Quizás no sabías algo de esto. Echa un vistazo al tema, espero que sea interesante e incansable de leer.
1. Repin le escribió a Tsarevich Ivan de Vsevolod Garshin, quien estaba nervioso e impresionable desde la infancia. Durante la guerra con los turcos, se ofreció como voluntario para servir en el ejército y, tras ser herido, aceptó actividad literaria. Todos recordamos su cuento de hadas “La rana viajera” (¡y la caricatura!). Repin creía que no podía encontrar un mejor candidato para el papel del asesinado Iván: "Me sorprendió la fatalidad en el rostro de Garshin: tenía el rostro de un hombre condenado a morir". Poco después de terminar el trabajo en el lienzo, Garshin se suicidó: saltó desde el quinto piso por un tramo de escaleras...
2. El cuadro de Kiprensky “La niña con una corona de amapolas” (“Mariuccia”) representa a Anna-Maria Falkucci, de diez años, la hija de la modelo. El artista se encariñó mucho con ella. La niña tenía mala salud y creció en extrema pobreza. El artista se hizo cargo de la niña y la matriculó en una escuela del monasterio. Esto fue en 1819. Muchos años después regresó a Italia, se convirtió al catolicismo y se casó en secreto con Mariuccia. No vivieron juntos por mucho tiempo. Cuatro meses después de la boda, Orest Kiprensky murió, y unos meses más tarde Mariuccia dio a luz a una hija, Clotilde Kiprensky, cuyo rastro, lamentablemente, se perdió irremediablemente... 
3. Para su cuadro “Ofelia”, John Millais convenció a Elizabeth Siddal, la amante de otro artista, Rosetti, para que posara mientras estaba acostada en el baño. Hacía frío en el taller, por lo que el agua de la bañera se calentaba con la ayuda de velas colocadas debajo del fondo. Elizabeth permaneció en el agua durante horas. El agua se enfrió rápidamente y al final de la sesión estaba helada. La niña enfermó de neumonía y luego desarrolló tuberculosis. Rosseti dio a luz a un niño muerto. Comenzó a experimentar fuertes dolores, de los que se salvó con opio; murió por sobredosis a los 32 años. 
4. Amadeo Modigliani era pobre, estaba muy enfermo y padecía alcoholismo y adicción al opio. A los 33 años conoció a Jeanne Hebuterne, su más grande y último amor, tenía 17 años. La felicidad duró poco. Modigliani murió dos años después. Y un día después, incapaz de soportar la pérdida, Zhanna, que estaba embarazada de nueve meses, se suicidó. El artista fue enterrado en una modesta tumba sin monumento en la sección judía del cementerio del Père Lachaise. 
La fama llegó a Modigliani sólo después de su muerte. El comerciante Louis Libod, sintiendo la inminente muerte del genio, compró sus cuadros. Y luego alardeó ante sus amigos: “¿No tengo suerte? ¡Después de todo, ayer mismo los compré por casi nada! El artista no tuvo tiempo de ser enterrado, pero sus cuadros ya habían subido de precio. 
5. Se me ocurrió el enigma de la sonrisa de Gioconda poeta francés Théophile Gautier (1811-1872), quien exclamó con entusiasmo: “¡La Gioconda! Esta palabra recuerda inmediatamente a la Esfinge de la Belleza, que sonríe tan misteriosamente en el cuadro de Leonardo... Es peligroso caer bajo el hechizo de este fantasma... Su sonrisa promete placeres desconocidos, es tan divinamente irónica...” y así sucesivamente. Antes de Gaultier, los espectadores no veían nada misterioso en la sonrisa de Mona Lisa.
El robo de la pintura del Louvre en 1912 contribuyó a la popularidad de la pintura. ¡El escándalo en la prensa fue enorme! Durante los 3 años que estuvieron buscándolo se vendieron 6 copias, las cuales se consideraron originales, y cada una de ellas costó mucho dinero. 
6. “Cuadrado Negro” se mostró por primera vez en una exposición futurista en Petrogrado en 1915. El lienzo colgaba en la "esquina roja", debajo del techo, donde se colgaban los iconos en las casas rusas. La Primera Guerra Mundial estaba en marcha y muchos la vieron en la “Plaza” símbolo siniestro futuro desastre. Al principio, el propio Malevich no sabía qué sentir acerca de su “trabajo”. Cuando le hablaron del significado del cuadrado en el budismo (el símbolo del infinito), sólo abrió mucho los ojos. Y entonces comenzó el intenso bombeo de la plaza con tintes simbólicos...
Y luego, incluso el funeral del artista se convirtió en una farsa: el cuerpo del artista con los brazos extendidos fue transportado en una plataforma de camión en un ataúd en forma de cruz, y en el capó se montó un "Cuadrado Negro" como señal de luto. 
Y este es un cuadro llamado “Batalla de negros en una cueva profunda”. noche oscura"(1893). Fue creado veinte años antes del nacimiento de la obra maestra (¿o “obra maestra”?) de Malevich (1915). El autor es un francés de las orillas de la Mancha, una persona muy excéntrica, el escritor humorista y artista Alphonse Allais. 
7. Van Gogh no se cortó toda la oreja, sino solo un trozo del lóbulo de la oreja; esto sucedió durante una pelea con Gauguin. Sin embargo, todavía existe la leyenda de que el artista se amputó toda la oreja. Esta leyenda incluso se reflejó en el comportamiento de un paciente que se opera a sí mismo o insiste en una determinada operación: se llamó síndrome de Van Gogh. 
8. Una enfermedad terrible: la adicción al alcohol destruida mejor artista Alexéi Savrasov. Su esposa lo abandonó y lo despidieron de la escuela de arte, donde Korovin y Levitan estaban entre sus alumnos. EN últimos años pasaba la noche donde tenía que ir, bebía todo el día y pintaba tabernas con una copia de su obra maestra "The Rooks Have Arrived", para tomar vodka y almorzar. Por lástima, sus conocidos le regalaron unas monedas, de lo contrario se habría bebido hasta la ropa. Finalmente, a la edad de 67 años, el artista murió de delirium tremens en un hospital para pobres. 
9. Esto puede ser una leyenda, pero cuando Leonardo da Vinci escribió “ última cena", adjuntó significado especial dos figuras: Cristo y Judas. Durante mucho tiempo no pudo encontrar modelos con los que pintar estas figuras. Finalmente logró encontrar entre los jóvenes cantantes un modelo para la imagen de Cristo. Leonardo estuvo tres años sin poder encontrar un modelo para Judas. Hasta que un día se encontró en la calle con un borracho tirado en una cuneta. Era un joven que había envejecido debido al consumo excesivo de alcohol. Leonardo lo invitó a una taberna, donde inmediatamente comenzó a pintarle a Judas. Cuando el borracho recobró el sentido, le dijo al artista que ya había posado para él una vez. Fue hace varios años, cuando cantaba en el coro de la iglesia, Leonardo le pintó a Cristo. 
10. En el programa “¿Qué? ¿Dónde? ¿Cuando?" A los conocedores se les presentaron dos cuadros de Polenov: “El jardín de la abuela” y “El patio de Moscú”, con la pregunta: “¿Qué tienen en común?” Los expertos no lo adivinaron. La respuesta es simple: las pinturas representan la misma antigua mansión noble, pero con diferentes ángulos. La dirección de esta casa única ha sobrevivido hasta el día de hoy: la casa Baumgarten, en la esquina de las calles Trubnikovsky y Durnovsky en Arbat. 
11. Un artista talentoso no necesariamente lo es en todo. Levitan, por ejemplo, pintó paisajes magníficos, pero le costó mucho representar a las personas. Entonces el artista Nikolai Chéjov ayudó a su amigo: se basó en su " dia de otoño"dama de negro. 
Y los osos del famoso cuadro de Shishkin no pertenecen al pincel de Ivan Ivanovich, sino al artista Savitsky, un amigo del artista, que más tarde se convirtió en su antiguo amigo. Tretiakov compró este cuadro a Shishkin por 4 mil rublos. Al enterarse de una suma tan impresionante, Konstantin Apollonovich, que tenía siete tiendas, acudió a Ivan Ivanovich para pedir su parte.
Ivan Ivanovich le ofreció mil rublos. Savitsky se sintió seriamente ofendido. El orgullo del artista resultó herido: ¿cómo es posible que su obra fuera valorada en una cuarta parte del coste del cuadro? Konstantin Apollonovich incluso declaró en su corazón que lo principal en la imagen eran los osos, que él inventó y encarnó en el lienzo, y Shishkin solo pintó el fondo.
Ahora Ivan Ivanovich se ofendió; consideraba que el cuadro estaba completo sin los osos. un trabajo independiente. Y además, Shishkin dibujó él mismo los bocetos de la familia de los osos. No se sabe con certeza cómo terminó el asunto, pero los amigos no pintaron más cuadros conjuntos. 
12. Ivanov trabajó en el cuadro "La aparición de Cristo al pueblo" durante 20 años, desde 1837 hasta 1857, en Italia. el lo hizo gran cantidad bocetos, estudió historia, antigüedades asirias y especialmente la Biblia. Para encontrar el paisaje deseado, pasó meses en los pantanos y desiertos de Italia. Pero era mucho más difícil representar en los rostros de las personas el momento de volverse a Dios. Para ello, el artista estudió los rostros judíos, observó de cerca los rostros de todas las personas que conoció, se sentó durante horas en la iglesia y observó a los orantes. Todo esto retrasó el trabajo, se le reprochó ser vago. El dinero que le asignaron para su trabajo se acabó. Llevó una existencia miserable. El minucioso trabajo en la pintura llevó al artista a dañarse los ojos y se vio obligado a someterse a un tratamiento prolongado. A su llegada a Rusia, el destino del cuadro no estaba claro. Después de su exhibición, apareció impreso. artículo crítico, lo que molestó mucho a Ivanov. Cayó enfermo y pronto murió. El día de su muerte, llegó un mensaje oficial de que el emperador estaba comprando la pintura por 15 mil rublos de plata (una cantidad enorme en ese momento). 
13. Durante un viaje de retiro a Italia, Ivan Konstantinovich Aivazovsky pintó el cuadro “Caos. La creación del mundo”, basada en una historia de la Biblia, que causó sensación en Roma. El Papa Gregorio XVI lo compró y otorgó al artista una medalla de oro. NEVADA. Gogol le escribió a Aivazovsky: “¡Vanya! tu viniste hombrecito, desde las orillas del Neva hasta Roma e inmediatamente desató el “Caos” en el Vaticano”. 
14. Mikhail Yuryevich Lermontov no sólo fue un poeta brillante, sino el artista más talentoso. Se conocen 13 óleos sobre lienzo, cartón y madera, más de 40 acuarelas, más de 300 dibujos y bocetos. Pero su temperamento, por decirlo suavemente, no era muy bueno. Debido a su carácter complejo, el escritor tuvo que corta vida asistir a 3 duelos. Los contemporáneos del escritor no le querían mucho, la muerte prematura de Mikhail Yuryevich en un duelo no molestó a nadie, y el zar Nicolás I generalmente decía: "La muerte de un perro es la muerte de un perro". 
15. Picasso creó su primera obra maestra a la edad de 15 años: un cuadro que representa a sus familiares en el altar. 
En 2006, el magnate estadounidense Steve Wynn acordó vender El sueño de Pablo Picasso por 139 millones de dólares, lo que habría sido uno de los precios más altos de la historia por una obra de arte. Sin embargo, durante la demostración de la pintura, Winn agitó demasiado los brazos y rasgó el lienzo con el codo. El propietario consideró esto como una señal de lo alto y decidió no vender el cuadro después de la restauración. 
16. Henri de Toulouse-Lautrec era un inválido con malas piernas (se las rompió varias veces cuando era niño y su crecimiento se detuvo, probablemente debido a una enfermedad hereditaria, las abuelas de Henri eran hermanas). 
Tuvo mala suerte en el amor, su baja estatura (152 cm) y su apariencia de enano provocaron el ridículo, y todos sus romances serios terminaron sin éxito. Toulouse-Lautrec era un famoso conocedor del alcohol y popularizó los cócteles. A Lautrec se le atribuye la invención del cóctel Earthquake, que mezcla mitad y mitad coñac con absenta. Murió de alcoholismo y sífilis en el castillo familiar en brazos de su madre, antes de cumplir 37 años. 
17. Salvador Dalí creó el logo de Chupa Chups.
Y su apodo era “Avida Dollars”, que traducido significa “apasionado por los dólares”. 
18. Vermeer nunca pintó niños, aunque tuvo 11. 
Mira la película "La chica de la perla" protagonizada por Scarlett Johansson, te gustará. 
19. "Piedad" -el único trabajo Miguel Ángel, que firmó. También fue poeta y aún se conservan más de 300 de sus poemas. 
20. "Venus ante un espejo" es la única Venus desnuda que se conserva de Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660). Quizás el artista pintó otros modelos desnudos, pero en aquella época en España este tipo de pinturas se consideraban obscenas. Por tanto, el cuadro ocupa un lugar único en su legado. Además, es completamente diferente a todo lo que salió de la mano del artista. En 1914, este cuadro, expuesto en la National Gallery de Londres, fue cortado por una sufragista. 
Según la leyenda, Velázquez fue enterrado, por así decirlo, en las catacumbas funerarias de los Capuchinos en Palermo (“Museo de los Muertos”). Mira en internet, da mucho miedo. 
Las grandes obras maestras de la pintura que encontramos cada día en museos, libros, juegos, películas e incluso publicidad no son sólo hermosa foto, pero también un código con muchos detalles e interpretaciones semánticas.
Por tanto, no es de extrañar que imágenes que todo el mundo ya ha visto un millón de veces puedan poner a prueba tu lógica, atención, inteligencia y conocimiento de la historia más de una vez. Busque escenas pintorescas, exponga mitos locales. Esto no es sólo entrenamiento mental, sino también buen camino para eclipsar a todos los molestos tipos inteligentes en la próxima conversación. E impresiona a una persona bonita con un leve destello de pensamiento en sus ojos sin fondo.
ESTADO DE ÁNIMO BOTTICELLIANO
Botticelli Sandro. Nacimiento de Venus, 1482-1486.
Uffizi, Florencia
Estilo: Renacimiento temprano
A primera vista Venus, recién nacida de la espuma del mar, cubriendo castamente sus pechos y su útero, nada hasta la orilla sobre una concha. A la izquierda, Zephyr y su esposa Cloris le soplan rosas. En la orilla, la ninfa Ora, por alguna razón, se apresura a cubrir la desnudez de Venus con un manto violeta. Pero la mujer desnuda y desvergonzada se siente genial y en lo que dio a luz su madre, no presta atención a las preocupaciones y mira hacia adelante, a través del espectador. Una ligera tristeza se congeló en los ojos de la diosa, como si fuera a la vida terrenal a ganar dinero... perdón, iba a sufrir un tormento.
De hecho La pintura ilustra el mito del nacimiento de Venus. papel principal Interpretada por Simonetta Vespucci, la primera belleza de Florencia, la amante de Giuliano Medici y, según los rumores, la pasión secreta del propio Botticelli. ¿Es necesario decir que la noble Simonetta estaba casada con un tercero, un extraño? Los gestos y proporciones del cuerpo de Venus están escritos de acuerdo con los cánones del clásico. escultura griega. El manto en las manos de Ora simboliza la frontera entre dos mundos, y el caparazón simboliza la pureza y la pureza, pero tan pronto como ella pone un pie en tierra...
¡Eso es todo! Gracias a que Botticelli vertió una capa protectora de yema de huevo sobre el cuadro, El nacimiento de Venus se ha conservado mucho mejor que muchas obras maestras.
LA HORA DEL QUESO
Dalí Salvador. La persistencia de la memoria, 1931.
Museo arte contemporáneo, Nueva York.
Estilo: surrealismo.
A primera vista El reloj se funde con el sofocante paisaje de Port Ligat.
De hecho El reloj fundido es una imagen de la relatividad y la glotonería del tiempo, que se devora a sí mismo y a todo lo demás, y el reloj cubierto de hormigas simboliza la muerte. En la orilla desierta, personificando el vacío interior, duerme la cabeza del propio Dalí, principal prisionero del tiempo que todo lo consume.
¡Eso es todo! Inspirándose en el queso Camembert derretido, Dalí decidió fundir un reloj en su lienzo. El artista solía dar explicaciones divertidas sobre sus cuadros para engañar deliberadamente a la gente. Y esta no es una excepción.
REALISMO MÁGICO
René Magritte. Hijo del Hombre, 1964.
colección privada
Estilo: surrealismo.
A primera vista Un yuppie elegantemente vestido está a punto de recibir un golpe en la cara con una manzana... pero no lo hace.
De hecho En los cuadros de Magritte, lo más interesante siempre está, por suerte, escondido detrás de algún simple objeto. EN en este caso esta es una manzana que simboliza la tentación. Levita persistentemente frente a un hombre de negocios reservado, en cuyo rostro el artista representó al "hijo de Adán" y a él mismo. Por tanto, no nos ofendemos tanto, porque sabemos cómo es el rostro de Magritte.
OJOS, LABIOS Y LO MÁS IMPORTANTE, MANOS
Mona Lisa, 1503-1505.
Louvre, París
Estilo: Alto Renacimiento
A primera vista Una mujer curvilínea con las cejas afeitadas y los senos escasos, dando media vuelta, está sentada en una silla con el telón de fondo de un paisaje misterioso. De hecho, el milagro de la imagen está en la técnica llamada sfumato: gracias a las suaves transiciones de la luz a la sombra y al ligero sombreado de las cuencas de los ojos, las comisuras de los labios y las elegantes manos, se crea una imagen contradictoria de una niña tímida y una Se forma una amante voluptuosa. La segunda ventaja de la imagen es el contraste entre un paisaje fantástico y una figura muy real. Las cejas depiladas y la frente afeitada no son un signo de extremismo, sino simplemente un homenaje a la moda del Quattrocento.
¡Eso es todo! Contrariamente al abismo de tonterías escritas por los críticos de arte, la tarea principal de Da Vinci fue revivir el rostro de la modelo.
REVELACIÓN DEL "PROFESOR DE LAS PESADILLAS"
El Bosco Jerónimo. Jardín placeres terrenales, 1500-1510.
Museo del Prado, Madrid
Estilo: Renacimiento del Norte
A primera vista Tríptico sobre temas bíblicos, que recuerda gran colección sorpresas más amables.
De hecho A la izquierda, en el Paraíso, Dios presenta a Eva al atónito Adán. vida pacífica los animales son perturbados por la comida del león, y un búho, mensajero de la desgracia, sobresale de la fuente de la Vida (el edificio en el centro). En el centro hay un prototipo de fiestas eróticas hippies: un jardín de placeres, donde todos dan instrucciones divinas a través del bosque: juegan, comen y se deleitan. placeres carnales. Según el psicoanálisis: las cerezas, fresas, fresas y uvas que se comen aquí significan sexualidad pecaminosa, pescado, lujuria y pájaros, lujuria y libertinaje. A la derecha, como resultado inevitable, están los monstruos liderados por Satán el Cáscara de Huevo y las máquinas de tortura. Bosch nos muestra la influencia corruptora de la lujuria. ¡Y todo empezó tan bien!
¡Eso es todo! A pesar de la bacanal BDSM representada aquí, esta pintura cumple plenamente con los estrictos cánones bíblicos y es del agrado de las autoridades de la iglesia.
Estilo: Barroco.
A primera vista Un joven elegante con una multitud de chicos llegó volando en un caballo alado para coquetear con un fetichista desnudo.
De hecho La bella Andrómeda, encadenada a una roca, planeaba ser devorada por un monstruo marino. Pero mientras rebuscaba condimentos, el joven Perseo, calzando sandalias aladas a la última moda, convirtió al monstruo en piedra. Aquí vemos todos los atributos de moda del antiguo hipster griego: un casco invisible, un escudo de espejo con la cabeza de la Gorgona Medusa y el caballo alado Pegaso. Pero mitos antiguos Rubens sirvió más bien como pretexto para representar encantos femeninos desnudos. No en vano, el cuerpo ligero y ligeramente gordo de Andrómeda es la parte dominante de la imagen, a la que el espectador presta atención en primer lugar. ¿No es así?
¡Eso es todo! A pesar de la gran contribución de Rubens a la representación de bellezas desnudas, también tiene sus detractores que lo acusan de estar demasiado entusiasmado con la floreciente belleza del desnudo. cuerpo femenino. ¿No es estúpido?
SILLASHADOW MARTYR...
Rembrandt van Rijn. Guardia nocturna, 1642.
Rijksmuseum, Ámsterdam.
Estilo: Barroco
A primera vista El Capitán Cock (centro) dio la orden de marchar al teniente Reitenburg (derecha), y todos inmediatamente comenzaron a alborotar.
De hecho Incluso los detalles de la ropa de los tiradores se mueven en la imagen. Observe el magistral juego de luces y sombras: el contraste del callejón oscuro (detrás) y la plaza iluminada. Una chica con un vestido dorado brillante compensa la camisola brillante de Reitenburg, y su alabarda marca la dirección del movimiento de todo el lienzo.
¡Eso es todo! Debido al hollín que cubría la imagen, durante mucho tiempo nadie se dio cuenta de que la acción se estaba desarrollando durante el día; mire la sombra de la mano izquierda del Capitán Kok.
MONA LISA DEL NORTE
VermeerJan. La joven de la perla, ca. 1565.
Mauritshuis, La Haya.
Estilo: Barroco
A primera vista Un rostro normal y corriente de una chica normal y corriente.
De hecho El artista buscó transmitir el momento de movimiento espontáneo en el que la niña gira la cabeza al notar nuestra presencia. Según el nombre y las declaraciones de los críticos de arte, lo que más llama la atención del espectador es el pendiente de perlas. En nuestra opinión, cautivado por la mirada atractiva y los labios sensuales, que han permanecido misteriosamente silenciosos durante más de trescientos años, es poco probable que el espectador exigente recuerde el pendiente.
¡Eso es todo! Este cuadro tiene una “reproducción” moderna y muy indecente, ¡pero no te lo contamos!
ANTIGUO DESASTRE ROMANO CON UN MONTÓN DE MALOA
Bryullov Karl. El último día de Pompeya, 1830-1833.
Museo Estatal Ruso, San Petersburgo.
Estilo: romanticismo
A primera vista La ciudad está en un mar de fuego, el caos reina por todas partes. En el centro de la composición se encuentra el cuerpo de una mujer rica, que murió al caer de un carro, que los caballos llevan a las profundidades del cuadro. A la derecha, dos hermanos salvan a su anciano padre. Todo el mundo está entrando en pánico.
De hecho A lo lejos, arde el volcán Vesubio, culpable del desastre. Pero la escena principal no está iluminada por su llama, sino por el notable descubrimiento de Bryullov: un segundo relámpago. La combinación de colores de la pintura es azul, rojo y colores amarillos, iluminado por una luz blanca, fue muy valiente para su época.
¡Eso es todo! Bryullov concibió “Pompeya” como manera rápida hacerse famoso y no falló: la pintura se convirtió en objeto de culto universal de rusos, italianos y franceses.
Incluso aquellas obras maestras de la pintura que nos parecen familiares tienen sus secretos.
Recientemente, se hizo un descubrimiento extraño e inusual en la historia del arte: un estudiante estadounidense descifró la notación musical representada en las nalgas de un pecador a partir de una pintura de Bosch. La melodía resultante se ha convertido en una de las sensaciones de Internet de los últimos tiempos.
Creemos que en casi todos trabajo significativo El arte es un misterio, un “doble fondo” o historia secreta, que quiero revelar. Hoy compartiremos algunos de ellos.
Música en las nalgas
Hieronymus Bosch, "El jardín de las delicias", 1500-1510.
Fragmento del lado derecho del tríptico.
Disputas sobre significados y significados ocultos mayoría obra famosa artista holandés no han disminuido desde su aparición. El ala derecha del tríptico llamado “Infierno musical” representa a los pecadores que son torturados en el inframundo con la ayuda de instrumentos musicales. Uno de ellos tiene notas musicales estampadas en las nalgas. Amelia Hamrick, estudiante de la Oklahoma Christian University, que estudió la pintura, tradujo la notación del siglo XVI al estilo moderno y grabó "la canción del infierno de 500 años".
Mona Lisa Desnuda
La famosa “La Gioconda” existe en dos versiones: la versión desnuda se llama “Monna Vanna”, fue escrita por artista poco conocido Salai, quien fue alumno y modelo del gran Leonardo da Vinci. Muchos historiadores del arte están seguros de que fue él quien sirvió de modelo para las pinturas de Leonardo "Juan Bautista" y "Baco". También hay versiones de que Salai, vestida con un vestido de mujer, servía de imagen de la propia Mona Lisa.
viejo pescador
En 1902, el artista húngaro Tivadar Kostka Csontvary pintó el cuadro “El viejo pescador”. Parecería que no hay nada inusual en la imagen, pero Tivadar le puso un subtexto que nunca fue revelado durante la vida del artista.
A pocos se les ocurrió colocar un espejo en el centro del cuadro. En cada persona puede haber tanto Dios (el hombro derecho del Viejo está duplicado) como el Diablo (el hombro izquierdo del Viejo está duplicado).
Dobles en la Última Cena
Leonardo da Vinci, "La Última Cena", 1495-1498.
Cuando Leonardo da Vinci escribió La Última Cena, concedió especial importancia a dos figuras: Cristo y Judas. Pasó mucho tiempo buscando modelos para ellos. Finalmente logró encontrar entre los jóvenes cantantes un modelo para la imagen de Cristo. Leonardo estuvo tres años sin poder encontrar un modelo para Judas. Pero un día se encontró en la calle con un borracho tirado en una alcantarilla. Era un joven que había envejecido debido al consumo excesivo de alcohol. Leonardo lo invitó a una taberna, donde inmediatamente comenzó a pintarle a Judas. Cuando el borracho recobró el sentido, le dijo al artista que ya había posado para él una vez. Fue hace varios años, cuando cantaba en el coro de la iglesia, Leonardo le pintó a Cristo.
La inocente historia del "gótico"
Grant Wood, Gótico americano, 1930.
La obra de Grant Wood es considerada una de las más extrañas y deprimentes de la historia de la pintura estadounidense. La imagen del padre y la hija sombríos está llena de detalles que indican la severidad, el puritanismo y el carácter retrógrado de las personas representadas. De hecho, el artista no pretendía representar ningún horror: durante un viaje a Iowa, vio una pequeña casa en estilo gótico y decidió retratar a aquellas personas que, en su opinión, serían ideales como habitantes. La hermana de Grant y su dentista están inmortalizados como los personajes que tanto ofendieron a los habitantes de Iowa.
¿"Guardia de noche" o "Guardia de día"?
Rembrandt, "La Ronda de Noche", 1642.
Uno de los más pinturas famosas La “Actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburg” de Rembrandt estuvo colgada en diferentes salas durante unos doscientos años y no fue descubierta por los historiadores del arte hasta el siglo XIX. Como las figuras parecían aparecer sobre un fondo oscuro, se llamó "La ronda nocturna" y con este nombre entró en el tesoro del arte mundial. Y sólo durante la restauración realizada en 1947 se descubrió que en la sala el cuadro había logrado cubrirse con una capa de hollín, que distorsionaba su color. Después de limpiar la pintura original, finalmente se reveló que la escena representada por Rembrandt en realidad tiene lugar durante el día. La posición de la sombra de la mano izquierda del Capitán Kok muestra que la duración de la acción no supera las 14 horas.
barco volcado
Henri Matisse, "El barco", 1937.
El cuadro de Henri Matisse "El barco" se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961. Sólo después de 47 días alguien se dio cuenta de que el cuadro colgaba boca abajo. El lienzo representa 10 líneas violetas y dos velas azules sobre un fondo blanco. El artista pintó dos velas por una razón; la segunda vela es un reflejo de la primera en la superficie del agua. Para no equivocarse en cómo colgar el cuadro, es necesario prestar atención a los detalles. La vela más grande debe estar en la parte superior de la pintura y la parte superior de la vela de la pintura debe estar hacia la esquina superior derecha.
Engaño en el autorretrato
Vincent van Gogh, Autorretrato con una pipa, 1889.
Hay leyendas que supuestamente Van Gogh se cortó la oreja. Ahora la versión más fiable es que Van Gogh se dañó la oreja en una pequeña pelea que involucró a otro artista, Paul Gauguin. El autorretrato es interesante porque refleja la realidad de forma distorsionada: el artista aparece con la oreja derecha vendada porque utilizaba un espejo mientras trabajaba. De hecho, fue el oído izquierdo el que resultó afectado.
Dos "Desayunos sobre la hierba"
Edouard Manet, Almuerzo sobre la hierba, 1863.
Claude Monet, Almuerzo sobre la hierba, 1865.
Los artistas Edouard Manet y Claude Monet a veces se confunden; después de todo, ambos eran franceses, vivieron al mismo tiempo y trabajaron en el estilo del impresionismo. Monet incluso tomó prestado el título de una de las pinturas más famosas de Manet, "Almuerzo sobre la hierba", y escribió su propio "Almuerzo sobre la hierba".
osos alienígenas
Ivan Shishkin, “Mañana en el bosque de pinos”, 1889.
La famosa pintura no pertenece solo a Shishkin. Muchos artistas que eran amigos a menudo recurrían a "la ayuda de un amigo", e Ivan Ivanovich, que pintó paisajes toda su vida, temía que tocar a los osos no saliera como él quería. Por lo tanto, Shishkin recurrió a su amigo, el artista animal Konstantin Savitsky.
Savitsky dibujó quizás los mejores osos de la historia. pintura rusa, y Tretyakov ordenó que borraran su nombre del lienzo, ya que todo en el cuadro “desde el concepto hasta la ejecución, todo habla de la forma de pintar, de método creativo, característico de Shishkin."
La idea de representar un reloj en movimiento se le ocurrió a Salvador Dalí durante la cena, cuando notó que el Camembert se derretía al sol.
Más tarde le preguntaron a Dalí si la teoría de la relatividad de Einstein estaba encriptada en el lienzo, y él respondió con una mirada inteligente: “Más bien, la teoría de Heráclito de que el tiempo se mide por el flujo del pensamiento. Por eso llamé al cuadro “La persistencia de la memoria”. Y primero fue el queso, el queso procesado”."La última cena"
Cuando Leonardo da Vinci escribió La Última Cena, atención especial dedicó dos figuras: Cristo y Judas. Leonardo encontró relativamente rápido un modelo para el rostro de Jesús: un joven que cantaba en el coro de una iglesia asumió su papel. Pero Leonardo buscó un rostro capaz de expresar el vicio de Judas por tres años. Un día, mientras caminaba por la calle, el maestro vio a un borracho en una alcantarilla. Da Vinci llevó al borracho a una taberna, donde inmediatamente comenzó a pintarle a Judas.
Cuando el borracho recuperó la sobriedad, recordó que hace varios años ya había posado para un artista. Este era el mismo cantante. En el gran fresco de Leonardo, Jesús y Judas tienen el mismo rostro.
"Iván el Terrible y su hijo Iván"
En 1913, un artista con una enfermedad mental cortó con un cuchillo el cuadro de Repin "Iván el Terrible y su hijo Iván". Sólo gracias al magistral trabajo de los restauradores se pudo restaurar la pintura. El propio Ilya Repin vino a Moscú y volvió a dibujar la cabeza de Grozny en un extraño color púrpura; a lo largo de dos décadas, las ideas del artista sobre la pintura han cambiado mucho. Los restauradores eliminaron estas ediciones y devolvieron la pintura a una coincidencia exacta con las fotografías del museo. Repin, al ver más tarde el lienzo restaurado, no notó las correcciones.
"Sueño"
En 2006, el coleccionista estadounidense Steve Wynn acordó vender "El sueño" de Pablo Picasso por 139 millones de dólares, lo que sería uno de los precios más altos de la historia. Pero cuando hablaba del cuadro, agitaba los brazos de forma demasiado expresiva y rasgaba el arte con el codo. Wynn consideró esto como una señal de arriba y decidió no vender la pintura después de la restauración, que, por cierto, costó un buen centavo.
"Bote"
Un incidente menos destructivo, pero no menos curioso, ocurrió con un cuadro de Henri Matisse. En 1961, el Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó al público el cuadro del maestro “El barco”. La exposición fue un éxito. Pero sólo siete semanas después, un conocedor casual del arte notó que la obra maestra colgaba boca abajo. Durante este tiempo, 115 mil personas lograron ver la obra de arte y el libro de reseñas se completó con cientos de comentarios de admiración. La vergüenza se extendió por todos los periódicos.
"Batalla de negros en una cueva en la oscuridad de la noche"
El famoso “Cuadrado Negro” no fue el primer cuadro de este tipo. 22 años antes que Malevich, en 1893 artista francés y el escritor Alle Alfons expuso su obra maestra “La batalla de los negros en una cueva en la oscuridad de la noche”, un lienzo rectangular completamente negro, en la Galería Vivien.
"Fiesta de los dioses en el Olimpo"
En la década de 1960 uno de ellos fue encontrado en Praga las pinturas más famosas Peter Paul Rubens "La fiesta de los dioses en el Olimpo". Durante mucho tiempo, la fecha de su redacción siguió siendo un misterio. Además, los astrónomos encontraron la respuesta en la propia imagen. Supusieron que las posiciones de los planetas estaban sutilmente cifradas en el lienzo. Por ejemplo, el duque de Mantua Gonzaga en la imagen del dios Júpiter, Poseidón con el Sol y la diosa Venus con Cupido reflejan la posición de Júpiter, Venus y el Sol en el Zodíaco.
Además, está claro que Venus se dirige hacia la constelación de Piscis. Meticulosos observadores de estrellas calcularon que una posición tan rara de los planetas en el cielo se observó en los días del solsticio de invierno de 1602. Así, se llevó a cabo una datación bastante precisa de la imagen.
"Desayuno sobre la hierba"
Edouard Manet, "Almuerzo sobre la hierba"
Claude Monet, "Almuerzo sobre la hierba"
Edouard Manet y Claude Monet están confundidos no sólo por los candidatos actuales escuelas de arte– incluso sus contemporáneos los confundieron. Ambos vivieron en París a finales del siglo XIX, se comunicaban y eran casi homónimos. Así, en la película “Ocean’s Eleven” se produce el siguiente diálogo entre los personajes de George Clooney y Julia Roberts:
- Siempre confundo a Monet y Manet. Sólo recuerdo que uno de ellos se casó con su amante.
-Monet.
- Entonces Mane tenía sífilis.
- Y ambos escribían de vez en cuando.
Pero los artistas no se confundían mucho con los nombres; además, tomaban prestadas ideas unos de otros. Después de que Manet presentara al público el cuadro “Almuerzo sobre la hierba”, Monet, sin pensarlo dos veces, pintó el suyo con el mismo nombre. Como siempre, hubo cierta confusión.
"Madonna Sixtina"
Al mirar el cuadro de Rafael "La Virgen Sixtina", se ve claramente que el Papa Sixto II tiene seis dedos en la mano. Entre otras cosas, el nombre Sixto se traduce como "sexto", lo que finalmente dio lugar a muchas teorías. De hecho, el "dedo meñique inferior" no es un dedo en absoluto, sino parte de la palma. Se nota si miras de cerca. No hay misticismo ni presagios secretos del Apocalipsis para ti, es una lástima.
"Mañana en un bosque de pinos"
Cachorros de oso del cuadro “Mañana en bosque de pinos“Shishkina no es obra de Shishkin en absoluto. Iván era un excelente paisajista, sabía transmitir brillantemente el juego de luces y sombras en el bosque, pero no se le daban bien las personas ni los animales. Entonces, a petición del artista, los lindos ositos fueron pintados por Konstantin Savitsky, y el cuadro en sí fue firmado con dos nombres. Pero Pavel Tretyakov, después de comprar el paisaje para su colección, borró la firma de Savitsky y todos los laureles fueron para Shishkin.