Quien pintó la Mona Lisa. Los principales secretos que esconde la Mona Lisa. ¿Por qué se la considera hermosa?

Admiramos pinturas de viejos maestros, pero rara vez pensamos en cómo eran exactamente en el momento de su creación. Por alguna razón, se cree que los colores oscuros son el tipo de pintura original. De hecho, TODAS las pinturas de más de 50 años eran completamente diferentes. El tiempo destruye el pigmento de color de muchas pinturas. Algunos desaparecen, otros cambian.
Por tanto, lo que vemos y lo que escribió el artista, como dicen en Odessa: “Son dos grandes diferencias”.

Mona Lisa. Leonardo da Vinci hoy.

despues de un año investigación científica La famosa artista estadounidense Jenness Cortez anunció la finalización de su trabajo para restaurar el cuadro "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci tal como era a principios del siglo XVI.

La restauración se llevó a cabo por encargo de un coleccionista privado americano. En su trabajo, Genes Cortés utilizó una copia de la Mona Lisa propiedad del Museo del Prado y datos del Centro Francés de Investigación en Restauración, publicados en 2004. Además, el artista analizó de forma independiente gran número Datos históricos sobre la pintura y sus copias realizadas por los contemporáneos de Leonardo da Vinci.

Según Giorgio Vasari (1511 - 1574 ), autor de biografías artistas italianos, que escribió sobre Leonardo en 1550, 31 años después de su muerte, Mona Lisa (abreviatura de madonna lisa) era esposa de un florentino llamado Francesco del Giocondo ( italiano Francesco del Giocondo), en cuyo retrato Leonardo dedicó cuatro años y lo dejó inacabado.

“Leonardo se propuso hacer un retrato de Mona Lisa, su esposa, para Francesco del Giocondo y, después de trabajar en él durante cuatro años, lo dejó inacabado. Esta obra está ahora en posesión del rey francés en Fontainebleau .
Esta imagen permite a cualquiera que quiera comprobar hasta qué punto el arte puede imitar a la naturaleza comprenderlo de la manera más sencilla, ya que reproduce todos los detalles más pequeños que la sutileza de la pintura puede transmitir. Por tanto, los ojos tienen ese brillo y esa humedad que suele ser visible en una persona viva, y a su alrededor están todos esos reflejos rojizos y pelos que sólo pueden representarse con la mayor sutileza de la artesanía. Las pestañas, confeccionadas de forma similar a como crece realmente el pelo en el cuerpo, donde es más grueso y donde más fino, y situadas según los poros de la piel, no podrían representarse con más naturalidad. La nariz, con sus preciosos agujeros, rosados ​​y delicados, parece viva. La boca, ligeramente abierta, con los bordes conectados por labios escarlatas, con la fisicalidad de su apariencia, no parece pintura, sino carne real. Si miras de cerca, puedes ver el pulso latiendo en el hueco del cuello. Y verdaderamente podemos decir que esta obra fue escrita de tal manera que sumerge a cualquier artista arrogante, sea quien sea, en la confusión y el miedo.

Una vez terminada la obra, Jenes Cortez señaló que no pretende ser completamente similar a su obra con el original del siglo XVI: “No pretendo ser igual en habilidad a Leonardo. Pero pongo toda mi experiencia, intuición, imaginación y pasión en mi trabajo. Me gustaría pensar que me ayudó la misma musa que ayudó al gran Leonardo. Espero que mi Mona Lisa sea aceptada por los fans de la pintura original”.

Según famosos investigadores y restauradores, numerosos cambios visibles en la Mona Lisa, que se produjo a lo largo de cinco siglos, se deben a los siguientes factores:

Oscurecimiento y coloración amarillenta del barniz.

Desaparición completa de algunos pigmentos.

Natural reacciones quimicas, que cambió las tonalidades originales.

Consecuencias de la limpieza y reconstrucción.

Cambios en el panel de madera sobre el que está pintado el cuadro debido a la humedad.

Para comprender estos y otros factores, Genes Cortés se basó en los resultados de investigaciones de laboratorio realizadas por científicos restauradores franceses. Una generalización del material histórico, científico y de la propia experiencia del artista nos permitió sacar las siguientes conclusiones:

1. Muchas áreas de la pintura eran más claras y detalladas, pero cambiar el color del barniz también cambió el color del lienzo, ocultando algunos de los detalles de la pintura. Los colores que más sufrieron fueron el azul, el marrón y el verde, que fueron los protagonistas principales de la restauración.

2. Otros pigmentos también sufrieron un ligero cambio de color. Para comprender cómo cambiaron, se llevó a cabo un análisis especial.

3. La superficie de la pintura tiene muchas grietas, que se formaron principalmente como resultado gran número movimientos, así como bajo la influencia de la humedad en la base de madera.

4. Algunos detalles fueron destruidos debido a la limpieza intensiva de la superficie de la pintura durante la reconstrucción. Por ejemplo, en la zona de sombra entre el puente de la nariz y el ojo derecho, así como en el mentón, se perdieron detalles más finos. Hay rastros inexplicables de pintura blanca sobre el borde superior del corpiño, lo que convenció a Cortez de que el original tenía un delicado borde blanco en el corpiño, especialmente porque este detalle es bastante notable en la copia italiana de la pintura. Tenga en cuenta que la versión de la Mona Lisa que posee el Museo del Prado fue realizada por un artista desconocido, contemporáneo de Leonardo, y es muy probable que sea una representación bastante fiel del original.

5. En la copia del Museo del Prado también se notan brillos en los ojos, aunque no son visibles en el original. Sin embargo, Giorgio Vasari, quien hizo la descripción más antigua conocida de la Mona Lisa, en su libro Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más eminentes, que data de 1550, señaló que la mirada de la mujer en la pintura tiene un "brillo acuoso". Cortez devolvió el brillo a los ojos de Gioconda.

6. Hoy el panorama es bastante monótono. apariencia, probablemente debido al uso extensivo de pigmentos orgánicos volátiles por parte de Leonardo en esmaltes finos. El análisis mostró un modelado más vívido de la cara y las manos, y el mismo Vasari describe fosas nasales "iridiscentes y tiernas", "labios rojos" y tonos de piel más brillantes que transmiten con precisión el color de la carne. De hecho, algunos pigmentos rojos elaborados a partir de cuerpos y secreciones de insectos se utilizaron ampliamente durante el Renacimiento, pero a menudo perdieron color con el tiempo.

7. Las mangas del vestido, ahora de color bronce, pudieron ser rojas (como se puede ver en la copia del Museo del Prado).

8. La legendaria y enigmática expresión de Mona Lisa se ve muy favorecida por su falta de cejas. Jenes Cortez arqueó ligeramente las cejas, porque se sabía que estaban ahí, aunque muy finas. Su sutileza también impresionó a Vasari, que anotó en su libro. Cortés trató esta parte del cuadro con mucha delicadeza, sin especular sobre el arco, tamaño y color de las cejas, sintiendo que cualquier malentendido por su parte cambiaría incondicionalmente la expresión del rostro de la mujer que nos es familiar y, por tanto, distorsionaría la de Leonardo. intención.

9. El cabello de Lisa, que hoy parece casi negro, probablemente era de un tono castaño cálido, pero con el tiempo se volvió negro bajo la laca que cambió de color.

10. En toda la zona del cuadro se han pintado pequeños detalles, que ahora quedan ocultos bajo el barniz antiguo, pero de los que se ven rastros al mirar.

"Mona Lisa", también conocida como "La Gioconda", nombre completo - Retrato de Madame Lisa del Giocondo, es una pintura de Leonardo da Vinci, ubicada en el Louvre (París, Francia), una de las obras de pintura más famosas del mundo. , que se considera un retrato de Lisa Gherardini, esposa del comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo, pintado hacia 1503-1505.

historia de la pintura

Ya los primeros biógrafos italianos de Leonardo da Vinci escribieron sobre el lugar que ocupaba este cuadro en la obra del artista. Leonardo no rehuyó trabajar en la Mona Lisa, como sucedió con muchas otras órdenes, sino que, por el contrario, se dedicó a ello con cierta pasión. Todo el tiempo que le quedaba de trabajar en “La batalla de Anghiari” lo dedicó a ella. Dedicó un tiempo considerable a él y, cuando ya era adulto, abandonó Italia y se lo llevó a Francia, entre otras pinturas seleccionadas. Da Vinci tuvo un especial cariño por este retrato, y también pensó mucho durante el proceso de su creación en el “Tratado de Pintura” y en aquellas notas sobre técnicas pictóricas que no estaban incluidas en él, se pueden encontrar muchos indicios que sin duda; relacionarse con “La Gioconda” "

Problema de identificación del modelo

La información sobre la identidad de la mujer del cuadro permaneció incierta durante mucho tiempo y se expresaron muchas versiones:

• Caterina Sforza, hija ilegítima del duque de Milán Galeazzo Sforza

Caterina Sforza

• Isabel de Aragón, duquesa de Milán

La obra de un seguidor de Leonardo es la representación de un santo. Quizás su apariencia represente a Isabel de Aragón, duquesa de Milán, una de las candidatas para el papel de Mona Lisa.

• Cecilia Gallerani (modelo de otro retrato del artista - "La dama del armiño")

La obra de Leonardo da Vinci, "La dama del armiño".

• Constanza d'Avalos, quien tenía el sobrenombre de "La Alegre", es decir, La Gioconda en italiano. El crítico de arte italiano Venturi sugirió en 1925 que “La Gioconda” es un retrato de la duquesa de Costanza d’Avalos, viuda de Federigo del Balzo, glorificada en un pequeño poema de Eneo Irpino, que también menciona su retrato pintado por Leonardo. Costanza era la amante de Giuliano de' Medici.

• Pacifica Brandano es otra amante de Giuliano Medici, la madre del cardenal Ippolito Medici (según Roberto Zapperi, el retrato de Pacifica fue encargado por Giuliano Medici para su hijo ilegítimo, que luego fue legitimado por él, que anhelaba ver a su madre, quien En ese momento ya había muerto. Además, según el crítico de arte, el cliente, como de costumbre, dejó a Leonardo total libertad de acción).

• Isabela Gualanda

• Simplemente la mujer perfecta

• Un joven vestido de mujer (por ejemplo, Salai, el amante de Leonardo)

Salai en un dibujo de Leonardo (Salai es alumno de Leonardo da Vinci, con quien el artista mantuvo una relación duradera (más de 25 años) y posiblemente íntima).

• Autorretrato del propio Leonardo da Vinci

Según una de las versiones presentadas, "Mona Lisa" es un autorretrato de la artista.

leonardo da vinci

• Retrato retrospectivo de la madre del artista, Katerina (sugerido por Freud, luego por Serge Bramly, Rina de "Firenze, Roni Kempler, etc.).

Sin embargo, se cree que la versión de 2005 sobre la correspondencia del nombre generalmente aceptado de la imagen con la personalidad del modelo ha encontrado una confirmación definitiva. Científicos de la Universidad de Heidelberg estudiaron las notas al margen del tomo, cuyo propietario era un funcionario florentino, conocido personal del artista Agostino Vespucci. En notas al margen del libro, compara a Leonardo con el famoso pintor griego antiguo Apeles y señala que "da Vinci está trabajando ahora en tres pinturas, una de las cuales es un retrato de Lisa Gherardini".

Una nota al margen demostraba la correcta identificación del modelo de la Mona Lisa.

Así, la Mona Lisa realmente resultó ser la esposa del comerciante florentino Francesco del Giocondo, Lisa Gherardini. La pintura, como demuestran los científicos en este caso, fue encargada por Leonardo para el nuevo hogar de la joven familia y para conmemorar el nacimiento de su segundo hijo, llamado Andrea.

Descripción de la pintura

La pintura rectangular representa a una mujer vestida de oscuro, dando media vuelta. Ella se sienta en una silla con las manos entrelazadas, una mano apoyada en el reposabrazos y la otra encima, girando la silla casi para mirar al espectador. El cabello dividido, liso y plano, visible a través de un velo transparente que lo cubre (según algunas suposiciones, un atributo de la viudez), cae sobre los hombros en dos mechones delgados y ligeramente ondulados. vestido verde en finos fruncidos, con mangas amarillas en pliegues, cortadas sobre un pecho bajo blanco. La cabeza está ligeramente girada.

El crítico de arte Boris Vipper, al describir la imagen, señala que en el rostro de Mona Lisa se notan rastros de la moda del Quattrocento: tiene las cejas y el pelo en la parte superior de la frente están afeitados.

El borde inferior del cuadro corta la segunda mitad de su cuerpo, por lo que el retrato ocupa casi la mitad de su cuerpo. La silla en la que se sienta la modelo se encuentra en un balcón o galería, cuya línea de parapeto es visible detrás de sus codos. Se cree que antes la imagen podría haber sido más ancha y albergar dos columnas laterales de la logia, de las cuales en este momento Quedan dos bases de columnas, cuyos fragmentos son visibles a lo largo de los bordes del parapeto.

La copia de la Mona Lisa de la Colección Wallace (Baltimore) se realizó antes de que se recortaran los bordes del original y permite ver las columnas que faltan.

La logia da a un desierto desolado con arroyos serpenteantes y un lago rodeado de montañas cubiertas de nieve que se extiende hasta un horizonte alto detrás de la figura. “La Mona Lisa está representada sentada en una silla con un paisaje como telón de fondo, y la misma yuxtaposición de su figura, muy cerca del espectador, con el paisaje visible desde lejos, como una enorme montaña, confiere a la imagen una grandeza extraordinaria. La misma impresión se ve favorecida por el contraste del tacto plástico intensificado de la figura y su silueta suave y generalizada con un paisaje parecido a una visión que se extiende en la distancia brumosa con extrañas rocas y canales de agua serpenteando entre ellos”.

Estado actual

"Mona Lisa" se volvió muy oscura, lo que se cree que es el resultado de la tendencia inherente de su autor a experimentar con pinturas, por lo que el fresco de "La Última Cena" prácticamente murió. Los contemporáneos del artista, sin embargo, lograron expresar su admiración no sólo por la composición, el diseño y el juego del claroscuro, sino también por el color de la obra. Se supone, por ejemplo, que las mangas de su vestido originalmente eran rojas, como se desprende de la copia del cuadro del Prado.

Una de las primeras copias de la Mona Lisa del Prado muestra cuánto pierde un retrato cuando se coloca sobre un fondo oscuro y neutro.

El estado actual del cuadro es bastante malo, por lo que el personal del Louvre anunció que ya no lo cedería a exposiciones: “Se han formado grietas en el cuadro, y una de ellas se detiene unos milímetros por encima de la cabeza de la Mona Lisa. .”

La fotografía macro permite ver una gran cantidad de craquelados (grietas) en la superficie de la pintura.

Técnica

Como señala Dzhivelegov, en el momento de la creación de la Mona Lisa, la maestría de Leonardo “ya había entrado en una fase de tal madurez, cuando todas las tareas formales de naturaleza compositiva y de otro tipo fueron planteadas y resueltas, cuando Leonardo comenzó a sentir que sólo el Las últimas y más difíciles tareas de la técnica artística merecían realizarlas. Y cuando encontró en la persona de Mona Lisa un modelo que satisfacía sus necesidades, intentó resolver algunos de los problemas más elevados y difíciles de la técnica pictórica que aún no había resuelto. Quería, con la ayuda de técnicas que ya había desarrollado y probado antes, especialmente con la ayuda de su famoso sfumato, que anteriormente había dado efectos extraordinarios, hacer más de lo que había hecho antes: crear una cara viva de un ser vivo. persona y así reproducir los rasgos y la expresión de este rostro para que con ellos el mundo interior del hombre se revelara plenamente”.

Boris Vipper se pregunta: “¿Por qué medios se logró esta espiritualidad, esta chispa eterna de conciencia en la imagen de la Mona Lisa? Entonces hay que nombrar dos medios principales. Uno es el maravilloso sfumato de Leonard. No es de extrañar que a Leonardo le gustara decir que “el modelado es el alma de la pintura”. Es el sfumato el que crea la mirada húmeda de Gioconda, su sonrisa ligera como el viento y la incomparable suavidad del tacto de sus manos. Sfumato es una sutil bruma que envuelve el rostro y la figura, suavizando contornos y sombras. Para ello, Leonardo recomendó colocar, según sus propias palabras, “una especie de niebla” entre la fuente de luz y los cuerpos.

Rothenberg escribe que “Leonardo logró introducir en su creación ese grado de generalización que le permite ser considerado como una imagen del hombre del Renacimiento en su conjunto. Este alto grado de generalización se refleja en todos los elementos. lenguaje figurado la pintura, en sus motivos individuales: en cómo un velo ligero y transparente, que cubre la cabeza y los hombros de Mona Lisa, une mechones de cabello cuidadosamente dibujados y pequeños pliegues del vestido en un contorno general suave; se palpa en la incomparable suavidad del modelado del rostro (al que, según la moda de la época, se le quitaban las cejas) y en las manos hermosas y elegantes”.

Alpatov añade que “en la suave neblina que envuelve el rostro y la figura, Leonardo logró hacer sentir la infinita variabilidad de las expresiones faciales humanas. Aunque los ojos de Gioconda miran atenta y tranquilamente al espectador, gracias al sombreado de las cuencas de sus ojos, se podría pensar que fruncen levemente el ceño; sus labios están comprimidos, pero cerca de sus comisuras hay sutiles sombras que te hacen creer que a cada minuto se abrirán, sonreirán y hablarán. El mismo contraste entre su mirada y la media sonrisa en sus labios da una idea de la inconsistencia de sus vivencias. ... Leonardo trabajó en él durante varios años, asegurándose de que en la imagen no quedara ni un solo trazo agudo, ni un solo contorno angular; Y aunque los bordes de los objetos son claramente perceptibles, todos se disuelven en las más sutiles transiciones de media sombra a media luz”.

Escenario

Los críticos de arte destacan la forma orgánica con la que el artista combinó la caracterización del retrato de una persona con un paisaje lleno de un estado de ánimo especial, y cuánto aumentó esto la dignidad del retrato.

Whipper considera que el paisaje es el segundo medio que crea la espiritualidad de una pintura: “El segundo medio es la relación entre figura y fondo. El fantástico paisaje rocoso, como visto a través del agua del mar, en el retrato de Mona Lisa tiene otra realidad que su propia figura. La Mona Lisa tiene la realidad de la vida, el paisaje tiene la realidad de un sueño. Gracias a este contraste, Mona Lisa parece increíblemente cercana y tangible, y percibimos el paisaje como la radiación de sus propios sueños”.

El investigador de arte renacentista Viktor Grashchenkov escribe que Leonardo, incluso gracias al paisaje, logró crear no un retrato de una persona específica, sino una imagen universal: “En este imagen misteriosa Creó algo más que un retrato de la desconocida Mona Lisa florentina, la tercera esposa de Francesco del Giocondo. La apariencia y la estructura mental de una persona en particular son transmitidas por él con una sintetización sin precedentes. Este psicologismo impersonal corresponde a la abstracción cósmica del paisaje, casi completamente desprovisto de cualquier signo de presencia humana. En el claroscuro ahumado no sólo se suavizan todos los contornos de la figura y el paisaje, sino también todos los tonos de color. En las sutiles transiciones de la luz a la sombra, casi imperceptibles a la vista, en la vibración del “sfumato” de Leonardo, cualquier certeza de la individualidad y su estado psicológico. ... "La Gioconda" no es un retrato. Este es un símbolo visible de la vida misma del hombre y la naturaleza, unidos en un todo y presentado de manera abstracta desde su forma concreta individual. Pero detrás del movimiento apenas perceptible, que, como ligeras ondas, recorre la superficie inmóvil de este mundo armonioso, se puede discernir toda la riqueza de las posibilidades de la existencia física y espiritual”.

En 2012, se recogió una copia de la "Mona Lisa" del Prado, y debajo de las grabaciones posteriores había un fondo paisajístico: la sensación del lienzo cambia inmediatamente.

“Mona Lisa” está diseñada en tonos marrón dorado y rojizos en primer plano y tonos verde esmeralda en segundo plano. “Transparentes, como el vidrio, los colores forman una aleación, como si no fueran creados por la mano de una persona, sino por la fuerza interna de la materia, que da origen a cristales de forma perfecta a partir de una solución”. Como muchas de las obras de Leonardo, esta obra se ha oscurecido con el tiempo y sus relaciones de color han cambiado algo, pero incluso ahora las comparaciones reflexivas en los tonos de los claveles y la ropa y su contraste general con el tono verde azulado "submarino" de la El paisaje se percibe claramente.

Robo

La Mona Lisa habría sido conocida durante mucho tiempo sólo por los conocedores bellas artes, si no fuera por su historia excepcional, que le aseguró fama mundial.

El 21 de agosto de 1911, el cuadro fue robado por un empleado del Louvre, el maestro espejo italiano Vincenzo Perugia. El propósito de este secuestro no está claro. Quizás Perugia quiso devolver La Gioconda a su patria histórica, creyendo que los franceses la habían “secuestrado” y olvidando que el propio Leonardo trajo el cuadro a Francia. Los registros realizados por la policía no arrojaron ningún resultado. Se cerraron las fronteras del país y se despidió a la administración del museo. El poeta Guillaume Apollinaire fue detenido bajo sospecha de haber cometido un delito y posteriormente puesto en libertad. Pablo Picasso también estaba bajo sospecha. El cuadro fue encontrado sólo dos años después en Italia, y el culpable fue el propio ladrón, que respondió a un anuncio en el periódico y ofreció vender La Gioconda al director de la Galería de los Uffizi. Se supone que tenía la intención de hacer copias y hacerlas pasar por originales. Perugia, por un lado, fue elogiado por el patriotismo italiano y, por otro, le impusieron una breve pena de prisión.

Vicente Perugia. Hoja de un caso penal.

Finalmente, el 4 de enero de 1914, el cuadro (tras exposiciones en ciudades italianas) regresó a París. Durante este tiempo, la Mona Lisa permaneció en las portadas de periódicos y revistas de todo el mundo, así como en postales, por lo que no es de extrañar que la Mona Lisa fuera copiada con más frecuencia que cualquier otro cuadro. La pintura se convirtió en objeto de culto como obra maestra de los clásicos mundiales.

Vandalismo

En 1956, la parte inferior del cuadro resultó dañada cuando un visitante le arrojó ácido. El 30 de diciembre del mismo año, un joven boliviano, Hugo Ungaza Villegas, le arrojó una piedra y dañó la capa de pintura de su codo (posteriormente se registró la pérdida). Después de esto, la Mona Lisa fue protegida con un cristal a prueba de balas, que la protegió de nuevos ataques graves. Aún así, en abril de 1974, una mujer, molesta por la política del museo hacia los discapacitados, intentó rociar pintura roja de una lata mientras el cuadro estaba expuesto en Tokio, y el 2 de abril de 2009, una mujer rusa, que no había recibido ciudadanía francesa, arrojó una copa de barro al vaso. Ambos casos no dañaron la imagen.

Multitud en el Louvre cerca del cuadro, nuestros días.

quiero cantarle a la sonrisa
Mona Liza.
On a - el enigma del renacimiento -
N aveka.
Y no hay una hermosa sonrisa roja
S o t o r i l i
E GRAN MODELO MAESTRO -
La esposa de un cosaco.

H e g o t a l a n t u v i d e l v n e ,
simple ciudadano,
QUE VIO MUCHO
Aún ,
Hermosa diosa conmovedora,
P o n i l t a i n u
Mujeres y madres, de un vistazo
en los ojos

Ella sonríe modestamente
CUMPLE
L o u e m a t e r i n s t a
primera llamada
Y no hay nada alrededor
además de los secretos,
QUE VIVO
en n u t r i n e e .

“Mona Lisa”, también conocida como “Gioconda”; (Italiano: Mona Lisa, La Gioconda, francés: La Joconde), título completo - Retrato de la Sra. Lisa del Giocondo, italiano. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) es un cuadro de Leonardo da Vinci, ubicado en el Louvre (París, Francia), una de las obras de pintura más famosas del mundo, que se cree que es un retrato de Lisa Gherardini, la esposa del comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo, escrito hacia 1503-1505.

Pronto se cumplirán cuatro siglos desde que la Mona Lisa priva de la cordura a todo aquel que, habiendo visto suficiente, empieza a hablar de ella.

El título completo del cuadro es italiano. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo - "Retrato de la Sra. Lisa Giocondo". En italiano, ma donna significa “mi señora” (cf. inglés “milady” y francés “madam”), en una versión abreviada esta expresión se transformó en monna o mona. La segunda parte del nombre de la modelo, considerada el apellido de su marido, del Giocondo, en italiano también tiene un significado directo y se traduce como "alegre, jugando" y, en consecuencia, la Gioconda - "alegre, jugando" (compárese con el inglés bromas).

El nombre “La Joconda” apareció por primera vez en 1525 en la lista de la herencia del artista Salai, heredero y alumno de da Vinci, quien dejó el cuadro a sus hermanas en Milán. La inscripción lo describe como un retrato de una dama llamada La Gioconda.

Ya los primeros biógrafos italianos de Leonardo da Vinci escribieron sobre el lugar que ocupaba este cuadro en la obra del artista. Leonardo no rehuyó trabajar en la Mona Lisa, como sucedió con muchas otras órdenes, sino que, por el contrario, se dedicó a ello con cierta pasión. Todo el tiempo que le quedaba de trabajar en “La batalla de Anghiari” lo dedicó a ella. Dedicó un tiempo considerable a él y, cuando ya era adulto, abandonó Italia y se lo llevó a Francia, entre otras pinturas seleccionadas. Da Vinci tuvo un especial cariño por este retrato, y también pensó mucho durante el proceso de su creación en el “Tratado de Pintura” y en aquellas notas sobre técnicas pictóricas que no estaban incluidas en él, se pueden encontrar muchos indicios que sin duda; relacionarse con “La Gioconda” "

El mensaje de Vasari


"El estudio de Leonardo da Vinci" en un grabado de 1845: Gioconda es entretenida por bufones y músicos

Según Giorgio Vasari (1511-1574), autor de biografías de artistas italianos que escribió sobre Leonardo en 1550, 31 años después de su muerte, la Mona Lisa (abreviatura de Madonna Lisa) era la esposa de un florentino llamado Francesco del Giocondo. del Giocondo), en cuyo retrato Leonardo pasó 4 años, pero lo dejó inacabado.

“Leonardo se propuso hacer un retrato de Mona Lisa, su esposa, para Francesco del Giocondo y, después de trabajar en él durante cuatro años, lo dejó inacabado. Esta obra está ahora en posesión del rey francés en Fontainebleau.
Esta imagen ofrece a cualquiera que quiera comprobar hasta qué punto el arte puede imitar a la naturaleza, la oportunidad de comprenderlo de la forma más sencilla, ya que reproduce todos los detalles más pequeños que la sutileza de la pintura puede transmitir. Por tanto, los ojos tienen ese brillo y esa humedad que suele ser visible en una persona viva, y a su alrededor están todos esos reflejos rojizos y pelos que sólo pueden representarse con la mayor sutileza de la artesanía. Las pestañas, confeccionadas de forma similar a como crece realmente el pelo en el cuerpo, donde es más grueso y donde más fino, y situadas según los poros de la piel, no podrían representarse con más naturalidad. La nariz, con sus preciosos agujeros, rosados ​​y delicados, parece viva. La boca, ligeramente abierta, con los bordes conectados por labios escarlatas, con la fisicalidad de su apariencia, no parece pintura, sino carne real. Si miras de cerca, puedes ver el pulso latiendo en el hueco del cuello. Y verdaderamente podemos decir que esta obra fue escrita de tal manera que sumerge a cualquier artista arrogante, sea quien sea, en la confusión y el miedo.
Por cierto, Leonardo recurrió a la siguiente técnica: como Mona Lisa era muy hermosa, mientras pintaba el retrato sostenía personas que tocaban la lira o cantaban, y siempre había bufones que la mantenían alegre y le quitaban la melancolía que suele transmitir. pintando retratos realizados. La sonrisa de Leonardo en esta obra es tan agradable que parece como si uno estuviera contemplando a un ser divino más que a un ser humano; el retrato en sí se considera una obra extraordinaria, porque la vida misma no podría ser diferente”.

Este dibujo de la Colección Hyde de Nueva York puede ser de Leonardo da Vinci y es un boceto preliminar para un retrato de la Mona Lisa. En este caso, resulta curioso que en un principio pretendiera colocar en sus manos una magnífica rama.

Lo más probable es que Vasari simplemente haya añadido una historia sobre bufones para entretener a los lectores. El texto de Vasari también contiene una descripción precisa de las cejas que faltan en la pintura. Esta inexactitud sólo podría surgir si el autor describió la imagen de memoria o de historias de otros. Alexey Dzhivelegov escribe que la indicación de Vasari de que “el trabajo en el retrato duró cuatro años es claramente exagerada: Leonardo no permaneció tanto tiempo en Florencia después de regresar de César Borgia, y si hubiera comenzado a pintar el retrato antes de partir hacia César, Vasari habría Probablemente diría que lo escribió durante cinco años”. El científico también escribe sobre la indicación errónea del carácter inacabado del retrato: “sin duda, el retrato tardó mucho en pintarse y se completó, sin importar lo que dijera Vasari, quien en su biografía de Leonardo lo estilizó como un artista que, en En principio, no pudo terminar ningún trabajo importante. Y no sólo fue terminada, sino que es una de las obras más cuidadosamente terminadas de Leonardo”.

Un dato interesante es que en su descripción Vasari admira el talento de Leonardo para transmitir fenómenos físicos, y no la similitud entre el modelo y la pintura. Parece que fue esta característica "física" de la obra maestra la que dejó una profunda impresión en los visitantes del estudio del artista y llegó a Vasari casi cincuenta años después.

La pintura era muy conocida entre los amantes del arte, aunque Leonardo abandonó Italia y se mudó a Francia en 1516, llevándose la pintura consigo. Según fuentes italianas, desde entonces forma parte de la colección del rey francés Francisco I, pero aún no está claro cuándo y cómo lo adquirió y por qué Leonardo no lo devolvió al cliente.

Quizás el artista realmente no terminó la pintura en Florencia, sino que se la llevó cuando se fue en 1516 y le dio el trazo final en ausencia de testigos que pudieran contárselo a Vasari. De ser así, lo completó poco antes de su muerte en 1519. (En Francia vivió en Clos Luce, no lejos del castillo real de Amboise).

En 1517, el cardenal Luigi d'Aragona visitó a Leonardo en su taller francés. El secretario del cardenal, Antonio de Beatis, hizo una descripción de esta visita: “El 10 de octubre de 1517, monseñor y otros como él visitaron a Messire Leonardo da Vinci, un florentino. , en uno de los lugares remotos de Amboise, un anciano de barba gris, de más de setenta años, el artista más excelente de nuestro tiempo, mostró a Su Excelencia tres cuadros: uno de una dama florentina, pintado del natural a petición de Fray Lorenzo el Magnífico Giuliano de' Medici, otro de San Juan Bautista en su juventud, y el tercero de Santa Ana con María y el Niño Jesús todos dentro; grado más alto maravilloso. Del propio maestro, debido a que en ese momento tenía la mano derecha paralizada, ya no se podían esperar nuevas buenas obras”. Según algunos investigadores, “cierta dama florentina” se refiere a la “Mona Lisa”. Es posible, sin embargo, que se tratara de otro retrato del que no se conservan pruebas ni copias, por lo que Giuliano Medici no pudo tener ninguna conexión con la Mona Lisa.


Una pintura del siglo XIX de Ingres muestra de manera exageradamente sentimental el dolor del rey Francisco en el lecho de muerte de Leonardo da Vinci

Problema de identificación del modelo

Vasari, nacido en 1511, no pudo ver a Gioconda con sus propios ojos y se vio obligado a recurrir a la información proporcionada por el autor anónimo de la primera biografía de Leonardo. Es él quien escribe sobre el comerciante de sedas Francesco Giocondo, quien encargó al artista un retrato de su tercera esposa. A pesar de las palabras de este contemporáneo anónimo, muchos investigadores dudaron de la posibilidad de que la Mona Lisa fuera pintada en Florencia (1500-1505), ya que la sofisticada técnica puede indicar una creación posterior del cuadro. También se argumentó que en ese momento Leonardo estaba tan ocupado trabajando en "La batalla de Anghiari" que incluso se negó a aceptar la orden del marqués de Mantua Isabella d'Este (sin embargo, tuvo una relación muy difícil con esta dama).

La obra de un seguidor de Leonardo es la representación de un santo. Quizás su apariencia represente a Isabel de Aragón, duquesa de Milán, una de las candidatas para el papel de Mona Lisa.

Francesco del Giocondo, destacado popola florentino, a la edad de treinta y cinco años en 1495, se casó por tercera vez con una joven napolitana de la noble familia Gherardini, Lisa Gherardini, nombre completo Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini (15 de junio de 1479 - 15 de julio de 1542, o alrededor de 1551).

Aunque Vasari brinda información sobre la identidad de la mujer, durante mucho tiempo aún hubo incertidumbre sobre ella y se expresaron muchas versiones:
Caterina Sforza, hija ilegítima del duque de Milán Galeazzo Sforza
Isabel de Aragón, duquesa de Milán
Cecilia Gallerani (modelo de otro retrato del artista - "La dama del armiño")
Constanza d'Avalos, quien también tenía el sobrenombre de "La Alegre", es decir, La Gioconda en italiano. Venturi en 1925 sugirió que "La Gioconda" es un retrato de la duquesa de Costanza d'Avalos, la viuda de Federigo del Balzo, glorificada en un pequeño poema de Eneo Irpino, que también menciona su retrato pintado por Leonardo. Costanza era la amante de Giuliano de' Medici.
Pacifica Brandano es otra amante de Giuliano Medici, la madre del cardenal Ippolito Medici (según Roberto Zapperi, el retrato de Pacifica fue encargado por Giuliano Medici para su hijo ilegítimo, que luego fue legitimado por él, que anhelaba ver a su madre, quien En ese momento ya había muerto. Al mismo tiempo, según el crítico de arte, el cliente, como de costumbre, dejó a Leonardo total libertad de acción).
Isabela Gualanda
Simplemente la mujer perfecta
Un joven vestido de mujer (por ejemplo, Salai, el amante de Leonardo)
Autorretrato del propio Leonardo da Vinci
Retrato retrospectivo de la madre del artista, Catalina (1427-1495) (sugerido por Freud, luego por Serge Bramly, Rina de "Firenze).

Sin embargo, se cree que la versión de 2005 sobre la correspondencia del nombre generalmente aceptado de la imagen con la personalidad del modelo ha encontrado una confirmación definitiva. Científicos de la Universidad de Heidelberg estudiaron las notas al margen del tomo, cuyo propietario era un funcionario florentino, conocido personal del artista Agostino Vespucci. En notas al margen del libro, compara a Leonardo con el famoso pintor griego antiguo Apeles y señala que "da Vinci está trabajando ahora en tres pinturas, una de las cuales es un retrato de Lisa Gherardini". Así, la Mona Lisa realmente resultó ser la esposa del comerciante florentino Francesco del Giocondo, Lisa Gherardini. La pintura, como demuestran los científicos en este caso, fue encargada por Leonardo para el nuevo hogar de la joven familia y para conmemorar el nacimiento de su segundo hijo, llamado Andrea.

Según una de las versiones presentadas, "Mona Lisa" es un autorretrato de la artista.


Una nota al margen demostraba la correcta identificación del modelo de la Mona Lisa.

La pintura rectangular representa a una mujer vestida de oscuro, dando media vuelta. Ella se sienta en una silla con las manos entrelazadas, una mano apoyada en el reposabrazos y la otra encima, girando la silla casi para mirar al espectador. El cabello dividido, liso y plano, visible a través de un velo transparente que lo cubre (según algunas suposiciones, un atributo de la viudez), cae sobre los hombros en dos mechones delgados y ligeramente ondulados. Un vestido verde con volantes finos, mangas plisadas amarillas, recortado sobre un pecho bajo blanco. La cabeza está ligeramente girada.

El crítico de arte Boris Vipper, al describir la imagen, señala que en el rostro de Mona Lisa se notan rastros de la moda del Quattrocento: tiene las cejas y el pelo en la parte superior de la frente están afeitados.

La copia de la Mona Lisa de la Colección Wallace (Baltimore) se realizó antes de que se recortaran los bordes del original y permite ver las columnas que faltan.

Fragmento de la Mona Lisa con los restos de la base de la columna.

El borde inferior del cuadro corta la segunda mitad de su cuerpo, por lo que el retrato ocupa casi la mitad de su cuerpo. La silla en la que se sienta la modelo se encuentra en un balcón o galería, cuya línea de parapeto es visible detrás de sus codos. Se cree que antes la imagen podría haber sido más ancha y albergar dos columnas laterales de la logia, de las cuales actualmente hay dos bases de columnas, cuyos fragmentos son visibles a lo largo de los bordes del parapeto.

La logia da a un desierto desolado con arroyos serpenteantes y un lago rodeado de montañas cubiertas de nieve que se extiende hasta un horizonte alto detrás de la figura. “La Mona Lisa está representada sentada en una silla con un paisaje como telón de fondo, y la misma yuxtaposición de su figura, muy cerca del espectador, con el paisaje visible desde lejos, como una enorme montaña, confiere a la imagen una grandeza extraordinaria. La misma impresión se ve favorecida por el contraste del tacto plástico intensificado de la figura y su silueta suave y generalizada con un paisaje parecido a una visión que se extiende en la distancia brumosa con extrañas rocas y canales de agua serpenteando entre ellos”.

El retrato de Gioconda es uno de los mejores ejemplos del género retratista del Alto Renacimiento italiano.

Boris Vipper escribe que, a pesar de las huellas del Quattrocento, “con su ropa con un pequeño corte en el pecho y sus mangas con pliegues sueltos, así como con su postura erguida, su ligero giro del cuerpo y sus suaves gestos de las manos, Mona Lisa Pertenece enteramente a la era del estilo clásico”. Mikhail Alpatov señala que “Gioconda está perfectamente inscrita en un rectángulo estrictamente proporcional, su media figura forma algo completo, sus manos juntas dan plenitud a su imagen. Ahora, por supuesto, no cabía duda de los rizos extravagantes de la primera “Anunciación”. Sin embargo, por muy suavizados que estén todos los contornos, el mechón ondulado del cabello de Mona Lisa está en sintonía con el velo transparente, y la tela que cuelga sobre su hombro encuentra un eco en las suaves curvas del camino lejano. En todo esto, Leonardo demuestra su capacidad para crear según las leyes del ritmo y la armonía”.

"Mona Lisa" se volvió muy oscura, lo que se cree que es el resultado de la tendencia inherente de su autor a experimentar con pinturas, por lo que el fresco de "La Última Cena" prácticamente murió. Los contemporáneos del artista, sin embargo, lograron expresar su admiración no sólo por la composición, el diseño y el juego del claroscuro, sino también por el color de la obra. Se supone, por ejemplo, que las mangas de su vestido originalmente eran rojas, como se desprende de la copia del cuadro del Prado.

El estado actual del cuadro es bastante malo, por lo que el personal del Louvre anunció que ya no lo cedería a exposiciones: “Se han formado grietas en el cuadro, y una de ellas se detiene unos milímetros por encima de la cabeza de la Mona Lisa. .”

La fotografía macro permite ver una gran cantidad de craquelados (grietas) en la superficie de la pintura.

Como señala Dzhivelegov, en el momento de la creación de la Mona Lisa, la maestría de Leonardo “ya había entrado en una fase de tal madurez, cuando todas las tareas formales de naturaleza compositiva y de otro tipo fueron planteadas y resueltas, cuando Leonardo comenzó a sentir que sólo el Las últimas y más difíciles tareas de la técnica artística merecían realizarlas. Y cuando encontró en la persona de Mona Lisa un modelo que satisfacía sus necesidades, intentó resolver algunos de los problemas más elevados y difíciles de la técnica pictórica que aún no había resuelto. Quería, con la ayuda de técnicas que ya había desarrollado y probado antes, especialmente con la ayuda de su famoso sfumato, que anteriormente había dado efectos extraordinarios, hacer más de lo que había hecho antes: crear una cara viva de un ser vivo. persona y así reproducir los rasgos y la expresión de este rostro para que con ellos el mundo interior del hombre se revelara plenamente”.

Boris Vipper se pregunta: “¿Por qué medios se logró esta espiritualidad, esta chispa eterna de conciencia en la imagen de la Mona Lisa? Entonces hay que nombrar dos medios principales. Uno es el maravilloso sfumato de Leonard. No es de extrañar que a Leonardo le gustara decir que “el modelado es el alma de la pintura”. Es el sfumato el que crea la mirada húmeda de Gioconda, su sonrisa ligera como el viento y la incomparable suavidad del tacto de sus manos. Sfumato es una sutil bruma que envuelve el rostro y la figura, suavizando contornos y sombras. Para ello, Leonardo recomendó colocar, según sus propias palabras, “una especie de niebla” entre la fuente de luz y los cuerpos.

Rothenberg escribe que “Leonardo logró introducir en su creación ese grado de generalización que le permite ser considerado como una imagen del hombre del Renacimiento en su conjunto. Este alto grado de generalización se refleja en todos los elementos del lenguaje pictórico de la pintura, en sus motivos individuales, en la forma en que el velo ligero y transparente que cubre la cabeza y los hombros de Mona Lisa une los mechones de cabello cuidadosamente dibujados y pequeños pliegues del vestido en un contorno general suave; se palpa en la incomparable suavidad del modelado del rostro (al que, según la moda de la época, se le quitaban las cejas) y en las manos hermosas y elegantes”.

Paisaje detrás de la Mona Lisa

Alpatov añade que “en la suave neblina que envuelve el rostro y la figura, Leonardo logró hacer sentir la infinita variabilidad de las expresiones faciales humanas. Aunque los ojos de Gioconda miran atenta y tranquilamente al espectador, gracias al sombreado de las cuencas de sus ojos, se podría pensar que fruncen levemente el ceño; sus labios están comprimidos, pero cerca de sus comisuras hay sutiles sombras que te hacen creer que a cada minuto se abrirán, sonreirán y hablarán. El mismo contraste entre su mirada y la media sonrisa en sus labios da la idea de la inconsistencia de sus vivencias. (...) Leonardo trabajó en él durante varios años, asegurándose de que en el cuadro no quedara ni un solo trazo agudo, ni un solo contorno angular; Y aunque los bordes de los objetos son claramente perceptibles, todos se disuelven en las más sutiles transiciones de media sombra a media luz”.

Los críticos de arte destacan la forma orgánica con la que el artista combinó la caracterización del retrato de una persona con un paisaje lleno de un estado de ánimo especial, y cuánto aumentó esto la dignidad del retrato.

Una de las primeras copias de la Mona Lisa del Prado demuestra cuánto pierde un retrato cuando se coloca sobre un fondo oscuro y neutro.

Whipper considera que el paisaje es el segundo medio que crea la espiritualidad de una pintura: “El segundo medio es la relación entre figura y fondo. El fantástico paisaje rocoso, como visto a través del agua del mar, en el retrato de Mona Lisa tiene otra realidad que su propia figura. La Mona Lisa tiene la realidad de la vida, el paisaje tiene la realidad de un sueño. Gracias a este contraste, Mona Lisa parece increíblemente cercana y tangible, y percibimos el paisaje como la radiación de sus propios sueños”.

El investigador de arte renacentista Viktor Grashchenkov escribe que Leonardo, incluso gracias al paisaje, logró crear no un retrato de una persona específica, sino una imagen universal: “En esta imagen misteriosa, creó algo más que un retrato de la desconocida florentina Mona. Lisa, la tercera esposa de Francesco del Giocondo. La apariencia y la estructura mental de una persona en particular son transmitidas por él con una sintetización sin precedentes. Este psicologismo impersonal corresponde a la abstracción cósmica del paisaje, casi completamente desprovisto de cualquier signo de presencia humana. En el claroscuro ahumado no sólo se suavizan todos los contornos de la figura y el paisaje, sino también todos los tonos de color. En las sutiles transiciones de la luz a la sombra, casi imperceptibles a la vista, en la vibración del “sfumato” de Leonard, toda la precisión de la individualidad y su estado psicológico se suaviza hasta el límite, se derrite y está a punto de desaparecer. (…) “La Gioconda” no es un retrato. Este es un símbolo visible de la vida misma del hombre y la naturaleza, unidos en un todo y presentado de manera abstracta desde su forma concreta individual. Pero detrás del movimiento apenas perceptible, que, como ligeras ondas, recorre la superficie inmóvil de este mundo armonioso, se puede discernir toda la riqueza de las posibilidades de la existencia física y espiritual”.

En 2012, se recogió una copia de la "Mona Lisa" del Prado, y debajo de las grabaciones posteriores había un fondo paisajístico: la sensación del lienzo cambia inmediatamente.

“Mona Lisa” está diseñada en tonos marrón dorado y rojizos en primer plano y tonos verde esmeralda en segundo plano. “Transparentes, como el vidrio, los colores forman una aleación, como si no fueran creados por la mano de una persona, sino por la fuerza interna de la materia, que da origen a cristales de forma perfecta a partir de una solución”. Como muchas de las obras de Leonardo, esta obra se ha oscurecido con el tiempo y sus relaciones de color han cambiado algo, pero incluso ahora las comparaciones reflexivas en los tonos de los claveles y la ropa y su contraste general con el tono verde azulado "submarino" de la El paisaje se percibe claramente.

El anterior retrato femenino de Leonardo, "La dama del armiño", aunque es una hermosa obra de arte, en su estructura figurativa más simple pertenece a una época anterior.

"Mona Lisa" es considerada una de las mejores obras del género del retrato que influyó en las obras de Alto Renacimiento e indirectamente a través de ellos, en todo desarrollo posterior del género, que "siempre debe regresar a La Gioconda como un ejemplo inalcanzable, pero obligatorio".

Los historiadores del arte señalan que el retrato de Mona Lisa fue un paso decisivo en el desarrollo del retrato renacentista. Rotenberg escribe: “aunque los pintores del Quattrocento dejaron una serie de obras importantes de este género, sus logros en el retrato fueron, por así decirlo, desproporcionados con los logros en los principales géneros pictóricos: en composiciones sobre temas religiosos y mitológicos. La desigualdad del género del retrato ya se reflejaba en la propia “iconografía” de los retratos. Los retratos reales del siglo XV, a pesar de su innegable similitud fisonómica y el sentimiento de fuerza interior que irradiaban, también se distinguían por sus limitaciones externas e internas. Toda la riqueza de sentimientos y experiencias humanas que caracteriza las imágenes bíblicas y mitológicas de los pintores del siglo XV no solía ser propiedad de sus retratos. Se pueden ver ecos de esto en retratos anteriores del propio Leonardo, realizados por él en los primeros años de su estancia en Milán. (...) En comparación, el retrato de Mona Lisa se percibe como el resultado de un gigantesco cambio cualitativo. Por primera vez, la imagen del retrato en su importancia se puso a la par con la más imágenes brillantes otros géneros pictóricos."

El “Retrato de una dama” de Lorenzo Costa fue pintado entre 1500 y 1506, aproximadamente en los mismos años que la “Mona Lisa”, pero en comparación muestra una inercia sorprendente.

Lazarev está de acuerdo con él: “Difícilmente hay otra imagen en el mundo sobre la cual los críticos de arte escribirían tal abismo de tonterías como esta famosa obra de Leonardo. (...) Si Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini, la virtuosa matrona y esposa de uno de los ciudadanos florentinos más respetados, escuchara todo esto, sin duda se sorprendería sinceramente. Y Leonardo se habría sorprendido aún más si se hubiera propuesto aquí una tarea mucho más modesta y, al mismo tiempo, mucho más difícil: dar una imagen del rostro humano que disolvería por completo los últimos vestigios de la estática quattrocentista. y la inmovilidad psicológica. (...) Y por eso acertó mil veces crítico de arte, quien señaló la inutilidad de descifrar esta sonrisa. Su esencia radica en el hecho de que se trata de uno de los primeros intentos en el arte italiano de representar un estado mental natural por sí mismo, como un fin en sí mismo, sin motivaciones religiosas y éticas añadidas. Así, Leonardo logró revivir su modelo hasta tal punto que, en comparación con él, todos los retratos más antiguos parecen momias congeladas”.

Rafael, "La niña del unicornio", c. 1505-1506, Galería Borghese, Roma. Este retrato, pintado bajo la influencia de la Mona Lisa, está construido según el mismo esquema iconográfico: con un balcón (también con columnas) y un paisaje.

En su innovador trabajo, Leonardo trasladó el principal centro de gravedad al rostro del retrato. Al mismo tiempo, utilizó sus manos como un poderoso medio de caracterización psicológica. Al realizar el retrato en formato generacional, el artista pudo demostrar una gama más amplia de técnicas artísticas. Y lo más importante en la estructura figurativa de un retrato es la subordinación de todos los detalles a la idea rectora. “La cabeza y las manos son el centro indudable del cuadro, al que se sacrifica el resto de sus elementos. El fabuloso paisaje parece brillar a través de las aguas del mar, parece tan lejano e intangible. Su principal objetivo es no distraer la atención del espectador del rostro. Y el mismo papel debe desempeñar la prenda, que cae en los pliegues más pequeños. Leonardo evita deliberadamente las cortinas pesadas, que podrían oscurecer la expresividad de sus manos y su rostro. Así, obliga a estos últimos a actuar con especial fuerza, tanto mayor cuanto más modesto y neutral es el paisaje y el atuendo, asimilado a un acompañamiento silencioso y apenas perceptible”.

Los alumnos y seguidores de Leonardo crearon numerosas réplicas de la Mona Lisa. Algunos de ellos (de la colección Vernon, EE. UU.; de la colección Walter, Baltimore, EE. UU.; y también desde hace algún tiempo la Mona Lisa de Isleworth, Suiza) son considerados auténticos por sus propietarios, y el cuadro del Louvre se considera una copia. También está la iconografía de la “Mona Lisa desnuda”, presentada en varias versiones (“La Bella Gabrielle”, “Monna Vanna”, el Hermitage “Donna Nuda”), aparentemente realizada por los propios alumnos de la artista. Un gran número de ellos dieron lugar a una versión indemostrable de que existía una versión de la Mona Lisa desnuda, pintada por el propio maestro.

“Donna Nuda” (es decir, “Donna Desnuda”). Artista desconocido, finales del siglo XVI, Ermita

Reputación de la pintura.

"Mona Lisa" detrás de un cristal a prueba de balas en el Louvre y los visitantes del museo se agolpan cerca

A pesar de que la Mona Lisa era muy apreciada por los contemporáneos del artista, su fama posteriormente se desvaneció. La imagen no fue particularmente recordada hasta mediados del 19 siglo, cuando artistas cercanos al movimiento simbolista comenzaron a elogiarla, asociándola a sus ideas sobre la mística femenina. El crítico Walter Pater expresó su opinión en su ensayo de 1867 sobre da Vinci, describiendo la figura del cuadro como una especie de encarnación mítica de la eterna femenina, que es "más antigua que las rocas entre las que se sienta" y que ha "muerto muchas veces". y aprendí los secretos del más allá." .

El nuevo aumento de fama del cuadro se debió a su misteriosa desaparición a principios del siglo XX y su feliz regreso al museo varios años después (ver más abajo, sección Robo), gracias a lo cual nunca abandonó las páginas de los periódicos.

Un contemporáneo de su aventura, el crítico Abram Efros escribió: “... el guardia del museo, que ahora no se aleja ni un solo paso del cuadro desde su regreso al Louvre después del secuestro en 1911, no guarda ni un solo retrato de Francesca del La esposa de Giocondo, sino la imagen de una criatura mitad humana, mitad serpiente, sonriente o sombría, que domina el espacio frío, desnudo y rocoso que se extiende detrás de él.

"Mona Lisa" hoy es una de las más pinturas famosas arte de Europa occidental. Su rotunda reputación está asociada no sólo a sus altos méritos artísticos, sino también a la atmósfera de misterio que rodea a esta obra.

Uno de los misterios está relacionado con el profundo cariño que sentía el autor por esta obra. Se ofrecieron varias explicaciones, por ejemplo una romántica: Leonardo se enamoró de Mona Lisa y deliberadamente retrasó el trabajo para quedarse más tiempo con ella, y ella lo provocaba con su misteriosa sonrisa y lo llevaba a los mayores éxtasis creativos. Esta versión se considera simplemente una especulación. Dzhivelegov cree que este apego se debe al hecho de que encontró en él el punto de aplicación de muchas de sus búsquedas creativas (ver la sección Técnica).

Sonrisa de Gioconda

Leonardo da Vinci. "Juan el Bautista". 1513-1516, Museo del Louvre. Esta imagen también tiene su propio misterio: ¿por qué Juan Bautista sonríe y señala hacia arriba?

Leonardo da Vinci. "Santa Ana con la Virgen y el Niño Cristo" (fragmento), c. 1510, Museo del Louvre.
La sonrisa de Mona Lisa es una de las más acertijos famosos pinturas. Esta leve sonrisa errante se encuentra en muchas obras tanto del propio maestro como de los leonardescos, pero fue en la Mona Lisa donde alcanzó su perfección.

El espectador queda especialmente fascinado por el encanto demoníaco de esta sonrisa. Cientos de poetas y escritores han escrito sobre esta mujer, que parece sonreír seductoramente o congelarse, mirar fríamente y sin alma al vacío, y nadie desenredó su sonrisa, nadie interpretó sus pensamientos. Todo, incluso el paisaje, es misterioso, como un sueño, trémulo, como una bruma de sensualidad previa a la tormenta (Muter).

Grashchenkov escribe: “La infinita variedad de sentimientos y deseos humanos, pasiones y pensamientos opuestos, suavizados y fusionados, resuena en la apariencia armoniosamente desapasionada de Gioconda sólo con la incertidumbre de su sonrisa, que apenas emerge y desaparece. Este movimiento fugaz y sin sentido de las comisuras de su boca, como un eco lejano fusionado en un solo sonido, nos trae desde la distancia ilimitada la colorida polifonía de la vida espiritual de una persona”.
El crítico de arte Rotenberg cree que “hay pocos retratos en todo el arte mundial que sean iguales a la Mona Lisa en términos del poder de expresión de la personalidad humana, encarnada en la unidad de carácter e intelecto. Es precisamente la extraordinaria carga intelectual del retrato de Leonardo lo que lo distingue de Imágenes de retratos Quatrocento. Este rasgo suyo se percibe con mayor intensidad porque se refiere a un retrato femenino, en el que el carácter de la modelo se revelaba previamente en una tonalidad figurativa completamente diferente, predominantemente lírica. El sentimiento de fuerza que emana de la "Mona Lisa" es una combinación orgánica de compostura interna y un sentido de libertad personal, la armonía espiritual de una persona basada en la conciencia de su propio significado. Y su sonrisa en sí no expresa en absoluto superioridad ni desdén; se percibe como el resultado de una tranquila confianza en uno mismo y un completo autocontrol”.

Boris Vipper señala que la falta de cejas y la frente afeitada antes mencionadas tal vez realzan involuntariamente el extraño misterio de su expresión facial. Escribe además sobre el poder de la pintura: “Si nos preguntamos cuál es el gran poder de atracción de la Mona Lisa, su efecto hipnótico verdaderamente incomparable, entonces sólo puede haber una respuesta: en su espiritualidad. Las interpretaciones más ingeniosas y opuestas se dieron en la sonrisa de “Mona Lisa”. Querían leer en ello orgullo y ternura, sensualidad y coquetería, crueldad y modestia. El error estuvo, en primer lugar, en el hecho de que buscaban a toda costa propiedades espirituales individuales y subjetivas en la imagen de la Mona Lisa, mientras que no hay duda de que Leonardo buscaba una espiritualidad típica. En segundo lugar, y esto quizás sea aún más importante, intentaron atribuir contenido emocional a la espiritualidad de Mona Lisa, cuando en realidad tiene raíces intelectuales. El milagro de la Mona Lisa reside precisamente en que piensa; que, ante un tablero amarillento y agrietado, sentimos irresistiblemente la presencia de un ser dotado de inteligencia, un ser con el que podemos hablar y del que podemos esperar una respuesta”.

Lazarev lo analizó como un científico del arte: “Esta sonrisa no es tanto un rasgo individual de Mona Lisa, sino una fórmula típica de revitalización psicológica, una fórmula que recorre como un hilo rojo todas las imágenes juveniles de Leonardo, una fórmula que luego se convirtió , en manos de sus alumnos y seguidores, en sello tradicional. Al igual que las proporciones de las figuras de Leonard, se basa en las más finas mediciones matemáticas, en una estricta consideración de los valores expresivos de partes individuales del rostro. Y sin embargo, esta sonrisa es absolutamente natural, y en esto reside precisamente el poder de su encanto. Quita del rostro todo lo duro, tenso y helado; lo convierte en un espejo de experiencias espirituales vagas e indefinidas; en su esquiva ligereza sólo puede compararse con una onda que corre por el agua”.

Su análisis atrajo la atención no sólo de historiadores del arte, sino también de psicólogos. Sigmund Freud escribe: “Quien imagina las pinturas de Leonardo recuerda una sonrisa extraña, cautivadora y misteriosa escondida en los labios de sus imágenes femeninas. La sonrisa congelada en sus labios alargados y temblorosos se volvió característica de él y a menudo se la llama "leonardiana". En la apariencia peculiarmente hermosa de la florentina Mona Lisa del Gioconda, ella cautiva y sumerge al espectador en la confusión. Esta sonrisa requirió una interpretación, pero encontró una variedad de interpretaciones, ninguna de las cuales satisfizo. (...) Entre muchos críticos nació la suposición de que en la sonrisa de Mona Lisa se combinaban dos elementos diferentes. Por tanto, en la expresión del rostro de la bella florentina, vieron la imagen más perfecta del antagonismo que rige vida amorosa Mujeres, moderación y seducción, ternura sacrificial y sensualidad imprudentemente exigente, absorbiendo al hombre como algo extraño. (...) Leonardo, en la persona de Mona Lisa, logró reproducir el doble significado de su sonrisa, la promesa de una ternura ilimitada y una amenaza siniestra”.


El filósofo A.F. Losev escribe de manera muy negativa sobre ella: ... "Mona Lisa" con su "sonrisa demoníaca". “Después de todo, basta con mirar atentamente los ojos de Gioconda y se puede notar fácilmente que ella, en realidad, no sonríe en absoluto. No se trata de una sonrisa, sino de un rostro depredador de mirada fría y un claro conocimiento de la impotencia de la víctima a la que Gioconda quiere dominar y en la que, además de la debilidad, también cuenta con la impotencia ante el mal presentimiento que la invade. se ha apoderado de ella”.

El descubridor del término microexpresión, el psicólogo Paul Ekman (el prototipo del Dr. Cal Lightman de la serie de televisión Lie to Me), escribe sobre la expresión facial de Mona Lisa, analizándola desde el punto de vista de su conocimiento de las expresiones faciales humanas. : “los otros dos tipos [de sonrisas] combinan una sonrisa sincera con una expresión característica en los ojos. Una sonrisa coqueta, aunque al mismo tiempo el seductor desvía la mirada del objeto de su interés, para luego volver a lanzarle una mirada maliciosa, que de nuevo aparta instantáneamente la mirada en cuanto se da cuenta. Lo inusual de la impresión. famosa mona Lisa radica en parte en el hecho de que Leonardo capta su naturaleza precisamente en el momento de este movimiento lúdico; Girando la cabeza en una dirección, mira en la otra: el objeto de su interés. En la vida, esta expresión facial es fugaz: una mirada furtiva no dura más que un momento”.

Historia de la pintura en los tiempos modernos.

En el momento de su muerte en 1525, el asistente (y posiblemente amante) de Leonardo, llamado Salai, estaba en posesión, según referencias en sus documentos personales, de un retrato de una mujer titulado "La Gioconda" (quadro de una dona aretata), que le había sido legado por su maestro. Salai dejó el cuadro a sus hermanas que vivían en Milán. Sigue siendo un misterio cómo, en este caso, el retrato llegó desde Milán a Francia. Tampoco se sabe quién y cuándo exactamente recortó los bordes del cuadro con columnas, que, según la mayoría de los investigadores, basándose en la comparación con otros retratos, existía en la versión original. A diferencia de otra obra recortada de Leonardo, "Retrato de Ginevra Benci", cuya parte inferior fue recortada porque fue dañada por el agua o el fuego, en este caso los motivos probablemente fueron de naturaleza compositiva. Hay una versión de que lo hizo el propio Leonardo da Vinci.


Multitud en el Louvre cerca del cuadro, nuestros días

Se cree que el rey Francisco I compró el cuadro a los herederos de Salai (por 4.000 ecus) y lo guardó en su castillo de Fontainebleau, donde permaneció hasta la época de Luis XIV. Este último la transportó al Palacio de Versalles y, tras la Revolución Francesa, acabó en el Louvre. Napoleón colgó el retrato en su dormitorio del Palacio de las Tullerías y luego regresó al museo.

Robo

1911 Pared vacía donde colgaba la Mona Lisa
La Mona Lisa habría sido conocida durante mucho tiempo sólo por los conocedores de bellas artes, si no fuera por su excepcional historia, que le aseguró fama mundial.

Vicente Perugia. Hoja de un caso penal.

El 21 de agosto de 1911, el cuadro fue robado por un empleado del Louvre, el maestro espejo italiano Vincenzo Peruggia. El propósito de este secuestro no está claro. Quizás Perugia quiso devolver La Gioconda a su patria histórica, creyendo que los franceses la habían “secuestrado” y olvidando que el propio Leonardo trajo el cuadro a Francia. La búsqueda policial no tuvo éxito. Se cerraron las fronteras del país y se despidió a la administración del museo. El poeta Guillaume Apollinaire fue detenido bajo sospecha de haber cometido un delito y posteriormente puesto en libertad. Pablo Picasso también estaba bajo sospecha. La pintura fue encontrada sólo dos años después en Italia. Además, el culpable fue el propio ladrón, que respondió a un anuncio en el periódico y ofreció vender La Gioconda al director de la Galería de los Uffizi. Se supone que tenía la intención de hacer copias y hacerlas pasar por originales. Perugia, por un lado, fue elogiado por el patriotismo italiano y, por otro, le impusieron una breve pena de prisión.

Finalmente, el 4 de enero de 1914, el cuadro (tras exposiciones en ciudades italianas) regresó a París. Durante este tiempo, la Mona Lisa permaneció en las portadas de periódicos y revistas de todo el mundo, así como en postales, por lo que no es de extrañar que la Mona Lisa fuera copiada con más frecuencia que cualquier otro cuadro. La pintura se convirtió en objeto de culto como obra maestra de los clásicos mundiales.

Vandalismo

En 1956, la parte inferior del cuadro resultó dañada cuando un visitante le arrojó ácido. El 30 de diciembre del mismo año, un joven boliviano, Hugo Ungaza Villegas, le arrojó una piedra y dañó la capa de pintura de su codo (posteriormente se registró la pérdida). Después de esto, la Mona Lisa fue protegida con un cristal a prueba de balas, que la protegió de nuevos ataques graves. Aún así, en abril de 1974, una mujer, molesta por la política del museo hacia los discapacitados, intentó rociar pintura roja de una lata mientras el cuadro estaba expuesto en Tokio, y el 2 de abril de 2009, una mujer rusa, que no había recibido ciudadanía francesa, arrojó una copa de barro al vaso. Ambos casos no dañaron la imagen.

Durante la Segunda Guerra Mundial, por razones de seguridad, el cuadro fue transportado desde el Louvre al Castillo de Amboise (lugar de muerte y entierro de Leonardo), luego a la Abadía de Loc-Dieu y finalmente al Museo Ingres de Montauban, desde donde se fue devuelto sano y salvo a su lugar después de la victoria.

En el siglo XX, la pintura casi nunca salió del Louvre, visitando Estados Unidos en 1963 y Japón en 1974. En el camino de Japón a Francia, el cuadro fue expuesto en el museo. A. S. Pushkin en Moscú. Los viajes sólo consolidaron el éxito y la fama de la película.

Mona Lisa de Leonardo da Vinci es una de las obras de pintura más famosas del mundo.

Actualmente, este cuadro se encuentra en el Louvre de París.

La creación del cuadro y el modelo representado en él estuvieron rodeados de muchas leyendas y rumores, e incluso hoy, cuando prácticamente no quedan espacios en blanco en la historia de La Gioconda, los mitos y leyendas continúan circulando entre muchas personas no particularmente educadas. .

¿Quién es la Mona Lisa?

La identidad de la niña representada es bastante conocida hoy en día. Se cree que se trata de Lisa Gherardini, una famosa residente de Florencia que pertenecía a una familia aristocrática pero empobrecida.

Gioconda es aparentemente su nombre de casada; Su marido era un exitoso comerciante de seda, Francesco di Bartolomeo di Zanobi del Giocondo. Se sabe que Lisa y su marido tuvieron seis hijos y llevaron una vida mesurada, típica de los ciudadanos ricos de Florencia.

Se podría pensar que el matrimonio se celebró por amor, pero al mismo tiempo también tuvo beneficios adicionales para ambos cónyuges: Lisa se casó con un representante de una familia más rica y, a través de ella, Francesco se emparentó con una antigua familia. Más recientemente, en 2015, los científicos descubrieron la tumba de Lisa Gherardini, cerca de una de las antiguas iglesias italianas.

Creando una pintura

Leonardo da Vinci asumió inmediatamente esta orden y se dedicó a ella por completo, literalmente con algún tipo de pasión. Y en el futuro, el artista estaba muy apegado a su retrato, lo llevaba consigo a todas partes, y cuando, ya anciano, decidió dejar Italia para ir a Francia, se llevó consigo "La Gioconda" junto con varias obras seleccionadas de su.

¿Cuál fue el motivo de la actitud de Leonardo hacia este cuadro? Hay una opinión que gran artista Tuvo una historia de amor con Lisa. Sin embargo, es posible que el pintor valorara este cuadro como un ejemplo del máximo florecimiento de su talento: “La Gioconda” resultó verdaderamente extraordinaria para su época.

Foto de Mona Lisa (La Gioconda)

Es interesante que Leonardo nunca entregó el retrato al cliente, sino que se lo llevó a Francia, donde su primer propietario fue el rey Francisco I. Quizás esta acción podría deberse a que el maestro no terminó el lienzo a tiempo y Continuó pintando el cuadro incluso después de su partida: el famoso escritor renacentista Giorgio Vasari informa que Leonardo “nunca terminó” su cuadro.

Vasari, en su biografía de Leonardo, relata muchos datos sobre la pintura de este cuadro, pero no todos son confiables. Así, escribe que el artista pintó el cuadro durante cuatro años, lo que es una clara exageración.

También escribe que mientras Lisa posaba, había todo un grupo de bufones en el estudio entreteniendo a la niña, gracias a lo cual Leonardo pudo representar una sonrisa en su rostro, y no la tristeza que era estándar en esa época. Sin embargo, lo más probable es que Vasari compusiera él mismo la historia sobre los bufones para diversión de los lectores, utilizando el apellido de la niña; después de todo, "Gioconda" significa "jugar", "reír".

Sin embargo, se puede observar que Vasari se sintió atraído por esta imagen no tanto por el realismo como tal, sino por la sorprendente interpretación de los efectos físicos y los detalles más pequeños de la imagen. Al parecer, el escritor describió la imagen de memoria o de las historias de otros testigos presenciales.

Algunos mitos sobre la pintura.

Más en finales del XIX siglo, Gruye escribió que “La Gioconda” ha estado literalmente privando a la gente de su mente durante varios siglos. Mucha gente se quedó maravillada al contemplar este asombroso retrato, por lo que quedó rodeado de muchas leyendas.

• Según uno de ellos, en el retrato Leonardo se representaba alegóricamente... a sí mismo, lo que supuestamente se confirma por la coincidencia de pequeños detalles del rostro;
• Según otro, el cuadro representa a un joven con ropa de mujer– por ejemplo, Salai, alumno de Leonardo;
• Otra versión dice que la imagen representa simplemente a una mujer ideal, una especie de imagen abstracta. Todas estas versiones ahora se consideran erróneas.

"Desde un punto de vista médico, no está claro cómo vivía esta mujer".

Su sonrisa misteriosa fascinante. Algunos ven en ella belleza divina, otros son signos secretos, otros son un desafío a las normas y a la sociedad. Pero todos coinciden en una cosa: hay algo misterioso y atractivo en ella. Por supuesto, estamos hablando de la Mona Lisa, la creación favorita del gran Leonardo. Un retrato rico en mitología. ¿Cuál es el secreto de la Mona Lisa? Hay innumerables versiones. Hemos seleccionado los diez más comunes e intrigantes.

Hoy en día, este cuadro, de 77 x 53 cm, se conserva en el Louvre detrás de un grueso cristal a prueba de balas. La imagen, realizada sobre una tabla de álamo, está cubierta por un entramado de craquelados. Ha pasado por varias restauraciones no muy exitosas y se ha oscurecido notablemente a lo largo de cinco siglos. Sin embargo, cuanto más antigua se vuelve la pintura, más gente atrae: el Louvre es visitado por entre 8 y 9 millones de personas al año.

Y el propio Leonardo no quiso separarse de la Mona Lisa, y quizás esta sea la primera vez en la historia que el autor no entregó la obra al cliente, a pesar de que él aceptó el pago. El primer propietario del cuadro, después del autor, el rey Francisco I de Francia, también quedó encantado con el retrato. Se lo compró a Da Vinci por un dinero increíble en ese momento: 4000 monedas de oro y lo colocó en Fontainebleau.

Napoleón también quedó fascinado por Madame Lisa (como llamaba a Gioconda) y la llevó a sus aposentos en el Palacio de las Tullerías. Y el italiano Vincenzo Perugia robó una obra maestra del Louvre en 1911, se la llevó a casa y se escondió con ella durante dos años enteros hasta que fue detenido mientras intentaba entregar el cuadro al director de la Galería de los Uffizi... En una palabra, en todo momento el retrato de una dama florentina atraía, hipnotizaba y deleitaba..

¿Cuál es el secreto de su atractivo?

Versión No. 1: clásica

La primera mención de la Mona Lisa la encontramos en el autor de las famosas Vidas, Giorgio Vasari. De su obra sabemos que Leonardo se propuso “hacer para Francesco del Giocondo un retrato de Mona Lisa, su esposa, y, después de trabajar en él durante cuatro años, lo dejó inacabado”.

El escritor admira la habilidad del artista, su capacidad para mostrar “los detalles más pequeños que la sutileza de la pintura puede transmitir” y, lo más importante, su sonrisa, que “es tan agradable que parece como si uno estuviera contemplando algo divino más que un ser humano." La historiadora del arte explica el secreto de su encanto diciendo que “mientras pintaba el retrato, él (Leonardo) sostenía a personas que tocaban la lira o cantaban, y siempre había bufones que la mantenían alegre y le quitaban la melancolía que suele impartir la pintura. los retratos que se están pintando”. No hay duda: Leonardo es un maestro insuperable, y la corona de su maestría es este retrato divino. En la imagen de su heroína hay una dualidad inherente a la vida misma: la modestia de la pose se combina con una sonrisa audaz, que se convierte en una especie de desafío a la sociedad, los cánones, el arte...

¿Pero es realmente la esposa del comerciante de seda Francesco del Giocondo, cuyo apellido se convirtió en el segundo nombre de esta misteriosa dama? ¿Es cierta la historia de los músicos que crearon el ambiente adecuado para nuestra heroína? Los escépticos cuestionan todo esto, citando el hecho de que Vasari era un niño de 8 años cuando murió Leonardo. No pudo conocer personalmente al artista ni a su modelo, por lo que presentó únicamente información proporcionada por el autor anónimo de la primera biografía de Leonardo. Mientras tanto, el escritor también encuentra pasajes controvertidos en otras biografías. Tomemos, por ejemplo, la historia de la nariz rota de Miguel Ángel. Vasari escribe que Pietro Torrigiani golpeó a un compañero de clase porque se sintió atraído por su talento, y Benvenuto Cellini explica el daño por su arrogancia y descaro: mientras copiaba los frescos de Masaccio, durante la lección ridiculizó cada imagen, por lo que recibió un puñetazo en la nariz. de Torrigiani. La versión de Cellini se apoya en el complejo personaje de Buonarroti, sobre quien existían leyendas.

Versión No. 2: madre china

Realmente existió. Los arqueólogos italianos afirman incluso haber encontrado su tumba en el monasterio de Santa Úrsula en Florencia. ¿Pero está ella en la foto? Varios investigadores afirman que Leonardo pintó el retrato a partir de varios modelos, porque cuando se negó a dárselo al comerciante de telas Giocondo, éste quedó sin terminar. El maestro pasó toda su vida mejorando su obra, añadiendo características de otros modelos, obteniendo así un retrato colectivo. mujer ideal de su época.

El científico italiano Angelo Paratico fue más allá. Está seguro de que Mona Lisa es la madre de Leonardo, que en realidad era... china. El investigador pasó 20 años en Oriente, estudiando la conexión de las tradiciones locales con el Renacimiento italiano, y descubrió documentos que demuestran que el padre de Leonardo, el notario Piero, tenía un cliente rico y él tenía un esclavo que trajo de China. Se llamaba Katerina y se convirtió en la madre del genio del Renacimiento. Precisamente por el hecho de que por las venas de Leonardo corría sangre oriental, el investigador explica la famosa “letra de Leonardo”, la capacidad del maestro para escribir de derecha a izquierda (así se hacían anotaciones en sus diarios). El investigador también vio rasgos orientales en el rostro de la modelo y en el paisaje detrás de ella. Paratico sugiere exhumar los restos de Leonardo y probar su ADN para confirmar su teoría.

La versión oficial dice que Leonardo era hijo del notario Piero y de la “campesina local” Katerina. No podía casarse con una mujer desarraigada, sino que tomó como esposa a una chica de una familia noble con una dote, pero resultó estéril. Katerina crió al niño durante los primeros años de su vida y luego el padre lo acogió en su casa. Casi nada se sabe sobre la madre de Leonardo. Pero, efectivamente, existe la opinión de que el artista, separado de su madre en primera infancia, toda su vida intentó recrear la imagen y la sonrisa de su madre en sus cuadros. Esta suposición fue hecha por Sigmund Freud en su libro “Memorias de la infancia. Leonardo da Vinci" y obtuvo muchos adeptos entre los historiadores del arte.

Versión No. 3: Mona Lisa es un hombre

Los espectadores a menudo notan que en la imagen de Mona Lisa, a pesar de toda la ternura y modestia, hay algo de masculinidad, y el rostro de la joven modelo, casi desprovisto de cejas y pestañas, parece juvenil. El famoso investigador de la Mona Lisa Silvano Vincenti cree que esto no es casualidad. Está seguro de que Leonardo posó... como un joven con un vestido de mujer. Y este no es otro que Salai, un alumno de da Vinci, que fue pintado por él en las pinturas "Juan Bautista" y "El ángel en carne", donde el joven está dotado de la misma sonrisa que la Mona Lisa. El historiador del arte, sin embargo, llegó a esta conclusión no sólo porque parecido externo modelos, y tras estudiar fotografías en resolución alta, lo que permitió ver a Vincenti en los ojos del modelo L y S, las primeras letras de los nombres del autor del cuadro y del joven representado en él, según el experto.

"Juan Bautista" de Leonardo Da Vinci (Louvre)

Esta versión se apoya también en una relación especial - Vasari también lo insinuó - entre el modelo y el artista, que pudo haber conectado a Leonardo y Salai. Da Vinci no estaba casado y no tenía hijos. Al mismo tiempo, existe un documento de denuncia donde un anónimo acusa al artista de sodomía a un tal Jacopo Saltarelli, de 17 años.

Leonardo tuvo varios alumnos, con algunos de los cuales era más que cercano, según varios investigadores. Freud también analiza la homosexualidad de Leonardo y apoya esta versión con un análisis psiquiátrico de su biografía y del diario del genio del Renacimiento. Las notas de Da Vinci sobre el Salai también se consideran un argumento a favor. Incluso hay una versión de que Da Vinci dejó un retrato de Salai (ya que la pintura se menciona en el testamento del estudiante de maestría), y de él la pintura pasó a Francisco I.

Por cierto, el mismo Silvano Vincenti planteó otra suposición: que la pintura representa a cierta mujer del séquito de Luis Sforza, en cuya corte de Milán Leonardo trabajó como arquitecto e ingeniero en 1482-1499. Esta versión apareció después de que Vincenti viera los números 149 en el reverso del lienzo. Ésta, según el investigador, es la fecha en que fue pintado el cuadro, sólo el último número ha sido borrado. Se cree tradicionalmente que el maestro comenzó a pintar la Gioconda en 1503.

Sin embargo, hay muchas otras candidatas al título de Mona Lisa que compiten con Salai: Isabella Gualandi, Ginevra Benci, Constanza d'Avalos, la libertina Caterina Sforza, cierta amante secreta de Lorenzo de' Medici e incluso la enfermera de Leonardo.

Versión No. 4: Gioconda es Leonardo

Otra teoría inesperada que insinuó Freud fue confirmada por la investigación de la estadounidense Lillian Schwartz. La Mona Lisa es un autorretrato, Lilian está segura. Artista y consultora gráfica en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York en los años 1980, comparó el famoso “Autorretrato de Turín” de un artista de mediana edad con un retrato de la Mona Lisa y descubrió que las proporciones de los rostros ( forma de la cabeza, distancia entre los ojos, altura de la frente) fueron los mismos.

Y en 2009, Lilian, junto con la historiadora amateur Lynn Picknett, presentó al público otra sensación increíble: afirma que la Sábana Santa de Turín no es más que una huella del rostro de Leonardo, hecha con sulfato de plata según el principio de la cámara oscura.

Sin embargo, no muchos apoyaron a Lilian en su investigación; estas teorías no se encuentran entre las más populares, a diferencia de la siguiente suposición.

Versión No. 5: una obra maestra con síndrome de Down

Gioconda padecía la enfermedad de Down: esta fue la conclusión a la que llegó el fotógrafo inglés Leo Vala en la década de 1970 después de idear un método para "dar la vuelta" a la Mona Lisa de perfil.

Al mismo tiempo, el médico danés Finn Becker-Christiansson diagnosticó a Gioconda una parálisis facial congénita. Una sonrisa asimétrica, en su opinión, habla de desviaciones mentales que pueden llegar hasta la idiotez.

En 1991, el escultor francés Alain Roche decidió plasmar la Mona Lisa en mármol, pero no funcionó. Resultó que desde el punto de vista fisiológico, todo en el modelo está mal: la cara, los brazos y los hombros. Luego, el escultor recurrió al fisiólogo, el profesor Henri Greppo, y éste atrajo al especialista en microcirugía de la mano, Jean-Jacques Conte. Juntos llegaron a la conclusión de que la mano derecha de la misteriosa mujer no descansaba sobre la izquierda porque posiblemente era más corta y podía ser propensa a sufrir calambres. Conclusión: la mitad derecha del cuerpo de la modelo está paralizada, lo que significa que la misteriosa sonrisa también es solo un espasmo.

El ginecólogo Julio Cruz y Hermida recopiló una “historia médica” completa de Gioconda en su libro “Una mirada a Gioconda a través de los ojos de un médico”. El resultado fue una imagen tan terrible que no está claro cómo vivía esta mujer. Según diversos investigadores, padecía alopecia (pérdida de cabello), alto nivel colesterol en sangre, exposición del cuello de los dientes, su aflojamiento y caída e incluso alcoholismo. Tenía la enfermedad de Parkinson, un lipoma (tumor graso benigno en derecha), estrabismo, cataratas y heterocromía del iris (distintos colores de ojos) y asma.

Sin embargo, ¿quién dijo que Leonardo era anatómicamente exacto? ¿Y si el secreto del genio radica precisamente en esta desproporción?

Versión No. 6: un niño bajo el corazón

Existe otra versión "médica" polar: el embarazo. El ginecólogo estadounidense Kenneth D. Keel está seguro de que Mona Lisa se cruzó de brazos sobre el estómago por reflejo tratando de proteger a su bebé por nacer. La probabilidad es alta, porque Lisa Gherardini tuvo cinco hijos (el primogénito, por cierto, se llamaba Pierrot). Un indicio de la legitimidad de esta versión se puede encontrar en el título del retrato: Ritratto di Monna Lisa del Giocondo (italiano) - "Retrato de la Sra. Lisa Giocondo". Monna es la abreviatura de ma donna: Madonna, Madre de Dios (aunque también significa "mi amante", dama). Los críticos de arte a menudo explican la genialidad de la pintura precisamente por el hecho de que representa a una mujer terrena en la imagen de la Madre de Dios.

Versión nº 7: iconográfica

Sin embargo, la teoría de que la Mona Lisa es un ícono no tiene cabida madre de dios ocupado por una mujer terrenal, popular por derecho propio. Esta es la genialidad de la obra y por eso se ha convertido en un símbolo del comienzo. nueva era en el arte. Anteriormente, el arte servía a la iglesia, al gobierno y a la nobleza. Leonardo demuestra que el artista está por encima de todo, que lo más valioso es la idea creativa del maestro. Y la gran idea es mostrar la dualidad del mundo, y el medio para ello es la imagen de la Mona Lisa, que combina la belleza divina y terrenal.

Versión No. 8: Leonardo - creador del 3D

Esta combinación se logró mediante una técnica especial inventada por Leonardo: sfumato (del italiano, "desaparecer como humo"). Fue esta técnica pictórica, cuando las pinturas se aplican capa por capa, la que permitió a Leonardo crear una perspectiva aérea en la pintura. El artista aplicó innumerables capas de estos, y cada una era casi transparente. Gracias a esta técnica, la luz se refleja y se dispersa de forma diferente por el lienzo, según el ángulo de visión y el ángulo de incidencia de la luz. Es por eso que la expresión facial de la modelo cambia constantemente.

Los investigadores llegan a una conclusión. Otro avance técnico de un genio que previó e intentó implementar muchos inventos que se implementaron siglos después (aviones, tanques, escafandras, etc.). Prueba de ello es la versión del retrato conservado en el Museo del Prado de Madrid, pintado por el propio Da Vinci o por su alumno. Representa el mismo modelo, sólo que el ángulo está desplazado 69 cm. Por lo tanto, según los expertos, se buscó el punto deseado en la imagen que dará el efecto 3D.

Versión No. 9: signos secretos

Los signos secretos son el tema favorito de los investigadores de Mona Lisa. Leonardo no es sólo un artista, es ingeniero, inventor, científico, escritor y probablemente cifró algunos secretos universales en su mejor pintura. La versión más atrevida e increíble fue expresada en el libro y luego en la película "El Código Da Vinci". Esto es por supuesto novela de ficcion. Sin embargo, los investigadores constantemente hacen suposiciones igualmente fantásticas basándose en ciertos símbolos encontrados en la pintura.

Muchas especulaciones surgen del hecho de que existe otra imagen oculta de la Mona Lisa. Por ejemplo, la figura de un ángel o una pluma en manos de una modelo. También hay una versión interesante de Valery Chudinov, quien descubrió en la Mona Lisa las palabras Yara Mara, el nombre de la diosa pagana rusa.

Versión No. 10: paisaje recortado

Muchas versiones también están relacionadas con el paisaje en el que se representa la Mona Lisa. El investigador Igor Ladov descubrió en él una naturaleza cíclica: parece que vale la pena trazar varias líneas para conectar los bordes del paisaje. Sólo faltan un par de centímetros para que todo encaje. Pero en la versión del cuadro del Museo del Prado hay columnas, que, al parecer, también estaban en el original. Nadie sabe quién recortó la imagen. Si los devuelves, la imagen se convierte en un paisaje cíclico, que simboliza el hecho de que la vida humana (en un sentido global) está encantada como todo en la naturaleza...

Parece que hay tantas versiones de la solución al misterio de la Mona Lisa como personas intentando explorar la obra maestra. Había lugar para todo: desde la admiración por la belleza sobrenatural hasta el reconocimiento de una patología completa. Todos encuentran algo propio en Mona Lisa y, quizás, aquí es donde se manifiesta la multidimensionalidad y las múltiples capas semánticas del lienzo, lo que les da a todos la oportunidad de incluir su imaginación. Mientras tanto, el secreto de la Mona Lisa sigue siendo propiedad de esta misteriosa dama, con una leve sonrisa en los labios...