Informe: Temas bíblicos en la pintura. El viaje de la Sagrada Familia a Egipto en el arte de Europa occidental

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En el arte ruso de principios del siglo XX, cuando parte conocida La sociedad rusa quedó bajo la influencia de sentimientos religiosos y místicos, el tema de la vida terrenal del Señor perdió su antigua resonancia trágica. Ahora ha adquirido un tono filosófico y lírico. Esta tendencia es especialmente visible en las obras de Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862 - 1942) y Viktor Mikhailovich Vasnetsov (1848 - 1926). ES Petrova escribe sobre el trabajo de M.V. Nesterov y V.M. Vasnetsova: “En diversos grados y a la manera de cada uno, pero en las obras de estos maestros hay una notable fusión de autoexpresión estética y sentimientos sinceramente religiosos, la de Vasnetsov es monumental y expresiva, la de Nesterov es lírica y refinada” [Ibíd.] .

Es sorprendente, pero se encuentran historias e imágenes bíblicas en las obras de representantes de diversos tipos. movimientos modernistas. A mediados de la década de 1910. Kazimir Severinovich Malevich (1879 - 1935), autor del infame "Cuadrado Negro", según E.N. Petrova, “encarnó varias escenas del evangelio en un estilo simbólico: la Ascensión (Triunfo del Cielo), el Entierro, Cristo rodeado de ángeles (Autorretrato) y la Oración por la Copa (Oración)” [Ibid].

Muchos de los creadores de la “vanguardia rusa” recurrieron a temas evangélicos. Natalia Sergeevna Goncharova (1881 - 1962) fue la autora del ciclo dedicado a los evangelistas (1911). San Jorge fue representado repetidamente en sus composiciones realizadas en estilo abstracto por Wassily Vasilyevich Kandinsky (1866 - 1944). Toda la linea Las tramas del Nuevo Testamento están presentes en las obras de Pavel Nikolaevich Filonov (1883 - 1941). Entre ellos - " Sagrada Familia"(1914), "Los Reyes Magos" (1914), "Tres en la mesa" (1914 - 1915), "San Jorge" (1915), "Madre" (1916), "La huida a Egipto" (1918).

Temas e imágenes bíblicos, incluidos los asociados con la figura de Cristo, también están presentes en las obras de Marc Chagall (1887 - 1985), nacido en Vitebsk en una familia de judíos ortodoxos. Su primera obra sobre el tema de la Sagrada Escritura fue “El Calvario” (1912). En 1938, pintó el cuadro “Crucifixión blanca”, que Mikhail Vaishengolts considera como la reacción de Chagall a las tendencias judeofóbicas que crecían en toda Europa. período anterior a la guerra.

Chagall también abordó temas bíblicos más tarde. Entonces, en 1960 - 1966. Trabajó en el cuadro "El sacrificio de Abraham". El vitral "Isaac se encuentra con su esposa Rebeca" (1977 - 1978) adorna la Iglesia de San Pedro. Stephen's en Maguncia.

En las décadas de 1930 y 1980. En la URSS, los artistas, a pesar de las restricciones existentes, utilizaban con bastante frecuencia motivos bíblicos en sus obras. Algunos de ellos dedicados pintura religiosa periodos significativos de su carrera creativa. Entre los maestros que recurrieron a temas e imágenes bíblicos en sus obras se encuentran David Petrovich Shterenberg (1881 - 1948), Pavel Dmitrievich Korin (1892 - 1967). Al parecer, se debe prestar especial atención al trabajo de Sergei Mikhailovich Romanovich (1894 - 1968). CM. Romanovich en los años 1940. Pintó los cuadros “El beso de Judas”, “Tormenta en el lago Tiberíades”, en los años cincuenta. - “La Anunciación”, “La Profanación de Cristo”, “He aquí el Hombre”, “El Descendimiento de la Cruz”, en los años 1960. - “Colocación de la Corona de Espinas”, etc.

Todas estas obras fueron realizadas de forma modernista. Los representantes de la "clandestinidad" de los años 1960 y 1970 no mostraron menos interés en tramas e imágenes de las Sagradas Escrituras. Al comienzo del uso de la "perestroika". Motivos cristianos V Bellas Artes Ya no fue condenado, sino tácitamente aprobado. Posteriormente, esta aprobación se hizo oficial.

La escena de la Anunciación se describe en el Evangelio de Lucas: cuenta que el Arcángel Gabriel se apareció en la casa de María y le dijo que daría a luz al Hijo de Dios del Espíritu Santo.  DE ACUERDO. 1:26-38.. en bellas artes diferentes siglos María y el Arcángel fueron representados en diferentes poses, interiores y usos. varios símbolos. Y esto ni siquiera es lo principal: lo más importante es cómo los sentimientos de los personajes representados en las pinturas cambiaron con el tiempo. Los primeros artistas cristianos querían mostrar la grandeza de María; en la pintura medieval y renacentista, la Virgen personifica la humildad y la pureza, y en el arte del Renacimiento tardío y el Barroco, experimenta sorpresa y miedo. El arcángel Gabriel, que en los siglos XII y XIV casi se quedó quieto ante María, más tarde entra rápidamente en su casa. A través del ejemplo de diez obras, descubrimos cómo ha cambiado la percepción de este tema en el arte a lo largo de quince siglos.

Mosaico en el arco triunfal de Santa Maria Maggiore (siglo V)

A finales de los años 420-430, el arzobispo de Constantinopla Nestorio enseñó que "sólo la carne puede nacer de la carne" y que el Hijo de María es sólo un hombre en quien la Palabra de Dios está encarnada, pero no Dios mismo. En 431, se celebró en Éfeso el Tercer Concilio Ecuménico, declarando que María era la Madre de Dios y declarando herejía las enseñanzas de Nestorio. María era venerada antes, pero su culto se hizo especialmente fuerte después de la resolución del concilio. El año que viene comenzarán en Roma los trabajos de los mosaicos de Santa María la Mayor, una de las primeras basílicas de la ciudad dedicadas a la Virgen María. La escena de la Anunciación decora arco triunfal, y era importante para sus autores mostrar la grandeza de María. La Virgen va vestida como una muchacha noble, luce tiara, pendientes y collar, y está rodeada de una comitiva de ángeles. El huso que sostiene en sus manos insinúa la elección de María. El Protoevangelio apócrifo de Santiago, escrito en el siglo II, dice que siete muchachas de la familia del rey David (entre sus descendientes aparecería el Mesías) fueron elegidas para trabajar en el velo del Templo. Entre ellos estaba María. Para decidir quién debía hilar qué, se echó suerte. María recibió púrpura y carmesí, las telas más valiosas. Llevó su trabajo a casa, donde se le apareció el Arcángel Gabriel.

Anunciación en el Pozo (segunda mitad del siglo XII)

Los teólogos que escribieron sobre la Anunciación a menudo especularon sobre cómo se sintió María en ese momento, y sólo unos pocos estaban interesados ​​en las experiencias del Arcángel Gabriel. Entre estos últimos se encuentra el monje del siglo XII Jacob Kokkinovathsky, autor de seis homilías.  homilía- un sermón con explicación de los pasajes de la Sagrada Escritura leídos. sobre la vida de la Virgen María. Gabriel estaba bastante asustado por la tarea que le había sido confiada. Al principio entró en casa de María sin ser visto y quedó impresionado por su virtud, hasta tal punto que no pudo encontrar las palabras adecuadas. Decidiendo que la asustaría menos en la calle que en casa, Gabriel decidió esperar a que María fuera a buscar agua y le contara la noticia al pozo (por desgracia, esto no ayudó y María todavía estaba asustada).

La reunión en el pozo está ilustrada por una de las miniaturas manuscritas. María está de espaldas a Gabriel. Al escuchar su voz, ella gira la cabeza, levanta una mano con miedo y sostiene la jarra con la otra. Esta escena se encuentra a menudo en el arte bizantino y ruso antiguo, en pinturas dedicadas a la Anunciación.

"Anunciación de Ustyug" (décadas de 1130-40)

Creador de la "Anunciación de Ustyug"  El nombre tradicional del icono es erróneo: en el siglo XVIII se creía que fue traído a Moscú desde Ustyug, pero en realidad el icono fue pintado en Novgorod. Utilicé iconografía rara para esta trama. El Arcángel y la Virgen María están uno frente al otro. Con la cabeza gacha, María escucha a Gabriel. A primera vista, no hay nada inusual en tal composición, sin embargo, si miras de cerca, puedes distinguir una imagen del Niño Dios en el pecho de María. Esta imagen sugiere directamente que es con la Anunciación que el vida terrenal Cristo y es en ese momento que se hace humano para luego perecer. Su muerte inminente está simbolizada por su vestimenta: lleva un taparrabos, como en la Crucifixión. Jesús es representado como un joven: esta iconografía  Se llama “Emmanuel” según la profecía de Isaías de que el hijo de la Virgen se llamaría Emmanuel, que significa “Dios con nosotros”. (Isaías 7:14) Recordó que el origen de Cristo fue originalmente divino, en contraste con las enseñanzas de Nestorio.

En la parte superior del icono, sobre las nubes, vemos la imagen del Señor Viejo Denmi.  Señor viejo Denmi- una imagen iconográfica simbólica de Jesucristo o Dios Padre en la imagen de un anciano canoso.. Esta imagen está tomada del Libro del Profeta Daniel: “Por fin vi que estaban colocados tronos y que el Anciano de Días se sentó; Su manto era blanco como la nieve, y el cabello de su cabeza como lana pura; Su trono es como llama de fuego, Sus ruedas como fuego abrasador”.  Dan. 7:9. En la "Anunciación de Ustyug" también se representa al Espíritu Santo: está simbolizado por un rayo de luz que emana de la figura del Viejo Denmi.

Simón Martini. "Anunciación" (1333)

Las Anunciaciones medievales rara vez están completas sin dos atributos: flores, generalmente lirios, en un jarrón, y un libro que María está leyendo. Vemos estas imágenes en la “Anunciación” del gótico tardío. artista italiano Simone Martini: el artista añade un lirio que simboliza la paz rama de olivo, que es regalado a María por un ángel. El hecho de que María sabía leer y conocía el texto del Antiguo Testamento fue mencionado por San Ambrosio de Milán allá por el siglo IV. Sin embargo, hasta la segunda mitad del siglo IX, esta información no impresionó demasiado a los autores de la iconografía dedicada a María. La representación más antigua que se conserva de la Virgen María leyendo se remonta a la segunda mitad del siglo IX: se trata de una talla en un cofre de marfil, probablemente realizada en Metz. Al mismo tiempo, a sólo 120 kilómetros de ella, el monje Otfried de Weissenburg escribe un resumen poético del Evangelio y menciona por primera vez que en el momento de la aparición de Gabriel, María estaba leyendo salmos. Desde entonces, María se encuentra con el arcángel leyendo cada vez más a menudo, y para Siglo XIII el libro se convierte en una parte permanente de la Anunciación de Europa occidental y el huso se aparta de la tradición bizantina. En el mismo siglo XIII aparece una flor entre el arcángel y María. Este símbolo recordaba que la Anunciación tuvo lugar en primavera: "Nazaret" traducida del hebreo significa "flor". Más tarde se convierte en un lirio, que simboliza no sólo la estación, sino también la pureza de María.

Roberto Campín. "Anunciación" (décadas de 1420-30)

Un ángel entra en la casa de un burgués corriente de la época. María está absorta en la lectura y no se da cuenta. En un rayo de luz se ve la figura de Cristo volando por la ventana. Archan-gel aún no ha tenido tiempo de hablar con la Virgen, y Kampen parece aprovechar esta pausa para mostrar al espectador el interior de la habitación. Hay lirios sobre la mesa, un lavabo de bronce pulido en un rincón, un libro envuelto en tela. Todo esto alude a la pureza de María. La vela recién apagada probablemente recuerda el resplandor que emanaba del Jesús recién nacido y eclipsaba la llama de la vela. Quizás esta sea la manera en que Kampen enfatiza la humanidad de Cristo. En general, la pintura de Kampen es un ejemplo de lo difícil que puede resultar a veces descifrar la pintura holandesa del siglo XV eligiendo un significado concreto de un objeto concreto. Por ejemplo, el banco de la Madre de Dios, decorado con pequeños leones tallados, puede simbolizar el trono de Salomón, con el que se comparó a María y que también estaba decorado con leones, y los propios leones, Jesús. O quizás Kampen pintó el banco sólo porque esos muebles estaban de moda en aquellos años.

Piero della Francesca. "Anunciación" (1452-1466)

Piero della Francesca. Anunciación

Piero della Francesca. Bajando a Judas Ciriaco al pozoBasílica de San Francisco, Arezzo / Wikimedia Commons

La Anunciación podría ser una trama independiente, parte de un ciclo dedicado a la Madre de Dios y la primera escena de la descripción de la vida de Cristo. En Piero della Francesca, la Anunciación se convierte inesperadamente en parte de la historia del descubrimiento de la cruz en la que Jesús fue crucificado. María y el ángel están ubicados en un espacio arquitectónico clásico (en la pintura renacentista reemplaza las imágenes convencionales de edificios en el arte gótico y bizantino). Las gradas del edificio dividen la composición en dos registros: terrenal, en el que el ángel se dirige a María, y celestial, con la imagen de Dios Padre.

La composición lacónica está casi desprovista de detalles, por lo que llama la atención la cuerda que cuelga de la viga junto a la ventana. Por un lado, este símbolo recuerda los instrumentos de la pasión.  Instrumentos de pasión- instrumentos del martirio de Jesucristo. Por otro lado, con la ayuda de esta imagen, Della Francesca conecta la Anunciación con la escena de la tortura de Judas Ciriaco, representada en el registro superior. Según una leyenda apócrifa, en el siglo IV la emperatriz romana Helena, madre de Constantino el Grande, quien introdujo el cristianismo religión estatal en el Imperio Romano, inició excavaciones en Jerusalén para encontrar la cruz en la que Jesús fue crucificado. Los judíos se negaron a ayudar a Helena en su búsqueda, y luego ella ordenó que metieran a uno de ellos, Judas, en un pozo seco. Unos días después, Judas comenzó a suplicar por su liberación y prometió ayudarlo a encontrar la cruz. Rescatado del pozo, oró a Dios y vio el lugar donde estaba la cruz: así creyó en Cristo. Sin embargo, el diablo se le apareció y lo acusó de traicionarlo, a diferencia de Judas Iscariote. La cuerda sobre la viga nos recuerda a Iscariote y la cuerda con la que se ahorcó. El bucle vacío, que no sirvió de nada al creyente y salvado Judas Ciriaco, indica la salvación que sigue a la venida de Jesús al mundo.

Anunciación con Unicornio (1480-1500)

La Edad Media hablaba de muchos animales fantásticos y atribuía rasgos asombrosos a los animales reales. Los teólogos encontraron paralelos entre las descripciones de algunos animales y eventos de la vida de Jesús: por ejemplo, el sacrificio, la Eucaristía y la resurrección estaban simbolizados por un pelícano que alimentaba a sus polluelos con su propia sangre, y un león, que nació muerto y vino a vida al tercer día por el aliento de una leona. Otro símbolo de Cristo era el unicornio, que sólo podía ser atrapado virgen inmaculada. En los siglos XV y XVI, la trama de cazar un unicornio se hizo popular, especialmente en Alemania. Las ilustraciones correspondientes aparecen en manuscritos y grabados, en altares, tapices y vajillas.

María, representada en el ala del altar, está sentada en el jardín. Gabriel conduce el unicornio hacia ella. El Arcángel está acompañado de cuatro perros, que simbolizan las virtudes: verdad, misericordia, paz y justicia. Las imágenes de cacerías de unicornios a menudo se convierten en enumeraciones ingenuas de lo que simboliza la Virgen María: un jardín cerrado, un pozo cerrado.  Un jardín cerrado y un pozo cerrado- imágenes de la novia del Cantar de los Cantares, que en la Edad Media se consideraba un prototipo de María., Zarza ardiente  Zarza ardiente- un arbusto en el monte Sinaí desde el cual Dios habló con Moisés. La zarza ardiente pero no quemada simbolizaba la pureza de María., vellón de Gedeón  Según el Antiguo Testamento, Gedeón, uno de los jueces de Israel, estaba convencido de que el Señor lo había elegido cuando el vellón que dejó durante la noche permaneció seco a la mañana siguiente, aunque toda la tierra a su alrededor estaba mojada por el rocío, y a la mañana siguiente, por el contrario, acuéstese mojado sobre suelo seco., puertas cerradas  Puerta cerrada- una imagen de la visión del profeta Ezequiel, también considerada una anticipación de la Anunciación. El Señor tuvo que pasar por estas puertas. y la vara de Aarón  La vara de Aarón floreció milagrosamente de la noche a la mañana; en esta historia vieron una alusión al nacimiento del Salvador de una virgen.. El carácter secular de la escena disgustó a la iglesia y en 1545, en el Concilio de Trento, se prohibieron tales imágenes.

Jacopo Tintoretto. "Anunciación" (1576-1581)

En la mayoría de las representaciones de la Anunciación, María está tranquila. Ella no tiene miedo al ver al arcángel y acepta con humildad el papel que le ha sido asignado. La Anunciación de Tintoretto es alarmante y caótica. El cuadro está pintado en colores oscuros, Gabriel irrumpe en la casa, acompañado de un torbellino de amorcillos.  Poner a(lat. putus - “ un pequeño chico") - niño alado.; la paloma, que simboliza al Espíritu Santo, desciende bruscamente y María retrocede asustada. Aquí no hay flores ni jardín, y la casa parece ruinas: de la silla salen ramitas de paja, tablas y las herramientas de carpintero de Joseph están amontonadas descuidadamente detrás de la puerta. Detrás de la silla vemos un anciano pesebre. Para aumentar la tensión, Tintoretto utiliza una perspectiva aguda y un ángulo extraño: el espectador parece estar mirando todo lo que sucede desde arriba. La composición dinámica, los movimientos bruscos y la iluminación contrastante anticipan la pintura de la época barroca, que prefería escenas intensas, dinámicas y emocionales a las sobrias Anunciaciones de los siglos anteriores.

Alejandro Ivánov. "Anunciación" (1850)

El arcángel Gabriel fue enviado del cielo a la tierra para informar a María de su destino. Pertenencia de María y Gabriel a mundos diferentes el artista enfatiza representándolos en diferentes escalas. El Arcángel no sólo es más alto que María, sino que sus figuras son inconmensurables entre sí. Al mismo tiempo, se combinan compositivamente: la mano del ángel cae en el círculo de resplandor que emana de María.

La Anunciación de Ivanov es inesperadamente monumental, especialmente teniendo en cuenta que es acuarela sobre papel. A finales de la década de 1840, el artista concibió una serie de pinturas sobre temas bíblicos, y este boceto en acuarela se convertiría posteriormente en un fresco (pero nunca lo hizo). En ese momento, Ivanov estaba leyendo el libro del teólogo alemán David Strauss, "La vida de Jesús". Strauss creía que los milagros del evangelio eran leyendas mitificadas, a menudo basadas en historias del Antiguo Testamento, y establecía paralelos entre las historias del Antiguo y el Nuevo Testamento. Por eso Ivanov iba a escribir junto a la escena de la Anunciación la aparición de la Trinidad a Abraham.

Bill Viola. "Alegría" (1995)

Volviendo a temas eternos, los artistas modernos suelen pensar en su lugar en la historia del arte. Moderno artista americano Bill Viola, en su trabajo en video, no cita en absoluto la historia del evangelio, sino el cuadro “El encuentro de María e Isabel”, pintado en 1529 por el artista italiano Jacopo Pontormo. Sin embargo, no estamos hablando aquí de la Anunciación en sí, sino de la trama que la sigue: el encuentro de María con Isabel, la madre de Juan Bautista. Al enterarse por Gabriel de que su anciana pariente Isabel también está embarazada, María acude a ella. Isabel comprende inmediatamente que María dará a luz al Hijo de Dios y, por lo tanto, se convierte en la primera persona en enterarse del próximo nacimiento de Jesús.

Pintura holandesa temprana.

Temas bíblicos en las bellas artes.

Jardín del Edén. Arca de Noé.

Un lenguaje de imagen especial en el arte cristiano de la Edad Media.

Iconografía.

Uno de los más temas dificiles Enseñar es ciertamente un tema bíblico. Esto se debe al hecho de que los propios profesores pueden decir poco sobre la Biblia y no siempre pueden explicar a los estudiantes cómo realizar tal o cual tarea. Como resultado del estudio de este tema, en las lecciones de bellas artes, los niños deben familiarizarse con lenguaje especial imágenes "en el arte cristiano de la Edad Media, con pinturas sobre temas bíblicos en el arte Europa Oriental y Rusia, con el arte de la pintura de iconos rusos y realizando trabajos prácticos sobre temas bíblicos.

A diferencia del maestro mundial cultura artística, un profesor de bellas artes no puede limitarse en una lección solo a un espectáculo y una historia interesantes, sino que debe enseñar al niño a crear una composición independiente sobre el tema propuesto. Los temas bíblicos pueden resultar difíciles y aburridos para los niños modernos, ya que no comprenden bien la trama de la imagen. Para no perder el tiempo de clase conversando, algunos profesores optan por el camino más sencillo (según les parece), pidiendo a los niños que dibujen un icono, creyendo que cualquier alumno puede hacer frente a una tarea tan "simple".

Un icono no es una ilustración de la Biblia; un icono es una imagen pintada según cánones (reglas) que el pintor de iconos debe obedecer. La ilustración es la visión que tiene el artista de los acontecimientos descritos en la Biblia, su elección independiente de la trama, la composición y su propia visión del aspecto de los personajes. En la pintura de iconos, los temas son limitados, la composición y la apariencia de los personajes están estrictamente reguladas. Al pedir a los niños que pinten un icono como una ilustración de la Biblia, el maestro no sigue el plan de estudios de la escuela de educación general. Por cierto, incluso en las escuelas dominicales de las iglesias y en los gimnasios ortodoxos durante las clases de bellas artes, los niños no pintan caras en los iconos, ya que todavía no tienen la habilidad suficiente para ello. Además, no debemos olvidar que en Escuela secundaria Los niños aprenden no sólo de familias ortodoxas, sino también musulmanas y no creyentes, y un icono es una oración, escrita únicamente en el lenguaje de los colores. Invitar a los niños a pintar un icono es lo mismo que ofrecerles aprender o componer una oración en una lección de literatura.

El maestro puede interesar a los niños en el mundo de las pinturas bíblicas y ayudarlos a comprender el lenguaje de los íconos hablándoles sobre el lenguaje simbólico de la pintura de iconos, presentándoles el trabajo de un pintor de íconos y dándoles la oportunidad de probarse a sí mismos en el papel de un maestro experimentado "abanderado", que crea su propia composición para una trama determinada, o en el papel de un estudiante novato en un escuadrón de pintores de iconos.

Los pintores de iconos principiantes representaron los detalles del icono: colinas, árboles, arquitectura y animales, utilizando “cuadernos” (un dibujo en papel hecho en uno o dos colores (negro y rojo-marrón). Sin la ayuda de un maestro, sólo algunos podrán hacer frente al trabajo práctico, y la tarea del maestro es garantizar que cada niño en una lección de bellas artes pueda sentirse como un verdadero artista, capaz de crear pinturas sobre temas complejos para ilustrar la Biblia de la manera más fácil. Es elegir escenas no del Nuevo Testamento, sino del Antiguo Testamento, y crear una composición utilizando el género paisajístico que los niños ya conocen. El paisaje puede ser la base de las pinturas.

“La Creación del Mundo”, “El Jardín del Edén con el Árbol de la Vida”, “El Diluvio” y “La Huida de los Israelitas de Egipto por el Mar Rojo”.

Como ejemplo, podemos mostrar ilustraciones de la Biblia del famoso pintor marino I.K. Todo el tercer trimestre del sexto grado se dedicó al tema "Retrato", y en el séptimo grado se puede crear una galería completa de retratos de personajes bíblicos que describen eventos que tienen lugar en. Antiguo Egipto(José el Hermoso, Moisés) y Mesopotamia (Torre de Babel), lo que permite a los niños utilizar los conocimientos adquiridos previamente en las lecciones de historia y bellas artes. Así, en una tarea practica Se pueden combinar temas históricos y bíblicos. A modo de ilustración, también se pueden utilizar parábolas del evangelio, mostrando como ejemplo las ilustraciones de la "Parábola del hijo pródigo" de Rembrandt y Bosch, que son de diferente naturaleza. El conocimiento de los temas bíblicos debe comenzar con una conversación. En el caso de que el propio maestro no conozca bien los temas bíblicos, los grabados de G. Doré ayudarán a impartir la lección, ya que los libros con sus ilustraciones siempre contienen breves explicaciones para cada grabado.

Los niños no deben estar sobrecargados nueva información Por lo tanto, durante una conversación es necesario mostrar tramas tan conocidas como,

Expulsión del Paraíso>, "El Diluvio", "La Torre de Babel", "La Anunciación", "Navidad", "Bautismo", "Transfiguración", "La Resurrección de Lázaro, . Jerónimo El Bosco. « Hijo pródigo» “Mediodía en Jerusalén”, “Corona de Espinas”, “Flagelación”, “Jesús bajo el peso de la Cruz”, “Crucifixión”, “Descenso de la Cruz”.

Al exhibir pinturas sobre temas bíblicos de artistas de Europa occidental y rusos, es necesario mostrar actitud diferente artistas sobre el mismo tema. Será más fácil para los niños discutir sobre los cuadros si la maestra deja en la pizarra reproducciones de grabados de G. Dore. Las pinturas deben ser famosas, como “La aparición de Cristo al pueblo” de A. Ivanov, pero también muy emotivas, como “El Calvario” de N. Ge; "Anunciación", "Rocky" y "Anunciación" de Geliy Korzhev.

Estas obras de arte nunca dejarán indiferentes a los niños. Cuando se habla de pintura de iconos rusa, es necesario explicar la diferencia entre una pintura y un icono, mostrando reproducciones de iconos en paralelo con reproducciones de gráficos y pinturas. Como resultado de la conversación, cada alumno debe comprender que una pintura es un objeto de placer estético y un icono es tanto un objeto de placer estético como un objeto de veneración orante.

Trabajo practico sobre el tema “Jardín del Edén”, “Arca de Noé”. "Torre de Babel".

Antes de comenzar a representar, debe discutir con los niños el evento elegido para la ilustración, y ciencias tan interesantes como la historia bíblica, la arqueología bíblica, la geografía bíblica y la geología bíblica lo ayudarán a hablar sobre la Biblia.

Se puede realizar un trabajo práctico sobre el tema “Ilustraciones de la Biblia” utilizando detalles de un paisaje iconográfico. El profesor explica las etapas del trabajo “paso a paso” en la pizarra. Para evitar que los niños repitan cada trazo después del maestro y hagan su propia composición individual, es mejor que el maestro no use pinturas para exhibir, sino que dibuje en la pizarra solo con tiza y agua. El agua se seca rápidamente, los niños logran entender cómo dibujar y trabajar con trazos, pero al mismo tiempo no copian en la pizarra cada trazo realizado por el maestro. El resultado pueden ser composiciones interesantes realizadas por pintores de iconos novatos.

El artista, músico y figura teatral ruso Vasily Polenov durante mucho tiempo no se atrevió a recurrir a tema bíblico. Hasta que sucedió algo terrible: su querida hermana enfermó gravemente y antes de morir le hizo prometer a su hermano que empezaría a “escribir”. cuadro grande sobre el tema largamente planeado “Cristo y el pecador”.

Y cumplió su palabra. Después de crear esta pintura, Polenov comenzó a crear toda una serie de pinturas llamadas "De la vida de Cristo", a la que dedica varias décadas de incansable búsqueda creativa y espiritual. Para ello, Polenov incluso viaja a través de Constantinopla, Atenas, Esmirna, El Cairo y Port Said hasta Jerusalén.

Henryk Semiradsky

El destacado retratista Henryk Semiradsky, aunque era de origen polaco, sintió desde su juventud una conexión orgánica con la cultura rusa. Quizás esto se vio facilitado por estudiar en el gimnasio de Jarkov, donde el alumno de Karl Bryullov, Dmitry Bezperchiy, enseñaba dibujo.

Semiradsky aportó un toque pintoresco a sus lienzos sobre temas bíblicos, lo que los hizo brillantes, memorables y animados.

Detalle: Participó en la pintura de la Catedral de Cristo Salvador.

Alejandro Ivanov

"Dejó como maestro sólo al divino Rafael. Con un elevado instinto interior sintió significado verdadero palabras: pintura de historia. Y sentimiento interior dirigió su pincel a temas cristianos, el más alto y último grado de lo alto”, escribió sobre pintor famoso Nicolás Gógol.

Alexander Ivanov es el autor del cuadro "La aparición de Cristo al pueblo", que le costó 20 años de verdadero trabajo y devoción creativa. Ivanov también lo hizo bocetos de acuarela a las pinturas del "Templo de la Humanidad", pero no las mostró a casi nadie. Sólo después de la muerte del artista se conocieron estos dibujos. Este ciclo entró en la historia del arte con el nombre de “bocetos bíblicos”. Estos bocetos se publicaron hace más de 100 años en Berlín y no se han reimpreso desde entonces.

Nikolay Ge

la pintura de ge última cena“Conmocionó a Rusia, tal como lo hizo una vez “El último día de Pompeya” de Karl Bryullov. El periódico “San Petersburgo Vedomosti” informó: “La Última Cena” sorprende por su originalidad en el contexto general de frutos secos de contenido académico”, y Los miembros de la Academia de las Artes, por el contrario, no pudieron decidirse durante mucho tiempo.

En "La Última Cena", Ge interpreta la tradicional trama religiosa como un trágico enfrentamiento entre un héroe que se sacrifica por el bien de la humanidad y su alumno, que renuncia para siempre a los preceptos de su maestro. En la imagen que Ge tiene de Judas no hay nada privado, sólo general. Judas – imagen colectiva, Hombre sin rostro".

Detalle: Nikolai Ge recurrió por primera vez a las historias del evangelio bajo la influencia de Alexander Ivanov

Iliá Repin

Se cree que ninguno de los artistas rusos, excepto Karl Bryullov, gozó durante su vida de tanta fama como Ilya Repin. Los contemporáneos admiraron las composiciones de género de múltiples figuras magistralmente ejecutadas y los retratos aparentemente "vivos".

Ilya Repin abordó repetidamente el tema del evangelio en su obra. Incluso fue como peregrino a Tierra Santa para ver con sus propios ojos los lugares donde Cristo caminó y predicó. “No escribí casi nada allí, no hubo tiempo, quería ver más... Pinté una imagen de la iglesia rusa, la cabeza del Salvador. Quería poner mi contribución en Jerusalén...” Más tarde dijo. : "hay una Biblia viva en todas partes", "tan grandiosamente sentí al Dios vivo", "¡Dios! ¡Qué maravillosamente sientes tu insignificancia hasta el punto de la inexistencia!".

Ivan Kramskoi

Ivan Kramskoy reflexionó durante toda una década sobre su cuadro “La resurrección de la hija de Jairo”. A principios de 1860 realizó el primer boceto, y sólo en 1867 realizó la primera versión del cuadro, que no le satisfizo. Para ver todo lo que se ha hecho de esta manera, Kramskoy viaja por Europa con visita obligatoria mejores museos paz. parte hacia Alemania. el camina alrededor galerías de arte Viena, Amberes y París, se familiariza con el arte nuevo y luego viaja a Crimea, a las zonas de Bakhchisarai y Chufui-Kale, tan parecidas al desierto palestino.

Marc Chagall

El autor del famoso “Mensaje Bíblico”, Marc Chagall, amaba la Biblia desde pequeño y la consideraba una extraordinaria fuente de poesía. Como provenía de una familia judía, comenzó a aprender los conceptos básicos de la educación desde muy temprano en la escuela de la sinagoga. Muchos años después, ya adulto, Chagall en su obra intentó comprender no sólo lo Antiguo, sino también Nuevo Testamento, tiende a comprender la figura de Cristo.

historias bíblicas en pintura moderna: de Chagall a Roitburd

La Biblia, como libro de todos los tiempos, a menudo se convierte en fuente de inspiración para escritores, artistas y músicos. La relevancia de las preguntas planteadas en las Escrituras no tiene referencias espaciales ni temporales. Los maestros han recurrido y continúan recurriendo a la Biblia diferentes paises y épocas. Representantes arte contemporáneo También adoptamos imágenes bíblicas, presentándolas bajo una nueva luz. Al repensar e interpretar las tramas de las Escrituras a su manera, los autores no siempre enfatizan el valor y la importancia de la religión; a menudo las obras de los artistas niegan los pactos sagrados.

El arte sacro, si se le puede llamar así, es un replanteamiento estético de los relatos bíblicos, que se plasma en el lienzo. En el contexto del posmodernismo, la Biblia puede considerarse una de las fuentes citadas con mayor frecuencia.

La creatividad está impregnada de temas bíblicos. Marc Chagall. El artista creó una serie fundamental de obras, que incluyen 17 lienzos en tonos azul y esmeralda y unidos por temas bíblicos. Chagall intenta descifrar las imágenes contenidas en el libro sagrado, buscando inspiración entre líneas y transformando los descubrimientos ideológicos en pinturas. La comprensión de Chagall del carácter sagrado del tema está claramente presente en el lienzo. El artista escapa de la realidad a un lenguaje vívido y emocional, invitando a los espectadores a sumergirse en una superrealidad multifacética, sentir una conexión con Dios y poderes superiores. Además del "Mensaje bíblico", Chagall dejó a sus descendientes una serie de ilustraciones: litografías del Antiguo Testamento. Las imágenes de sus lienzos fluyen unas sobre otras, ignorando las limitaciones espaciales.

A menudo a imágenes bíblicas abordado por el genio español Salvador Dalí. Su Dios estaba en todas partes y el propio artista se encontraba constantemente en un estado límite entre la realidad y el mundo mágico del subconsciente. Por cierto, el propio nombre Salvador se traduce como "Salvador". Pintura famosa“Cristo de San Juan de la Cruz” refleja la posición del autor sobre la fórmula del universo, en la que Jesús crucificado se eleva por encima de todo y es la encarnación de la belleza metafísica. “Al principio no quería representar todos los atributos de la crucifixión: clavos, corona de espinas, etc. - y convertir la sangre en claveles rojos en brazos y piernas, con tres flores de jazmín cayendo en la herida del costado. Pero fue sólo hasta el final que mi decisión fue cambiada por la segunda visión ( aprox. sueño), quizás por el proverbio español que dice: “muy poco Cristo, demasiada sangre”. Mis ambiciones estéticas son que el lienzo sea lo opuesto a todas las imágenes de Cristo realizadas. artistas contemporáneos, que utilizaba un estilo expresionista, evocando emociones a través de la fealdad”, describió Dalí la historia de la creación del cuadro. No menos famosa es su “Última Cena”. “En él (aprox. trabajar) encarna el credo filosófico, religioso y estético de Dalí. Aquí hay aire y luz, construcción, sueño, realidad, esperanza y duda”, escribe la teórica del arte Evgenia Zavadskaya. En esta obra, Cristo aparece en tres formas: Dios padre, Dios hijo y Dios espíritu santo. Cada uno de ellos se revela al espectador gradualmente: desde Jesús sentado a la mesa, pasando por la inmersión en agua hasta el torso que se eleva hacia el cielo.

El lienzo es ampliamente conocido. mejor artista modernidad rusa Iliá Glazunov"El regreso del hijo pródigo" La imagen profunda y diversa llama la atención del público sobre un tema serio: el regreso de la humanidad al principio espiritual, los ideales y las directrices religiosas. El autor parte de la trama bíblica, pero no se limita a ella, trasladando los datos fuente a las coordenadas socioculturales actuales. Pintado en 1978 para contexto soviético Parecía desafiante y revelador. Por eso resulta de especial interés para los críticos de arte y el público. El hijo pródigo aparece desnudo hasta la cintura y vestido sólo con vaqueros. La acción se desarrolla en el contexto de la sucia vida cotidiana: una mesa de comedor con copas de vino a medio beber, dos cerdos grandes en primer plano, hombre joven, del que se extiende alambre de púas. Si nos alejamos de los detalles y hablamos en conceptos abstractos, entonces cada uno de nosotros gasta mucha energía tratando de escapar de la esencia, y luego llega un período de largo y difícil regreso a esta misma esencia. Otra obra de Glazunov, “La resurrección de Lázaro”, es aún más ecléctica y polifacética. Jesús está representado en el contexto de edificios de varios pisos realizando una manifestación con un cartel “Glasnost. Perestroika" y el templo en llamas.

Querido artista ucraniano Alejandro Roitburd Ganó popularidad debido a la extravagancia y la naturaleza provocativa de sus proyectos. Uno de ellos se llama “Roitburd vs Caravaggio”. “Las historias bíblicas son lo principal en obras de caravaggio. Las historias sagradas, antiguas y mitológicas, siempre han contenido simbolismo y jerarquía. El artista trabajó con arquetipos, algo que ahora nos falta en el arte. Por eso me resultó interesante citar a Caravaggio. Pero las obras ingenuas y sinceras con temas mitológicos sagrados ya me resultan algo extrañas como artista”, dijo el autor en una entrevista. Si consideramos este tema desde la posición del posmodernismo, entonces podemos decir que Roytubrd cita una cita, mientras que la fuente principal son las historias bíblicas. Al mismo tiempo, declara la ausencia de apego personal a religión alguna. Construye un diálogo entre culturas, repensa y reorganiza imágenes: los personajes se encuentran en situaciones nuevas y rompen con los datos originales habituales.

A su vez, uno de los más queridos artistas Rusia Konstantin Khudyakov También suele recurrirse a la cita. A menudo la fuente principal es la Sagrada Escritura. Por ejemplo, la obra de gran escala “Deisis. Anticipación": crea su propio iconostasio. La precisión fotográfica de la imagen realza el efecto mágico: los tonos oscuros y el estado de ánimo expresado con precisión en las imágenes. En “La Presencia” encontrarás a Jesucristo, la Madre de Dios, los santos apóstoles, Alejandro Magno, Nicolás II y otros personajes igualmente significativos. “Utilicé unos 100 mil fragmentos como paleta. rostros humanos nuestros contemporáneos”, dice el artista sobre la creación de la obra. En una conversación sobre el lugar que ocupan los temas religiosos en su obra, Khudyakov dice: “Sé el alcance de las cosas, sé lo que es bueno y lo que es malo y no quiero ofender a nadie. Me comporto correctamente con la iglesia y no hago cosas de la iglesia; pinto cuadros sobre temas religiosos”.

El arte contemporáneo en general propicia lo impactante, pero si un artista recurre al Libro Sagrado como fuente de citas, debe ser claramente consciente de los límites de lo permitido.