παρείχε ο Richard Wagner σημαντική επιρροήγια την ανάπτυξη όχι μόνο της μουσικής ευρωπαϊκή παράδοση, αλλά και παγκόσμια καλλιτεχνική κουλτούραγενικά. Ο Βάγκνερ δεν έλαβε συστηματικά μουσική παιδείακαι στην εξέλιξή του ως μάστερ της μουσικής οφείλει έναν καθοριστικό βαθμό στον εαυτό του. Τα ενδιαφέροντα του συνθέτη, εξ ολοκλήρου επικεντρωμένα στο είδος της όπερας, εμφανίστηκαν σχετικά νωρίς.
Σε πολύ μεγαλύτερο βαθμό από όλους τους Ευρωπαίους συνθέτες του 19ου αιώνα, ο Βάγκνερ είδε την τέχνη του ως σύνθεση και ως τρόπο έκφρασης μιας ορισμένης φιλοσοφικής αντίληψης. Η ουσία του εκφράζεται με τη μορφή αφορισμού στο παρακάτω απόσπασμα από το άρθρο του Βάγκνερ « Εργο ΤΕΧΝΗΣμέλλον»: «Όπως ένας άνθρωπος δεν θα είναι ελεύθερος μέχρι να αποδεχτεί με χαρά τους δεσμούς που τον συνδέουν με τη Φύση, έτσι και η τέχνη δεν θα γίνει ελεύθερη μέχρι να μην έχει πλέον κανένα λόγο να ντρέπεται για τη σύνδεσή του με τη ζωή». Από αυτή την έννοια πηγάζουν δύο θεμελιώδεις ιδέες: η τέχνη πρέπει να δημιουργείται από μια κοινότητα ανθρώπων και να ανήκει σε αυτήν την κοινότητα. Η υψηλότερη μορφή τέχνης είναι το μουσικό δράμα, που νοείται ως η οργανική ενότητα λέξης και ήχου. Η πρώτη ιδέα ενσαρκώθηκε στο Μπαϊρόιτ, όπου θέατρο όπεραςγια πρώτη φορά άρχισε να αντιμετωπίζεται ως ναός τέχνης και όχι ως ψυχαγωγικό συγκρότημα. η ενσάρκωση της δεύτερης ιδέας είναι η νέα οπερατική μορφή «μουσικό δράμα» που δημιούργησε ο Βάγκνερ. Ήταν η δημιουργία του που έγινε ο στόχος της δημιουργικής ζωής του Βάγκνερ. Μερικά από τα στοιχεία του ενσωματώθηκαν στις πρώτες όπερες του συνθέτη της δεκαετίας του 1840 - "The Flying Dutchman", "Tannhäuser" και "Lohengrin".
Η θεωρία του μουσικού δράματος ενσωματώθηκε πλήρως στα ελβετικά άρθρα του Βάγκνερ («Όπερα και Δράμα», «Τέχνη και Επανάσταση», «Μουσική και Δράμα», «Έργο τέχνης του μέλλοντος») και στην πράξη - στις μεταγενέστερες όπερες του: « Τριστάνος και Ιζόλδη» », η τετραλογία «Το δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκ» και το μυστήριο «Παρσιφάλ». Σύμφωνα με τον Βάγκνερ, το μουσικό δράμα είναι ένα έργο στο οποίο υλοποιείται η ρομαντική ιδέα μιας σύνθεσης τεχνών (μουσικής και δράματος), έκφραση του προγραμματισμού στην όπερα. Για να εφαρμόσει αυτό το σχέδιο, ο Βάγκνερ εγκατέλειψε τις παραδόσεις που υπήρχαν εκείνη την εποχή οπερατικές φόρμες- κυρίως ιταλικά και γαλλικά. Κατέκρινε το πρώτο για τις υπερβολές του, το δεύτερο για την μεγαλοπρέπειά του. Επέκρινε σφοδρά τα έργα των κορυφαίων εκπροσώπων της κλασικής όπερας (Rossini, Meyerbeer, Verdi, Aubert), αποκαλώντας τη μουσική τους «ζαχαρωμένη πλήξη». Προσπαθώντας να φέρει την όπερα πιο κοντά στη ζωή, σκέφτηκε την ιδέα της δραματικής ανάπτυξης από άκρη σε άκρη - από την αρχή μέχρι το τέλος όχι μόνο μιας πράξης, αλλά ολόκληρου του έργου, ακόμη και ενός κύκλου έργων (και οι τέσσερις όπερες του κύκλου του Δακτυλίου του Nibelung).
Στην κλασική όπερα του Βέρντι και του Ροσίνι, μεμονωμένοι αριθμοί (άριες, ντουέτα, σύνολα με χορωδίες) χωρίζουν ένα ενιαίο μουσικό κίνημα σε θραύσματα. Ο Βάγκνερ τα εγκατέλειψε τελείως για χάρη των μεγάλων φωνητικών-συμφωνικών σκηνών που ρέουν η μία στην άλλη και αντικατέστησε τις άριες και τα ντουέτα με δραματικούς μονολόγους και διαλόγους. Ο Βάγκνερ αντικατέστησε τις οβερτούρες με πρελούδια - σύντομες μουσικές εισαγωγές σε κάθε πράξη, άρρηκτα συνδεδεμένες με τη δράση σε σημασιολογικό επίπεδο. Επιπλέον, ξεκινώντας από την όπερα Lohengrin, αυτά τα πρελούδια εκτελέστηκαν όχι πριν ανοίξει η αυλαία, αλλά ήδη με τη σκηνή ανοιχτή. Η εξωτερική δράση στις μεταγενέστερες όπερες του Βάγκνερ (ειδικά στον Τριστάνο και την Ιζόλδη) περιορίζεται στο ελάχιστο και μεταφέρεται στην ψυχολογική πλευρά, στην περιοχή των συναισθημάτων των χαρακτήρων. Ο Βάγκνερ πίστευε ότι η λέξη δεν είναι ικανή να εκφράσει το πλήρες βάθος και το νόημα των εσωτερικών εμπειριών, επομένως, είναι η ορχήστρα, και όχι το φωνητικό μέρος, που παίζει τον πρωταγωνιστικό ρόλο στο μουσικό δράμα. Η τελευταία είναι εξ ολοκλήρου υποταγμένη στην ενορχήστρωση και θεωρείται από τον Βάγκνερ ως ένα από τα όργανα της συμφωνικής ορχήστρας. Ταυτόχρονα, το φωνητικό μέρος στο μουσικό δράμα αντιπροσωπεύει το αντίστοιχο του θεατρικού δραματικού λόγου. Δεν υπάρχει σχεδόν καθόλου μελωδία ή ερεθισμός σε αυτό. Λόγω της ιδιαίτερης φύσης των φωνητικών στο μουσική όπερας Wagner (εξαιρετικό μήκος, υποχρεωτική απαίτησηδραματική μαεστρία, ανελέητη εκμετάλλευση των ακραίων μητρώων της φωνητικής τεσιτούρας) στη σόλο ερμηνευτική πρακτική, καθιερώθηκαν νέα στερεότυπα τραγουδιστικών φωνών - Βαγκνεριανός τενόρος, Βαγκνεριανή σοπράνο.
Ο Βάγκνερ έδωσε εξαιρετική σημασία στην ενορχήστρωση και, ευρύτερα, στον συμφωνισμό. Η ορχήστρα του Βάγκνερ συγκρίνεται με μια αρχαία χορωδία, η οποία σχολίαζε αυτό που συνέβαινε και μετέφερε το «κρυμμένο» νόημα. Αναμορφώνοντας την ορχήστρα, ο συνθέτης δημιούργησε ένα κουαρτέτο τούμπα, εισήγαγε μια μπάσο τούμπα, ένα τρομπόνι κοντραμπάσο και επέκτεινε ομάδα χορδών, χρησιμοποίησε έξι άρπες. Σε ολόκληρη την ιστορία της όπερας πριν από τον Βάγκνερ, κανένας συνθέτης δεν χρησιμοποίησε ορχήστρα τέτοιας κλίμακας (για παράδειγμα, το "The Ring of the Nibelung" εκτελείται από μια τετραμελή ορχήστρα με οκτώ κόρνα). Η καινοτομία του Wagner στον τομέα της αρμονίας είναι επίσης γενικά αναγνωρισμένη. Διεύρυνε πολύ την τονικότητα που κληρονόμησε από τους βιεννέζους κλασικούς και τους πρώιμους ρομαντικούς εντείνοντας τον χρωματισμό και τις τροπικές αλλοιώσεις. Αποδυναμώνοντας (απευθείας μεταξύ των κλασικών) τις σαφείς συνδέσεις μεταξύ του κέντρου (τονικό) και της περιφέρειας, αποφεύγοντας σκόπιμα την άμεση ανάλυση της ασυμφωνίας σε ομοφωνία, προσέδωσε ένταση, δυναμισμό και συνέχεια στην ανάπτυξη της διαμόρφωσης. Το σήμα κατατεθέν της βαγκνερικής αρμονίας θεωρείται η «Τριστανική χορδή» (από το πρελούδιο της όπερας «Τριστάνος και Ιζόλδη») και το μοτίβο της μοίρας από το «Το δαχτυλίδι των Νιμπελούνγκ». Ο Βάγκνερ εισήγαγε ένα ανεπτυγμένο σύστημα μοτίβων. Κάθε τέτοιο leitmotif (σύντομο μουσικό χαρακτηριστικό) είναι ένας προσδιορισμός κάτι: ένας συγκεκριμένος χαρακτήρας ή ζωντανό πλάσμα (για παράδειγμα, το leitmotif του Ρήνου στο "Das Rheingold"), αντικείμενα που συχνά λειτουργούν ως συμβολικοί χαρακτήρες (δαχτυλίδι, σπαθί και χρυσός στο "The Ring», ένα ποτό αγάπης στον Τριστάν και την Ιζόλδη), τόποι δράσης (τα μοτίβα του Δισκοπότηρου στο Lohengrin και η Valhalla στο Das Rheingold) και ακόμη και αφηρημένες ιδέες (πολλά μοτίβα της μοίρας και της μοίρας στον κύκλο του Ring of the Nibelung, λαχτάρα, ένα ερωτευμένο βλέμμα στο «Τριστάνος και Ιζόλδη»)
Το σύστημα των μοτίβων του Βάγκνερ έλαβε την πληρέστερη εξέλιξη στο «The Ring» - συσσωρεύοντας από όπερα σε όπερα, διαπλεκόμενοι το ένα με το άλλο, κάθε φορά λαμβάνοντας νέες επιλογές ανάπτυξης, όλα τα μοτίβα αυτού του κύκλου ως αποτέλεσμα ενώνονται και αλληλεπιδρούν στη σύνθετη μουσική υφή της τελικής όπερας «Λυκόφως των Θεών». Η κατανόηση της μουσικής ως προσωποποίησης της συνεχούς κίνησης και της ανάπτυξης συναισθημάτων οδήγησε τον Βάγκνερ στην ιδέα της συγχώνευσης αυτών των μοτίβων σε ένα ενιαίο ρεύμα συμφωνικής ανάπτυξης, σε μια «ατελείωτη μελωδία» (unendliche Melodie). Η έλλειψη τονωτικής υποστήριξης (σε όλη την όπερα «Τριστάνος και Ιζόλδη»), η ατελή κάθε θέματος (σε ολόκληρο τον κύκλο «Δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκ», με εξαίρεση την κορυφαία νεκρική πορεία στην όπερα «Λυκόφως των Θεών ”) συμβάλλουν στη συνεχή αύξηση των συναισθημάτων που δεν λαμβάνει ανάλυση, γεγονός που επιτρέπει στον ακροατή να κρατά τον ακροατή σε συνεχή αγωνία (όπως στα πρελούδια των όπερων “Tristan and Isolde” και “Lohengrin”). Ο A. F. Losev ορίζει τη φιλοσοφική και αισθητική βάση του έργου του Βάγκνερ ως «μυστικιστικό συμβολισμό».
Το κλειδί για την κατανόηση της οντολογικής έννοιας του Βάγκνερ είναι η τετραλογία «Το δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκ» και η όπερα «Τριστάνος και Ιζόλδη». Πρώτον, το όνειρο του Βάγκνερ για τη μουσική οικουμενικότητα υλοποιήθηκε πλήρως στο The Ring. «Στο The Ring, αυτή η θεωρία ενσωματώθηκε μέσω της χρήσης μοτίβων, όταν κάθε ιδέα και κάθε ποιητική εικόνααμέσως οργανώθηκε ειδικά με τη βοήθεια ενός μουσικού μοτίβου», γράφει ο Losev. Επιπλέον, το "The Ring" αντανακλούσε πλήρως το πάθος του για τις ιδέες του Σοπενχάουερ. Ωστόσο, πρέπει να θυμόμαστε ότι τους γνωρίσαμε όταν ήταν έτοιμο το κείμενο της τετραλογίας και ξεκίνησαν οι εργασίες για τη μουσική. Όπως ο Σοπενχάουερ, ο Βάγκνερ αισθάνεται τη δυσλειτουργία, ακόμη και την ανούσια βάση της βάσης του σύμπαντος. Το μόνο νόημα της ύπαρξης πιστεύεται ότι είναι να απαρνηθεί αυτή την καθολική θέληση και, βυθίζοντας στην άβυσσο της καθαρής διανόησης και της αδράνειας, να βρει την αληθινή αισθητική απόλαυση στη μουσική. Ωστόσο, ο Βάγκνερ, σε αντίθεση με τον Σοπενχάουερ, πιστεύει ότι ένας κόσμος είναι δυνατός και μάλιστα προκαθορισμένος στον οποίο οι άνθρωποι δεν θα ζουν πλέον στο όνομα της συνεχούς αναζήτησης του χρυσού, που στη μυθολογία του Βάγκνερ συμβολίζει τη βούληση του κόσμου. Τίποτα δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα για αυτόν τον κόσμο, αλλά δεν υπάρχει αμφιβολία για τον ερχομό του μετά από μια παγκόσμια καταστροφή. Το θέμα της παγκόσμιας καταστροφής είναι πολύ σημαντικό για την οντολογία του «The Ring» και, προφανώς, είναι μια νέα επανεξέταση της επανάστασης, η οποία δεν νοείται πλέον ως αλλαγή κοινωνική τάξη, αλλά μια κοσμολογική δράση που αλλάζει την ίδια την ουσία του σύμπαντος.
Όσο για το «Tristan and Isolde», οι ιδέες που περιέχονταν σε αυτό επηρεάστηκαν σημαντικά από ένα βραχύβιο πάθος για τον Βουδισμό και ταυτόχρονα μια δραματική ιστορία αγάπης για τη Mathilde Wesendonck. Εδώ λαμβάνει χώρα η συγχώνευση της διχασμένης ανθρώπινης φύσης που ο Βάγκνερ έψαχνε τόσο καιρό. Αυτή η σύνδεση συμβαίνει με την αναχώρηση του Τριστάνου και της Ιζόλδης στη λήθη. Θεωρούμενο ως ένα εντελώς βουδιστικό που συγχωνεύεται με τον αιώνιο και άφθαρτο κόσμο, επιλύει, κατά τη γνώμη του Losev, την αντίφαση μεταξύ του υποκειμένου και του αντικειμένου στο οποίο βασίζεται. Ευρωπαϊκός πολιτισμός. Το πιο σημαντικό είναι το θέμα της αγάπης και του θανάτου, που για τον Βάγκνερ είναι άρρηκτα συνδεδεμένα. Η αγάπη ενυπάρχει στον άνθρωπο, τον υποτάσσει πλήρως, όπως ο θάνατος είναι το αναπόφευκτο τέλος της ζωής του. Με αυτή την έννοια πρέπει να γίνει κατανοητό το ερωτικό φίλτρο του Βάγκνερ. «Ελευθερία, ευδαιμονία, ευχαρίστηση, θάνατος και μοιρολατρικός προορισμός - αυτό είναι το φίλτρο αγάπης, που απεικονίζεται τόσο έξοχα από τον Βάγκνερ», γράφει ο Λόσεφ. Μεταρρύθμιση της όπεραςΟ Βάγκνερ είχε σημαντική επιρροή στην ευρωπαϊκή και τη ρωσική μουσική, σηματοδοτώντας το υψηλότερο στάδιο του μουσικού ρομαντισμού και ταυτόχρονα έθεσε τα θεμέλια για το μέλλον μοντερνιστικά κινήματα. Η άμεση ή έμμεση αφομοίωση της βαγκνερικής οπερατικής αισθητικής (ιδιαίτερα της καινοτόμου «διασταυρούμενης» μουσικής δραματουργίας) σημάδεψε σημαντικό μέρος των επόμενων οπερατικών έργων. Η χρήση του συστήματος leitmotif στις όπερες μετά τον Βάγκνερ έγινε τετριμμένη και καθολική. Όχι λιγότερο σημαντική ήταν η επιρροή των καινοτόμων μουσική γλώσσαΟ Βάγκνερ, ειδικά η αρμονία του, στην οποία ο συνθέτης αναθεώρησε τους «παλαιούς» (που προηγουμένως θεωρούνταν ακλόνητοι) κανόνες τονικότητας.
Μεταξύ των Ρώσων μουσικών, ο φίλος του Wagner A. N. Serov ήταν ειδικός και υποστηρικτής του Wagner. Ο N. A. Rimsky-Korsakov, ο οποίος άσκησε δημόσια κριτική στον Βάγκνερ, βίωσε ωστόσο (ειδικά στο τελευταίο του έργο) την επιρροή του Βάγκνερ στην αρμονία, την ορχηστρική γραφή και τη μουσική δραματουργία. Πολύτιμα άρθρα για τον Βάγκνερ άφησε ένας επιφανής Ρώσος μουσικός κριτικός G. A. Laroche. Γενικά, το «Βαγκνεριανό» γίνεται πιο άμεσα αισθητό στα έργα των «φιλοδυτικών» συνθετών. Ρωσία XIXαιώνα (για παράδειγμα, A.G. Rubinstein) από ό,τι μεταξύ εκπροσώπων του εθνικού σχολείου. Η επιρροή του Βάγκνερ (μουσική και αισθητική) σημειώνεται στη Ρωσία τις πρώτες δεκαετίες του 20ού αιώνα, στα έργα του A. N. Scriabin. Στη Δύση, το κέντρο της λατρείας του Βάγκνερ έγινε η λεγόμενη σχολή της Βαϊμάρης (αυτονομούμενη Νέα Γερμανική Σχολή), η οποία αναπτύχθηκε γύρω από τον Φ. Λιστ στη Βαϊμάρη. Οι εκπρόσωποί της (P. Cornelius, G. von Bülow, I. Raff κ.λπ.) υποστήριξαν τον Βάγκνερ, πρώτα απ' όλα, στην επιθυμία του να διευρύνει το πεδίο μουσική εκφραστικότητα(αρμονία, ορχηστρική γραφή, οπερατική δραματουργία).
Οι δυτικοί συνθέτες επηρεασμένοι από τον Βάγκνερ περιλαμβάνουν τους Anton Bruckner, Hugo Wolf, Claude Debussy, Gustav Mahler, Richard Strauss, Bela Bartok, Karol Szymanowski, Arnold Schoenberg (περ. πρώιμη εργασία). Η αντίδραση στη λατρεία του Βάγκνερ ήταν η «αντι-Βάγκνερ» τάση που αντιτάχθηκε σε αυτήν. μεγαλύτερους εκπροσώπουςπου ήταν ο συνθέτης Γιοχάνες ΜπραμςΚαι μουσικός αισθητικός E. Hanslick, που υπερασπίστηκε την εμμονή και αυτάρκεια της μουσικής, την αποσύνδεσή της από εξωτερικά, εξωμουσικά «ερεθίσματα»
Στη Ρωσία, τα αισθήματα κατά του Βάγκνερ είναι χαρακτηριστικά της εθνικής πτέρυγας των συνθετών, κυρίως των M. P. Mussorgsky και A. P. Borodin. Η στάση απέναντι στον Βάγκνερ μεταξύ των μη μουσικών (που δεν αξιολόγησαν τόσο τη μουσική του Βάγκνερ όσο τις αμφιλεγόμενες δηλώσεις του και τις «αισθητικές» δημοσιεύσεις του) είναι διφορούμενη. Έτσι, ο Friedrich Nietzsche έγραψε στο άρθρο του «The Wagner Incident»:
«Ήταν έστω μουσικός ο Βάγκνερ; Εν πάση περιπτώσει, ήταν κάτι περισσότερο από κάτι άλλο... Η θέση του είναι σε άλλο χώρο, και όχι στην ιστορία της μουσικής: δεν πρέπει να συγχέεται με τους μεγάλους αληθινούς εκπροσώπους της. Ο Βάγκνερ και ο Μπετόβεν είναι βλασφημία...» Σύμφωνα με τον Τόμας Μαν, ο Βάγκνερ «είδε στην τέχνη ένα ιερό μυστήριο, μια πανάκεια ενάντια σε όλα τα δεινά της κοινωνίας...».
Οι μουσικές δημιουργίες του Βάγκνερ στους 20-21 αιώνες συνεχίζουν να ζουν με τα πιο διάσημα σκηνές όπερας, όχι μόνο η Γερμανία, αλλά ολόκληρος ο κόσμος (με εξαίρεση το Ισραήλ).Ο Βάγκνερ έγραψε το Δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκ με ελάχιστη ελπίδα ότι θα βρεθεί ένα θέατρο ικανό να ανεβάσει ολόκληρο το έπος και να μεταφέρει τις ιδέες του στον ακροατή. Ωστόσο, οι σύγχρονοι μπόρεσαν να εκτιμήσουν την πνευματική του αναγκαιότητα και το έπος βρήκε τον δρόμο του προς τον θεατή. Ο ρόλος του "Ring" στη διαμόρφωση του γερμανικού εθνικού πνεύματος δεν μπορεί να υπερεκτιμηθεί. Στα μέσα του 19ου αιώνα, όταν γράφτηκε το Δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκ, το έθνος παρέμεινε διχασμένο. Οι Γερμανοί θυμήθηκαν τις ταπεινώσεις των ναπολεόντειων εκστρατειών και τις συνθήκες της Βιέννης. Πρόσφατα βρόντηξε μια επανάσταση, που τίναξε τους θρόνους των βασιλιάδων της απανάζας - όταν ο Βάγκνερ έφυγε από τον κόσμο, η Γερμανία ήταν ήδη ενωμένη, έγινε αυτοκρατορία, φορέας και εστίαση όλου του γερμανικού πολιτισμού. Το «The Ring of the Nibelung» και το έργο του Βάγκνερ στο σύνολό του, αν και όχι μόνο, ήταν για τον γερμανικό λαό και για τη γερμανική ιδέα αυτή η κινητοποίηση που ανάγκαζε πολιτικούς, διανοούμενους, στρατιωτικούς και ολόκληρη την κοινωνία να ενωθούν.
Το 1864, έχοντας επιτύχει την εύνοια του Βαυαρού βασιλιά Λουδοβίκου Β', ο οποίος πλήρωσε τα χρέη του και τον στήριξε περαιτέρω, μετακόμισε στο Μόναχο, όπου έγραψε κωμική όπεραΤο «Die Meistersinger of Nuremberg» και τα δύο τελευταία μέρη του Δαχτυλιδιού των Νιμπελούνγκ: «Siegfried» και «Twilight of the Gods». Το 1872 τέθηκε ο θεμέλιος λίθος για το Φεστιβάλ Σπίτι στο Μπαϊρόιτ, το οποίο άνοιξε το 1876. Εκεί όπου πραγματοποιήθηκε η πρεμιέρα της τετραλογίας The Ring of the Nibelung στις 13-17 Αυγούστου 1876. Το 1882, η όπερα μυστηρίου Parsifal ανέβηκε στο Μπαϊρόιτ. Την ίδια χρονιά, ο Βάγκνερ πήγε στη Βενετία για λόγους υγείας, όπου πέθανε το 1883 από καρδιακή προσβολή. Ο Βάγκνερ είναι θαμμένος στο Μπαϊρόιτ.
Πώς θα ήταν η ζωή μας χωρίς μουσική; Για πολλά χρόνια, οι άνθρωποι έκαναν στον εαυτό τους αυτή την ερώτηση και καταλήγουν στο συμπέρασμα ότι χωρίς τους όμορφους ήχους της μουσικής, ο κόσμος θα ήταν ένα πολύ διαφορετικό μέρος. Η μουσική μας βοηθά να νιώθουμε πιο ολοκληρωμένα τη χαρά, να βρούμε τον εσωτερικό μας εαυτό και να αντιμετωπίσουμε τις δυσκολίες. Οι συνθέτες, δουλεύοντας πάνω στα έργα τους, εμπνεύστηκαν από τα περισσότερα διαφορετικά πράγματα: αγάπη, φύση, πόλεμος, ευτυχία, λύπη και πολλά άλλα. Μερικές από τις μουσικές συνθέσεις που δημιούργησαν θα μείνουν για πάντα στις καρδιές και τις μνήμες των ανθρώπων. Εδώ είναι μια λίστα με δέκα από τους μεγαλύτερους και πιο ταλαντούχους συνθέτες όλων των εποχών. Κάτω από κάθε συνθέτη θα βρείτε έναν σύνδεσμο προς ένα από τα πιο διάσημα έργα του.
10 ΦΩΤΟ (ΒΙΝΤΕΟ)
Ο Franz Peter Schubert ήταν ένας Αυστριακός συνθέτης που έζησε μόνο 32 χρόνια, αλλά η μουσική του θα παραμείνει ζωντανή για πολύ καιρό. Ο Σούμπερτ έγραψε εννέα συμφωνίες, περίπου 600 φωνητικές συνθέσεις και ένας μεγάλος αριθμός απόμουσική δωματίου και σόλο πιάνο.
«Βραδυνή Σερενάτα»
Γερμανός συνθέτης και πιανίστας, συγγραφέας δύο σερενάδων, τεσσάρων συμφωνιών, καθώς και συναυλιών για βιολί, πιάνο και τσέλο. Έπαιξε σε συναυλίες από την ηλικία των δέκα ετών, παίζοντας για πρώτη φορά με σόλο συναυλίασε ηλικία 14 ετών. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, κέρδισε δημοτικότητα κυρίως λόγω των βαλς και των ουγγρικών χορών που έγραψε.
«Ουγγρικός χορός Νο 5».
George Frideric Handel - Γερμανός και Άγγλος συνθέτηςΕποχή του μπαρόκ, έγραψε περίπου 40 όπερες, πολλές οργανικές συναυλίες, καθώς και μουσική δωματίου. Η μουσική του Χέντελ παίζεται στις στέψεις των Άγγλων βασιλιάδων από το 973, ακούγεται επίσης σε βασιλικές γαμήλιες τελετές και χρησιμοποιείται ακόμη και ως ύμνος του UEFA Champions League (με μια μικρή διασκευή).
"Μουσική στο νερό"
Τζόζεφ Χάιντν- διάσημος και παραγωγικός Αυστριακός συνθέτης της κλασικής εποχής, αποκαλείται ο πατέρας της συμφωνίας, καθώς συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη αυτής μουσικό είδος. Ο Joseph Haydn είναι συγγραφέας 104 συμφωνιών, 50 σονάτες για πιάνο, 24 όπερες και 36 κοντσέρτα
«Συμφωνία Νο 45».
Ο Pyotr Ilyich Tchaikovsky είναι ο πιο διάσημος Ρώσος συνθέτης, συγγραφέας περισσότερων από 80 έργων, συμπεριλαμβανομένων 10 όπερων, 3 μπαλέτων και 7 συμφωνιών. Ήταν πολύ δημοφιλής και γνωστός ως συνθέτης κατά τη διάρκεια της ζωής του και έπαιζε στη Ρωσία και στο εξωτερικό ως μαέστρος.
«Βαλς των λουλουδιών» από το μπαλέτο «Ο Καρυοθραύστης».
Ο Frédéric François Chopin είναι Πολωνός συνθέτης που θεωρείται επίσης ένας από τους οι καλύτεροι πιανίστεςόλων των εποχών. Έγραψε πολλά μουσικά κομμάτια για πιάνο, μεταξύ των οποίων 3 σονάτες και 17 βαλς.
«Βαλς της βροχής».
Ο Βενετός συνθέτης και βιρτουόζος βιολονίστας Antonio Lucio Vivaldi είναι ο συγγραφέας περισσότερων από 500 κοντσέρτων και 90 όπερων. Είχε τεράστια επιρροή στην ανάπτυξη της ιταλικής και παγκόσμιας τέχνης του βιολιού.
"Τραγούδι των ξωτικών"
Ο Βόλφγκανγκ Αμαντέους Μότσαρτ είναι ένας Αυστριακός συνθέτης που κατέπληξε τον κόσμο με το ταλέντο του παιδική ηλικία. Ήδη σε ηλικία πέντε ετών, ο Μότσαρτ συνέθετε μικρά έργα. Συνολικά έγραψε 626 έργα, μεταξύ των οποίων 50 συμφωνίες και 55 κοντσέρτα. 9.Μπετόβεν 10.Μπαχ
Ο Γιόχαν Σεμπάστιαν Μπαχ ήταν Γερμανός συνθέτης και οργανίστας της εποχής του Μπαρόκ, γνωστός ως δεξιοτέχνης της πολυφωνίας. Είναι συγγραφέας περισσότερων από 1000 έργων, τα οποία περιλαμβάνουν σχεδόν τα πάντα σημαντικά είδηεκείνη τη φορά.
"Μουσικό αστείο"
Λούντβιχ βαν Μπετόβεν
Λούντβιχ βαν Μπετόβεν- Ο μεγαλύτερος συνθέτης των αρχών του 19ου αιώνα. Ρέκβιεμ και Σονάτα του σεληνόφωτοςάμεσα αναγνωρίσιμο από τον καθένα. Αθάνατα έργαΟ συνθέτης ήταν πάντα και θα είναι δημοφιλής λόγω του μοναδικού στυλ του Μπετόβεν.
- Γερμανός συνθέτης του 18ου αιώνα. Χωρίς αμφιβολία ο ιδρυτής σύγχρονη μουσική. Τα έργα του βασίστηκαν στην ευελιξία των αρμονιών διαφόρων οργάνων. Δημιούργησε τον ρυθμό της μουσικής, γι' αυτό και τα έργα του προσφέρονται εύκολα στη σύγχρονη οργανική επεξεργασία.
- Ο πιο δημοφιλής και κατανοητός Αυστριακός συνθέτης του τέλους του 18ου αιώνα. Όλα τα έργα του είναι απλά και έξυπνα. Είναι πολύ μελωδικά και ευχάριστα. Μια μικρή σερενάτα, μια καταιγίδα και πολλές άλλες ροκ διασκευασμένες συνθέσεις θα έχουν ξεχωριστή θέση στη συλλογή σας.
- Αυστριακός συνθέτης του τέλους του 18ου, των αρχών του 19ου αιώνα. Ένας πραγματικά κλασικός συνθέτης. Το βιολί είχε ιδιαίτερη θέση για τον Χάιντν. Είναι σολίστ σε όλα σχεδόν τα έργα του συνθέτη. Πολύ όμορφη και συναρπαστική μουσική.
- Ιταλός συνθέτης του πρώτου μισού του 18ου αιώνα Νο. 1. Η εθνική ιδιοσυγκρασία και μια νέα προσέγγιση στη διευθέτηση κυριολεκτικά ανατίναξαν την Ευρώπη στα μέσα του 18ου αιώνα. Οι συμφωνίες «Εποχές» είναι επαγγελματική κάρτασυνθέτης.
- Πολωνός συνθέτης του 19ου αιώνα. Σύμφωνα με ορισμένες πληροφορίες, είναι ο ιδρυτής του συνδυασμένου είδους συναυλίας και λαϊκής μουσικής. Οι πολωνέζες και οι μαζούρκες του δένουν άψογα με την ορχηστρική μουσική. Το μόνο μειονέκτημα στο έργο του συνθέτη θεωρήθηκε ότι ήταν το πολύ απαλό στυλ (έλλειψη ισχυρών και φλογερών κινήτρων).
- Γερμανός συνθέτης του τέλους του 19ου αιώνα. Τον έλεγαν ως τον μεγάλο ρομαντικό της εποχής του και το «Γερμανικό Ρέκβιεμ» του επισκίασε άλλα έργα των συγχρόνων του στη δημοτικότητά του. Το στυλ στη μουσική του Μπραμς είναι ποιοτικά διαφορετικό από τα στυλ άλλων κλασικών.
- Αυστριακός συνθέτης των αρχών του 19ου αιώνα. Ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες που δεν αναγνωρίστηκε όσο ζούσε. Πολύ πρόωρο θάνατοστα 31 της, δεν επέτρεψε στον Σούμπερτ να αναπτύξει πλήρως τις δυνατότητές του. Τα τραγούδια που έγραψε ήταν η κύρια πηγή εισοδήματος όταν οι μεγαλύτερες συμφωνίες μάζευαν τη σκόνη στα ράφια. Μόνο μετά το θάνατο του συνθέτη τα έργα εκτιμήθηκαν ιδιαίτερα από τους κριτικούς.
- Αυστριακός συνθέτης του τέλους του 19ου αιώνα. Ο ιδρυτής των βαλς και των πορειών. Λέμε Στράους - εννοούμε βαλς, λέμε βαλς - εννοούμε Στράους. Ο Johann Jr. μεγάλωσε στην οικογένεια του πατέρα του, συνθέτη. Ο Στράους ο πρεσβύτερος αντιμετώπιζε τα έργα του γιου του με περιφρόνηση. Πίστευε ότι ο γιος του έκανε ανοησίες και γι' αυτό τον ταπείνωσε με κάθε δυνατό τρόπο στον κόσμο. Αλλά ο Γιόχαν ο Νεότερος συνέχισε πεισματικά να κάνει αυτό που αγαπούσε, και η επανάσταση και η πορεία που έγραψε ο Στράους προς τιμήν της απέδειξαν τη ιδιοφυΐα του γιου του στα μάτια της ευρωπαϊκής υψηλής κοινωνίας.
- Ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες του 19ου αιώνα. Κύριος τέχνη της όπερας. Η Άιντα και ο Οθέλλος του Βέρντι είναι εξαιρετικά δημοφιλή σήμερα χάρη στο αληθινό ταλέντο του Ιταλού συνθέτη. Η τραγική απώλεια της οικογένειάς του σε ηλικία 27 ετών σακάτεψε τον συνθέτη, αλλά δεν το έβαλε κάτω και ασχολήθηκε με τη δημιουργικότητα, γράφοντας πολλές όπερες ταυτόχρονα. βραχυπρόθεσμα. Υψηλή κοινωνίαΤο ταλέντο του Βέρντι εκτιμήθηκε ιδιαίτερα και οι όπερές του ανέβηκαν στα πιο διάσημα θέατρα της Ευρώπης.
- Ακόμη και σε ηλικία 18 ετών, αυτός ο ταλαντούχος Ιταλός συνθέτης έγραψε αρκετές όπερες που έγιναν πολύ δημοφιλείς. Το κορυφαίο επίτευγμα της δημιουργίας του ήταν το αναθεωρημένο έργο " Κουρέας της Σεβίλλης"Αφού το παρουσίασε στο κοινό, ο Τζιοακίνο κυριολεκτικά μεταφέρθηκε στην αγκαλιά του. Η επιτυχία ήταν μεθυστική. Μετά από αυτό, ο Ροσίνι έγινε ευπρόσδεκτος καλεσμένος στο υψηλή κοινωνίακαι απέκτησε ισχυρή φήμη.
- Γερμανός συνθέτης των αρχών του 18ου αιώνα. Ένας από τους ιδρυτές της όπερας και ορχηστρική μουσική. Εκτός από τη συγγραφή όπερων, ο Χέντελ έγραψε επίσης μουσική για τους «λαούς», η οποία ήταν πολύ δημοφιλής εκείνη την εποχή. Εκατοντάδες τραγούδια και χορευτικές μελωδίεςτα τραγούδια του συνθέτη βρόντηξαν στους δρόμους και τις πλατείες εκείνες τις μακρινές εποχές.
- Ο Πολωνός πρίγκιπας και συνθέτης είναι αυτοδίδακτος. Χωρίς καμία μουσική παιδεία, έγινα διάσημος συνθέτης. Η περίφημη πολονέζα του είναι γνωστή σε όλο τον κόσμο. Την εποχή του συνθέτη, μια επανάσταση γινόταν στην Πολωνία και οι πορείες που έγραψε έγιναν οι ύμνοι των επαναστατών.
- Εβραίος συνθέτης γεννημένος στη Γερμανία. Η γαμήλια πορεία του και το "A Midsummer Night's Dream" είναι δημοφιλή εδώ και εκατοντάδες χρόνια. Οι συμφωνίες και οι συνθέσεις που έγραψε γίνονται δεκτές με επιτυχία σε όλο τον κόσμο.
- Γερμανός συνθέτης του 19ου αιώνα. Η μυστικά αντισημιτική του ιδέα για την ανωτερότητα της Άριας φυλής έναντι άλλων φυλών υιοθετήθηκε από τους φασίστες. Η μουσική του Βάγκνερ είναι πολύ διαφορετική από τη μουσική των προκατόχων του. Αποσκοπεί πρωτίστως στη σύνδεση ανθρώπου και φύσης με μια πρόσμιξη μυστικισμού. Οι πιο διάσημες όπερες του «The Ring of the Nibelungs» και «Tristan and Isolde» επιβεβαιώνουν το επαναστατικό πνεύμα του συνθέτη.
- Γάλλος συνθέτηςμέσα του 19ου αιώνα. Δημιουργός της «Κάρμεν». Από τη γέννησή του ήταν παιδί ιδιοφυΐας και σε ηλικία 10 ετών μπήκε ήδη στο ωδείο. Στη σύντομη ζωή του (πέθανε πριν τα 37 του) έγραψε δεκάδες όπερες και οπερέτες, διάφορα ορχηστρικά έργα και ωδές-συμφωνίες.
- Νορβηγός συνθέτης και στιχουργός. Τα έργα του είναι απλά γεμάτα μελωδία. Κατά τη διάρκεια της ζωής του έγραψε μεγάλο αριθμό τραγουδιών, ρομάντζων, σουιτών και ετιντ. Η σύνθεσή του "Cave of the Mountain King" χρησιμοποιείται πολύ συχνά στον κινηματογράφο και τη σύγχρονη ποπ μουσική.
- Αμερικανός συνθέτης των αρχών του 20ου αιώνα - συγγραφέας του "Rhapsody in Blue", το οποίο είναι ιδιαίτερα δημοφιλές μέχρι σήμερα. Στα 26 του, ήταν ήδη ο πρώτος συνθέτης του Μπρόντγουεϊ. Η δημοτικότητα του Γκέρσουιν εξαπλώθηκε γρήγορα σε όλη την Αμερική, χάρη σε πολυάριθμα τραγούδια και δημοφιλή σόου.
- Ρώσος συνθέτης. Η όπερα του «Μπορίς Γκοντούνοφ» είναι το σήμα κατατεθέν πολλών θεάτρων σε όλο τον κόσμο. Ο συνθέτης στα έργα του βασίστηκε σε λαογραφία, μετρώντας παραδοσιακή μουσική- μουσική της ψυχής. Το «Night on Bald Mountain» του Modest Petrovich είναι ένα από τα δέκα πιο δημοφιλή συμφωνικά σκετς στον κόσμο.
Το πιο δημοφιλές και μεγαλύτερος συνθέτηςΗ Ρωσία φυσικά είναι. " Λίμνη των κύκνων" και "Ωραία Κοιμωμένη", "Σλαβική Πορεία" και "Καρυοθραύστης", "Ευγένιος Ονέγκιν" και " Βασίλισσα των Μπαστούνι«Αυτά και άλλα πολλά αριστουργήματα μουσική τέχνηδημιουργήθηκαν από τον Ρώσο συνθέτη μας. Ο Τσαϊκόφσκι είναι το καμάρι της Ρωσίας. Σε όλο τον κόσμο ξέρουν «Μπαλαλάικα», «Ματριόσκα», «Τσαϊκόφσκι»...
- Σοβιετικός συνθέτης. Το αγαπημένο του Στάλιν. Ο Μιχαήλ Ζαντόρνοφ συνέστησε ανεπιφύλακτα να ακούσετε την όπερα "The Tale of a Real Man". Αλλά κυρίως το έργο του Sergei Sergeich είναι σοβαρό και βαθύ. «Πόλεμος και Ειρήνη», «Σταχτοπούτα», «Ρωμαίος και Ιουλιέτα», πολλές λαμπρές συμφωνίες και έργα για ορχήστρα.
- Ρώσος συνθέτης που δημιούργησε το δικό του αμίμητο στυλ στη μουσική. Ήταν βαθιά θρησκευόμενος άνθρωπος και ιδιαίτερη θέση στη δουλειά του δόθηκε στη συγγραφή θρησκευτικής μουσικής. Ο Ραχμάνινοφ έγραψε επίσης πολλή μουσική συναυλιών και αρκετές συμφωνίες. Το τελευταίο του έργο, «Συμφωνικοί Χοροί», αναγνωρίζεται ως το μεγαλύτερο έργο του συνθέτη.
Οι συμφωνίες του Max Bruch δεν είναι τόσο δημοφιλείς όσο τα κοντσέρτα του για βιολί ή το Scottish Fantasy και παίζονται αρκετά σπάνια. Ωστόσο, η Αρμονία κυριαρχεί σε αυτά, ξυπνώντας στην ψυχή του ακροατή τη φιλοδοξία για σοφία και δύναμη, ενισχύοντας το πνεύμα και βοηθώντας να αντιμετωπίσει όλες τις δυσκολίες. Οι αξιοσημείωτες ηχογραφήσεις των έργων του Bruch, εκτός από τα μεγάλα συναυλιακά έργα του, περιλαμβάνουν ένα σύνολο τριών από τις σπάνια ερμηνευμένες συμφωνίες του. ένα έργο που πραγματοποιήθηκε από τον μαέστρο Kurt Masur. Μια από αυτές τις ηχογραφήσεις θα παιχτεί τώρα - ένα πολύ όμορφο Adagio από την Τρίτη Συμφωνία σε μι μείζονα
Gewandhausorchester Leipzig
Kurt Masur, μαέστρος
()
Η μουσική είναι η τέχνη των ήχων και κάθε ήχος σε αυτήν έχει τη δική του ονομασία. Μια νότα (λατ. nōta - «σημάδι», «σημάδι») στη μουσική είναι ένας γραφικός προσδιορισμός του ήχου κομμάτι της μουσικής, ένα από τα κύρια σύμβολα της σύγχρονης μουσικής σημειογραφίας. Παραλλαγές σε…
Το όνομα του Max Bruch (1838-1920) δεν ακούγεται τόσο δυνατά στον μουσικό κόσμο όσο τα ονόματα των Mendelssohn και Brahms. Αλλά το κονσέρτο του για βιολί Νο. 1 σε σολ ελάσσονα, Op. 26, κατέχει τη θέση που δικαιούται στη γενεαλογία των μεγάλων ρομαντικών αριστουργημάτων. Ο Μαξ Μπρουχ γεννήθηκε την ίδια χρονιά που ο Μέντελσον έκανε τα πρώτα σκετς του κοντσέρτου του για βιολί σε μι ελάσσονα. Το Κοντσέρτο του Μπρουχ έκανε πρεμιέρα δέκα χρόνια μετά το θάνατο του Σούμαν. Μια δεκαετία αργότερα εμφανίστηκε το περίφημο Κοντσέρτο για βιολί του Μπραμς. Ωστόσο, υπάρχει ένα ακόμη σπουδαίος μουσικός, η τέχνη του οποίου ένωσε τα προαναφερθέντα κοντσέρτα για βιολί σε μια παράδοση αδιάκοπη για έναν αιώνα. Το όνομά του ήταν Ιωσήφ Ιωακείμ. Στη σελίδα τίτλου της παρτιτούρας του Κοντσέρτου για βιολί του Μπρουχ υπάρχει μια αφιέρωση: Στον Ιωσήφ Ιωακείμ ως ένδειξη φιλίας.
Τα σκετς για το κοντσέρτο σε σολ ελάσσονα χρονολογούνται πιθανώς στο 1857, όταν ο 19χρονος Μπρουχ αποφοίτησε από το Ωδείο της Κολωνίας, όπου δάσκαλοί του ήταν ο Φέρντιναντ Χίλερ και ο Καρλ Ράινεκε. Σε ηλικία 20 ετών, ο Bruch δίδασκε ήδη θεωρητικά μαθήματα μουσικής στο ωδείο. Οι πρεμιέρες των όπερων, των ορατόριων, των συμφωνιών του διαδέχονται η μία την άλλη, οργανικές συναυλίες, σύνολα δωματίου, κύκλοι φωνητικών... Οι χορωδίες Bruch είναι ιδιαίτερα δημοφιλείς στη Γερμανία. Διευθύνει παραστάσεις όπερας και συμφωνικές συναυλίες σε διάφορες πόλεις της Γερμανίας και του εξωτερικού. Μεταξύ των μαθητών του Max Bruch είναι εκπρόσωποι της εθνικής σχολές συνθέτων, τέτοιος εξαιρετικοί δάσκαλοιεικοστός αιώνας, όπως ο Ιταλός Ottorino Respighi, ο Άγγλος Ralph Vaughan Williams.
Μαξ Μπρουχ / Max Bruch
()
Johann Philipp Kirnberger (Γερμανικά: Johann Philipp Kirnberger, βαφτισμένος 24 Απριλίου 1721, Saalfeld - 27 Ιουλίου 1783, Βερολίνο) - Γερμανός θεωρητικός της μουσικής, συνθέτης, βιολονίστας, δάσκαλος.
Σύμφωνα με τον F. V. Marpurg, ο Kirnberger το 1739-41 σπούδασε στη Λειψία με τον J. S. Bach, τον οποίο θεωρούσε τον μεγαλύτερο Γερμανό συνθέτη. Το 1741 - 50 υπηρέτησε ως δάσκαλος μουσικής και μπάντας σε πολωνικές αριστοκρατικές οικογένειες και ήταν ο ομαδάρχης ενός μοναστηριού στο Λβιβ. Από το 1754, ο Kirnberger, βιολιστής και μαέστρος του αυλικού παρεκκλησίου στο Βερολίνο, δίδαξε σύνθεση στην Άννα Αμαλία της Πρωσίας, τη μικρότερη αδερφή του βασιλιά της Πρωσίας, Φρειδερίκου του Μεγάλου.
Ο Kirnberger επεδίωξε τη δημοσίευση των χορωδιακών ρυθμίσεων του Μπαχ, για τις οποίες έγραψε σε μια επιστολή του προς τον εκδότη της Λειψίας Breitkopf:
Όσον αφορά τα χορικά του Μπαχ, που αριθμούν περισσότερα από 400, τα οποία ο C. F. E. Bach συνέλεξε και πολλά από τα οποία μεταγράφηκαν στο χέρι του, είναι εξαιρετικά σημαντικό για μένα αυτά τα χορικά, που βρίσκονται τώρα στην κατοχή μου, να διατηρηθούν για μελλοντικούς μουσικούς, συνθέτες και λάτρεις της μουσικής.
Ο Kirnberger αγόρασε τα χειρόγραφα χορωδίας από τον C. F. E. Bach. Για την προώθηση της έκδοσης, ο Kirnberger δώρισε δωρεάν αυτά τα χειρόγραφα στον εκδοτικό οίκο του Breitkopf (ο οποίος παρέμεινε ο ιδιοκτήτης τους μετά το θάνατο του Kirnberger).
Ο πιο εξέχων εκπρόσωπος του βιολιού στη Γερμανία κατά το πρώτο μισό του 19ου αιώνα ήταν ο διάσημος Ludwig Spohr.
Ο γιος ενός γιατρού που ζούσε στο Brunswick, Spohr ήταν Νεαρή ηλικίατοποθετήθηκε σε συνθήκες εξαιρετικά ευνοϊκές για την ανάπτυξη του μουσικού του ταλέντου. Ο πατέρας του Spohr έπαιζε φλάουτο (!), και η μητέρα του ήταν τραγουδίστρια και αρκετά καλή πιανίστα. Το αγόρι άκουγε σπιτική μουσική με ιδιαίτερη ευχαρίστηση και χάρηκε πολύ όταν του αγόρασαν ένα μικρό βιολί: μπορούσε να παίξει με το αυτί τα τραγούδια και τα ειδύλλια που ερμήνευε η μητέρα του. Τα χαρίσματα του αγοριού έγιναν αντιληπτά από έναν Γάλλο μετανάστη, τον Dufour, ο οποίος ζούσε στην πόλη όπου οι γονείς του Spohr μετακόμισαν από το Braunschweig. Ο Dufour, ο οποίος έπαιζε ο ίδιος αρκετά καλά βιολί και τσέλο, επέβλεπε τα μαθήματα του Spohr και άρχισε να γράφει τις δικές του συνθέσεις (λένε ότι τα ντουέτα βιολιού του Spohr χρονολογούνται από αυτήν την εποχή).
Ακολούθησαν χρόνια σπουδών, εργασία ως σολίστ στο παρεκκλήσι του Δούκα του Μπράνσγουικ και περιοδείες σε ευρωπαϊκές πόλεις. Για παράδειγμα, στη Δανία ο Spohr έτυχε να μιλήσει με μια κυρία που ήταν μεγάλη θαυμαστής του ταλέντου του. Του ζήτησε να της πει μερικές λεπτομέρειες από την προηγούμενη ζωή του και, μεταξύ άλλων, τον ρώτησε αν ο Spohr θα τα κατάφερνε καλύτερα αν ασχολιόταν με την τέχνη του πατέρα του. Ο Spohr απάντησε ως εξής:
()Κρίστιαν Κάναμπιτς (Γερμανικά: Christian Cannabich; 28 Δεκεμβρίου 1731 - 20 Ιανουαρίου 1798, Φρανκφούρτη του Μάιν) - Γερμανός μπάντας, βιολονίστας και συνθέτης, εκπρόσωπος της σχολής του Mannheim.
Μαθητής J. Stamitz, N. Jommelli (σύνθεση). Εργάστηκε στις ορχήστρες του Μάνχαϊμ και του Μονάχου. Βιολιστής του παρεκκλησίου του Mannheim Court (από το 1774 διευθυντής του). Από το 1778 έζησε στο Μόναχο. Μετά τον θάνατο του J. Stamitz, αναγνωρίστηκε ως επικεφαλής της Σχολής του Mannheim. Ο φίλος V.A. Μότσαρτ. Ο Kannabikh εφάρμοσε νέες αρχές ενορχήστρωσης, βασισμένες στην ομοιόμορφη κατανομή του θεματικού υλικού μεταξύ όλων ορχηστρικά συγκροτήματα, από τους πρώτους που εισήγαγαν τα κλαρίνα στη συμφωνική ορχήστρα. Το κορυφαίο είδος δημιουργικότητας είναι η συμφωνική. Συγγραφέας περίπου 90 συμφωνιών, 40 όπερων και μπαλέτων, συναυλιών για βιολί και ορχήστρα, σύνολα δωματίου και ορχηστρών. Ο Μότσαρτ στα γράμματά του επαινεί το ταλέντο του Kannabikh. Όπως και να έχει, ο Μότσαρτ τον περιγράφει ως τον καλύτερο μουσικό σκηνοθέτη που έχει δει ποτέ.
Ο Καρλ Ορφ (Carl Orff; Carl Heinrich Maria Orff, 10 Ιουλίου 1895, Μόναχο - 29 Μαρτίου 1982, Μόναχο) ήταν Γερμανός συνθέτης και δάσκαλος, περισσότερο γνωστός για την καντάτα Carmina Burana (1937). Ως σημαντικός συνθέτης του 20ου αιώνα, συνέβαλε επίσης σημαντικά στην ανάπτυξη της μουσικής εκπαίδευσης.
Ο πατέρας του Carl Orff, αξιωματικός, έπαιζε πιάνο και αρκετοί έγχορδα όργανα. Η μητέρα του ήταν επίσης καλή πιανίστα. Ήταν αυτή που ανακάλυψε το ταλέντο του γιου της στη μουσική και άρχισε να τον διδάσκει.
Ο Ορφ έμαθε να παίζει πιάνο σε ηλικία 5 ετών. Σε ηλικία εννέα ετών έγραφε ήδη μεγάλα και σύντομα μουσικά κομμάτια για το δικό του κουκλοθέατρο.
Από το 1912 έως το 1914, ο Ορφ σπούδασε στη Μουσική Ακαδημία του Μονάχου. Το 1914 συνέχισε τις σπουδές του με τον Hermann Zilcher. Το 1916 εργάστηκε ως μαέστρος στο Θέατρο Δωματίου του Μονάχου. Το 1917, κατά τη διάρκεια του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, ο Ορφ προσφέρθηκε εθελοντικά για στρατιωτική θητεία στο Πρώτο Σύνταγμα Πεδίου Πυροβολικού της Βαυαρίας. Το 1918 προσκλήθηκε στη θέση του bandmaster στο Εθνικό Θέατρο Mannheim υπό τη διεύθυνση του Wilhelm Furtwängler, και στη συνέχεια άρχισε να εργάζεται στο Palace Theatre του Μεγάλου Δουκάτου του Darmstadt.
Το 1923 γνώρισε την Dorothea Günther και το 1924 δημιούργησε μαζί της τη σχολή γυμναστικής, μουσικής και χορού Günther-Schule στο Μόναχο. Από το 1925 μέχρι το τέλος της ζωής του, ο Ορφ ήταν επικεφαλής του τμήματος σε αυτό το σχολείο, όπου συνεργάστηκε με επίδοξους μουσικούς. Έχοντας συνεχή επαφή με τα παιδιά, ανέπτυξε τη θεωρία του για τη μουσική εκπαίδευση.
()Karl (Heinrich Karsten) Reinecke(Γερμανός) Καρλ (Χάινριχ Κάρστεν) Ράινεκε ; 23 Ιουνίου1824, Altona, τώρα μέρος του Αμβούργου - 10 Μαρτίου 1910, Λειψία) - Γερμανός συνθέτης, μαέστρος και πιανίστας.
Από την ηλικία των έξι ετών σπούδασε μουσική με τον πατέρα του, Johann Rudolf Reinecke. ΣΕ 1835 έκανε το ντεμπούτο σε ιδιαίτερη πατρίδαως πιανίστας, στη συνέχεια περιόδευσε στην Ευρώπη, όπου απέκτησε φήμη ως «χαριτωμένος ερμηνευτής έργωνΜότσαρτ " Τα μουσικά είδωλα των νεαρών ήταν Clara Wieck και Φραντς Λιστ; Λόγω του συνεσταλμένου χαρακτήρα του, ο Reinecke δεν ήταν κατάλληλος για τον ρόλο ενός βιρτουόζου πιανίστα που περιοδεύει.
ΜΕ 1843 έως 1846 Χάρη σε υποτροφία του βασιλιά Christian VIII της Δανίας, σπούδασε πιάνο και σύνθεση στο Ωδείο της Λειψίας. Ο Felix Mendelssohn, ο οποίος ήταν ο bandmaster του Gewandhaus εκείνη την εποχή, οργάνωσε δημόσιες παραστάσεις για αυτόν. Την ίδια περίοδο, ο Reinecke γνώρισε τον Robert Schumann. Ο Reinecke εντυπωσιάστηκε πολύ από τα έργα του Mendelssohn και του Schumann, τα οποία επηρέασαν πολύ τα δικά του γραπτά.
(
Schumann Robert Alexander, Γερμανός συνθέτης.
Γεννήθηκε στις 8 Ιουνίου 1810 στην πόλη Zwickau στην οικογένεια ενός εκδότη βιβλίων. Άρχισε να σπουδάζει μουσική σε ηλικία επτά ετών.
Στο έργο του, ο συνθέτης αφιέρωσε μεγάλη προσοχή μουσική για πιάνο. Τα περισσότερα έργα για πιάνο του Schumann είναι κύκλοι μικρών κομματιών λυρικο-δραματικών, εικαστικών και «πορτραίτων» ειδών, που συνδέονται με μια εσωτερική πλοκή και ψυχολογική γραμμή. Μαζί με έργα παραλλαγών και τύπων σονάτας, ο Schumann έχει κύκλους πιάνου βασισμένους στην αρχή μιας σουίτας ή ενός άλμπουμ θεατρικών έργων: «Φανταστικά περάσματα», «Παιδικές σκηνές», «Άλμπουμ για τη νεολαία».
Το "Album for Youth" op.68 δημιουργήθηκε από τον Robert Schumann το 1848. Η ιστορία της δημιουργίας του είναι στενά συνδεδεμένη με την προσωπική μουσική εμπειρία του πατέρα μου. Τον Οκτώβριο, ο Schumann έγραψε στον φίλο του Karl Reinecke: «Έγραψα τα πρώτα μου έργα για τα γενέθλιά μου». μεγαλύτερη κόρηκαι μετά τα υπόλοιπα». Ο αρχικός τίτλος της συλλογής ήταν «Christmas Album». Εκτός από το μουσικό υλικό, το προσχέδιο χειρογράφου περιελάμβανε οδηγίες για νέους μουσικούς, αποκαλύπτοντας το καλλιτεχνικό δόγμα του Σούμαν σε μια σύντομη αφοριστική μορφή. Σχεδίαζε να τα τοποθετήσει ανάμεσα σε έργα. Αυτή η ιδέα δεν εφαρμόστηκε. Για πρώτη φορά, οι αφορισμοί, ο αριθμός των οποίων αυξήθηκε από 31 σε 68, δημοσιεύτηκαν στη Νέα Μουσική Εφημερίδα σε ειδικό συμπλήρωμα με τίτλο «Σπίτι και κανόνες ζωής για τους μουσικούς» και στη συνέχεια ανατυπώθηκαν στο συμπλήρωμα της δεύτερης έκδοσης. Η επιτυχία της πρώτης έκδοσης του «Άλμπουμ για τη Νεολαία» διευκολύνθηκε πολύ από τη δική του τίτλος σελίδας, σχεδιασμένο από διάσημους Γερμανός καλλιτέχνης, καθηγητής στην Ακαδημία Τεχνών της Δρέσδης Λούντβιχ Ρίχτερ. Ο γιος του καλλιτέχνη, Heinrich Richter ήταν μαθητής σύνθεσης του Schumann το 1848-49. Ο Schumann υπέδειξε τα δέκα πιο σημαντικά έργα, κατά τη γνώμη του, για τα οποία, σύμφωνα με τις εξηγήσεις του, ο καλλιτέχνης δημιούργησε χρονογραφήματα για το εξώφυλλο της έκδοσης. Αυτά τα έργα είναι Vintage Time, The First Loss, The Merry Peasant, Round Dance, Spring Song, Song of the Reapers, Mignon, Knecht Ruprecht, Brave Rider και Winter Time. Υπήρχε η άποψη μεταξύ των δασκάλων, των σύγχρονων του συγγραφέα, ότι το «Άλμπουμ» ήταν παράλογα δομημένο και τα έργα ήταν πολύ δύσκολα για να παίξουν τα παιδιά. Πράγματι, τα κομμάτια δεν είναι διατεταγμένα με σειρά αυξανόμενης δυσκολίας και το εύρος της πολυπλοκότητάς τους είναι εξαιρετικά μεγάλο, αλλά ας θυμηθούμε ότι την εποχή του Schumann, στα μέσα του 19ου αιώνα, δεν υπήρχε ακόμη συστηματοποίηση εκπαιδευτικό υλικό. Επιπλέον, ο συγγραφέας δεν προσπάθησε καθόλου να ακολουθήσει τους κανόνες του σύγχρονου παιδαγωγικού ρεπερτορίου. Κατά τη διάρκεια αυτής της χρονικής περιόδου, ήταν φυσικό για διάφορα σχολεία να δημοσιεύουν υλικό για έξι έως επτά χρόνια σπουδών. Η σημασία του άλμπουμ για την παιδαγωγική του πιάνου είναι ότι ο R. Schumann ήταν ο δημιουργός ενός εντελώς νέου και βαθιά καινοτόμου στυλ πιάνου, γι' αυτό και τα κομμάτια αποδείχθηκαν πολύ πιο δύσκολα από το ρεπερτόριο που χρησιμοποιούσαν οι δάσκαλοι εκείνη την εποχή. Μια αναλογία προκύπτει με τον J.S Bach, ο οποίος ήταν επίσης μπροστά από την εποχή του, δημιουργώντας κομμάτια για τους μαθητές πολύ πιο δύσκολα από το γενικά αποδεκτό επίπεδο μάθησης. Για να εκτιμηθεί η καινοτομία αυτής της μουσικής, αρκεί να προσέξουμε το εκπαιδευτικό ρεπερτόριο που χρησιμοποιούσαν οι δάσκαλοι εκείνη την εποχή. Αυτές δεν ήταν μόνο οι δημοφιλείς σχολές πιάνου των καλύτερων δασκάλων εκείνης της εποχής, αλλά και τα έργα πολυάριθμων εγκαταλείψεων.