Significado de Leonardo da Vinci. ¿Qué hay en tu nombre? ¿Cuáles eran los verdaderos nombres de los artistas del Renacimiento? ¿Qué significa el prefijo da Vinci en un nombre?

Enciclopedia de Brockhaus y Efron

leonardo da vinci

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El mundo medieval en términos, nombres y títulos.

leonardo da vinci

(1452-1519) - genial. artista (pintor, escultor, arquitecto), científico (anatomista, matemático, físico, científico natural), ingeniero-inventor y pensador del Renacimiento. Nacido en el pueblo de Anchiano (aprox. Vinci, entre Florencia y Pisa). Hijo ilegítimo de un rico notario y una sencilla campesina. Desde 1469 estudió en Florencia en el taller de Andrea Verrocchio. En 1470 fue inscrito en la comunidad de maestros florentinos, pero hasta 1481 continuó trabajando con Verrocchio. DE ACUERDO. En 1476 representó la figura del ángel izquierdo en el cuadro de su maestro “El bautismo de Cristo”, que se compara favorablemente con la obra de Verrocchio. Entre las primeras obras de L. da V. se encuentran “Madonna de la Flor” (o “Madonna Benois”) (c. 1478), “Adoración de los Magos” y “San Jerónimo” (1481-1482).

En 1482, por invitación del actual. El gobernante de Milán, Lodovico Sforza L. da V., se trasladó a Milán. Trabajó principalmente como militar. Ingeniero, escribió un “Tratado de Pintura”, estudió ciencias, arquitectura y escultura. En Milán, creó un modelo de arcilla del monumento a Francesco Sforza (padre de Lodovic), que fue destruido por Francia. por soldados en 1499; pintó “Madonna de las rocas” (o “Madonna en la gruta”) (1483-1494) utilizando el famoso sfumato (el claroscuro más fino) de Leonard, “Madonna Litta” (1490-1491); El fresco “La Última Cena” en el refectorio del monasterio milanés de Santa Maria delle Grazie (1495-1497) es la principal obra pictórica de este período. Este enorme mural (4,6x8,8 m) se convirtió en un acontecimiento artístico. vida de Italia, pero, ejecutado al temple, comenzó a colapsar gradualmente durante la vida del artista.

El período milanés, el más fructífero en la obra del maestro, duró hasta 1499. L. da V. se convirtió en el artista más famoso de Italia. Abandonó Milán, ocupada por los franceses, y tras una breve estancia en Mantua y Venecia en 1500 regresó a Florencia, donde trabajó durante algún tiempo como militar. Ingeniero de César Borgia. En 1502, L. da V. recibió el encargo de la Signoria florentina de pintar la pared de la Sala del Consejo del Palazzo Vecchio con el tema “La batalla de Anghiari”; en la otra pared, se suponía que Miguel Ángel representaría “La batalla de Cascina”. Pero ambos artistas sólo hicieron cartones preparatorios.

En 1503-1506. L. da V. creó el retrato más famoso de la historia de la pintura mundial: el retrato de Mona Lisa ("Gioconda"), la esposa del comerciante florentino Francesco di Gioconde. Desde 1506 comenzó un período de vagabundeos regulares: primero Milán. (1506), luego Roma (1513); en 1516 L. da V. se trasladó a Francia, donde pasó los últimos años de su vida en el castillo de Cloux (c. Amboise).

L. da V. no dejó un gran número de pinturas: trabajó en sus obras como investigador científico, considerando la pintura como una ciencia e hija de la naturaleza; Sostuvo que “un buen pintor debe pintar dos cosas principales: una persona y una representación de su alma”. En su “Tratado de pintura” (1498), L. da V., como teórico del arte, insistió en la necesidad de estudiar la perspectiva lineal y aérea, la anatomía, etc. Como ingeniero, expresó varias hipótesis brillantes y dejó numerosos diseños de mecanismos, máquinas herramienta, aviones, dispositivos de irrigación, etc. L. da V. fue uno de los primeros en fundamentar la idea de la posibilidad de conocer el mundo a través de la razón y las sensaciones, y sugirió que la Tierra es sólo uno de los cuerpos celestes y no es el centro del Universo.

Iluminado.: Leonardo da Vinci. Un libro sobre pintura. Moscú, 1934; Leonardo da Vinci. Obras seleccionadas de ciencias naturales. M., 1955; Leonardo da Vinci. Extractos seleccionados del patrimonio literario // Maestros del arte sobre el arte. T. 2. Renacimiento / Ed. A.A.Gubera, V.N. Grashchenkova. M., 1966; Vasari Giorgio. Las biografías de los más pintores famosos, escultores y arquitectos. T. 3. M., 1970; Gukovsky ML. Leonardo da Vinci. M., 1967; Dzhivelegov A.K. Leonardo da Vinci. M., 1969; Lazarev V.N. Leonardo da Vinci. M, 1952.

diccionario enciclopédico

leonardo da vinci

1. (Leonardo da Vinci) (15 de abril de 1452, Vinci cerca de Florencia - 2 de mayo de 1519, Castillo de Cloux, cerca de Amboise, Turena, Francia), artista, científico, ingeniero y filósofo italiano. Nacido en la familia de un notario rico. Se desarrolló como maestro, estudiando con Andrea del Verrocchio (1467 - 72). Los métodos de trabajo en el taller florentino de aquella época, donde el trabajo del artista estaba estrechamente relacionado con los experimentos técnicos, así como su relación con el astrónomo P. Toscanelli contribuyeron al surgimiento de los intereses científicos del joven Leonardo. En sus primeras obras (la cabeza de un ángel en "Bautismo" Verrocchio, después de 1470, "Anunciación", hacia 1474, ambos en los Uffizi, "Madonna Benoît", hacia 1478, Hermitage) enriquece las tradiciones de la pintura del Quattrocento, enfatizando el suave volumen de las formas con suaves claroscuros, animando los rostros con una sutil y sutil sonrisa. EN "Adoración de los Magos"(1481-82, inacabado; pintado en los Uffizi) convierte una imagen religiosa en un espejo de una variedad de emociones humanas, desarrollando métodos de dibujo innovadores. Al registrar los resultados de innumerables observaciones en bocetos, bocetos y estudios a gran escala (lápiz italiano, lápiz plateado, sanguina, pluma y otras técnicas), Leonardo logra una agudeza poco común en la transmisión de expresiones faciales (a veces recurriendo a lo grotesco y la caricatura), y la estructura. y movimientos del cuerpo humano discurre en perfecta armonía con la dramaturgia de la composición. Al servicio del gobernante de Milán, Lodovico Moro (desde 1481), Leonardo actúa como ingeniero militar, ingeniero hidráulico y organizador de las festividades de la corte. Desde hace más de 10 años trabaja en el monumento a Francesco Sforza, padre de Lodovico Moro; El modelo de arcilla de tamaño natural del monumento, lleno de poder plástico, no ha sobrevivido (fue destruido durante la toma de Milán por los franceses en 1500) y sólo se conoce por bocetos preparatorios. "Madonna de las rocas" Este período marcó el florecimiento creativo del pintor Leonardo. EN "Madonna de las rocas"(1483-94, Louvre; segunda versión - 1487-1511, National Gallery, Londres) el claroscuro sutil favorito del maestro ( "sfumato") aparece como un nuevo halo que reemplaza los halos medievales: es un misterio divino-humano y natural a partes iguales, donde la gruta rocosa, que refleja las observaciones geológicas de Leonardo, desempeña un papel no menos dramático que las figuras de los santos en primer plano. "Última cena" Leonardo crea un cuadro en el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie "Última cena"(1495-97; debido al arriesgado experimento que emprendió el maestro, utilizando para el fresco óleo mezclado con temple, la obra ha llegado hasta nosotros muy deteriorada). El alto contenido religioso y ético de la imagen, que representa la reacción tormentosa y contradictoria de los discípulos de Cristo ante sus palabras sobre la inminente traición, se expresa en claras leyes matemáticas de la composición, que subyugan poderosamente no solo lo pintado, sino también lo arquitectónico real. espacio. La clara lógica escénica de las expresiones faciales y los gestos, así como la emocionante y paradójica combinación, como siempre en Leonardo, de una racionalidad estricta con un misterio inexplicable hicieron "Última cena" una de las obras más significativas de la historia del arte mundial. También involucrado en la arquitectura, Leonardo desarrolla varias opciones. "ciudad ideal" y el templo central con cúpula. Los años siguientes el maestro pasa en constantes viajes (Florencia - 1500-02, 1503-06, 1507; Mantua y Venecia - 1500; Milán - 1506, 1507-13; Roma - 1513-16). Desde 1517 vivió en Francia, donde fue invitado por el rey Francisco I. "Batalla de Angyari". Mona Lisa (Retrato de Mona Lisa) En Florencia, Leonardo trabaja en un cuadro en el Palazzo Vecchio ( "Batalla de Angyari", 1503-06; no terminado ni conservado, conocido por copias en cartón, así como por un boceto descubierto recientemente (colección privada, Japón), que se encuentra en los orígenes del género de batalla en el arte de los tiempos modernos; La furia mortal de la guerra se encarna aquí en la lucha frenética de los jinetes. En el cuadro más famoso de Leonardo, el retrato de la Mona Lisa (la llamada "Mona Lisa", hacia 1503, Louvre) la imagen de una mujer rica de ciudad aparece como una misteriosa personificación de la naturaleza como tal, sin perder su astucia puramente femenina; El significado interno de la composición lo da el paisaje cósmicamente majestuoso y al mismo tiempo alarmantemente alienado, que se funde en una neblina fría. Pinturas tardías de K trabajos posteriores Leonardo posee: diseños para el monumento al mariscal Trivulzio (1508 - 12), pintura "santa ana con maría y el niño cristo"(c. 1500-07, Louvre). Este último resume, por así decirlo, sus búsquedas en el campo de la perspectiva luminosa, el color tonal (con predominio de tonos fríos y verdosos) y la armoniosa composición piramidal; al mismo tiempo, esto es armonía sobre el abismo, ya que al borde del abismo se presenta un grupo de personajes santos, unidos por la cercanía familiar. La última foto leonardo, "San Juan Bautista"(circa 1515-17, ibid.) está lleno de ambigüedad erótica: el joven Forerunner parece aquí no un santo asceta, sino un tentador lleno de encanto sensual. En una serie de dibujos que representan una catástrofe universal (el llamado ciclo con "Por el diluvio", lápiz italiano, pluma, hacia 1514-16, Biblioteca Real, Windsor) los pensamientos sobre la fragilidad y la insignificancia del hombre ante el poder de los elementos se combinan con pensamientos racionalistas y anticipatorios. "vórtice" cosmología de R. Descartes con ideas sobre ciclicidad procesos naturales. "Tratado de Pintura" La fuente más importante para estudiar las opiniones de Leonardo da Vinci son sus cuadernos y manuscritos (alrededor de 7 mil hojas), escritos en italiano hablado. El propio maestro no dejó una presentación sistemática de sus pensamientos. "Tratado de Pintura", elaborado tras la muerte de Leonardo por su alumno F. Melzi y que tuvo una enorme influencia en la teoría del arte, consta de pasajes extraídos en gran medida arbitrariamente del contexto de sus notas. Para el propio Leonardo, el arte y la ciencia estaban indisolublemente ligados. Ceder "disputa de las artes" La palma de la pintura como la forma de creatividad más intelectual, en su opinión, el maestro la entendió como un lenguaje universal (similar a las matemáticas en el campo de la ciencia), que encarna toda la diversidad del universo a través de proporciones, perspectiva y claroscuro. . “La pintura”, escribe Leonardo, “es una ciencia y la hija legítima de la naturaleza..., pariente de Dios”. Al estudiar la naturaleza, el perfecto artista-naturalista aprende "mente divina", escondido bajo la apariencia externa de la naturaleza. Al participar en una competencia creativa con este principio divinamente inteligente, el artista afirma su semejanza con el Creador Supremo. Desde que el "primero en el alma y luego en las manos" "todo lo que existe en el universo"él también está ahí "algún dios". Leonardo es un científico. Proyectos técnicos Como científico e ingeniero, Leonardo da Vinci enriqueció casi todas las áreas del conocimiento de su tiempo con observaciones y conjeturas esclarecedoras, considerando sus notas y dibujos como bocetos para una gigantesca enciclopedia filosófica natural. Fue un destacado representante de las nuevas ciencias naturales de base experimental. Leonardo prestó especial atención a la mecánica, llamándola "el paraíso de las ciencias matemáticas" y viendo en él la clave de los secretos del universo; intentó determinar los coeficientes de fricción por deslizamiento, estudió la resistencia de los materiales y se apasionó por la hidráulica. Numerosos experimentos hidrotécnicos se plasmaron en diseños innovadores de canales y sistemas de riego. La pasión de Leonardo por el modelaje le llevó a sorprendentes avances técnicos que estaban muy por delante de su época: tales como bocetos de diseños para hornos metalúrgicos y laminadores, telares, imprentas, carpintería y otras máquinas, un submarino y un tanque, así como diseños. para máquinas voladoras desarrolladas después de un estudio exhaustivo del vuelo de las aves y del paracaídas Óptica Las observaciones de Leonardo sobre la influencia de los cuerpos transparentes y translúcidos en el color de los objetos, reflejadas en su pintura, llevaron al establecimiento de los principios de la perspectiva aérea en el arte. Para él, la universalidad de las leyes ópticas estaba asociada con la idea de la homogeneidad del Universo. Estuvo cerca de crear un sistema heliocéntrico, considerando la Tierra "un punto en el universo". Estudió la estructura del ojo humano, haciendo conjeturas sobre la naturaleza de la visión binocular. Anatomía, botánica, paleontología En estudios anatómicos, resumiendo los resultados de las autopsias de cadáveres, en dibujos detallados sentó las bases de la ilustración científica moderna. Al estudiar las funciones de los órganos, consideró el cuerpo como modelo. "mecánica natural". Describió por primera vez una serie de huesos y nervios, Atención especial dedicado a los problemas de embriología y anatomía comparada, intentando introducir método experimental y en biología. Habiendo establecido la botánica como una disciplina independiente, dio descripciones clásicas de la disposición de las hojas, el helio y geotropismo, la presión de las raíces y el movimiento de los jugos de las plantas. Fue uno de los fundadores de la paleontología y creía que los fósiles encontrados en las cimas de las montañas refutan la idea de "inundación global". Revelando el ideal del Renacimiento "hombre universal" Leonardo da Vinci fue interpretado en la tradición posterior como la persona que describió más claramente la gama de búsquedas creativas de la época. En la literatura rusa, el retrato de Leonardo fue creado por D. S. Merezhkovsky en la novela "Dioses resucitados" (1899 - 1900).
2. (Leonardo da Vinci) (1452 - 1519), pintor, escultor, arquitecto, científico e ingeniero italiano. Combinando el desarrollo de nuevos medios de lenguaje artístico con generalizaciones teóricas, creó una imagen de una persona que corresponde a los ideales humanistas del Alto Renacimiento. En la pintura "Última cena"(1495-97, en el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie en Milán) el alto contenido ético se expresa en patrones estrictos de composición, un sistema claro de gestos y expresiones faciales de los personajes. El ideal humanista de la belleza femenina está plasmado en el retrato de Mona Lisa (la llamada "Gioconda", DE ACUERDO. 1503). Numerosos descubrimientos, proyectos, estudios experimentales en el campo de las matemáticas, las ciencias naturales y la mecánica. Defendió la importancia decisiva de la experiencia en el conocimiento de la naturaleza (cuadernos y manuscritos, unas 7 mil hojas).

Arte europeo: Pintura. Escultura. Gráficos: Enciclopedia

leonardo da vinci

(Leonardo da Vinci)

1452, Vinci - 1519, Amboise.

Pintor, escultor, arquitecto, científico, ingeniero y teórico del arte italiano. Maestro de la escuela florentina, alumno de Verrocchio. Comenzó su viaje creativo en Florencia. En 1481/1482 fue invitado a Milán por el duque Lodovico Moro. Hasta 1499 trabajó en Milán como pintor, escultor, arquitecto, ingeniero militar y organizador de festividades de la corte. En 1500-1506 (con interrupciones) trabajó en Florencia; en 1502-1503 estuvo al servicio de César Borgia como ingeniero militar; En 1506-1513 trabajó en Milán, en 1513-1514, en Roma. En 1516, por invitación del rey Francisco I, se trasladó a Francia; Pasó los últimos años de su vida (1516-1519) en el castillo de Cloux, cerca de Amboise. Habiendo superado a todos los genios del Renacimiento italiano en la universalidad de sus talentos, Leonardo da Vinci perteneció a la misma generación que Botticelli, Ghirlandaio, Carpaccio, Perugino, Pinturicchio, Signorelli, que completaron el desarrollo del Renacimiento temprano. Al mismo tiempo, actuó como uno de los mayores reformadores. arte italiano, quien encarnó en sus obras una nueva cosmovisión, nuevos principios de generalización artística, que se convirtieron en la base del arte del Alto Renacimiento. La singularidad de Leonardo da Vinci como artista radica no sólo en la versatilidad de sus talentos y en su inherente espíritu innovador, sino también en la unidad orgánica de sus intereses artísticos y científicos. Leonardo le dio la palma entre las artes plásticas a la pintura, a la que llamó “ciencia y legítima hija de la naturaleza”, capaz de conocer, según sus palabras, “la belleza de las creaciones de la naturaleza”, a diferencia de las ciencias exactas, que conocen “discontinuas”. y cantidades continuas”. Para él, una obra pictórica era la encarnación concentrada en una imagen de ciertos principios generales y más esenciales de la realidad visible. Al mismo tiempo, el trabajo en la composición en sí fue para Leonardo un proceso de conocimiento estético del mundo y su investigación teórica, que continuó en sus extensos tratados científicos. De ahí el lugar inusualmente grande incluso para un artista del Renacimiento, que dedicó a aclarar el concepto en bocetos compositivos, estudios anatómicos y a gran escala, buscando gestos y movimientos que expresen más plenamente los sentimientos, etc. El proceso de trabajo en cada composición fue tanto tiempo, y el tiempo creativo de Leonardo se dividió con tanta frecuencia entre sus obras artísticas, investigaciones científicas y técnicas que su patrimonio pictórico asciende a sólo una docena y media de obras (incluidas las inacabadas y las completadas junto con sus alumnos). Pero estas pocas obras se convirtieron en el punto de partida para la formación de los principios estéticos del Alto Renacimiento. En el desarrollo de la imagen creativa de Leonardo da Vinci, un lugar importante ocupa el primer período florentino (c. 1470-1480), cuando en sus pocas obras se formaron los rasgos de un nuevo estilo artístico, marcado por el deseo de generalidad, el laconismo, concentración en la imagen de una persona, un nuevo grado de integridad de las imágenes; El claroscuro comienza a jugar un papel importante, modelando suavemente las formas y combinándolas con el entorno espacial. Estos rasgos, delineados en la figura de un ángel en el Bautismo de Cristo de Verrocchio (c. 1470), en la Anunciación (c. 1474, ambos - Florencia, Galería de los Uffizi) adquieren una expresión más completa en las obras de con. 1470 - comienzo Década de 1480. En la Virgen con la flor (la llamada Virgen Benois, ca. 1478, San Petersburgo, Hermitage Estatal), Leonardo abandona el detalle típico de sus contemporáneos, centrando toda su atención en la Virgen María y el Niño, combinando en el momento representado la naturalidad de la manifestación del sentimiento y la solemne seriedad. Los dibujos preparatorios de Leonardo permiten rastrear la búsqueda de la fórmula compositiva más compacta y armoniosa, cuando las figuras parecen encajar en un arco invisible que sigue los contornos del cuadro. Un alejamiento aún más decisivo de las tradiciones del Renacimiento temprano lo demuestra la inacabada Adoración de los Magos (1481-1482, Florencia, Galería de los Uffizi), que permanece en la etapa de pintura de fondo marrón dorado, construida sobre el contraste de la emoción dramática que impregna la multitud se fundía en grandes masas de luces y sombras, un extraño paisaje con ruinas, jinetes que luchaban ferozmente y un silencio reverente que unía a la Virgen y los Magos. El estudio del patetismo de los sentimientos expresados ​​​​en la plasticidad del cuerpo humano, que encontró expresión en dibujos preparatorios a la Adoración de los Magos, determinó la solución de la composición inacabada de San Jerónimo (c. 1481, Vaticano, Pinakothek). La primera experiencia de Leonardo da Vinci en el campo del retrato se remonta a la época florentina. Pequeño retrato Ginevra Benci (c. 1474-1476, Washington, National Gallery) se distingue de los retratos de esta época por el deseo del artista de crear una sensación de riqueza de la vida espiritual, que se ve facilitada por el sutil juego de luces y sombras. El rostro pálido de una mujer joven brilla en el contexto de un paisaje envuelto en el crepúsculo vespertino con un oscuro enebro y reflejos de luz en la superficie del estanque, anticipando las obras posteriores del artista por la sobriedad de su expresión. El período milanés (1482-1499) fue la época de actividad más intensa y versátil de Leonardo. Ingeniero de la corte del duque Lodovico Moro, supervisó las obras de construcción y tendido de canales, diseñó estructuras militares, equipos de asedio, desarrolló proyectos para mejorar las armas, participó en el diseño de las festividades de la corte y trabajó en un proyecto que nunca se ejecutó. estatua ecuestre El padre de Ludovico Moro, el duque Francesco Sforza. La mayoría de los manuscritos científicos de Leonardo y sus notas sobre los problemas de la pintura, posteriormente sistematizados y publicados por su alumno Melzi con el título Libro de la pintura, se remontan al período milanés. Las pocas pinturas de Leonardo da Vinci del período milanés se encuentran entre sus creaciones más significativas. La pintura del altar La Virgen en la Gruta (c. 1483, París, Louvre) es inusual por el motivo elegido por el artista: la tranquila soledad de la Virgen con el Niño Cristo, Juan Bautista, un joven ángel sin alas en el crepúsculo de un gruta con un fantástico montón de rocas afiladas. Sus figuras están inscritas en la pirámide, clásica para las soluciones compositivas del Renacimiento, lo que da a la composición clara legibilidad, compostura y equilibrio; al mismo tiempo, las miradas, los gestos, los giros de cabeza, el dedo que señala el ángel dirigiendo su mirada hacia nosotros crean un movimiento interno, un ciclo de ritmos que envuelve al espectador, obligándolo a volverse una y otra vez hacia cada personaje, imbuido de con una atmósfera de reverente concentración espiritual. Un papel importante en la imagen lo desempeña la luz difusa y tenue, que penetra a través de las grietas hasta el crepúsculo de la gruta, dando lugar a un claroscuro ahumado - "sfumato", en la terminología de Leonardo - al que él llamó "el creador de expresiones en los rostros". Suavizando, difuminando los contornos y el relieve de las formas, el sfumato crea una sensación de ternura y calidez en los cuerpos desnudos de los niños, da a los bellos rostros de la Virgen y el ángel una espiritualidad sutil. Leonardo se esfuerza por transmitir este elusivo movimiento de sentimientos tanto en la Litta Madonna (c. 1490-1491, San Petersburgo, Hermitage estatal) como en La dama del armiño (c. 1483, Cracovia, Galería Nacional Czartoryski). El lugar central entre las obras del período milanés lo ocupa pintura monumentalÚltima Cena (1495-1497, Milán, monasterio de Santa Maria delle Grazie). Habiendo abandonado la técnica tradicional del fresco, que requería rapidez de ejecución y casi no permitía correcciones, el artista prefirió una técnica mixta compleja, que causó ya en el siglo XVI. desmoronamiento de la pintura. Liberado hoy de numerosos registros de restauración, ha conservado tanto los rastros de destrucción de numerosas caídas de pintura como la grandeza del proyecto del artista. Esta es la primera obra de Leonardo en la que logró esa medida de generalización artística, grandeza y poder espiritual de las imágenes que son características del arte del Alto Renacimiento. A partir de la interpretación compositiva y argumental encontrada por Castagno (la simetría de la composición desplegada paralela al plano de la imagen, la reacción de los apóstoles a las palabras “uno de vosotros me traicionará”), Leonardo encontró una solución que excluía la solemnidad ritual tradicional. y se basó en el contraste dramático del tranquilo desapego de Cristo y la explosión de sentimientos , como si se extendiera desde él en oleadas, capturando a los conmocionados apóstoles. La época del nuevo florecimiento creativo de Leonardo da Vinci fue el segundo período florentino (1500-1506). Las obras de estos años tuvieron la mayor influencia en la formación del estilo del Alto Renacimiento, obra de Rafael y otros contemporáneos más jóvenes de Leonardo. Según Vasari, el ahora perdido cartón de Santa Ana (c. 1501), una versión gráfica de tamaño natural que solía preceder a la creación de una pintura en el Renacimiento, provocó una peregrinación de florentinos al estudio del artista. sobrevivió versión temprana (Santa Ana, cartón, c. 1499-1500, Londres, National Gallery) se distingue por la naturalidad y facilidad con la que la artista combinó en un compacto a la Virgen sentada en el regazo de su madre Ana y a los niños jugando a sus pies. y grupo lleno de vida: Cristo y Juan el Bautista; Son notables la amplitud y generalidad de formas y ritmos, la energía y suavidad del modelado, la sutil espiritualidad de los rostros iluminados por una sonrisa, que se indica no tanto por el movimiento de los labios como por el esquivo espesamiento y adelgazamiento del claroscuro. . Esta sonrisa extraña, no dicha, más adivinada que visible, creó un aura de misterio que rodeó la pintura más famosa de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa (La Gioconda; c. 1503-1505, París, Louvre). Su solución, aparentemente, hay que buscarla en el hecho de que Leonardo vio en su modelo, la esposa de un notario florentino, algo que le permitió plasmar en un retrato toda la suma de sus ideas sobre el hombre y el Universo, la belleza, la armonía. y orden, sobre la “ciencia de la pintura”, sus capacidades cognitivas y creativas. La composición de la imagen es tan perfecta, la figura femenina delineada por una silueta suave y generalizada está tan impecablemente inscrita en un marco rectangular, en una pose natural y tranquila hay tal equilibrio y plenitud, la relación entre los puntos claros y oscuros, lo natural. El caos del paisaje inmerso en una neblina azulada y el poder que lo domina se encuentra con tanta precisión, como si absorbiera la armonía y el poder espiritual del universo de la figura humana, que la imagen de Mona Lisa adquiere un carácter generalizado, como universal. . La neblina sfumato, que envuelve no sólo la figura, sino también el paisaje rocoso desierto, da unidad al mundo representado por el artista y confiere ambigüedad a la expresión facial y a la sonrisa misteriosa y esquiva de Mona Lisa. La tercera obra florentina importante de Leonardo fue el cartón del episodio central de la pintura de la Batalla de Anghiari, que le encargó para la sala principal del Palazzo Vecchio (1503-1505). El cartón, que representa la feroz batalla de cuatro jinetes por el estandarte, sobrevivió hasta el siglo XVIII; un dibujo de Rubens (París, Louvre), copias pintadas (Florencia, Galería de los Uffizi; Viena, Galería de la Academia) y dos dibujos de Leonardo para cabezas de guerreros (Budapest, Museo de Bellas Artes) dan una idea del poder de expresión y la intensidad de las pasiones que tejían a los combatientes en un solo ovillo. Las últimas pinturas de Leonardo fueron Santa Ana, completada después de regresar a Milán (c. 1509, París, Louvre) y una réplica de la Virgen de las Rocas, completada con la ayuda de A. di Predis (c. 1505-1508, Londres, Nat. galería) - dan testimonio de la creciente crisis creativa del maestro, volviendo a fórmulas ya encontradas. Durante los últimos diez años de su vida, Leonardo aparentemente no se dedicó a la pintura.

Iluminado.: Leonardo da Vinci. Un libro sobre pintura. Moscú, 1934; Leonardo da Vinci. Obras seleccionadas / Ed. A.K.Dzhivelegova y A.M. METRO.; L., 1935. T. 1-2; Leonardo da Vinci. Favoritos. M., 1952; Lazarev V.N.Leonardo da Vinci. METRO.; L., 1969; Zubov V.P.Leonardo da Vinci. METRO.; L., 1961; Gukovsky M. A. Leonardo da Vinci. L.; M., 1967; Dzhivelegov A.K.Leonardo da Vinci. M., 1974; Gastev A. Leonardo da Vinci. M., 1972; Batkin L. M. Leonardo da Vinci y las características del pensamiento creativo del Renacimiento. M., 1990; Suida W. Leonardo und sein Kreis. Múnich, 1929; Clark K. Leonardo da Vinci. Cambridge, 1939; Cambridge, 1952; Heydenreich L. Leonardo di Vinci. Berlín, 1945; Basilea, 1953; Castelfranco J. La pittura di Leonardo da Vinci. Milán, 1956.

I. Smirnova

diccionarios de idioma ruso

Pintor, ingeniero, mecánico, carpintero, músico, matemático, patólogo, inventor: esto está lejos de ser Lista llena facetas del genio universal. Fue llamado hechicero, siervo del diablo, Fausto italiano y espíritu divino. Se adelantó a su tiempo varios siglos. Rodeado de leyendas durante su vida, el gran Leonardo es un símbolo de las aspiraciones ilimitadas de la mente humana. Habiendo revelado el ideal del "hombre universal" del Renacimiento, Leonardo fue interpretado en la tradición posterior como la persona que describió más claramente la gama de búsquedas creativas de la época. Fue el fundador del arte del Alto Renacimiento.

Biografía

Infancia

La casa donde vivió Leonardo cuando era niño.

Maestro derrotado

Cuadro de Verrocchio "El bautismo de Cristo". El ángel de la izquierda (esquina inferior izquierda) es creación de Leonardo.

En el siglo XV, flotaban en el aire ideas sobre el renacimiento de los ideales antiguos. En la Academia de Florencia, las mejores mentes de Italia crearon la teoría del nuevo arte. Los jóvenes creativos pasaron tiempo en discusiones animadas. Leonardo se mantuvo alejado de su ajetreada vida social y rara vez salía de su estudio. No tuvo tiempo para disputas teóricas: mejoró sus habilidades. Un día Verrocchio recibió un encargo para el cuadro “El bautismo de Cristo” y encargó a Leonardo pintar uno de los dos ángeles. Esta era una práctica común en los talleres de arte de la época: el maestro creaba un cuadro junto con los estudiantes asistentes. A los más talentosos y diligentes se les confió la ejecución de un fragmento completo. Dos ángeles, pintados por Leonardo y Verrocchio, demostraron claramente la superioridad del alumno sobre el maestro. Como escribe Vasari, el asombrado Verrocchio abandonó su pincel y nunca volvió a pintar.

Actividad profesional, 1476-1513

A la edad de 24 años, Leonardo y otros tres jóvenes fueron juzgados por cargos falsos y anónimos de sodomía. Fueron absueltos. Se sabe muy poco sobre su vida después de este acontecimiento, pero probablemente tuvo su propio taller en Florencia entre 1476 y 1481.

En 1482 Leonardo, siendo, según Vasari, muy músico talentoso, creó una lira plateada con forma de cabeza de caballo. Lorenzo de' Medici lo envió como pacificador a Lodovico Moro y le envió la lira como regalo.

Vida personal

Leonardo tuvo muchos amigos y estudiantes. En cuanto a las relaciones amorosas, no hay información fiable al respecto, ya que Leonardo ocultó cuidadosamente este lado de su vida. Según algunas versiones, Leonardo tuvo una relación con Cecilia Gallerani, favorita de Lodovico Moro, con quien pintó su famoso cuadro “La dama del armiño”.

Fin de la vida

En Francia, Leonardo apenas pintaba. La mano derecha del maestro estaba entumecida y apenas podía moverse sin ayuda. Leonardo, de 67 años, pasó el tercer año de su vida en Amboise, en cama. El 23 de abril de 1519 dejó testamento y el 2 de mayo murió rodeado de sus alumnos y sus obras maestras. Leonardo da Vinci fue enterrado en el castillo de Amboise. En la lápida estaba grabada la inscripción: “Dentro de los muros de este monasterio yacen las cenizas de Leonardo de Vinci, mejor artista, ingeniero y arquitecto del reino francés."

Fechas clave

• - Leonardo da Vinci entra como aprendiz de artista en el estudio de Verrocchio (Florencia)
• - Miembro del Gremio de Artistas de Florencia
• - - trabajar en: “El Bautismo de Cristo”, “La Anunciación”, “Madonna con un jarrón”
• Segunda mitad de los años 70. Se creó “Madonna con una flor” (“Benois Madonna”)
• - Escándalo Saltarelli
• - Leonardo abre su propio taller.
• - según los documentos, este año Leonardo ya tenía su propio taller
• - el monasterio de San Donato a Sisto encarga a Leonardo la creación de un gran retablo “La Adoración de los Magos” (no terminado); Se han iniciado las obras del cuadro “San Jerónimo”
• - invitado a la corte de Lodovico Sforza en Milán. Han comenzado las obras del monumento ecuestre de Francesco Sforza.
• - Se han iniciado las obras de “La Virgen en la Gruta”
• Mediados de los 80: se creó "Madonna Litta"
• - Se creó “Retrato de un músico”.
• - desarrollo de una máquina voladora: el ornitóptero, basado en el vuelo de los pájaros
• - dibujos anatómicos de cráneos
• - cuadro “Retrato de un músico”. Se realizó un modelo en arcilla del monumento a Francesco Sforza.
• - El Hombre de Vitruvio es un dibujo famoso al que a veces se le llama proporciones canónicas.
• - - Terminada “Madonna en la Gruta”
• - - trabajar en el fresco "La Última Cena" en el monasterio de Santa Maria della Grazie en Milán
• - Milán es capturada por las tropas francesas de Luis XII, Leonardo abandona Milán, la maqueta del monumento a Sforza está gravemente dañada.
• - entra al servicio de Cesare Borgia como arquitecto e ingeniero militar
• - cartón para el fresco “Batalla de Andjaria (en Anghiari)” y el cuadro “Mona Lisa”

Casa en Francia donde murió Leonardo da Vinci en 1519

• - regreso a Milán y servicio con el rey Luis XII de Francia (que en ese momento controlaba el norte de Italia, ver Guerras italianas)
• - - trabajos en Milán sobre el monumento ecuestre al mariscal Trivulzio
• - pintura en la Catedral de Santa Ana
• - "Auto retrato"
• - mudarse a Roma bajo el patrocinio del Papa León X
• - - trabajar en el cuadro “Juan Bautista”
• - se muda a Francia como artista de la corte, ingeniero, arquitecto y mecánico

Logros

Arte

Nuestros contemporáneos conocen a Leonardo principalmente como artista. Además, es posible que Da Vinci también fuera escultor: los investigadores de la Universidad de Perugia, Giancarlo Gentilini y Carlo Sisi, afirman que la cabeza de terracota encontrada en 1990 es la única obra escultórica de Leonardo da Vinci que ha llegado hasta nosotros. hasta nosotros. Sin embargo, el propio Da Vinci, en diferentes períodos de su vida, se consideró principalmente un ingeniero o un científico. No dedicó mucho tiempo a las bellas artes y trabajó con bastante lentitud. Por lo tanto, el patrimonio artístico de Leonardo no es muy grande y varias de sus obras se han perdido o han sufrido graves daños. Sin embargo, su contribución a la cultura artística mundial es extremadamente importante incluso en el contexto de la cohorte de genios que dio Renacimiento italiano. Gracias a sus obras, el arte de la pintura pasó a una etapa cualitativamente nueva de su desarrollo. Los artistas del Renacimiento que precedieron a Leonardo rechazaron decisivamente muchas de las convenciones del arte medieval. Este fue un movimiento hacia el realismo y ya se había logrado mucho en el estudio de la perspectiva, la anatomía y una mayor libertad en las soluciones compositivas. Pero en términos de pintoresquismo, al trabajar con pintura, los artistas todavía eran bastante convencionales y limitados. La línea en la imagen delineaba claramente el objeto y la imagen tenía la apariencia de un dibujo pintado. Lo más convencional fue el paisaje, que jugó un papel secundario. Leonardo realizó e implementó una nueva técnica de pintura. Su línea tiene derecho a ser borrosa, porque así la vemos nosotros. Se dio cuenta del fenómeno de la luz que se dispersa en el aire y de la aparición del sfumato, una neblina entre el espectador y el objeto representado que suaviza los contrastes de color y las líneas. Como resultado, el realismo en la pintura pasó a un nivel cualitativamente nuevo.

Ciencia e Ingenieria

Su único invento que recibió reconocimiento durante su vida fue un bloqueo de rueda para pistola (que comenzaba con una llave). Al principio, la pistola con ruedas no estaba muy extendida, pero a mediados del siglo XVI había ganado popularidad entre los nobles, especialmente entre la caballería, lo que se reflejó incluso en el diseño de la armadura, a saber: Armadura Maximiliana para el Para disparar pistolas se empezaron a fabricar guantes en lugar de manoplas. El seguro de rueda para pistola, inventado por Leonardo da Vinci, era tan perfecto que se siguió encontrando en el siglo XIX.

Leonardo da Vinci estaba interesado en los problemas del vuelo. En Milán realizó numerosos dibujos y estudió el mecanismo de vuelo de aves de diversas razas y de murciélagos. Además de las observaciones, también realizó experimentos, pero todos fracasaron. Leonardo realmente quería construir una máquina voladora. Dijo: “El que todo lo sabe, todo lo puede. ¡Si pudieras descubrirlo, tendrías alas! Al principio, Leonardo desarrolló el problema del vuelo utilizando alas impulsadas por fuerza muscular del hombre: la idea del aparato más simple de Dédalo e Ícaro. Pero luego se le ocurrió la idea de construir un aparato al que una persona no debería estar apegada, sino que debería mantener total libertad para controlarlo; El aparato debe ponerse en movimiento por su propia fuerza. Esta es esencialmente la idea de un avión. Para construir y utilizar con éxito el dispositivo, a Leonardo solo le faltaba una cosa: la idea de un motor con suficiente potencia. Llegó a todo lo demás. Leonardo da Vinci trabajó en un aparato de despegue y aterrizaje vertical. Leonardo planeó colocar un sistema de escaleras retráctiles en el “ornitottero” vertical. La naturaleza le sirvió de ejemplo: “mira el vencejo de piedra, que se sentó en el suelo y no puede despegar debido a sus patas cortas; y cuando esté en vuelo, saca la escalera, como se muestra en la segunda imagen de arriba... así es como se despega del avión; estas escaleras sirven como patas...” Respecto al aterrizaje, escribió: “Estos ganchos (cuñas cóncavas) que se fijan a la base de las escaleras sirven para el mismo propósito que las puntas de los dedos de la persona que salta sobre ellas, y todo su cuerpo no se sacude por ello. como si él estuviera saltando sobre mis talones."

Invenciones

1. Carro metálico para transporte de soldados (prototipo de tanque)
2. Puentes portátiles ligeros para el ejército.

Anatomía

Pensador

...Esas ciencias están vacías y llenas de errores que no son generados por la experiencia, madre de toda certeza, y no culminan en la experiencia visual...

Ninguna investigación humana puede considerarse ciencia verdadera a menos que haya pasado por pruebas matemáticas. Y si dices que las ciencias que comienzan y terminan en el pensamiento tienen verdad, entonces no puedo estar de acuerdo contigo en esto... porque ese razonamiento puramente mental no implica la experiencia, sin la cual no hay certeza.

Literatura

Enorme herencia literaria Leonardo da Vinci ha sobrevivido hasta nuestros días de forma caótica, en manuscritos escritos con su mano izquierda. Aunque Leonardo da Vinci no imprimió una sola línea de ellas, en sus notas se dirigía constantemente a un lector imaginario y durante los últimos años de su vida no abandonó la idea de publicar sus obras.

Tras la muerte de Leonardo da Vinci, su amigo y alumno Francesco Melzi seleccionó de ellos pasajes relacionados con la pintura, de los que posteriormente se compiló el “Tratado sobre la pintura” (Trattato della pittura, 1ª ed.). El legado manuscrito de Leonardo da Vinci no se publicó en su totalidad hasta los siglos XIX y XX. Además de su enorme importancia científica e histórica, también tiene valor artístico debido a su estilo conciso y enérgico y su lenguaje inusualmente claro. Viviendo en el apogeo del humanismo, cuando la lengua italiana se consideraba secundaria en comparación con el latín, Leonardo da Vinci deleitó a sus contemporáneos con la belleza y expresividad de su discurso (según la leyenda, era un buen improvisador), pero no se consideraba un escritor y escribió mientras hablaba; su prosa es, por tanto, un ejemplo del lenguaje coloquial de la intelectualidad del siglo XV, y esto la salvó en general de la artificialidad y elocuencia inherentes a la prosa de los humanistas, aunque en algunos pasajes de los escritos didácticos de Leonardo da Vinci encontramos ecos de El patetismo del estilo humanista.

Incluso en los fragmentos menos “poéticos” por diseño, el estilo de Leonardo da Vinci se distingue por sus vívidas imágenes; Así, su “Tratado de pintura” está dotado de magníficas descripciones (por ejemplo, la famosa descripción del diluvio), sorprendentes por la habilidad de transmisión verbal de imágenes pictóricas y plásticas. Junto con descripciones en las que se puede sentir el estilo de un artista-pintor, Leonardo da Vinci da en sus manuscritos muchos ejemplos de prosa narrativa: fábulas, facetas (historias humorísticas), aforismos, alegorías, profecías. En sus fábulas y facetas, Leonardo se sitúa al nivel de los prosistas del siglo XIV con su moralidad práctica e ingenua; y algunas de sus facetas son indistinguibles de las novelas cortas de Sacchetti.

Las alegorías y profecías son de naturaleza más fantástica: en las primeras, Leonardo da Vinci utiliza las técnicas de las enciclopedias y bestiarios medievales; estos últimos tienen el carácter de acertijos humorísticos, que se distinguen por el brillo y la precisión de la fraseología e imbuidos de una ironía cáustica, casi volteriana, dirigida al famoso predicador Girolamo Savonarola. Finalmente, en los aforismos de Leonardo da Vinci, su filosofía de la naturaleza, sus pensamientos sobre la esencia interna de las cosas se expresan en forma epigramática. La ficción tenía para él un significado puramente utilitario y auxiliar.

Los diarios de Leonardo

Hasta la fecha han sobrevivido unas 7.000 páginas de los diarios de Leonardo, ubicadas en varias colecciones. Al principio, las valiosas notas pertenecían al alumno favorito del maestro, Francesco Melzi, pero cuando murió, los manuscritos desaparecieron. Los fragmentos individuales comenzaron a "emerger" a principios de los siglos XVIII y XIX. Al principio no mostraron suficiente interés. ¡Numerosos propietarios ni siquiera sospechaban el tesoro que había caído en sus manos! Pero cuando los científicos establecieron la autoría, resultó que los libros de granero, los ensayos de historia del arte, los bocetos anatómicos, los dibujos extraños y las investigaciones sobre geología, arquitectura, hidráulica, geometría, fortificaciones militares, filosofía, óptica y técnicas de dibujo eran obra de una persona. Todas las anotaciones en los diarios de Leonardo están hechas en forma de espejo.

Estudiantes

Del taller de Leonardo surgieron estudiantes ("Leonardeschi") como:

• Ambrogio de Predis
• Giampetrino

El renombrado maestro resumió sus muchos años de experiencia en la educación de jóvenes pintores en una serie de recomendaciones prácticas. El estudiante primero debe dominar la perspectiva, examinar las formas de los objetos, luego copiar los dibujos del maestro, dibujar del natural, estudiar las obras de diferentes pintores y solo después comenzar su propia creación. “Aprende a ser diligente antes que a la velocidad”, aconseja Leonardo. El maestro recomienda desarrollar la memoria y especialmente la imaginación, animando a mirar los contornos confusos de la llama y encontrar en ellos formas nuevas y sorprendentes. Leonardo anima al pintor a explorar la naturaleza, para no convertirse en un espejo que refleja los objetos sin tener conocimiento de ellos. La maestra creó “recetas” para imágenes de rostros, figuras, ropa, animales, árboles, cielo, lluvia. Además de los principios estéticos del gran maestro, sus notas contienen sabios consejos mundanos para los artistas jóvenes.

Después de Leonardo

En 1485, después de una terrible epidemia de peste en Milán, Leonardo propuso a las autoridades un proyecto para una ciudad ideal con ciertos parámetros, distribución y sistema de alcantarillado. El duque de Milán, Lodovico Sforza, rechazó el proyecto. Pasaron los siglos y las autoridades de Londres reconocieron el plan de Leonardo como la base perfecta para un mayor desarrollo de la ciudad. En la Noruega moderna existe un puente activo diseñado por Leonardo da Vinci. Las pruebas de paracaídas y alas delta realizadas según los bocetos del maestro confirmaron que sólo la imperfección de los materiales no le permitía surcar los cielos. Con la llegada de la aviación, la mayoría sueño preciado el gran florentino se hizo realidad. En el aeropuerto romano que lleva el nombre de Leonardo da Vinci, se levanta hacia el cielo una gigantesca estatua del científico con un modelo de helicóptero en las manos. “No te vuelvas, el que se dirige hacia la estrella”, escribió el divino Leonardo.

• Leonardo, aparentemente, no dejó ni un solo autorretrato que pudiera atribuirse inequívocamente a él. Los científicos han dudado de que el famoso autorretrato de la sanguínea de Leonardo (tradicionalmente fechado en -1515), que lo representa en su vejez, sea tal. Se cree que quizás se trate simplemente de un estudio de la cabeza del apóstol para la Última Cena. Las dudas sobre si se trata de un autorretrato del artista se han expresado desde el siglo XIX, la última de las cuales ha sido expresada recientemente por uno de los principales expertos en Leonardo, el profesor Pietro Marani.

• Un día, el maestro de Leonardo, Verrocchio, recibió un encargo para el cuadro "El bautismo de Cristo" y le pidió a Leonardo que pintara uno de los dos ángeles. Esta era una práctica común en los talleres de arte de la época: el maestro creaba un cuadro junto con los estudiantes asistentes. A los más talentosos y diligentes se les confió la ejecución de un fragmento completo. Dos ángeles, pintados por Leonardo y Verrochio, demostraron claramente la superioridad del alumno sobre el maestro. Como escribe Vasari, el asombrado Verrocchio abandonó su pincel y nunca volvió a pintar.

• Tocaba la lira con maestría. Cuando el caso de Leonardo fue visto en el tribunal de Milán, él apareció allí precisamente como músico, y no como artista o inventor.

• Leonardo fue el primero en explicar por qué el cielo es azul. En el libro "Sobre la pintura", escribió: "El azul del cielo se debe al espesor de las partículas de aire iluminadas, que se encuentran entre la Tierra y la negrura de arriba".

• Leonardo era ambidiestro: manejaba igualmente bien la mano derecha y la izquierda. Incluso dicen que podía escribir diferentes textos al mismo tiempo. diferentes manos. Sin embargo, escribió la mayoría de sus obras con la mano izquierda y de derecha a izquierda.

• Era vegetariano. Escribió las palabras “Si una persona lucha por la libertad, ¿por qué mantiene pájaros y animales en jaulas? El hombre es verdaderamente el rey de los animales, porque los extermina cruelmente. Vivimos matando a otros. ¡Somos cementerios ambulantes! Dejé la carne a una edad temprana”.

• Leonardo escribió en sus famosos diarios de derecha a izquierda en imagen especular. Mucha gente piensa que de esta manera quería mantener en secreto su investigación. Quizás esto sea cierto. Según otra versión, la escritura en espejo era su característica individual (incluso hay evidencia de que le resultaba más fácil escribir de esta manera que de forma normal); Incluso existe el concepto de “la letra de Leonardo”.

• Los pasatiempos de Leonardo incluían incluso cocinar y el arte de servir. En Milán, durante 13 años fue director de las fiestas de la corte. Inventó varios dispositivos culinarios para facilitar el trabajo de los cocineros. El plato original de Leonardo, carne en rodajas finas guisada con verduras encima, era muy popular en las fiestas de la corte.

Bibliografía

Ensayos

• Ensayos de ciencias naturales y trabajos sobre estética. ().

Sobre él

• Leonardo da Vinci. Obras seleccionadas de ciencias naturales. M. 1955.
• Monumentos del pensamiento estético mundial, vol. I, M. 1962.
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• Leonardo da Vinci: Traité de la peinture, 1910.
• Il Codice di Leonardo da Vinci, en la Biblioteca del príncipe Trivulzio, Milán, 1891.
• Il Codice Atlantico di Leonardo da Vinci, nella Biblioteca Ambrosiana, Milán, 1894-1904.
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• Grothe H., Leonardo da Vinci als Ingenieur und Philosopher, 1880.
• Herzfeld M., Das Traktat von der Malerei. Jena, 1909.
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• Müntz E., Leonardo da Vinci, 1899.
• Péladan, Leonardo da Vinci. Textos elegidos, 1907.
• Richter J. P., Las obras literarias de L. da Vinci, Londres, 1883.
• Ravaisson-Mollien Ch., Los escritos de Leonardo de Vinci, 1881.

Galería

En Europa, desde el Protorrenacimiento, existe la costumbre de poner apodos a los artistas. De hecho, eran análogos de los apodos modernos en Internet y luego se convirtieron en seudónimos creativos bajo los cuales los artistas permanecieron en la historia.

Hoy en día, pocas personas piensan que, por ejemplo, Leonardo da Vinci no tenía ningún apellido, porque era hijo ilegítimo del notario Piero, que vivía en el pueblo de Anchiano, cerca de la ciudad de Vinci. Entonces el nombre completo del genio del Renacimiento es Leonardo di ser Piero da Vinci, que se traduce como “Leonardo hijo del Sr. Piero de la ciudad de Vinci”, abreviado como Leonardo da Vinci. O Tiziano. Su apellido era Vecellio y a menudo se le añadía el prefijo da Cadore, porque el pintor nació en la provincia de Pieve di Cadore. Es cierto que hoy en día la mayoría de los amantes y conocedores de la historia del arte sólo recuerdan el nombre del maestro de la escuela veneciana del Alto y Tardío Renacimiento. Lo mismo se aplica a Miguel Ángel Buanarroti, cuyo nombre completo es Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni ( Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni), o Rafael Santi da Urbino, a quien simplemente llamamos Rafael. Pero estas son sólo abreviaturas, en las que, en general, no hay nada especial; hoy hablaremos de seudónimos de artistas importantes de diferentes períodos del Renacimiento, que son radicalmente diferentes de sus verdaderos nombres.

"El nacimiento de Venus" de Sandro Botticelli

1. Quizás el mejor ejemplo de un apodo que borró por completo el nombre completo y el apellido del artista en la conciencia de las masas sea: Sandro Botticelli. Vale la pena comenzar con el hecho de que Sandro es un nombre abreviado de Alessandro, es decir, es un análogo del nombre ruso Sasha. Pero el verdadero nombre del artista es di Mariano di Vanni Filipepi (di Mariano di Vanni Filipepi). ¿De dónde viene el seudónimo de Botticelli con el que el creador de “El nacimiento de Venus” entró en la historia del arte? Todo aquí es muy interesante. El apodo de Botticelli significa "barril", y proviene de la palabra italiana “botte”. Se burlaron del hermano de Sandro, Giovanni, que era gordo, pero el artista simplemente heredó el apodo de su hermano.

“Venus y Marte” de Sandro Botticelli, se cree que el artista representó a su musa en la imagen de Venus
Simonetta Vespucci y los rasgos de Alessandro se pueden ver en la imagen de Marte.

2. Giotto- también un seudónimo. Al mismo tiempo, desconocemos el nombre real del creador de los frescos de la Capilla de los Scrovegni y de las pinturas de la iglesia superior de San Francisco en Asís. Se conoce el nombre del artista. di Bondone, porque nació en la familia del herrero Bondone, que vivía en la localidad de Vespignano. Pero Giotto es una forma diminuta de dos nombres a la vez: Ambrogio(Ambrogio) y angiolo(Angiolo). Entonces el nombre del artista era Amrogio da Bondone o Angiolo da Bondone; todavía no hay una claridad completa sobre este tema.

3. El Greco en realidad llamado Domenikos Theotokópoulos. El apodo con el que entró en la historia del arte se traduce del español como "griego", lo cual es lógico, ya que Domenicos nació en Creta, comenzó su carrera creativa en Venecia y Roma, pero su nombre está más asociado con el español Toledo. donde el artista trabajó hasta su muerte. Aunque Domenikos, hasta el final de sus días, firmaba sus propias obras exclusivamente con su nombre real Δομήνικος Θεοτοκόπουλος, el apodo que se le quedó grabado El Greco de nada no despectivo. Al contrario, es incluso honorable, porque su correcta traducción al ruso "ese mismo griego", y no algún oscuro personaje de Grecia. La cosa es que el prefijo el- artículo definido en Español. A modo de comparación, por ejemplo, en Padua, la ciudad patrocinada por Antonio de Padua, a San Antonio a menudo se le llama Il Santo (el artículo italiano Il es análogo al español El), que significa "ese mismo santo amado".

"Retrato de un anciano", El Greco

4. Andrea Palladio- el único arquitecto cuyo nombre lleva el nombre del movimiento arquitectónico "paladianismo", esta tesis se puede leer en cualquier libro de referencia sobre historia del arte. Y no es del todo correcto, porque Palladio es un seudónimo que hace referencia a la antigua diosa de la sabiduría Palas Atenea, o más precisamente, a su estatua, que, según la antigua leyenda griega, cayó del cielo y protegía a Atenas. El verdadero nombre del arquitecto. Góndola Andrea di Pietro della(Andrea di Pietro della Gondolla), que significa "Andrea hijo de Pietro della Gondolla", y el padre de Palladio era un simple molinero. Por cierto, a Andrea no se le ocurrió la idea de cambiar el modesto apellido “della Gondola” por el sonoro “Palladio”. La idea le fue sugerida por el poeta y dramaturgo italiano Gian Giorgio Trissino, de la ciudad de Vicenza, donde posteriormente trabajó el arquitecto. Trissino fue el primero en reconocer el potencial del joven y al principio lo mimó de todas las formas posibles. camino creativo, es decir, como dicen ahora, asumió el papel de productor.

En la foto: estatuas en lo alto de la Basílica Palladiana y los tejados de Vicenza.

5. A veces, para comprender exactamente qué familia rica patrocinaba al artista, basta con mirar su seudónimo. Ejemplo de conversación - Correggio. El verdadero nombre del creador de las pinturas "Júpiter e Ío" y "Dánae", profundamente eróticas según los estándares del Alto Renacimiento, es Antonio Allegri(Antonio Allegri), por cierto, esto se puede traducir al ruso como “Anton Veselov”.

"Dánae" Correggio

Según una versión, recibió su apodo gracias a la condesa Correggio Veronica Gambara, a quien Antonio capturó en el cuadro "Retrato de una dama", que se encuentra en la colección del Hermitage. El caso es que fue ella quien recomendó al artista al duque de Mantua, tras lo cual la carrera del pintor empezó a despegar. Según otra versión, Andrea recibió su apodo de la ciudad de Correggio, donde trabajaba activamente. Sin embargo, si recordamos que el nombre de esta localidad es en realidad simplemente el apellido de la misma influyente familia feudal Correggio, que también gobernaba la vecina Parma, donde también trabajaba Andrea, la contradicción desaparece.

Retrato de Verónica Gambara de Correggio

6. De un pintor italiano Rosso Fiorentino(Rosso Fiorentino), que trabajó no solo en su tierra natal, sino también en Francia, el apodo es "florentino pelirrojo", ni más ni menos. El verdadero nombre del pintor. Giovan Battista di Jacopo(Giovan Battista di Jacopo) no fue recordado por la mayoría de sus contemporáneos. Pero el color de pelo rojo es tal cosa. Obliga.

CAPÍTULO PRIMERO. EL CÓDIGO SECRETO DE LEONARDO DA VINCI

Allí se encuentra una de las obras de arte más famosas e inmortales del mundo. El fresco de la Última Cena de Leonardo da Vinci es la única pintura que se conserva en el refectorio del monasterio de Santa María del Grazia. Está realizado sobre un muro que permaneció en pie después de que todo el edificio quedara reducido a escombros como consecuencia de los bombardeos aliados durante la Segunda Guerra Mundial. Aunque otros han presentado al mundo sus versiones de esta escena bíblica artistas maravillosos- Nicolas Poussin e incluso un autor tan peculiar como Salvador Dalí - es la creación de Leonardo la que, por alguna razón, sorprende a la imaginación más que cualquier otra pintura. Se pueden ver variaciones sobre este tema en todas partes y cubren todo el espectro de actitudes hacia el tema: desde la admiración hasta el ridículo.

A veces, una imagen parece tan familiar que prácticamente no se examina en detalle, aunque está abierta a la mirada de cualquier espectador y requiere una consideración más cuidadosa: su verdadero y profundo significado sigue siendo un libro cerrado, y el espectador solo mira su portada.

Fue esta obra de Leonardo da Vinci (1452-1519), el genio sufriente de la Italia del Renacimiento, la que nos mostró el camino que condujo a descubrimientos tan apasionantes por sus consecuencias que al principio parecieron increíbles. Es imposible entender por qué generaciones enteras de científicos no se dieron cuenta de lo que estaba disponible ante nuestra mirada asombrada, por qué información tan explosiva esperó pacientemente todo este tiempo por escritores como nosotros, permaneció fuera de la corriente principal de la investigación histórica o religiosa y no fue descubierta.

Para ser coherentes, debemos volver a la Última Cena y mirarla con ojos nuevos e imparciales. Este no es el momento de considerarlo a la luz de ideas familiares sobre la historia y el arte. Ahora ha llegado el momento en que la visión de una persona que no está familiarizada en absoluto con esta escena tan famosa será más apropiada: dejemos caer el velo de la parcialidad de nuestros ojos, permitámonos mirar la imagen de una manera nueva.

La figura central, por supuesto, es Jesús, a quien Leonardo, en sus notas relativas a esta obra, llama el Salvador. Mira pensativamente hacia abajo y ligeramente hacia su izquierda, con las manos extendidas sobre la mesa frente a él, como si ofreciera al espectador los regalos de la Última Cena. Dado que fue entonces, según el Nuevo Testamento, cuando Jesús introdujo el sacramento de la Comunión, ofreciendo pan y vino a los discípulos como su “carne” y su “sangre”, el espectador tiene derecho a esperar que haya una copa o copa de vino en la mesa frente a él para que el gesto parezca justificado. En definitiva, para los cristianos, esta cena precede inmediatamente a la pasión de Cristo en el Huerto de Getsemaní, donde ora fervientemente “pasa de mí esta copa...” - otra asociación con la imagen del vino - sangre - y también de la sangre santa. derramada ante la Crucifixión para la expiación de los pecados de toda la humanidad. Sin embargo, no hay vino delante de Jesús (y ni siquiera una cantidad simbólica en toda la mesa). ¿Estos brazos extendidos podrían significar lo que en el vocabulario de los artistas se llama un gesto vacío?

Dada la ausencia de vino, tal vez no sea casualidad que de todo el pan que hay en la mesa, muy pocos estén “partidos”. Puesto que Jesús mismo asoció con su carne el pan que debía partirse en el sacramento supremo, ¿se nos envía una sutil indicación de la verdadera naturaleza del sufrimiento de Jesús?

Sin embargo, todo esto es sólo la punta del iceberg de la herejía reflejada en esta imagen. Según el Evangelio, el apóstol Juan el Teólogo estuvo físicamente tan cerca de Jesús durante esta Cena que se apoyó “contra su pecho”. Sin embargo, en Leonardo este joven ocupa una posición completamente diferente a la que exigen las “instrucciones escénicas” del Evangelio, pero, por el contrario, se desvía exageradamente del Salvador, inclinando la cabeza en lado derecho. Se puede perdonar a un espectador imparcial si sólo nota estos rasgos curiosos en relación con una sola imagen: la imagen del apóstol Juan. Pero, aunque el artista, por sus propias preferencias, se inclinaba, por supuesto, por el ideal de la belleza masculina de un tipo algo femenino, no puede haber otras interpretaciones: en este momento estamos mirando a una mujer. Todo en él es sorprendentemente femenino. No importa cuán vieja y descolorida pueda estar la imagen debido a la antigüedad del fresco, uno no puede evitar notar las manos pequeñas y elegantes, los rasgos faciales delicados, los senos claramente femeninos y un collar de oro. Se trata de una mujer, precisamente una mujer, que está marcada por un atuendo que la distingue especialmente. La ropa que usa representa reflejo de espejo ropa del Salvador: si él viste una túnica azul y un manto rojo, entonces ella viste una túnica roja y un manto azul. Nadie en la mesa usa ropa que sea un reflejo de la ropa de Jesús. Y no hay otras mujeres en la mesa.

Lo central de la composición es un enorme, ensanchado la letra “M”, que está formada por las figuras de Jesús y esta mujer juntas. Parecen estar literalmente conectados a la altura de las caderas, pero sufren porque divergen o incluso crecen desde un punto en diferentes direcciones. Hasta donde sabemos, ninguno de los académicos se refirió a esta imagen excepto "San Juan" y tampoco notaron la forma compositiva en forma de la letra "M". Leonardo, como hemos podido comprobar en nuestra investigación, era un magnífico psicólogo que se reía al presentar a sus mecenas, quienes le encargaban una imagen bíblica tradicional, imágenes muy poco ortodoxas, sabiendo que la gente miraría con calma e imperturbabilidad la herejía más monstruosa, ya que normalmente solo ven lo que quieren ver. Si te han pedido que escribas una escena cristiana y has presentado al público algo que a primera vista es similar y responde a sus deseos, la gente nunca buscará un simbolismo ambiguo.

Al mismo tiempo, Leonardo tenía la esperanza de que tal vez hubiera otros que compartieran su inusual interpretación del Nuevo Testamento y reconocieran un simbolismo secreto en la pintura. O alguien algún día, algún observador objetivo, algún día comprenderá la imagen de la misteriosa mujer asociada con la letra "M" y hará preguntas que obviamente se derivan de esto. ¿Quién era esta “M” y por qué es tan importante? ¿Por qué Leonardo arriesgó su reputación (incluso su vida, en aquellos días en que los herejes ardían en la hoguera por todas partes) para incluirla en un escenario cristiano fundamental? Sea quien sea, su destino no puede dejar de causar alarma cuando la mano extendida le corta el cuello elegantemente arqueado. No se puede dudar de la amenaza contenida en este gesto.

El dedo índice de la otra mano, levantado justo delante del rostro del Salvador, lo amenaza con evidente pasión. Pero tanto Jesús como “M” parecen personas que no notan la amenaza, cada uno de ellos está completamente inmerso en el mundo de sus pensamientos, cada uno a su manera está sereno y tranquilo. Pero en conjunto parece como si los símbolos secretos se usaran no sólo para advertir a Jesús y a la mujer sentada a su lado. mujer(?), pero también para informar (y tal vez recordar) al observador sobre alguna información que sería peligroso revelar de cualquier otra manera. ¿Utilizó Leonardo su creación para promulgar algunas creencias especiales que sería simplemente una locura proclamar de la manera habitual? ¿Y podrían estas creencias ser un mensaje dirigido a un círculo mucho más amplio, y no sólo a su círculo íntimo? ¿Quizás estaban destinados a nosotros, a la gente de nuestro tiempo?

Volvamos a mirar esta increíble creación. En el fresco de la derecha, desde el punto de vista del observador, un hombre alto y barbudo está casi doblado en dos, diciéndole algo a un estudiante sentado al borde de la mesa. Al mismo tiempo, le dio casi por completo la espalda al Salvador. El modelo para la imagen de este discípulo, San Tadeo o San Judas, fue el propio Leonardo. Tenga en cuenta que las imágenes de artistas del Renacimiento generalmente fueron accidentales o se tomaron cuando el artista era un hermoso modelo. EN en este caso Estamos ante un ejemplo del uso de una imagen por parte de un seguidor. doble sentido(doble sentido). (Estaba preocupado por encontrar el modelo adecuado para cada uno de los apóstoles, como puede verse en su oferta rebelde al más airado prior de Santa María de servir como modelo a Judas). Entonces, ¿por qué Leonardo se retrató a sí mismo como tan claramente? ¿Darle la espalda a Jesús?

Además. Una mano inusual apunta con una daga al estómago de un estudiante sentado a sólo una persona de "M". Esta mano no puede pertenecer a nadie sentado a la mesa, ya que tal curvatura es físicamente imposible para las personas al lado de la imagen de la mano sostener la daga en esta posición. Sin embargo, lo realmente llamativo no es el hecho mismo de la existencia de una mano que no pertenece al cuerpo, sino la ausencia de mención alguna de ella en las obras sobre Leonardo que hemos leído: aunque esta mano se menciona en un par de obras, los autores no encuentran nada inusual en ellas. Como en el caso del apóstol Juan, que parece una mujer, nada podría ser más obvio -y nada más extraño- una vez que se presta atención a esta circunstancia. Pero la mayoría de las veces esta irregularidad escapa a la atención del observador simplemente porque es un hecho extraordinario e indignante.

A menudo escuchamos que Leonardo era un cristiano devoto cuyas pinturas religiosas reflejan la profundidad de su fe. Como podemos ver, al menos una de las pinturas contiene imágenes muy cuestionables desde el punto de vista de un cristiano ortodoxo. Nuestras investigaciones posteriores, como mostraremos, han establecido que nada podría estar tan lejos de la verdad como la idea de que Leonardo era un verdadero creyente - por implicación, un creyente según los cánones de la forma de cristianismo generalmente aceptada o al menos aceptable. . Ya por los curiosos rasgos anómalos de una de sus creaciones vemos que intentaba hablarnos de otra capa. significados en una escena bíblica familiar, sobre otro mundo de fe escondido en las imágenes convencionales de las pinturas murales de Milán.

Cualquiera que fuera el significado de estas irregularidades heréticas -y la importancia de este hecho no puede exagerarse- eran absolutamente incompatibles con los dogmas ortodoxos del cristianismo. Es poco probable que esto en sí mismo sea una novedad para muchos materialistas/racionalistas modernos, ya que para ellos Leonardo fue el primer científico verdadero, un hombre que no tenía tiempo para supersticiones, un hombre que era la antítesis de todo misticismo y ocultismo. Pero tampoco podían entender lo que apareció ante sus ojos. Representar la Última Cena sin vino equivale a representar una escena de coronación sin corona: el resultado es una tontería o la imagen está llena de otro contenido, y hasta tal punto que representa al autor como un hereje absoluto, una persona que tiene fe, pero una fe que contradice los dogmas del cristianismo. Quizás no sólo diferentes, sino en estado de lucha con los dogmas del cristianismo. Y en otras obras de Leonardo encontramos sus propias predilecciones heréticas peculiares, expresadas en escenas relevantes cuidadosamente elaboradas, que difícilmente habría escrito exactamente de la misma manera, siendo simplemente un ateo que se ganaba la vida. Hay demasiadas de estas desviaciones y símbolos para interpretarlos como la burla de un escéptico obligado a trabajar según una orden, ni tampoco pueden llamarse simplemente payasadas, como, por ejemplo, la imagen de San Pedro con la nariz roja. . Lo que vemos en la Última Cena y otras obras es el código secreto de Leonardo da Vinci, que creemos que tiene una conexión sorprendente con nuestro mundo moderno.

Se puede discutir lo que Leonardo creía o no creía, pero sus acciones no fueron sólo el capricho de un hombre, sin duda extraordinario, cuya vida entera estuvo llena de paradojas. Era reservado, pero al mismo tiempo alma y vida de la sociedad; despreciaba a los adivinos, pero sus documentos indican grandes sumas pagadas a los astrólogos; se le consideraba vegetariano y sentía un tierno amor por los animales, pero su ternura rara vez se extendía a la humanidad; diseccionaba celosamente cadáveres y observaba ejecuciones con ojos de anatomista, era un pensador profundo y un maestro de acertijos, trucos y engaños.

Con un mundo interior tan contradictorio, es probable que las opiniones religiosas y filosóficas de Leonardo fueran inusuales, incluso extrañas. Sólo por esta razón existe la tentación de ignorarlo. creencias heréticas como algo que no tiene significado para nuestra modernidad. En general, se acepta que Leonardo era un hombre extremadamente talentoso, pero la tendencia moderna a evaluar todo en términos de "época" conduce a una subestimación significativa de sus logros. Al fin y al cabo, en la época en la que se encontraba en el apogeo de su capacidad creativa, incluso la imprenta era una novedad. ¿Qué puede ofrecer un inventor solitario, que vive en tiempos tan primitivos, a un mundo que nada en un océano de información a través de la red global, a un mundo que, en cuestión de segundos, intercambia información por teléfono y fax con continentes que antes ¿aún no descubierto en su época?

Hay dos respuestas a esta pregunta. Primero: Leonardo no fue, usemos la paradoja, un genio común y corriente. La mayoría de las personas educadas saben que diseñó una máquina voladora y un tanque primitivo, pero al mismo tiempo algunos de sus inventos eran tan inusuales para la época en que vivió que las personas con una mentalidad excéntrica pueden imaginar que se le dio el poder. para prever el futuro. El diseño de su bicicleta, por ejemplo, no se conoció hasta finales de los años sesenta del siglo XX. A diferencia de la dolorosa evolución de prueba y error que experimentó la bicicleta victoriana, El devorador de carreteras de Leonardo da Vinci, que ya está en la primera edición, tiene dos ruedas y una transmisión por cadena. Pero lo que es aún más sorprendente no es el diseño del mecanismo, sino la cuestión de las razones que impulsaron la invención de la rueda. El hombre siempre ha querido volar como un pájaro, pero el sueño de mantener el equilibrio sobre dos ruedas y pisar los pedales, teniendo en cuenta el deplorable estado de las carreteras, ya huele a misticismo. (Recordemos, dicho sea de paso, que a diferencia del sueño de volar, este no aparece en ningún relato clásico.) Entre muchas otras afirmaciones sobre el futuro, Leonardo también predijo la aparición del teléfono.

Incluso si Leonardo fuera un genio aún mayor de lo que dicen los libros de historia, la pregunta sigue sin respuesta: ¿qué conocimiento posible podría haber poseído si lo que propuso tuviera sentido o se generalizara sólo cinco siglos después de su época? Por supuesto, se puede argumentar que las enseñanzas de un predicador del siglo I parecerían tener aún menos relevancia para nuestro tiempo, pero el hecho indiscutible permanece: algunas ideas son universales y eternas, la verdad, encontrada o formulada, no no deja de ser cierta tras el paso de los siglos.

Pero lo primero que nos atrajo de Leonardo no fue su filosofía, explícita u oculta, ni su arte. Hemos investigado exhaustivamente todo lo relacionado con Leonardo, debido a su creación más paradójica, cuya gloria es incomprensiblemente grande, pero el conocimiento es prácticamente inexistente. Como se detalla en nuestro último libro, descubrimos que él era el maestro que fabricado La Sábana Santa de Turín, reliquia en la que se conservó milagrosamente el rostro de Cristo en el momento de su muerte. En 1988, el método del radioisótopo demostró, excepto para un puñado de creyentes fanáticos, que este objeto era un artefacto de finales de la Edad Media o principios del Renacimiento. Para nosotros, la Sábana Santa siguió siendo una obra de arte verdaderamente notable. La cuestión de quién era este farsante era de gran interés, ya que sólo un genio podía crear esta asombrosa reliquia.

Todos, tanto los que creen en la autenticidad de la Sábana Santa como los que no están de acuerdo con ella, reconocen que tiene todas las características inherentes a la fotografía. La reliquia se caracteriza por un curioso "efecto negativo", lo que significa que la imagen a simple vista parece una quemadura borrosa del material, pero es visible con absoluta claridad en el negativo fotográfico. Dado que tales características no pueden ser el resultado de ninguna técnica pictórica conocida ni de ningún otro método de representación de la imagen, los partidarios de la autenticidad de la reliquia (aquellos que creen que se trata de la Sábana Santa de Jesús) las consideran una prueba de la naturaleza milagrosa de la imagen. Sin embargo, hemos establecido que la Sábana Santa de Turín exhibe propiedades fotográficas porque es una impresión fotográfica.

Por increíble que pueda parecer este hecho a primera vista, la Sábana Santa de Turín es una fotografía. Los autores de este libro, junto con Kate Prince, han recreado lo que creen que era la tecnología original. Los autores de este libro fueron los primeros en reproducir los rasgos inexplicables de la Sábana Santa de Turín. Conseguimos una cámara oscura (una cámara con un orificio sin lente), telas tratadas con productos químicos disponibles en el siglo XV e iluminación brillante. Sin embargo, el objeto de nuestro experimento fue un busto de yeso de una niña, que, desafortunadamente, está a años luz del primer modelo, a pesar de que el rostro del sudario no es el rostro de Jesús, como se ha dicho repetidamente. proclamó, sino el rostro del propio farsante. En breve, La Sábana Santa de Turín, entre otras cosas, contiene una fotografía de hace quinientos años nada menos que del propio Leonardo da Vinci. A pesar de algunas curiosas afirmaciones en sentido contrario, un cristiano devoto no podría realizar tal trabajo. La imagen de la Sábana Santa de Turín, vista desde un negativo fotográfico, representa claramente el cuerpo destrozado y ensangrentado de Jesús.

Su sangre, debemos recordar, no es sangre ordinaria, pero para los cristianos es sangre divina y santa, a través de la cual el mundo ha encontrado la redención. Según nuestros conceptos, falsificar sangre y ser un verdadero creyente son conceptos incompatibles, además, una persona que tiene al menos un poco de respeto por la persona de Jesús no puede hacer pasar su propio rostro por su rostro. Leonardo hizo ambas cosas con maestría y, sospechamos, no sin cierto placer secreto. Por supuesto, lo sabía, no podía evitar saber que muchos peregrinos rezarían a la imagen de Jesús en la Sábana Santa, ya que nadie se da cuenta de que se trata de una imagen del propio artista florentino, durante la vida del artista. Hasta donde sabemos, pasó tiempo en las sombras, observando a la gente orar frente a la reliquia, y esto es completamente consistente con lo que sabemos sobre su personaje. ¿Pero se dio cuenta de cuántas innumerables personas se santiguarían ante su imagen a lo largo de los siglos? ¿Podía imaginar que en algún momento del futuro la gente se convertiría al dogma católico sólo por ver ese hermoso y atormentado rostro? ¿Podría haber previsto que en el mundo de la cultura occidental el concepto de cómo era Jesús estaría influenciado por la imagen de la Sábana Santa de Turín? ¿Se dio cuenta de que un día millones de personas de todo el mundo adorarían al Señor en la forma de un hereje homosexual del siglo XV, que un hombre ¿Se convertirá Leonardo da Vinci en una representación literal de Jesucristo? Creemos que la Sábana Santa fue el engaño más cínico y exitoso jamás perpetrado en la historia de la humanidad.

Pero a pesar de que millones de personas fueron engañadas, es más que un himno al arte de la broma de mal gusto. Creemos que Leonardo aprovechó la oportunidad para crear la reliquia cristiana más venerada como un medio para lograr dos objetivos: transmitir a la posteridad la tecnología que inventó y las opiniones heréticas codificadas. Era extremadamente peligroso -y los acontecimientos lo confirman- hacer pública la tecnología de la fotografía primitiva en aquella época de superstición y fanatismo religioso. Pero no hay duda de que a Leonardo le divertía el hecho de que su imagen fuera cuidada por el mismo clero al que tanto despreciaba. Por supuesto, esta ironía de la situación podría ser puramente accidental, un simple capricho del destino en una trama que ya era bastante entretenida, pero para nosotros parece otra prueba de la pasión de Leonardo por el control total de la situación, extendiéndose mucho más allá de los límites. de su propia vida.

Además de que la Sábana Santa de Turín es una falsificación y una obra de genio, también contiene ciertos símbolos característicos de las predilecciones de Leonardo, que se encuentran en otras obras suyas reconocidas. Por ejemplo, en la base del cuello del hombre representado en la Sábana Santa, hay una clara línea divisoria. En la imagen completamente convertida a " mapa de contorno"Utilizando tecnología informática sofisticada, vemos que esta línea marca la parte inferior de la cabeza frontal, seguida por un campo oscuro debajo hasta que aparece la parte superior del pecho. Nos parece que hubo dos razones para esto. Uno de ellos es puramente práctico, ya que la representación es compuesta: el cuerpo es en realidad un hombre crucificado y el rostro del propio Leonardo, por lo que la línea podría resultar un elemento necesario que indica el lugar de "conexión" de las dos partes. . Sin embargo, el falsificador no era un simple artesano y podía deshacerse fácilmente de la traicionera línea divisoria. ¿Pero Leonardo realmente quería deshacerse de ella? ¿Quizás lo dejó intencionalmente para el espectador, según el principio “el que tiene ojos, que vea”?

¿Qué posible mensaje herético podría contener la Sábana Santa de Turín, incluso en forma codificada? ¿Existe un límite en el número de símbolos que pueden codificarse en una imagen de un hombre crucificado desnudo, una imagen que ha sido minuciosamente analizada por muchos de los mejores científicos utilizando todo el equipo a su disposición? Volveremos a este tema más adelante, pero por ahora déjenos entrever que la respuesta a estas preguntas se puede encontrar si se echa un vistazo fresco e imparcial a dos características principales de la visualización. El primer rasgo: la abundancia de sangre, que da la impresión de correr por las manos de Jesús, lo que puede parecer contradecir el rasgo de la Última Cena, es decir, el símbolo expresado por la ausencia de vino en la mesa. De hecho, uno sólo confirma al otro. Segundo rasgo: una clara línea divisoria entre cabeza y cuerpo, como si Leonardo estuviera llamando nuestra atención sobre la decapitación... Hasta donde sabemos, Jesús no fue decapitado, y la imagen es compuesta, lo que significa que estamos invitados a mirar el imagen como dos imágenes separadas, que por alguna razón están estrechamente relacionadas. Pero, incluso si esto es así, ¿por qué entonces se coloca a alguien decapitado encima de alguien que fue crucificado?

Como verá, esta alusión a la cabeza cortada en la Sábana Santa de Turín es una amplificación del simbolismo que se encuentra en muchas de las otras obras de Leonardo. Ya hemos señalado que los jóvenes mujer“M” en el fresco de la Última Cena está claramente amenazada por una mano, como si le cortara el elegante cuello, mientras en el rostro del mismo Jesús se levanta amenazadoramente un dedo: una clara advertencia, o tal vez un recordatorio, o ambas cosas. En las obras de Leonardo, el dedo índice levantado siempre, en todos los casos, está directamente asociado con Juan Bautista.

Este santo profeta, precursor de Jesús, que declaró al mundo "he aquí el cordero de Dios", cuyas sandalias no es digno de desatar, fue de gran importancia para Leonardo, como lo demuestran sus numerosas imágenes en todas las obras del artista. obras supervivientes. Este sesgo en sí mismo es un hecho curioso para una persona que creía en los racionalistas modernos que afirman que Leonardo no tuvo suficiente tiempo para la religión. Una persona para quien todos los caracteres y tradiciones del cristianismo no fueran nada difícilmente dedicaría tanto tiempo y esfuerzo a un solo santo en la medida en que se dedicó a Juan el Bautista. Una y otra vez, Juan domina la vida de Leonardo, tanto a nivel consciente en sus obras como a nivel subconsciente, expresado a través de las numerosas coincidencias que lo rodean.

Parece como si el Bautista lo siguiera a todas partes. Por ejemplo, su amada Florencia está considerada bajo el patrocinio de este santo, al igual que la Catedral de Turín, donde se encuentra la Sábana Santa, que él falsificó. Su último cuadro, que junto a la Mona Lisa estuvo en su habitación en las últimas horas antes de su muerte, fue una imagen de Juan Bautista. Su única escultura que se conserva (realizada junto con Giovanni Francesco Rustici, un famoso ocultista) es también la del Bautista. Ahora se encuentra encima de la entrada del Baptisterio de Florencia, elevándose por encima de las cabezas de las multitudes de turistas y representa, lamentablemente, un lugar cómodo para las palomas indiferentes a los santuarios. El dedo índice levantado, lo que llamamos el "gesto de Juan", aparece en el cuadro de Rafael "La escuela de Atenas" (1509). El venerable Platón repite este gesto, pero en circunstancias que no están relacionadas con alusiones misteriosas, como el lector puede imaginar. De hecho, el modelo de Platón no era otro que el propio Leonardo, y este gesto obviamente no solo era característico de él, sino que también tenía un significado profundo (como, presumiblemente, para Rafael y otras personas de este círculo).

Si cree que estamos poniendo demasiado énfasis en lo que hemos llamado el "gesto de Johnn", veamos otros ejemplos en la obra de Leonardo. El gesto aparece en varios de sus cuadros y, como ya hemos dicho, siempre significa lo mismo. En su cuadro inacabado La Adoración de los Magos (comenzado en 1481), un testigo anónimo repite este gesto cerca de la colina en la que se encuentra el algarrobaárbol. Muchos apenas notan esta figura, ya que su atención se centra en lo principal, en su opinión, de la imagen: la adoración de los Reyes Magos a la Sagrada Familia. La bella y soñadora Virgen con el Niño Jesús en su regazo está representada como en la sombra. Los Reyes Magos están de rodillas ofreciendo regalos al niño, y al fondo hay una multitud de personas que han acudido a adorar a la madre y al bebé. Pero, como en el caso de La Última Cena, esta obra es cristiana sólo a primera vista y merece un estudio detenido.

Los fieles en primer plano no son precisamente modelos de salud y belleza. Los Reyes Magos están tan exhaustos que parecen casi cadáveres. Las manos extendidas no dan la impresión de un gesto de admiración; más bien parecen sombras que se acercan a una madre y a su hijo en una pesadilla. Los Reyes Magos extienden sus dones, pero sólo quedan dos de los tres canónicos. Se dan incienso y mirra, pero no oro. En la época de Leonardo, el regalo de oro simbolizaba no sólo la riqueza, sino también el parentesco; aquí a Jesús se le negó. Si miras al fondo, detrás de la Virgen Bella y los Reyes Magos, puedes ver una segunda multitud de fieles. Se ven más sanos y fuertes, pero si se sigue hacia dónde se dirige su mirada, resulta evidente que no están mirando a la Virgen y el Niño, sino a las raíces del algarrobo, cerca del cual uno de ellos levantó la mano en el “ gesto de Juan”. Y el algarrobo se asocia tradicionalmente con, ¿quién lo creería?, Juan Bautista... El joven en la esquina inferior derecha de la imagen deliberadamente se alejó de la Sagrada Familia. Según la creencia popular, se trata del propio Leonardo da Vinci. Un argumento tradicional bastante débil que rechazó, considerándose indigno del honor de contemplar Sagrada Familia, no resiste las críticas, ya que era bien sabido que Leonardo no favorecía especialmente a la iglesia. Además, a imagen del apóstol Tadeo, se alejó por completo del Salvador, enfatizando así las emociones negativas que asociaba con las figuras centrales de la historia cristiana. Además, dado que Leonardo no era la encarnación de la piedad o la humildad, es poco probable que tal reacción fuera resultado de un complejo de inferioridad o de servilismo.

Pasemos al maravilloso y memorable cuadro “La Virgen con el Niño y Santa Ana” (1501), que es la perla de la Galería Nacional de Londres. Aquí volvemos a encontrar elementos que, aunque rara vez sucede, deberían perturbar al observador con su significado subyacente. El dibujo representa a la Virgen con el Niño, Santa Ana (su madre) y Juan Bautista. El Niño Jesús aparentemente bendice a su “primo” Juan, quien instintivamente mira hacia arriba, mientras Santa Ana, de cerca, mira fijamente el rostro indiferente de su hija y hace el “gesto de Juan” con una mano sorprendentemente grande y masculina. Sin embargo, este dedo índice levantado está colocado directamente encima de la pequeña mano de Jesús que da la bendición, sombreándola tanto literal como metafóricamente. Y aunque la postura de la Virgen parece muy incómoda (se sienta casi de lado), en realidad la postura del Niño Jesús parece muy extraña.

La Virgen lo sostiene como si estuviera a punto de empujarlo hacia adelante para darle una bendición, como si lo hubiera traído al cuadro para hacerlo, pero lo sostiene en su regazo con dificultad. Mientras tanto, Juan descansa serenamente en el regazo de Santa Ana, como si el honor que se le ha concedido no le molestara. ¿Podría ser que la propia madre de Madonna le recordara cierto secreto relacionado con John? Como se indica en la explicación adjunta de la Galería Nacional, algunos expertos, desconcertados por la juventud de Santa Ana y la presencia anómala de Juan Bautista, han sugerido que la pintura en realidad representa a la Virgen y su prima Isabel. madre de Juan. Esta interpretación parece plausible y, si se acepta, el argumento se vuelve aún más fuerte. La misma evidente inversión de los papeles de Jesús y Juan Bautista se puede ver en una de las dos versiones del cuadro de Leonardo da Vinci “La Virgen de las Rocas”. Los historiadores del arte nunca han dado una explicación satisfactoria de por qué el cuadro fue pintado en dos versiones, una de las cuales se encuentra en la Galería Nacional de Londres y la segunda, para nosotros la más interesante, en el Louvre.

El pedido original fue realizado por la Orden. Inmaculada Concepción, y la pintura se convertiría en la pieza central de un tríptico en el altar de su capilla en San Francesco Grande en Milán. (Las otras dos pinturas del tríptico fueron encargadas a otros artistas). El contrato, fechado el 25 de abril de 1483, sobrevive hoy y contiene detalles interesantes sobre cómo debería ser la pintura y qué Orden la recibió. Las dimensiones se discutieron escrupulosamente en el contrato, ya que el marco del tríptico ya estaba hecho. Resulta extraño que las dimensiones se mantengan en ambas versiones, aunque se desconoce por qué pintó dos cuadros. Sin embargo, podemos especular sobre diferentes interpretaciones de la trama que poco tienen que ver con la búsqueda de la perfección, y el autor era consciente de su potencial explosivo.

El contrato también especificaba el tema de la película. Era necesario escribir un acontecimiento que no se menciona en los Evangelios, pero que es ampliamente conocido por las leyendas cristianas. Según la leyenda, José, María y el niño Jesús se refugiaron en una cueva durante su huida a Egipto, donde conocieron al niño Juan Bautista, que estaba custodiado por el arcángel Gabriel. El valor de esta leyenda es que nos permite dejar de lado una de las preguntas bastante obvias pero inconvenientes sobre historia del evangelio sobre el bautismo de Jesús. ¿Por qué Jesús, inicialmente sin pecado, de repente necesitó el bautismo, dado que el ritual es un lavado simbólico de los pecados y una declaración de compromiso con la divinidad? ¿Por qué el Hijo de Dios debería pasar por un procedimiento que representa un acto de la autoridad del Bautista?

La leyenda dice que en este notable encuentro de los dos santos niños, Jesús le dio a su primo Juan el derecho de bautizarlo cuando fueran adultos. Hay muchas razones por las que puede resultar irónico que la Orden diera la orden a Leonardo, pero igualmente hay razones para sospechar que Leonardo estaba bastante satisfecho con el encargo y que la interpretación de la escena, en al menos una versión, era claramente suya. propio.

En el espíritu de la época y de acuerdo con sus gustos, a los miembros de la hermandad les gustaría ver un lienzo lujoso, ricamente decorado con un adorno de hojas doradas con muchos querubines y profetas del Antiguo Testamento que debían llenar el espacio. . Al final obtuvieron algo tan radicalmente diferente de su visión que la relación entre la Orden y el artista no sólo se deterioró, sino que se volvió hostil, culminando en una batalla legal que se prolongó durante más de veinte años.

Leonardo optó por representar la escena de la manera más realista posible, sin incluir un solo personaje extraño: no había querubines regordetes ni profetas en forma de sombras que proclamaran destinos futuros. En la película el número de personajes se redujo al mínimo, quizá incluso en exceso. Aunque se supone que representa a la Sagrada Familia durante su huida a Egipto, José no está en la pintura.

La pintura del Louvre, una versión anterior, muestra a la Virgen con una túnica azul, con el brazo alrededor de su hijo, protegiéndolo, y a otro niño junto al arcángel Gabriel. Es curioso que los niños se parezcan, pero aún más extraño es el niño con el ángel bendiciendo y el niño de María, que se arrodilló en señal de humildad. Al respecto, algunas versiones sugerían que Leonardo, por alguna razón, colocó al bebé Juan junto a María. En última instancia, la pintura no indica qué niño es Jesús, pero por supuesto el derecho a dar la bendición debe pertenecer a Jesús. Sin embargo, la pintura se puede interpretar de otra manera, y esta interpretación no sólo sugiere la presencia de mensajes ocultos y muy poco ortodoxos, sino que refuerza los códigos utilizados en otras obras de Leonardo. Quizás el parecido entre los dos niños se deba al hecho de que Leonardo los hizo así deliberadamente para sus propios fines. Y además, mientras María protege con su mano izquierda al niño, que se cree que es Juan, su mano derecha está extendida sobre la cabeza de Jesús de tal manera que este gesto parece un gesto abiertamente hostil. Es esta mano la que Serge Bramley describe en su biografía de Leonardo publicada recientemente como “que recuerda a las garras de un águila”. Gabriel señala al hijo de María, pero también mira misteriosamente al observador, es decir, claramente no a la Virgen y su bebé. Quizás sea más fácil interpretar este gesto como una referencia al Mesías, pero hay otro posible significado en esta parte de la composición.

¿Qué pasa si el bebé con María en la versión del cuadro "La Virgen de las Rocas" conservado en el Louvre es Jesús - una suposición muy lógica - y el bebé con Gabriel es Juan? Recuerde que en este caso Juan bendice a Jesús y se inclina ante su autoridad. Gabriel, que actúa como defensor de Juan, ni siquiera mira a Jesús. Y María, protegiendo a su hijo, levantó la mano en gesto amenazador sobre la cabeza del niño Juan. Unos cuantos centímetros debajo de su mano, la mano que señala el Arcángel Gabriel atraviesa el espacio, como si estas dos manos formaran una llave misteriosa. Parece como si Leonardo nos estuviera mostrando que algún objeto, importante, pero invisible, debería llenar el espacio entre las manos. En este contexto, no parece fantástico sugerir que los dedos extendidos de María sostienen la corona, que coloca sobre una cabeza invisible, y que el dedo índice de Gabriel corta el espacio exactamente donde debería estar esta cabeza. Esta cabeza fantasma flota muy por encima del niño que está al lado del arcángel Gabriel... Entonces, ¿no hay en el cuadro una indicación de quién de los dos morirá finalmente por decapitación? Y si la suposición es correcta, entonces es Juan Bautista quien da la bendición, es de mayor rango.

Sin embargo, si recurrimos a la versión posterior, que se encuentra en la Galería Nacional, encontraremos que todos los elementos que nos permiten hacer tal suposición herética han desaparecido, pero sólo estos elementos. La apariencia de los niños es completamente diferente, y el que está al lado de María tiene una tradicional cruz bautista con una parte longitudinal alargada (aunque es posible que la haya añadido posteriormente otro artista). En esta versión, la mano de María también se extiende sobre el otro niño, pero no se siente ninguna amenaza en su gesto. Gabriel ya no señala a ninguna parte y su mirada no se aparta de la escena que se desarrolla. Parece como si Leonardo nos estuviera invitando a jugar a “encontrar las diferencias entre dos imágenes” y sacar ciertas conclusiones cuando identifiquemos las anomalías de la primera opción.

Este tipo de examen de las creaciones de Leonardo revela muchas implicaciones provocativas. A través de varios ingeniosos recursos, señales y símbolos, el tema de Juan Bautista parece repetirse constantemente. Una y otra vez él, o las imágenes que lo representan, se elevan por encima de Jesús, incluso -si tenemos razón, por supuesto- en los símbolos representados en la Sábana Santa de Turín.

Detrás de tal insistencia hay una tenacidad, manifestada al menos en la complejidad misma de las imágenes que utilizó Leonardo, y también, por supuesto, en el riesgo que asumió al presentar al mundo una herejía, por sutil y sutil que fuera. Tal vez, como ya hemos insinuado, la razón de tantas obras inacabadas no sea el deseo de perfección, sino la conciencia de lo que podría pasar con ellas si alguien con suficiente autoridad viera a través de una fina capa de ortodoxia la absoluta blasfemia contenida en el texto. cuadro. Con toda probabilidad, incluso un gigante intelectual y físico como Leonardo prefirió tener cuidado, temiendo deshonrarse ante las autoridades; una vez fue suficiente para él. No hay duda, sin embargo, de que no tenía necesidad de poner su cabeza en el tajo insertando mensajes tan heréticos en sus pinturas si no tenía una creencia apasionada en ellas. Como ya hemos visto, estaba lejos de ser un materialista ateo, como afirman muchos de nuestros contemporáneos. Leonardo era un creyente profundo y serio, pero su fe era todo lo contrario de lo que era entonces (y ahora) la corriente principal del cristianismo. Mucha gente llama a esta fe oculta.

La mayoría de personas hoy en día, al escuchar este término, inmediatamente se imaginan algo que no es nada positivo. Por lo general, se usa en relación con la magia negra, o con las travesuras de charlatanes declarados, o para denotar ambas. Pero, de hecho, "oculto" simplemente significa "oculto" y se usa a menudo en idioma en Inglés en astronomía, cuando un objeto celeste se superpone a otro. Respecto a Leonardo, todos estarán de acuerdo: por supuesto, aunque hubo rituales pecaminosos y prácticas de magia en su vida, no deja de ser cierto que ante todo y sobre todo buscó el conocimiento. Sin embargo, la mayor parte de lo que buscaba fue efectivamente ocultado, convertido en ocultismo por la sociedad y, en particular, por una organización poderosa y omnipresente. En la mayoría de los países de Europa, la Iglesia desalentó las actividades científicas y tomó medidas drásticas para silenciar a quienes hacían públicas sus puntos de vista poco ortodoxos u opiniones que divergían de las generalmente aceptadas.

Pero Florencia, la ciudad donde nació Leonardo y donde comenzó su carrera en la corte, era un centro próspero nueva ola conocimiento. Esto sucedió sólo porque la ciudad se convirtió en un refugio para una gran cantidad de magos influyentes y personas involucradas en las ciencias ocultas. Los primeros mecenas de Leonardo, la familia Medici, que gobernaba Florencia, fomentaron activamente las actividades ocultas y pagaron mucho dinero por la búsqueda y traducción de manuscritos antiguos especialmente valiosos. es un pasatiempo conocimiento secreto durante el Renacimiento no se puede comparar con los horóscopos de los periódicos modernos. Aunque a veces los campos de investigación han sido -e inevitablemente- ingenuos o simplemente asociados con la superstición, muchos de ellos pueden considerarse un intento serio de comprender el Universo y el lugar del hombre en él. Los magos, sin embargo, fueron un poco más allá: buscaron formas de controlar las fuerzas de la naturaleza. Desde esta perspectiva, queda claro: no hay nada especial en el hecho de que Leonardo, entre otros, estuviera activamente involucrado en el ocultismo en ese momento, en un lugar así. La respetada historiadora Dame Frances Yates ha sugerido que la clave para comprender el genio de Leonardo, que se extiende hasta el futuro, reside en las ideas contemporáneas relacionadas con la magia.

En nuestro libro anterior se puede encontrar una descripción detallada de las ideas filosóficas que dominaron el movimiento ocultista de Florencia, pero la base de las opiniones de todos los grupos de esa época era el hermetismo, que lleva el nombre de Hermes Trismegisto, el gran y legendario mago egipcio, en cuyas obras se construyó un sistema lógico de magia. El concepto más importante de estos puntos de vista era la tesis de la esencia parcialmente divina del hombre, una tesis que amenazaba tan fuertemente el poder de la Iglesia sobre las mentes y los corazones de las personas que estaba condenada al anatema. Los principios del hermetismo son claramente visibles en la vida y obra de Leonardo, pero a primera vista hay una sorprendente contradicción entre estas complejas visiones filosóficas y cosmológicas y los errores heréticos, que sin embargo se basan en la creencia en personajes bíblicos. (Debemos enfatizar que las opiniones poco ortodoxas de Leonardo y la gente de su círculo no fueron solo una reacción a la corrupción y otras deficiencias de la Iglesia. La historia ha demostrado que hubo otra reacción a estas deficiencias de la Iglesia Romana, y la reacción fue no clandestinamente, sino en la forma de un poderoso movimiento protestante abierto. Pero si Leonardo estuviera vivo hoy, difícilmente lo veríamos orando en esta otra Iglesia).

Existe una gran cantidad de evidencia de que los herméticos pueden haber sido herejes absolutos.

Giordano Bruno (1548-1600), fanático partidario del hermetismo, declaró que la fuente de su fe era la religión egipcia, que precedió al cristianismo y lo eclipsó en sabiduría. Parte de este próspero mundo oculto eran los alquimistas que sólo podían pasar a la clandestinidad por miedo a la desaprobación de la iglesia. Una vez más, este grupo está subestimado debido al sesgo moderno. Hoy en día se les considera tontos que desperdiciaron sus vidas intentando en vano convertir metales básicos en oro. De hecho, estas actividades eran una cobertura útil para los alquimistas serios, que estaban más interesados ​​en experimentos verdaderamente científicos junto con la transformación de la personalidad y el potencial de controlar sus propios destinos. De nuevo, no es difícil imaginar que un hombre tan apasionado por el conocimiento como Leonardo fuera partícipe de este movimiento, quizás incluso uno de los principales. No hay evidencia directa de actividades de este tipo por parte de Leonardo, pero se sabe que se relacionó con personas dedicadas a las ideas de diversos tipos de ocultismo. Nuestra investigación sobre la falsificación de la Sábana Santa de Turín nos permite en gran medida es plausible suponer que la imagen sobre la tela es el resultado de sus propios experimentos "alquímicos". (Además, hemos llegado a la conclusión de que la fotografía en sí fue alguna vez uno de los mayores secretos de la alquimia).

Intentemos formularlo de manera más simple: es poco probable que Leonardo no estuviera familiarizado con alguno de los sistemas de conocimiento que existían en ese momento; sin embargo, dado el riesgo que implica participar abiertamente en estos sistemas, es igualmente improbable que confíe alguna prueba de ello en papel. Al mismo tiempo, como hemos visto, los símbolos e imágenes que utilizó repetidamente en sus pinturas llamadas cristianas difícilmente habrían recibido la aprobación de los eclesiásticos si hubieran adivinado su verdadera naturaleza.

Aun así, la fascinación por el hermetismo puede parecer, al menos a primera vista, casi exactamente el extremo opuesto de la escala de Juan Bautista y la supuesta importancia de la mujer "M". De hecho, esta contradicción nos desconcertó tanto que nos vimos obligados a profundizar cada vez más en la investigación. Por supuesto, uno puede cuestionar la conclusión de que todos esos interminables dedos índices levantados significan que Juan el Bautista fue obsesión genio del Renacimiento. Sin embargo, ¿existe quizás un significado más profundo para la fe personal de Leonardo? ¿Había un mensaje cifrado en símbolos en algún avión? ¿verdadero?

No hay duda de que el maestro es conocido desde hace mucho tiempo en los círculos ocultistas como el dueño del conocimiento secreto. Cuando comenzamos a investigar su participación en la falsificación de la Sábana Santa de Turín, nos encontramos con muchos rumores que circulaban entre la gente de este círculo de que él no sólo participó en su creación, sino que también era un mago famoso y de gran reputación. Incluso hay un cartel parisino del siglo XIX que anuncia el Salón de la Rosa+Cruz, famoso lugar de encuentro de los círculos artísticos vinculados al ocultismo, que representa a Leonardo como el Guardián del Santo Grial (en estos círculos esto significaba el Guardián del Santo Grial). Misterios Supremos). Por supuesto, los rumores y los carteles por sí solos no significan nada, pero todo en conjunto ha alimentado nuestro interés en la identidad desconocida de Leonardo.