείλει το όνομά του (σε όλες τις ρομανικές γλώσσες, το φίδι σημαίνει «φίδι»), μετά τα τρομπόνια μπάσου και κοντραμπάσου και το οφικλείδη με τη βάρβαρη χροιά του. Αλλά οι ηχητικές ιδιότητες όλων αυτών των οργάνων ήταν τέτοιες που δεν έδιναν στο συγκρότημα πνευστών ένα καλό, σταθερό μπάσο. Μέχρι να εμφανιστεί η τούμπα, οι δάσκαλοι έψαχναν επίμονα για ένα νέο όργανο.

Οι διαστάσεις του σωλήνα είναι πολύ μεγάλες, ο σωλήνας του είναι διπλάσιος από τον σωλήνα τρομπόνι. Ενώ παίζει, ο ερμηνευτής κρατά το όργανο μπροστά του με το κουδούνι στραμμένο προς τα πάνω.

Η τούμπα είναι ένα χρωματικό όργανο. Η κατανάλωση αέρα στο σωλήνα είναι τεράστια. Μερικές φορές, ειδικά στο forte στο low record, ο ερμηνευτής αναγκάζεται να αλλάξει την αναπνοή του σε κάθε ήχο. Επομένως, τα σόλο σε αυτό το όργανο είναι συνήθως αρκετά σύντομα. Τεχνικά, ο σωλήνας είναι κινητός, αν και είναι βαρύς. Σε μια ορχήστρα, συνήθως υπηρετεί ως μπάσο σε ένα τρίο τρομπόνι. Αλλά μερικές φορές η τούμπα λειτουργεί ως σόλο όργανο, θα λέγαμε, σε ρόλους χαρακτήρων. Έτσι, όταν ενορχήστρωνε τις «Εικόνες σε μια Έκθεση» του Μουσόργκσκι στο έργο «Βοοειδή», ο Ραβέλ ανέθεσε στο μπάσο τούμπα μια χιουμοριστική εικόνα ενός κροταλιστικού καροτσιού που σέρνεται στο δρόμο. Το μέρος της τούμπα έγραψε εδώ σε πολύ υψηλό μητρώο.

Τρομπόνι (Ιταλικό, Αγγλικό, Γαλλικό τρομπόνι)

Το τρομπόνι πήρε το όνομά του από το ιταλικό όνομα της τρομπέτας - tromba - με το μεγεθυντικό επίθημα "one": trombone κυριολεκτικά σημαίνει "τρομπέτα". Και πράγματι: ο σωλήνας τρομπόνι είναι διπλάσιος από την τρομπέτα. Ήδη τον 16ο αιώνα το τρομπόνι έλαβε το δικό του σύγχρονη μορφήκαι από τη στιγμή της ίδρυσής του ήταν ένα χρωματικό όργανο. Η πλήρης χρωματική κλίμακα επιτυγχάνεται σε αυτό όχι μέσω μηχανισμού βαλβίδας, αλλά χρησιμοποιώντας το λεγόμενο backstage. Ο σύνδεσμος είναι ένας μακρύς πρόσθετος σωλήνας, σε σχήμα όπως το γράμμα U. Εισάγεται στον κύριο σωλήνα και τον επιμηκύνει εάν επιθυμείτε. Σε αυτή την περίπτωση, το βήμα του οργάνου μειώνεται ανάλογα. Ο ερμηνευτής σπρώχνει τη διαφάνεια προς τα κάτω με το δεξί του χέρι και στηρίζει το όργανο με το αριστερό.

Τα τρομπόνια είναι από καιρό μια «οικογένεια» οργάνων διαφόρων μεγεθών. Όχι πολύ καιρό πριν, η οικογένεια των τρομπονιών αποτελούνταν από τρία όργανα. καθένα από αυτά αντιστοιχούσε σε μία από τις τρεις φωνές της χορωδίας και έλαβε το όνομά της: τρομπόνι άλτο, τρομπόνι τενόρος, τρομπόνι μπάσο.

Το παίξιμο τρομπόνι απαιτεί τεράστια ποσότητα αέρα, καθώς η μετακίνηση της τσουλήθρας διαρκεί περισσότερο από το πάτημα των βαλβίδων σε μια κόρνα ή μια τρομπέτα. Τεχνικά, το τρομπόνι είναι λιγότερο ευκίνητο από τους γείτονές του στην ομάδα: η κλίμακα του δεν είναι τόσο γρήγορη και καθαρή, το φόρτε είναι λίγο βαρύ, το legato είναι δύσκολο. Η Cantilena στο τρομπόνι απαιτεί μεγάλη προσπάθεια από τον ερμηνευτή. Ωστόσο, αυτό το όργανο έχει ιδιότητες που το καθιστούν απαραίτητο σε μια ορχήστρα: ο ήχος του τρομπονιού είναι πιο δυνατός και αρρενωπός. Ο Μοντεβέρντι, στην όπερα «Ορφέας», ένιωσε ίσως για πρώτη φορά τον τραγικό χαρακτήρα που ενυπάρχει στον ήχο του συνόλου τρομπονιού. Και ξεκινώντας με τον Gluck, τρία τρομπόνια έγιναν υποχρεωτικά στην ορχήστρα της όπερας. εμφανίζονται συχνά σε κορύφωσηδράματα.

Το τρίο τρομπόνι είναι καλό στις ρητορικές φράσεις. Από το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, η ομάδα τρομπόνι συμπληρώνεται από ένα όργανο μπάσου - την τούμπα. Μαζί, τρία τρομπόνια και μια τούμπα σχηματίζουν ένα «βαρύ ορειχάλκινο» κουαρτέτο.

Ένα πολύ μοναδικό αποτέλεσμα είναι δυνατό στο τρομπόνι - glissando. Επιτυγχάνεται με ολίσθηση των παρασκηνίων σε μια θέση των χειλιών του ερμηνευτή. Αυτή η τεχνική ήταν ήδη γνωστή στον Haydn, ο οποίος στο ορατόριο του «The Seasons» τη χρησιμοποίησε για να μιμηθεί το γάβγισμα των σκύλων. Στη σύγχρονη μουσική, το glissando χρησιμοποιείται αρκετά ευρέως. Το σκόπιμα ουρλιαχτό και τραχύ glissando του τρομπονιού στο "Sabre Dance" από το μπαλέτο "Gayane" του Khachaturian είναι περίεργο. Ενδιαφέρον είναι επίσης το εφέ ενός τρομπόνι με βουβό, που δίνει στο όργανο έναν δυσοίωνο, παράξενο ήχο.

Flugelhorn (Γερμανικά Flugelhorn, από το Flugel - "φτερό" και Horn - "κέρατο", "κέρατο")

Χάλκινο μουσικό όργανο. Εξωτερικά, θυμίζει πολύ τρομπέτα ή κορνέ-έμβολο, αλλά διαφέρει από αυτά στην ευρύτερη κλίμακα και την κωνική οπή του, ξεκινώντας αμέσως από το επιστόμιο τμήμα του σωλήνα. Διαθέτει 3 ή 4 βαλβίδες. Χρησιμοποιείται σε σύνολα τζαζ, μερικές φορές σε συμφωνικές ορχήστρες, λιγότερο συχνά σε μπάντες πνευστών. Τα Flugelhorns παίζονται συχνά από τρομπετίστα, εκτελώντας τα απαιτούμενα περάσματα σε αυτό το όργανο.

Προεπισκόπηση:

Βιολί (ιταλικό βιολί, γαλλικό βιολί, αγγλικό βιολί, γερμανικό βιολί, Geige)

Το βιολί δικαίως αποκαλείται απόγονος άλλων, παλαιότερων έγχορδων οργάνων.

Το πρώτο τόξο όργανο, το φιντέλ, εμφανίστηκε στην Ευρώπη τον 10ο και 11ο αιώνα.το άλλο - τζίγκα - έγινεαγαπημένο μουσικό όργανο των Γάλλων μινστραλ, περιοδεύων τραγουδιστών και μουσικών του 12ου και 13ου αιώνα. Μετά από λίγο καιρό, οι φιντέλ, οι ρεμπέκ και οι συναυλίες έδωσαν τη θέση τους στα αρχαία βιόλα: viol da gamba, viol da bardone, viol quinton - τη θέση των οποίων, με τη σειρά τους, πήραν τα βιολιά. Εμφανίστηκαν στη Γαλλία και την Ιταλία ήδη στις αρχές του 16ου αιώνα και αμέσως μετά η τέχνη της κατασκευής τόξων εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη. Άρχισαν να κατασκευάζονται στο Τιρόλο, τη Βιέννη, τη Σαξονία, την Ολλανδία και την Αγγλία, αλλά η Ιταλία φημιζόταν για τα καλύτερα βιολιά. Στη Μπρέσια και την Κρεμόνα -δύο μικρές πόλεις στα βορειοανατολικά της χώρας- οι άνθρωποι εργάζονταν πριν από περισσότερους από πέντε αιώνες εξαιρετικοί δάσκαλοι: Gasparo Bertolotti (με το παρατσούκλι de Salo) στην Μπρέσια και Andrea Amati στην Κρεμόνα. Η τέχνη της κατασκευής βιολιών έχει περάσει από γενιά σε γενιά και για διακόσια χρόνια οι οικογένειες Amati, Guarneri και Stradivari έχουν δημιουργήσει όργανα που εξακολουθούν να θεωρούνται από τα καλύτερα.

Το σχήμα του βιολιού καθορίστηκε τον 16ο αιώνα και από τότε έχει αλλάξει μόνο σε λεπτομέρειες.

Όλα όσα έχουν ειπωθεί για την τεχνική εγχόρδων ισχύουν ειδικά για το βιολί: είναι το περισσότεροένα κινητό και ευέλικτο όργανο ανάμεσα στα τόξα. Οι τεχνικές του δυνατότητες αναπτύχθηκαν μαζί με την τέχνη βιρτουόζων όπως οι Vitali, Torelli και Corelli τον 17ο αιώνα.και αργότερα - Tartini,Viotti, Spohr, Vietan, Berio, Wieniawski, Sarasate, Ysaï και φυσικά ο N. Paganini. Κατέκτησε την εκπληκτική τέχνη του να παίζει διπλές νότες, συγχορδίες, pizzicato και αρμονικές. Όταν οι χορδές του έσπασαν κατά τη διάρκεια μιας συναυλίας, συνέχισε να παίζει τις υπόλοιπες.

Ένα ακαταμάχητο εφέ επιτυγχάνεται με ένα σόλο βιολί που ερμηνεύει το κύριο θέμα - ως παράδειγμα μπορούμε να αναφέρουμε τη «Σεχεραζάντ» του Ρίμσκι-Κορσάκοφ.

Παρ' όλες τις ιδιότητές του, το βιολί, μαζί με το πιάνο, έπαιζε εδώ και καιρό πρωταγωνιστικό ρόλο μεταξύ των σόλο συναυλιακών οργάνων.

Προεπισκόπηση:

Τύμπανα

Τιμπάνι (Ιταλικά τιμπάνι, Γαλλικά τιμπάλια, Γερμανικά Pauken)

Το Timpani είναι ένα από τα αρχαιότερα όργανα στον κόσμο. Από την αρχαιότητα, ήταν ευρέως διαδεδομένα σε πολλές χώρες: στην Ανατολή και την Αφρική, στην Ελλάδα, στη Ρώμη και μεταξύ των Σκυθών. Οι άνθρωποι έπαιζαν το τιμπάνι για να συνοδεύσουν σημαντικά γεγονότα στη ζωή τους: διακοπές και πολέμους.

Τα μικρά, φορητά τυμπανάκια χρησιμοποιούνται εδώ και πολύ καιρό στην Ευρώπη. Οι μεσαιωνικοί ιππότες τα χρησιμοποιούσαν ενώ καβαλούσαν ένα άλογο. Μεγάλα τιμπάνι εισήλθαν στην Ευρώπη μόνο τον 15ο αιώνα - μέσω της Τουρκίας και της Ουγγαρίας. Τον 17ο αιώνα, τα τιμπάνι μπήκαν στην ορχήστρα.

Τα σύγχρονα τυμπάνι μοιάζουν με μεγάλα χάλκινα καζάνια σε βάση, καλυμμένα με δέρμα. Το δέρμα τραβιέται σφιχτά πάνω στο λέβητα χρησιμοποιώντας πολλές βίδες. Χτυπούν το δέρμα με δύο ραβδιά με απαλές στρογγυλές μύτες από τσόχα.

Σε αντίθεση με άλλους κρουστάμε δέρμα, τα τύμπανα παράγουν έναν ήχο συγκεκριμένου ύψους. Κάθε τιμπάνι συντονίζεται σε συγκεκριμένος τόνοςΩς εκ τούτου, για να πάρει δύο ήχους, η ορχήστρα άρχισε να χρησιμοποιεί ένα ζευγάρι τιμπάνι του 17ου αιώνα. Το τύμπανο μπορεί να ξαναχτιστεί: για να γίνει αυτό, ο ερμηνευτής πρέπει να σφίξει ή να χαλαρώσει το δέρμα με βίδες: όσο μεγαλύτερη είναι η τάση, τόσο υψηλότερος είναι ο τόνος. Ωστόσο, αυτή η λειτουργία είναι χρονοβόρα και επικίνδυνη κατά την εκτέλεση. Ως εκ τούτου, τον 19ο αιώνα, οι τεχνίτες επινόησαν μηχανικά τυμπανάκια, τα οποία μπορούσαν να ρυθμιστούν γρήγορα χρησιμοποιώντας μοχλούς ή πετάλια.

Ο ρόλος του τυμπάνι σε μια ορχήστρα είναι αρκετά ποικίλος. Οι ρυθμοί τους τονίζουν τον ρυθμό άλλων οργάνων, σχηματίζοντας είτε απλές είτε περίπλοκες ρυθμικές φιγούρες. Η γρήγορη εναλλαγή των χτυπημάτων και των δύο ραβδιών (τρεμόλο) προκαλεί αποτελεσματική αύξηση του ήχου ή αναπαραγωγή βροντής. Ο Haydn απεικόνισε επίσης κεραυνούς χρησιμοποιώντας τιμπάνι στο The Four Seasons. Ο Σοστακόβιτς στην Ένατη Συμφωνία κάνει το τιμπάνι να μιμείται τον κανονιοβολισμό. Μερικές φορές στα τιμπάνι ανατίθενται μικρά μελωδικά σόλο, όπως, για παράδειγμα, στο πρώτο μέρος της Ενδέκατης Συμφωνίας του Σοστακόβιτς.

Snare drum (ιταλικό tamburo (στρατιωτικό), γαλλικό tambour (στρατιωτικό), γερμανικό Trommel, αγγλικό πλαϊνό τύμπανο)

Το τύμπανο είναι βασικά ένα στρατιωτικό όργανο. Είναι ένας επίπεδος κύλινδρος καλυμμένος με δέρμα και στις δύο πλευρές. Οι χορδές τεντώνονται κάτω από το δέρμα στην κάτω πλευρά. ανταποκρινόμενοι στα χτυπήματα των ραβδιών, δίνουν στον ήχο του τυμπάνου ένα χαρακτηριστικό ήχο τριξίματος. Το drum roll ακούγεται πολύ ενδιαφέρον - τρέμολο με δύο μπαστούνια, που μπορεί να φτάσει σε εξαιρετική ταχύτητα. Η ισχύς του ήχου σε ένα τέτοιο τρέμολο ποικίλλει από θρόισμα έως βροντερό κρακ. Η ουβερτούρα στο «The Thieving Magpie» του Rossini ξεκινά με το ρολό δύο τύμπανων που ακούγεται τη στιγμή της εκτέλεσης του Till Eulenspiegel στο συμφωνικό ποίημα του Richard Strauss.

Μερικές φορές οι χορδές κάτω από το κάτω δέρμα του τυμπάνου χαμηλώνουν και σταματούν να ανταποκρίνονται στα χτυπήματα των ραβδιών. Αυτό το εφέ ισοδυναμεί με την εισαγωγή σίγασης: το τύμπανο χάνει τη δύναμη του ήχου. Έτσι ακούγεται στο χορευτικό τμήμα «Tsarevich and Princess» στο «Scheherazade» του Rimsky-Korsakov.

Το τύμπανο της παγίδας εμφανίστηκε για πρώτη φορά σε μικρή όπερα τον 19ο αιώνα και αρχικά εισήχθη μόνο σε στρατιωτικά επεισόδια. Ο Meyerbeer ήταν ο πρώτος που εισήγαγε το τύμπανο της παγίδας πέρα ​​από τα στρατιωτικά επεισόδια στις όπερες "The Huguenots" και "The Prophet".

Σε ορισμένες περιπτώσεις, το snare drum γίνεται ο «κύριος χαρακτήρας» όχι μόνο σε μεγάλα συμφωνικά επεισόδια, αλλά και σε ολόκληρο το έργο. Παραδείγματα περιλαμβάνουν το «επεισόδιο εισβολής» από την Έβδομη Συμφωνία του Σοστακόβιτς και το «Μπολερό» του Ραβέλ, όπου ένα και μετά δύο τύμπανα παγίδα κρατούν ολόκληρο τον ρυθμικό παλμό της μουσικής.

Μπάσο τύμπανο (ιταλικό gran casso, γαλλικό grosse caisse, γερμανικό grobe Trommel, αγγλικό μπάσο τύμπανο).

Σήμερα υπάρχουν δύο είδη τυμπάνων μπάσου. Ένα από αυτά είναι ένας μεταλλικός κύλινδρος μεγάλης διαμέτρου - έως 72 cm - καλυμμένος με δέρμα και στις δύο πλευρές. Αυτός ο τύπος τυμπάνου μπάσου είναι κοινός σε στρατιωτικά συγκροτήματα, συγκροτήματα τζαζ και συμφωνικές ορχήστρες στην Αμερική. Ένας άλλος τύπος τυμπάνου είναι ένα τσέρκι με δέρμα στη μία πλευρά. Ξεκίνησε από τη Γαλλία και γρήγορα εξαπλώθηκε σε συμφωνικές ορχήστρες στην Ευρώπη. Για να χτυπήσει το δέρμα του τυμπάνου μπάσου, χρησιμοποιείται ένα ξύλινο ραβδί με μαλακό σφυρί καλυμμένο με τσόχα ή φελλό.

Πολύ συχνά τα χτυπήματα του τυμπάνου του μπάσου συνοδεύονται από κουδούνισμα κυμβάλων ή εναλλάσσονται με αυτό, όπως στον γρήγορο χορό «In the Cave of the Mountain King» από το «Peer Gynt» του Grieg. Σε ένα μπάσο τύμπανο, είναι επίσης δυνατή η γρήγορη εναλλαγή των χτυπημάτων - τρέμολο -. Για να το κάνετε αυτό, χρησιμοποιήστε ένα ραβδί με δύο σφυρί στις δύο άκρες ή ξυλάκια τιμπάνι. Το τρέμολο του μπάσου ντραμς χρησιμοποιήθηκε με μεγάλη επιτυχία από τον Rimksy-Korsakov στην ενορχήστρωση της συμφωνικής ταινίας του Mussorgsky "Night on Bald Mountain".

Στην αρχή, το μεγάλο τύμπανο εμφανίστηκε μόνο στην «τουρκική μουσική», αλλά από τις αρχές του 19ου αιώνα άρχισαν συχνά να το χρησιμοποιούν για σκοπούς αντιπροσωπείας του ήχου: να μιμούνται κανονιοβολισμούς και κεραυνούς. Ο Μπετόβεν συμπεριέλαβε τρία μεγάλα τύμπανα στη «Μάχη της Βιτόρια» για να απεικονίσει βολές κανονιού. Για τον ίδιο σκοπό, ο Rimsky-Korsakov χρησιμοποίησε αυτό το όργανο στο "The Tale of Tsar Saltan", ο Shostakovich στην Ενδέκατη Συμφωνία και ο Prokofiev στην όγδοη σκηνή της όπερας "War and Peace" (η αρχή της μάχης του Borodino). Ταυτόχρονα, το μεγάλο τύμπανο ακούγεται και εκεί που δεν υπάρχει ονοματοποιία και ιδιαίτερα συχνά σε θορυβώδη,

Ξυλόφωνο (ιταλικό ξυλόφωνο, γαλλικό ξυλόφωνο)

Το ξυλόφωνο προφανώς γεννήθηκε τη στιγμή που ο πρωτόγονος άνθρωπος χτύπησε ένα στεγνό ξύλινο μπλοκ με ένα ραβδί και άκουσε τον ήχο ενός συγκεκριμένου τόνου. Πολλά τέτοια πρωτόγονα ξύλινα ξυλόφωνα έχουν βρεθεί στη Νότια Αμερική, την Αφρική και την Ασία. Στην Ευρώπη, από τον 15ο αιώνα, το όργανο αυτό έπεσε στα χέρια περιοδεύων μουσικών και μόλις στις αρχές του 19ου αιώνα έγινε όργανο συναυλιών. Οφείλει τη βελτίωσή του στον μουσικό Μογκίλεφ, αυτοδίδακτο νταουλίστα Μιχαήλ Ιωσήφοβιτς Γκουζίκοφ.

Το ηχητικό σώμα σε ένα ξυλόφωνο είναι ξύλινα μπλοκδιαφορετικών μεγεθών (ξύλον - στα ελληνικά «δέντρο», τηλέφωνο - «ήχος»). Είναι διατεταγμένα σε τέσσερις σειρές πάνω σε νήματα ψάθας. Ο εκτελεστής μπορεί να τα τυλίγει σε ρολό και να τα απλώνει σε ένα ειδικό τραπέζι κατά τη διάρκεια του παιχνιδιού. Παίζουν ξυλόφωνο με δύο ξύλινα ραβδιά - «κατσίκα πόδια». Ο ήχος του ξυλόφωνου είναι στεγνός, κρότος και ευκρινής. Είναι πολύ χαρακτηριστικό στο χρώμα, επομένως η εμφάνισή του σε ένα μουσικό κομμάτι συνδέεται συνήθως με μια ιδιαίτερη κατάσταση πλοκής ή μια ιδιαίτερη διάθεση. Ο Ρίμσκι-Κόρσακοφ στο “The Tale of Tsar Saltan” εμπιστεύεται στο ξυλόφωνο το τραγούδι “Whether in the garden or the λαχανόκηπο” τη στιγμή που ένας σκίουρος ροκανίζει χρυσούς ξηρούς καρπούς. Ο Λιάντοφ χρησιμοποιεί τους ήχους ενός ξυλόφωνου για να απεικονίσει την πτήση του Μπάμπα Γιάγκα σε ένα γουδί, προσπαθώντας να μεταφέρει το τρίξιμο των σπασμένων κλαδιών. Συχνά η χροιά ενός ξυλοφώνου προκαλεί μια ζοφερή διάθεση και δημιουργεί παράξενες, γκροτέσκες εικόνες. Οι σύντομες φράσεις του ξυλόφωνου στο «επεισόδιο εισβολής» από την Έβδομη Συμφωνία του Σοστακόβιτς ακούγονται μελαγχολικές.

Το ξυλόφωνο είναι ένα πολύ δεξιοτεχνικό όργανο. Επιτρέπει μεγαλύτερη ευχέρεια σε γρήγορα περάσματα, τρέμολο και ειδικό εφέ - glissando: γρήγορη κίνηση του ραβδιού κατά μήκος των ράβδων.

Κύμβαλα (ιταλικά piatti, γαλλικά cymbales, γερμανικά Becken, αγγλικά κύμβαλα)

Τα πιάτα ήταν ήδη γνωστά στον αρχαίο κόσμο και στην αρχαία Ανατολή, αλλά οι Τούρκοι φημίζονταν για την ιδιαίτερη αγάπη τους και την εξαιρετική τέχνη να τα κατασκευάζουν. Στην Ευρώπη, τα πιάτα έγιναν δημοφιλή τον 18ο αιώνα, μετά τον πόλεμο με τους Οθωμανούς.

Τα πιάτα είναι μεγάλα μεταλλικά πιάτα κατασκευασμένα από κράματα χαλκού. Τα κύμβαλα είναι ελαφρώς κυρτά στο κέντρο - εδώ προσαρμόζονται δερμάτινα λουριά, έτσι ώστε ο ερμηνευτής να μπορεί να κρατά το όργανο στα χέρια του. Τα κύμβαλα παίζονται όρθια για να μην παρεμβαίνει τίποτα στη δόνηση τους και για να ταξιδεύει ο ήχος ελεύθερα στον αέρα. Ο συνηθισμένος τρόπος παιξίματος αυτού του οργάνου είναι ένα λοξό, συρόμενο χτύπημα ενός κύμβαλου εναντίον ενός άλλου - μετά από αυτό υπάρχει ένα κουδούνισμα μεταλλικό πιτσίλισμα που κρέμεται στον αέρα για πολλή ώρα. Αν ο ερμηνευτής θέλει να σταματήσει τη δόνηση των κυμβάλων, τα φέρνει στο στήθος του και οι δονήσεις παύουν. Συχνά οι συνθέτες συνοδεύουν τη συντριβή των κυμβάλων με τη βροντή ενός τυμπάνου μπάσου. Αυτά τα όργανα ακούγονται συχνά μαζί, όπως, για παράδειγμα, στις πρώτες μπάρες του φινάλε της 4ης συμφωνίας του Τσαϊκόφσκι. Εκτός από το λοξό χτύπημα, υπάρχουν και αρκετοί άλλοι τρόποι παιξίματος κύμβαλων: όταν, για παράδειγμα, ένα ελεύθερα κρεμασμένο κύμβαλο χτυπιέται είτε με ραβδί τυμπανιού είτε με ξύλινα μπαστούνια από τύμπανο.

Μια συμφωνική ορχήστρα χρησιμοποιεί συνήθως ένα ζευγάρι κύμβαλα. Σε σπάνιες περιπτώσεις - όπως, για παράδειγμα, στην «Κηδεία-Θριαμβευτική Συμφωνία» του Μπερλιόζ, χρησιμοποιούνται τρία ζεύγη πιάτων.

Τρίγωνο (ιταλικό triahgalo, γαλλικό τρίγωνο, γερμανικό τρίγωνο, αγγλικό τρίγωνο)

Το τρίγωνο είναι ένα από τα μικρότερα όργανα μιας συμφωνικής ορχήστρας. Είναι μια χαλύβδινη ράβδος λυγισμένη σε σχήμα τριγώνου. Το κρεμούν σε ένα κορδόνι και το χτυπούν με ένα μικρό μεταλλικό ραβδί - ακούγεται ένα κουδούνισμα, πολύ καθαρός ήχος.

Οι τρόποι για να παίξετε το τρίγωνο δεν είναι πολύ διαφορετικοί. Μερικές φορές παράγεται μόνο ένας ήχος σε αυτό, μερικές φορές παράγονται απλά ρυθμικά μοτίβα. Ακούγεται καλό σε τρίγωνο τρέμολο.

Το τρίγωνο αναφέρθηκε για πρώτη φορά τον 15ο αιώνα. Τον 18ο αιώνα χρησιμοποιήθηκε στην όπερα από τον συνθέτη Grétry. Τότε το τρίγωνο έγινε αμετάβλητος συμμετέχων στα «τουρκικά», δηλ. εξωτική μουσική, που εμφανίζεται μαζί με ένα μπάσο τύμπανο και κύμβαλα. Αυτή η ομάδα κρουστών χρησιμοποιήθηκε από τον Μότσαρτ στο «The Abduction from the Seraglio», τον Μπετόβεν στην «Τουρκική Πορεία» από τα «Ερείπια της Αθήνας» και ορισμένους άλλους συνθέτες που προσπάθησαν να αναπαράγουν τη μουσική εικόνα της Ανατολής. Το τρίγωνο είναι επίσης ενδιαφέρον σε κομψά χορευτικά κομμάτια: στο "Anitra's Dance" από το "Peer Gynt" του Grieg, στο "Waltz-Fantasy" της Glinka.

Καμπάνες (ιταλικό campanelli, γαλλικό carillon, γερμανικό Glockenspiel)

Οι καμπάνες είναι ίσως το πιο ποιητικό όργανο της ομάδας κρουστών. Το όνομά του προέρχεται από την αρχαία ποικιλία του, όπου το κορμί που ηχούσε ήταν μικρές καμπάνες συντονισμένες σε συγκεκριμένο ύψος. Αργότερα αντικαταστάθηκαν από ένα σετ μεταλλικών πλακών διαφορετικών μεγεθών. Είναι διατεταγμένα σε δύο σειρές, σαν πλήκτρα πιάνου, και τοποθετημένα σε ξύλινο κουτί. Οι καμπάνες παίζονται με δύο μεταλλικά σφυρί. Υπάρχει μια άλλη ποικιλία αυτού του οργάνου: τα κουδούνια του πληκτρολογίου. Διαθέτουν πληκτρολόγιο πιάνου και σφυριά που μεταδίδουν κραδασμούς από τα πλήκτρα σε μεταλλικές πλάκες. Ωστόσο, αυτή η αλυσίδα μηχανισμών δεν αντανακλάται πολύ καλά στον ήχο τους: δεν είναι τόσο φωτεινό και ηχηρό όσο στα συνηθισμένα κουδούνια. Ωστόσο, ενώ τα πληκτρολόγια είναι κατώτερα από τα σφυρί στην ομορφιά του ήχου, είναι τεχνικά ανώτερα. Χάρη στο πληκτρολόγιο του πιάνου, είναι δυνατά σε αυτά αρκετά γρήγορα περάσματα και πολυφωνικές συγχορδίες. Η χροιά των καμπάνων είναι ασημί, απαλή και ηχητική. Ακούγονται στον «Μαγικό Αυλό» του Μότσαρτ κατά την είσοδο του Παπαγένο, στην άρια με κουδούνια στο «Lakmé» του Ντελιμπές, στο «The Snow Maiden» του Rimsky-Korsakov, όταν η Mizgir, κυνηγώντας τη Snow Maiden, βλέπει τα φώτα των πυγολαμπίδων, στο «Ο χρυσός κόκορας» όταν μπαίνει ο Αστρολόγος.

Καμπάνες (ιταλικό καμπάνε, γαλλικό cloches, γερμανικό Glocken)

Από την αρχαιότητα, το χτύπημα των καμπάνων καλούσε τους ανθρώπους σε θρησκευτικές τελετές και αργίες, και επίσης ανήγγειλε κακοτυχίες. Με την ανάπτυξη της όπερας, με την εμφάνιση ιστορικών και πατριωτικών θεμάτων σε αυτήν, οι συνθέτες άρχισαν να εισάγουν καμπάνες στην όπερα. Οι ήχοι των κουδουνιών στη ρωσική όπερα αντιπροσωπεύονται ιδιαίτερα πλούσια: το επίσημο χτύπημα στο "Ivan Susanin", "The Tale of Tsar Saltan", "The Woman of Pskov" και "Boris Godunov" (στη σκηνή της στέψης), ο ανησυχητικός συναγερμός. κουδούνι στο "Prince Igor", η κηδεία στο " Boris Godunov". Όλες αυτές οι όπερες παρουσίαζαν πραγματικές καμπάνες εκκλησιών, οι οποίες τοποθετούνται πίσω από τη σκηνή σε μεγάλες όπερες. Ωστόσο, δεν μπορούσε κάθε όπερα να έχει το δικό της καμπαναριό, έτσι οι συνθέτες εισήγαγαν μόνο περιστασιακά μικρές καμπάνες στην ορχήστρα - όπως έκανε ο Τσαϊκόφσκι στην Ουβερτούρα του 1812. Εν τω μεταξύ, με την ανάπτυξη της μουσικής προγράμματος, προέκυψε ολοένα και περισσότερο η ανάγκη να μιμηθούν τα κουδούνια σε μια συμφωνική ορχήστρα - έτσι, μετά από λίγο, δημιουργήθηκαν ορχηστρικά κουδούνια - ένα σετ από ατσάλινους σωλήνες κρεμασμένους από ένα πλαίσιο. Στη Ρωσία αυτές οι καμπάνες ονομάζονται ιταλικές. Κάθε ένας από τους σωλήνες είναι συντονισμένος σε έναν συγκεκριμένο τόνο. χτυπήστε τα με ένα μεταλλικό σφυρί με μια ελαστική φλάντζα.

Οι ορχηστρικές καμπάνες χρησιμοποιήθηκαν από τον Πουτσίνι στην όπερα «Τόσκα», ο Ραχμανίνοφ στο φωνητικό-συμφωνικό ποίημα «Οι καμπάνες». Ο Προκόφιεφ στο «Alexander Nevsky» αντικατέστησε τους σωλήνες με μακριές μεταλλικές ράβδους.

Τυμπάνιο

Ένα από τα παλαιότερα όργανα στον κόσμο, το ντέφι εμφανίστηκε στη συμφωνική ορχήστρα τον 19ο αιώνα. Ο σχεδιασμός αυτού του οργάνου είναι πολύ απλός: κατά κανόνα, είναι ένας ξύλινος κρίκος με δέρμα τεντωμένο στη μία πλευρά. Στην σχισμή του στεφάνου (στο πλάι) προσαρμόζονται μεταλλικά μπιχλιμπίδια και στο εσωτερικό είναι κορδόνια μικρά κουδουνάκια, σε κορδόνι σε σχήμα αστεριού. Όλα αυτά ηχούν με το παραμικρό τίναγμα του ντέφι.

Το μέρος του ντέφι, καθώς και άλλα τύμπανα που δεν έχουν ορισμένο ύψος, συνήθως γράφεται όχι σε ένα ραβδί, αλλά σε έναν ξεχωριστό χάρακα, που ονομάζεται «νήμα».

Οι τεχνικές για το παίξιμο του ντέφι είναι πολύ διαφορετικές. Πρώτα απ 'όλα, πρόκειται για αιχμηρά χτυπήματα στο δέρμα και χτυπήματα σύνθετων ρυθμικών μοτίβων σε αυτό. Σε αυτές τις περιπτώσεις, τόσο το δέρμα όσο και οι καμπάνες κάνουν ήχο. Όταν χτυπηθεί δυνατά, το ντέφι κουδουνίζει απότομα όταν αγγίζεται αδύναμα, ακούγεται ένα ελαφρύ κουδούνισμα. Υπάρχουν πολλοί τρόποι όταν ο ερμηνευτής κάνει μόνο ένα κουδούνι να ηχήσει. Αυτό είναι ένα γρήγορο τίναγμα του ντέφι - δίνει ένα διαπεραστικό τρέμολο. Αυτό είναι ένα απαλό τίναγμα. και τέλος, ακούγεται μια θεαματική τρίλιζα όταν ο ερμηνευτής περνάει έναν βρεγμένο αντίχειρα πάνω από το δέρμα: αυτή η τεχνική προκαλεί ένα ζωηρό χτύπημα των καμπάνων.

Το ντέφι είναι χαρακτηριστικό όργανο, άρα δεν χρησιμοποιείται σε κάθε έργο. Συνήθως εμφανίζεται εκεί που πρέπει να ζωντανέψει η Ανατολή ή η Ισπανία στη μουσική: στο «Scheherazade» και στο «Capriccio Espagnol» του Rimsky-Korsakov, στο χορό των Αράβων αγοριών στο μπαλέτο «Raymonda» του Glazunov, στους ιδιοσυγκρασιακούς χορούς του οι Πολόβτσιοι στον «Πρίγκιπα Ιγκόρ» του Μποροντίν, στην «Κάρμεν» του Μπιζέ.

Καστανέτες (ισπανικά: castanetas)

Το όνομα "castanets" σημαίνει "μικρά κάστανα" στα ισπανικά. Η Ισπανία, πιθανότατα, ήταν η πατρίδα τους. εκεί οι καστανιέτες μετατράπηκαν σε αληθινές εθνικό μέσο. Οι καστανέτες κατασκευάζονται από σκληρό ξύλο: οι καστανέτες έχουν σχήμα κοχυλιού.

Στην Ισπανία, δύο ζεύγη καστανιέτες χρησιμοποιήθηκαν για να συνοδεύσουν το χορό και το τραγούδι. κάθε ζευγάρι κρατιόταν μαζί με ένα κορδόνι που σφίγγονταν γύρω από τον αντίχειρα. Τα υπόλοιπα δάχτυλα, παραμένοντας ελεύθερα, χτυπούσαν περίπλοκους ρυθμούς στα ξύλινα κοχύλια. Κάθε χέρι απαιτούσε το δικό του μέγεθος καστανιέτες: στο αριστερό χέρι ο ερμηνευτής κρατούσε κοχύλια μεγάλου όγκου, εξέπεμπαν χαμηλότερο τόνο και έπρεπε να χτυπήσει έξω τον κύριο ρυθμό. Καστανέτες για δεξί χέριήταν μικρότερα σε μέγεθος. ο τόνος τους ήταν υψηλότερος. Οι Ισπανοί χορευτές και χορευτές μιλούσαν άπταιστα αυτήν την περίπλοκη τέχνη, την οποία διδάσκονταν από την παιδική τους ηλικία. Το ξερό, ζωηρό κλικ των καστανέτων συνόδευε πάντα τους ιδιοσυγκρασιακούς ισπανικούς χορούς: μπολερό, σεγκιντίγιο, φαντάνγκο.

Όταν οι συνθέτες ήθελαν να εισαγάγουν καστανιέτες στη συμφωνική μουσική, σχεδιάστηκε μια απλοποιημένη εκδοχή αυτού του οργάνου - ορχηστρικές καστανιέτες. Πρόκειται για δύο ζεύγη κοχυλιών τοποθετημένα στις άκρες μιας ξύλινης λαβής. Όταν τινάζονται, ακούγεται ένας ήχος κρότου - ένα αδύναμο αντίγραφο πραγματικών ισπανικών καστανιέτων.

Στην ορχήστρα, οι καστανέτες άρχισαν να χρησιμοποιούνται κυρίως σε μουσική ισπανικής φύσης: στις ισπανικές υπερθετικές εκδόσεις του Glinka «The Aragonese Hunt» και «Night in Madrid», στο «Capriccio Espagnol» του Rimsky-Korsakov, στο Ισπανικός χορόςαπό τα μπαλέτα του Τσαϊκόφσκι, και στη δυτική μουσική - στην «Κάρμεν» του Μπιζέ, στα συμφωνικά έργα «Iberia» του Ντεμπυσσύ, «Alborada del Gracioso» του Ραβέλ. Μερικοί συνθέτες έβγαλαν τις καστανέτες πέρα ​​από το πεδίο της ισπανικής μουσικής: ο Saint-Saëns τις χρησιμοποίησε στην όπερα Samson και Dalida, ο Prokofiev - στο τρίτο κονσέρτο για πιάνο.

Tam-tam (γαλλικά και ιταλικά tam-tam, γερμανικά Tam-tam)

Το ταμ-ταμ, ένα κρουστό όργανο κινεζικής προέλευσης, έχει σχήμα δίσκου με πυκνές άκρες. Είναι κατασκευασμένο από ειδικό κράμα κοντά στον μπρούτζο. Όταν παίζετε ταμ-ταμ, το ταμ-ταμ κρεμιέται από ένα ξύλινο πλαίσιο και χτυπιέται με σφυρί με μύτη με τσόχα. Ο ήχος ταμ-ταμ είναι χαμηλός και παχύς. μετά την κρούση εξαπλώνεται για πολύ καιρό, τώρα ρέει μέσα, τώρα απομακρύνεται. Αυτό το χαρακτηριστικό του οργάνου και η ίδια η φύση της χροιάς του προσδίδουν κάποιου είδους δυσοίωνη εκφραστικότητα. Λένε ότι μερικές φορές αρκεί ένα μόνο χτύπημα σε όλο το κομμάτι για να κάνει έντονη εντύπωση στο κοινό. Ένα παράδειγμα αυτού είναι το φινάλε της Έκτης Συμφωνίας του Τσαϊκόφσκι.

Στην Ευρώπη, το ταμ-ταμ εμφανίστηκε κατά τη Γαλλική Επανάσταση. Μετά από αρκετό καιρό, αυτό το όργανο μπήκε στην ορχήστρα της όπερας και από τότε χρησιμοποιείται, κατά κανόνα, σε τραγικές, «μοιραίες» καταστάσεις. Το χτύπημα ταμ-ταμ σημαίνει θάνατο, καταστροφή, παρουσία μαγικών δυνάμεων, κατάρα, οιωνό και άλλα «ασυνήθιστα» γεγονότα. Στο «Ρουσλάν και Λιουντμίλα» ακούγονται ταμ-ταμ τη στιγμή της απαγωγής της Λιουντμίλα από τον Τσερνομόρ, στο «Ρόμπερτ ο Διάβολος» του Μάγιερμπεργκ - στη σκηνή της «ανάστασης των καλόγριας», στη «Σεχεραζάντα» του Ρίμσκι-Κόρσακοφ - τη στιγμή που το πλοίο του Σίνμπαντ πέφτει στα βράχια. Ταμ-ταμ μπιτ ακούγονται επίσης στην τραγική κορύφωση του πρώτου μέρους της Έβδομης Συμφωνίας του Σοστακόβιτς.

Κλάβες.

Το claves είναι ένα κρουστό όργανο κουβανικής προέλευσης: πρόκειται για δύο στρογγυλά ραβδιά, μήκους 15-25 cm το καθένα, σκαλισμένα από πολύ σκληρό ξύλο. Ο ερμηνευτής κρατά ένα από αυτά με ειδικό τρόπο στο αριστερό του χέρι - έτσι ώστε η σφιγμένη παλάμη να λειτουργεί ως αντηχείο - και το χτυπά με ένα άλλο ραβδί.

Ο ήχος του clave είναι απότομος, ψηλός, δυνατά κλικ, σαν ξυλόφωνο, αλλά χωρίς συγκεκριμένο ύψος. Το ύψος του ήχου εξαρτάται από το μέγεθος των ραβδιών. Μερικές φορές μια συμφωνική ορχήστρα χρησιμοποιεί δύο ή και τρία ζευγάρια τέτοιων ραβδιών, διαφορετικών σε μέγεθος.

Φρούστα.

Το Frusta αποτελείται από δύο ξύλινες σανίδες, η μία από τις οποίες έχει λαβή και η δεύτερη στερεώνεται στο κάτω άκρο πάνω από τη λαβή σε έναν μεντεσέ - όταν ταλαντεύεται απότομα ή με τη βοήθεια ενός σφιχτού ελατηρίου, κάνει ένα χτύπημα με το ελεύθερο άκρο του εναντίον του άλλου. Κατά κανόνα, μόνο μεμονωμένα forte, fortissimo pops, που δεν ακολουθούν πολύ συχνά το ένα μετά το άλλο, εξάγονται από το frust.

Το φρούστα είναι ένα κρουστό όργανο που δεν έχει συγκεκριμένο ύψος, οπότε το μέρος του, όπως και το ντέφι, δεν γράφεται σε πεντάγραμμο, αλλά σε «χορδή».

Το φρούστα είναι αρκετά κοινό στις σύγχρονες παρτιτούρες. Η τρίτη κίνηση του «Lorelei» από τη Δέκατη τέταρτη Συμφωνία του Σοστακόβιτς ξεκινά με δύο παλαμάκια σε αυτό το όργανο.

Ξύλινος κύβος.

Το ξύλο μπλοκ είναι ένα κρουστό όργανο κινεζικής προέλευσης. Πριν από την εμφάνισή του στο τμήμα κρουστών μιας συμφωνικής ορχήστρας, το wood block ήταν πολύ δημοφιλές στην τζαζ.

Ένα ξύλινο μπλοκ είναι ένα μικρό ορθογώνιο μπλοκ από σκληρό ξύλο με μια βαθιά, στενή εγκοπή στην μπροστινή πλευρά. Η τεχνική του παιξίματος του ξύλινου μπλοκ είναι το τύμπανο: ο ήχος παράγεται χτυπώντας το πάνω επίπεδο του οργάνου με ραβδιά τύμπανου, ξύλινες σφύρες και ραβδιά με λαστιχένιες κεφαλές. Ο ήχος που προκύπτει είναι οξύς, υψηλός τόνος, χαρακτηριστικό κλικ και αόριστος τόνος.

Ως κρουστό όργανο αορίστου τόνου, το ξύλινο μπλοκ σημειώνεται σε «χορδή» ή σε συνδυασμό χάρακα.

Μπλοκ ναών, Tartaruga.

Το Temple block είναι ένα όργανο κορεατικής ή βορειοκινεζικής προέλευσης, χαρακτηριστικό της βουδιστικής λατρείας. Το όργανο έχει στρογγυλό σχήμα, είναι κοίλο εσωτερικά, με βαθύ κόψιμο στη μέση (σαν στόμα που γελάει), και είναι κατασκευασμένο από σκληρό ξύλο.

Όπως τα περισσότερα άλλα «εξωτικά» κρουστά, το μπλοκ του ναού διαδόθηκε αρχικά στη τζαζ, από όπου μπήκε στη συμφωνική ορχήστρα.

Ο ήχος του μπλοκ ναού είναι πιο σκοτεινός και βαθύτερος από αυτόν του στενά συγγενικού ξύλου και έχει ένα αρκετά σαφές ύψος, έτσι ώστε, χρησιμοποιώντας ένα σύνολο μπλοκ ναών, μπορείτε να λάβετε μελωδικές φράσεις σε αυτά - για παράδειγμα, S. Slonimsky χρησιμοποίησε αυτά τα όργανα στο "Concert buffe".

Παίζουν μπλοκ ναών χτυπώντας το επάνω κάλυμμα με ραβδιά με λαστιχένιες κεφαλές, ξύλινες σφύρες και ραβδιά τύμπανου παγίδας.

Μερικές φορές μια συμφωνική ορχήστρα χρησιμοποιεί σύνολα από κοχύλια χελώνας, τα οποία είναι κατ' αρχήν παρόμοια με την αναπαραγωγή μπλοκ προτύπων, αλλά ακούγονται πιο στεγνά και αδύναμα. Ένα τέτοιο σύνολο από κοχύλια χελώνας που ονομάζεται Tartaruga χρησιμοποιήθηκε από τον S. Slonimsky στο "Concert Buff".

Guiro, reko-reko, sapo.

Αυτά τα όργανα είναι λατινοαμερικανικής προέλευσης και μοιάζουν τόσο στην αρχή του σχεδιασμού τους όσο και στον τρόπο που παίζονται.

Κατασκευάζονται από ένα τμήμα μπαμπού (reco-reco), από αποξηραμένη κολοκύθα (guiro) ή από άλλο κοίλο αντικείμενο που χρησιμεύει ως αντηχείο. Μια σειρά από εγκοπές ή εγκοπές γίνονται στη μία πλευρά του εργαλείου. Σε ορισμένες περιπτώσεις, τοποθετείται μια πλάκα με κυματοειδή επιφάνεια. Ένα ειδικό ξύλινο ραβδί περνάει κατά μήκος αυτών των εγκοπών, με αποτέλεσμα έναν υψηλό, οξύ ήχο με χαρακτηριστικό ήχο τριξίματος. Η πιο κοινή ποικιλία αυτών των συναφών οργάνων είναι το guiro. Ο I. Stravinsky ήταν ο πρώτος που εισήγαγε αυτό το όργανο στη συμφωνική ορχήστρα - στο The Rite of Spring. Το Reco-reco βρίσκεται στο "Concert-bouffe" του Slonimsky και το sapo - ένα όργανο παρόμοιο με το reco-reco - χρησιμοποιείται στη παρτιτούρα των "Three Poems of Henri Michaud" του W. Lutoslawski.

Αναστολεύς.

Στα μουσικά όργανα διάφορους λαούςΥπάρχουν πολλές καστάνια διαφόρων σχημάτων και συσκευών. Σε μια συμφωνική ορχήστρα, η καστάνια είναι ένα κουτί που ο ερμηνευτής περιστρέφει σε μια λαβή γύρω από έναν οδοντωτό τροχό. Ταυτόχρονα, μια ελαστική ξύλινη πλάκα, πηδώντας από το ένα δόντι στο άλλο, παράγει μια χαρακτηριστική ρωγμή.

Maracas, chocalo (tubo), camezo.

Όλα αυτά τα όργανα είναι λατινοαμερικανικής προέλευσης. Η μαράκα είναι μια ξύλινη κουδουνίστρα σε σχήμα στρογγυλού ή αυγού με λαβή και γεμάτη με σφηνάκι, κόκκους, βότσαλα ή άλλα χύμα υλικά. Αυτά τα λαϊκά όργανα κατασκευάζονται συνήθως από καρύδα ή κούφια αποξηραμένη κολοκύθα με φυσική λαβή. Οι μαράκες είναι πολύ δημοφιλείς σε ορχήστρες χορευτικής μουσικής και τζαζ. Ο Σ. Προκόφιεφ ήταν ο πρώτος που χρησιμοποίησε αυτό το όργανο ως μέρος συμφωνικής ορχήστρας («Χορός των Κοριτσιών των Αντιλλών» από το μπαλέτο «Romeo and Juliet», καντάτα «Alexander Nevsky»). Στις μέρες μας, συνήθως χρησιμοποιείται ένα ζευγάρι οργάνων - ο ερμηνευτής τα κρατάει στα δύο χέρια και, κουνώντας τα, παράγει έναν ήχο. Όπως και άλλα κρουστά χωρίς συγκεκριμένο ύψος, η μαράκα σημειώνεται σε "χορδή". Σύμφωνα με την αρχή της παραγωγής ήχου, οι μαράκες είναι κοντά στα chocalos και τα camezo. Πρόκειται για μεταλλικούς - καρό - ή ξύλινους - κύλινδρους καμέσο, ​​γεμάτους, σαν μαράκες, με κάποιο είδος κοκκώδους ουσίας. Ορισμένα μοντέλα έχουν πλευρικό τοίχωμα καλυμμένο με δερμάτινη μεμβράνη. Τόσο το cecala όσο και το camezo ακούγονται πιο δυνατά και πιο έντονα από τα maracas. Κρατούνται επίσης και με τα δύο χέρια, ανακινούνται κάθετα ή οριζόντια ή περιστρέφονται.

Καμπάτσα.

Αρχικά, αυτό το όργανο αφρο-βραζιλιάνικης καταγωγής ήταν δημοφιλές στις μουσικές ορχήστρες της Λατινικής Αμερικής, από όπου έλαβε την περαιτέρω διανομή του. Εξωτερικά, η καμπάτσα μοιάζει με διπλά μεγεθυσμένη μαράκα, καλυμμένη με ένα πλέγμα με μεγάλες χάντρες αρμαθιές πάνω της. Ο ερμηνευτής κρατά το όργανο στο ένα χέρι και είτε απλά το χτυπά με τα δάχτυλα του άλλου χεριού, είτε με μια εφαπτομενική κίνηση της παλάμης περνά μέσα από ένα πλέγμα από χάντρες. Στην τελευταία περίπτωση, εμφανίζεται ένας θρόισμα, μακρύτερος ήχος, που θυμίζει τον ήχο των μαράκας. Ο Slonimsky ήταν ένας από τους πρώτους που χρησιμοποίησε το kabatsu στο Concert Buff του.

Bongs.

Αυτό το όργανο είναι κουβανικής προέλευσης. Μετά τον εκσυγχρονισμό, τα bongs άρχισαν να χρησιμοποιούνται ευρέως σε ορχήστρες χορευτικής μουσικής, τζαζ και ακόμη και σε έργα σοβαρής μουσικής. Τα bongs έχουν την ακόλουθη δομή: το δέρμα τεντώνεται πάνω από ένα ξύλινο κυλινδρικό σώμα (ύψους 17 έως 22 cm) και στερεώνεται με μεταλλικό τσέρκι (η τάση του ρυθμίζεται από το εσωτερικό με βίδες). Το μεταλλικό χείλος δεν υψώνεται πάνω από το επίπεδο του δέρματος: αυτό είναι που καθορίζει ένα τόσο χαρακτηριστικό παιχνίδι των bongs με τις παλάμες - conle mani ή δάχτυλα - conle dita. Δύο bongs με διαφορετικές διαμέτρους συνδέονται συνήθως μεταξύ τους με μια κοινή βάση. Ένα μικρότερο bong ακούγεται περίπου ένα τρίτο υψηλότερα από ένα ευρύτερο. Ο ήχος του bong είναι υψηλός, συγκεκριμένα «άδειος» και αλλάζει ανάλογα με τον τόπο και τον τρόπο κρούσης. Λόγω αυτού, σε κάθε όργανο μπορείτε να λάβετε δύο διαφορετικούς ήχους υψηλής έντασης: ένα επίμηκες χτύπημα ΔΕΙΚΤΗΣστην άκρη ή σε μεγάλο προς το κέντρο - και χαμηλότερα (κάπου μέσα στο μείζον δεύτερο ή τρίτο) - από το να χτυπήσετε με ολόκληρη την παλάμη ή το άκρο του δακτύλου πιο κοντά στο κέντρο.

Προεπισκόπηση:

Πιάνο (ιταλικό πιάνο-φόρτε, γαλλικό πιάνο, γερμανικό Fortepiano, Hammerklavier, αγγλικό πιάνο)

Η πηγή του ήχου σε ένα πιάνο είναι μεταλλικές χορδές, οι οποίες αρχίζουν να ηχούν όταν χτυπηθούν από ξύλινα σφυριά καλυμμένα με τσόχα και τα σφυριά ενεργοποιούνται πατώντας τα δάχτυλα στα πλήκτρα.

Τα πρώτα πληκτρολόγια, γνωστά ήδη στις αρχές του 15ου αιώνα, ήταν το τσέμπαλο και το κλαβίχορδο (clavicembalo στα ιταλικά). Στο κλείδωτο, οι χορδές δονούνταν από μεταλλικούς μοχλούς - εφαπτόμενες, στο τσέμπαλο - από φτερά κορώνας και αργότερα - από μεταλλικούς γάντζους. Ο ήχος αυτών των οργάνων ήταν δυναμικά μονότονος και έσβηνε γρήγορα.

Το πρώτο πιάνο σφυριού, που ονομάστηκε έτσι επειδή έπαιζε ήχους φόρτε και πιάνου, κατασκευάστηκε πιθανότατα από τον Bartolomeo Cristofori το 1709. Αυτό το νέο όργανο κέρδισε γρήγορα την αναγνώριση και, μετά από πολλές βελτιώσεις, έγινε το σύγχρονο πιάνο συναυλιών. Το 1826 κατασκευάστηκε ένα πιάνο για οικιακή μουσική.

Το πιάνο είναι ευρέως γνωστό ως όργανο σόλο συναυλίας. Αλλά μερικές φορές λειτουργεί και ως ένα συνηθισμένο όργανο ορχήστρας. Οι Ρώσοι συνθέτες, ξεκινώντας από τον Γκλίνκα, άρχισαν να εισάγουν ένα πιάνο στην ορχήστρα, μερικές φορές μαζί με μια άρπα, για να αναδημιουργήσουν την ηχητικότητα του γκουσλί. Έτσι χρησιμοποιείται στα τραγούδια του Bayan στο "Ruslan and Lyudmila" του Glinka, στο "Sadko" και στο "May Night" του Rimsky-Korsakov. Μερικές φορές το πιάνο αναπαράγει τον ήχο ενός κουδουνιού, όπως στον Boris Godunov του Mussorgsky με την ενορχήστρωση του Rimsky-Korsakov. Αλλά δεν μιμείται πάντα μόνο άλλα ηχόχρωμα. Μερικοί συνθέτες το χρησιμοποιούν στην ορχήστρα ως διακοσμητικό όργανο, ικανό να εισαγάγει ηχητικότητα και νέα χρώματα στην ορχήστρα. Έτσι, ο Debussy έγραψε ένα μέρος για πιάνο για τέσσερα χέρια στη συμφωνική σουίτα «Spring». Τέλος, μερικές φορές θεωρείται ως ένα είδος κρουστικού οργάνου με δυνατό, στεγνό τόνο. Το συγκλονιστικό, γκροτέσκο σκέρτσο στην 1η συμφωνία του Σοστακόβιτς είναι ένα παράδειγμα αυτού.

Προεπισκόπηση:

Είδος παλαιού πιάνου

Πληκτρολόγιο έγχορδο μουσικό όργανο. Ο τσέμπαλος είναι ένας μουσικός που εκτελεί μουσικά έργα τόσο στο τσέμπαλο όσο και στις ποικιλίες του. Η παλαιότερη αναφορά ενός οργάνου τύπου τσέμπαλου εμφανίζεται σε μια πηγή του 1397 από την Πάντοβα (Ιταλία), η παλαιότερη γνωστή εικόνα βρίσκεται σε βωμό στο Minden (1425). Το τσέμπαλο παρέμεινε σε χρήση ως σόλο όργανο μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα. Για λίγο ακόμη χρησιμοποιήθηκε για να ερμηνεύσει ψηφιακό μπάσο, για να συνοδεύσει ρετσιτάτιβ σε όπερες. ΕΝΤΑΞΕΙ. Το 1810 είναι πρακτικά εκτός χρήσης. Η αναβίωση της κουλτούρας του παιξίματος του τσέμπαλου ξεκίνησε στις αρχές του 19ου - 20ού αιώνα. Τα τσέμπαλα του 15ου αιώνα δεν έχουν διασωθεί. Αν κρίνουμε από τις εικόνες, αυτές ήταν σύντομα εργαλείαμε βαρύ σώμα. Τα περισσότερα σωζόμενα τσέμπαλα του 16ου αιώνα κατασκευάστηκαν στην Ιταλία, όπου η Βενετία ήταν το κύριο κέντρο παραγωγής. Αντίγραφο φλαμανδικού τσέμπαλου Είχαν ένα μητρώο 8` (λιγότερο συχνά δύο μητρώα, 8` και 4`), και διακρίνονταν για τη χάρη τους. Το σώμα τους τις περισσότερες φορές ήταν φτιαγμένο από κυπαρίσσι. Η επίθεση σε αυτά τα τσέμπαλα ήταν πιο καθαρή και ο ήχος πιο απότομος από αυτόν των μεταγενέστερων φλαμανδικών οργάνων. Το σημαντικότερο κέντρο παραγωγής τσέμπαλου στη Βόρεια Ευρώπη ήταν η Αμβέρσα, όπου εργάζονταν εκπρόσωποι της οικογένειας Ruckers από το 1579. Τα τσέμπαλα τους έχουν μεγαλύτερες χορδές και βαρύτερο σώμα από τα ιταλικά όργανα. Από τη δεκαετία του 1590, στην Αμβέρσα παράγονταν τσέμπαλα με δύο εγχειρίδια. Τα γαλλικά, αγγλικά και γερμανικά τσέμπαλα του 17ου αιώνα συνδυάζουν χαρακτηριστικά φλαμανδικών και ολλανδικών μοντέλων. Γαλλικό τσέμπαλο Έχουν διασωθεί μερικά γαλλικά τσέμπαλα δύο χειροκίνητα με σώμα καρυδιάς. Από τη δεκαετία του 1690, στη Γαλλία παρήχθησαν τσέμπαλα του ίδιου τύπου με τα όργανα Ruckers. Από τους Γάλλους δασκάλους του τσέμπαλου ξεχώριζε η δυναστεία των Blanchet. Το 1766, το εργαστήριο του Blanchet κληρονομήθηκε από τον Taskin. Οι πιο σημαντικοί αγγλικοί κατασκευαστές τσέμπαλου τον 18ο αιώνα ήταν οι Shudys και η οικογένεια Kirkman. Τα όργανά τους είχαν σώμα με επένδυση από κόντρα πλακέ δρυός και διακρίνονταν από δυνατό ήχο με πλούσια χροιά. Στη Γερμανία του 18ου αιώνα, το κύριο κέντρο παραγωγής τσέμπαλου ήταν το Αμβούργο. ανάμεσα σε αυτά που κατασκευάζονται σε αυτή την πόλη είναι όργανα με 2` και 16` μητρώα, καθώς και με 3 εγχειρίδια. Το ασυνήθιστα μακρύ μοντέλο τσέμπαλου σχεδιάστηκε από τον J.D. Dulken, κορυφαίο Ολλανδό δάσκαλο του 18ου αιώνα. Στο 2ο μισό του 18ου αιώνα. Το τσέμπαλο άρχισε να αντικαθίσταται από το πιάνο. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1809 Η εταιρεία Kirkman κυκλοφόρησε το τελευταίο της τσέμπαλο. Ο εμπνευστής της αναβίωσης του οργάνου ήταν ο A. Dolmech. Κατασκεύασε το πρώτο του τσέμπαλο το 1896 στο Λονδίνο και σύντομα άνοιξε εργαστήρια στη Βοστώνη, το Παρίσι και το Haslemere. Μοντέρνο τσέμπαλο Η παραγωγή τσέμπαλων ξεκίνησε και από τις παριζιάνικες εταιρείες Pleyel και Erard. Ο Pleyel άρχισε να παράγει ένα μοντέλο τσέμπαλου με μεταλλικό σκελετό που έφερε χοντρές, τεντωμένες χορδές. Η Wanda Landowska εκπαίδευσε μια ολόκληρη γενιά τσέμπαλων σε όργανα αυτού του τύπου. Οι δάσκαλοι της Βοστώνης Frank Hubbard και William Dowd ήταν οι πρώτοι που αντέγραψαν αντίκες τσέμπαλα.

Προεπισκόπηση:

Όργανο (ιταλικό organo, γαλλικό orgue, γερμανικό Orgel, αγγλικό όργανο)

Το πνευστό πληκτρολόγιο - το όργανο - είναι γνωστό από τα αρχαία χρόνια. Στα αρχαία όργανα, ο αέρας αντλούνταν με το χέρι χρησιμοποιώντας φυσούνες. Στη μεσαιωνική Ευρώπη, το όργανο έγινε όργανο εκκλησιαστικής λατρείας. Στο πνευματικό περιβάλλον του 17ου αιώνα προέκυψε η οργανική πολυφωνική τέχνη, οι καλύτεροι εκπρόσωποι της οποίας ήταν οι Frescobaldi, Bach και Handel.

Το όργανο είναι ένα γιγάντιο όργανο με πολλούς διαφορετικούς τόνους.

«Αυτή είναι μια ολόκληρη ορχήστρα, που σε επιδέξια χέρια μπορεί να μεταφέρει τα πάντα, να εκφράσει τα πάντα», έγραψε ο Μπαλζάκ γι 'αυτόν. Πράγματι, το εύρος του οργάνου ξεπερνά το εύρος όλων των οργάνων της ορχήστρας μαζί. Το όργανο περιλαμβάνει φυσούνες παροχής αέρα, σύστημα σωλήνων διαφόρων σχεδίων και μεγεθών (στα σύγχρονα όργανα ο αριθμός των σωλήνων φτάνει τις 30.000), πολλά χειροκίνητα πληκτρολόγια και ένα πεντάλ ποδιού. Οι μεγαλύτεροι σωλήνες φτάνουν σε ύψος 10 μέτρων ή περισσότερο, το ύψος του μικρότερου είναι 8 χιλιοστά. Αυτό ή εκείνο το χρώμα ήχου εξαρτάται από τη συσκευή τους.

Ένα σύνολο σωλήνων ενός μόνο τόνου ονομάζεται καταχωρητής. Τα μεγάλα όργανα του καθεδρικού ναού έχουν περισσότερους από εκατό δίσκους: στο όργανο του καθεδρικού ναού της Παναγίας των Παρισίων ο αριθμός τους φτάνει τους 110. Το χρώμα των ήχων των μεμονωμένων μητρώων μοιάζει με τη χροιά ενός φλάουτου, του όμποε, του κορ ανγκλέ, του κλαρινέτου, του μπάσου κλαρινέτου, της τρομπέτας και τσέλο. Όσο πιο πλούσια και ποικίλα είναι τα μητρώα, τόσο μεγαλύτερες είναι οι ευκαιρίες που λαμβάνει ο ερμηνευτής, γιατί η τέχνη του οργανοπαιξίματος είναι η τέχνη της καλής εγγραφής, δηλ. επιδέξια χρήση όλων των τεχνικών πόρων του οργάνου.

Στη σύγχρονη ορχηστρική μουσική (ιδιαίτερα στη θεατρική), το όργανο χρησιμοποιήθηκε κυρίως για ηχητικούς και οπτικούς σκοπούς - όπου ήταν απαραίτητο να αναπαραχθεί η ατμόσφαιρα της εκκλησίας. Ο Λιστ, για παράδειγμα, στο συμφωνικό ποίημα «Η μάχη των Ούννων», χρησιμοποίησε το όργανο για να αντιπαραβάλει τον χριστιανικό κόσμο με τους βαρβάρους.

Προεπισκόπηση:

Αρπα - μουσικό όργανο μαδημένο έγχορδο. Έχει σχήμα τριγώνου, το οποίο αποτελείται από: πρώτον, ένα συντονισμένο σώμα κουτιού μήκους περίπου 1 μέτρου, που εκτείνεται προς τα κάτω. Το προηγούμενο σχήμα του ήταν τετράγωνο, αλλά το σημερινό είναι στρογγυλεμένο στη μία πλευρά. Είναι εξοπλισμένο με μια επίπεδη σανίδα, συνήθως από ξύλο σφενδάμου, στη μέση της οποίας, κατά μήκος του σώματος, είναι προσαρτημένη μια στενή και λεπτή λωρίδα από σκληρό ξύλο, στην οποία ανοίγονται τρύπες για να τρυπηθούν οι χορδές του εντέρου. δεύτερον, από το πάνω μέρος (με τη μορφή μεγάλου λαιμού), καμπυλωτό σαν φίδι, προσαρτημένο στην κορυφή του σώματος, σχηματίζοντας μια οξεία γωνία με αυτό. Σε αυτό το μέρος συνδέονται μανταλάκια για να ενισχύσουν τις χορδές και να τις συντονίσουν. Τρίτον, από μια μπροστινή δοκό σε σχήμα στήλης, σκοπός της οποίας είναι να αντισταθεί στη δύναμη που παράγεται από τις χορδές που τεντώνονται μεταξύ της ταστιέρας και του αντηχητικού σώματος. Δεδομένου ότι η άρπα είχε ήδη σημαντική ένταση ήχου (πέντε οκτάβες) στο παρελθόν και ο χώρος για τις χορδές της πλήρους χρωματικής κλίμακας δεν επαρκεί, οι χορδές στην άρπα τεντώνονται μόνο για να παράγουν τους ήχους της διατονικής κλίμακας. Σε μια άρπα χωρίς πεντάλ, μπορείτε να παίξετε μόνο μια κλίμακα. Για χρωματικές ανυψώσεις σε παλαιότερες εποχές, οι χορδές έπρεπε να κοντύνουν πιέζοντας τα δάχτυλα πάνω στην ταστιέρα. αργότερα αυτό το πάτημα άρχισε να γίνεται με τη βοήθεια αγκιστριών που οδηγούνταν με το χέρι. Τέτοιες άρπες αποδείχθηκαν εξαιρετικά άβολες για τους καλλιτέχνες. Αυτές οι ελλείψεις εξαλείφθηκαν σε μεγάλο βαθμό με έναν μηχανισμό πεντάλ που εφευρέθηκε από τον Jacob Hochbrucker το 1720. Αυτός ο δάσκαλος προσάρτησε επτά πετάλια στην άρπα, ενεργώντας σε αγωγούς που περνούσαν από τον κενό χώρο της δοκού στην ταστιέρα και έφεραν τα άγκιστρα σε τέτοια θέση που Αυτοί, κολλώντας σταθερά στις χορδές, παρήγαγαν χρωματικές βελτιώσεις σε όλο τον όγκο του οργάνου.

Ορχήστρα(από την ελληνική ορχήστρα) - μια μεγάλη ομάδα μουσικών ορχηστρών. Σε αντίθεση με τα σύνολα δωματίου, σε μια ορχήστρα κάποιοι από τους μουσικούς της σχηματίζουν ομάδες που παίζουν από κοινού, δηλαδή παίζουν τα ίδια μέρη.
Η ίδια η ιδέα της ταυτόχρονης αναπαραγωγής μουσικής από μια ομάδα μουσικών ερμηνευτών ανάγεται στην αρχαιότητα: πίσω στο Αρχαία Αίγυπτοςμικρές ομάδες μουσικών έπαιζαν μαζί σε διάφορες γιορτές και κηδείες.
Η λέξη «ορχήστρα» («ορχήστρα») προέρχεται από το όνομα της στρογγυλής εξέδρας μπροστά από τη σκηνή του αρχαίου ελληνικού θεάτρου, που στέγαζε την αρχαία ελληνική χορωδία, συμμετέχοντα σε οποιαδήποτε τραγωδία ή κωμωδία. Κατά την Αναγέννηση και μετά XVII αιώνα, η ορχήστρα μετατράπηκε σε λάκκο ορχήστρας και, κατά συνέπεια, έδωσε το όνομά της στην ομάδα των μουσικών που στεγαζόταν σε αυτήν.
Υπάρχουν πολλά διαφορετικά είδη ορχήστρας: στρατιωτική ορχήστρα που αποτελείται από χάλκινα και ξύλινα πνευστά, ορχήστρες λαϊκών οργάνων, ορχήστρες εγχόρδων. Η μεγαλύτερη σε σύνθεση και πιο πλούσια στις δυνατότητές της είναι η συμφωνική ορχήστρα.

Συμφωνικόςονομάζεται ορχήστρα που αποτελείται από πολλές ετερογενείς ομάδες οργάνων - οικογένειες εγχόρδων, πνευστών και κρουστών. Η αρχή μιας τέτοιας ενοποίησης αναπτύχθηκε στην Ευρώπη το XVIII αιώνας. Αρχικά, η συμφωνική ορχήστρα περιελάμβανε ομάδες τοξοφόρων οργάνων, πνευστών και χάλκινων οργάνων, με τα οποία ενώνονταν μερικά κρουστά μουσικά όργανα. Στη συνέχεια, η σύνθεση καθεμιάς από αυτές τις ομάδες επεκτάθηκε και διαφοροποιήθηκε. Επί του παρόντος, μεταξύ μιας σειράς ποικιλιών συμφωνικών ορχήστρων, συνηθίζεται να γίνεται διάκριση μεταξύ μιας μικρής και μιας μεγάλης συμφωνικής ορχήστρας. Μια μικρή συμφωνική ορχήστρα είναι μια ορχήστρα κυρίως κλασικής σύνθεσης (παίζει μουσική του τέλους του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα, ή μοντέρνων σχηματοποιήσεων). Αποτελείται από 2 φλάουτα (σπάνια ένα μικρό φλάουτο), 2 όμποε, 2 κλαρίνα, 2 φαγκότα, 2 (σπάνια 4) κόρνα, μερικές φορές 2 τρομπέτες και τιμπάνι, μια ομάδα εγχόρδων που δεν υπερβαίνει τα 20 όργανα (5 πρώτα και 4 δεύτερα βιολιά , 4 βιόλες, 3 τσέλο, 2 κοντραμπάσα). Η Μεγάλη Συμφωνική Ορχήστρα (BSO) περιλαμβάνει υποχρεωτικά τρομπόνια στην ομάδα πνευστών και μπορεί να έχει οποιαδήποτε σύνθεση. Συχνά τα ξύλινα όργανα (φλάουτα, όμποε, κλαρινέτα και φαγκότα) φτάνουν έως και 5 όργανα κάθε οικογένειας (μερικές φορές υπάρχουν περισσότερα κλαρίνα) και περιλαμβάνουν ποικιλίες (μικρά και άλτο φλάουτα, Έρως όμποε και αγγλικό όμποε, μικρά, κλαρίνα άλτο και μπάσο, κοντραμπάσο ). Η ομάδα ορείχαλκου μπορεί να περιλαμβάνει έως και 8 κόρνα (συμπεριλαμβανομένων των ειδικών τούμπας Wagner), 5 τρομπέτες (συμπεριλαμβανομένου του snare, του άλτο, του μπάσου), 3-5 τρομπόνων (τενόρο και τενορμπάς) και τούμπα. Τα σαξόφωνα χρησιμοποιούνται πολύ συχνά (σε ορχήστρα τζαζ και τα 4 είδη). Η ομάδα εγχόρδων φτάνει τα 60 ή περισσότερα όργανα. Υπάρχουν πολλά κρουστά όργανα (αν και τύμπανο, κουδούνια, μικρά και μεγάλα τύμπανα, τρίγωνο, κύμβαλα και το ινδικό tom-tom αποτελούν τη ραχοκοκαλιά τους), η άρπα, το πιάνο και το τσέμπαλο χρησιμοποιούνται συχνά.
Για να απεικονίσω τον ήχο της ορχήστρας, θα χρησιμοποιήσω την ηχογράφηση της τελευταίας συναυλίας της Συμφωνικής Ορχήστρας του YouTube. Η συναυλία πραγματοποιήθηκε το 2011 στην αυστραλιανή πόλη Σίδνεϊ. Παρακολούθησαν ζωντανά στην τηλεόραση εκατομμύρια άνθρωποι σε όλο τον κόσμο. Η Συμφωνική Ορχήστρα του YouTube είναι αφιερωμένη στην καλλιέργεια της αγάπης για τη μουσική και στην προβολή της τεράστιας δημιουργικής ποικιλομορφίας της ανθρωπότητας.

Το πρόγραμμα της συναυλίας περιλάμβανε γνωστά και ελάχιστα γνωστά έργα διάσημων και ελάχιστα γνωστών συνθετών.
Εδώτο πρόγραμμά του:

Hector Berlioz - Roman Carnival - Overture, Op. 9 (με Android Jones - ψηφιακός καλλιτέχνης)
Γνωρίστε τη Μαρία Χιώση - Άρπα
Percy Grainger - Άφιξη σε μια πλατφόρμα Humlet από με λίγα λόγια - Σουίτα
Johan Sebastian Bach - Toccata σε Φα μείζονα για όργανο (με τον Cameron Carpenter)
Γνωρίστε τον Paulo Calligopoulos - Ηλεκτρική κιθάρα και βιολί
Alberto Ginastera - Danza del trigo (Χορός σιτάρι) και Danza final (Malambo) από το μπαλέτο Estancia (διεύθυνση ορχήστρας Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell"idol mio" - Canon σε τρεις φωνές, K562 (συμμετέχει η Παιδική Χορωδία του Σίδνεϊ και η σοπράνο Renee Fleming μέσω βίντεο)
Γνωρίστε την Xiomara Mass - Oboe
Benjamin Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra, Op
William Barton - Kalkadunga (συμμετέχει ο William Barton - Didgeridoo)
Timothy Constable - Suna
Γνωρίστε τον Roman Riedel - Trombone
Richard Strauss - Φανφάρα για τη Φιλαρμονική της Βιέννης (συμμετέχει η Sarah Willis, Horn, η Φιλαρμονική του Βερολίνου και διευθύνεται από τον Edwin Outwater)
*ΠΡΕΜΙΕΡΑ* Mason Bates - Mothership (ειδική σύνθεση για τη Συμφωνική Ορχήστρα YouTube 2011)
Γνωρίστε τον Su Chang - Guzheng
Felix Mendelssohn - Κοντσέρτο για βιολί σε μι ελάσσονα, Op. 64 (Finale) (με τον Stefan Jackiw και διεύθυνση ο Ilyich Rivas)
Γνωρίστε τον Ozgur Baskin - Βιολί
Colin Jacobsen και Siamak Aghaei - Ascending Bird - Σουίτα για ορχήστρα εγχόρδων (με τους Colin Jacobsen, βιολί, και Richard Tognetti, βιολί, και Kseniya Simonova - καλλιτέχνης της άμμου)
Γνωρίστε τον Stepan Grytsay - Βιολί
Igor Stravinsky - The Firebird (Infernal Dance - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (με τον Eugene Izotov - όμποε και τον Andrew Mariner - κλαρίνο)

Η συμφωνική ορχήστρα έχει σχηματιστεί στο πέρασμα των αιώνων. Η ανάπτυξή του για μεγάλο χρονικό διάστημα έγινε στα έγκατα της όπερας και των εκκλησιαστικών συνόλων. Τέτοιες ομάδες σε XV - XVII αιώνες ήταν μικρές και ετερογενείς. Περιλάμβαναν λαούτα, βιόλες, φλάουτα και όμποε, τρομπόνια, άρπες και ντραμς. Σταδιακά κυρίαρχη θέση απέκτησαν τα τοξωτά έγχορδα. Τα βιολιά πήραν τη θέση των βιόλων με τον πιο πλούσιο και μελωδικό ήχο τους. Επιστροφή στην κορυφή XVIII V. βασίλευαν ήδη στην ορχήστρα. Μια ξεχωριστή ομάδα και πνευστά (φλάουτα, όμποε, φαγκότα) ενώθηκαν επίσης. Οι τρομπέτες και τα τυμπάνι μετακινήθηκαν από την ορχήστρα της εκκλησίας στη συμφωνική. Το τσέμπαλο ήταν απαραίτητος συμμετέχων σε μουσικά σύνολα.
Αυτή η σύνθεση ήταν χαρακτηριστική για τους J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi.
Από τη μέση XVIII V. τα είδη της συμφωνικής και οργανική συναυλία. Η απομάκρυνση από το πολυφωνικό ύφος οδήγησε στην επιθυμία των συνθετών για ποικιλομορφία του ηχοχρώματος και την ευδιάκριτη ταύτιση των ορχηστρικών φωνών.
Οι λειτουργίες των νέων εργαλείων αλλάζουν. Το τσέμπαλο, με τον αδύναμο ήχο του, χάνει σταδιακά τον πρωταγωνιστικό του ρόλο. Σύντομα οι συνθέτες το εγκατέλειψαν εντελώς, βασιζόμενοι κυρίως στο τμήμα εγχόρδων και πνευστών. Μέχρι το τέλος XVIII V. Δημιουργήθηκε η λεγόμενη κλασική σύνθεση της ορχήστρας: περίπου 30 έγχορδα, 2 φλάουτα, 2 όμποε, 2 φαγκότα, 2 τρομπέτες, 2-3 κόρνα και τιμπάνι. Σύντομα το κλαρίνο ένωσε τους ανέμους. Ο J. Haydn και ο W. Mozart έγραψαν για μια τέτοια σύνθεση. Αυτή είναι η ορχήστρα στα πρώτα έργα του Λ. Μπετόβεν. ΣΕ XIX V.
Η ανάπτυξη της ορχήστρας προχώρησε κυρίως σε δύο κατευθύνσεις. Αφενός, αυξανόμενος σε σύνθεση, εμπλουτίστηκε με όργανα πολλών τύπων (η μεγάλη αξία των ρομαντικών συνθετών, κυρίως των Berlioz, Liszt, Wagner, βρίσκεται σε αυτό), αφετέρου, αναπτύχθηκαν οι εσωτερικές δυνατότητες της ορχήστρας : τα ηχητικά χρώματα έγιναν πιο καθαρά, η υφή έγινε πιο καθαρή, οι εκφραστικοί πόροι είναι πιο οικονομικοί (όπως η ορχήστρα των Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov). Πολλοί όψιμοι συνθέτες εμπλούτισαν επίσης σημαντικά την ορχηστρική παλέτα XIX - 1ο μισό του XX V. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich κ.λπ.).

Μια σύγχρονη συμφωνική ορχήστρα αποτελείται από 4 κύριες ομάδες. Τα θεμέλια της ορχήστρας είναι ένα συγκρότημα εγχόρδων (βιολιά, βιόλες, τσέλο, κοντραμπάσα). Στις περισσότερες περιπτώσεις, τα έγχορδα είναι οι κύριοι φορείς της μελωδικής αρχής στην ορχήστρα. Ο αριθμός των μουσικών που παίζουν έγχορδα είναι περίπου τα 2/3 του συνόλου. Η ομάδα των ξύλινων πνευστών περιλαμβάνει φλάουτα, όμποε, κλαρινέτα και φαγκότα. Καθένας από αυτούς έχει συνήθως ένα ανεξάρτητο κόμμα. Κατώτερα από τα τόξα σε πλούτο ηχοχρώματος, δυναμικές ιδιότητες και ποικιλία τεχνικών παιξίματος, τα πνευστά έχουν μεγάλη αντοχή, συμπαγή ήχο και φωτεινές πολύχρωμες αποχρώσεις. Η τρίτη ομάδα οργάνων ορχήστρας είναι τα χάλκινα (κόρνο, τρομπέτα, τρομπόνι, τρομπέτα). Φέρνουν νέα φωτεινά χρώματα στην ορχήστρα, εμπλουτίζοντας τις δυναμικές της ικανότητες, προσθέτοντας δύναμη και λάμψη στον ήχο, και λειτουργούν επίσης ως μπάσο και ρυθμική υποστήριξη.
Ολα υψηλότερη τιμήαποκτήσουν κρουστά από συμφωνική ορχήστρα. Η κύρια λειτουργία τους είναι η ρυθμική. Επιπλέον, δημιουργούν ένα ιδιαίτερο υπόβαθρο ήχου και θορύβου, συμπληρώνουν και διακοσμούν την ορχηστρική παλέτα με χρωματικά εφέ. Ανάλογα με τη φύση του ήχου τους, τα τύμπανα χωρίζονται σε 2 τύπους: μερικά έχουν συγκεκριμένο ύψος (τιμπάνι, κουδούνια, ξυλόφωνο, κουδούνια κ.λπ.), άλλα δεν έχουν ακριβή τόνο (τρίγωνο, ντέφι, παγίδα και μπάσο, κύμβαλα). Από τα όργανα που δεν περιλαμβάνονται στις κύριες ομάδες, ο ρόλος της άρπας είναι πιο σημαντικός. Περιστασιακά, οι συνθέτες περιλαμβάνουν celesta, πιάνο, σαξόφωνο, όργανο και άλλα όργανα στην ορχήστρα.
Μπορείτε να διαβάσετε περισσότερα για τα όργανα μιας συμφωνικής ορχήστρας - τμήμα εγχόρδων, ξύλινα πνευστά, πνευστά και κρουστά στο δικτυακός τόπος.
Δεν μπορώ να αγνοήσω έναν άλλο χρήσιμο ιστότοπο, το "Παιδιά για τη μουσική", τον οποίο ανακάλυψα κατά την προετοιμασία αυτής της ανάρτησης. Δεν χρειάζεται να σας τρομάζει το γεγονός ότι αυτός είναι ένας ιστότοπος για παιδιά. Υπάρχουν μερικά πολύ σοβαρά πράγματα σε αυτό, απλά ειπωμένα σε μια πιο απλή, πιο κατανοητή γλώσσα. Εδώ Σύνδεσμοςσε αυτόν. Παρεμπιπτόντως, περιέχει επίσης μια ιστορία για μια συμφωνική ορχήστρα.

Πηγές:

Μαρίνα Ραζέβα
Σύνοψη του NOD "Symphony Orchestra"

Σημειώσεις μαθήματος

« Συμφωνική ορχήστρα»

για παιδιά 5-6 ετών

Ετοιμος: μουσικός διευθυντής

Razheva Marina Anatolyevna

Teykovo 2015

Στόχος: εισαγωγή των παιδιών προσχολικής ηλικίας στην κλασική μουσική

Καθήκοντα. Να διαμορφώσει στα παιδιά μια αισθητική αντίληψη για τον κόσμο γύρω τους.

Εισαγωγή στη μουσική κουλτούρα.

Να διαμορφώσει την ανάγκη για την αντίληψη της μουσικής.

Αναπτύξτε γνωστικές και δημιουργικές ικανότητες.

Εμπλουτίστε το λεξιλόγιό σας.

Εκπαιδευτικός χώρος - «Καλλιτεχνική και αισθητική αγωγή»

Μορφή οργάνωσης - ΟΜΑΔΙΚΗ ΔΟΥΛΕΙΑδάσκαλος με παιδιά.

Είδος παιδικής δραστηριότητας: εκπαιδευτικό, επικοινωνιακό, μουσικό και καλλιτεχνικό.

Υλικά και εξοπλισμός: μουσικό κέντρο για ακρόαση μουσικής, παιδικά μουσικά όργανα, παρουσίαση.

Προκαταρκτική εργασία: στα μαθήματα μουσικής τα παιδιά πρέπει να εξοικειωθούν με βασικά όργανα Συμφωνική ορχήστρα, τον πραγματικό τους ήχο, τον χρωματισμό της χροιάς. Διάκριση μεταξύ ομάδων οργάνων: έγχορδα, πνευστά, κρουστά, μονά.

Περιεχόμενο προγράμματος.

1. Διευρύνετε τις γνώσεις των παιδιών σχετικά με τα ηχητικά χαρακτηριστικά των μουσικών οργάνων.

2. Καλλιεργήστε το ενδιαφέρον και την επιθυμία να ακούτε τον ήχο των οργάνων.

3. Συνεχίστε να αναπτύσσετε δεξιότητες στο παιχνίδι DMI (παιδικά μουσικά όργανα)

4. Αναπτύξτε την ακουστική ακοή των παιδιών.

Προγραμματισμένο αποτέλεσμα.

Σχηματισμός ιδέας για Συμφωνική ορχήστρα.

Ενίσχυση της ικανότητας διάκρισης των ήχων των οργάνων Συμφωνική ορχήστρα.

Πάρτε ενεργό μέρος στο παιχνίδι στο DMI.

Νιώστε την ανάγκη να αντιλαμβάνεστε τη μουσική καθώς εκτελείται Συμφωνική ορχήστρα.

Η πρόοδος του μαθήματος.

Τα παιδιά μπαίνουν στην αίθουσα και εκτελούν το συνηθισμένο σετ μουσικών και ρυθμικών κινήσεων και μετά περπατούν ήρεμα προς τις καρέκλες.

Κύριος. χαιρετάει τα παιδιά τραγουδώντας "Γειά σου!", συγγραφέας…

Κύριος. Εφιστά την προσοχή των παιδιών στην οθόνη, όπου τα παιδιά βλέπουν μια μεγάλη ομάδα μουσικών.

Κύριος. Παιδιά, τι βλέπετε σε αυτή τη φωτογραφία.

Απαντήσεις παιδιών.

Κύριος. ναι αυτο ορχήστρα - ομάδα μουσικώνπου ερμηνεύουν μαζί ένα μουσικό κομμάτι. Κάθε μουσικός παίζει το ρόλο του σύμφωνα με τις νότες, που ονομάζεται παρτιτούρα. Οι παρτιτούρες βρίσκονται σε ειδικές κερκίδες – κονσόλες.

Και τώρα, θέλω να σας πω έναν γρίφο. Προσπαθήστε να το μαντέψετε.

Αυτός διευθύνει την ορχήστρα,

Φέρνει χαρά στους ανθρώπους.

Απλώς κουνάει το ραβδί του,

Η μουσική θα αρχίσει να παίζει.

Δεν είναι γιατρός ή οδηγός.

Ποιος είναι αυτός; (Αγωγός)

Παιδιά. Αγωγός.

Κύριος. Προς την ορχήστραακουγόταν συνεκτικά και αρμονικά - ελέγχεται από τον αγωγό. Αντιμετωπίζει τους μουσικούς. Ο αγωγός μπορεί να αναγκάσει η ορχήστρα παίζει γρήγορα, και αργά, και ήσυχα, και δυνατά - ό,τι θέλετε! Ταυτόχρονα όμως δεν ξεστομίζει ούτε μια λέξη. Χρησιμοποιεί μόνο τη μαγική του σκυτάλη. Μπροστά από τον μαέστρο είναι χοντρές, χοντρές παρτιτούρες, στις οποίες είναι γραμμένα τα μέρη όλων των μουσικών. Αυτές οι νότες ονομάζονται clavier.

Το βιολί είναι ένα τόξο όργανο τεσσάρων χορδών, το υψηλότερο σε ήχο στην οικογένειά του και το πιο σημαντικό σε ορχήστρα.

Το βιολοντσέλο είναι ένα μεγάλο βιολί που παίζεται καθισμένος. Το τσέλο έχει πλούσιο χαμηλό ήχο.

Το κοντραμπάσο είναι το χαμηλότερο σε ήχο και το μεγαλύτερο σε μέγεθος. (έως 2 μέτρα)ανάμεσα στην οικογένεια των τοξοφόρων εγχόρδων. Το παίζουν όρθιοι ή σε ειδική καρέκλα. Αυτό είναι το μπάσο θεμέλιο (η βάση)Σύνολο ορχήστρα.

Το φλάουτο ανήκει στην ομάδα των ξύλινων πνευστών. Αλλά τα σύγχρονα φλάουτα είναι πολύ σπάνια κατασκευασμένα από ξύλο, πιο συχνά από μέταλλο, μερικές φορές από πλαστικό και γυαλί. Το πιο βιρτουόζο και τεχνικά ευέλικτο όργανο στην οικογένεια των πνευστών. Συχνά εμπιστεύονται το φλάουτο ορχηστρικό σόλο.

Κύριος. Παιδιά γιατί τα όργανα λέγονται πνευστά;

Απαντήσεις παιδιών.

Κύριος. Ναι, πραγματικά φυσούν. Θα ήταν πιο σωστό να πούμε ότι τα πνευστά ακούγονται όταν φυσάει μέσα τους αέρας.

Και τώρα βλέπεις και ακούς μια τρομπέτα από μια ομάδα χάλκινων οργάνων. Η τρομπέτα έχει υψηλό, καθαρό ήχο, πολύ κατάλληλο για φανφάρες. Οι φανφάρες χρησιμοποιούνται για να δώσουν σήματα - πανηγυρικά ή μαχητικά σε εορταστικές γιορτές και στρατιωτικές παρελάσεις.

Μπροστά σου ένα τρομπόνι. Το τρομπόνι παίζει περισσότερο μπάσο παρά μελωδική γραμμή. Διαφέρει από τα άλλα χάλκινα όργανα από την παρουσία μιας κινητής διαφάνειας, με την κίνηση της οποίας μπρος-πίσω ο μουσικός αλλάζει τον ήχο του οργάνου.

Κόρνα - κόρνα. Αρχικά προέρχεται από ένα κέρατο κυνηγιού. Το κέρατο μπορεί να είναι απαλό και εκφραστικό ή σκληρό και ρατσινό.

Κύριος. Ονομάστε τα κρουστά.

Παιδιά. Τύμπανο, ντέφι, μαράκες, τρίγωνο, μεταλλόφωνο, καστανιέτες, καμπάνες, κουδουνίστρες, καμπάνες.

Κύριος. Σωστά παιδιά. Υπάρχουν πολλά κρουστά, αλλά δεν μπορούν να χρησιμεύσουν όλα Συμφωνική ορχήστρα.

Ονομάστε τα εργαλεία που βλέπετε στη διαφάνεια.

Τύμπανα, κύμβαλα, ξυλόφωνο.

Διαφάνεια 14,15.

Και επίσης, παιδιά, ορχήστραχρησιμοποιούνται μεμονωμένα όργανα. Και πρέπει να μάθετε και να ονομάσετε

τους σωστά.

Παιδιά. Πιάνο. Αρπα.

Κύριος. Σωστά. Πρόκειται για μια συναυλία με ουρά και αρχαίο όργανο– άρπα.

Θέλετε να νιώθετε μεγάλοι μουσικοί; ορχήστρα? Τότε σας προτείνω να πάρετε τα όργανά σας και να παίξετε ένα πολύ όμορφο μουσικό κομμάτι.

Εκτελέστηκε "Rondo σε τουρκικό στυλ"- W. Mozart ή

"Άτακτη Πόλκα"- Α. Φιλιππένκο.

Κύριος. Ευχαριστώ παιδιά. Μου αρέσει.

Τι πιστεύετε ότι μπορούν να παίξουν όργανα όπως η μπαλαλάικα ή το σαξόφωνο ορχήστρα. Ποιό απ'όλα; Το γεγονός είναι ότι αυτά τα εργαλεία είναι μέρος άλλων ορχήστρες.

Κοιτάξτε προσεκτικά αυτές τις εικόνες. Εκτός Συμφωνική ορχήστραυπάρχουν και άλλα είδη ορχήστρες: χάλκινα, λαϊκά, ποπ, τζαζ. Διαφέρουν ως προς τη σύνθεση των οργάνων και τον αριθμό των μουσικών. ΣΕ Συμφωνική ορχήστραΚατά μέσο όρο, περίπου 60-70 άτομα, αλλά μερικές φορές 100 ή περισσότερα. Οι μουσικοί είναι διατεταγμένοι με μια συγκεκριμένη σειρά. Συνδυάζονται σε ομάδες οργάνων με παρόμοια ηχοχρώματα.:

έγχορδα, ξύλινα πνευστά, ορείχαλκα και κρουστά. Μουσικοί της ίδιας ομάδας κάθονται ο ένας δίπλα στον άλλον για να ακούγονται καλύτερα. Και αυτό δημιουργεί έναν σταθερό ήχο.

Και τώρα, θέλω να σας προσκαλέσω να παίξετε ένα παιχνίδι.

Μάθετε το όργανο.

Διαφάνεια 17, 18, 19.

Κύριος. Περάσαμε υπέροχα μαζί. Σου άρεσε; Ποιο είναι το όνομα του ορχήστρα, ποιον συναντήσαμε σήμερα; Ποιο όργανο σου άρεσε; (Τα παιδιά απαντούν ένα κάθε φορά κατά βούληση). Σου έχω ετοιμάσει κάρτες με έναν γρίφο που μπορείς να δοκιμάσεις να λύσεις με τη μαμά ή τον μπαμπά σου και να βγάλεις την απάντηση. (σιλουέτα στο πίσω μέρος - τελείες).

Ελάτε σε παρακαλώ, θέλω να σας ευχαριστήσω και να σας αποχαιρετήσω (τα παιδιά κλείνουν τα μάτια τους, ο μουσικός διευθυντής τους χαϊδεύει το κεφάλι)

Σε όλη την ιστορία της, χιλιάδες και χιλιάδες χρόνια, η ανθρωπότητα δημιούργησε μουσικά όργανα και τα συνδύασε σε διάφορους συνδυασμούς. Αλλά μόλις πριν από τετρακόσια χρόνια περίπου, αυτοί οι συνδυασμοί οργάνων εξελίχθηκαν σε μια μορφή που ήταν ήδη παρόμοια με εκείνη μιας σύγχρονης ορχήστρας.

Παλιά, όταν μαζεύονταν οι μουσικοί για να παίξουν, χρησιμοποιούσαν ό,τι όργανα υπήρχαν τριγύρω. Αν ήταν τρεις παίκτες στο λαούτο, δύο στην άρπα και στο φλάουτο, έτσι έπαιζαν. Στις αρχές του 16ου αιώνα, μια εποχή γνωστή ως Αναγέννηση, η λέξη "ensemble" χρησιμοποιήθηκε για να αναφερθεί σε μια ομάδα μουσικών, μερικές φορές τραγουδιστές, που έπαιζαν μουσική μαζί ή "insemble".

Οι συνθέτες της πρώιμης Αναγέννησης συνήθως δεν καθόριζαν για ποιο όργανο έγραφαν το μέρος. Αυτό σήμαινε ότι τα μέρη μπορούσαν να παιχτούν σε οποιοδήποτε διαθέσιμο όργανο. Αλλά στις αρχές του 17ου αιώνα στην Ιταλία, ο συνθέτης Claudio Monteverdi διάλεξε ποια όργανα θα έπρεπε να συνοδεύουν την όπερα του Orpheus (1607) και έδειξε με ακρίβεια για ποια όργανα γράφτηκαν τα μέρη: δεκαπέντε βιόλια διαφόρων μεγεθών, δύο βιολιά, τέσσερα φλάουτα ( δύο μεγάλα και δύο μεσαία), δύο όμποε, δύο κορνέ (μικρές ξύλινες τρομπέτες), τέσσερις τρομπέτες, πέντε τρομπόνια, μια άρπα, δύο τσέμπαλα και τρία μικρά όργανα.

Όπως φαίνεται, " αναγεννησιακή ορχήστρα«Ο Μοντεβέρντι ήταν ήδη παρόμοιο με αυτό που φανταζόμαστε ότι θα έπρεπε να είναι μια ορχήστρα: όργανα οργανωμένα σε ομάδες, πολλά έγχορδα με τοξό, μεγάλη ποικιλία.

Τον επόμενο αιώνα (μέχρι το 1700, την εποχή του J.S. Bach), η ορχήστρα αναπτύχθηκε ακόμη περισσότερο. Η οικογένεια των βιολιών (βιολί, βιόλα, τσέλο και μπάσο) αντικατέστησε τις βιόλες στην ορχήστρα του Μπαρόκ, η οικογένεια των βιολιών ήταν πολύ πιο αντιπροσωπευτική από τις βιόλες στην ορχήστρα της Αναγέννησης. Η μουσική ηγεσία στην ορχήστρα του μπαρόκ ανήκε στα πλήκτρα οργάνων που έπαιζαν τσέμπαλο ή μερικές φορές το όργανο ενεργούσαν ως ηγέτες. Όταν ο J. S. Bach δούλευε με μια ορχήστρα, καθόταν στο όργανο ή στο τσέμπαλο και διηύθυνε την ορχήστρα από τη θέση του.

Στην εποχή του Μπαρόκ, ο μουσικός μαέστρος οδηγούσε μερικές φορές την ορχήστρα όρθιος, αλλά αυτή δεν ήταν ακόμα η διεύθυνση που γνωρίζουμε σήμερα. Ο Jean-Baptiste Lully, ο οποίος ήταν υπεύθυνος για τη μουσική στην αυλή του Γάλλου βασιλιά το 1600, συνήθιζε να χτυπά τον ρυθμό για τους μουσικούς του στο πάτωμα με ένα μακρύ κοντάρι, αλλά μια μέρα τραυματίστηκε κατά λάθος στο πόδι του, εμφανίστηκε γάγγραινα , και πέθανε!

Τον επόμενο 19ο αιώνα, την εποχή του Χάυντν και του Μπετόβεν, παρατηρήθηκαν ακόμη πιο βαθιές αλλαγές στην ορχήστρα. Τα έγχορδα με τοξό έχουν γίνει πιο σημαντικά από ποτέ, ενώ τα πλήκτρα έχουν ξεθωριάσει στην αφάνεια. Οι συνθέτες άρχισαν να γράφουν για ένα συγκεκριμένο μουσικό όργανο. Αυτό σήμαινε να γνωρίζουμε τη φωνή κάθε οργάνου, να καταλαβαίνουμε ποια μουσική θα ακουγόταν καλύτερα και θα ήταν ευκολότερο να εκτελεστεί στο επιλεγμένο όργανο. Οι συνθέτες έγιναν πιο ελεύθεροι και ακόμη και περιπετειώδεις στο να συνδυάζουν όργανα για να παράγουν πλουσιότερους και πιο ποικίλους ήχους και αποχρώσεις.

Ο πρώτος βιολιστής (ή συνοδός) διηύθυνε την ορχήστρα από την καρέκλα του, αλλά μερικές φορές έπρεπε να δώσει οδηγίες με χειρονομίες και, για να είναι καλύτερα ορατός, χρησιμοποιούσε πρώτα ένα συνηθισμένο φύλλο λευκού χαρτιού τυλιγμένο σε σωλήνα. Αυτό οδήγησε στην εμφάνιση της σύγχρονης σκυτάλης. Στις αρχές του 1800, συνθέτες-μαέστροι όπως ο Carl Maria von Weber και ο Felix Mendelssohn πρωτοστάτησαν στην πρακτική των κορυφαίων μουσικών από ένα κεντρικό βάθρο μπροστά από την ορχήστρα.

Καθώς οι ορχήστρες γίνονταν όλο και μεγαλύτερες, δεν μπορούσαν όλοι οι μουσικοί να δουν και να ακολουθήσουν τον συνοδό. Μέχρι το τέλος του 19ου αιώνα, η ορχήστρα είχε φτάσει στο μέγεθος και τις αναλογίες που γνωρίζουμε σήμερα και ξεπέρασε ακόμη και τις σημερινές. Μερικοί συνθέτες, όπως ο Μπερλιόζ, άρχισαν να συνθέτουν μουσική μόνο για τόσο τεράστιες ορχήστρες.

Ο σχεδιασμός, η κατασκευή και η ποιότητα των μουσικών οργάνων βελτιώνονται συνεχώς, δημιουργούνται νέα μουσικά όργανα, που βρήκαν τη θέση τους στην ορχήστρα, όπως το piccolo (μικρό φλάουτο) και η τρομπέτα. Πολλοί συνθέτες, συμπεριλαμβανομένων των Μπερλιόζ, Βέρντι, Βάγκνερ, Μάλερ και Ρίτσαρντ Στράους, έγιναν μαέστροι. Τα πειράματά τους με την ενορχήστρωση (η τέχνη της διανομής μουσικό υλικόμεταξύ των οργάνων της ορχήστρας προκειμένου να αξιοποιηθεί με τον καλύτερο τρόπο το κάθε όργανο) έδειξε το δρόμο προς τον 20ό αιώνα.

Ο Βάγκνερ προχώρησε ακόμη περισσότερο, σχεδίασε και κατασκεύασε το μπάσο τρομπέτα. Τρομπέτα Βάγκνερ), συνδυάζοντας στοιχεία της σάλπιγγας και της τρομπέτας για να εισάγει έναν νέο, ιδιαίτερο ήχο στην αθάνατη όπερα του "The Ring of the Nibelung". Ήταν ο πρώτος μαέστρος που γύρισε την πλάτη στο κοινό για να ελέγχει καλύτερα την ορχήστρα. Σε μια από τις συμφωνίες του έγραψε ο Στράους Αλπικό τμήμα κέρατος, ξύλινο λαϊκό όργανο 12 πόδια μήκος. Τώρα το κόρνο των Άλπεων αντικαθίσταται από μια τρομπέτα. Ο Arnold Schoenberg δημιούργησε το έργο του "Songs of Gurrelieder" για μια ορχήστρα με 150 όργανα.

Ο 20ός αιώνας ήταν ένας αιώνας ελευθερίας και νέων πειραμάτων με την ορχήστρα. Οι μαέστροι έγιναν εντελώς μεμονωμένα πρόσωπα και ανάμεσά τους ανέβηκαν οι δικοί τους σούπερ σταρ. Η ευθύνη έχει αυξηθεί πολλές φορές, αλλά και η αναγνωρισιμότητα του κοινού.

Η βάση της ορχήστρας ήταν όπως σχηματίστηκε στα τέλη του 19ου αιώνα, και οι συνθέτες μερικές φορές πρόσθεταν ή αφαιρούσαν όργανα ανάλογα με το αποτέλεσμα που επιθυμούσαν. Μερικές φορές αυτή ήταν μια εξαιρετικά διευρυμένη ομάδα κρουστών ή ξύλινων και χάλκινων οργάνων. Όμως η σύνθεση της ορχήστρας έχει στερεοποιηθεί και παραμένει σε μεγάλο βαθμό σταθερή: μια μεγάλη ομάδα τοξοφόρων οργάνων και μικρές ομάδες πνευστών, κρουστά, άρπες και πλήκτρα.

Μετά από τόσα χρόνια λειτουργεί ακόμα!