DE LOS COMPILADORES
Este libro es un libro de texto sobre la literatura musical de ese período histórico, que se inicia en las últimas décadas del siglo XIX. Este manual de entrenamiento aparece por primera vez: el quinto número termina, como es sabido, con la obra de K-Debussy y M. Ravel.
El libro incluye características de varias escuelas de música nacionales, que determinaron su estructura general. La primera sección caracteriza los procesos generales que se implementaron a su manera en el arte musical de diferentes países y en la obra de compositores de diferentes personas. Cada sección posterior consta de una visión general de la cultura musical de un país determinado, así como una sección monográfica dedicada a la obra de los compositores más significativos de esta escuela. Sólo la sección dedicada a la obra de I. Stravinsky se diferencia en su estructura: no contiene una descripción introductoria. Y esto es comprensible: después de todo, habiendo pasado la mayor parte de su vida fuera de Rusia debido a circunstancias especiales, Stravinsky siguió siendo un maestro ruso y no perteneció a ninguna de las escuelas extranjeras. Su influencia decisiva principios creativos sobre casi todos los músicos más destacados de nuestro siglo no nos permite sacar a Stravinsky del panorama general del desarrollo del arte musical del siglo XX. La inclusión de este capítulo monográfico en el libro de texto sobre literatura musical extranjera se debe también a las peculiaridades de los programas educativos de la escuela: en el momento de los estudios musica extranjera
La atención de los compiladores y autores del libro de texto se centra tanto en mostrar los procesos históricos y musicales generales del período considerado como en el análisis de las obras más destacadas que se han convertido en clásicos de nuestro siglo. Debido a la excepcional complejidad de los acontecimientos del arte musical del siglo XX, su naturaleza contradictoria, sus intersecciones mutuas y su rápido cambio, los capítulos de revisión ocuparon un lugar mucho más importante en este libro que en ediciones anteriores. Sin embargo, de acuerdo con los principios metodológicos del tema, los compiladores buscaron mantener el foco en los análisis de obras musicales, que en este caso pretenden revelar la diversidad de métodos creativos, formas de pensar, diferentes soluciones estilísticas y la multiplicidad de Técnicas compositivas de los maestros de nuestro siglo.
Debido a que el libro ofrece un amplio panorama del arte musical, y el análisis es en muchos casos muy complejo (lo cual está predeterminado en gran medida por el propio material), los compiladores consideran posible dirigir este libro de texto a estudiantes no solo de interpretación , sino también de departamentos teóricos de escuelas de música. El contenido del libro permite un abordaje selectivo del mismo en el proceso educativo; La profundidad y detalle del estudio de los capítulos la determinan los propios profesores, dependiendo del nivel de preparación de los estudiantes, el equipamiento material del proceso educativo con notas y grabaciones de música y el número de horas asignadas por el plan de estudios para esta parte del curso.
Un gran equipo de autores trabajó en este libro. De ahí la inevitabilidad diferentes maneras suministro de material; al mismo tiempo, al abordarlo, los compiladores buscaron preservar principios metodológicos uniformes.
CONTENIDO
De los compiladores
Formas de desarrollo del arte musical extranjero del siglo XX.
Cultura musical de Austria
GUSTAV MAHLER
creatividad vocal. "Canciones del aprendiz errante"
creatividad sinfónica. Primera sinfonía
ARNOLD SCHOENBERG
vitales y camino creativo
"Sobreviviente de Varsovia"
ALBAN BERG
Vida y camino creativo.
Drama musical "Wozzeck"
Concierto para violín y orquesta
ANTON WEBERN.
Vida y camino creativo.
Cultura musical de Alemania.
RICARDO STRAUSS
Vida y camino creativo.
Creatividad sinfónica. Poemas sinfónicos "Don Juan" y "Till Eulenspiegel"
PAUL HINDEMITE
Vida y camino creativo.
Creatividad sinfónica. Sinfonía "El Artista Mathis".
CARL ORF
Vida y camino creativo.
Los principales géneros de la obra de Carl Orff y sus características.
Ópera "La chica inteligente"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKY
Vida y camino creativo.
"Sinfonía de los Salmos"
Ópera "Edipo Rey"
Cultura musical de Francia.
ARTURO HONEGGER
Vida y camino creativo.
Creatividad teatral y oratoria. Oratorio “Juana de Arco en la hoguera”
Creatividad sinfónica. Tercera Sinfonía ("Litúrgica")
DARIO MILLO
Vida y camino creativo.
Vocal-instrumental, creatividad. "Castillo de fuego"
FRANCISCO POULENC
Vida y camino creativo.
Ópera "La Voz Humana"
Cultura musical de España
MANUEL DE FALLA
Vida y camino creativo.
Ballet “Amo a la hechicera”
Ópera "Una vida corta"
Biblioteca de música Nos alegra que haya encontrado y descargado los materiales que le interesan en nuestra biblioteca de música. La biblioteca se actualiza constantemente con nuevos trabajos y materiales, y la próxima vez definitivamente encontrarás algo nuevo e interesante para ti. La biblioteca del proyecto se compila sobre la base del plan de estudios, así como de los materiales recomendados para capacitar y ampliar los horizontes de los estudiantes. Tanto estudiantes como profesores encontrarán aquí información útil, porque... La biblioteca también contiene literatura metodológica. Nuestras mascotas Compositores e intérpretes Artistas contemporáneos Aquí también encontrará biografías de destacados artistas, compositores, músicos famosos, así como sus obras. En la sección de obras publicamos grabaciones de interpretaciones que te ayudarán en el aprendizaje; escucharás cómo suena esta obra, los acentos y matices de la obra. Te estamos esperando en classON.ru. V.N. Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 – 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 – 1791 Franz Schubert 1797 – 1828 www.classon.ru Joseph Haydn 1732 – 1809 Ludwig van Beethoven 1770 – 1827 Fryderyk Chopin 1810 – 1949 La educación de los niños en el campo del arte en Rusia acerca de él se volvieron cada vez más abundantes aproximadamente desde el siglo X a.C. Las bellas artes se están desarrollando y los artistas representan a músicos que acompañan los rituales religiosos, las campañas militares, la caza, las procesiones ceremoniales y los bailes cantando y tocando instrumentos. Estas imágenes se han conservado, en particular, en las paredes de los templos y en los vasos de cerámica encontrados durante las excavaciones. Aparece la escritura y los autores de los manuscritos añaden letras poéticas a canciones e himnos y proporcionan información interesante sobre la vida musical. Con el tiempo, los escritores prestan mucha atención a las discusiones filosóficas sobre la música, su importante papel social, incluido el educativo, así como al estudio teórico de los elementos de su lenguaje. La mayor parte de esta información se ha conservado sobre la música en algunos países del mundo antiguo, por ejemplo en China antigua, la antigua India, el antiguo Egipto, especialmente muchos en los llamados países antiguos: la antigua Grecia y la antigua Roma, donde se sentaron las bases de la cultura europea2. Introducción Música de la antigüedad según J. S. Bach ¡Queridos chicos! El año pasado ya tuviste clases de literatura musical. Discutieron los elementos básicos del lenguaje musical, algunas formas y géneros musicales, las posibilidades expresivas y visuales de la música y la orquesta. Al mismo tiempo, la conversación se desarrolló libremente sobre una variedad de épocas: a veces sobre la antigüedad, a veces sobre la modernidad, a veces regresando a siglos más o menos distantes de nosotros. Y ahora ha llegado el momento de familiarizarse con la literatura musical en orden cronológicamente secuencial - histórico -1. Sobre la música en la Antigua Grecia ¿De qué manera nos llegó la información sobre la música del mundo antiguo? Una prueba convincente del gran papel cultural e histórico de la antigüedad es que en la Antigua Grecia, en el siglo VIII a. C., nacieron las competiciones deportivas públicas. Juegos Olímpicos . Y dos siglos después, comenzaron a celebrarse allí competiciones musicales: los Juegos Píticos, que pueden considerarse los ancestros lejanos de las competiciones modernas. Los juegos Píticos tenían lugar en un templo construido en honor del patrón de las artes, el dios del sol y la luz, Apolo. Según los mitos, él mismo, después de haber derrotado a la monstruosa serpiente Pitón, instituyó estos juegos. Se sabe que una vez les ganó Sakkad de Argos, tocando el aulos, un instrumento de viento cercano al oboe, una pieza programática sobre la lucha entre Apolo y Pitón. La música griega antigua tenía una conexión característica con la poesía, la danza y el teatro. . Se cantaron los heroicos poemas épicos “Ilíada” y “Odisea”, atribuidos al legendario poeta Homero. Los cantantes solían ser, como el mitológico Orfeo, autores tanto de textos poéticos como de música, y ellos mismos se acompañaban con la lira. En las festividades se interpretaron canciones de danza coral con gestos pantomímicos. En las tragedias y comedias griegas antiguas, el coro desempeñaba un papel importante: comentaba la acción, expresaba su actitud hacia ella. Durante las excavaciones, los arqueólogos encontraron los instrumentos musicales más simples (por ejemplo, instrumentos de viento, huesos de animales con agujeros perforados). y determinó que fueron hechos hace unos cuarenta mil años. En consecuencia, el arte de la música ya existía entonces. Después de que en 1877 se inventara el fonógrafo, el primer aparato mecánico para grabar y reproducir sonido, los músicos-investigadores comenzaron a viajar a aquellos rincones del mundo donde algunas tribus aún conservaban su forma de vida primitiva. De los representantes de estas tribus, utilizando un fonógrafo, grabaron muestras de cantos y melodías instrumentales. Pero estas grabaciones, por supuesto, sólo dan una idea aproximada de cómo era la música en aquellos tiempos antiguos. La palabra "cronología" (que significa "la secuencia de acontecimientos históricos en el tiempo") proviene de dos palabras griegas: "chronos" ("tiempo") y "logos" ("enseñanza"). 1 La palabra latina "antiguus" significa "antiguo". La definición "antigua" que se deriva de ella se refiere a la historia y la cultura de la Antigua Grecia y la Antigua Roma. 2 2 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia sobre las acciones de los héroes. Los musicólogos modernos tienen cierta información sobre la música en el mundo antiguo y, sin embargo, envidian a los historiadores de otras artes. Detrás de una gran cantidad de magníficos monumentos de la arquitectura antigua, se han conservado bellas artes antiguas, especialmente esculturas, se han descubierto muchos manuscritos con textos de tragedias y comedias de los grandes dramaturgos antiguos; Pero las obras musicales creadas en las mismas épocas e incluso mucho después siguen siendo esencialmente desconocidas para nosotros. ¿Por qué sucedió esto? El hecho es que inventar un sistema de notación musical (notación) suficientemente preciso y conveniente, el que cada uno de ustedes dominó cuando recién comenzaba a aprender música, resultó ser una tarea muy difícil. Fueron necesarios muchos siglos para solucionarlo. Es cierto que los antiguos griegos inventaron la notación de letras. Designaron los grados de los modos musicales con determinadas letras del alfabeto. Pero no siempre se agregaron símbolos rítmicos (a partir de guiones). Sólo a mediados del siglo XIX d.C. los científicos finalmente desentrañaron los secretos de esta notación. Sin embargo, si pudieron descifrar con precisión la proporción de los sonidos en altura en los manuscritos musicales griegos antiguos, entonces la proporción en duración fue sólo aproximadamente. Y se han encontrado muy pocos manuscritos de este tipo y contienen grabaciones de solo unas pocas obras de una sola voz (por ejemplo, himnos) y, más a menudo, de sus extractos. suficiente visibilidad. Por lo tanto, los músicos han estado utilizando iconos de pistas auxiliares durante mucho tiempo. Estos íconos se colocaron encima de las palabras de los cánticos y designaron sonidos individuales o pequeños grupos de ellos. No indicaron la relación exacta de los sonidos ni en altura ni en duración. Pero con su diseño recordaron la dirección del movimiento de la melodía a los intérpretes, quienes la sabían de memoria y la transmitieron de una generación a otra. En los países de Europa occidental y central, cuya música se analizará más adelante en este libro de texto, estos íconos se llamaban neumas. Los neumas se utilizaron al grabar antiguos cantos litúrgicos católicos: el canto gregoriano. Este nombre común se deriva del nombre del Papa Gregorio I3. Según la leyenda, a finales del siglo VI compiló la colección principal de estos cantos monofónicos. Destinados a ser cantados durante los servicios religiosos únicamente por hombres y niños, solistas y coro al unísono, están escritos con textos de oración en latín 4. Las primeras grabaciones no inmutables del canto gregoriano no se pueden descifrar. Pero en el siglo XI, el monje italiano Guido d'Arezzo ("de Arezzo") inventó un nuevo método de notación. Enseñó a los niños cantantes en el monasterio y quería que para entonces les fuera más fácil memorizar los cantos espirituales. Los neumas comenzaron a colocarse en una línea horizontal, encima y debajo de ella. Esta línea correspondía a un sonido específico y así establecía el nivel de altura aproximado de la grabación y a Guido se le ocurrió la idea de dibujar cuatro líneas paralelas (. “gobernantes”) a la misma distancia entre sí y colocando neumas sobre ellos y entre ellos. Así surgió el antepasado del pentagrama musical moderno, como un contorno estrictamente dibujado, que permitía indicar con precisión la relación tonal de los sonidos en tonos y semitonos. Y al mismo tiempo, la notación musical se volvió más visual, como un dibujo que representa el movimiento de la melodía, sus curvas. Guido designó los sonidos correspondientes a los gobernantes con letras del alfabeto latino. Posteriormente, sus contornos comenzaron a cambiar y eventualmente se convirtieron en signos que fueron llamados claves. Y los neumas, "sentados" sobre las reglas y entre ellas, con el tiempo se convirtieron en notas individuales, cuyas cabezas al principio tenían la forma de cuadrados. Preguntas y tareas 1. ¿Cuándo, según los científicos, se fabricaron los instrumentos musicales más antiguos? ¿Qué quiere decir esto? 2. ¿Qué es un fonógrafo, cuándo se inventó y cómo empezaron a utilizarlo los investigadores? 3. ¿Sobre la música de qué países del Mundo Antiguo se ha conservado más información? Determina en el mapa en qué mar se encontraban estos tres países. 4. ¿Cuándo y dónde comenzaron a celebrarse los antiguos concursos musicales, los Juegos Píticos? 5. ¿Con qué artes estaba estrechamente asociada la música en la antigua Grecia? 6. ¿Qué notación inventaron los antiguos griegos? ¿Cómo es inexacto? El título de “Papa” lo lleva el clérigo que encabeza la Iglesia católica como organización espiritual internacional. El catolicismo es una de las religiones cristianas junto con la ortodoxia y el protestantismo. 4 Los antiguos romanos hablaban latín. Después de la caída del Imperio Romano en 476, el latín dejó gradualmente de hablarse. De allí surgieron las llamadas lenguas romances: italiano, francés, español, portugués. 3 Cómo se creó una notación conveniente En la Edad Media (se considera que el comienzo de este período histórico es el siglo VI d.C.), la notación de letras casi se olvidó. No contenía 3 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia Los rumores sobre un nuevo método de notación, como una especie de milagro, llegaron al Papa Juan XIX. Llamó a Guido y cantó una melodía desconocida para él de una grabación inventada. Posteriormente, el número de líneas paralelas se cambió muchas veces, a veces incluso se aumentó a dieciocho. Sólo a finales del siglo XVII “ganó” el actual bastón de cinco líneas. Usamos muchas claves diferentes. No fue hasta el siglo XIX que las claves de sol y de fa se convirtieron en las más utilizadas. Después de la invención de Guido d'Arezzo, pasaron mucho tiempo resolviendo otro problema difícil: cómo mejorar la notación para que indique la relación exacta de los sonidos no solo en altura, sino también en duración. Después de un tiempo, se les ocurrió la idea de utilizar para ello símbolos musicales de diferentes formas. Pero al principio se le añadieron muchas condiciones condicionales, lo que dificultaba su aplicación en la práctica. Y a lo largo de varios siglos, se desarrolló gradualmente una notación más conveniente, exactamente la que seguimos usando ahora. Después del inicio del siglo XVII, se mejoró sólo en los detalles. Y su principio rítmico, buscado durante tanto tiempo, ahora parece el más sencillo. Consiste en el hecho de que la duración de una nota completa siempre es igual a dos mitades, de diferente estilo, una mitad, dos cuartos, un cuarto, dos octavos, etc. Agreguemos que la línea de compás comenzó a separar compases en el siglo XVI, y el compás al inicio de la notación musical se hizo obligatorio a partir del siglo XVII. Sin embargo, en aquella época no sólo existían manuscritos musicales, sino también música impresa. La impresión musical comenzó poco después de su invención, a finales del siglo XV. En el mundo antiguo y durante mucho tiempo en la Edad Media, la música era, por regla general, monofónica. Sólo hubo unas pocas excepciones simples. Por ejemplo, un cantante interpretó una canción y la duplicó (es decir, la reprodujo simultáneamente) mientras tocaba algún instrumento. Al mismo tiempo, la voz y el instrumento a veces podían divergir un poco, desviarse el uno del otro y pronto volver a converger. Así, "islas" de dos voces aparecían y desaparecían en una corriente de sonido monofónica. Pero a principios del primer y segundo milenio d.C., el estilo polifónico comenzó a desarrollarse de manera constante y posteriormente se convirtió en dominante en el arte musical profesional. Esta formación compleja y duradera se concentró principalmente en el campo de la música eclesiástica católica. El asunto comenzó con la invención (por quién, desconocido) de la siguiente técnica. Un cantante (o varios cantantes) cantó la voz principal: una melodía lenta y fluida del canto gregoriano. Y la segunda voz se movía estrictamente en paralelo, exactamente al mismo ritmo, solo que todo el tiempo a una distancia de una octava, una cuarta o una quinta. Ahora a nuestros oídos suena muy pobre, “vacío”. Pero hace mil años, ese canto, que resonaba bajo los arcos de una iglesia o catedral, asombraba y deleitaba, abriendo nuevas posibilidades expresivas para la música. Después de un tiempo, los músicos de la iglesia comenzaron a buscar métodos más flexibles y variados para dirigir la segunda voz. Y luego comenzaron a combinar cada vez más hábilmente tres, cuatro voces y, más tarde, a veces incluso más voces. Preguntas y tareas 1. ¿Por qué la notación de letras resultaba inconveniente en la práctica? 2. ¿Qué les dijeron los neumas a los cantantes medievales? 3. ¿Qué es el canto gregoriano y por qué se llama así? 4. Explica la esencia del invento de Guido d'Arezzo 5. ¿Cuál fue el siguiente problema que hubo que resolver después del invento de Guido? 6. ¿Desde cuándo la notación ya no cambió significativamente? claramente diferentes entre sí fueron creados en principios del XIII músico de iglesia del siglo Perotyn. Fue un destacado representante del arte del canto: la “Escuela de Notre Dame” parisina (“Escuela de Nuestra Señora”). Los cánticos de Perotin sonaron en un edificio de notable belleza. Este es un famoso monumento de la arquitectura gótica medieval, descrito por el escritor francés del siglo XIX Victor Hugo en la famosa novela Notre Dame de Paris. Cómo empezó a desarrollarse la polifonía en la música. Así empezó a desarrollarse la polifonía. Traducido del griego, esta palabra significa "polifonía". Pero la polifonía es sólo un tipo de polifonía en la que suenan simultáneamente dos o más voces iguales, teniendo cada una de ellas su propia línea melódica independiente. Si una voz dirige la melodía principal y las demás están subordinadas a ella (la acompañan, la acompañan), entonces esto es homofonía: la otra, gracias a la mejora de la notación, gradualmente, especialmente a partir del siglo XIII, comenzó a aparecer en los manuscritos musicales. descifrarse cada vez con mayor precisión. Esto hizo posible familiarizarse no solo con información sobre la cultura musical, sino también con la música de épocas pasadas. No fue casualidad que los éxitos de la notación coincidieran con el comienzo del desarrollo de la polifonía, una etapa importante en la historia del arte musical. 4 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia, la misa se ha convertido en un género musical importante. La Misa regular 5 incluye seis cantos principales basados en textos de oración en latín. Estos son “Kyriyo eleizon” (“Señor, ten piedad”), “Gloria” (“Gloria”), “Credo” (“Creo”), “Sanctus” (“Santo”), “Benedictus” (“Bendito” ) y “ Agnus Dei" ("Cordero de Dios"). Al principio, el canto gregoriano sonaba monofónicamente en las misas. Pero alrededor del siglo XV, la masa se convirtió en un ciclo de partes polifónicas complejas 6. Al mismo tiempo, las imitaciones comenzaron a utilizarse con mucha habilidad. Traducido del latín, "imitatio" significa "imitación". En la música, a veces se pueden imitar sonidos extramusicales, por ejemplo, los trinos de un ruiseñor, el cuco de un cuco o el sonido de las olas del mar. A esto se le llama onomatopeya o imagen sonora. Y la imitación en música es una técnica cuando, siguiendo una melodía que termina en una voz, otra voz la repite con precisión (o no del todo) a partir de otro sonido. Luego otras voces pueden entrar de la misma manera. En la música homofónica las imitaciones pueden aparecer brevemente. Y en la música polifónica esta es una de las principales técnicas de desarrollo. Ayuda a que el movimiento melódico sea casi continuo: las pausas y cadencias simultáneas en todas las voces ocurren en la música polifónica sólo como raras excepciones7. Combinando imitaciones con otras técnicas polifónicas, los compositores hicieron de sus masas grandes obras corales en las que cuatro o cinco voces se entrelazan en una textura sonora compleja. En él, la melodía del canto gregoriano ya es difícil de discernir y es igualmente difícil escuchar las palabras de la oración. Incluso hubo misas donde se utilizaron como principales melodías de canciones populares profanas. Esta situación preocupó a las máximas autoridades eclesiásticas católicas. EN mediados del siglo XVI siglo, iba a prohibir completamente el canto polifónico durante los servicios religiosos. Pero tal prohibición no se produjo gracias al maravilloso compositor italiano Palestrina, que pasó casi toda su vida en Roma y estuvo cerca de la corte papal (su nombre completo- Giovanni Pierluigi da Palestrina, es decir, “de Palestrina” (una pequeña ciudad no lejos de Roma). Palestrina, con sus misas (y escribió más de un centenar de ellas), logró conseguir una especie de polifonía. Dado que el acompañamiento tiene una base acorde-armónica, la estructura homofónica de la presentación musical también se denomina homofónica-armónica. Preguntas y tareas 1. ¿Desde cuándo se empezaron a descifrar con mayor precisión los manuscritos musicales? 2. ¿Con qué nueva etapa importante en la historia del arte musical coincidieron los éxitos de la notación? 3. ¿Cuándo, en qué música y sobre la base de qué melodías comenzó a formarse consistentemente la polifonía? 4. ¿Qué eran las dos voces paralelas? Canten juntos varias cuartas, quintas y octavas paralelas. 5. ¿Cuál es la diferencia entre polifonía y homofonía? Cómo continuó desarrollándose la polifonía Mientras que la polifonía comenzó a desarrollarse en el canto de la iglesia, la monofonía continuó dominando en la música secular. Por ejemplo, se han descifrado muchas grabaciones de canciones a una sola voz compuestas e interpretadas por poetas y cantantes medievales en los siglos XII y XIV. En el sur de Francia, en Provenza, se les llamaba trovadores, en el norte de Francia, trouvères, en Alemania, minnesingers. Muchos de ellos eran caballeros famosos y en sus canciones cantaban a menudo la belleza y la virtud de la “bella dama” a quien adoraban. Las melodías de las canciones de estos poetas-cantantes a menudo se acercaban a las melodías populares, incluidas las de danza, y el ritmo estaba subordinado al ritmo del texto poético. Más tarde, en los siglos XIV-XVI, los poetas-cantantes alemanes de entre los artesanos se unieron en gremios, llamándose a sí mismos Meistersinger ("maestros cantantes"), la polifonía de la iglesia y la monofonía de canciones seculares no resultaron estar aisladas entre sí. A partir de las voces que se añadieron al canto gregoriano en los cantos espirituales, se hizo notable la influencia de las canciones profanas (por ejemplo, canciones de trovadores y trouvères). Al mismo tiempo, a finales del siglo XIII, aparecieron obras polifónicas puramente profanas. Francia, donde las partes de todas las voces se basaban en melodías de carácter cantado y los textos no estaban compuestos en latín, sino en francés. Con el tiempo, en la música de la iglesia católica también aparecieron misas especiales dedicadas a las fiestas de la iglesia. Recordemos que un ciclo es un trabajo de varios. partes individuales(u obras de teatro) unidas por un concepto común. 7 Cadencia (cadencia) es un giro melódico y armónico que completa toda la obra musical o su sección. 5 6 5 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia demuestra que las composiciones polifónicas, aunque son muy hábiles, pueden sonar transparentes y los textos litúrgicos se pueden escuchar claramente. La música de Palestrina es una de las cimas de la polifonía coral antigua del llamado estilo estricto. Nos lleva al mundo de la contemplación iluminada y sublime, como si emitiera un brillo uniforme y pacífico. poetas, músicos, científicos y amantes del arte. Quedaron cautivados por la idea de crear un nuevo tipo de canto solista expresivo con acompañamiento y combinarlo con acción teatral. Así nacieron las primeras óperas, cuyas tramas fueron tomadas de la mitología antigua. La primera es “Daphne”, compuesta por el compositor Jacopo Peri (junto con J. Korea) y el poeta O. Rinuccini. Se representó en 1597 en Florencia (la obra en su conjunto no se conserva). En la mitología griega antigua, Dafne es la hija de la deidad del río Ladón y la diosa de la tierra Gaia. Huyendo de la persecución de Apolo, oró pidiendo ayuda a los dioses y se convirtió en un laurel (en griego "daphne" - "laurel"), el árbol sagrado de Apolo. Dado que Apolo era considerado el dios patrón de las artes, los ganadores de los Juegos Píticos, de los cuales Apolo era considerado el fundador, comenzaron a ser coronados con una corona de laurel. Una corona de laurel y una rama de laurel separada se han convertido en símbolos de victoria, gloria y recompensa. Otras dos óperas compuestas en 1600 (una por J. Peri y la otra por G. Caccini) se llaman "Euridice" porque ambas usan el mismo texto poético, basado en el antiguo mito griego del legendario cantante Orfeo. Las primeras óperas italianas se representaron en palacios y casas de personajes nobles. La orquesta estaba formada por algunos instrumentos antiguos. Estaba dirigido por un músico que tocaba el platillo (el nombre italiano del clavecín). Aún no había obertura y el inicio de la actuación fue anunciado por fanfarrias de trompeta. Y en las partes vocales prevaleció el recitativo, en el que el desarrollo musical estaba subordinado al texto poético. Sin embargo, pronto la música empezó a adquirir un significado cada vez más independiente e importante en las óperas. El gran mérito de esto lo tiene el primer compositor de ópera destacado: Claudio Monteverdi. Su primera ópera, Orfeo, se representó en 1607 en Mantua. Su héroe vuelve a ser el mismo cantante legendario que, con su arte, apaciguó a Hades, el dios del inframundo de los muertos, y liberó a la tierra a Eurídice, la amada esposa de Orfeo. Pero Orfeo violó la condición de Hades (no mirar a Eurídice ni una sola vez antes de abandonar su reino) y nuevamente, para siempre, la perdió. La música de Monteverdi dio una expresividad lírica y dramática sin precedentes a esta triste historia. Las partes vocales, los coros y los episodios orquestales adquirieron un carácter mucho más diverso en el Orfeo de Monteverdi. En esta obra comenzó a tomar forma un estilo ariatico melódico, la cualidad distintiva más importante de la música operística italiana. Siguiendo el ejemplo de Florencia, se empezaron a componer y representar óperas no sólo en Mantua, sino también en ciudades italianas como Roma, Venecia y Nápoles. El interés por el nuevo género empezó a surgir en otros paises europeos Ah, y sus Preguntas y tareas 1. ¿Quiénes son los trovadores, trouvères, minnesingers y meistersingers? 2. ¿Existe una conexión entre la polifonía de la iglesia antigua y las melodías de canciones seculares? 3. Nombra las partes principales de la Misa regular. 4. Da ejemplos de onomatopeyas en la música. 5. ¿Qué se llama imitación en la música? 6. ¿Qué logró Palestrina en sus misas? El nacimiento de la ópera. Oratorio y Cantata Poco antes de iniciar el siglo XVII -primer siglo del período histórico llamado Edad Moderna- ocurrió un hecho de extrema importancia en el arte de la música: nació la ópera en Italia. La música se ha escuchado en diversas representaciones teatrales desde la antigüedad. En ellos, además de números instrumentales y corales, se podían interpretar solos vocales individuales, por ejemplo canciones. Y en la ópera, los cantantes y cantantes se convirtieron en actores y actrices. Su canto, acompañado por una orquesta, en combinación con la acción escénica, comenzó a transmitir el contenido principal de la actuación. Se complementa con escenografía, vestuario y, a menudo, también con bailes: ballet. Así, en la ópera, la música propició la estrecha colaboración de diferentes artes. Esto le abrió nuevas y grandes posibilidades artísticas. Cantantes de ópera y los cantantes comenzaron a transmitir con un poder sin precedentes las experiencias emocionales personales de las personas, tanto alegres como tristes. Al mismo tiempo, el medio de expresión más importante en la ópera fue la combinación homofónica del solo. voz cantando con acompañamiento orquestal. Y si hasta el siglo XVII la música profesional en Europa occidental se desarrollaba principalmente en la iglesia y el género más importante era la misa, entonces el centro principal era el teatro musical y el género más importante era la ópera. A finales del siglo XVI, en la ciudad italiana de Florencia, se reunió un círculo 6 www.classon.ru Educación de los niños en el campo del arte en Rusia, los gobernantes adoptaron la costumbre de invitar a músicos italianos a su servicio en la corte. Esto contribuyó a que la música italiana durante mucho tiempo se convirtiera en la más influyente de Europa. En Francia, en el siglo XVII, surgió una ópera nacional propia, diferente a la italiana. Su fundador, Jean-Baptiste Lyulli, es italiano de nacimiento. Sin embargo, percibió correctamente las peculiaridades de la cultura francesa y creó un estilo de ópera francés único. En las óperas de Lully, un gran lugar lo ocupaban, por un lado, los recitativos y pequeñas arias de carácter recitativo, y por el otro, los bailes de ballet, las marchas solemnes y los coros monumentales. Junto con tramas mitológicas, trajes exuberantes y la representación de milagros mágicos con la ayuda de máquinas teatrales, todo esto correspondía al esplendor y esplendor de la vida cortesana durante el reinado del rey francés Luis XIV. La primera ópera en Alemania, Daphne (1627), fue creada por el compositor alemán más importante de la era anterior a Bach, Heinrich Schütz. Pero su música no se ha conservado. Pero las condiciones para el desarrollo del género de la ópera en el país aún no existían: realmente surgieron sólo con la llegada del siglo XIX. Y en la obra de Schutz, el lugar principal lo ocuparon las expresivas composiciones vocales-instrumentales sobre textos espirituales. En 1689 se representó en Londres la primera ópera inglesa, “Dido y Eneas”, de un compositor de notable talento, Henry Purcell. La música de esta ópera cautiva con sus letras sentidas, su fantasía poética y sus coloridas imágenes populares. Sin embargo, tras la muerte de Purcell, durante casi dos siglos no hubo creadores musicales destacados entre los compositores ingleses. A principios de los siglos XVI y XVII, simultáneamente con la ópera y también en Italia, nació la cantata. Son similares a la ópera en que también son interpretadas por solistas, un coro y una orquesta, y en que también cuentan con arias, recitativos, conjuntos vocales, coros y episodios orquestales. Pero en la ópera aprendemos sobre el desarrollo de los acontecimientos (la trama) no sólo por lo que cantan los solistas, sino también por lo que hacen y lo que generalmente sucede en el escenario. Pero en el oratorio y la cantata no hay acción escénica. Se realizan en un ambiente de concierto, sin disfraces ni adornos. Pero también existe una diferencia entre oratorio y cantata, aunque no siempre clara. Habitualmente un oratorio es una obra de mayor tamaño y con una trama religiosa más desarrollada. Suele tener un carácter épico-dramático. En este sentido, el oratorio suele incluir una parte narrativa recitativa del cantante-narrador. Un tipo especial de oratorio espiritual es la "pasión" o "pasiva" (traducida del latín como "sufrimiento"). La Pasión habla del sufrimiento y muerte de Jesucristo crucificado en la cruz. 7 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia Las cantatas, según el contenido del texto verbal, se dividen en espirituales y seculares. En el siglo XVII y principios del XVIII surgieron en Italia muchas pequeñas cantatas de cámara. Consistían en alternar dos o tres recitativos con dos o tres arias. Posteriormente se generalizaron las cantatas de carácter predominantemente ceremonial. Las cantatas espirituales y las "pasiones" de diversas construcciones recibieron el mayor desarrollo en Alemania. arias, y es fascinante desplegar movimientos de pasaje virtuosos. En la herencia de Corelli y Vivaldi, un lugar importante pertenece al género de la sonata en trío. En la mayoría de las sonatas en trío, las dos partes principales son interpretadas por violines, y la tercera parte, la parte de acompañamiento, es interpretada por un clavecín u órgano, con la voz de bajo doblada por un violonchelo o fagot. A la sonata en trío apareció una sonata para violín u otro instrumento acompañada de clavecín. así como concerto grosso - concierto para orquesta (primera cuerda). Muchas obras de estos géneros se caracterizan por la forma de una sonata antigua. Normalmente se trata de un ciclo de cuatro partes con una relación de tempo de “lento-rápido-lento-rápido”. Un poco más tarde, ya en el siglo XVIII, Vivaldi comenzó a componer conciertos solistas para violín y algunos otros instrumentos con acompañamiento de orquesta. Allí se estableció un ciclo de tres partes: “rápido-lento-rápido”. Preguntas y tareas 1. ¿Dónde y cuándo nació la ópera? Explique en qué se diferencia la ópera de una representación teatral con música. 2. ¿Cuál es el medio de expresión más importante en la música de ópera? 3. ¿Cómo se llama la primera ópera de Claudio Monteverdi y qué cualidades se evidenciaron en su música? 4. Cuéntenos sobre las características de las antiguas óperas francesas. 5. Nombra la primera ópera escrita en Alemania y la primera ópera escrita en Inglaterra. 6. ¿Cuál es la principal diferencia entre oratorio y cantata de la ópera? 7. ¿Qué son las “pasiones” (“pasivas”)? El órgano comenzó su historia centenaria en el Antiguo Egipto. En el siglo XVII se había convertido en un instrumento muy complejo y con amplias posibilidades artísticas. Entonces se podrían encontrar órganos pequeños incluso en hogares privados. Se utilizaban para actividades educativas y en ellos se interpretaban variaciones de melodías de canciones y bailes populares. Y grandes órganos con brillantes hileras de tubos, con cuerpos de madera decorados con tallas, sonaban, como ahora, en iglesias y catedrales. Hoy en día también hay órganos disponibles en muchas salas de conciertos. Los órganos modernos tienen varios miles de tubos y hasta siete teclados (manuales), situados uno encima del otro, como los escalones de una escalera. Hay tantas tuberías porque están divididas en grupos: registros. Los registros se encienden y apagan mediante palancas especiales para obtener un color (timbre) diferente del sonido. Los órganos también están equipados con un pedal. Este es un teclado de pie completo con muchas teclas grandes. Presionándolos con los pies, el organista puede producir y también sostener sonidos graves durante mucho tiempo (este tipo de sonidos sostenidos también se denominan punto de pedal o de órgano). En términos de riqueza de timbres, la capacidad de comparar el pianissimo más ligero con un fortissimo atronador, el órgano no tiene igual entre los instrumentos musicales. En el siglo XVII el arte organístico alcanzó un apogeo especialmente alto en Alemania. Como en otros países, los organistas de iglesia alemanes eran a la vez compositores e intérpretes. No sólo acompañaron cánticos espirituales, sino que también realizaron solos. Entre ellos se encontraban muchos virtuosos e improvisadores talentosos que atrajeron con su interpretación a multitudes enteras de personas. Uno de los más notables es Dietrich Buxtehude. El joven Johann Sebastian Bach vino a pie desde otra ciudad para escucharlo tocar. La variada y extensa obra de Buxtehude representa los principales tipos de música para órgano de la época. Por un lado, se trata de preludios, fantasías y sobre la música instrumental del siglo XVII, sus géneros y formas. Durante mucho tiempo, los instrumentos que tocaban con mayor frecuencia duplicaban partes vocales en obras vocales o danzas acompañadas. También eran comunes las transcripciones instrumentales de composiciones vocales. Autodesarrollo musica instrumental se intensificó sólo en el siglo XVII. Al mismo tiempo, continuó desarrollando las técnicas artísticas que se habían desarrollado en la polifonía vocal. Se enriquecieron con elementos homofónicos basados en el canto y la danza. Al mismo tiempo, las composiciones instrumentales comenzaron a verse influenciadas por los logros expresivos de la música operística. El violín, además de brillantes capacidades virtuosas, tiene una voz muy melodiosa. Y fue en la patria de la ópera, Italia, donde la música para violín comenzó a desarrollarse con especial éxito. A finales del siglo XVII floreció la obra de Arcangelo Corelli y se inició la actividad creativa de Antonio Vivaldi. Estos destacados compositores italianos crearon numerosas obras instrumentales con la participación y protagonismo del violín. En ellos, el violín puede cantar tan expresivamente como la voz humana en una tocata de ópera. En ellos, los episodios polifónicos se alternan libremente con los de improvisación: pasajes y acordes. Por otro lado, se trata de piezas de construcción más estricta que propiciaron el surgimiento de la fuga, la forma más compleja de polifonía imitativa. Buxtehude también hizo muchos arreglos para órgano de cantos protestantes en forma de preludios corales. A diferencia del canto gregoriano, este es el nombre general de los cantos espirituales no en latín, sino en Alemán . Aparecieron en el siglo XVI, cuando un nuevo tipo de doctrina cristiana, el protestantismo, se separó del catolicismo. La base melódica del coral protestante eran las canciones populares alemanas. En el siglo XVII, el coral protestante comenzó a ser interpretado por todos los feligreses en coro con el apoyo de un órgano. Para este tipo de arreglos corales, es típica una estructura de acordes de cuatro voces con una melodía en la voz superior. Posteriormente, tal estructura comenzó a llamarse coral, incluso si ocurre en una obra instrumental. Los organistas también tocaron instrumentos de teclado de cuerda y compusieron para ellos. El nombre general de las obras para estos instrumentos es música para teclado8. La primera información sobre instrumentos de teclado de cuerda se remonta a los siglos XIV-XV. En el siglo XVII, el más común era el clavecín. Así lo llaman en Francia, en Italia se llama clavecín, en Alemania se llama keelflugel, en Inglaterra se llama clavecín. El nombre de los instrumentos más pequeños en Francia es epinet, en Italia, espinetas de Inglaterra, virginel. El clavecín es el antepasado del piano, que comenzó a utilizarse a mediados del siglo XVIII. Cuando se presionan las teclas del clavicémbalo, las plumas o las lengüetas de cuero montadas en las varillas parecen pellizcar las cuerdas. El resultado son sonidos bruscos, resonantes y al mismo tiempo ligeramente crujientes. En un clavecín, la fuerza del sonido no depende de la fuerza con la que se golpean las teclas. Por lo tanto, es imposible hacer crescendos y diminuendos en él, a diferencia del piano, en el que esto es posible gracias a una conexión más flexible de las teclas con los martillos que golpean las cuerdas. El clavecín puede tener dos o tres teclados y un dispositivo que permite cambiar el color del sonido. El sonido de otro pequeño instrumento de teclado, el clavicordio, es más débil que el del clavicémbalo. Pero en el clavicordio es posible tocar de forma más melodiosa, porque sus cuerdas no se pulsan, sino que se presionan placas de metal sobre ellas. Uno de los principales géneros de la música antigua para clavecín es una suite de varios movimientos completos escritos en la misma tonalidad. Cada parte suele utilizar algún tipo de movimiento de danza. La base de la antigua suite consta de cuatro danzas de orígenes nacionales diferentes, no siempre claramente identificados. Estos son la allemande lenta (posiblemente originaria de Alemania), la courante más activa (originaria de Francia), la zarabande lenta (originaria de España) y la gigue rápida (originaria de Irlanda o Inglaterra). Desde finales del siglo XVII, siguiendo el ejemplo de los clavecinistas parisinos, las suites comenzaron a complementarse con danzas francesas como el minueto, la gavota, la bourrée y el paspier. Se insertaban entre los bailes principales, formando secciones de interludio (“integ” en latín significa “entre”). La música de clavecín francesa antigua se distingue por la elegancia, la gracia y la abundancia de pequeños adornos melódicos, como mordentes y trinos. El estilo del clavecín francés floreció en la obra de François Couperin (1668 - 1733), apodado el Grande. Creó alrededor de doscientas quinientas obras y las combinó en veintisiete suites. Poco a poco empezaron a predominar en ellos piezas con diversos títulos de programas. La mayoría de las veces son como clavecines en miniatura. retratos femeninos - bocetos sonoros precisos de algún rasgo de carácter, apariencia o comportamiento. Tales son, por ejemplo, las obras "Sombrío", "Conmovedor", "Ágil", "Abstracto", "Travieso". Su gran contemporáneo Johann Sebastian Bach mostró un gran interés por la música francesa para clavecín, incluidas las obras de François Couperin. Preguntas y tareas 1. ¿Cuándo se intensificó el desarrollo independiente de los géneros instrumentales? 2. Nombra el instrumento favorito de Arcangelo Corelli y Antonio Vivaldi. 3. Cuéntanos sobre la estructura del órgano. 4. ¿En qué país alcanzó un apogeo especialmente el arte del órgano? ¿Qué es un coral protestante? 5. Cuéntanos sobre la estructura del clavecín. ¿Qué movimientos de danza se utilizan en las partes principales de la antigua suite para clavecín? Así, la sección introductoria del libro de texto presentó brevemente algunos acontecimientos importantes ocurridos en el mundo de la música desde la antigüedad. Esta fue una “excursión” histórica con el objetivo de ayudarnos a familiarizarnos más con la herencia de los grandes músicos de Europa occidental que trabajaron en los siglos XVIII y XIX. Durante algún tiempo, música de teclado fue el nombre que se le dio a la música de todos los instrumentos de teclado, incluido el instrumento de viento de teclado: el órgano. 8 9 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia Camino de vida Johann Rod, familia, infancia. Johann Sebastian Bach nació en 1685 en Turingia, una de las regiones de Alemania Central, en la pequeña ciudad de Eisenach, rodeada de bosques. En Turingia todavía se sentían las terribles consecuencias de la Guerra de los Treinta Años (1618-1648), en la que se enfrentaron dos grandes grupos de potencias europeas. Los antepasados de Juan Sebastián, que estaban estrechamente relacionados con el entorno artesanal y campesino alemán, tuvieron que sobrevivir a esta guerra devastadora. Su tatarabuelo llamado Veit era panadero, pero amaba tanto la música que nunca abandonó la cítara, un instrumento similar a una mandolina, ni siquiera la tocaba mientras se molía la harina durante los viajes al molino. Y entre sus descendientes, que se establecieron por Turingia y regiones vecinas, había tantos músicos que todos los que practicaban esta profesión comenzaron a ser llamados “Bach”. Se trataba de organistas de iglesia, violinistas, flautistas, trompetistas y algunos demostraron talento como compositores. Estaban al servicio de los municipios de las ciudades y en las cortes de los gobernantes de los pequeños principados y ducados en los que estaba fragmentada Alemania. Sebastian Bach 1685-1750 El destino de la música de este gran compositor alemán, a más de trescientos años de su nacimiento, es asombroso. Durante su vida obtuvo reconocimiento principalmente como organista y conocedor de instrumentos musicales, y tras su muerte estuvo casi olvidado durante varias décadas. Pero luego poco a poco empezaron a redescubrir su obra y a admirarla como un precioso tesoro artístico, insuperable en habilidad, inagotable en la profundidad y humanidad de su contenido. “¡Ni un arroyo! “El mar debería ser su nombre”. Esto dijo otro genio musical sobre Bach: Beethoven9. Bach logró publicar él mismo sólo una parte muy pequeña de sus obras. Ahora hay más de mil publicados (muchos más se han perdido). La primera colección completa de las obras de Bach comenzó a imprimirse en Alemania cien años después de su muerte y ocupó cuarenta y seis voluminosos volúmenes. Pero es imposible calcular siquiera aproximadamente cuántas ediciones individuales de la música de Bach se han impreso y cuántas se siguen imprimiendo en diferentes países. Tan grande es la incesante demanda del mismo. Porque ocupa un lugar extenso y honorable no sólo en el repertorio de conciertos mundial, sino también en el educativo. Johann Sebastian Bach sigue siendo el maestro de literalmente todos los involucrados en la música. Es un profesor serio y estricto, que requiere capacidad de concentración para dominar el arte de interpretar obras polifónicas. Pero aquellos que no temen las dificultades y están atentos a sus exigencias sentirán detrás de su severidad la bondad sabia y sentida que enseña con sus bellas creaciones inmortales. La casa de Eisenach donde nació J. S. Bach 9 “Bach” significa “arroyo” en alemán. 10 www.classon.ru La educación de los niños en el ámbito del arte ruso El padre de Johann Sebastian era violinista, músico urbano y de la corte de Eisenach. Comenzó a enseñar música a su hijo menor y lo envió a una escuela de la iglesia. Con una hermosa voz alta, el niño cantó en el coro de la escuela. Cuando tenía diez años, sus padres murieron. El hermano mayor, organista de la iglesia de la vecina ciudad de Ohrdruf, se hizo cargo del huérfano. Envió a su hermano menor al liceo local y él mismo le dio lecciones de órgano. Más tarde, Johann Sebastian también se convirtió en clavecinista, violinista y violista. Y desde pequeño dominó la composición musical por su cuenta, reescribiendo obras de varios autores. Tuvo que copiar un cuaderno que le interesaba especialmente en las noches de luna, a escondidas de su hermano mayor. Pero cuando terminó el largo y difícil trabajo, lo descubrió, se enojó con Johann Sebastian por su acto no autorizado y le quitó el manuscrito sin piedad. El comienzo de la vida independiente. Lüneburg. A la edad de quince años, Johann Sebastian dio un paso decisivo: se mudó a la lejana ciudad de Luneburg, en el norte de Alemania, donde ingresó como cantante y erudito en la escuela de la iglesia del monasterio. En la biblioteca de la escuela pudo familiarizarse con una gran cantidad de manuscritos de obras de músicos alemanes. En Lüneburg y Hamburgo, donde caminaba por caminos rurales, se podía escuchar tocar a organistas talentosos. Es posible que Johann Sebastian visitara en Hamburgo la ópera, en aquel momento la única en Alemania que no ofrecía representaciones en italiano, sino en alemán. Tres años después completó con éxito la escuela y comenzó a buscar un trabajo más cerca de su tierra natal. Weimar. Habiendo trabajado brevemente como violinista y organista en tres ciudades, Bach en 1708, ya casado, se instaló en Weimar (Turingia) durante nueve años. Allí fue organista en la corte del duque y luego vice-kapellmeister (asistente del director de la capilla, un grupo de cantantes e instrumentistas). Siendo todavía un adolescente, en Ohrdruf, Bach comenzó a componer música, en particular haciendo arreglos de un coral protestante para órgano, su instrumento favorito. Y en Weimar aparecieron varias de sus maravillosas obras maduras para órgano, como Toccata y Fuga en re menor, Passacaglia10 en do menor y preludios corales. En ese momento, Bach se había convertido en un intérprete e improvisador insuperable en el órgano y el clavecín. Esto fue confirmado convincentemente por el siguiente caso. Un día Bach fue a la capital de Sajonia, Dresde, donde decidieron organizar un concurso entre él y Louis Marchand, el famoso organista y clavecinista francés. Pero él, habiendo oído por primera vez cómo Bach improvisaba en el clavecín con sorprendente ingenio creativo, se apresuró a abandonar Dresde en secreto. La competición no se llevó a cabo. En la corte de Weimar tuvo la oportunidad de conocer las obras de compositores italianos y franceses. Bach reaccionó a sus logros con gran interés e iniciativa artística. Por ejemplo, realizó varios arreglos libres para clave y órgano de los conciertos para violín de Antonio Vivaldi. Así nacieron los primeros conciertos de teclado de la historia del arte musical. Durante tres años en Weimar, se pidió a Bach que compusiera una nueva cantata espiritual cada cuarto domingo. En total, surgieron de esta forma más de una treintena de obras. Sin embargo, cuando murió el anciano director de orquesta de la corte, cuyas funciones en realidad desempeñaba Bach, el puesto vacante no le fue otorgado a él, sino al mediocre hijo del fallecido. Indignado por tal injusticia, Bach presentó su dimisión. Por su “exigencia irrespetuosa” fue sometido a arresto domiciliario. Pero mostró una perseverancia valiente y orgullosa, insistiendo por su cuenta. Y un mes después, el duque tuvo que dar a regañadientes la “orden despiadada” de liberar al músico rebelde. Köthen. A finales de 1717 Bach y su familia se trasladaron a Köthen. El puesto de director de banda de la corte le fue ofrecido por el príncipe Leopoldo de Anhalt de Köthen, gobernante de un pequeño estado vecino de Turingia. Era un buen músico: cantaba, tocaba el clavecín y la viola da gamba 11. El príncipe apoyó económicamente a su nuevo director de banda y lo trató con gran respeto. Las tareas de Bach, que ocupaban relativamente poco de su tiempo, incluían dirigir una capilla de dieciocho vocalistas e instrumentistas, acompañar al príncipe y tocar él mismo el clavecín. Muchas obras de Bach para diversos instrumentos se originaron en Köthen. Entre ellos, la música para teclado está representada de forma muy diversa. Por un lado, se trata de obras de teatro para principiantes: la Passacaglia es una danza lenta de tres patas de origen español. Sobre esta base surgieron piezas instrumentales en forma de variaciones con una melodía repetida muchas veces en el bajo. 10 11 Viola da gamba – instrumento antiguo , similar en apariencia a un violonchelo. 11 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia pequeños preludios, inventos a dos y tres voces. Fueron escritos por Bach para las lecciones de su hijo mayor, Wilhelm Friedemann. Por otro lado, este es el primero de dos volúmenes de una obra monumental: "El clave bien temperado", que en total incluye 48 preludios y fugas, y una gran obra de concierto: "Fantasía y fuga cromática". El período Köthen también incluye la creación de dos colecciones de conjuntos de teclados, conocidos como “francés” e “inglés”. El príncipe Leopoldo llevó a Bach a viajes a los estados vecinos. Cuando Johann Sebastian regresó de ese viaje en 1720, se sintió abrumado por un gran dolor: su esposa María Bárbara acababa de morir, dejando cuatro hijos (tres más murieron prematuramente). Un año y medio después, Bach volvió a casarse. Su segunda esposa, Anna Magdalena, tenía buena voz y era muy musical. Mientras estudiaba con ella, Bach compiló dos “cuadernos de notas” para teclado de sus propias obras y en parte de obras de otros autores. Anna Magdalena fue una amable y atenta compañera de vida de Johann Sebastian. Ella le dio trece hijos, de los cuales seis vivieron hasta la edad adulta. Leipzig. En 1723, Bach se mudó a Leipzig, un importante centro comercial y cultural de Sajonia, vecina de Turingia. Mantuvo buenas relaciones con el príncipe Leopoldo. Pero en Köthen las posibilidades para la actividad musical eran limitadas: no había ni un gran órgano ni un coro. Además, Bach tenía hijos mayores a los que quería dar una buena educación. En Leipzig, Bach asumió el cargo de cantor, director del coro de niños y profesor de la escuela de canto; en la Iglesia de Santo Tomás (Thomaskirche). Tuvo que aceptar una serie de condiciones restrictivas, por ejemplo, "no salir de la ciudad sin el permiso del burgomaestre". Cantor Bach tenía muchas otras responsabilidades. Tuvo que dividir en partes un pequeño coro escolar y una muy pequeña orquesta (o mejor dicho, un conjunto), para que la música pudiera escucharse durante los servicios religiosos en dos iglesias, así como en bodas, funerales y diversas celebraciones. Y no todos los niños del coro tenían buenas habilidades musicales. La escuela estaba sucia, descuidada, los alumnos mal alimentados y mal vestidos. Bach, que también era considerado el “director musical” de Leipzig, llamó más de una vez la atención de las autoridades eclesiásticas y del gobierno de la ciudad (magistrado) sobre todo esto. Pero a cambio recibió poca ayuda material, pero sí muchas pequeñas objeciones y reprimendas oficiales. Enseñó a sus alumnos no sólo a cantar, sino también a tocar instrumentos, además, contrató a un profesor de latín por su propia cuenta; Iglesia y escuela de Santo Tomás (izquierda) en Leipzig. (De un grabado antiguo). A pesar de las difíciles circunstancias de la vida, Bach era un apasionado de la creatividad. Durante los primeros tres años de su servicio, compuso y practicó una nueva cantata espiritual con el coro casi todas las semanas. En total, han sobrevivido unas doscientas obras de Bach en este género. Y también se conocen varias decenas de sus cantatas profanas. Por regla general, eran saludos y felicitaciones dirigidos a varias personas nobles. Pero entre ellos hay una excepción como la comedia "Coffee Cantata", escrita en Leipzig, que parece una escena de una ópera cómica. Cuenta cómo la joven y vivaz Lizhen se interesa por la nueva moda del café, en contra de la voluntad y las advertencias de su padre, el viejo gruñón Shlendrian. En Leipzig, Bach creó sus obras vocales e instrumentales monumentales más destacadas: “La Pasión según San Juan”, “La Pasión según San Mateo”12 y la Misa en si menor, de contenido similar, así como un gran número de varias obras instrumentales, incluido el segundo volumen " Clave bien temperado ", una colección de Juan y Mateo (así como Marcos y Lucas), seguidores de las enseñanzas de Jesucristo que compilaron los Evangelios, historias sobre su vida terrena, sufrimiento ( “pasión”) y la muerte. "Evangelio" traducido del griego significa "buenas noticias". 12 12 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia “El arte de la fuga”. Viajó a Dresde, Hamburgo, Berlín y otras ciudades alemanas, allí tocó el órgano y probó nuevos instrumentos. Durante más de diez años, Bach dirigió la "Escuela de Música" de Leipzig, una sociedad formada por estudiantes universitarios y amantes de la música, instrumentistas y cantantes. Bajo la dirección de Bach, ofrecieron conciertos públicos de obras de carácter profano. Al comunicarse con los músicos, era ajeno a cualquier arrogancia y hablaba así de su rara habilidad: "Tuve que estudiar mucho, quien sea igual de diligente logrará lo mismo". Su numerosa familia le trajo a Bach muchas preocupaciones, pero también mucha alegría. En su círculo podría organizar conciertos caseros completos. Cuatro de sus hijos se convirtieron en compositores famosos. Se trata de Wilhelm Friedemann y Carl Philipp Emanuel (hijos de María Bárbara), Johann Christoph Friedrich y Johann Christian (hijos de Anna Magdalena). Con el paso de los años, la salud de Bach decayó. Su visión se deterioró drásticamente. A principios de 1750, se sometió a dos operaciones oculares fallidas, quedó ciego y murió el 28 de julio. Johann Sebastian Bach vivió una vida difícil y trabajadora, iluminada por una brillante inspiración creativa. No dejó una fortuna importante y Anna Magdalena murió diez años después en una casa de caridad para pobres. Y la hija menor de Bach, Regina Susanna, que vivió hasta el siglo XIX, se salvó de la pobreza gracias a donaciones privadas, en las que Beethoven participó en gran medida. La música de Bach está relacionada con la cultura de su país natal. Nunca tuvo la oportunidad de viajar al extranjero. de Alemania, pero estudió con entusiasmo obras de compositores alemanes y extranjeros. En su obra resumió y enriqueció brillantemente los logros del arte musical europeo, la mayoría de las cantatas, “La Pasión según San Juan”, “La Pasión según San Mateo”. ”, la Misa en si menor y muchas otras obras basadas en textos espirituales no fueron escritas simplemente por Bach según el deber o la costumbre habitual de un músico de iglesia, y animadas por un sentimiento religioso sincero, sino que están llenas de compasión por los dolores humanos. , imbuidos de una comprensión de las alegrías humanas Con el tiempo, fueron mucho más allá de las fronteras de las iglesias y nunca dejan de impresionar profundamente a los oyentes de diferentes nacionalidades y religiones con su verdadera humanidad. Juntos forman un mundo entero. de imágenes musicales. La insuperable maestría polifónica de Bach se enriquece con medios homofónico-armónicos. Sus temas vocales están impregnados orgánicamente de técnicas de desarrollo instrumental, y los temas instrumentales suelen ser tan ricos emocionalmente, como si algo importante se cantara y se hablara sin palabras. Tocata y fuga en re menor para órgano13 Esta obra, de gran popularidad, comienza con un grito de voluntad alarmante pero valiente. Suena tres veces, descendiendo de una octava a otra, y conduce a un atronador boom de acordes en el registro más bajo. Así, al comienzo de la toccata, se perfila un espacio sonoro grandioso y sombrío. 1 Adagio Preguntas y tareas 1 . ¿Por qué es inusual el destino de la música de Bach? 2. Cuéntanos sobre la tierra natal de Bach, sus antepasados y su infancia. 3. ¿Cuándo y dónde empezó Bach su vida independiente? 4. ¿Cómo se desarrolló y cómo terminó la actividad de Bach en Weimar? 5. Cuéntanos sobre la vida de Bach en Köthen y sus obras durante estos años. 6. ¿Qué instrumentos tocaba Bach y cuál era su instrumento favorito? 7. ¿Por qué decidió Bach trasladarse a Leipzig y qué dificultades encontró allí? 8. Cuéntenos sobre las actividades del compositor Bach y del intérprete Bach en Leipzig. Nombra las obras que creó allí. Toccata (en italiano "toccata" - "tocar", "soplar" del verbo "toccare" "tocar", "tocar") es una pieza virtuosa para instrumentos de teclado. 13 13 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia A continuación se escuchan poderosos pasajes virtuosos “arremolinados” y amplios “salpicaduras” de acordes. Están separados varias veces por pausas y paradas en acordes extendidos. Esta yuxtaposición de movimientos rápidos y lentos recuerda los cautelosos respiros entre las peleas con los elementos violentos. Y después de la tocata construida libremente e improvisadamente, suena una fuga. Se centra en el desarrollo imitativo de un tema, en el que el principio volitivo parece frenar las fuerzas elementales: 2 Allegro moderato Tras ampliarse ampliamente, la fuga se convierte en una coda: la sección final. Aquí vuelve a irrumpir el elemento improvisador de la toccata. Pero finalmente se tranquiliza con intensos comentarios imperativos. Y los últimos compases de toda la obra se perciben como una severa y majestuosa victoria de la inquebrantable voluntad humana. Un grupo especial de obras para órgano de Bach está formado por preludios corales. Entre ellos, una serie de obras relativamente pequeñas de carácter lírico se distinguen por una profunda expresividad. En ellos, el sonido de la melodía coral se enriquece con voces de acompañamiento desarrolladas libremente. Así se presenta, por ejemplo, una de las obras maestras de Bach: el preludio coral en fa menor. Música para teclado de la invención Bach compiló varias colecciones de piezas sencillas de entre las que compuso mientras enseñaba a su hijo mayor, Wilhelm Friedemann. En una de estas colecciones colocó quince piezas polifónicas a dos voces en quince tonalidades y las llamó “inventos”. Traducido del latín, la palabra "invención" significa "invención", "invención". Las invenciones a dos voces de Bach, que pueden ser interpretadas por músicos principiantes, son verdaderamente notables por su inventiva polifónica y al mismo tiempo por su expresividad artística. Así, la primera invención a dos voces en do mayor nace de un tema breve, suave y pausado, de carácter tranquilo y juicioso. La voz superior lo canta e inmediatamente lo imita _ lo repite en otra octava, la inferior: 14 www.classon.ru Educación infantil en el campo del arte en Rusia Y al son de la octava invención a dos voces en fa mayor, uno puede imaginar un juego-competición alegre y ferviente: parece que] saltan y ruedan pelotas elásticas. Durante la repetición (imitación), la voz superior continúa el movimiento melódico. Esto crea una contraposición al tema que suena en el bajo. Además, esta contraposición, con el mismo patrón melódico, a veces suena cuando el tema reaparece en una voz u otra (compases 2-3, 7-8, 8-9). En tales casos, la contraadición se llama retenida (a diferencia de las no retenidas, que se componen de nuevo cada vez que se realiza el tema). Como en otras obras polifónicas, en esta invención hay secciones donde el tema no se escucha en su forma completa, sino que sólo se utilizan algunos de sus giros. Estas secciones se colocan entre los temas y se denominan interludios. La integridad general de la invención en do mayor viene dada por el desarrollo basado en un tema, lo cual es típico de la música polifónica. A mitad de la obra hay un alejamiento de la tonalidad principal y hacia el final se regresa. Al escuchar esta introducción, uno puede imaginar que dos estudiantes repiten diligentemente la lección, tratando de contarse mejor, con mayor expresión. En esta pieza, similar en estructura a la invención en do mayor, una técnica especial desempeña un papel importante. Tras la introducción inicial del tema en la voz superior, la voz inferior no sólo lo imita, sino también su continuación (oposición). Así, desde hace algún tiempo, surge una continua imitación canónica o licanón. Simultáneamente con los inventos a dos voces, Bach compuso quince piezas polifónicas a tres voces en las mismas tonalidades. ¡Él los nombró! “sinfonías” (traducidas del griego como “consonancias”). En la antigüedad este era el nombre que se daba a las obras instrumentales polifónicas. Pero más tarde se hizo costumbre llamar a estas obras invenciones en tres partes. Utilizan técnicas más complejas de desarrollo polifónico. Mayoría ejemplo brillante - invención en tres partes en fa menor (novena). Comienza presentando dos temas contrastantes simultáneamente. La base de uno de ellos, que suena en voz de bajo, es un descenso medido e intenso a través de semitonos cromáticos. Movimientos similares son comunes en las arias trágicas de las óperas antiguas. Es como la voz lúgubre del mal destino, el destino. El segundo tema, en voz media alta, está impregnado de motivos lúgubres: suspiros: a continuación, el tercer tema se entrelaza estrechamente con estos dos temas con exclamaciones suplicantes aún más sentidas. Hasta el final de la obra, la voz del mal destino permanece inexorable. Pero las voces del dolor humano no cesan. Contienen una chispa inextinguible de esperanza humana. Y por un momento parece estallar en el acorde final de fa mayor. La "sinfonía" de Bach en si menor Clavicémbalo en la casa de Bach en Eisenach 15 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia (invención en tres partes nº 15) se distingue también por su sentimiento lírico. En el prefacio al manuscrito de sus inventos y “sinfonías”, Bach indicó que deberían ayudar a desarrollar una “forma de tocar cantando”. Esto fue difícil de lograr con el clavicémbalo. Por eso, Bach prefirió utilizar otro instrumento de teclado de cuerda en casa, incluso en las clases con los alumnos: el clavicordio. Su sonido débil no es adecuado para conciertos. Pero, como ya se mencionó, a diferencia del clavecín, las cuerdas del clavicordio no se puntean, sino que se sujetan suavemente con placas de metal. Esto contribuye a la melodía del sonido y permite matices dinámicos. Así, Bach, por así decirlo, previó las posibilidades de una interpretación de voz melodiosa y coherente en el piano, un instrumento que en su época todavía tenía un diseño imperfecto. Y este deseo del gran músico debería ser recordado por todos los pianistas modernos. Courant es un baile de tres tiempos de origen francés. Pero una cierta sofisticación rítmica y manierismo eran típicos de las campanadas del clavecín francés. El Courant de la Suite en do menor de Bach es similar a la variedad italiana de este género de danza: más vivaz y móvil. Esto se ve facilitado por la combinación flexible de dos voces, que parecen incitarse mutuamente: “Suite francesa” en do menor Tres colecciones de suites para teclado de Bach tienen nombres diferentes. Él mismo llamó “partitas” a las seis suites incluidas en la tercera colección (el nombre de la suite “partita” no sólo se encuentra en sus obras14). Y otras dos colecciones, de seis piezas cada una, comenzaron a llamarse “Suites francesas” y “Suites inglesas” después de la muerte de Bach por razones que no están del todo claras. La segunda de las “Suites francesas” está escrita en clave de do menor. Según la tradición establecida en las suites antiguas, contiene cuatro partes principales: Allemande, Courante, Sarabande y Gigue, así como dos partes intermedias más: Aria y Minuet, insertadas entre Sarabande y Gigue. Allemande es una danza que se formó en Siglos XVI-XVII en varios países europeos: Inglaterra, Países Bajos, Alemania, Francia e Italia. Por ejemplo, el antiguo allemande alemán era un baile grupal un poco pesado. Pero, al entrar en las suites para clave, la allemande casi perdió sus características de danza en el siglo XVIII. De sus "antepasados" sólo conservó un andar pausado y tranquilo con un tamaño de cuatro o dos cuartos. Con el tiempo, se convirtió en un juego previo poco estructurado. La Allemande de la suite en do menor de Bach también es similar al reflexivo preludio lírico. Aquí suelen encabezar sus líneas tres voces. Pero a veces se les suma una cuarta voz. Al mismo tiempo, la voz más melódica es la más alta: la zarabanda es un baile español de tres tiempos. Alguna vez fue rápido y temperamental, pero luego se volvió lento, solemne, a menudo cercano a una procesión fúnebre. La zarabanda de la suite de Bach se representa de principio a fin en una estructura de tres partes. El movimiento de las voces medias y bajas es siempre estricto y concentrado (predominan las cuartas y las octavas). Y el movimiento de la voz superior es mucho más libre y móvil, muy expresivo. Aquí predominan las semicorcheas y a menudo se encuentran movimientos a intervalos amplios (quinta, sexta, séptima). Esto crea dos capas contrastantes de presentación musical, creando un sonido líricamente intenso15: "Dividido en partes": la palabra "partita" se traduce del italiano (del verbo "partire" - "dividir"). En una zarabanda, la voz superior principal no contrasta con las demás sino que las complementa. 14 15 16 www.classon.ru Educación infantil en el campo del arte de Rusia Preludio y fuga en do menor del primer volumen de “El clave bien temperado” Preludio y fuga en do mayor, Preludio y fuga en do menor, Preludio y Fuga en Do sostenido mayor, Preludio y Fuga en Do sostenido menor, y así sucesivamente a lo largo de los doce semitonos incluidos en la octava. El resultado es un total de 24 ciclos de dos partes de “preludio y fuga” en todas las tonalidades mayores y menores. Así están estructurados ambos volúmenes (en total, 48 preludios y fugas) del Clave bien temperado de Bach. Esta grandiosa obra es reconocida como una de las más grandes del arte musical mundial. Los preludios y fugas de estos dos volúmenes están incluidos en el repertorio educativo y de concierto de todos los pianistas profesionales. En la época de Bach, poco a poco se fue estableciendo un temperamento igual en la afinación de los instrumentos de teclado: la división de la octava en doce semitonos iguales. Anteriormente, el sistema de configuración era más complejo. Con él, en tonalidades con un número de signos superior a tres o cuatro, algunos intervalos y acordes sonaban falsos. Por tanto, los compositores evitaron utilizar tales tonalidades. Bach fue el primero en demostrar brillantemente en El clave bien temperado que con el mismo temperamento se pueden utilizar las 24 teclas con el mismo éxito. Esto abrió nuevos horizontes para los compositores, aumentando, por ejemplo, la capacidad de realizar modulaciones (transiciones) de una tonalidad a otra. En El clave bien temperado, Bach estableció el tipo de ciclo de dos partes “preludio y fuga”. El preludio se construye libremente. En él, un papel importante puede corresponder a la naturaleza homofónico-armónica y a la improvisación. Esto crea un contraste con la fuga como obra estrictamente polifónica. Al mismo tiempo, las partes del ciclo "Preludio y fuga" están unidas no solo por una tonalidad común. Entre ellos, en cada caso, se manifiestan a su manera sutiles conexiones internas. Estos rasgos típicos generales se pueden rastrear en el Preludio y Fuga en Do menor del primer volumen de El clave bien temperado. El preludio consta de dos secciones principales. El primero, más espacioso, está completamente lleno de movimientos rápidos y uniformes de semicorcheas en ambas manos. Está internamente saturado de elementos melódicos y armónicos expresivos. Parece como si, constreñida por las orillas, hirviera una corriente inquieta: la gigue es una danza rápida y juguetona que tiene su origen en Irlanda e Inglaterra16. En los viejos tiempos, a los marineros ingleses les encantaba bailar la jiga. En las suites, la giga suele ser el último movimiento. En su Giguet en do menor, Bach utiliza a menudo la técnica de la imitación canónica entre dos voces (como en la Invención en fa mayor). La presentación de esta pieza está completamente impregnada de un ritmo punteado que “rebota”: en comparación con el contraste entre Allemande y Courant, el contraste entre Sarabande y Gigue es más agudo. Pero se suaviza con dos piezas adicionales insertadas entre ellas. La pieza, llamada “Aria”, suena menos como un número vocal solista en una ópera y más como una canción tranquila y sencilla. El siguiente Minueto es una danza francesa que combina movilidad con gracia. Así, en esta suite, con una única tonalidad general, todas las partes se comparan de diferentes formas en sentido figurado. Los tamaños de la plantilla son predominantemente de tres longitudes. En el siglo XVIII era principalmente 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classon.ru Educación infantil en el campo del arte ruso en voz media, un tema claro, destacado y bien recordado con un ritmo de danza elástico: 11 Moderato La perseverancia enérgica se combina en el tema con gracia, una picardía astuta se asoma a través de la compostura decidida. Esto brinda oportunidades para un mayor desarrollo diverso y dinámico. Al comienzo del desarrollo, el tema suena ligero: la única vez que se ejecuta es en tono mayor (mi bemol mayor). En la repetición, de las tres presentaciones principales del tema en tonalidad principal (do menor), la segunda, en bajo, adquiere un alcance tan poderoso que nos hace recordar el furor de las fuerzas naturales en el preludio. Y una implementación final más del tema de la fuga termina con un acorde mayor ilustrado. Esta similitud entre los finales del preludio y la fuga revela el parentesco emocional interno de las partes contrastantes del ciclo. Habiendo acumulado una poderosa energía, este flujo al final de la primera sección parece desbordarse y al comienzo de la siguiente sección se vuelve aún más rápido, amenazando con barrer todo a su paso. Este clímax del preludio está marcado por un cambio de tempo al más rápido (Presto) y el uso de una técnica polifónica: un canon de dos voces. Pero los elementos furiosos son repentinamente detenidos por los imperativos golpes de los acordes y las frases significativas del recitativo. Aquí se produce el segundo cambio de tempo: al más lento (Adagio). Y después del tercer cambio de tempo a un A11ego moderadamente rápido en los compases finales del preludio, el punto de órgano tónico en el bajo ralentiza gradualmente el movimiento de las semicorcheas en la mano derecha. Se extiende suavemente y se congela en un acorde de do mayor. La calma y la paz se instalan. Después de una finalización tan libre e improvisada del preludio, la atención cambia a un plano diferente y contrastante. Comienza una fuga en tres partes. Esta palabra en latín e italiano significa "correr", "escapar", "fluir rápido". En música, una fuga es una obra polifónica compleja donde las voces parecen hacer eco entre sí, poniéndose al día. La mayoría de las fugas se basan en un solo tema. Las fugas con dos temas son menos comunes, y aún menos comunes con tres y cuatro temas. Y según el número de voces, las fugas son a dos, tres, cuatro y cinco voces. Las fugas de un solo tema comienzan con la presentación de un tema en clave principal con una sola voz. Luego, el tema es imitado a su vez por otras voces. Así se forma la primera sección de la fuga: la exposición. En la segunda sección - desarrollo - el tema aparece sólo en otras tonalidades. Y en el tercero, última sección - reprise9 - se vuelve a realizar en la tonalidad principal, pero ya no se presenta de forma monofónica. La exposición aquí definitivamente no se repetirá. Las fugas hacen un uso extensivo de contraposiciones e interludios sostenidos. Comienza la fuga en do menor de Bach en cuestión, que aparece en Fuga, la forma más elevada de música polifónica, que alcanzó su plena madurez y su florecimiento más brillante en la obra de Bach. El famoso compositor y pianista ruso del siglo XIX, Anton Grigorievich Rubinstein, en su libro "La música y sus representantes", escribió, admirando el "Clave bien temperado", que allí se pueden encontrar "fugas de lo religioso, heroico, melancólico". , personaje majestuoso, quejumbroso, humorístico, pastoral, dramático; sólo en una cosa son todos iguales: en la belleza...” En la misma edad que Johann Sebastian Bach vivió el gran compositor alemán Georg Friedrich Handel (1685-1759), un maravilloso maestro de la polifonía y un virtuoso organista. Su destino resultó diferente. Pasó la mayor parte de su vida fuera de Alemania, moviéndose de un país a otro (vivió en Inglaterra durante varias décadas). 18 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia Handel es autor de numerosas óperas, oratorios y diversas obras instrumentales. Sobre la formación del estilo clásico en la música Preguntas y tareas 1. ¿Qué tienen en común las obras espirituales y seculares de Bach? 2. Cuéntanos sobre el carácter figurativo de la Toccata y Fuga en re menor para órgano. 3. Cantar los temas de los inventos de Bach que conozcas. ¿Qué es la contrasuma cuando se llama retenida? 4. ¿Qué es un interludio en una obra polifónica? ¿Qué imitación se llama canónica o canónica? 5. Nombrar y caracterizar las partes principales de la “Suite Francesa” en do menor. 6. ¿Cómo se construye el clave bien temperado de Bach? 7. ¿Cuál es la principal diferencia entre un preludio y una fuga? Ilustre esto con el ejemplo del Preludio y fuga en do menor del primer volumen de El clave bien temperado. ¿Hay alguna similitud entre ellos? El teatro musical del siglo XVIII, especialmente su mitad y segunda mitad, fue una época de grandes cambios en todos los ámbitos del arte musical europeo. Con la llegada de este siglo, surgieron gradualmente dos géneros en la ópera italiana: la ópera seria (seria) y la ópera buffa (cómica). La ópera seria siguió estando dominada por tramas mitológicas e históricas, en las que aparecían los llamados héroes "altos": deidades mitológicas, reyes de estados antiguos y generales legendarios. Y en las óperas buffa, las tramas se volvieron predominantemente modernas y cotidianas. Los héroes aquí eran gente corriente que actuaba con energía y realismo. El primer ejemplo sorprendente de ópera buffa fue La doncella y la señora de Giovanni Battista Pergolesi, que se presentó ante el público en 1733 en Nápoles. La heroína, la emprendedora sirvienta Serpina, se casa hábilmente con su gruñón amo Uberto y se convierte ella misma en amante. Como muchas de las primeras óperas buffa italianas, “La sirvienta” se representó originalmente como un interludio escénico durante los intervalos entre actos de la ópera seria de Pergolesi “El cautivo orgulloso” (recuerde que la palabra “interludio” es de origen latino y significa “interacción ”). Pronto "The Maid-Mistress" ganó gran popularidad en muchos países como obra independiente. En Francia, la ópera cómica nació en la segunda mitad del siglo XVIII. Surgió de las representaciones cómicas, divertidas e ingeniosas con música que se presentaban en los teatros de las ferias parisinas. Y el ejemplo de la ópera buffa italiana ayudó a que las comedias de feria francesas se convirtieran en una ópera cómica, donde la principal característica de los personajes eran los números vocales. Para ello fueron de gran importancia las actuaciones en París de la compañía italiana de ópera "buffon", cuando la capital de Francia quedó literalmente encantada con "La doncella y la amante" de Pergolesi. A diferencia de las óperas buffas italianas, en las óperas cómicas francesas las arias no se alternan con recitativos, sino con diálogos hablados. También se construye el Singspiel, una ópera cómica de tipo alemán y austriaco, que apareció en la segunda. Obras principales Obras vocales e instrumentales “Pasión según San Juan”, Misa en si menor Cantatas sagradas (se conservan unas 200) y cantatas seculares (conservadas más de 20) Obras orquestales 4 suites (“oberturas”) 6 “Conciertos de Brandeburgo” Conciertos para instrumentos solistas con orquesta de cámara 7 conciertos para clave 3 conciertos para dos, 2 para tres clavecines 2 conciertos para violín Concierto para dos violines Obras para arco instrumentos 3 sonatas y 3 partitas para violín solo 6 sonatas para violín y clavecín 6 suites (“sonatas”) para violonchelo solo Obras para órgano 70 preludios corales Preludios y fugas Toccata y fuga en re menor Passacaglia en do menor Obras para teclado Colección “Pequeños Preludios y Fugas” 15 inventos a dos voces y 15 inventos a tres voces (“sinfonías”) 48 preludios y fugas “El clave bien temperado” 6 suites “francesas” y 6 “inglesas” 6 suites (partitas) “Concierto italiano” para solo clavecín “Fantasía y fuga cromática” Fugas de “arte” 19 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia en la mitad del siglo XVIII17. El lenguaje musical de todas las variedades de ópera cómica se caracteriza por una estrecha conexión con canciones populares y melodías de danza. En la segunda mitad del siglo XVIII, graves géneros de ópera radicalmente reformado por el gran compositor alemán Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Escribió su primera ópera reformada, “Orfeo y Eurídice” (1762), basada en una trama sobre el legendario cantante griego antiguo, que ya se había utilizado repetidamente en las óperas desde las primeras (esto se discutió en la Introducción). El camino de Gluck hacia la reforma de la ópera no fue fácil. Tuvo la oportunidad de visitar muchos países europeos: Alemania, Austria, Dinamarca, así como la República Checa, habitada por los eslavos, junto con Italia e Inglaterra. Antes de establecerse firmemente en Viena, Gluck representó 17 de sus óperas serias en los escenarios de teatros de Milán, Venecia, Nápoles, Londres, Copenhague, Praga y otras ciudades. Las óperas de este género se representaron en los teatros de la corte de muchos países europeos. La excepción fue Francia. Allí, a mediados del siglo XVIII, continuaron componiendo y representando óperas serias únicamente en el estilo tradicional francés. Pero Gluck estudió cuidadosamente las partituras de ópera de los famosos compositores franceses Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau. Además, Gluck escribió y representó con éxito en Viena ocho obras del nuevo género de la ópera cómica francesa. Sin duda conocía bien las óperas buffa italianas y los Singspiels alemanes y austriacos. Todo este conocimiento permitió a Gluck actualizar decisivamente los ya obsoletos principios de composición de óperas serias. En sus óperas reformistas, representadas primero en Viena y luego en París, Gluck comenzó a transmitir las experiencias emocionales de los personajes con mucha mayor veracidad, tensión y eficacia dramática. Abandonó la acumulación de pasajes virtuosos en las arias y aumentó la expresividad de los recitativos. Sus óperas se volvieron más decididas en el desarrollo musical y escénico, más armoniosas en la composición. Así, en el lenguaje musical y en la construcción de nuevas óperas cómicas y serias reformadas, surgieron importantes características distintivas del nuevo estilo clásico: la eficacia activa del desarrollo, la simplicidad y claridad de los medios expresivos, la armonía compositiva, la nobleza general y Carácter sublime de la música. Este estilo fue tomando forma gradualmente en la música europea a lo largo del siglo XVIII, maduró entre 1770 y 1780 y dominó hasta mediados de la segunda década del siglo XIX. Es necesario tener en cuenta que la definición de “clásico” puede tener otra, más significado amplio. "Clásicas" (o "clásicas") también se denominan obras musicales y otras obras artísticas que han sido reconocidas como ejemplares, perfectas e insuperables, independientemente del momento de su creación. En este sentido, las masas del compositor italiano del siglo XVI Palestrina, las óperas de Prokofiev y las sinfonías de Shostakovich, compositores rusos del siglo XX, pueden denominarse clásicas o clásicas. Música instrumental Sobre la misma amplia base internacional que la reforma operística de Gluck, el siglo XVIII vio un intenso desarrollo de la música instrumental. Se llevó a cabo gracias a los esfuerzos concertados de compositores de muchos países europeos. Basándose en el canto y la danza, desarrollando la claridad clásica y el dinamismo del lenguaje musical, gradualmente formaron nuevos géneros de obras instrumentales cíclicas, como la sinfonía clásica, la sonata clásica y el cuarteto de cuerda clásico. La forma sonata adquirió en ellos gran importancia. Por eso, los ciclos instrumentales se denominan sonata o sonata-sinfónica. Forma sonata. Ya sabes que la forma más elevada de música polifónica es la fuga. Y la forma sonata es la forma más elevada de música homofónico-armónica, donde sólo a veces se pueden utilizar técnicas polifónicas. En su construcción, estas dos formas son similares entre sí. Como en la fuga, la forma sonata tiene tres secciones principales: exposición, desarrollo y repetición. Pero también existen diferencias significativas entre ellos. La principal diferencia entre la forma sonata y la fuga aparece inmediatamente en la exposición 18. La gran mayoría de las fugas se basan íntegramente en un tema, que en la exposición se desarrolla alternativamente en cada una de ellas. palabra alemana Proviene de "singen" ("cantar") y "Spiel" ("jugar"). 18 La palabra es de origen latino y significa “presentación”, “mostrar”. 20 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia voz. Y en la exposición de la forma sonata, por regla general, aparecen dos temas principales, de naturaleza más o menos diferente. Primero suena el tema de la parte principal y luego aparece el tema de la parte lateral. Bajo ninguna circunstancia la definición de “lateral” debe entenderse como “secundaria”. De hecho, el tema de la parte secundaria juega un papel no menos importante en la forma sonata que el tema de la parte principal. La palabra “secundario” se utiliza aquí porque, a diferencia del primero, en la exposición necesariamente suena no en el tono principal, sino en otro, es decir, como en uno secundario. En la música de estilo clásico, si la parte principal de la exposición es mayor, entonces la parte secundaria se establece en la tonalidad de la dominante (por ejemplo, si la tonalidad de la parte principal es Do mayor, entonces la tonalidad de la parte secundaria es sol mayor). Si la parte principal de la exposición es menor, entonces la parte secundaria se presenta en paralelo mayor (por ejemplo, si la tonalidad de la parte principal es do menor, entonces la tonalidad de la parte secundaria es mi bemol mayor). Se coloca un paquete pequeño o un lote vinculante entre los lotes principal y lateral. Aquí puede aparecer un tema independiente y melódicamente destacado, pero se utilizan con mayor frecuencia las entonaciones del tema de la parte principal. La parte de conexión actúa como transición a la parte lateral y se modula en la clave de la parte lateral. Por tanto, se viola la estabilidad tonal. El oído comienza a esperar el inicio de algún nuevo “evento musical”. Esta resulta ser la apariencia del tema del juego paralelo. En ocasiones la exposición puede ir precedida de una introducción. Y después de una parte lateral hay una breve conclusión o una parte final completa, a menudo con un tema independiente. Así finaliza la exposición, estableciendo el tono de la parte lateral. Si el compositor lo indica, se podrá repetir toda la exposición. El desarrollo es la segunda sección de la forma sonata. En él, temas familiares de la exposición aparecen en nuevas versiones, alternados y comparados de diferentes maneras. Esta interacción a menudo no involucra temas completos, sino motivos y frases aisladas de ellos. Es decir, los temas en desarrollo parecen dividirse en elementos separados, revelando la energía contenida en ellos. En este caso, hay un cambio frecuente de claves (la clave principal aquí rara vez se ve afectada y no por mucho tiempo). Apareciendo en diferentes tonalidades, los temas y sus elementos parecen iluminados de una manera nueva, mostrados desde nuevos puntos de vista. Una vez que el desarrollo alcanza una tensión significativa en el clímax, su curso cambia de dirección. Al final de esta sección, se prepara un regreso a la clave principal y se produce un turno a la repetición. La repetición es la tercera sección de la forma sonata. Comienza con el regreso de la parte principal en la clave principal. La pieza de conexión no conduce a una nueva llave. Por el contrario, fija la clave principal, en la que ahora se repiten tanto la parte secundaria como la final. Así, la repetición, con su estabilidad tonal, equilibra la naturaleza inestable del desarrollo y aporta armonía clásica al conjunto. La repetición a veces puede complementarse con una estructura final: una coda (derivada de la palabra latina que significa "cola"). Entonces, cuando suena una fuga, nuestra atención se centra en escuchar, pensar y sentir en un pensamiento musical, encarnado por un tema. Cuando una obra suena en forma de sonata, nuestro oído sigue la comparación e interacción de dos temas principales (y complementarios), como si fuera el desarrollo de varios eventos musicales, acciones musicales. Ésta es la principal diferencia entre las posibilidades artísticas de estas dos formas musicales. Ciclo de sonata clásica (sonata-sinfónica). Alrededor del último tercio del siglo XVIII, el ciclo de sonatas clásicas finalmente tomó forma en la música. Anteriormente, las obras instrumentales estaban dominadas por la forma de una suite, donde se alternaban movimientos lentos y rápidos, y la forma estrechamente relacionada de una sonata antigua. Ahora, en el ciclo de la sonata clásica, el número de partes (generalmente tres o cuatro) se ha determinado con precisión, pero su contenido se ha vuelto más complejo. La primera parte suele estar escrita en forma de sonata, como se explicó en el párrafo anterior. Camina a paso rápido o moderadamente rápido. La mayoría de las veces se trata de A11e§go. Por lo tanto, este movimiento suele denominarse sonata allegro. La música que contiene suele tener un carácter enérgico y eficaz, a menudo tensa y dramática. La segunda parte siempre contrasta con la primera en tempo y carácter general. A menudo es lento, más lírico y melodioso. Pero también puede ser diferente, por ejemplo, similar a una narración pausada o una danza elegante. En un ciclo de tres partes, la última, tercera parte, el final vuelve a ser rápido, generalmente más rápido, pero con un desarrollo menos intenso internamente. comparación con el primero. Los finales de los ciclos de sonatas clásicas (especialmente las sinfonías) a menudo pintan imágenes de diversión festiva y sus temas se acercan a las canciones y bailes populares. En este caso, se utiliza a menudo la forma de rondó (del francés "ronde" - "círculo"). Como saben, la primera sección aquí (estribillo) se repite varias veces, alternándose con nuevas secciones (episodios). 21 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia ¿su primera ópera? 3. ¿En qué época dominó el estilo clásico en la música y hasta qué época maduró? Explique la diferencia entre los dos significados de "clásico". 4. ¿Cuáles son las similitudes en la construcción general entre la forma de fuga y sonata? ¿Cuál es la principal diferencia entre ellos? 5. Nombra las secciones principales y adicionales de la forma de sonata. Dibuja su diagrama. 6. ¿Cómo se relacionan entre sí las partes principal y secundaria de la forma sonata en su exposición y en su repetición? 7. ¿Qué es característico del desarrollo en forma sonata? 8. Describe las partes del ciclo de sonata clásica. 9. Nombrar los principales tipos de ciclos de sonatas clásicas en función de la composición de los intérpretes. Todo esto distingue a muchos finales de ciclos de cuatro partes. Pero en ellos, entre las partes exteriores (primera y cuarta), se colocan dos partes intermedias. Uno, lento, suele ser el segundo en una sinfonía y el tercero en un cuarteto. El tercer movimiento de las sinfonías clásicas del siglo XVIII es el Minueto, que ocupa el segundo lugar en el cuarteto. Entonces, mencionamos las palabras "sonata", "cuarteto", "sinfonía". La diferencia entre estos ciclos depende de la composición de los intérpretes. Un lugar especial pertenece a la sinfonía, una obra para orquesta destinada a ser tocada en una gran sala frente a numerosos oyentes. En este sentido, la sinfonía se acerca al concierto: una composición de tres partes para un instrumento solista con acompañamiento de orquesta. Los ciclos instrumentales de cámara más comunes son sonata (para uno o dos instrumentos), trío (para tres instrumentos), cuarteto (para cuatro instrumentos), quinteto (para cinco instrumentos)19. La forma sonata y el ciclo sonata-sinfónico, como todo el estilo clásico de la música, se formaron en el siglo XVIII, que se denomina "Edad de la Ilustración" (o "Edad de la Ilustración"), así como "Edad de la Razón”. En este siglo, especialmente en su segunda mitad, surgieron representantes del llamado “tercer poder” en muchos países europeos. Eran personas que no tenían títulos nobiliarios ni espirituales. Debieron su éxito a su propio trabajo e iniciativa. Proclamaron el ideal de un "hombre natural", a quien la naturaleza misma dotó de energía creativa, una mente brillante y sentimientos profundos. Este ideal democrático optimista se reflejó a su manera en la música, otras formas de arte y la literatura. Por ejemplo, la victoria de la mente humana y las manos incansables al comienzo de la Ilustración fue glorificada por la famosa novela del escritor inglés Daniel Defoe, "La vida y las asombrosas aventuras de Robinson Crusoe", publicada en 1719. Joseph Haydn 1732-1809 El estilo clásico en la música alcanzó su madurez y gran florecimiento en las obras de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. La vida y obra de cada uno de ellos se prolongó durante mucho tiempo en la capital de Austria, Viena. Por eso a Haydn, Mozart y Beethoven se les llama clásicos vieneses. Austria era un imperio multinacional. Junto a los austriacos, cuya lengua materna es el alemán, vivían húngaros y varios pueblos eslavos, entre ellos checos, serbios y croatas. Sus canciones y Preguntas y tareas 1. Nombra las variedades nacionales de óperas cómicas del siglo XVIII. ¿En qué se diferencia la construcción de una ópera buffa italiana de la construcción de una ópera cómica francesa? 2. ¿Con qué países y ciudades estuvo relacionada la actividad del gran reformador de la ópera Christoph Willibald Gluck? ¿Sobre qué tema escribió? Los nombres de otros ciclos instrumentales de conjuntos de cámara son sexteto (6), septeto (7), octeto (8), noneto (9), decimet (10). La definición de "música de cámara" proviene de la palabra italiana "cámara" - "sala". Porque hasta el siglo XIX las obras para varios instrumentos se interpretaban con frecuencia en el hogar, es decir, se entendían como “música de habitación”. 19 22 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia Las melodías de la danza se escuchaban tanto en los pueblos como en las ciudades. En Viena, la música folclórica sonaba por todas partes: en el centro y en las afueras, en los cruces de calles, en jardines y parques públicos, en restaurantes y tabernas, en casas privadas ricas y pobres. Viena también fue un importante centro de cultura musical profesional, centrada en la corte imperial, las capillas de la nobleza 1 y los salones aristocráticos, catedrales e iglesias. La ópera seria italiana se cultiva desde hace mucho tiempo en la capital austriaca; aquí, como ya se mencionó, Gluck inició su reforma operística. La música acompañó abundantemente las festividades de la corte. Pero los vieneses también asistían de buena gana a las alegres representaciones de farsa con música, de las que nació el Singspiel, y les gustaba mucho bailar. De los tres grandes clásicos musicales vieneses, Haydn es el más antiguo. Tenía 24 años cuando nació Mozart y 38 años cuando nació Beethoven. Haydn vivió una larga vida. Sobrevivió a Mozart, quien murió temprano, por casi dos décadas y todavía estaba vivo cuando Beethoven ya había creado la mayoría de sus obras de madurez. Para el teatro principesco privado, escribió más de dos docenas de óperas en los géneros seria, buffa, así como varias óperas de “títeres” para representaciones interpretadas por títeres. Pero el área de sus principales intereses y logros creativos es la música instrumental sinfónica y de cámara2. En total son más de 800 ensayos3. Entre ellos destacan más de 100 sinfonías, más de 80 cuartetos de cuerda y más de 60 sonatas para teclado. En sus ejemplos maduros, la actitud optimista del gran compositor austriaco se reveló con la mayor plenitud, brillo y originalidad. Sólo que a veces esta brillante visión del mundo se ve ensombrecida por un estado de ánimo más sombrío. Siempre se sienten abrumados por el inagotable amor por la vida de Haydn, su aguda observación, su humor alegre, su percepción simple, saludable y al mismo tiempo poética de la realidad circundante. Camino de vida Primera infancia. Rohrau y Hainburg. Franz Joseph Haydn nació en 1732 en el pueblo de Rohrau, situado en el este de Austria, cerca de la frontera con Hungría y no lejos de Viena. El padre de Haydn era un hábil fabricante de carruajes, su madre trabajaba como cocinera en la finca del conde, propietario de Rohrau. Sus padres comenzaron temprano a enseñarle a su hijo mayor, Joseph, a quien cariñosamente llamaban Zepperlem en la familia, a ser trabajador, ordenado y limpio. El padre de Haydn no sabía nada de música, pero le encantaba cantar, acompañándose con el arpa, especialmente cuando tocaba la suya. Los invitados se estaban reuniendo en una pequeña casa. Zepperl cantó con una voz clara y plateada, revelando un maravilloso oído para la música. Y cuando el niño tenía sólo cinco años, lo enviaron a la vecina ciudad de Hainburg a vivir con un pariente lejano que dirigía una escuela religiosa y un coro. En Hainburg, Sepperl aprendió a leer, escribir, contar, cantar en el coro y también comenzó a dominar el juego del clavicordio y el violín. Pero la vida no fue fácil para él en la familia de otra persona. Muchos años después, recordó que entonces recibió “más palizas que comida”. Tan pronto como Sepperl llegó a Hainburg, le ordenaron que aprendiera a tocar los timbales para poder participar en la misma procesión de la iglesia con música. El niño tomó un colador, lo cubrió con un trozo de tela y comenzó a hacer ejercicio con diligencia. Completó con éxito su tarea. Sólo al organizar la procesión fue necesario colgar el instrumento en la espalda de un hombre muy bajo. Y era jorobado, lo que hizo reír al público. En la capilla de la Catedral de San Esteban de Viena. Durante su paso por Hainburg, el director de orquesta de la catedral de Viena y compositor de la corte, Georg Reuther, llamó la atención sobre sus extraordinarias habilidades musicales. Haydn era una persona sinceramente religiosa. Es autor de numerosas misas y otras obras vocales e instrumentales basadas en textos espirituales. 23 www.classon.ru La educación infantil en el ámbito del arte ruso Zepperl. Entonces, en 1740, Haydn, de ocho años, se encontró en la capital de Austria, donde fue aceptado como cantante en la capilla de la catedral (principal) de la Catedral de San Esteban. haciéndolo yo mismo. Difícil comienzo de una vida independiente. Cuando, a la edad de dieciocho años, la voz del joven comenzó a quebrarse, se volvió ronca temporalmente y perdió flexibilidad, lo expulsaron de la capilla con rudeza y sin piedad. Al encontrarse sin hogar y sin fondos, podría haber muerto de hambre y de frío si no hubiera estado protegido durante un tiempo por un cantante conocido que vivía con su esposa y su hijo en una pequeña habitación bajo el techo. Haydn comenzó a asumir cualquier trabajo musical que se le ocurriera: copiaba notas, daba lecciones económicas de canto y clave, y participaba como violinista en conjuntos instrumentales callejeros que interpretaban serenatas nocturnas en honor a uno de los habitantes. Finalmente pudo alquilar una pequeña habitación en el sexto y último piso de una casa en el centro de Viena. La habitación estaba azotada por el viento, no había estufa y en invierno el agua a menudo se congelaba. Haydn vivió en una situación tan difícil durante diez años. Pero no se desanimó y practicó con entusiasmo su arte favorito. “Cuando me sentaba ante mi viejo y carcomido teclado”, recordó en su vejez, “no envidiaba la felicidad de ningún rey”. A Haydn le ayudó a superar las dificultades cotidianas su carácter vivaz y alegre. Una vez, por ejemplo, por la noche colocó a sus compañeros músicos en rincones apartados de una de las calles de Viena y, a su señal, todos empezaron a tocar lo que quisieran. El resultado fue un “concierto de gatos” que causó revuelo entre los vecinos de los alrededores. Dos de los músicos terminaron bajo custodia policial, pero el instigador de la escandalosa “serenata” no fue extraditado. Habiendo conocido al popular actor cómico, Haydn, en colaboración con él, compuso el singspiel "The Lame Demon" y ganó una pequeña cantidad de dinero 20. Y para aprovechar las instrucciones profesionales del famoso compositor y profesor de canto italiano Nicola Antonio Porpora, Haydn acompañaba a sus alumnos en las clases de canto y, además, le servía de lacayo. Poco a poco, Haydn empezó a ganar fama en Viena como profesor y como compositor. Conoció a gente famosa; Músicos y amantes de la música. En casa de un destacado funcionario, comenzó a participar en la interpretación de conjuntos de cámara y creó sus primeros cuartetos de cuerda para conciertos en su finca. Y Haydn escribió su primera sinfonía en 1759, cuando recibió una pequeña orquesta a su disposición, convirtiéndose en el director de la capilla del Conde Morcin. El Conde sólo se quedó con músicos solteros. Haydn, que se casó con la hija de un peluquero vienés, se vio obligado a mantenerlo en secreto. Pero esto duró sólo hasta 1760, cuando en Viena, una gran ciudad hermosa con magníficos edificios y conjuntos arquitectónicos, una ola de nuevas impresiones vívidas invadió al niño. Por todas partes sonaba música folclórica multinacional. Se interpretaron obras vocales e instrumentales solemnes en la catedral y en la corte imperial, donde también actuó la capilla. Pero las condiciones de existencia volvieron a resultar difíciles. Durante las clases, ensayos y actuaciones, los chicos del coro estaban muy cansados. Se les alimentaba escasamente y constantemente pasaban hambre. Fueron severamente castigados por hacer bromas. El pequeño Haydn continuó estudiando con diligencia el arte del canto, tocando el clave y el violín, y tenía muchas ganas de componer música. Sin embargo, Reuther no le prestó atención. Demasiado ocupado con sus propios asuntos, durante los nueve años de estancia de Haydn en la capilla, sólo le dio dos lecciones de composición. Pero Joseph logró su objetivo con perseverancia y diligencia. Unos años más tarde escribió otro singspiel llamado "The New Lame Demon". 20 24 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia Los asuntos materiales del conde se tambalearon y disolvió su capilla. El matrimonio de Haydn fracasó. Su elegido se distinguía por un carácter difícil y gruñón. No estaba en absoluto interesada en los asuntos compositivos de su marido, hasta el punto de que hacía rulos y forros para paté a partir de los manuscritos de sus obras. Unos años más tarde, Haydn empezó a vivir separado de su esposa. No tuvieron hijos. En la Capilla de los Príncipes de Esterházy. En 1761, un rico húngaro; El príncipe Pal Antal Esterházy invitó a Haydn a Eisenstadt como vicecapellmeister. A partir de ese momento, Haydn comenzó su servicio a la familia Esterhazy, que duró tres décadas enteras. Cinco años más tarde se convirtió en director de banda, tras la muerte del anciano músico que ocupaba este puesto. El heredero de Pal Antal, que murió en 1762, se distinguió por su compromiso con el lujo y el entretenimiento caro: su hermano Miklos 1, apodado el Magnífico. Unos años más tarde trasladó su residencia de Eisenstadt a un nuevo palacio rural de 126 habitaciones, lo rodeó con un enorme parque, construyó una ópera con 400 asientos y un teatro de marionetas cerca, y aumentó significativamente el número de músicos en la capilla. . Trabajar allí le dio a Haydn un buen apoyo financiero y, además, la oportunidad de componer mucho e inmediatamente ponerse a prueba en la práctica, dirigiendo la interpretación orquestal de sus nuevas obras. En Eszterhaza (el nombre de la nueva residencia principesca) se celebraban a menudo recepciones multitudinarias, a menudo con la participación de invitados extranjeros de alto rango. Gracias a esto, la obra de Haydn se fue conociendo poco a poco fuera de Austria. Pero había, como suele decirse, otra cara de la moneda en todo esto. Al ingresar al servicio, Haydn firmó un contrato según el cual se convirtió en una especie de sirviente musical. Debía presentarse todos los días, antes y después del almuerzo, ante el palacio con una peluca empolvada y medias blancas para escuchar las órdenes del príncipe. El contrato obligaba a Haydn a escribir urgentemente “cualquier música que su señoría desee, a no mostrar nuevas composiciones a nadie, y mucho menos permitir que nadie las copie, sino conservarlas únicamente para su señoría y no componer nada para nadie sin su conocimiento y gentil permiso”. Además, Haydn debía controlar el orden en la capilla y el comportamiento de los músicos, dar lecciones a los cantantes y ser responsable de la seguridad de los instrumentos y notas. No vivía en el palacio, sino en un pueblo vecino, en una casa pequeña. Desde Eisenstadt, la corte principesca se trasladaba en invierno a Viena. Y desde Eszterhazy Haydn sólo podía llegar a la capital ocasionalmente con el príncipe o con un permiso especial. Durante los muchos años que pasó en Eisenstadt y Eszterhaza, Haydn pasó de ser un músico novato a ser un gran compositor, cuyo trabajo alcanzó una gran perfección artística y recibió reconocimiento no sólo en Austria, sino también mucho más allá de sus fronteras. Así, escribió seis “Sinfonías de París” (núms. 82-87) por encargo de la capital de Francia, donde se interpretaron con éxito en 1786. Los encuentros de Haydn con Wolfgang Amadeus Mozart en Viena se remontan a la década de 1780. El acercamiento amistoso tuvo un efecto beneficioso en el trabajo de ambos grandes músicos. Con el tiempo, Haydn comenzó a sentir cada vez más agudamente su posición de dependencia. Sus cartas a sus amigos de Esterhazy en Viena, escritas en la primera mitad de 1790, contienen las siguientes frases: “Ahora - estoy sentado en mi desierto - abandonado - como un pobre huérfano - casi sin compañía de gente - triste... El Los últimos príncipes de Esterhazy poseían vastas propiedades, tenían muchos sirvientes y llevaban una vida similar a la de la realeza en sus palacios. Especial 25 www.classon.ru La educación de los niños en el ámbito artístico en Rusia Durante días no sabía si era director de orquesta o director de orquesta. .. Es triste ser esclavo todo el tiempo...” Un nuevo giro en el destino. Viajes a Inglaterra. En el otoño de 1790 murió Miklós Esterházy. Era un amante de la música ilustrado, tocaba instrumentos de cuerda y no podía dejar de apreciar a su manera a un "servidor musical" como Haydn. El príncipe le legó una cuantiosa pensión vitalicia. El heredero Miklos Antal, indiferente a la música, disolvió la capilla. Pero queriendo que el famoso compositor siguiera figurando como su director de orquesta, incluso aumentó los pagos monetarios a Haydn, quien así quedó libre de deberes oficiales y pudo controlarse por completo. Haydn se mudó a Viena con la intención de componer música y al principio rechazó ofertas para visitar otros países. Pero luego aceptó la oferta de hacer un largo viaje a Inglaterra y llegó a Londres a principios de 1791. Así, acercándose a su sexagésimo cumpleaños, Haydn vio el mar por primera vez con sus propios ojos y se encontró por primera vez en otro país. A diferencia de Austria, que todavía era aristocrática feudal en su orden, Inglaterra había sido durante mucho tiempo un país burgués, y la vida social, incluida la musical, de Londres era muy diferente de la de Viena. En Londres, una ciudad enorme con muchas empresas industriales y comerciales, los conciertos prevalecían no para personas seleccionadas invitadas a los palacios y salones de la nobleza, sino organizados en salones públicos, a los que todos acudían pagando una tarifa. El nombre de Haydn en Inglaterra ya estaba rodeado de un aura de fama. Tanto músicos famosos como dignatarios lo trataron no sólo como a un igual, sino también con especial respeto. Sus nuevas obras, en las que actuó como director, fueron recibidas con entusiasmo y generosamente pagadas. Haydn dirigió una gran orquesta de 40 a 50 personas, es decir, el doble del tamaño de la Capilla Esterhazy. La Universidad de Oxford le otorgó el título de Doctor honoris causa en Música. Haydn regresó a Viena un año y medio después. En el camino visitó la ciudad alemana de Bonn. Allí conoció por primera vez al joven Ludwig van Beethoven, quien pronto se mudó a Viena con la intención de estudiar con Haydn. Pero Beethoven no aprendió de él por mucho tiempo. Dos genios musicales, demasiado diferentes en edad y temperamento, no encontraron entonces un verdadero entendimiento mutuo. Sin embargo, Beethoven dedicó sus tres sonatas para piano (núms. 1-3) a Haydn durante su publicación. El segundo viaje de Haydn a Inglaterra comenzó en 1794 y duró incluso poco más de año y medio. El éxito volvió a ser triunfal. De las numerosas obras creadas; Durante y en relación con estos viajes, las doce llamadas “Sinfonías de Londres” fueron especialmente significativas. Los últimos años de vida y creatividad. El siguiente príncipe de Esterházy, Miklós II, estaba más interesado en la música que su predecesor. Por lo tanto, Haydn comenzó a viajar en ocasiones de Viena a Eisenstadt y escribió varias misas por encargo del príncipe. Las principales obras del compositor de los últimos años, dos oratorios monumentales, "La creación del mundo" y "Las estaciones", se representaron en Viena con gran éxito (uno en 1799 y el otro en 1801). Representación del caos antiguo, del que surge el mundo, la creación de la Tierra, el nacimiento de la vida en la Tierra y la creación del hombre: este es el contenido del primero de estos oratorios. Las cuatro partes del segundo oratorio (“Primavera”, “Verano”, “Otoño”, “Invierno”) se componen de acertados bocetos musicales de la naturaleza rural y la vida campesina. 26 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte ruso Después de 1803, Haydn no compuso nada más. Vivió su vida tranquilamente, rodeado de fama y honor. Haydn murió en la primavera de 1809, en el apogeo de guerras napoleónicas cuando los franceses entraron en Viena. violonchelos y contrabajos. El grupo de instrumentos de viento de madera está formado por flautas, oboes, clarinetes y fagotes 21. El grupo de instrumentos de metal de Haydn está formado por trompas y trompetas, y de los instrumentos de percusión utilizó sólo timbales y sólo en la última duodécima “Sinfónica de Londres” añadió un triángulo, platillos y un tambor. Preguntas y tareas 1. ¿A qué tres grandes compositores se les llama clásicos musicales vieneses? ¿Qué explica esta definición? 2. Cuéntanos sobre la vida musical de la Viena del siglo XVIII. 3. Nombra los principales géneros musicales en las obras de Haydn. 4. ¿Dónde y cómo pasó Haydn su infancia y juventud? 5. ¿Cómo inició Haydn su camino independiente? 6..¿Cómo se desarrolló la vida y la obra de Haydn durante su servicio en la Capilla de los Príncipes de Esterházy? 7. Cuéntanos sobre los viajes de Haydn a Inglaterra y sus últimos años de vida. Creatividad sinfónica Cuando Haydn escribió su primera sinfonía en 1759, ya existían y se seguían creando muchas obras de este género. Surgieron en Italia, Alemania, Austria y otros países europeos. A mediados del siglo XVIII, por ejemplo, las sinfonías compuestas e interpretadas en la ciudad alemana de Mannheim, que contaba con la mejor orquesta de la época, adquirieron fama universal. Entre los compositores de la llamada “escuela de Mannheim” había muchos checos. Uno de los antepasados de la sinfonía es una obertura de ópera italiana en tres partes (con la proporción de partes en tempo: “rápido-lento-rápido”). En las sinfonías tempranas (“preclásicas”) todavía se estaba allanando el camino hacia la futura sinfonía clásica, características distintivas que se convirtió en el significado del contenido figurativo y la perfección de la forma. Siguiendo este camino, Haydn llegó a crear sus sinfonías maduras en la década de 1780. Y luego aparecieron sinfonías maduras, todavía muy joven Mozart , quien ascendió sorprendentemente rápido a las alturas de la excelencia artística. Haydn creó sus Sinfonías de Londres, que coronaron sus logros en este género, tras la prematura muerte de Mozart, que lo conmocionó profundamente. En las sinfonías maduras de Haydn, se estableció la siguiente composición típica de un ciclo de cuatro movimientos: sonata allegro, movimiento lento, minueto y final (generalmente en forma de rondó o sonata allegro). Al mismo tiempo, se definió en sus principales características la composición clásica de la orquesta compuesta por cuatro grupos de instrumentos. El grupo líder son las cuerdas. Incluye violines, violas y Haydn no siempre usó clarinetes. Incluso en sus Sinfonías de Londres se escuchan sólo en cinco (de doce). 21 27 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia Esta sinfonía se conoce como “Militar”. Algunas de las otras sinfonías de Haydn también tienen títulos. En la mayoría de los casos, no los pone el propio compositor y marcan sólo un detalle particular, a menudo figurativo, por ejemplo, la imitación del cloqueo en el movimiento lento de la sinfonía "Pollo" o el "tictac" en el movimiento lento del "Reloj". ” sinfonía. Una historia especial tiene que ver con la sinfonía en fa sostenido menor, a la que se le asignó el nombre de “Adiós”. Tiene una quinta parte adicional (más precisamente, una coda tipo Adagio). Durante su actuación, los integrantes de la orquesta, uno a uno, apagan las velas de sus consolas, toman sus instrumentos y se van. Sólo quedan dos violinistas, que tranquila y tristemente terminan de tocar los últimos compases y también se marchan. Existe la siguiente explicación para esto. Es como si un verano el Príncipe Miklós I retuviera a los músicos de su capilla en Eszterháza más tiempo del habitual. Y querían tomarse rápidamente unas vacaciones para ver a sus familias que vivían en Eisenstadt. Y el inusual segundo final de la Sinfonía de despedida sirvió como indicio de estas circunstancias. Además de sinfonías, Haydn escribió muchas otras obras para orquesta, incluidos más de cien minuetos individuales. Y de repente todo se transforma alegremente: comienza la exposición de la sonata allegro. En lugar de un tempo lento, uno rápido (Allegro con Spirito - “Rápido, con entusiasmo”), en lugar de unísonos de bajo pesado, de los mismos sonidos de sol y la bemol en el registro alto, el primer motivo del movimiento, Nace el tema de baile contagiosamente alegre de la parte principal. Todos los motivos de este tema, expuestos en la tonalidad principal, comienzan con una repetición del primer sonido, como con un sello ferviente: Sinfonía en mi bemol mayor Esta es la undécima de las doce Sinfonías de Londres de Haydn. Su tonalidad principal es mi bemol mayor. Se la conoce como la "sinfonía con trémolo timbales" 22. La sinfonía consta de cuatro movimientos. La primera parte comienza con una lenta introducción. El trémolo ("redoble") de un tímpano afinado con la tónica suena suavemente. Es como un trueno lejano. Luego, el tema de la introducción se desarrolla en “repisas” amplias y suaves. Primero se toca al unísono en octavas por violonchelos, contrabajos y fagotes. Parece como si algunas sombras misteriosas flotaran silenciosamente, a veces deteniéndose. Entonces dudan y se congelan: en los últimos compases de la introducción, los unísonos se alternan varias veces en los sonidos adyacentes sol y la bemol, lo que obliga al oído a esperar: ¿qué pasará después? La doble interpretación del tema con instrumentos de piano de cuerda se complementa con un desenfrenado y divertido baile que suena con fuerza en toda la orquesta. Este boom pasa rápidamente y vuelve a aparecer un toque de misterio en la parte de conexión. La estabilidad tonal se rompe. Hay una modulación en si bemol mayor (dominante de mi bemol mayor): la tonalidad de la parte secundaria. En la parte conjuntiva no hay un tema nuevo, pero se escucha el motivo original del tema de los timbales: hemisferios con piel estirada sobre ellos, que se golpea con dos palos. Cada hemisferio puede producir sonido en un solo tono. Las sinfonías clásicas suelen utilizar dos hemisferios, afinados en la tónica y en la dominante. 22 28 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte ruso de la parte principal y un recordatorio lejano del tema inicial: La exposición termina con la declaración de la tonalidad de la parte secundaria (si bemol mayor). Se repite la exposición y luego sigue el desarrollo. Está lleno de desarrollo polifónico imitativo y tonal-armónico de motivos aislados del tema de la parte principal. El tema del juego paralelo aparece hacia el final del desarrollo. Está realizado íntegramente en clave de re bemol mayor, lejos de la principal, es decir, aparece como bajo una luz nueva e inusual. Y un día (tras una pausa general con la fermata) aparecen en el bajo las entonaciones del misterioso tema inicial. El desarrollo suena predominantemente piano y pianissimo y sólo ocasionalmente forte y fortissimo con acentos individuales de sforzando. Esto realza la impresión de misterio. Los motivos del tema principal en su desarrollo a veces se parecen a una danza fantástica. Uno puede imaginar que se trata de una danza de unas luces misteriosas, que a veces parpadean intensamente. En una repetición en clave de mi bemol mayor, no solo se repite la parte principal, sino también la secundaria, y se omite la parte de conexión. Algún misterio aparece en el código. Comienza, como la introducción, con un tempo de Adagio, un trémolo de timbales tranquilo y carreras lentas al unísono. Pero pronto, al final del primer movimiento, regresan el tempo rápido, la sonoridad fuerte y los "pisos" alegres del baile. La segunda parte de la sinfonía, Andante, es una variación de dos temas: una canción en do menor y una canción de marcha en do mayor. La estructura de estas llamadas variaciones dobles es la siguiente: se presentan el primer y segundo tema, luego siguen: la primera variación del primer tema, la primera variación del segundo tema, la segunda variación del primer tema, la segunda variación del segundo tema y coda, basada en el material del segundo tema. Hasta el día de hoy, los investigadores discuten sobre la nacionalidad del primer tema. Los músicos croatas creen que por sus características es croata. canción popular , y húngaro: que esta es una canción húngara. También los serbios, búlgaros y polacos encuentran en él sus rasgos nacionales. Esta disputa no se puede resolver con certeza, porque las grabaciones son así. El tema de la parte lateral vuelve a ser una divertida canción de baile. Pero en comparación con la fiesta principal, ella no es tan enérgica, pero sí más elegante y femenina. La melodía suena de violines y oboe. Un acompañamiento típico de vals acerca este tema al módulo de aterrizaje, una danza austríaca y del sur de Alemania, uno de los antepasados del vals: 29 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia la antigua melodía y sus palabras no eran encontró. Aparentemente, fusionó las características de varias melodías eslavas y húngaras; tal es, en particular, el peculiar movimiento de la segunda extendida (mi bemol - fadieuse): las variaciones del segundo tema reanudan el paso heroico de marcha, adornado con pasajes virtuosos: florituras de flauta. Y en el gran código hay giros inesperados en el desarrollo de los “eventos musicales”. Primero, el tema de la marcha se vuelve suave y transparente. Luego se desarrolla intensamente el motivo aislado de él con un ritmo punteado. Esto conduce a la aparición repentina de la tonalidad de mi bemol mayor, tras lo cual la dirección final del tema de la marcha suena brillante y solemne en do mayor. La tercera parte de la sinfonía, el Minueto, combina originalmente el paso tranquilo de un baile de la alta sociedad con amplios saltos caprichosos y síncopas en la melodía: una melodía y un segundo tema mayor en marcha. A diferencia del primero, al mismo tiempo tiene cierta afinidad con él: un compás de un cuarto, una dirección de la melodía ascendente y luego descendente y un grado IV elevado (fadieuse): este tema caprichoso se desencadena con un movimiento suave y tranquilo. en el Trío, la sección media del Minueto, ubicada entre la primera sección y por su repetición exacta23: La presentación del primer tema con instrumentos de cuerda, piano y pianísimo, se asemeja a una narración pausada, el comienzo de una historia sobre algunos acontecimientos inusuales. El primero de ellos puede ser una presentación repentinamente ruidosa del segundo tema de marcha, en el que se añaden instrumentos de viento al grupo de cuerdas. El tono narrativo continúa en la primera variación del primer tema. Pero a su sonido se unen ecos quejumbrosos y cautelosos. En la primera variación del segundo tema, el violín solista colorea la melodía con pasajes con patrones caprichosos. En la segunda variación del primer tema, la narración adquiere de repente un carácter tormentoso y excitado (se utilizan todos los instrumentos, incluidos los timbales). En el segundo, el Minueto (o más bien, sus secciones extremas, sofisticadas y caprichosas) contrasta con los temas folclóricos cotidianos de, por un lado, la primera y segunda parte de la sinfonía, y por el otro, su última, cuarta. parte - el final. Aquí, como corresponde a una sonata allegro clásica, en la exposición la parte principal está dispuesta en la tonalidad principal de mi bemol mayor, la parte secundaria está en la tonalidad dominante de si bemol mayor, y en la repetición suenan ambas. en mi bemol mayor. Sin embargo, en la parte lateral, no pasó mucho tiempo que la sección central de las obras orquestales fuera interpretada habitualmente por tres instrumentos. De ahí viene el nombre de “trío”. 23 30 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia es un tema completamente nuevo. Se basa en el tema de la parte principal. Derivado de la palabra francesa "ronde", que significa "círculo" o "danza circular". Preguntas y tareas 1. ¿Cuándo llegaron Haydn y Mozart a crear sus sinfonías de madurez? 2. ¿De qué partes suele constar una sinfonía de Haydn? Nombra los grupos de instrumentos de la orquesta de Haydn. 3. ¿Qué nombres de las sinfonías de Haydn conoces? 4. ¿Por qué la sinfonía en mi bemol mayor de Haydn se llama “con trémolo o marca”? ¿Con qué sección comienza? 5. Describe los temas principales de la forma sonata en el primer movimiento de esta sinfonía. 6. ¿De qué forma y sobre qué temas se escribió la segunda parte de la sinfonía? 7. Describe los principales temas y apartados de la tercera parte. 8. ¿Cuál es la peculiaridad de la relación entre los temas de las partes principal y secundaria en el final? ¿Cuál es la conexión entre el carácter de la música en la primera parte de la sinfonía y en su final? Por tanto, resulta que todo el final se basa en un tema. El compositor, como en un intrincado juego, resume el tema en su totalidad o combina hábilmente sus variaciones y elementos individuales. Y ella misma es intrincada. Después de todo, en él aparece por primera vez una base armónica: el llamado "golpe dorado" de dos cuernos, una señal típica de los cuernos de caza. Y sólo entonces se superpone a esta base una melodía de baile, cercana a las canciones populares croatas. Comienza "pisoteando" un sonido, y posteriormente este motivo se repite muchas veces, se imita, pasando de una voz a otra. Esto recuerda el motivo inicial del tema principal de la primera parte y cómo se desarrolla allí. Además, el compositor indicó el mismo tempo en el final: Allegro con Spirito. Así, en el final, finalmente reina el elemento de la alegre danza folclórica. Pero aquí tiene un carácter especial: se asemeja a una intrincada danza circular, una danza grupal en la que la danza se combina con canciones y acciones lúdicas. Esto también se ve confirmado por el hecho de que en la exposición la parte principal se repite en el tono principal dos veces más, después de un pequeño episodio de transición y después de una parte lateral. Es decir, parece reanudarse, moviéndose en círculo. Y esto introduce características de la forma rondó en la forma sonata. La misma palabra "rondó", como ya se mencionó, creatividad en el teclado Cuando Haydn creó sus obras para teclado, el piano gradualmente reemplazó al clavicémbalo y al clavicémbalo en la práctica musical. Haydn escribió sus primeras obras para estos antiguos instrumentos de teclado, y en ediciones más años posteriores Empezó a indicar “para clavicémbalo o piano” y, finalmente, a veces sólo “para piano”. Entre sus obras para teclado, el lugar más significativo lo ocupan las sonatas solistas. Anteriormente se creía que Haydn tenía sólo 52, pero luego, gracias a las búsquedas de los investigadores, este número aumentó a 62. Las más famosas incluyen las sonatas en re mayor y mi menor24. Sonata en re mayor El tema de la parte principal, con la que comienza la primera parte de esta sonata, es una danza que salpica de diversión y alegría con saltos de octava traviesos y juveniles, notas de gracia, mordentes y repeticiones de sonidos. También se puede imaginar esa música sonando en operebuffa: en ediciones anteriores estas sonatas se imprimen como “No. 37” y “No. 24 31 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia Pero el desarrollo del tema de la parte secundaria está atravesado por saltos traviesos desde la parte principal, y luego por un pasaje exigente Movimiento desde la parte de conexión. Se vuelve más intenso, arrollador y de repente se calma rápidamente, como si fuera una decisión tomada al instante. Después de esto, la exposición finaliza con una parte final de baile alegre. Hay mucha actividad en desarrollo nuevamente. Aquí la octava salta del tema de la parte principal, moviéndose hacia la mano izquierda, se vuelve aún más traviesa, y el movimiento del pasaje alcanza una tensión aún mayor y un alcance más amplio que en el desarrollo del tema de la parte lateral de la exposición. En la repetición, el sonido de las partes secundaria y final en la tonalidad principal (re mayor) establece firmemente el predominio del estado de ánimo alegre. El contraste más fuerte lo introduce en la sonata el breve segundo movimiento, de carácter lento y comedido. Está escrito en la tonalidad del mismo nombre en re menor. En la música se puede escuchar el pesado paso de la zarabanda, una danza antigua que a menudo adoptaba el carácter de una procesión fúnebre. Y en las expresivas exclamaciones melódicas con tresillos y figuras rítmicas punteadas hay una similitud con los cantos tristes de los gitanos húngaros: pasajes alegres y quisquillosos de semicorcheas llenan la parte de conexión. Y el tema de la parte lateral (en tono de La mayor) también es danza, sólo que más sobria y elegante: 32 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte ruso Sonata en mi menor A principios de la década de 1780, Haydn Recibió una invitación para realizar un viaje de conciertos a Londres. Lo preparó diligentemente, pero no pudo llevarlo a cabo debido a sus deberes oficiales en la Capilla Esterházy. Es posible que los sueños de un viaje lejano “al extranjero” y las experiencias asociadas con ellos se reflejaran en la sonata en mi menor que apareció en ese momento. Esta es la única de las pocas sonatas menores de Haydn, donde en el primer movimiento se combina un carácter lírico pronunciado con un tempo muy rápido. El tema mismo de la parte principal de este movimiento, con el que comienza la sonata, también es peculiar: pero en el arte optimista de Haydn, las imágenes oscuras de la muerte siempre son superadas por imágenes brillantes de la vida. Y la segunda parte en re menor de esta sonata, que no termina en la tónica, sino en el acorde dominante, pasa directamente al rápido final en re mayor 25. El final está construido en forma de rondó, donde el tema principal es el estribillo. (en la tonalidad principal de re mayor) - se repite tres veces, y entre sus repeticiones hay secciones cambiantes - episodios: el primer episodio está en re menor y el segundo en sol mayor. Aquí, sólo en el primer episodio, en re menor, se cuelan recuerdos tristes: un eco de la parte media. El segundo episodio, en sol mayor, ya es descuidadamente alegre y conduce a un cómico "paso de lista" de las manos derecha e izquierda en la misma nota. Y el tema principal del final, la danza voladora (estribillo rondó), es uno de los más alegres de Haydn: las frases iniciales del tema se componen de una combinación de dos elementos. En el bajo, en la mano izquierda, el piano, se mueve con un sonido tónico menor de tríada, como llamadas para correr hacia algún lugar en la distancia. E inmediatamente en la mano derecha siguen temblando, como dudando, vacilando motivos-respuestas. El movimiento general del tema es suave, ondulado, oscilante. Además, el tamaño de la primera parte (6/8) es típico del género de barcarola: “canciones sobre el agua”26. En la parte de conexión, hay una modulación en sol mayor paralela a mi menor: la tonalidad de las partes lateral y final. Las partes de conexión y final, llenas de pasajes conmovedores de semicorcheas, enmarcan la parte lateral: ligera, soñadora. Esto lo indican las palabras italianas "attacca subito il Finale", que significa "comenzar el final inmediatamente". Originalmente las canciones de los gondoleros venecianos se llamaban barcarolas. El nombre del género en sí proviene de la palabra italiana "barca" - "barco". 25 26 33 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia, como si se elevara: la naturaleza, cuando sonaban las señales, como si llamaran a regresar, ¡el corazón parecía palpitar en alegre alarma! Y aquí, después de la transición de acordes, aparece el tema principal del tercer movimiento (final). Éste es el estribillo de la forma rondó en la que está escrito el Final. Parece una canción de acompañamiento inspirada que te ayuda a correr “a toda vela” hacia tu tierra natal: así, el diagrama de la forma del rondó en el final es el siguiente: estribillo (mi menor), primer episodio (mi mayor), estribillo (Mi menor), segundo episodio (Mi mayor), estribillo (Mi menor). Ambos episodios están conectados con el estribillo y entre sí por un parentesco melódico. Cuando se reproducen las partes de conexión, lateral y final, la imaginación dibuja imágenes tentadoras: con qué libertad sopla el viento de cola, con qué alegría el rápido movimiento te lleva hacia adelante. Además, en el desarrollo, construido sobre el material de las partes principal, de conexión y final, predominan las desviaciones hacia tonalidades menores. En la repetición se escuchan en tono principal, es decir, no mayor, sino menor, las partes laterales y finales, que se han vuelto más extensas. Sin embargo, la tristeza y las dudas espirituales eventualmente se superan al esforzarse hacia lo desconocido. Éste es el significado de los últimos compases del primer movimiento, donde se repite notablemente el inicio invocador del tema de la parte principal. La segunda parte de la sonata, lenta, en sol mayor, es una especie de aria instrumental, imbuida de un brillante estado de ánimo contemplativo. Sus coloraturas claras están saturadas de ecos del canto de los pájaros y el murmullo de los arroyos: Preguntas y tareas 1. Nombra el género principal de la música para teclados de Haydn. ¿Cuántas de sus sonatas se conocen? 2. Describir las secciones principales del primer movimiento de la sonata en re mayor. ¿Existe una conexión en esta parte entre las partes principal y secundaria? 3. ¿Qué contraste aporta la segunda parte con la música de la sonata en re mayor? ¿Cuál es su relación con el final? 4. Cuéntenos sobre las características estructurales y la naturaleza del tema de la parte principal del primer movimiento de la sonata en mi menor. Madurar y caracterizar los restantes temas y apartados de esta parte. 5. ¿Cuál es el carácter del segundo movimiento de la sonata en mi menor? 6. Cuéntenos sobre la forma del final de la sonata en mi menor y la naturaleza de su tema principal. Obras principales Más de 100 sinfonías (104) Numerosos conciertos para diversos instrumentos con orquesta Más de 80 cuartetos (para dos violines, viola y violonchelo) (83) 62 sonatas para teclado Oratorios “La creación del mundo” y “Las estaciones” 24 óperas Arreglos de canciones escocesas e irlandesas Sin embargo, no importa cuán dulce sea el descanso pacífico en algún lugar lejano, en el seno de 34 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte de Rusia está escrito en muchos géneros: sus sinfonías, conciertos instrumentales, diversos conjuntos de cámara, sonatas para piano, Réquiem para coro, solistas y orquesta. El fenomenal talento de Mozart, que se manifestó inusualmente temprano y se desarrolló rápidamente, creó un círculo alrededor de su nombre; el halo del legendario “milagro musical”. Características vívidas; A. S. Pushkin lo presentó como artista inspirado en la obra (“pequeña tragedia”) “Mozart y Salieri”. Sobre esta base se escribió la ópera homónima de N. A. Rimsky-Korsakov 27. Mozart era el compositor favorito de P. I. Tchaikovsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Camino de vida Familia. Primera infancia. El lugar de nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart, que nació en enero de 1756, es la ciudad austriaca de Salzburgo. Se encuentra pintorescamente en las orillas montañosas del rápido río Salzach, que discurre en las estribaciones orientales de los Alpes. Salzburgo era la capital de un pequeño principado, cuyo gobernante tenía el rango eclesiástico de arzobispo. En su capilla sirvió el padre de Wolfgang Amadeus, Leopold Mozart. Era un músico serio y muy educado: un prolífico compositor, violinista, organista y profesor. La Escuela de violín, publicada por él, se generalizó en varios países, incluida Rusia. De los siete hijos de Leopold y su esposa Anna Maria, solo dos sobrevivieron: el hijo menor, Wolfgang Amadeus, y su hija Maria Anna (Nannerl), ¡que era mayor! hermano durante cuatro años y medio. Cuando su padre comenzó a enseñarle a Nannerl, que tenía excelentes habilidades, a tocar el clavicémbalo, pronto comenzó a estudiar con Wolfgang, de tres años, notando su exquisito oído y su asombrosa memoria musical. Durante cuatro años, el niño ya intentaba componer. música, y sus primeras piezas para clavecín que se conservan fueron grabadas por su padre cuando el autor tenía sólo cinco años. Existe una historia muy conocida sobre cómo Wolfgang, un niño de cuatro años, intentó componer un concierto para teclado. Junto con la pluma, mojó los dedos en el tintero y dibujó borrones en el papel musical. No fue hasta que mi padre miró de cerca esta grabación infantil que, a través de las borrones, descubrió en ella un indudable significado musical. Uno de los mayores genios musicales, el compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart, vivió sólo 35 años. De ellos compuso música durante treinta años y, dejando un legado de más de 600 obras, hizo una contribución invaluable al fondo de oro del arte mundial. La valoración más verdadera y elevada del don creativo de Mozart durante su vida la dio su contemporáneo mayor, Joseph Haydn. “...Tu hijo”, le dijo una vez al padre de Wolfgang Amadeus, “es el mejor compositor que conozco personalmente y por su nombre; tiene gusto y, además, un gran conocimiento de la composición”. La música de Haydn y Mozart, llamada los clásicos vieneses, se relaciona con una percepción optimista y activa del mundo, una combinación de sencillez y naturalidad en la expresión de los sentimientos con su sublimidad y profundidad poética. Al mismo tiempo, existe una diferencia significativa entre sus intereses artísticos. Haydn está más cerca de las imágenes folklóricas y lírico-épicas, mientras que Mozart está más cerca de las imágenes líricas y lírico-dramáticas. El arte de Mozart es especialmente cautivador por su sensibilidad a las experiencias emocionales humanas, así como por su precisión y vivacidad en la encarnación de varios personajes humanos. Esto lo convirtió en un maravilloso compositor de ópera. Sus óperas, y sobre todo “Las bodas de Fígaro”, “Don Giovanni” y “La flauta mágica”, han gozado de un éxito constante durante el siglo III, habiendo sido representadas en los escenarios de todos los teatros musicales. Uno de los lugares más honorables del repertorio mundial de conciertos lo ocupan las obras de Mozart. La versión de que Salieri envenenó a Mozart por envidia es sólo una leyenda. Tchaikovsky orquestó cuatro piezas para piano de Mozart y las compuso en la suite Mozartiana. 27 28 35 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia realizará un concierto de violín... tocará en un teclado cubierto con un pañuelo, como si estuviera delante de sus ojos, o desde lejos nombrará todos los sonidos que son individuales o los acordes serán tomados del clavier o de cualquier otro instrumento o producidos por objetos: una campana, un vaso, un reloj. Al final, improvisará no sólo con el clavicémbalo, sino también con el órgano, todo el tiempo que los oyentes quieran, y en cualquier tono, incluso el más difícil, que se le solicite...” Primeros viajes de conciertos. Leopold Mozart decidió empezar a realizar viajes de conciertos a los principales centros musicales con sus hijos superdotados. El primer viaje, a la ciudad alemana de Munich, tuvo lugar a principios de 1762, cuando Wolfgang tenía apenas seis años. Seis meses después, la familia Mozart viajó a Viena. Allí, Wolfgang y Nannerl actuaron en la corte imperial, tuvieron un gran éxito y fueron colmados de regalos. En el verano de 1763, los Mozart emprendieron un largo viaje a París y Londres. Pero primero visitaron varias ciudades alemanas y, a la vuelta, París, Ámsterdam, La Haya, Ginebra y varias ciudades más. Las actuaciones de los pequeños Mozart, especialmente Wolfgang, despertaron sorpresa y admiración en todas partes, incluso en las cortes reales más magníficas. Según la costumbre de aquella época, Wolfgang se presentaba ante un público noble con un traje bordado en oro y una peluca empolvada, pero al mismo tiempo se comportaba con una espontaneidad puramente infantil, podía, por ejemplo, saltar al regazo de la emperatriz; . Los conciertos, que duraban entre 4 y 5 horas seguidas, resultaban muy agotadores para los pequeños músicos, pero para el público se convertían en una especie de entretenimiento. Esto decía uno de los anuncios: “...Una niña de doce años y un niño de séptimo darán un concierto de clavecín. .. Además, niño 36 www.classon.ru La educación de los niños en el ámbito artístico en Rusia La gira de conciertos duró más de tres años y le dejó a Wolfgang muchas impresiones diferentes. Escuchó una gran cantidad de obras instrumentales y vocales, conoció a algunos músicos destacados (en Londres, entre ellos el hijo menor de Johann Sebastian Bach, Johann Christian). Entre actuaciones, Wolfgang estudiaba composición con entusiasmo. En París se publicaron cuatro de sus sonatas para violín y clavecín, con la indicación de que eran obras de un niño de siete años. En Londres escribió sus primeras sinfonías. Regreso a Salzburgo y estancia en Viena. Primera ópera. A finales de 1766 toda la familia regresó a Salzburgo. Wolfgang comenzó a estudiar sistemáticamente la técnica de composición bajo la dirección de su padre. Los Mozart pasaron todo el año 1768 en Viena. Gracias a un contrato con el teatro, Wolfgang, de doce años, escribió en tres meses la ópera buffa “El simplón imaginario”, siguiendo modelos italianos. Comenzaron los ensayos, pero la actuación empezó a posponerse y luego cancelarse por completo (probablemente por las intrigas de gente envidiosa). No tuvo lugar hasta el año siguiente en Salzburgo. En Viena, Wolfgang compuso mucha otra música, incluidas cinco sinfonías, y dirigió con éxito su misa solemne en la consagración de la nueva iglesia. Viajes a Italia. Desde finales de 1769 hasta principios de 1773, Wolfgang Amadeus realizó tres largos viajes por Italia con su padre. En esta “tierra de la música”, el joven Mozart actuó con gran éxito en más de una docena de ciudades, entre ellas Roma, Nápoles, Milán y Florencia. Dirigió sus sinfonías, tocó el clavecín, el violín y el órgano, improvisó sonatas y fugas sobre temas determinados, arias sobre textos determinados, interpretó excelentemente obras difíciles a simple vista y las repitió en otras tonalidades. Visitó Bolonia dos veces, donde durante algún tiempo recibió lecciones del famoso maestro, teórico y compositor Padre Martini. Habiendo superado brillantemente una prueba difícil (escribir una composición polifónica utilizando técnicas polifónicas complejas), Mozart, de catorce años, fue elegido, como excepción especial, miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia. Y según los estatutos, solo se permitía la entrada a músicos que hubieran cumplido veinte años y tuvieran experiencia previa en esta autorizada institución. En Roma, mientras visitaba la Capilla Sixtina en la Ciudad del Vaticano (residencia papal) 29, Mozart escuchó una vez una gran obra espiritual polifónica para dos coros del compositor italiano del siglo XVII Gregorio Allegri. Esta obra se consideró propiedad del Papa y no se permitió su reescritura ni distribución. Pero Mozart anotó de memoria toda la compleja partitura coral y el miembro del coro papal confirmó la exactitud de la grabación. Italia, un gran país no sólo de música, sino también de bellas artes y arquitectura, dio a Mozart abundantes impresiones artísticas. Le fascinaba especialmente visitar los teatros de ópera. El joven dominó tanto el estilo de la ópera italiana que en poco tiempo escribió tres óperas, que luego se representaron con gran éxito en Milán. Se trata de dos óperas serias, "Mithridates, rey del Ponto" y "Lucius Sulla", y una ópera pastoral sobre una trama mitológica "Ascanio in Alba"30. Viajes a Viena, Munich, Mannheim, París. A pesar de sus brillantes éxitos creativos y concertísticos, Wolfgang Amadeus no logró obtener servicios en la corte de ninguno de los gobernantes de los estados italianos. Tuve que regresar a Salzburgo. Aquí, en lugar del fallecido arzobispo, reinó un nuevo gobernante, más despótico y grosero. Al padre y al hijo de Mozart, que estaban a su servicio, les resultó más difícil conseguir permiso para nuevos viajes. Pero el teatro de ópera para el que Mozart quería componer no estaba disponible en Salzburgo y otras oportunidades para la actividad musical eran limitadas. El viaje de los dos músicos a Viena sólo pudo realizarse porque el propio arzobispo de Salzburgo deseaba visitar la capital de Austria. De mala gana, también dio permiso a los Mozart para viajar; Munich, donde se representó una nueva ópera buffa del joven compositor. Y para el siguiente viaje sólo Wolfgang Amadeus consiguió con grandes dificultades el permiso. Su padre se vio obligado a quedarse en Salzburgo y su madre fue a acompañar a su hijo. La primera parada larga se produjo en la ciudad alemana de Mannheim. Aquí Wolfgang Amadeus y Anna Maria fueron recibidos calurosamente en su casa por uno de los directores de la entonces famosa orquesta sinfónica, representante de la escuela de composición preclásica de Mannheim. En Mannheim, Mozart compuesta por artistas italianos, entre ellos Miguel Ángel. 30 El Reino del Ponto es un antiguo estado en el Mar Negro, principalmente en la actual costa turca (“Pont Euxine”, es decir, “mar hospitalario”, nombre griego antiguo Mar Negro). Lucius Sulla es una figura política y militar de la antigua Grecia. Pastoral (de la palabra italiana “pastore” - “pastor”) es una obra con una trama que idealiza la vida en el seno de la naturaleza. La Capilla Sixtina es la iglesia sede de los papas en el Vaticano; Fue construido en el siglo XV bajo el Papa Sixto IV. Las paredes y el techo de la capilla están pintados con magníficas obras, sobre todo instrumentales, marcadas por un estilo musical ya maduro. Pero aquí tampoco había ningún puesto vacante permanente para Wolfgang Amadeus. En la primavera de 1778 Mozart y su madre llegaron a París. Sin embargo, las esperanzas de obtener allí un reconocimiento real y ocupar una posición destacada no se hicieron realidad. En la capital de Francia ya se habían olvidado del niño milagroso, de ese juguete aparentemente viviente, y no supieron reconocer el talento floreciente del joven músico. Mozart no tuvo suerte ni a la hora de organizar conciertos ni de recibir un encargo para la ópera. Vivía de los magros ingresos de las lecciones; para el teatro sólo podía escribir música para el pequeño ballet “Trinkets”. De su pluma surgieron nuevas obras maravillosas, pero no atrajeron mucha atención en ese momento. Y en verano, Wolfgang Amadeus sufrió un dolor severo: su madre enfermó y murió. A principios del año siguiente, Mozart regresó a Salzburgo. Ópera "Idomeneo". Romper con el arzobispo y trasladarse a Viena. Los acontecimientos más importantes de los años siguientes para Mozart fueron la creación y producción de la ópera "Idomeneo, rey de Creta" en Munich, su gran éxito. Aquí mejores calidades La ópera seria italiana se fusionó con los principios de la reforma operística de Gluck. Esto preparó el camino para el surgimiento de brillantes y originales obras maestras de la ópera Mozart. ...Era el año 1781. Mozart cumplió 25 años. Es autor de trescientas quinientas obras, llenas de nuevas ideas creativas. Y para el arzobispo de Salzburgo no es más que un sirviente musical, al que el arrogante y despótico dueño oprime y humilla cada vez más, lo obliga a sentarse a la mesa en la sala del pueblo "por encima de los cocineros, pero debajo de los lacayos", y no permitirle ir a cualquier lugar o actuar en cualquier lugar sin permiso. Todo esto se volvió insoportable para Mozart y presentó su dimisión. El arzobispo lo rechazó dos veces con maldiciones e insultos, y su colaborador cercano echó al músico con rudeza a patadas. Pero él, tras haber sufrido un shock mental, se mantuvo firme en su decisión. Mozart se convirtió en el primer gran compositor que rompió con orgullo la posición financieramente segura pero dependiente de un músico de la corte. Viena: la última década. Mozart se instaló en Viena. Sólo a veces se iba por un tiempo. capital austriaca , por ejemplo, en relación con la primera representación de su ópera “Don Giovanni” en Praga o durante dos giras de conciertos por Alemania. En 1782 se casó con Constance Weber, quien se distinguía por su carácter alegre y su musicalidad. Uno tras otro nacieron niños (pero de los seis, cuatro murieron siendo bebés). Los ingresos de Mozart por sus conciertos como intérprete de su música para clave, por la publicación de obras y por la puesta en escena de óperas eran irregulares. Además, Mozart, siendo una persona amable, confiada y poco práctica, no sabía gestionar el dinero con prudencia. El nombramiento a finales de 1787 para el puesto escasamente remunerado de músico de cámara de la corte, encargado únicamente de componer música de baile, no lo salvó de la necesidad de dinero que a menudo experimentaba. Con todo esto, en diez años vieneses, Mozart creó más de doscientas quinientas obras nuevas. Entre ellos brillaron sus logros artísticos más llamativos en muchos géneros. El año de la boda de Mozart se representó en Viena con gran éxito su brillante singspiel “El rapto en el serrallo”; humor31. Y la ópera buffa “Las bodas de Fígaro”, original; El género del “drama divertido” “Don Juan” y el cuento de ópera “La flauta mágica”, que surgió en los últimos años vieneses, se encuentran entre los picos más altos alcanzados por el teatro musical en toda su historia. su historia. Mozart escribió sus tres mejores sinfonías, que resultaron ser las últimas, incluida la en sol menor (n.° 40) en el verano de 1788. En la misma década, aparecieron muchas otras obras instrumentales del compositor: la "Little Night Serenade" orquestal de cuatro partes, varios conciertos para piano, sonatas y varios conjuntos de cámara. Mozart dedicó seis de sus cuartetos de cuerda a Haydn, con quien desarrolló una relación cálida y amistosa. Durante estos años, Mozart estudió con gran interés las obras de Bach y Handel. La obra más reciente de Mozart es el Réquiem, una misa fúnebre para coro, solistas y orquesta32. En julio de 1791, un hombre que no quiso dar su nombre lo encargó al compositor. Esto parecía misterioso y podía dar lugar a malos presentimientos. Sólo unos años más tarde quedó claro que el pedido procedía de un conde vienés que quería comprar la obra de otra persona y hacerla pasar como propia. Al caer gravemente enfermo, Mozart no pudo completar completamente el Réquiem. Fue completado a partir de borradores por uno de los estudiantes del compositor. Se cuenta que en vísperas de la muerte del gran músico, que siguió la noche del 5 de diciembre de 1791, amigos cantaron con él partes de una obra inacabada. De acuerdo con el concepto lúgubre del Réquiem, la inspirada expresividad lírica y dramática de la música de Mozart adquirió una sublimidad y seriedad especiales. Debido a la falta de fondos, Mozart fue enterrado en una fosa común durante 31 32 serrallo, la mitad femenina en las casas de los ricos nobles orientales. La palabra latina "réquiem" significa "descanso". 38 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia es deficiente y se desconoce el lugar exacto de su entierro. para Suzanne vestida de condesa con su vestido. Avergonzado de su esposa, Almaviva se ve obligado a no impedir más a Figaro y Suzanne celebrar su boda, que pone fin a un “día loco” lleno de todo tipo de imprevistos de forma alegre y feliz. La ópera comienza con una obertura, que ha ganado gran popularidad y a menudo se interpreta en conciertos sinfónicos 34. A diferencia de muchas otras oberturas, esta obertura no utiliza temas escuchados en la ópera misma. Aquí se transmite vívidamente el estado de ánimo general de la acción posterior, su fascinante rapidez y su exuberante alegría. La obertura está escrita en forma de sonata, pero sin desarrollo, que se sustituye por una breve conexión entre exposición y repetición. Al mismo tiempo, cinco temas se destacan claramente y se reemplazan rápidamente entre sí. El primero y el segundo forman el lote principal, el tercero y el cuarto, el lote secundario, el quinto, el lote final. Todos son enérgicos, pero al mismo tiempo cada uno tiene su carácter especial. El primer tema de la parte principal, interpretado al unísono por instrumentos de cuerda y fagot, avanza veloz y con traviesa agilidad: Preguntas y tareas 1. ¿En qué se parecen la música de Mozart y la música de Haydn? ¿Cuál es la diferencia entre los intereses artísticos de estos dos clásicos vieneses? 2. Cuéntenos sobre la familia y la primera infancia de Wolfgang Amadeus Mozart. 3. ¿En qué países y ciudades actuó Mozart cuando era niño? ¿Cómo fueron estas actuaciones? 4. ¿A qué edad escribió Mozart su primera ópera buffa? ¿Cómo se llamó y dónde se ambientó? 5. Cuéntanos sobre los viajes del joven Mozart a Italia. 6. ¿Qué ciudades visitó Mozart más tarde? ¿Tuvo éxito su viaje a París? 7. Cuéntanos sobre la ruptura de Mozart con el arzobispo de Salzburgo. 8. Describe la última década de la vida y obra de Mozart. Nombra las principales obras que creó durante este período. Ópera "Las bodas de Fígaro" El estreno de la ópera de Mozart "Las bodas de Fígaro" tuvo lugar en Viena en 1786. Las dos primeras representaciones fueron dirigidas por el propio compositor al clavecín. El éxito fue enorme, muchos de los temas se repitieron a modo de bises. El libreto (texto verbal) de esta ópera en cuatro actos fue escrito en italiano por Lorenzo da Ponte, basado en la comedia del escritor francés Beaumarchais “El día loco o Las bodas de Fígaro”. En 1875, P. I. Tchaikovsky tradujo este libreto al ruso y, en su traducción, la ópera se representa en nuestro país. Mozart llamó ópera bufa a Las bodas de Fígaro. Pero no se trata sólo de una comedia entretenida y con situaciones divertidas. Los personajes principales se representan en la música como una variedad de personajes humanos vivos. Y la idea principal de la obra de Beaumarchais estaba cercana a Mozart. Porque consiste en el hecho de que el sirviente del conde Almaviva, Fígaro, y su novia, la doncella Suzanne, resultan ser más inteligentes y más decentes que su noble amo, cuyas intrigas revelan hábilmente. Al propio Conde le ha cogido simpatía por Suzanne y está intentando retrasar su boda. Pero Fígaro y Susanna superan ingeniosamente todos los obstáculos que se presentan, atrayendo a su lado a la esposa del conde y al joven paje Cherubino 33. Al final, arreglan las cosas para que por la noche, en el jardín, el conde acepte la segunda barrida de fanfarria: Después de la página: un niño o joven de origen noble, que sirve al servicio de una persona noble. El tema de conexión de la parte principal y la parte completa difiere principalmente. Recordemos que la palabra "obertura" se deriva del verbo francés "ouvrir", que significa "abrir", "comenzar". 33 34 39 www.classon.ru negrita La educación de los niños en el campo del arte en Rusia en pasajes en forma de escala aparece el primer tema de la parte lateral, cuya melodía es interpretada por violines. El tema tiene un carácter rítmicamente caprichoso, ligeramente caprichoso, pero persistente: los números vocales. Así, el primer número solista de la parte de Fígaro (está confiado al barítono), una pequeña aria (cavatina), suena inmediatamente después de que Suzanne informara a su prometido que el conde había comenzado a perseguirla con sus insinuaciones. En este sentido, Fígaro tararea burlonamente la melodía en el movimiento del minueto, una danza galante de la alta sociedad (las secciones extremas de la forma repetida de tres partes de cavatina): El segundo tema de la parte lateral se asemeja a exclamaciones decisivas: Y el El tema de la parte final es el más equilibrado, como si lo arreglara todo: en la repetición, las partes laterales y finales se repiten en la tonalidad principal de re mayor. Van acompañadas de una coda que enfatiza aún más el carácter alegre y vivaz de la obertura. En esta ópera de Mozart, un lugar importante lo ocupan los conjuntos vocales, principalmente dúos (para dos personajes) y terzettos (para tres personajes). Están separados por recitativos acompañados de un clavecín. Y el segundo, tercer y último, cuarto acto terminan con finales: grandes conjuntos con la participación de seis a once personajes. Los solos se incluyen en el desarrollo dinámico de la acción de diferentes maneras y en la sección media de la cavatina, el movimiento sobrio es reemplazado por uno rápido, la elegante melodía de tres tiempos es reemplazada por una asertiva melodía de dos tiempos. Aquí Fígaro ya expresa resueltamente su intención de impedir a toda costa los planes insidiosos de su maestro: 40 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia El número más famoso en el papel de Fígaro es su aria “Un niño juguetón , rizado, enamorado”. Está dirigido al joven paje Cherubino. Accidentalmente escuchó al Conde tratando de declararle su amor a Suzanne, y a un testigo tan no deseado se le ordenó ir al servicio militar. En su aria, Fígaro se burla alegre e ingeniosamente de la situación actual, pintando cuadros de la dura vida militar para un joven mimado por la vida cortesana. Esto se refleja en la música mediante una hábil combinación de vivacidad para bailar con movimientos de fanfarria "militantes". Este es el estribillo que suena tres veces en forma de rondó: el otro es una pequeña aria con carácter de canción: “El corazón se agita con la sangre caliente”. Se trata de una confesión más moderada de tiernos sentimientos, dirigida tímidamente a la propia condesa: Suzanne (soprano) se caracteriza en muchos conjuntos por ser enérgica, diestra e ingeniosa, no inferior en esto a Fígaro. Al mismo tiempo, su imagen está sutilmente poetizada en el brillante y soñador aria del cuarto acto. En él, Suzanne hace mentalmente un suave llamamiento a Fígaro: en cuanto al propio Cherubino (su papel lo desempeña una voz femenina baja, mezzosoprano), se lo representa en dos arias como un joven ardiente, aún incapaz de comprender su propia Sentimientos, dispuesta a enamorarte a cada paso. Uno de ellos es un aria alegre y reverente: "No puedo decirlo, no puedo explicarlo". En él se combina la melodía con el ritmo, como si palpitara intermitentemente de emoción: 41 www.classon.ru Educación infantil en el campo del arte en Rusia Preguntas y tareas 1. ¿Cuándo y dónde tuvo lugar el estreno de la ópera de Mozart “Las bodas de Fígaro”? 2. ¿En qué comedia se basa su libreto? 3. ¿Cuál es la idea principal de este trabajo? 4. ¿Cómo se construye la obertura de la ópera? 5. Cuéntenos sobre las características de los dos números solistas en el papel de Fígaro. 6. ¿Qué voz se asigna al partido de Cherubino? Canta las melodías de sus arias. 7. ¿Cómo se caracteriza a Suzanne en los conjuntos y cómo en el aria del cuarto acto? La cuarta variación (con la mano izquierda sobre la derecha), por el contrario, es más audazmente amplia. La quinta variación, donde el tempo pausado inicial de Andante grazioso da paso a uno muy lento: Adagio, es un aria instrumental melodiosa, coloreada por coloraturas. Y luego el cambio de tempo a uno rápido (Allegro) corresponde al alegre carácter de baile de la última sexta variación. La segunda parte de la sonata es el Minueto. Como es habitual, está construido en forma de repetición en tres partes con una repetición exacta de la música del primer movimiento de la repetición. Entre ellos se encuentra la parte media (Trío) 35. En todas las partes del Minueto, las entonaciones amplias masculinas, decisivas e imperiosas se comparan con entonaciones femeninas, suaves y suaves, similares a exclamaciones y llamamientos líricos expresivos. La Sonata en La mayor para clave La muy conocida sonata en La mayor de Mozart, comúnmente llamada “Sonata con la marcha turca”, es un ciclo inusualmente construido. El primer movimiento aquí no es una sonata allegro, sino seis variaciones sobre un tema ligero, tranquilo e inocentemente elegante. Parece una canción que se podría cantar con buen humor y tranquilidad en la vida musical vienesa. Su ritmo suavemente oscilante se parece al movimiento de la siciliana, una antigua danza o canción de baile italiana: el compositor llamó a la tercera parte de la sonata (final) “A11a Turca” - “Al estilo turco”. Más tarde, a esta final se le asignó el nombre de “Marcha Turca”. Aquí no hay nada en común con la estructura entonativa de la música popular y profesional turca, que es inusual para los oídos europeos. Pero en el siglo XVIII, en la música europea, principalmente teatral, surgió una moda de las marchas, convencionalmente llamadas "turcas". Utilizan el colorido tímbrico de la orquesta “Jenízaro”, en la que predominaban los metales y instrumentos de percusión - tambores grandes y redoblantes, platillos, triángulo. Jenízaros era el nombre que recibían los soldados de las unidades de infantería del ejército turco. Los europeos percibían la música de sus marchas como salvaje, ruidosa y “bárbara”. No hay grandes contrastes entre las variaciones, pero todas tienen un carácter diferente. En la primera variación predomina un movimiento melódico elegante y caprichoso, en la segunda, la gracia y el juego se combinan con un toque humorístico (digno de mención son las notas de gracia “traviesas” en la parte de la mano izquierda). La tercera variación, la única escrita no en la mayor, sino en la menor, está llena de figuras melódicas ligeramente tristes, que se mueven uniformemente, como con suave timidez: al final del trío aparece la denominación “Minuetto da capo”. . Italiano - "desde la cabeza", "desde el principio". 35 “Da capo” traducido de 42 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia El final está escrito en una forma inusual. Se puede definir como una canción de tres partes con estribillo (en La mayor). La repetición repetida del coro le da a la estructura del final las características de un rondó36. La primera parte, con motivos que giran fácilmente (la menor), y la parte media, con un melodioso movimiento de pasaje (fa sostenido menor), combinan de forma natural una danza elegante con un andar claro: durante mucho tiempo se creyó que Mozart Compuso la sonata en La mayor en el verano de 1778 años en París. Pero luego descubrieron información de que esto sucedió varios años después, en Viena. Esta información es tanto más plausible cuanto que en 1782 tuvo lugar allí el estreno del Singspiel de Mozart “El rapto en el serrallo”. En él, la acción se desarrolla en Turquía, y en la música de la obertura y en los dos coros de marcha hay una notable imitación de la música "jenízara". Además, es ruidoso; Mozart no añadió la coda falsificada "Jenízaro" en La mayor al final de los senados hasta 1784, cuando publicó la obra. También es de destacar que en la sonata, como en "El rapto del serrallo", un papel importante pertenece a los géneros del canto y la marcha. En todo esto se reveló la conexión entre la música instrumental y la música teatral, muy característica de Mozart. Preguntas y tareas 1. ¿Qué tiene de inusual el ciclo de la sonata en La mayor de Mozart? Explique la naturaleza del tema y las seis variaciones del mismo en la primera parte de este trabajo. 2. ¿Qué género de danza se utiliza en la segunda parte de la sonata? 3. Explique por qué el final de la sonata en La mayor se llama “Marcha Turca”. ¿Qué tiene de especial su construcción? Cantar sus temas principales. 4. ¿A qué obra musical y teatral de Mozart se hace eco la música de su “Marcha Turca”? Sinfonía en sol menor Escrita en Viena en 1788, ¡la Sinfonía en sol menor! (Nº 40) es una de las obras más inspiradas del gran compositor. El primer movimiento de la sinfonía es una sonata allegro a un tempo muy rápido. Comienza con el tema de la parte principal, que inmediatamente cautiva como una confesión lírica sincera y confidencial. Lo cantan violines con el suave acompañamiento de otros instrumentos de cuerda. En su melodía se puede reconocer el mismo ritmo excitado que al comienzo de la primera aria de Cherubino de la ópera “Las bodas de Fígaro” (ver ejemplo 37). Pero ahora son letras más “adultas”, serias y valientes: el coro (en la mayor) suena tres veces, es similar a una especie de “coro de ruido de jenízaros”, en la parte izquierda se puede escuchar una imitación de un Redoble de tambores: En este sentido, la “Marcha Turca” a veces se llama “Rondo al estilo turco” (“Rondo alla Turca”). 36 43 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia (un pequeño avance). Pero no hay contrastes en él, todo obedece al humor general alegre, que desde el principio está determinado en la parte principal, sonada por los instrumentos de cuerda: la masculinidad del carácter se intensifica en la parte conectora, en la que se desarrolla la parte principal. Hay una modulación en sol menor paralelo si bemol mayor: la tonalidad de la parte lateral. Su tema es más ligero, más elegante y femenino en comparación con el tema principal. Está coloreado por entonaciones cromáticas, así como por timbres alternos de instrumentos de cuerda y de viento: en el séptimo compás aparece aquí una figura ligeramente "agitada" de dos notas de treinta segundos. Posteriormente, penetra en las líneas melódicas de todos los temas o parece envolverlas, apareciendo en diferentes registros para diferentes instrumentos. Son como ecos de las voces de la naturaleza pacífica. Sólo que a veces están un poco preocupados, se les escucha de cerca o de lejos. Según la tradición establecida, la tercera parte de la sinfonía es el minueto. Pero sólo la parte media, el Trío, es claramente tradicional. Con su movimiento suave, la melodía de las voces y la tonalidad de sol mayor, el trío resalta las secciones extremas de sol menor principal de este minueto, que generalmente es inusual en su tensión lírica y dramática. Parece que después de la tranquila contemplación de la naturaleza encarnada en el Andante, ahora teníamos que regresar al mundo de ansiedades e inquietudes mentales que dominó la primera parte de la sinfonía. Esto corresponde al regreso de la tonalidad principal de la sinfonía: sol menor: en la parte final se produce una nueva oleada de energía. Aquí el papel principal pertenece al desarrollo repetido y persistente del primer motivo, a tres voces, del tema de la parte principal. Con el inicio de un acontecimiento bastante extraño, las nubes parecen acumularse de manera alarmante. Desde el brillante si bemol mayor hay un giro brusco hacia la tonalidad sombría y distante del fa sostenido menor. El tema de la parte principal se desarrolla dramáticamente en el desarrollo. Pasa por varias tonalidades, se divide en frases y motivos separados y, a menudo, son imitados en diferentes voces de la orquesta. El primer motivo de este tema pulsa muy intensamente. Pero finalmente su pulsación se debilita, reprime su inquietud y se produce una repetición. Sin embargo, la influencia de la alta intensidad dramática alcanzada en el desarrollo también se deja sentir en este apartado de la primera parte. Aquí la longitud de la parte de conexión aumenta significativamente, lo que lleva a la presentación de las partes laterales y finales no en mayor, sino en la tonalidad principal de sol menor, lo que hace que su sonido sea más dramático. El segundo movimiento de la sinfonía es Andante en mi bemol mayor. Contrasta la primera parte lírico-dramática con su suave y gentil tranquilidad. La forma Andante también es sonata (siendo sol menor la tonalidad principal del cuarto movimiento de la sinfonía, el final, que tiene un tempo muy rápido. El final está escrito en forma de sonata. El tema principal de esta parte de la sinfonía es el tema de la parte principal, junto con el tema de la parte principal del primer movimiento, pertenece a los temas instrumentales más brillantes de Mozart. Pero si el tema de la primera parte suena como una confesión lírica tierna y reverente, entonces el tema. del final es un llamamiento lírico y dramático apasionado, lleno de coraje y que decidirá 44 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia 2. Cuéntenos sobre los temas principales de la primera parte de la sinfonía y su desarrollo. 3. ¿Cuál es el carácter de la música en la segunda y tercera parte de la sinfonía? 4. ¿Cuál es el tema principal del final de la sinfonía? ¿En qué se diferencia su carácter del tema de la parte principal de la primera parte? final? ¿En qué se basa el desarrollo? Obras principales Esta llamada ardiente es creada por el rápido ascenso de la melodía a lo largo de los sonidos de los acordes, su impulso parece ser respondido por enérgicas figuras melódicas que giran alrededor de un sonido. Como en el primer movimiento de la sinfonía, el elegante tema de la parte lateral del final suena especialmente brillante en la exposición cuando se interpreta en si bemol mayor: 19 óperas Réquiem Alrededor de 50 sinfonías 27 conciertos para clavier y orquesta 5 conciertos para violín y orquesta Conciertos con acompañamiento de orquesta flautas, clarinete, fagot, trompa, flauta y arpa Cuartetos de cuerda (más de 20) y quintetos Sonatas para clavier, violín y clavier Variaciones, fantasías, rondós, minuetos para clavier La parte final se basa en la Segundo elemento del tema de la parte principal. En el desarrollo del final, se desarrolla de forma especialmente intensa el primer elemento que invoca el tema de la parte principal. La alta tensión dramática se logra mediante la concentración de técnicas de desarrollo armónico y polifónico: dirección en muchos tonos e imitación de pasar lista. En la repetición, la dirección de la parte lateral en la tonalidad principal de sol menor está ligeramente matizada de tristeza. Y el segundo elemento del tema de la parte principal (figuras afirmativas y enérgicas), como en la exposición, suena en la base de la parte final de la repetición. Como resultado, el final de esta brillante creación mazartiana forma un brillante pico lírico-dramático de todo el ciclo sonata-sinfónico, sin precedentes en su determinación de desarrollo figurativo de principio a fin. Ludwig van Beethoven 1770-1827 El gran compositor alemán Ludwig van Beethoven es el más joven de los tres brillantes músicos llamados los clásicos vieneses. Beethoven tuvo la oportunidad de vivir y crear a finales de los siglos XVII y XIX, en una era de tremendos cambios y agitaciones sociales. Su juventud coincidió con los tiempos, Preguntas y tareas 1. ¿Cuándo y dónde creó Mozart la Sinfonía n.º 40 en sol menor? 45 www.classon.ru La educación de los niños en el campo del arte en Rusia
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Título: Literatura musical de países extranjeros.
Sobre el libro "Literatura musical de países extranjeros" de I. A. Prokhorov
El libro de texto titulado "Literatura musical de países extranjeros", elaborado por I. Prokhorova, está destinado al estudio independiente. Esto explica la concisión y accesibilidad de la presentación del material.
El libro "Literatura musical de países extranjeros" presentará a los estudiantes biografías breves y las mejores obras de compositores famosos. Los niños podrán aprender sobre la vida y obra de genios como I.S. Bach, J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert y F. Chopin. I. Prokhorova no describió las historias con demasiado detalle. compositores talentosos, en el libro de texto encontrarás las principales fechas de vida, origen, rangos y títulos, campo de actividad, condiciones que influyeron en la elección de la profesión. El libro contará sobre las principales etapas de la vida y obra de los músicos, sus puntos de vista sociopolíticos.
La publicación "Literatura musical de países extranjeros" está destinada a estudiantes de escuelas de música; sin embargo, todos los que aman las obras clásicas encontrarán algo interesante en este libro. El texto de I. Prokhorov se enriqueció con explicaciones de algunos conceptos musicales y extramusicales, lo que lo hace menos académico. La parte que describe la vida de los músicos se presenta en el contexto histórico y vida cultural Países europeos de esa época. Esto brinda a los estudiantes la oportunidad de obtener una comprensión más profunda y amplia de las condiciones en las que vivieron y trabajaron compositores legendarios.
Dado que el libro "Literatura musical de países extranjeros" está destinado a la lectura en casa, todas las obras sinfónicas que contiene se ofrecen en disposición a cuatro manos. Vale la pena señalar que al principio se sitúa la historia sobre la obra de Bach, que, según el programa, se estudia a finales de año. El autor dio este paso para mantener la cronología de la presentación.
El compilador de este libro confía en que el uso regular del libro de texto despertará en los estudiantes el gusto por conocer de forma independiente la literatura musical popular y científica. Además, los niños podrán desarrollar y fortalecer las habilidades de lectura visual de obras musicales, y también se acostumbrarán a tocar a cuatro manos.
El aprendizaje independiente de obras famosas te permitirá interpretarlas durante las lecciones, en presencia de otros niños, lo que hará que las clases colectivas sean más activas y mejorarán significativamente la percepción de la música clásica.
En nuestro sitio web sobre libros lifeinbooks.net puede descargar gratis sin necesidad de registrarse o leer en línea el libro “Literatura musical de países extranjeros” de I. A. Prokhorov en formatos epub, fb2, txt, rtf, pdf para iPad, iPhone, Android y Kindle. El libro le brindará muchos momentos agradables y un verdadero placer de leer. Puede comprar la versión completa a través de nuestro socio. Además, aquí encontrarás las últimas novedades del mundo literario, conoce la biografía de tus autores favoritos. Para los escritores principiantes, hay una sección separada con consejos y trucos útiles y artículos interesantes, gracias a los cuales usted mismo podrá probar suerte en el arte literario.
Las notas básicas sobre literatura musical de países extranjeros son una adición a los libros de texto existentes sobre literatura musical. El contenido del libro de texto corresponde al plan de estudios de la materia PO.02.UP.03. “Literatura musical” de programas adicionales de educación general preprofesional en el campo del arte musical “Piano”, “ Instrumentos de cuerda", "Instrumentos de viento y percusión", "Instrumentos populares", "Canto coral", recomendado por el Ministerio de Cultura de la Federación de Rusia.
Las notas básicas sobre literatura musical están diseñadas para desarrollar la educación humanitaria y las competencias especiales de los estudiantes, en particular: “...formar el pensamiento musical, las habilidades de percepción y análisis de obras musicales, adquirir conocimientos sobre las leyes de la forma musical, las particularidades del lenguaje musical, los medios expresivos de la música” 1 .
En el libro de texto, el trabajo de los compositores se presenta en el contexto de épocas culturales e históricas y se estudia en estrecha relación con acontecimientos históricos y artes relacionadas. El material de las notas representa las principales tesis de investigación sobre la historia de la música y la literatura musical de V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova y otros musicólogos famosos, material educativo generalizado y condensado en el formulario. de tablas, diagramas y soportes visuales. Los soportes visuales (reproducciones de cuadros de artistas famosos, retratos de compositores, sus familiares y amigos, destacados personajes culturales y artísticos, personajes históricos, etc.) no sólo acompañan y complementan la información verbal, sino que son portadores de información en el campo de las bellas artes. , están directamente relacionados con épocas y tendencias de la música, el trabajo de los compositores, reflejan la historia, la cultura y el arte de los países europeos.
El contenido de las notas de apoyo consta de cuatro secciones, que, a su vez, se dividen en temas que abarcan períodos de desarrollo de la música europea desde la cultura musical de la antigua Grecia hasta las obras de los compositores románticos del siglo XIX. Así, la primera sección examina la cultura musical de la Antigua Grecia, la Edad Media y el Renacimiento. La segunda sección estudia la época barroca, obra de J. S. Bach y G. F. Handel. La tercera sección está dedicada a la era del clasicismo, donde se hace hincapié en las obras de los clásicos vieneses: J. Haydn, W. A. Mozart y L. Beethoven. La cuarta sección presenta materiales sobre la era del romanticismo, la obra de F. Schubert y F. Chopin, y ofrece una breve descripción de la obra de los compositores románticos del siglo XIX F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, I. Brahms, J. Bizet.
El manual también incluye diccionarios de significados, términos y conceptos encontrados en el texto, un breve análisis y ejemplos musicales de las obras en estudio.
Junto a la estricta presentación del material en tablas y diagramas, el manual incluye hechos interesantes de la vida de compositores, presentado en forma de narrativa y acompañado de coloridas ilustraciones artísticas, que refresca la percepción y atención de los niños.
Las notas básicas sobre literatura musical de países extranjeros están destinadas a estudiantes de escuelas de arte para niños, escuelas de música para niños del segundo y tercer año de estudio (grados 5 y 6), que estudian en programas adicionales de educación general preprofesional en el campo del arte musical. . Los profesores de disciplinas teóricas musicales y especiales de las escuelas musicales infantiles y de las escuelas de arte infantiles pueden utilizar el libro de texto al estudiar material nuevo, repetir y sistematizar temas tratados, prepararse para la certificación intermedia y final de los estudiantes, prepararse para Olimpíadas teórico musicales, trabajo independiente de estudiantes, capacitación grupal e individual, parcialmente al implementar programas adicionales de desarrollo general en el campo del arte musical, en actividades culturales y educativas.
Adjunto a las notas de apoyo. libro de trabajo, que está destinado a su uso en la enseñanza en el aula.
A continuación se presentan fragmentos del manual “Notas básicas sobre literatura musical de países extranjeros”.
Con respecto a la compra del manual de Tatyana Guryevna Savelyeva "Notas básicas sobre la literatura musical de países extranjeros", comuníquese con el autor en [correo electrónico protegido]
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1 Modelo de programa de la asignatura académica PO.02. ARRIBA.03. Literatura musical. - Moscú 2012
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