El trabajo de Ostrovsky hoy está incluido en plan de estudios escolar, muchos de nuestros compatriotas lo conocen y lo aman. Alexander Nikolaevich Ostrovsky es un dramaturgo, originario de Moscú, hijo de un abogado y nieto de un sacerdote ortodoxo. Estudió en la Universidad de Moscú, en la Facultad de Derecho (no se graduó), sirvió en los tribunales de Moscú y luego se convirtió en una figura teatral profesional y en un escritor y dramaturgo.
En comparación con las obras de Turgenev o A.K. Tolstoi, que son principalmente obras literarias, la dramaturgia de Ostrovsky tiene una naturaleza diferente. Está destinado no tanto a la lectura como a encarnación escénica, y debe estudiarse, en primer lugar, en el marco de la historia del teatro. Sin embargo, la historia de la literatura no puede subestimar la obra del mayor dramaturgo ruso del segundo. tercios del XIX v.
Si analizamos la obra de Ostrovsky, observamos que entre sus experiencias juveniles se encuentran ensayos y poemas. La comedia “Deudor Insolvente” que lo hizo famoso, que pasó a llamarse “Quiebra” (y luego pasó a llamarse “Quiebra”) Nuestra gente - contemos!”), apareció en la revista “Moskvityanin” (1850), aunque en aquella época no se permitía su puesta en escena. La falsa quiebra que declara el comerciante Bolshov en esta obra es una colisión basada en hechos de la vida real (una ola de quiebras que arrasó los círculos empresariales en vísperas de la escritura de la comedia). Sin embargo, la base argumental de la comedia, cercana a la anécdota, no agota en modo alguno su contenido. La trama sufre un giro casi trágico: el falso arruinado se encuentra abandonado en una prisión por deudas por su yerno Podkhalyuzin y su propia hija Lipochka, quienes se negaron a rescatarlo. Muchos contemporáneos entendieron las alusiones de Shakespeare (el destino del Rey Lear).
Después éxito literario"Bankrut" en la obra de Ostrovsky en la década de 1850 comenzó el período "eslavófilo" más interesante, que trajo consigo una maravillosa comedia llamada " No te subas a tu propio trineo"(1853) - su primera obra de teatro, puesta en escena inmediatamente y con gran éxito - así como el drama " No vivas como quieres"(1855) y uno de mejores jugadas dramaturgo La pobreza no es un vicio."(creado en 1854). El vicio (las imágenes de Vikhorev, Korshunov) es invariablemente derrotado en ellos por una alta moralidad, basada en las verdades cristianas ortodoxas y los fundamentos patriarcales nacionales (las imágenes de Borodkin, Rusakov, Malomalsky). Bellamente escrito personaje literario— Nos encanta Tortsov de "La pobreza no es un vicio", quien logró llevar a su hermano Gordey al arrepentimiento y unir a los amantes: el empleado Mitya y Lyubov Gordeevna (el renacimiento espiritual instantáneo de Gordey Tortsov fue llamado muchas veces "inverosímil", pero el autor claramente no buscó la plausibilidad en un sentido ingenuamente realista, representando el arrepentimiento cristiano, que es precisamente capaz de convertir inmediatamente al pecador en una “persona diferente”). La acción de "La pobreza no es un vicio" tiene lugar en Navidad, la acción de "No vivas como quieres" tiene lugar en Maslenitsa, y ambas obras están entonadas por una diversión jubilosa y un ambiente festivo (sin embargo, en "Don' No vivas como quieras” (también hay un motivo de tentación diabólica, en el que el bufón Eremka involucra a Peter).
Se destaca algo aparte en la estafa. 1850 - principios Década de 1860 la llamada trilogía “Balzamin”, dedicada a colisiones de la vida de la provincia: “ Dormir durante las vacaciones - antes del almuerzo"(1857), " Tus propios perros muerden, no molestes a los demás"(escrito en 1861) y " Lo que buscas es lo que encontrarás.", mejor conocido como " El matrimonio de Balzaminov"(1861).
El acercamiento de A.N. Ostrovsky, con el bando de los autores del Sovremennik de Nekrasov, se caracterizó por un inmediato y agudo agravamiento de los motivos socialmente acusatorios en su obra. Esto debería incluir, en primer lugar, la comedia "Lugar rentable" (1857), el drama " Kindergarten" (1859) y " Tormenta"(1859). Colisión compleja " Tormentas“, donde en el centro el adulterio de la heroína, que tuvo lugar en una familia de comerciantes patriarcal caracterizada por un extremo rigor moral, liderada por una suegra despótica, fue percibido unilateralmente en el espíritu de las tesis “emancipatorias” del periodismo “democrático” de aquella época. Suicidio personaje principal(desde el punto de vista de la ortodoxia, que es un pecado terrible) se interpretó como un acto de “orgullo noble”, “protesta” y una especie de victoria espiritual sobre la moral y social “inerte” “domostroievski” (como se daba a entender , cristiano religioso) normas. Cuando el talentoso crítico democrático N.A. Dobrolyubov, en un artículo del mismo nombre, declaró al personaje principal "Un rayo de luz en un reino oscuro", esta metáfora suya rápidamente se convirtió en un modelo según el cual, un siglo después, esta obra de Ostrovsky fue interpretada en ruso. escuela secundaria. Al mismo tiempo, se pasó por alto, y aún hoy se pasa por alto, un componente igualmente importante de la problemática de “La tormenta”: el tema “eterno” para la literatura del choque entre el amor y el deber. Mientras tanto, es en gran parte gracias a la presencia de este tema en la obra que la obra aún conserva su vivacidad dramática (sin embargo, rara vez ha sido representada en teatros fuera de Rusia).
El entorno mercantil, que durante la época de las aficiones slafianofilas el dramaturgo presentaba como uno de los componentes más moralmente estables y espiritualmente puros del organismo social ruso, fue presentado en "La tormenta" como un terrible " reino oscuro", oprimiendo a la juventud, basándose en la tiranía sin sentido de los mayores, malvados e ignorantes. Katerina se siente tan perseguida que a lo largo de la obra habla repetidamente del suicidio como su única salida. Por otro lado, este drama de Ostrovsky, estrenado unos dos años antes que Padres e hijos de I.S. Turgenev, nos insta a afirmar: el tema de “padres e hijos”, en su agudo giro social, parecía flotar en la atmósfera literaria de aquella época. Los jóvenes de los círculos mercantiles representados en "La tormenta" (Katerina y Boris, Varvara y Kudryash) comprenden y aceptan los valores de la vida, en general, la verdad cotidiana de la generación mayor, no más que Evgeny Bazarov y Arkady Kirsanov.
El personaje principal, Katerina Kabanova, fue escrito por el dramaturgo que siente gran simpatía por ella. Ésta es la imagen de una joven poética, sentimental y profundamente religiosa que no se casó por amor. El marido es amable, pero tímido y está subordinado a su dominante madre-viuda Marfa Kabanova (Kabanikha). Es significativo, sin embargo, que Katerina, por voluntad del autor, se enamore no de una persona internamente fuerte, un "hombre de verdad" (lo que sería psicológicamente natural), sino del hijo del comerciante, Boris, que en muchos aspectos es tan similar a su marido como una gota de agua a otra (Boris es tímido y completamente subordinado a su dominante tío Dikiy; sin embargo, es notablemente más inteligente que Tikhon Kabanov y no carece de educación).
A principios de la década de 1860. Ostrovsky creó una especie de trilogía dramática sobre la época de los disturbios, compuesta de “crónicas” poéticas “ Kozma Zakharyich Minin, Sukhoruk"(en 1862), " Dmitri el pretendiente y Vasili Shuiski"(año de creación - 1867) y " Tushino"(1867). Por esta época del siglo XVIII. escrito por A.P. Sumarokov (“Dimitri el pretendiente”), y en la primera mitad del siglo XIX. COMO. Pushkin (“Boris Godunov”), quien provocó muchas imitaciones entre sus contemporáneos en prosa, poesía y teatro. trabajo central La tragedia de Ostrovsky (“Dmitry el pretendiente y Vasily Shuisky”) está dedicada cronológicamente al período poco anterior al que termina la trama de “Boris Godunov” de Pushkin. Ostrovsky pareció enfatizar su conexión al elegir una forma poética para su obra; además, el pentámetro yámbico blanco, como en “Boris Godunov”. Desafortunadamente, gran dramaturgo no demostró ser un maestro del verso. Dar un giro “histórico” a la creatividad; Ostrovsky también escribió la comedia " voivoda"(1865) y el drama psicológico" Vasilisa Melentyeva"(1868), y unos años después la comedia " comediante del siglo XVII».
Ostrovsky regresó firmemente al camino del drama socialmente acusatorio en la década de 1860, creando una tras otra comedias que permanecen en el repertorio teatral hasta el día de hoy, como “ La simplicidad es suficiente para todo sabio."(año de creación - 1868), " corazón cálido"(1869), " dinero loco"(1870), " Bosque"(1871), " lobos y ovejas"(1875), etc. Desde hace tiempo se ha observado que hay personajes positivos sólo en una de las obras enumeradas: en " lesya"(Aksyusha y el actor Gennady Neschastlivtsev), es decir, se trata de obras marcadamente satíricas. En ellos, Ostrovsky actuó como un innovador, utilizando las técnicas convencionales de la llamada dramaturgia de vodevil en grandes formas dramáticas, por lo que fue criticado por críticos que no entendieron el significado de sus esfuerzos. También intentó retomar la creatividad en el espíritu de sus comedias, publicadas en la década de 1850 por el eslavófilo “Moskvityanin”. Se trata, por ejemplo, de obras como "Maslenitsa no es para todos" (escrita en 1871), "La verdad es buena, pero la felicidad es mejor" (creada en 1876), etc. Pero aquí los motivos "populares" adquirieron un exterior ornamental. , algo artificial.
Además de “El bosque”, algunas de las otras mejores obras de Ostrovsky reflejan el tema de los difíciles destinos de la gente del teatro. Estos son sus últimos dramas" Talentos y fans" (1882) y " Culpable sin culpa"(escrito en 1884), en el centro de cada uno de los cuales hay una imagen actriz talentosa, que en cierto momento de su vida se ve obligada a pasar por alto algo personal, humano (en la primera obra, Negina rompe con su amado prometido Meluzov, en la segunda, Otradina-Kruchinina entrega al niño para que lo críe Galchikha). Desafortunadamente, muchos de los problemas planteados en estas obras tienen poca dependencia de algún sistema social en particular, aunque el público del siglo XIX podría parecer de actualidad. Pero, por otro lado, su carácter eterno ayuda a que las tramas de las obras sigan vivas y relevantes hasta el día de hoy.
Esto último también se puede atribuir al drama de Ostrovsky”. sin dote"(año de creación - 1878) - uno de los picos indiscutibles de la creatividad de A.N. Ostrovsky. Quizás este sea su mejor trabajo. Larisa es una chica hermosa, que, sin embargo, no tiene dote (es decir, casarse con ella, desde el punto de vista de personas de cierta psicología, era económicamente "no rentable", y según los conceptos de esa época, era simplemente “no prestigiosa”; por cierto, ella tampoco tenía dote. Otradina se hará en “Sin la culpa de los culpables”). Al mismo tiempo, Larisa claramente no es una de las que resolvió este problema yendo a un monasterio. Como resultado, despierta un interés puramente carnal y cínico en los hombres que la rodean y compiten con ella. Sin embargo, ella misma desprecia abiertamente al pobre y no brillante Karandyshev, que está dispuesto a casarse con ella y es considerado su prometido. Pero Larisa, como una niña, considera ingenua y entusiastamente durante mucho tiempo los efectos primitivos de Paratov con sus "gestos amplios" como el "hombre ideal" y le cree sagradamente. Cuando él la engañó groseramente, ella pierde terreno bajo sus pies. Al realizar un escandaloso viaje en barco con Paratov, Larisa se despide en casa: "O eres feliz, mamá, o búscame en el Volga". Larisa, sin embargo, no tuvo la oportunidad de ahogarse: ella, que se había desilusionado tardíamente del "hombre ideal", recibió un disparo de su novio finalmente rechazado, el lamentable Karandyshev, para que "no acudiera con nadie". "
Lo que parece un cambio brusco de los temas “modernos” de actualidad son los escritos de A.N. Las obras de cuento de hadas de Ostrovsky " doncella de nieve"(1873) - concebido como un espectáculo, pero lleno de un alto simbolismo (Ostrovsky también escribió la obra de cuento de hadas " Iván zarevich"). El ansia de símbolos es generalmente característico del estilo de Ostrovsky. Incluso los títulos de sus obras se parecen a proverbios ("No vivas como quieres", "La verdad es buena, pero la felicidad es mejor", etc.) o parecen símbolos significativos ("Tormenta", "Bosque", " Lobos y ovejas”, etc.). "La doncella de las nieves" representa el reino convencionalmente fabuloso de los Berendey, una especie de fantasía sobre temas de la mitología eslava. La trama del cuento popular sufrió un giro complejo bajo la pluma del maestro. Condenada a derretirse con la llegada del verano, la Doncella de las Nieves logró reconocer el amor y su muerte resulta ser una especie de "tragedia optimista".
"La doncella de las nieves" da testimonio, por supuesto, no tanto del profundo conocimiento fáctico del autor de la mitología eslava, los rituales antiguos y el folclore, sino más bien de una comprensión intuitiva y profunda de su espíritu. Ostrovsky creó una magnífica imagen artística de la antigüedad fabulosa eslava, que pronto inspiró a N.A. Rimsky-Korsakov sobre su famosa ópera y luego impulsó repetidamente la imaginación artística de otros autores (por ejemplo, el ballet "La consagración de la primavera" de I.F. Stravinsky). En "La doncella de nieve", como en muchas otras obras ("La pobreza no es un vicio", "La tormenta", "La dote", etc.), se escuchan canciones en el escenario: canciones populares genuinas o escritas con el "espíritu popular". .
La enorme importancia de A.N. Ostrovsky añadió color al discurso, mostrándose partidario de lo que Dostoievski llamó “esencias” de la escritura. Sus personajes suelen hablar, esparciendo una gran cantidad de palabras y frases diseñadas para representar el lenguaje de un determinado entorno social, así como para caracterizar el nivel cultural y educativo personal de este personaje en particular, las características de su psicología y su esfera de intereses de la vida. De ahí el lenguaje de la pretenciosa e ignorante heroína de “Bankrut” Lipochka, quien, por ejemplo, reprocha a su madre: “¿Por qué rechazaste al novio? ¿Qué no es una fiesta incomparable? ¿Por qué no capidón? A la mantilla la llama “mantella”, a la proporción “porportia”, etc. etc. Podkhalyuzin, con quien se casa la niña, es rival para ella. Cuando ella, tímidamente, le pregunta: “¿Por qué tú, Lazar Elizarych, no hablas francés?”, él responde tajante: “Y porque no tenemos ninguna razón”. En otras comedias, al santo tonto se le llama "feo", la consecuencia "medio", la cuadrilla "cuadrilla", etc.
UN. Ostrovsky es el dramaturgo ruso más importante del siglo XIX, que le dio al teatro nacional un repertorio de primer nivel y a la literatura rusa. obras clasicas, conservando un gran significado artístico para nuestro tiempo.
El dramaturgo casi nunca incluyó temas políticos y problemas filosóficos, expresiones faciales y gestos, a través de la reproducción de los detalles de sus trajes y muebles del hogar. Para realzar los efectos cómicos, el dramaturgo solía introducir en la trama a personajes menores (parientes, sirvientes, parásitos, transeúntes al azar) y circunstancias incidentales de la vida cotidiana. Tales son, por ejemplo, el séquito de Khlynov y el caballero del bigote en "Corazón cálido", o Apolo Murzavetsky con su Tamerlán en la comedia "Lobos y ovejas", o el actor Schastlivtsev con Neschastlivtsev y Paratov en "El bosque" y " Dote”, etc. El dramaturgo continuó esforzándose por revelar los personajes de los personajes no solo en el curso de los acontecimientos, sino también a través de las peculiaridades de sus diálogos cotidianos, diálogos “caracterológicos”, que dominó estéticamente en “Su pueblo”. .”.
Así, en el nuevo período de la creatividad, Ostrovsky aparece como un maestro establecido, que posee un sistema completo de arte dramático. Su fama y sus conexiones sociales y teatrales siguen creciendo y volviéndose más complejas. La gran abundancia de obras creadas en el nuevo período fue el resultado de una demanda cada vez mayor de las obras de Ostrovsky por parte de revistas y teatros. Durante estos años, el dramaturgo no sólo trabajó incansablemente, sino que encontró la fuerza para ayudar a los escritores principiantes y menos talentosos y, en ocasiones, participar activamente con ellos en su trabajo. Así, en colaboración creativa con Ostrovsky, N. Solovyov escribió varias obras (las mejores son "Las bodas de Belugin" y "Savage"), así como P. Nevezhin.
Al promover constantemente la producción de sus obras en los escenarios de los teatros Maly de Moscú y Alejandría de San Petersburgo, Ostrovsky conocía muy bien el estado de los asuntos teatrales, que estaban principalmente bajo la jurisdicción del aparato estatal burocrático, y era amargamente consciente de su deficiencias evidentes. Vio que no retrataba a la intelectualidad noble y burguesa en sus búsquedas ideológicas, como lo hacían Herzen, Turgenev y, en parte, Goncharov. En sus obras, mostró la vida social cotidiana de los representantes ordinarios de los comerciantes, burócratas y nobles, una vida donde los conflictos personales, particularmente amorosos, revelaban choques de intereses familiares, monetarios y de propiedad.
Pero la conciencia ideológica y artística de Ostrovsky de estos aspectos de la vida rusa tenía un profundo significado histórico-nacional. A través de las relaciones cotidianas de aquellas personas que eran dueñas y dueños de la vida, se revelaba su condición social general. Así como, según la acertada observación de Chernyshevsky, el comportamiento cobarde del joven liberal, el héroe de la historia de Turgenev "Asya", en una cita con una chica fue un "síntoma de la enfermedad" de todo liberalismo noble, su debilidad política, así La tiranía cotidiana y la depredación de comerciantes, funcionarios y nobles parecían un síntoma de una enfermedad más terrible: su total incapacidad para, al menos de alguna manera, dar a sus actividades un significado nacional y progresista.
Esto era bastante natural y lógico en el período anterior a las reformas. Entonces la tiranía, la arrogancia y la depredación de los Voltov, Vyshnevsky y Ulanbekov fueron una manifestación del “reino oscuro” de la servidumbre, ya condenado a ser eliminado. Y Dobrolyubov señaló correctamente que, aunque la comedia de Ostrovsky "no puede proporcionar la clave para explicar muchos de los amargos fenómenos que en ella se describen", "puede conducir fácilmente a muchas consideraciones análogas relacionadas con la vida cotidiana que no conciernen directamente". Y el crítico explica esto por el hecho de que los "tipos" de tiranos propuestos por Ostrovsky "a menudo contienen no sólo rasgos exclusivamente mercantiles o burocráticos, sino también nacionales (es decir, nacionales)". En otras palabras, las obras de Ostrovsky de 1840-1860. expuso indirectamente todos los “reinos oscuros” del sistema de servidumbre autocrático.
En las décadas posteriores a las reformas, la situación cambió. Luego “todo se puso patas arriba” y el nuevo sistema burgués de vida ruso comenzó gradualmente a “encajar”. Y la cuestión de cómo exactamente ese “encajamiento” adquirió una enorme importancia nacional. nuevo sistema, hasta qué punto la nueva clase dominante, la burguesía rusa, podría participar en la lucha por la destrucción de los restos del "reino oscuro" de la servidumbre y de todo el sistema autocrático-terrateniente.
Casi veinte nuevas obras de Ostrovsky en temas modernos dio una clara respuesta negativa a esta fatal pregunta. El dramaturgo, como antes, describió el mundo de las relaciones privadas sociales, domésticas, familiares y de propiedad. No todo estaba claro para él acerca de las tendencias generales de su desarrollo, y su "lira" a veces no emitía los "sonidos correctos" a este respecto. Pero, en general, las obras de Ostrovsky contenían una cierta orientación objetiva. Expusieron tanto los restos del viejo “reino oscuro” del despotismo como el nuevo “reino oscuro” emergente de la depredación burguesa, la fiebre del dinero y la muerte de todos. valores morales en un ambiente de compra y venta generalizada. Demostraron que los empresarios e industriales rusos no son capaces de alcanzar el nivel de conciencia de los intereses del desarrollo nacional, que algunos de ellos, como Khlynov y Akhov, sólo son capaces de entregarse a placeres crudos, otros, como Knurov y Berkutov , sólo pueden subyugar todo lo que les rodea con sus intereses depredadores y “lobunos”, y para otros, como Vasilkov o Frol Pribytkov, los intereses de lucro sólo están encubiertos por la decencia externa y exigencias culturales muy estrechas. Las obras de Ostrovsky, además de los planes e intenciones de su autor, esbozaron objetivamente una cierta perspectiva del desarrollo nacional: la perspectiva de la inevitable destrucción de todos los restos del viejo "reino oscuro" del despotismo autocrático y servidumbre, no sólo sin la participación. de la burguesía, no sólo sobre su cabeza, sino junto con la destrucción de su propio "reino oscuro" depredador
La realidad representada en las obras cotidianas de Ostrovsky era una forma de vida desprovista de contenido nacionalmente progresista y, por lo tanto, revelaba fácilmente una inconsistencia cómica interna. Ostrovsky dedicó su destacado talento dramático a su divulgación. Basándose en la tradición de las comedias e historias realistas de Gogol, reconstruyéndolas de acuerdo con las nuevas exigencias estéticas propuestas por la "escuela natural" de la década de 1840 y formuladas por Belinsky y Herzen, Ostrovsky rastreó la inconsistencia cómica de la vida social y cotidiana de los estratos dominantes de la sociedad rusa, ahondando en los “detalles del mundo”, examinando hilo por hilo la “red de relaciones cotidianas”. Este fue el principal logro del nuevo estilo dramático creado por Ostrovsky.
En relación con el 35 aniversario de la actividad de Ostrovsky, Goncharov le escribió: “Tú solo construyeste el edificio, cuyos cimientos fueron puestos por Fonvizin, Griboyedov y Gogol. Pero sólo después de eso podremos nosotros, los rusos, decir con orgullo: "Tenemos nuestro propio teatro nacional ruso". Para ser justos, debería llamarse "Teatro Ostrovsky".
El papel desempeñado por Ostrovsky en el desarrollo del teatro y la dramaturgia rusos se puede comparar fácilmente con la importancia que tuvo Shakespeare para la cultura inglesa y Moliere para la cultura francesa. Ostrovsky cambió la naturaleza del repertorio teatral ruso, resumió todo lo que se había hecho antes que él y abrió nuevos caminos para la dramaturgia. Su influencia en el arte teatral fue extremadamente grande. Esto se aplica especialmente al Teatro Maly de Moscú, que tradicionalmente también se llama Casa Ostrovsky. Gracias a las numerosas obras del gran dramaturgo, que estableció las tradiciones del realismo en el escenario, recibió mayor desarrollo escuela nacional de actuación. Toda una galaxia de maravillosos actores rusos, basados en las obras de Ostrovsky, pudieron demostrar claramente su talento único y establecer la originalidad del arte teatral ruso.
En el centro de la dramaturgia de Ostrovsky se encuentra un problema que ha atravesado toda la literatura clásica rusa: el conflicto del hombre con las condiciones de vida desfavorables que se le oponen, las diversas fuerzas del mal; afirmación del derecho del individuo al desarrollo libre e integral. Un amplio panorama de la vida rusa se revela a los lectores y espectadores de las obras del gran dramaturgo. Se trata, en esencia, de una enciclopedia de la vida y costumbres de toda una época histórica. Comerciantes, funcionarios, terratenientes, campesinos, generales, actores, empresarios, casamenteros, empresarios, estudiantes: varios cientos personajes, creado por Ostrovsky, dio una idea general de la realidad rusa de los años 40-80. en toda su complejidad, diversidad e inconsistencia.
Ostrovsky, que creó toda una galería de maravillosas imágenes femeninas, continuó esa noble tradición que ya había quedado definida en los clásicos rusos. El dramaturgo exalta las naturalezas fuertes e integrales, que en algunos casos resultan moralmente superiores al héroe débil e inseguro. Se trata de Katerina ("La tormenta"), Nadia ("La pupila"), Kruchinina ("Culpable sin culpa"), Natalia ("Pan de trabajo") y otras. Reflexionando sobre la singularidad del arte dramático ruso, sobre su base democrática. , Ostrovsky escribió: " Los escritores populares quieren probar suerte con una audiencia nueva, cuyos nervios no son muy flexibles, lo que requiere un drama fuerte, una gran comedia, que provoque risas francas y fuertes, sentimientos ardientes y sinceros, personajes animados y fuertes". Básicamente esta es una característica principios creativos El propio Ostrovsky.
La dramaturgia del autor de "La tormenta" se distingue por la diversidad de géneros, una combinación de elementos trágicos y cómicos, cotidianos y grotescos, ridículos y líricos. A veces sus obras son difíciles de clasificar en un género específico. No escribió tanto drama o comedia como “obras de la vida”, como acertadamente las describió Dobrolyubov. La acción de sus obras se desarrolla a menudo en un amplio espacio habitable. El ruido y la charla de la vida entran en acción y se convierten en uno de los factores que determinan la escala de los acontecimientos. Conflictos familiares convertirse en públicos.
La habilidad del dramaturgo se manifiesta en la precisión de los aspectos sociales y características psicológicas, en el arte del diálogo, en acertado, vivaz discurso popular. El lenguaje de los personajes se convierte en uno de sus principales medios de creación de imagen, una herramienta de tipificación realista.
Excelente conocedor del arte popular oral, Ostrovsky utilizó ampliamente tradiciones folklóricas, el tesoro más rico de sabiduría popular. Una canción puede sustituir a un monólogo, un proverbio o un dicho puede convertirse en el título de una obra de teatro.
La experiencia creativa de Ostrovsky tuvo un tremendo impacto en el desarrollo posterior del drama y el arte teatral ruso. V. I. Nemirovich-Danchenko y K. S. Stanislavsky, los fundadores del Teatro de Arte de Moscú, buscaron crear "un teatro popular con aproximadamente las mismas tareas y planes que soñó Ostrovsky". La espectacular innovación de Chéjov y Gorki habría sido imposible sin su dominio de las mejores tradiciones de su notable predecesor.
El dramaturgo casi no planteó problemas políticos y filosóficos en su obra, expresiones faciales y gestos, al reproducir los detalles de sus trajes y muebles cotidianos. Para realzar los efectos cómicos, el dramaturgo solía introducir en la trama a personajes menores (parientes, sirvientes, parásitos, transeúntes al azar) y circunstancias incidentales de la vida cotidiana. Tales son, por ejemplo, el séquito de Khlynov y el caballero del bigote en "Un corazón cálido", o Apolo Murzavetsky con su Tamerlán en la comedia "Lobos y ovejas", o el actor Schastlivtsev con Neschastlivtsev y Paratov en "El bosque" y "Dote", etc. El dramaturgo continuó esforzándose por revelar los personajes de los personajes no solo en el curso de los acontecimientos, sino también a través de las peculiaridades de sus diálogos cotidianos, diálogos "caracterológicos", que dominó estéticamente en "Su pueblo". ...”.
Así, en el nuevo período de creatividad, Ostrovsky emerge como un maestro establecido, que posee un sistema completo de arte dramático. Su fama y sus conexiones sociales y teatrales siguen creciendo y volviéndose más complejas. La gran abundancia de obras creadas en el nuevo período fue el resultado de una demanda cada vez mayor de las obras de Ostrovsky por parte de revistas y teatros. Durante estos años, el dramaturgo no solo trabajó incansablemente, sino que también encontró la fuerza para ayudar a los escritores novatos y menos talentosos y, en ocasiones, participar activamente con ellos en su trabajo. Así, en colaboración creativa con Ostrovsky, N. Solovyov escribió varias obras (las mejores son "Las bodas de Belugin" y "Savage"), así como P. Nevezhin.
Al promover constantemente la producción de sus obras en los escenarios de los teatros de Moscú Maly y San Petersburgo de Alejandría, Ostrovsky conocía muy bien el estado de los asuntos teatrales, que estaban principalmente bajo la jurisdicción del aparato estatal burocrático, y era amargamente consciente de su deficiencias evidentes. Vio que no retrataba a la intelectualidad noble y burguesa en sus búsquedas ideológicas, como lo hacían Herzen, Turgenev y, en parte, Goncharov. En sus obras, mostró la vida social cotidiana de los representantes ordinarios de los comerciantes, burócratas y nobles, una vida donde los conflictos personales, particularmente amorosos, revelaban choques de intereses familiares, monetarios y de propiedad.
Pero la conciencia ideológica y artística de Ostrovsky de estos aspectos de la vida rusa tenía un profundo significado histórico-nacional. A través de las relaciones cotidianas de aquellas personas que eran dueñas y dueños de la vida, se revelaba su condición social general. Así como, según la acertada observación de Chernyshevsky, el comportamiento cobarde del joven liberal, el héroe de la historia de Turgenev "Asya", en una cita con una chica fue un "síntoma de la enfermedad" de todo liberalismo noble, su debilidad política, así La tiranía cotidiana y la depredación de comerciantes, funcionarios y nobles parecían un síntoma de una enfermedad más terrible: su total incapacidad para, al menos de alguna manera, dar a sus actividades un significado nacional y progresista.
Esto era bastante natural y lógico en el período anterior a las reformas. Entonces la tiranía, la arrogancia y la depredación de los Voltov, Vyshnevsky y Ulanbekov fueron una manifestación del “reino oscuro” de la servidumbre, ya condenado a ser eliminado. Y Dobrolyubov señaló correctamente que, aunque la comedia de Ostrovsky "no puede proporcionar la clave para explicar muchos de los amargos fenómenos que en ella se describen", sin embargo, "puede conducir fácilmente a muchas consideraciones análogas relacionadas con la vida cotidiana que no conciernen directamente". Y el crítico explicó esto por el hecho de que los "tipos" de tiranos dibujados por Ostrovsky "no lo son". rara vez contienen características no sólo exclusivamente mercantiles o burocráticas, sino también nacionales (es decir, nacionales)”. En otras palabras, las obras de Ostrovsky de 1840-1860. expuso indirectamente todos los “reinos oscuros” del sistema de servidumbre autocrático.
En las décadas posteriores a las reformas, la situación cambió. Luego “todo se puso patas arriba” y poco a poco comenzó a “tomar forma” un nuevo sistema burgués de vida rusa. Y de enorme importancia nacional fue la cuestión de cómo exactamente se “equipó” este nuevo sistema, en qué medida la nueva clase dominante, la burguesía rusa, podría participar en la lucha por la destrucción de los restos del “reino oscuro”. de la servidumbre y de todo el sistema autocrático y terrateniente.
Casi veinte nuevas obras de Ostrovsky sobre temas modernos dieron una respuesta claramente negativa a esta pregunta fatal. El dramaturgo, como antes, describió el mundo de las relaciones privadas sociales, domésticas, familiares y de propiedad. No todo estaba claro para él acerca de las tendencias generales de su desarrollo, y su "lira" a veces no emitía los "sonidos correctos" a este respecto. Pero, en general, las obras de Ostrovsky contenían una cierta orientación objetiva. Expusieron tanto los restos del antiguo “reino oscuro” del despotismo como el nuevo “reino oscuro” emergente de la depredación burguesa, la fiebre del dinero y la muerte de todos los valores morales en una atmósfera de compra y venta general. Demostraron que los empresarios e industriales rusos no son capaces de alcanzar el nivel de conciencia de los intereses del desarrollo nacional, que algunos de ellos, como Khlynov y Akhov, sólo son capaces de entregarse a placeres crudos, otros, como Knurov y Berkutov , sólo pueden subyugar todo lo que les rodea con sus intereses depredadores y “lobunos”, y para otros, como Vasilkov o Frol Pribytkov, los intereses de lucro sólo están encubiertos por la decencia externa y exigencias culturales muy estrechas. Las obras de Ostrovsky, además de los planes e intenciones de su autor, esbozaron objetivamente una cierta perspectiva de desarrollo nacional: la perspectiva de la inevitable destrucción de todos los restos del antiguo "reino oscuro" del despotismo autocrático y servidumbre, no sólo sin la participación. de la burguesía, no sólo sobre su cabeza, sino junto con la destrucción de su propio "reino oscuro" depredador
La realidad representada en las obras cotidianas de Ostrovsky era una forma de vida desprovista de contenido nacionalmente progresista y, por lo tanto, revelaba fácilmente una inconsistencia cómica interna. Ostrovsky dedicó su destacado talento dramático a su divulgación. Basándose en la tradición de las comedias e historias realistas de Gogol, reconstruyéndolas de acuerdo con las nuevas exigencias estéticas propuestas por la “escuela natural” de la década de 1840 y formuladas por Belinsky y Herzen, Ostrovsky rastreó la inconsistencia cómica de la vida social y cotidiana de los estratos dominantes de la sociedad rusa, ahondando en los “detalles del mundo”, examinando hilo por hilo la “red de relaciones cotidianas”. Este fue el principal logro del nuevo estilo dramático creado por Ostrovsky.
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(1843 – 1886).
Alexander Nikolaevich "Ostrovsky es un "gigante de la literatura teatral" (Lunacharsky), creó el teatro ruso, un repertorio completo en el que se criaron muchas generaciones de actores, las tradiciones del arte escénico se fortalecieron y desarrollaron. Su papel en la historia. Difícilmente se puede sobrestimar el desarrollo del drama ruso y de toda la cultura nacional. Hizo tanto por el desarrollo del drama ruso como Shakespeare en Inglaterra, Lope de Vega en España, Moliere en Francia, Goldoni en Italia y Schiller en Alemania.
“La historia ha reservado el título de grandes y brillantes sólo a aquellos escritores que supieron escribir para todo el pueblo, y sólo han sobrevivido a los siglos aquellas obras que fueron verdaderamente populares en su patria, con el tiempo se vuelven comprensibles y valiosas para otros pueblos; , y finalmente, y para el mundo entero." Estas palabras del gran dramaturgo Alexander Nikolaevich Ostrovsky se pueden atribuir a su propio trabajo.
A pesar de la opresión de la censura, el comité teatral y literario y la dirección de los teatros imperiales, a pesar de las críticas de los círculos reaccionarios, la dramaturgia de Ostrovsky ganó cada año más simpatía tanto entre los espectadores democráticos como entre los artistas.
Desarrollar las mejores tradiciones del arte dramático ruso, aprovechar la experiencia del teatro extranjero progresista y aprender incansablemente sobre la vida. país de origen, comunicándose continuamente con la gente, conectando estrechamente con el público contemporáneo más progresista, Ostrovsky se convirtió en un destacado retratista de la vida de su tiempo, encarnando los sueños de Gogol, Belinsky y otras figuras literarias progresistas sobre la aparición y el triunfo de los personajes rusos en el etapa doméstica.
La actividad creativa de Ostrovsky tuvo una gran influencia en todo el desarrollo posterior del drama ruso progresista. De él vinieron nuestros mejores dramaturgos y aprendieron de él. Fue hacia él a quien gravitaron los aspirantes a escritores dramáticos de su época.
El poder de la influencia de Ostrovsky sobre los jóvenes escritores de su época puede evidenciarse en una carta al dramaturgo de la poetisa A.D. Mysovskaya. “¿Sabes cuán grande fue tu influencia sobre mí? No fue el amor al arte lo que me hizo comprenderte y apreciarte: al contrario, tú me enseñaste a amar y respetar el arte. Sólo a usted le debo haber resistido la tentación de caer en el terreno de la patética mediocridad literaria y no haber perseguido laureles baratos arrojados por las manos de agridulces desertores. Tú y Nekrasov me enamorasteis del pensamiento y del trabajo, pero Nekrasov sólo me dio el primer impulso, mientras que tú me diste la dirección. Leyendo tus obras me di cuenta de que la rima no es poesía, y un conjunto de frases no es literatura, y que sólo cultivando la inteligencia y la técnica un artista será un verdadero artista”.
Ostrovsky tuvo un poderoso impacto no sólo en el desarrollo del drama nacional, sino también en el desarrollo del teatro ruso. La colosal importancia de Ostrovsky en el desarrollo del teatro ruso está bien enfatizada en un poema dedicado a Ostrovsky y leído en 1903 por M. N. Ermolova desde el escenario del Teatro Maly:
En el escenario la vida misma, desde el escenario sopla la verdad,
Y el sol brillante nos acaricia y nos calienta...
Suena el habla viva de la gente corriente y viva,
En el escenario no hay un “héroe”, ni un ángel, ni un villano,
Pero sólo un hombre... Un actor feliz.
Se apresura a romper rápidamente los pesados grilletes.
Convenciones y mentiras. Las palabras y los sentimientos son nuevos,
Pero en lo más profundo del alma hay una respuesta para ellos:
Y todos los labios susurran: bendito el poeta,
Arrancó las cubiertas de oropel en mal estado
Y arrojar una luz brillante en el reino oscuro
Sobre lo mismo escribió la famosa artista en 1924 en sus memorias: “Junto con Ostrovsky, la verdad misma y la vida misma aparecieron en el escenario... Comenzó el crecimiento del drama original, lleno de respuestas a la modernidad... Empezaron a hablar de los pobres, los humillados y los insultados”.
La dirección realista, silenciada por la política teatral de la autocracia, continuada y profundizada por Ostrovsky, dirigió el teatro hacia el camino de la estrecha conexión con la realidad. Sólo él dio vida al teatro como teatro folclórico nacional ruso.
“Has donado toda una biblioteca de obras de arte a la literatura y has creado tu propio mundo especial para el escenario. Usted solo completó el edificio, sobre cuyos cimientos Fonvizin, Griboyedov y Gogol pusieron las piedras angulares”. Esta maravillosa carta fue recibida, entre otras felicitaciones, en el año del trigésimo quinto aniversario de la actividad literaria y teatral de Alexander Nikolaevich Ostrovsky de otro gran escritor ruso, Goncharov.
Pero mucho antes, sobre la primera obra del todavía joven Ostrovsky, publicada en "Moskvityanin", un sutil conocedor del elegante y sensible observador V.F Odoevsky escribió: "Si esto no es un destello momentáneo, no es un hongo exprimido del cielo". molido por sí solo, cortado por todo tipo de podredumbre, entonces este hombre tiene un talento enorme. Creo que hay tres tragedias en Rusia: "El menor", "Ay de Wit", "El inspector general". En “Quiebra” le pongo el número cuatro”.
Desde una primera evaluación tan prometedora hasta la carta de aniversario de Goncharov: una vida plena, rica en trabajo; trabajo, y que condujo a una relación de evaluación tan lógica, porque el talento requiere, ante todo, un gran trabajo en sí mismo, y el dramaturgo no pecó ante Dios: no enterró su talento en la tierra. Habiendo publicado su primera obra en 1847, Ostrovsky ha escrito desde entonces 47 obras y traducido más de veinte obras de lenguas europeas. Y todo lo que creó teatro folklórico– alrededor de mil caracteres.
Poco antes de su muerte, en 1886, Alexander Nikolaevich recibió una carta de L.N Tolstoi, en la que el brillante prosista admitía: “Sé por experiencia cómo la gente lee, escucha y recuerda sus obras y, por lo tanto, me gustaría ayudar a que la gente lea, escuche y recuerde sus obras. Ahora usted se ha convertido rápidamente en lo que sin duda es: un escritor de todo el pueblo en el sentido más amplio”.
Incluso antes de Ostrovsky, el drama ruso progresista tenía obras magníficas. Recordemos "El menor" de Fonvizin, "Ay de Wit" de Griboyedov, "Boris Godunov" de Pushkin, "El inspector general" de Gogol y "La mascarada" de Lermontov.
Cada una de estas obras podría enriquecer y decorar, como bien escribió Belinsky, la literatura de cualquier país de Europa occidental.
En el desarrollo del drama y el teatro ruso, la aparición de las obras de A.N. Ostrovsky marcó toda una era. Giraron bruscamente el drama y el teatro hacia la vida, hacia su verdad, hacia lo que realmente tocaba y preocupaba a la gente del segmento desfavorecido de la población, los trabajadores. Al crear "juegos de la vida", como los llamó Dobrolyubov, Ostrovsky actuó como un intrépido caballero de la verdad, un luchador incansable contra el oscuro reino de la autocracia, un denunciante despiadado de las clases dominantes: la nobleza, la burguesía y los burócratas que fielmente les sirvió.
Pero Ostrovsky no se limitó al papel de expositor satírico. Retrató vívida y comprensivamente a las víctimas del despotismo sociopolítico y familiar, trabajadores, amantes de la verdad, educadores, protestantes de buen corazón contra la tiranía y la violencia.
El dramaturgo no sólo hizo héroes positivos sus obras eran gente de trabajo y progreso, portadoras de la verdad y la sabiduría del pueblo, pero también escribía en nombre del pueblo y para el pueblo.
Ostrovsky describió en sus obras la prosa de la vida, la gente corriente en circunstancias cotidianas. Tomando como contenido de sus obras los problemas humanos universales del mal y el bien, la verdad y la injusticia, la belleza y la fealdad, Ostrovsky sobrevivió a su tiempo y entró en nuestra era como su contemporáneo.
El camino creativo de A.N Ostrovsky duró cuatro décadas. Escribió sus primeras obras en 1846 y las últimas en 1886.
Durante este tiempo, escribió 47 obras originales y varias obras en colaboración con Solovyov ("Las bodas de Balzaminov", "Salvaje", "Brilla pero no calienta", etc.); Hizo numerosas traducciones del italiano, español, francés, inglés, indio (Shakespeare, Goldoni, Lope de Vega - 22 obras). Sus obras tienen 728 papeles, 180 actos; toda Rusia está representada. En su dramaturgia se presentan una variedad de géneros: comedias, dramas, crónicas dramáticas, escenas familiares, tragedias, sketches dramáticos. Actúa en su obra como escritor romántico, cotidiano, trágico y comediante.
Por supuesto, cualquier periodización es hasta cierto punto condicional, pero para navegar mejor por toda la diversidad de la obra de Ostrovsky, dividiremos su obra en varias etapas.
1846 – 1852 – la etapa inicial de la creatividad. Las obras más importantes escritas durante este período: "Notas de un residente de Zamoskvoretsky", las obras de teatro "Un cuadro de felicidad familiar", "Nuestra gente - Seamos contados", "Pobre novia".
1853 – 1856 - el llamado período “eslavófilo”: “No te subas a tu propio trineo”. “La pobreza no es un vicio”, “No vivas como quieres”.
1856 – 1859 - acercamiento al círculo Sovremennik, regreso a posiciones realistas. Las obras más importantes de este período: "Un lugar rentable", "El alumno", "En la fiesta de otro hay resaca", "La trilogía de Balzaminov" y, finalmente, creada durante la situación revolucionaria, "La tormenta". .
1861 – 1867 – profundizando el estudio de la historia nacional, el resultado son las crónicas dramáticas Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk, “Dmitry the Pretender” y “Vasily Shuisky”, “Tushino”, el drama “Vasilisa Melentyevna”, la comedia “El voivoda o el sueño en el Volga”.
1869 – 1884 – Las obras creadas durante este período de creatividad están dedicadas a las relaciones sociales y cotidianas que se desarrollaron en la vida rusa después de la reforma de 1861. Las obras más importantes de este período: "Todo sabio tiene suficiente sencillez", "Corazón cálido", "Dinero loco", "Bosque", "Lobos y ovejas", "El último sacrificio", "Amor tardío", "Talentos". y Admiradores”, “Culpables sin culpa”.
Las obras de Ostrovsky no aparecieron de la nada. Su aparición está directamente relacionada con las obras de Griboyedov y Gogol, que absorbieron todo lo valioso que logró la comedia rusa que los precedió. Ostrovsky conocía bien la antigua comedia rusa del siglo XVIII y estudió especialmente las obras de Kapnist, Fonvizin y Plavilshchikov. Por otro lado, está la influencia de la prosa de la “escuela natural”.
Ostrovsky llegó a la literatura a finales de los años 40, cuando la dramaturgia de Gogol fue reconocida como el mayor fenómeno literario y social. Turgenev escribió: "Gogol mostró el camino que seguirá nuestra literatura dramática con el tiempo". Desde los primeros pasos de su actividad, Ostrovsky se reconoció a sí mismo como un continuador de las tradiciones de Gogol, la "escuela natural" y se consideró uno de los autores de la "nueva dirección de nuestra literatura";
Los años 1846 - 1859, cuando Ostrovsky trabajó en su primera gran comedia, "Seremos contados entre nuestro propio pueblo", fueron los años de su formación como escritor realista.
El programa ideológico y artístico del dramaturgo Ostrovsky se expone claramente en sus artículos y reseñas críticas. Artículo "Error", la historia de la señora Tour" ("Moskvityanin", 1850), artículo inacabado sobre la novela de Dickens "Dombey and Son" (1848), reseña de la comedia de Menshikov "Whims" ("Moskvityanin" 1850), "Nota sobre el Situación del arte dramático en Rusia en la actualidad" (1881), "Charla de mesa sobre Pushkin" (1880).
Las opiniones sociales y literarias de Ostrovsky se caracterizan por los siguientes principios básicos:
En primer lugar, cree que el drama debe ser un reflejo de la vida de las personas, de la conciencia de las personas.
Para Ostrovsky, el pueblo es, ante todo, las masas democráticas, las clases bajas, la gente corriente.
Ostrovsky exigió que el escritor estudiara la vida de las personas, los problemas que le preocupan.
"Para ser escritor nacional"", escribe, "el amor por la patria por sí solo no es suficiente... es necesario conocer bien a su gente, llevarse bien con ellos rápidamente, llegar a ser similar a ellos". La mejor escuela para el talento es el estudio de la nacionalidad”.
En segundo lugar, Ostrovsky habla de la necesidad de una identidad nacional para el drama.
Ostrovsky entiende la nacionalidad de la literatura y el arte como una consecuencia integral de su nacionalidad y democracia. “Sólo el arte que es nacional es nacional, porque el verdadero portador de la nacionalidad es la masa popular y democrática”.
En "La palabra de mesa sobre Pushkin", un ejemplo de tal poeta es Pushkin. Pushkin es un poeta nacional, Pushkin es un poeta nacional. Pushkin jugó un papel muy importante en el desarrollo de la literatura rusa porque "le dio al escritor ruso el valor de ser ruso".
Y finalmente, el tercer punto tiene que ver con el carácter socialmente acusatorio de la literatura. “Cuanto más popular es una obra, más elementos acusatorios contiene, porque el “rasgo distintivo del pueblo ruso” es “la aversión a todo lo que ha sido claramente definido”, la renuencia a volver a “formas antiguas y ya condenadas” de vida, un deseo de “buscar lo mejor”.
El público espera que el arte exponga los vicios y deficiencias de la sociedad, para juzgar la vida.
Condenar estos vicios en nuestra imagenes artisticas el escritor les provoca repugnancia en el público, los obliga a ser mejores, más morales. Por tanto, “la dirección social y acusatoria puede llamarse moral y pública”, enfatiza Ostrovsky. Hablando de la dirección socialmente acusatoria o moral-social, quiere decir:
crítica acusatoria del modo de vida dominante; protección de los principios morales positivos, es decir proteger las aspiraciones de la gente corriente y su deseo de justicia social.
Así, el término “dirección moral-acusativa” en su significado objetivo se acerca al concepto de realismo crítico.
Las obras de Ostrovsky, escritas por él a finales de los años 40 y principios de los 50, "Un cuadro de felicidad familiar", "Notas de un residente de Zamoskvoretsky", "Nuestra gente: seremos contados", "Pobre novia", están conectadas orgánicamente con la literatura de La escuela natural.
"La imagen de la felicidad familiar" tiene en gran medida el carácter de un ensayo dramatizado: no está dividido en fenómenos, no hay conclusión para la trama. Ostrovsky se propuso la tarea de representar la vida de los comerciantes. El héroe está interesado en Ostrovsky únicamente como representante de su clase, su forma de vida, su forma de pensar. Va más allá de la escuela natural. Ostrovsky revela la estrecha conexión entre la moralidad de sus héroes y su existencia social.
Coloca la vida familiar de los comerciantes en conexión directa con las relaciones monetarias y materiales de este entorno.
Ostrovsky condena completamente a sus héroes. Sus héroes expresan sus puntos de vista sobre la familia, el matrimonio, la educación, como si demostraran el desenfreno de estos puntos de vista.
Esta técnica era común en la literatura satírica de los años 40: la técnica de la autoexposición.
La obra más significativa de Ostrovsky de los años 40. - apareció la comedia "Nuestra gente - Seamos contados" (1849), que fue percibida por los contemporáneos como un logro importante de la escuela natural del teatro.
"Comenzó de una manera extraordinaria", escribe Turgenev sobre Ostrovsky.
La comedia inmediatamente llamó la atención de las autoridades. Cuando la censura presentó la obra al zar para su consideración, Nicolás I escribió: “¡Se imprimió en vano! En cualquier caso, está prohibido jugar.
El nombre de Ostrovsky fue incluido en la lista de personas poco confiables y el dramaturgo fue puesto bajo vigilancia de la policía secreta durante cinco años. Se abrió el “Caso del escritor Ostrovsky”.
Ostrovsky, como Gogol, critica los fundamentos mismos de las relaciones que dominan la sociedad. Es crítico de la vida social contemporánea y en este sentido es seguidor de Gogol. Y al mismo tiempo, Ostrovsky se identificó inmediatamente como escritor e innovador. Comparando las obras de la etapa inicial de su creatividad (1846 -1852) con las tradiciones de Gogol, rastrearemos las cosas nuevas que Ostrovsky aportó a la literatura.
La acción de la "alta comedia" de Gogol se desarrolla como en el mundo de una realidad irrazonable: "El inspector general".
Gogol puso a prueba a una persona en su actitud hacia la sociedad, hacia el deber cívico, y demostró que así son estas personas. Este es el centro de los vicios. No piensan en la sociedad en absoluto. Su comportamiento se guía por cálculos e intereses estrictamente egoístas.
Gogol no se centra en la vida cotidiana: la risa entre lágrimas. Su burocracia no actúa como clase social, sino como una fuerza política que determina la vida de la sociedad en su conjunto.
Ostrovsky tiene algo completamente diferente: un análisis exhaustivo de la vida social.
Al igual que los héroes de los ensayos de la escuela natural, los héroes de Ostrovsky son representantes ordinarios y típicos de su entorno social, que es compartido por sus habitantes ordinarios. vida diaria, todos sus prejuicios.
a) En la obra “Nuestro pueblo – Seamos contados”, Ostrovsky crea una biografía típica de un comerciante y habla de cómo se genera el capital.
Bolshov vendía pasteles en un puesto cuando era niño y luego se convirtió en uno de los primeros ricos de Zamoskvorechye.
Podkhalyuzin hizo su capital robando al propietario y, finalmente, Tishka es un chico de los recados, pero, sin embargo, ya sabe cómo complacer al nuevo propietario.
Aquí se dan, por así decirlo, tres etapas de la carrera de un comerciante. A través de su destino, Ostrovsky mostró cómo se compone el capital.
b) La peculiaridad de la dramaturgia de Ostrovsky fue que esta cuestión es cómo se compone el capital en ambiente mercantil– lo demostró al considerar las relaciones intrafamiliares, cotidianas y ordinarias.
Fue Ostrovsky quien fue el primero en el drama ruso en examinar, hilo por hilo, la red de relaciones cotidianas. Fue el primero en introducir en el ámbito del arte todas estas pequeñas cosas de la vida, los secretos familiares, los pequeños asuntos cotidianos. Una enorme cantidad de espacio está ocupada por cosas aparentemente sin sentido. escenas cotidianas. Se presta mucha atención a las poses, los gestos de los personajes, su forma de hablar y su discurso mismo.
Las primeras obras de Ostrovsky le parecieron inusuales al lector, no escénicas, más bien narrativas que dramáticas.
El círculo de las obras de Ostrovsky, directamente relacionadas con la escuela natural de los años 40, se cierra con la obra "La pobre novia" (1852).
En él, Ostrovsky muestra la misma dependencia del hombre de las relaciones económicas y monetarias. Varios pretendientes buscan la mano de Marya Andreevna, pero el que la consigue no tiene que hacer ningún esfuerzo para conseguir el objetivo. Para él funciona la conocida ley económica de una sociedad capitalista, donde el dinero lo decide todo. La imagen de Marya Andreevna comienza en la obra de Ostrovsky un nuevo tema para él sobre la posición de una niña pobre en una sociedad donde todo está determinado por el cálculo comercial. (“Bosque”, “Enfermera”, “Dote”).
Así, por primera vez en Ostrovsky (a diferencia de Gogol) aparece no sólo un vicio, sino también una víctima del vicio. Además de los dueños de la sociedad moderna, aparecen quienes se oponen a ellos: aspiraciones cuyas necesidades están en conflicto con las leyes y costumbres de este entorno. Esto implicó nuevos colores. Ostrovsky descubrió nuevos aspectos de su talento: el satirismo dramático. “Seremos nuestro propio pueblo” - satírico.
El estilo artístico de Ostrovsky en esta obra es aún más diferente de la dramaturgia de Gogol. La trama pierde aquí todo su atractivo. Se basa en un caso ordinario. El tema que se escuchó en "El matrimonio" de Gogol y recibió una cobertura satírica: la transformación del matrimonio en compra y venta, adquirió aquí un sonido trágico.
Pero al mismo tiempo es una comedia en cuanto a sus personajes y situaciones. Pero si los héroes de Gogol evocan la risa y la condena del público, entonces en Ostrovsky el espectador vio su vida cotidiana, sintió una profunda simpatía por algunos y condenó a otros.
La segunda etapa de la actividad de Ostrovsky (1853-1855) estuvo marcada por influencias eslavófilas.
En primer lugar, esta transición de Ostrovsky a posiciones eslavófilas debe explicarse por el fortalecimiento de la atmósfera, la reacción que se estableció en los "siete años sombríos" de 1848-1855.
¿Dónde apareció exactamente esta influencia, qué ideas de los eslavófilos resultaron ser cercanas a Ostrovsky? En primer lugar, el acercamiento de Ostrovsky con la llamada “redacción joven” de Moskvityanin, cuyo comportamiento debería explicarse por su interés característico en la vida nacional rusa. arte popular, el pasado histórico del pueblo, que estaba muy cerca de Ostrovsky.
Pero Ostrovsky no logró discernir en este interés el principal principio conservador, que se manifestaba en las contradicciones sociales existentes, en una actitud hostil hacia el concepto de progreso histórico, en la admiración por todo lo patriarcal.
De hecho, los eslavófilos actuaron como ideólogos de los elementos socialmente atrasados de la pequeña y media burguesía.
Uno de los ideólogos más destacados del "Joven Consejo Editorial" de "Moskvityanin", Apollon Grigoriev, argumentó que existe un único "espíritu nacional" que constituye la base orgánica de la vida de las personas. Captar este espíritu nacional es lo más importante para un escritor.
Las contradicciones sociales, la lucha de clases son capas históricas que serán superadas y que no violan la unidad de la nación.
El escritor debe mostrar los eternos principios morales del carácter del pueblo. El portador de estos principios morales eternos, el espíritu del pueblo, es la clase "media, industrial y mercantil", porque fue esta clase la que preservó el patriarcado de las tradiciones de la antigua Rusia, preservó la fe, la moral y el idioma. de sus padres. Esta clase no se ha visto afectada por la falsedad de la civilización.
El reconocimiento oficial de esta doctrina de Ostrovsky es su carta de septiembre de 1853 a Pogodin (editor de Moskvityanin), en la que Ostrovsky escribe que ahora se ha convertido en partidario de la "nueva dirección", cuya esencia es apelar a lo positivo. principios de la vida cotidiana y del carácter nacional.
La antigua visión de las cosas le parece ahora “joven y demasiado cruel”. Exponer los vicios sociales no parece ser la tarea principal.
“Habrá correctores incluso sin nosotros. Para tener derecho a corregir a la gente sin ofenderla, hay que demostrarles que se conoce el bien que hay en ellas” (septiembre de 1853), escribe Ostrovsky.
Un rasgo distintivo del pueblo ruso de Ostrovsky en esta etapa parece no ser su voluntad de renunciar a estándares de vida obsoletos, sino el patriarcado, el compromiso con condiciones de vida fundamentales e inmutables. Ostrovsky ahora quiere combinar en sus obras "lo sublime con lo cómico", entendiendo por lo sublime las características positivas de la vida mercantil, y por lo "cómico", todo lo que se encuentra fuera del círculo mercantil, pero que ejerce su influencia sobre él.
Estas nuevas opiniones de Ostrovsky encontraron expresión en tres obras de teatro llamadas "eslavófilas" de Ostrovsky: "No te subas a tu propio trineo", "La pobreza no es un vicio", "No vivas como quieres".
Las tres obras eslavófilas de Ostrovsky tienen un comienzo definitorio: un intento de idealizar los fundamentos patriarcales de la vida y la moral familiar de los comerciantes.
Y en estas obras Ostrovsky aborda temas familiares y cotidianos. Pero detrás de ellos ya no hay relaciones económicas y sociales.
Las relaciones familiares y cotidianas se interpretan en un sentido puramente moral: todo depende de las cualidades morales de las personas, no hay intereses materiales o monetarios detrás de esto. Ostrovsky está tratando de encontrar una manera de resolver las contradicciones en moralmente, en la regeneración moral de los héroes. (La iluminación moral de Gordey Tortsov, la nobleza del alma de Borodkin y Rusakov). La tiranía se justifica no tanto por la existencia de capital, relaciones económicas, sino por las características personales de una persona.
Ostrovsky describe aquellos aspectos de la vida mercantil en los que, a su juicio, se concentra lo nacional, el llamado "espíritu nacional". Por lo tanto, se centra en los lados poéticos y brillantes de la vida mercantil, introduce motivos rituales y folclóricos, mostrando el comienzo "popular-épico" de la vida de los héroes en detrimento de su certeza social.
Ostrovsky enfatizó en las obras de este período la cercanía de sus héroes comerciantes al pueblo, sus vínculos sociales y cotidianos con el campesinado. Dicen de sí mismos que son gente “sencilla”, “maleducada”, que sus padres eran campesinos.
Desde el punto de vista artístico, estas obras son claramente más débiles que las anteriores. Su composición se simplificó deliberadamente, los personajes resultaron menos claros y los finales menos justificados.
Las obras de este período se caracterizan por el didactismo; contrastan abiertamente los principios claros y oscuros, los personajes están claramente divididos en "buenos" y "malos", y el vicio es castigado al final. Las obras del “período eslavófilo” se caracterizan por una abierta moralización, sentimentalismo y edificación.
Al mismo tiempo, hay que decir que durante este período Ostrovsky, en general, mantuvo una posición realista. Según Dobrolyubov, "el poder del sentimiento artístico directo no podía abandonar al autor aquí y, por lo tanto, las situaciones particulares y los personajes individuales se distinguen por la verdad genuina".
La importancia de las obras de Ostrovsky escritas durante este período radica principalmente en el hecho de que continúan ridiculizando y condenando la tiranía en cualquier forma en que se manifieste / Amamos a Tortsov /. (Si Bolshov es un tipo de tirano grosero y directo, entonces Rusakov es ablandado y manso).
Dobrolyubov: “En Bolshov vimos una naturaleza vigorosa, sometida a la influencia de la vida mercantil, en Rusakov nos parece: pero así es como resultan con él incluso las naturalezas honestas y amables”.
Bolshov: "¿Para qué estamos mi padre y yo si no doy órdenes?"
Rusakov: “No lo dejaré por quien ella ama, sino por quien yo amo”.
El elogio de la vida patriarcal se combina contradictoriamente en estas obras con la producción de conmovedores problemas sociales, pero el deseo de crear imágenes que encarnen los ideales nacionales (Rusakov, Borodkin), con simpatía por los jóvenes que traen nuevas aspiraciones, oposición a todo lo patriarcal y viejo. (Mitia, Lyubov Gordeevna).
Estas obras expresaron el deseo de Ostrovsky de encontrar un comienzo brillante y positivo en la gente corriente.
Así surge el tema del humanismo popular, la amplitud de la naturaleza del hombre común, que se expresa en la capacidad de mirar el medio ambiente con valentía e independencia y en la capacidad de sacrificar a veces los propios intereses por el bien de los demás.
Este tema se escuchó luego en obras tan centrales de Ostrovsky como "La tormenta", "El bosque", "La dote".
La idea de crear una actuación folclórica, una actuación didáctica, no era ajena a Ostrovsky cuando creó "La pobreza no es un vicio" y "No vivas como quieres".
Ostrovsky buscó transmitir los principios éticos del pueblo, la base estética de su vida y evocar una respuesta del espectador democrático a la poesía de su vida nativa y la antigüedad nacional.
Ostrovsky se guió por el noble deseo de “dar al espectador democrático una vacuna cultural inicial”. Otra cosa es la idealización de la humildad, la obediencia y el conservadurismo.
Es interesante la evaluación de las obras de Slavophil en los artículos de Chernyshevsky "La pobreza no es un vicio" y Dobrolyubov "El reino oscuro".
A Chernyshevsky se le ocurrió su artículo en 1854, cuando Ostrovsky estaba cerca de los eslavófilos y existía el peligro de que Ostrovsky se alejara de las posiciones realistas. Chernyshevsky llama "falsas" las obras de Ostrovsky "La pobreza no es un vicio" y "No te sientes en tu propio trineo", pero continúa: "Ostrovsky aún no ha arruinado su maravilloso talento, necesita volver a la dirección realista". "En realidad, el poder del talento, la dirección equivocada, destruye incluso el talento más fuerte", concluye Chernyshevsky.
El artículo de Dobrolyubov fue escrito en 1859, cuando Ostrovsky se liberó de las influencias eslavófilas. Era inútil recordar conceptos erróneos anteriores, y Dobrolyubov, limitándose a una vaga insinuación a este respecto, se concentra en revelar el comienzo realista de estas mismas obras.
Las valoraciones de Chernyshevsky y Dobrolyubov se complementan mutuamente y son un ejemplo de los principios de la crítica democrática revolucionaria.
A principios de 1856 comienza nueva etapa en las obras de Ostrovsky.
El dramaturgo se acerca cada vez más a la redacción de Sovremennik. Este acercamiento coincide con el período de ascenso de las fuerzas sociales progresistas, con la maduración de una situación revolucionaria.
Él, como si siguiera el consejo de Nekrasov, vuelve al camino del estudio de la realidad social, al camino de la creación de obras analíticas que dan imágenes de la vida moderna.
(En una reseña de la obra "No vivas como quieres", Nekrasov le aconsejó, abandonando todas las ideas preconcebidas, que siguiera el camino por el que le llevaría su propio talento: "dar libre desarrollo a su talento", el camino de representar la vida real).
Chernyshevsky enfatiza “el maravilloso talento de Ostrovsky, su gran talento. Dobrolyubov: "el poder del talento artístico" del dramaturgo.
Durante este período, Ostrovsky creó obras tan importantes como "El alumno", "Lugar rentable", la trilogía sobre Balzaminov y, finalmente, durante la situación revolucionaria, "La tormenta".
Este período de la obra de Ostrovsky se caracteriza, ante todo, por una ampliación del alcance de los fenómenos de la vida y una ampliación de los temas.
En primer lugar, en el campo de su investigación, que incluía el entorno terrateniente y siervo, Ostrovsky demostró que la terrateniente Ulanbekova (“La Alumna”) se burla de sus víctimas con la misma crueldad que los comerciantes analfabetos y turbios.
Ostrovsky muestra que en el medio noble-terrateniente, como en el medio mercantil, se libra la misma lucha entre ricos y pobres, mayores y jóvenes.
Además, durante el mismo período, Ostrovsky planteó el tema del filisteísmo. Ostrovsky fue el primer escritor ruso que notó y descubrió artísticamente el filisteísmo como grupo social.
El dramaturgo descubrió en el filisteísmo un interés predominante y eclipsante por las cosas materiales, lo que Gorki definió más tarde como “un sentido de propiedad monstruosamente desarrollado”.
En la trilogía sobre Balzaminov ("El sueño de vacaciones, antes del almuerzo", "Tus perros muerden, no molestes a los demás", "Lo que buscas es lo que encontrarás") /1857-1861/, Ostrovsky denuncia la Modo de existencia burgués, con su mentalidad y limitaciones, vulgaridad, sed de ganancias, sueños ridículos.
La trilogía sobre Balzaminov revela no sólo ignorancia o estrechez de miras, sino también una especie de miseria intelectual, la inferioridad de la burguesía. La imagen se construye sobre la oposición de esta inferioridad mental, insignificancia moral, y complacencia, confianza en lo correcto.
Esta trilogía contiene elementos de vodevil, bufonería y rasgos de comedia externa. Pero en él predomina la comedia interna, ya que la figura de Balzaminov es internamente cómica.
Ostrovsky demostró que el reino de los filisteos es el mismo reino oscuro de vulgaridad impenetrable, salvajismo, que tiene como objetivo un objetivo: el beneficio.
La siguiente obra, "Lugar rentable", indica el regreso de Ostrovsky al camino de la dramaturgia "moral y acusatoria". Durante el mismo período, Ostrovsky fue el descubridor de otro reino oscuro: el reino de los funcionarios, la burocracia real.
Durante los años de la abolición de la servidumbre, la denuncia de los órdenes burocráticos tuvo un significado político especial. La burocracia era la expresión más completa del sistema de servidumbre autocrático. Encarnaba la esencia explotadora y depredadora de la autocracia. Ya no se trataba de una simple arbitrariedad cotidiana, sino de una violación de los intereses comunes en nombre de la ley. Es en relación con esta obra que Dobrolyubov amplía el concepto de "tiranía", entendiendo por él la autocracia en general.
"Un lugar rentable" recuerda en términos de temas a la comedia "El inspector general" de N. Gogol. Pero si en El inspector general los funcionarios que cometen actos ilegales se sienten culpables y temen represalias, entonces los funcionarios de Ostrovsky están imbuidos de la conciencia de su rectitud e impunidad. Para ellos y para quienes los rodean, el soborno y el abuso son la norma.
Ostrovsky enfatizó que la distorsión de todas las normas morales en la sociedad es una ley, y la ley misma es algo ilusorio. Tanto los funcionarios como las personas que dependen de ellos saben que las leyes siempre están del lado de quien tiene el poder.
Así, por primera vez en la literatura, Ostrovsky muestra a los funcionarios como una especie de comerciantes de la ley. (El funcionario puede aplicar la ley como quiera).
También entró en la obra de Ostrovsky un nuevo héroe: un joven funcionario, Zhadov, que acababa de graduarse de la universidad. El conflicto entre los representantes de la antigua formación y Zhadov adquiere la fuerza de una contradicción irreconciliable:
a/ Ostrovsky pudo mostrar la inconsistencia de las ilusiones acerca de un funcionario honesto como una fuerza capaz de detener los abusos de la administración.
b/ lucha contra el “yusovismo” o compromiso, traición de ideales: a Zhadov no le quedó otra opción.
Ostrovsky denunció el sistema, las condiciones de vida que dan lugar a los sobornadores. El significado progresista de la comedia radica en el hecho de que en ella la negación irreconciliable del viejo mundo y el "yusovismo" se fusionaron con la búsqueda de una nueva moral.
Zhadov es una persona débil, no puede soportar la lucha y además va a pedir un “puesto lucrativo”.
Chernyshevsky creía que la obra habría sido aún más fuerte si hubiera terminado con el cuarto acto, es decir, con el grito de desesperación de Zhadov: "¡Vamos a pedirle al tío un puesto lucrativo!" En el quinto, Zhadov se enfrenta al abismo que casi lo destruye moralmente. Y, aunque el final de Vyshimirsky no es típico, hay un elemento de azar en la salvación de Zhadov, en sus palabras, en su creencia de que "en algún lugar hay otras personas más persistentes y dignas" que no se comprometerán, no se reconciliarán, no cederán. , hablan de la perspectiva de un mayor desarrollo de nuevas relaciones sociales. Ostrovsky previó el próximo levantamiento social.
El rápido desarrollo del realismo psicológico, que observamos en la segunda mitad del siglo XIX, también se manifestó en el drama. El secreto de la escritura dramática de Ostrovsky no reside en las características unidimensionales tipos humanos, pero en un esfuerzo por crear personajes humanos de pura sangre, cuyas contradicciones y luchas internas sirven como un poderoso impulso para el movimiento dramático. G.A. Tovstonogov habló bien de esta característica del estilo creativo de Ostrovsky, refiriéndose en particular a Glumov de la comedia "La simplicidad es suficiente para todo sabio", un personaje que está lejos de ser ideal: "¿Por qué Glumov es encantador, aunque comete una serie de actos viles?" Después de todo, si "No nos simpatiza, entonces no hay actuación. Lo que lo hace encantador es su odio hacia este mundo, y justificamos internamente su manera de pagarlo".
El interés por la personalidad humana en todos sus estados obligó a los escritores a buscar medios para su expresión. En el drama, el principal medio de este tipo era la individualización estilística del lenguaje de los personajes, y el papel principal en el desarrollo de este método correspondió a Ostrovsky. Además, Ostrovsky intentó ir más allá en el psicologismo, en el camino de proporcionar a sus personajes la máxima libertad posible en el marco del plan del autor; el resultado de tal experimento fue la imagen de Katerina en "La tormenta".
En La tormenta, Ostrovsky alcanzó el nivel de representar la trágica colisión de los sentimientos humanos vivos con la vida mortífera de Domostroievski.
A pesar de la variedad de tipos de conflictos dramáticos presentados en las primeras obras de Ostrovsky, su poética y su atmósfera general estaban determinadas, en primer lugar, por el hecho de que en ellas se presentaba la tiranía como un fenómeno natural e inevitable de la vida. Incluso las obras llamadas “eslavófilas”, con su búsqueda de principios buenos y brillantes, no destruyeron ni perturbaron la atmósfera opresiva de la tiranía. La obra "La tormenta" también se caracteriza por este colorido general. Y al mismo tiempo, hay en ella una fuerza que resiste decisivamente la terrible y letal rutina: este es el elemento de la gente, expresado tanto en personajes populares (Katerina, en primer lugar, Kuligin e incluso Kudryash), como en ruso. la naturaleza, que se convierte en un elemento esencial de la acción dramática.
La obra "La tormenta", puesta en escena preguntas dificiles vida moderna y apareció impreso y en escena justo antes de la llamada "liberación" de los campesinos, testificó que Ostrovsky estaba libre de ilusiones sobre los caminos del desarrollo social en Rusia.
Incluso antes de su publicación, "The Thunderstorm" apareció en los escenarios rusos. El estreno tuvo lugar el 16 de noviembre de 1859 en el Teatro Maly. En la obra participaron magníficos actores: S. Vasiliev (Tikhon), P. Sadovsky (Dikoy), N. Rykalova (Kabanova), L. Nikulina-Kositskaya (Katerina), V. Lensky (Kudryash) y otros. La producción fue dirigida por el propio N. Ostrovsky. El estreno fue un gran éxito y las actuaciones posteriores fueron un triunfo. Un año después del brillante estreno de "La tormenta", la obra recibió el premio académico más alto: el Gran Premio Uvarov.
En "La tormenta", el sistema social de Rusia queda claramente expuesto, y el dramaturgo muestra la muerte del personaje principal como una consecuencia directa de su situación desesperada en el "reino oscuro". El conflicto en "The Thunderstorm" se basa en el choque irreconciliable entre Katerina, amante de la libertad, y mundo aterrador Los jabalíes y los jabalíes, con leyes animales basadas en “la crueldad, la mentira, la burla y la humillación de la persona humana”, Katerina iba contra la tiranía y el oscurantismo, armada sólo con la fuerza de sus sentimientos, la conciencia del derecho a la vida, a la vida. felicidad y amor. Según la justa observación de Dobrolyubov, ella "siente la oportunidad de satisfacer la sed natural de su alma y no puede permanecer inmóvil: lucha por una nueva vida, incluso si tiene que morir en este impulso".
Desde la infancia, Katerina se crió en un ambiente único, que desarrolló en ella ensoñaciones románticas, religiosidad y sed de libertad. Estos rasgos de carácter determinaron más tarde la tragedia de su situación. Criada en un espíritu religioso, comprende la "pecaminosidad" de sus sentimientos por Boris, pero no puede resistir la atracción natural y se entrega por completo a este impulso.
Katerina no sólo se pronuncia contra “los conceptos de moralidad de Kabanov”. Protesta abiertamente contra los dogmas religiosos inmutables que afirman la categórica inviolabilidad del matrimonio eclesiástico y condenan el suicidio como contrario a la enseñanza cristiana. Teniendo en cuenta esta plenitud de la protesta de Katerina, Dobrolyubov escribió: “¡Esta es la verdadera fuerza de carácter, en la que en cualquier caso puedes confiar! Ésta es la altura a la que llega nuestra vida nacional en su desarrollo, pero a la que muy pocos en nuestra literatura pudieron llegar y nadie supo mantenerse en ella tan bien como Ostrovsky”.
Katerina no quiere soportar el ambiente sofocante que la rodea. “¡No quiero vivir aquí, no lo haré, incluso si me cortas!”, le dice a Varvara y se suicida. “Es triste y amarga esa liberación”, señaló Dobrolyubov, “pero qué hacer cuando”. no hay otra salida” El personaje de Katerina es complejo y multifacético. Esta complejidad se evidencia de manera más elocuente, quizás, en el hecho de que muchos artistas destacados, partiendo de los dominantes aparentemente completamente opuestos del personaje principal, no pudieron hacerlo por completo. Agotar todas estas diferentes interpretaciones no reveló del todo lo principal del carácter de Katerina: su amor, al que se entrega con toda la espontaneidad de su naturaleza joven. Su experiencia de vida es, sobre todo, insignificante; sentido de la belleza, una percepción poética de la naturaleza. Sin embargo, su carácter se da en el movimiento, en el desarrollo. La sola contemplación de la naturaleza, como sabemos por la obra, no es suficiente para ella. Se necesitan otras áreas de aplicación de las fuerzas espirituales. La oración, el servicio, los mitos son también medios para satisfacer el sentimiento poético del personaje principal.
Dobrolyubov escribió: “No son los rituales lo que la ocupan en la iglesia: ni siquiera escucha lo que cantan y leen allí; tiene otra música en el alma, diferentes visiones, para ella el servicio termina imperceptiblemente, como en un segundo. Está ocupada por árboles, extrañamente dibujados en imágenes, y se imagina todo un país de jardines, donde todos los árboles son así, y todo está floreciente, fragante, todo está lleno de cantos celestiales. De lo contrario, en un día soleado, verá cómo "un pilar tan brillante desciende de la cúpula, y el humo se mueve en este pilar, como nubes", y ahora ve, "como si los ángeles volaran y cantaran en este pilar." A veces se presentará: ¿por qué no debería volar? Y cuando está parada en una montaña, se siente atraída por volar: así, sin más, corre, levanta los brazos y vuela…”
Una esfera nueva, aunque inexplorada, de manifestación de sus poderes espirituales fue su amor por Boris, que finalmente se convirtió en la causa de su tragedia. "La pasión de una mujer nerviosa y apasionada y la lucha contra las deudas, la caída, el arrepentimiento y la difícil expiación de la culpa: todo esto está lleno del más vivo interés dramático y se lleva a cabo con extraordinario arte y conocimiento del corazón", I. A. Goncharov acertadamente señalado.
Con qué frecuencia se condena la pasión y la espontaneidad del carácter de Katerina, y su profunda lucha espiritual se percibe como una manifestación de debilidad. Mientras tanto, en las memorias del artista E. B. Piunova-Schmidthof encontramos la curiosa historia de Ostrovsky sobre su heroína: “Katerina”, me dijo Alexander Nikolaevich, “una mujer de naturaleza apasionada y carácter fuerte. Lo demostró con su amor por Boris y su suicidio. Katerina, aunque abrumada por su entorno, en la primera oportunidad se entrega a su pasión, diciendo antes: "¡Pase lo que pase, veré a Boris!". Frente a la imagen del infierno, Katerina no se enfurece ni grita, sino que solo con su rostro y toda su figura debe representar el miedo mortal. En la escena de despedida de Boris, Katerina habla en voz baja, como una paciente, y sólo últimas palabras: "¡Mi amigo! ¡Mi alegría! ¡Adiós!" - pronuncia lo más fuerte posible. La situación de Katerina se volvió desesperada. No puedes vivir en la casa de tu marido... No hay ningún lugar adonde ir. ¿A tus padres? Sí, en ese momento la habrían atado y llevado con su marido. Katerina llegó a la conclusión de que era imposible vivir como vivía antes y, teniendo una fuerte voluntad, se ahogó...”
“Sin temor a ser acusado de exageración”, escribió I. A. Goncharov, “puedo decir con toda conciencia que no existía una obra dramática en nuestra literatura. Sin duda ocupa y probablemente ocupará durante mucho tiempo el primer lugar entre las grandes bellezas clásicas. No importa de qué lado se tome, ya sea del plan de creación, del movimiento dramático o, finalmente, de los personajes, en todas partes queda capturado por el poder de la creatividad, la sutileza de la observación y la gracia de la decoración. " En "La tormenta", según Goncharov, "se ha establecido un panorama amplio de la vida y la moral nacionales".
Ostrovsky concibió La tormenta como una comedia y luego la llamó drama. N. A. Dobrolyubov habló con mucha atención sobre el carácter de género de "The Thunderstorm". Escribió que “las relaciones mutuas de tiranía y falta de voz llegan a las consecuencias más trágicas”.
A mediados del 19 Siglo, la definición de Dobrolyubov del "juego de la vida" resultó ser más amplia que la división tradicional del arte dramático, que todavía estaba experimentando el peso de las normas clasicistas. En el drama ruso hubo un proceso de acercamiento de la poesía dramática a la realidad cotidiana, lo que naturalmente afectó su naturaleza de género. Ostrovsky, por ejemplo, escribió: “La historia de la literatura rusa tiene dos ramas que finalmente se han fusionado: una rama está injertada y es hija de una semilla extraña, pero bien arraigada; va desde Lomonosov hasta Sumarokov, Karamzin, Batyushkov, Zhukovsky y otros. a Pushkin, donde comienza a converger con otro; el otro, desde Kantemir, pasando por las comedias del mismo Sumarokov, Fonvizin, Kapnist, Griboyedov hasta Gogol; ambos estaban completamente fundidos en él; Se acabó el dualismo. Por un lado: odas loables, tragedias francesas, imitaciones de los antiguos, la sensibilidad de finales del siglo XVIII, el romanticismo alemán, la literatura juvenil frenética; y por el otro: sátiras, comedias, comedias y “almas muertas”, Rusia parecía al mismo tiempo, en la persona de sus mejores escritores, vivir, época tras época, la vida de la literatura extranjera y educar la propia a la significación universal. .”
La comedia, por tanto, resultó ser la más cercana a los fenómenos cotidianos de la vida rusa, respondía con sensibilidad a todo lo que preocupaba al público ruso y reproducía la vida en sus manifestaciones dramáticas y trágicas. Es por eso que Dobrolyubov se aferró tan obstinadamente a la definición de "juego de la vida", viendo en ella no tanto un significado de género convencional, sino el principio mismo de reproducir la vida moderna en el drama. En realidad, Ostrovsky también habló del mismo principio: “Muchas reglas convencionales han desaparecido y algunas más desaparecerán. Ahora bien, las obras dramáticas no son más que la vida dramatizada." Este principio determinó el desarrollo de los géneros dramáticos a lo largo de las siguientes décadas. décadas XIX siglo. En cuanto a su género, “La Tormenta” es una tragedia social y cotidiana.
A. I. Revyakin señala acertadamente que la característica principal de la tragedia, "la descripción de contradicciones vitales irreconciliables que determinan la muerte del personaje principal, que es una persona destacada", se manifiesta en "La tormenta". La descripción de la tragedia popular, por supuesto, exigió formas constructivas nuevas y originales de su implementación. Ostrovsky se pronunció repetidamente contra la forma tradicional e inerte de construir obras dramáticas. “The Thunderstorm” también fue innovadora en este sentido. Habló de esto, no sin ironía, en una carta a Turgenev fechada el 14 de junio de 1874, en respuesta a una propuesta para publicar "La tormenta" traducida al idioma Francés: “No está de más publicar “La Tormenta” en una buena traducción al francés; puede impresionar por su originalidad; pero si debería o no ponerse en escena es algo en lo que hay que pensar. Aprecio mucho la capacidad de los franceses para hacer jugadas y tengo miedo de ofenderlos. sabor delicado con su terrible ineptitud. Desde el punto de vista francés, la construcción de “Tormenta” es fea y debo admitir que no es muy coherente. Cuando escribí "The Thunderstorm", me dejé llevar por el acabado de los papeles principales y "traté la forma con una frivolidad imperdonable, y al mismo tiempo tenía prisa por llegar a tiempo a la actuación benéfica del difunto Vasiliev". .”
Es interesante el razonamiento de A.I. Zhuravleva sobre la singularidad del género de "La tormenta": “El problema de la interpretación del género es el más importante al analizar esta obra. Si recurrimos a las tradiciones científico-críticas y teatrales de interpretación de esta obra, podemos identificar dos tendencias predominantes. Uno de ellos viene dictado por la comprensión de "La Tormenta" como un drama social y cotidiano, en el que significado especial apegado a la vida cotidiana. La atención de los directores y, en consecuencia, de la audiencia se distribuye equitativamente entre todos los participantes en la acción, cada persona recibe la misma importancia”.
Otra interpretación está determinada por la comprensión de "La Tormenta" como una tragedia. Zhuravleva cree que tal interpretación es más profunda y tiene "un mayor apoyo en el texto", a pesar de que la interpretación de "La tormenta" como drama se basa en la definición de género del propio Ostrovsky. El investigador señala con razón que “esta definición es un homenaje a la tradición”. De hecho, toda la historia anterior del drama ruso no proporcionó ejemplos de tragedias en las que los héroes fueran individuos privados y no figuras históricas, ni siquiera legendarias. La “tormenta” siguió siendo un fenómeno único a este respecto. El punto clave para comprender el género de una obra dramática en este caso no es el "estatus social" de los personajes, sino, ante todo, la naturaleza del conflicto. Si entendemos la muerte de Katerina como resultado de un enfrentamiento con su suegra y la vemos como una víctima de la opresión familiar, entonces la escala de los héroes realmente parece demasiado pequeña para una tragedia. Pero si vemos que el destino de Katerina estuvo determinado por el choque de dos épocas históricas, entonces la naturaleza trágica del conflicto parece bastante natural.
Un rasgo típico de una estructura trágica es el sentimiento de catarsis que experimenta el público durante el desenlace. Con la muerte, la heroína se libera tanto de la opresión como de las contradicciones internas que la atormentan.
Así, el drama social y cotidiano de la vida de la clase mercantil se convierte en tragedia. A través del amor y los conflictos cotidianos, Ostrovsky pudo mostrar el cambio trascendental que se estaba produciendo en la conciencia popular. El despertar del sentido de la personalidad y una nueva actitud hacia el mundo, basada no en la expresión individual de la voluntad, resultó ser un antagonismo irreconciliable no sólo con el estado real, cotidiano y confiable del modo de vida patriarcal contemporáneo de Ostrovsky, sino también con el ideal. idea de moralidad inherente a la alta heroína.
Esta transformación del drama en tragedia se produjo también gracias al triunfo del elemento lírico en “La Tormenta”.
El simbolismo del título de la obra es importante. En primer lugar, la palabra "tormenta" tiene un significado directo en su texto. El personaje principal es incluido por el dramaturgo en el desarrollo de la acción y participa directamente en ella como un fenómeno natural. El motivo de la tormenta se desarrolla en la obra desde el primer hasta el cuarto acto. Al mismo tiempo, Ostrovsky también recreó la imagen de una tormenta como paisaje: nubes oscuras llenas de humedad (“como si una nube se enroscara en una bola”), sentimos la congestión en el aire, escuchamos el retumbar de un trueno. , nos congelamos ante la luz del rayo.
El título de la obra también tiene un significado figurado. Una tormenta azota el alma de Katerina, se refleja en la lucha entre principios creativos y destructivos, la colisión de presentimientos brillantes y oscuros, sentimientos buenos y pecaminosos. Las escenas con Grokha parecen impulsar la acción dramática de la obra.
La tormenta en la obra también adquiere un significado simbólico, expresando la idea de toda la obra en su conjunto. La aparición de personas como Katerina y Kuligin en el Reino Oscuro es una tormenta sobre Kalinov. La tormenta de la obra transmite la naturaleza catastrófica de la existencia, el estado de un mundo dividido en dos. La diversidad y versatilidad del título de la obra se convierte en una especie de clave para una comprensión más profunda de su esencia.
"En la obra del señor Ostrovsky, que lleva el nombre de "La tormenta", escribió A.D. Galakhov, "la acción y la atmósfera son trágicas, aunque muchos lugares provocan risas". "The Thunderstorm" combina no sólo lo trágico y lo cómico, sino, lo que es especialmente importante, lo épico y lo lírico. Todo ello determina la originalidad de la composición de la obra. V.E. Meyerhold escribió excelentemente sobre esto: “La originalidad de la construcción de “La tormenta” es que Ostrovsky da el punto más alto de tensión en el cuarto acto (y no en la segunda escena del segundo acto), y la intensificación se nota en el el guión no es gradual (del segundo acto pasando por el tercero y el cuarto), sino con un empujón, o mejor dicho, con dos empujones; el primer ascenso se indica en el segundo acto, en la escena de la despedida de Katerina de Tikhon (el ascenso es fuerte, pero aún no muy fuerte), y el segundo ascenso (muy fuerte, este es el shock más sensible) en el cuarto acto. , en el momento del arrepentimiento de Katerina.
Entre estos dos actos (escenificados como en la cima de dos colinas desiguales, pero que se elevan bruscamente), el tercer acto (con ambas escenas) se encuentra, por así decirlo, en un valle.
No es difícil notar que el esquema interno de la construcción de "La Tormenta", sutilmente revelado por el director, está determinado por las etapas de desarrollo del personaje de Katerina, las etapas de desarrollo de sus sentimientos por Boris.
A. Anastasyev señala que la obra de Ostrovsky tiene su propio y especial destino. Durante muchas décadas, "The Thunderstorm" no abandonó los escenarios de los teatros rusos; N. A. Nikulina-Kositskaya, S. V. Vasiliev, N. V. Rykalova, G. N. Fedotova, M. N. Ermolova se hicieron famosos por interpretar los papeles principales. Koonen, VN Pashennaya. Y al mismo tiempo, “los historiadores del teatro no han sido testigos de representaciones completas, armoniosas y sobresalientes”. El misterio sin resolver de esta gran tragedia radica, según el investigador, “en su carácter multiideal, en la más fuerte fusión de verdad histórica concreta innegable, incondicional y simbolismo poético, en la combinación orgánica de acción real y principios líricos profundamente ocultos. .”
Por lo general, cuando hablan del lirismo de "La tormenta", se refieren, en primer lugar, al sistema de cosmovisión del personaje principal de la obra, que es de naturaleza lírica, también hablan del Volga, que en su forma más general; La forma se opone al estilo de vida del "granero" y evoca las efusiones líricas de Kuligin. Pero el dramaturgo no pudo, debido a las leyes del género, incluir el Volga, los bellos paisajes del Volga o la naturaleza en general en el sistema de acción dramática. Sólo mostró la forma en que la naturaleza se convierte en un elemento integral de la acción escénica. La naturaleza aquí no es solo objeto de admiración y admiración, sino también criterio principal valoraciones de todo lo que existe, que permiten ver la falta de lógica y la antinaturalidad de la vida moderna. “¿Ostrovsky escribió La tormenta? ¡Volga escribió “Tormenta”! - exclamó el famoso crítico y experto en teatro S. A. Yuryev.
“Toda persona común y corriente es al mismo tiempo un verdadero romántico”, diría más tarde el famoso personaje teatral A. I. Yuzhin-Sumbatov, refiriéndose a Ostrovsky. Un romántico en el sentido amplio de la palabra, sorprendido por la corrección y severidad de las leyes de la naturaleza y la violación de estas leyes en la vida pública. Esto es exactamente lo que Ostrovsky comentó en una de las primeras anotaciones de su diario después de llegar a Kostromá: “Y al otro lado del Volga, justo enfrente de la ciudad, hay dos pueblos; “Uno es especialmente pintoresco, desde el cual se extiende el bosque más rizado hasta el Volga; el sol al atardecer de alguna manera milagrosamente subió a él, desde las raíces, y creó muchos milagros”.
A partir de este boceto del paisaje, Ostrovsky razonó:
“Estaba exhausto mirando esto. Naturaleza: eres un amante fiel, sólo que terriblemente lujurioso; no importa cuánto te ame, todavía estás insatisfecho; La pasión insatisfecha hierve en tu mirada, y por mucho que jures que eres incapaz de satisfacer tus deseos, no te enojas, no te alejas, sino que miras todo con tus ojos apasionados, y estas miradas llenas de Las expectativas son ejecución y tormento para una persona”.
El lirismo de "La tormenta", tan específico en su forma (Ap. Grigoriev sutilmente comentó al respecto: "... como si no fuera un poeta, sino todo un pueblo el que creó aquí..."), surgió precisamente en el base de la cercanía del mundo del héroe y el autor.
La orientación hacia un comienzo natural saludable se convirtió en los años 50 y 60 en el principio social y ético no sólo de Ostrovsky, sino de toda la literatura rusa: desde Tolstoi y Nekrasov hasta Chéjov y Kuprin. Sin esta peculiar manifestación de la voz del "autor" en las obras dramáticas, no podemos comprender completamente el psicologismo de "La pobre novia", la naturaleza lírica de "La tormenta" y "La dote" y la poética del nuevo drama. finales del XIX siglo.
A finales de los años sesenta, la obra de Ostrovsky se expandió enormemente temáticamente. Muestra cómo lo nuevo se mezcla con lo viejo: en las imágenes familiares de sus comerciantes vemos refinamiento y mundanalidad, educación y modales "agradables". Ya no son déspotas estúpidos, sino adquirentes depredadores que tienen en sus manos no sólo una familia o una ciudad, sino provincias enteras. Una gran variedad de personas se encuentran en conflicto con ellos; su círculo es infinitamente amplio. Y el patetismo acusatorio de las obras es más fuerte. Los mejores de ellos: "Warm Heart", "Mad Money", "Bosque", "Lobos y ovejas", "La última víctima", "Dote", "Talentos y admiradores".
Los cambios en la obra de Ostrovsky durante su último período son muy visibles si comparamos, por ejemplo, "Warm Heart" con "Thunderstorm". El comerciante Kuroslepov es un comerciante famoso en la ciudad, pero no tan formidable como Dikoy, es bastante excéntrico, no comprende la vida y está ocupado con sus sueños. Su segunda esposa, Matryona, claramente tiene una aventura con el empleado Narkis. Ambos roban al propietario y Narkis quiere convertirse él mismo en comerciante. No, el “reino oscuro” ya no es monolítico. El estilo de vida de Domostroievski ya no salvará la obstinación del alcalde Gradoboev. La juerga desenfrenada del rico comerciante Khlynov es un símbolo de vida desperdiciada, decadencia y tonterías: Khlynov ordena que se rieguen las calles con champán.
Parasha es una chica con un "corazón cálido". Pero si Katerina en "La tormenta" resulta ser víctima de un marido no correspondido y un amante de voluntad débil, entonces Parasha es consciente de su poderosa fuerza espiritual. Ella también quiere “volar”. Ama y maldice el carácter débil y la indecisión de su amante: “¿Qué clase de hombre es este, qué clase de llorón se me ha impuesto... Aparentemente, tengo que pensar en mi propia cabeza”.
El desarrollo del amor de Yulia Pavlovna Tugina por el indigno joven juerguista Dulchin en "La última víctima" se muestra con gran tensión. En los dramas posteriores de Ostrovsky hay una combinación de situaciones llenas de acción con características psicológicas detalladas de los personajes principales. Se pone gran énfasis en las vicisitudes del tormento que viven, en el que gran lugar el héroe o heroína comienza a luchar consigo mismo, con sus propios sentimientos, errores, suposiciones.
En este sentido, la "dote" es típica. Aquí, quizás por primera vez, la atención del autor se centra en el sentimiento mismo de la heroína, que ha escapado del cuidado de su madre y del antiguo modo de vida. En esta obra no hay una lucha entre la luz y las tinieblas, sino la lucha del amor mismo por sus derechos y libertad. La propia Larisa prefería a Paratova a Karandysheva. Las personas que la rodeaban violaron cínicamente los sentimientos de Larisa. Ella fue abusada por una madre que quería “vender” a su hija “sin dote” por un hombre adinerado que se enorgullecía de ser el dueño de semejante tesoro. Paratov abusó de ella, engañó sus mejores esperanzas y consideró el amor de Larisa como una de las alegrías pasajeras. Tanto Knurov como Vozhevatov abusaron mutuamente, jugando al azar entre ellos.
En la obra “Lobos y ovejas” aprendemos en qué cínicos se convirtieron los terratenientes de la Rusia posterior a la reforma, dispuestos a recurrir a la falsificación, el chantaje y el soborno con fines egoístas. Los "lobos" son el terrateniente Murzavetskaya, el terrateniente Berkutov y las "ovejas", la joven viuda rica Kupavina, el anciano de voluntad débil Lynyaev. Murzavetskaya quiere casar a su disoluto sobrino con Kupavina, “asustándola” con las viejas facturas de su difunto marido. De hecho, los billetes fueron falsificados por el abogado de confianza Chugunov, que también actúa como Kupavina. Berkutov, un terrateniente y hombre de negocios, llegó de San Petersburgo, más vil que los sinvergüenzas locales. Instantáneamente se dio cuenta de lo que estaba pasando. Tomó en sus manos a Kupavina con su enorme capital sin hablar de sus sentimientos. Habiendo "asustado" hábilmente a Murzavetskaya al exponer la falsificación, inmediatamente concluyó una alianza con ella: para él era importante ganar las elecciones para líder de la nobleza. Él es el verdadero "lobo", todos los que están a su lado son "ovejas". Al mismo tiempo, en la obra no hay una división tajante entre sinvergüenzas e inocentes. Parece haber una especie de vil conspiración entre los “lobos” y las “ovejas”. Todos hacen la guerra entre sí y al mismo tiempo hacen las paces fácilmente y encuentran el beneficio común.
Una de las mejores obras de todo el repertorio de Ostrovsky, aparentemente, es la obra "Culpable sin culpa". Combina los motivos de muchas obras anteriores. La actriz Kruchinina, la protagonista principal, una mujer de alta cultura espiritual, vivió una gran tragedia en su vida. Ella es amable y generosa, de buen corazón y sabia. En la cima de la bondad y el sufrimiento se encuentra Kruchinina. Si se quiere, ella es un “rayo de luz” en el “reino oscuro”, es la “última víctima”, es un “corazón cálido”, es una “dote”, hay “fanáticos” a su alrededor, es decir, “lobos” depredadores, avaros y cínicos. Kruchinina, que aún no asume que Neznamov es su hijo, lo instruye en la vida, revela su corazón no endurecido: “Tengo más experiencia que tú y he vivido más en el mundo; Sé que hay mucha nobleza en las personas, mucho amor, abnegación, especialmente en las mujeres”.
Esta obra es un panegírico a la mujer rusa, la apoteosis de su nobleza y abnegación. Ésta es también la apoteosis del actor ruso, cuya verdadera alma Ostrovsky conocía bien.
Ostrovsky escribió para el teatro. Ésta es la peculiaridad de su talento. Las imágenes y cuadros de la vida que creó están destinados al escenario. Por eso el discurso de los héroes de Ostrovsky es tan importante, por eso sus obras suenan tan vívidas. No es de extrañar que Innokenty Annensky lo llamara “realista auditivo”. Sin poner sus obras en escena, era como si sus obras no estuvieran terminadas, razón por la cual Ostrovsky se tomó con tanta dureza la prohibición de sus obras por parte de la censura teatral. (A la comedia "Seremos contados como nuestro propio pueblo" se le permitió representar en el teatro sólo diez años después de que Pogodin logró publicarla en la revista).
Con un sentimiento de manifiesta satisfacción, A. N. Ostrovsky escribió el 3 de noviembre de 1878 a su amigo, el artista del Teatro de Alejandría A. F. Burdin: “Ya leí mi obra en Moscú cinco veces, entre los oyentes había gente hostil hacia mí, y eso es todo.” reconoció por unanimidad "La Dote" como la mejor de todas mis obras."
Ostrovsky vivía con la "Dote", a veces sólo sobre ella, su cuadragésima cosa consecutiva, dirigía "su atención y sus fuerzas", queriendo "terminarla" de la manera más cuidadosa. En septiembre de 1878 le escribió a uno de sus conocidos: “Estoy trabajando en mi obra con todas mis fuerzas; parece que no saldrá mal”.
Ya un día después del estreno, el 12 de noviembre, Ostrovsky pudo descubrir, y sin duda aprendió, de Russkiye Vedomosti cómo lograba “cansar a todo el público, incluso a los espectadores más ingenuos”. Porque ella, el público, claramente ha “superado” los espectáculos que él le ofrece.
En los años setenta, la relación de Ostrovsky con la crítica, los teatros y el público se volvió cada vez más compleja. El período en el que disfrutó del reconocimiento universal, que ganó a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, fue reemplazado por otro, cada vez más creciente en diferentes círculos de enfriamiento hacia el dramaturgo.
La censura teatral era más estricta que la censura literaria. Esto no es una coincidencia. En esencia, el arte teatral es democrático; se dirige al público en general más directamente que la literatura. Ostrovsky en su "Nota sobre el estado del arte dramático en Rusia en la actualidad" (1881) escribió que "la poesía dramática está más cerca de la gente que otras ramas de la literatura. Todas las demás obras están escritas para personas educadas y los dramas". y las comedias se escriben para todo el pueblo; los escritores de obras dramáticas deben recordarlo siempre, deben ser claras y fuertes. Esta cercanía al pueblo no degrada en lo más mínimo la poesía dramática, sino que, por el contrario, duplica su fuerza y no la duplica. permita que se vuelva vulgar y aplastado”. Ostrovsky habla en su “Nota” sobre cómo se expandió el público teatral en Rusia después de 1861. Ostrovsky escribe sobre un espectador nuevo, sin experiencia en el arte: “La buena literatura sigue siendo aburrida e incomprensible para él, la música también, sólo el teatro le proporciona pleno placer, allí experimenta como un niño todo lo que sucede en el escenario, simpatiza con el bien y reconoce el mal, claramente presentado." Para un “público nuevo”, escribió Ostrovsky, “un drama fuerte, un gran cómico, desafiante, franco, de risa ruidosa, ardiente, sentimientos sinceros"Es el teatro, según Ostrovsky, que tiene sus raíces en la farsa popular, el que tiene la capacidad de influir directa y fuertemente en el alma de las personas. Dos décadas y media después, Alexander Blok, hablando de poesía, escribirá que su esencia está, principalmente, en verdades “andantes”, en la capacidad de transmitirlas al corazón del lector.
¡Caminad, quejosos de luto!
Actores, dominen su oficio,
Para que de la verdad andante
¡Todos sintieron dolor y luz!
("Balagan"; 1906)
La enorme importancia que Ostrovsky concedía al teatro, sus pensamientos sobre artes teatrales, sobre la situación del teatro en Rusia, sobre el destino de los actores, todo esto se reflejó en sus obras.
En la vida del propio Ostrovsky, el teatro jugó un papel muy importante. Participó en la producción de sus obras, trabajó con los actores, fue amigo de muchos de ellos y mantuvo correspondencia con ellos. Puso mucho esfuerzo en defender los derechos de los actores, buscando la creación de una escuela de teatro y su propio repertorio en Rusia.
Ostrovsky conocía bien la vida interior, detrás de escena, del teatro, oculta a los ojos del público. A partir de "El bosque" (1871), Ostrovsky desarrolla el tema del teatro, crea imágenes de actores, describe sus destinos; a esta obra le siguen "El comediante del siglo XVII" (1873), "Talentos y admiradores" (1881 ), "Culpable sin culpa" (1883).
El teatro representado por Ostrovsky vive según las leyes del mundo que el lector y el espectador conocen por sus otras obras. La forma en que se desarrolla el destino de los artistas está determinada por la moral, las relaciones y las circunstancias de la vida "general". La capacidad de Ostrovsky para recrear una imagen vívida y precisa del tiempo se manifiesta plenamente en obras de teatro sobre actores. Esto es Moscú en la era del zar Alexei Mikhailovich ("Comediante del siglo XVII"), una ciudad provincial contemporánea de Ostrovsky ("Talentos y admiradores", "Culpable sin culpa"), una finca noble ("Bosque").
En la vida del teatro ruso, que Ostrovsky conocía tan bien, el actor era una persona forzada, repetidamente dependiente. “Entonces llegó la época de los favoritos, y todas las órdenes gerenciales del inspector del repertorio consistieron en instrucciones al director en jefe de que tuviera todo el cuidado posible al compilar el repertorio para que los favoritos, que reciben grandes pagos por la interpretación, tocaran todos los días. y, si es posible, en dos teatros”, escribió Ostrovsky en “Nota sobre el proyecto de reglas para los teatros imperiales para obras dramáticas” (1883).
En la interpretación de Ostrovsky, los actores podrían resultar casi mendigos, como Neschastlivtsev y Schastlivtsev en "El bosque", humillados, perdiendo su apariencia humana debido a la embriaguez, como Robinson en "La dote", como Shmaga en "Culpable sin culpa". Como Erast Gromilov en "Talentos" y fans”, “Nosotros, los artistas, nuestro lugar está en el buffet”, dice Shmaga con desafío y malvada ironía.
El teatro, la vida de las actrices provinciales a finales de los años 70, en la época en que Ostrovsky escribía obras sobre actores, también mostró a M.E. Saltykov-Shchedrin en la novela "Los Golovlev". Las sobrinas de Judushka, Lyubinka y Anninka, se convierten en actrices y escapan de la vida de Golovlev, pero terminan en una guarida. No tenían talento ni formación, no estaban capacitados para actuar, pero todo esto no era necesario en el escenario provincial. La vida de los actores aparece en las memorias de Anninka como un infierno, como una pesadilla: “Aquí hay un escenario con un paisaje humeante, capturado y resbaladizo por la humedad; aquí ella misma gira en el escenario, simplemente gira, imaginando que está actuando... Noches de borrachera y pugna; transeúntes que sacan apresuradamente de sus delgadas carteras una cartulina verde; comerciantes que animan a los “actores” casi con un látigo en la mano”. Y la vida detrás de escena es fea, y lo que se desarrolla en el escenario es feo: “...Y la duquesa de Gerolstein, deslumbrante con una gorra de húsar, y Cleretta Ango, con un vestido de novia, con una abertura en el frente hasta arriba. hasta la cintura, y la Bella Helena, con una raja por delante, por detrás y por todos lados... Nada más que desvergüenza y desnudez... ¡así se pasaba la vida!” Esta vida lleva a Lyubinka al suicidio.
Las similitudes entre Shchedrin y Ostrovsky en su descripción del teatro provincial son naturales: ambos escriben sobre lo que sabían bien, escriben la verdad. Pero Shchedrin es un satírico despiadado, espesa tanto los colores, la imagen se vuelve grotesca, mientras Ostrovsky da una imagen objetiva de la vida, su "reino oscuro" no es desesperado - no en vano N. Dobrolyubov escribió sobre un " rayo de luz”.
Esta característica de Ostrovsky fue notada por los críticos incluso cuando aparecieron sus primeras obras. “...La capacidad de representar la realidad tal como es - “fidelidad matemática a la realidad”, la ausencia de cualquier exageración... Todo esto no son los rasgos distintivos de la poesía de Gogol, todos estos son los rasgos distintivos de la nueva; comedia”, escribió B. Almazov en el artículo “Un sueño según el motivo de una comedia”. Ya en nuestro tiempo, el crítico literario A. Skaftymov en su obra “Belinsky y el drama de A.N Ostrovsky” señaló que “la diferencia más sorprendente entre las obras de Gogol y Ostrovsky es que en Gogol no hay víctima del vicio, mientras que en Ostrovsky. siempre hay una víctima vicio que sufre... Al retratar el vicio, Ostrovsky protege algo de él, protege a alguien... Así, todo el contenido de la obra cambia. La obra se tiñe de lirismo sufriente, entra en el desarrollo de algo nuevo. , sentimientos moralmente puros o poéticos; "para resaltar claramente la legalidad interna, la verdad y la poesía de la verdadera humanidad, oprimida y expulsada en un ambiente de egoísmo y engaño prevalecientes". El enfoque de Ostrovsky para representar la realidad, diferente al de Gogol, se explica, por supuesto, por la originalidad de su talento, las propiedades "naturales" del artista, pero también (esto tampoco debe pasarse por alto) por los tiempos cambiantes: una mayor atención a individuo, a sus derechos, reconocimiento de su valor.
V.I. Nemirovich-Danchenko en el libro "El nacimiento del teatro" escribe sobre lo que hace que las obras de Ostrovsky sean especialmente escénicas: "una atmósfera de bondad", "una simpatía clara y firme por parte del ofendido, a la que la sala del teatro siempre es extremadamente sensible". .”
En obras sobre teatro y actores, Ostrovsky ciertamente tiene la imagen de un verdadero artista y persona maravillosa. En la vida real, Ostrovsky conoció a muchas personas excelentes en mundo del teatro, los valoraba mucho y los respetaba. L. Nikulina-Kositskaya, quien brillantemente interpretó a Katerina en "The Thunderstorm", jugó un papel importante en su vida. Ostrovsky era amigo del artista A. Martynov, tenía un respeto inusualmente alto por N. Rybakov, G. Fedotov y M. Ermolov actuaban en sus obras; P. Strepetova.
En la obra "Culpable sin culpa", la actriz Elena Kruchinina dice: "Sé que la gente tiene mucha nobleza, mucho amor y desinterés". Y la propia Otradina-Kruchinina pertenece a personas tan maravillosas y nobles, es una artista maravillosa, inteligente, significativa y sincera.
"Oh, no llores; no valen tus lágrimas. Eres una paloma blanca en una bandada de grajos negros, por eso te picotean tu blancura, tu pureza, les resulta ofensiva", dice Narokov en "Talentos y". Admiradores” de Sasha Negina.
La imagen más llamativa del actor noble creada por Ostrovsky es la del trágico Neschastlivtsev en "El bosque". Ostrovsky retrata a una persona "viva", con un destino difícil, con una historia de vida triste. A Neschastlivtsev, que bebe mucho, no se le puede llamar "paloma blanca". Pero cambia a lo largo de la obra; la situación de la trama le da la oportunidad de revelar plenamente los mejores rasgos de su naturaleza. Si al principio el comportamiento de Neschastlivtsev revela la postura inherente a un trágico provinciano, una predilección por la declamación pomposa (en esos momentos es ridículo); Si, mientras interpreta al maestro, se encuentra en situaciones absurdas, entonces, al darse cuenta de lo que está sucediendo en la finca Gurmyzhskaya, de la basura que es su amante, participa ardientemente en el destino de Aksyusha y muestra excelentes cualidades humanas. Resulta que el papel héroe noble para él es orgánico, este es verdaderamente su papel, y no sólo en el escenario, sino también en la vida.
En su opinión, el arte y la vida están indisolublemente ligados, el actor no es un actor ni un pretendiente, su arte se basa en sentimientos genuinos, experiencias genuinas, no debería tener nada que ver con la simulación y la mentira de la vida. Éste es el significado de la observación que Gurmyzhskaya le lanza a ella y a toda su compañía de Neschastlivtsev: “...Nosotros somos artistas, artistas nobles y ustedes son los comediantes”.
El comediante principal en la representación en vivo que se representa en “El bosque” resulta ser Gurmyzhskaya. Ella elige para sí el papel atractivo y comprensivo de una mujer de estrictas normas morales, una filántropa generosa que se dedica a las buenas obras (“Señores, ¿realmente vivo para mí? Todo lo que tengo, todo mi dinero pertenece a los pobres. Yo Soy sólo una empleada con mi dinero, pero cada pobre, cada desafortunado es su amo”, inspira a quienes la rodean). Pero todo esto es actuación, una máscara que oculta su verdadero rostro. Gurmyzhskaya engaña, finge tener buen corazón, ni siquiera pensó en hacer nada por los demás, ayudar a nadie: "¡Por qué me emociono! Juegas y desempeñas un papel, y luego te dejas llevar". Gurmyzhskaya no sólo desempeña un papel completamente ajeno a ella, sino que también obliga a los demás a seguirle el juego, les impone roles que deberían presentarla de la manera más favorable: a Neschastlivtsev se le asigna el papel de un sobrino agradecido que la ama. Aksyusha es el papel de la novia, Bulanov es el novio de Aksyusha. Pero Aksyusha se niega a montar una comedia para ella: "No me casaré con él; entonces, ¿por qué esta comedia?" Gurmyzhskaya, sin ocultar más el hecho de que ella es la directora de la obra que se está representando, pone bruscamente a Aksyusha en su lugar: “¡Comedia! ¿Cómo te atreves, aunque sea una comedia, te daré de comer y te vestiré, y yo? Te haré interpretar una comedia”.
El comediante Schastlivtsev, que resultó ser más perspicaz que el trágico Neschastlivtsev, que primero tomó por fe la actuación de Gurmyzhskaya, descubrió la situación real que tenía ante él, le dice a Neschastlivtsev: “El estudiante de secundaria es aparentemente más inteligente que él desempeña el papel aquí; mejor que el tuyo... Él es el amante que juega, y tú eres... un tonto."
Al espectador se le presenta la verdadera Gurmyzhskaya, sin la máscara protectora farisaica: una dama codiciosa, egoísta, engañosa y depravada. La actuación que realizó persiguió objetivos bajos, viles y sucios.
Muchas de las obras de Ostrovsky presentan un "teatro" de la vida tan engañoso. Podkhalyuzin en la primera obra de Ostrovsky "Nuestra gente - Seamos contados" desempeña el papel de la persona más devota y fiel al propietario y así logra su objetivo: después de haber engañado a Bolshov, él mismo se convierte en propietario. Glumov en la comedia "Todo sabio tiene suficiente simplicidad" se construye una carrera en un juego complejo, poniéndose una máscara u otra. Sólo la casualidad le impidió lograr su objetivo en la intriga que inició. En "Dote", no sólo Robinson, entreteniendo a Vozhevatov y Paratov, se presenta como un señor. El divertido y patético Karandyshev intenta parecer importante. Habiéndose convertido en el prometido de Larisa, "... levantó la cabeza tan alto que, mira, chocaría con alguien. Además, por alguna razón se puso gafas, pero nunca las usó. Se inclina y apenas asiente", dice Vozhevatov. . Todo lo que hace Karandyshev es artificial, todo es para lucirse: el lamentable caballo que consiguió, la alfombra con armas baratas en la pared y la cena que prepara. Paratov es un hombre, calculador y desalmado, que desempeña el papel de una naturaleza ardiente e incontrolablemente amplia.
Teatro en vida, máscaras impresionantes nacen del deseo de disfrazar, de ocultar algo inmoral, vergonzoso, de hacer pasar lo negro por lo blanco. Detrás de semejante actuación suele haber cálculo, hipocresía e interés propio.
Neznamov en la obra "Culpable sin culpa", al verse víctima de la intriga iniciada por Korinkina, y creyendo que Kruchinina sólo pretendía ser una mujer amable y noble, dice con amargura: "¡Actriz! ¡Solo juega en el escenario!". Allí pagan dinero por una buena simulación”. Y para jugar en la vida con corazones simples y crédulos, que no necesitan juego, que piden la verdad... debemos ser ejecutados por esto... no necesitamos engaños. !Danos la verdad, la pura verdad! El héroe de la obra expresa aquí una idea muy importante para Ostrovsky sobre el teatro, sobre su papel en la vida, sobre la naturaleza y el propósito de la actuación. Ostrovsky contrasta la comedia y la hipocresía en la vida con el arte en el escenario lleno de verdad y sinceridad. El teatro real y la actuación inspirada del artista son siempre morales, aportan bondad e iluminan a las personas.
Las obras de Ostrovsky sobre actores y teatro, que reflejan fielmente las circunstancias de la realidad rusa de los años 70 y 80 del siglo pasado, contienen pensamientos sobre el arte que aún están vivos en la actualidad. Estos son pensamientos sobre el destino difícil, a veces trágico, de un verdadero artista que, al realizarse, se gasta y se agota, sobre la felicidad de la creatividad que encuentra, sobre la dedicación total, sobre la alta misión del arte que afirma la bondad y la humanidad. El propio Ostrovsky se expresó, reveló su alma en las obras que creó, quizás especialmente abiertamente en obras sobre teatro y actores. Mucho de ellos está en consonancia con lo que el poeta de nuestro siglo escribe en maravillosos versos:
Cuando una línea está dictada por un sentimiento,
Envía un esclavo al escenario,
Y aquí es donde termina el arte,
Y el suelo y el destino respiran.
(B. Pasternak " Oh, desearía saberlo
que esto pase...").
Generaciones enteras de maravillosos artistas rusos crecieron viendo producciones de las obras de Ostrovsky. Además de los Sadovsky, también están Martynov, Vasilyeva, Strepetova, Ermolova, Massalitinova, Gogoleva. Las paredes del Teatro Maly vieron al gran dramaturgo vivo, y sus tradiciones aún se multiplican en el escenario.
La maestría dramática de Ostrovsky es propiedad del teatro moderno y objeto de un estudio minucioso. No está del todo obsoleto, a pesar del carácter algo anticuado de muchas técnicas. Pero esta anticuación es exactamente la misma que la del teatro de Shakespeare, Moliere, Gogol. Estos son diamantes viejos y genuinos. Las obras de Ostrovsky contienen posibilidades ilimitadas para la actuación escénica y el crecimiento actoral.
La principal fortaleza del dramaturgo es la verdad que todo lo conquista, la profundidad de la tipificación. Dobrolyubov también señaló que Ostrovsky representa no sólo tipos de comerciantes y terratenientes, sino también tipos universales. Todas las señales están ante nosotros. el arte más elevado que es inmortal.
La originalidad de la dramaturgia de Ostrovsky y su innovación se manifiestan especialmente en la tipificación. Si las ideas, los temas y las tramas revelan la originalidad e innovación del contenido de la dramaturgia de Ostrovsky, entonces los principios de la tipificación de los personajes también se refieren a su representación artística y a su forma.
A. N. Ostrovsky, que continuó y desarrolló las tradiciones realistas del drama ruso y europeo occidental, se sintió atraído, por regla general, no por personalidades excepcionales, sino por personajes sociales comunes y corrientes de mayor o menor tipicidad.
Casi todos los personajes de Ostrovsky son únicos. Al mismo tiempo, el individuo en sus obras no contradice lo social.
Al individualizar a sus personajes, el dramaturgo descubre el don de la penetración más profunda en su mundo psicológico. Muchos episodios de las obras de Ostrovsky son obras maestras de una descripción realista de la psicología humana.
“Ostrovsky”, escribió acertadamente Dobrolyubov, “sabe mirar en las profundidades del alma de una persona, sabe distinguir la naturaleza de todas las deformidades y crecimientos aceptados externamente; Por eso la opresión externa, el peso de toda la situación que oprime a una persona, se siente en sus obras con mucha más fuerza que en muchas historias, de contenido terriblemente escandaloso, pero con el lado externo y oficial del asunto eclipsando por completo el lado interno y humano. lado." En la capacidad de "notar la naturaleza, penetrar en las profundidades del alma de una persona, captar sus sentimientos, independientemente de la descripción de sus relaciones oficiales externas", Dobrolyubov reconoció una de las principales y mejores propiedades del talento de Ostrovsky.
En su trabajo sobre personajes, Ostrovsky mejoró constantemente las técnicas de su dominio psicológico, ampliando la gama de colores utilizados y complicando la coloración de las imágenes. En su primer trabajo tenemos personajes de personajes brillantes, pero más o menos de una sola línea. Otros trabajos proporcionan ejemplos de una divulgación más profunda y compleja de imágenes humanas.
En el teatro ruso, la escuela de Ostrovsky se designa con bastante naturalidad. Incluye a I. F. Gorbunov, A. Krasovsky, A. F. Pisemsky, A. A. Potekhin, I. E. Chernyshev, M. P. Sadovsky, N. Ya Solovyov, P. M. Nevezhin, I. A. Kupchinsky. Estudiando con Ostrovsky, I. F. Gorbunov creó maravillosas escenas de la vida de los comerciantes y artesanos burgueses. Siguiendo a Ostrovsky, A. A. Potekhin reveló en sus obras el empobrecimiento de la nobleza (“El nuevo oráculo”), la esencia depredadora de la burguesía rica (“El culpable”), el soborno, el arribismo de la burocracia (“Opel”), la belleza espiritual del campesinado ("Un abrigo de piel de oveja - el alma humana"), el surgimiento de nuevas personas de inclinación democrática ("The Cut Off Chunk"). El primer drama de Potekhin, "El tribunal humano no es Dios", que apareció en 1854, recuerda las obras de Ostrovsky, escritas bajo la influencia del eslavofilismo. A finales de los años 50 y principios de los 60, las obras de I. E. Chernyshev, artista del Teatro Alexandrinsky y colaborador permanente de la revista Iskra, gozaron de gran popularidad en Moscú, San Petersburgo y provincias. Estas obras, escritas con un espíritu liberal-democrático, claramente imitando el estilo artístico de Ostrovsky, impresionaron por la exclusividad de los personajes principales y la aguda presentación de las cuestiones morales y cotidianas. Por ejemplo, en la comedia "El novio de la rama de la deuda" (1858) se trataba de un hombre pobre que intentaba casarse con un terrateniente rico; en la comedia "El dinero no puede comprar la felicidad" (1859) se representaba a un comerciante depredador desalmado; en el drama "Padre de familia" (1860), un terrateniente tirano, y en la comedia "Vida estropeada" (1862), representan a un funcionario amable y extremadamente honesto, su ingenua esposa y un petimetre deshonesto y traicionero que violó su felicidad.
Bajo la influencia de Ostrovsky, se formaron dramaturgos como A.I. Sumbatov-Yuzhin, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, S. A. Naydenov, E. P. Karpov, P. P. Gnedich y muchos otros.
La autoridad incuestionable de Ostrovsky como primer dramaturgo del país fue reconocida por todas las figuras literarias progresistas. Apreciando mucho la dramaturgia de Ostrovsky como "nacional", escuchando sus consejos, L. N. Tolstoi le envió la obra "El primer destilador" en 1886. Llamando a Ostrovsky "el padre del drama ruso", el autor de "Guerra y paz" le pidió en una carta adjunta que leyera la obra y expresara su "veredicto paternal" al respecto.
Las obras de Ostrovsky, las más progresistas en dramaturgia de la segunda mitad del siglo XIX, constituyen un paso adelante en el desarrollo del arte dramático mundial, un capítulo independiente e importante.
La enorme influencia de Ostrovsky en la dramaturgia de los pueblos ruso, eslavo y otros es innegable. Pero su obra no sólo está relacionada con el pasado. Vive activamente en el presente. En cuanto a su aportación al repertorio teatral, que es expresión de la vida actual, el gran dramaturgo es nuestro contemporáneo. La atención a su trabajo no disminuye, sino que aumenta.
Ostrovsky atraerá durante mucho tiempo las mentes y los corazones de los espectadores nacionales y extranjeros con el patetismo humanista y optimista de sus ideas, la profunda y amplia generalización de sus héroes, el bien y el mal, sus propiedades humanas universales y la singularidad de su original. habilidad dramática.