Chaque époque est unique avec sa propre culture particulière. De même, l’art indien a constamment évolué au fil des siècles. La peinture, l'architecture et la sculpture se sont développées dans ce pays.

Le développement de l'art dans le pays de l'Inde

L'art indien remonte à la préhistoire peintures rupestres. Dans l’ensemble, les éléments sont un pur reflet de la mentalité de ce pays, les rendant plus introspectifs. L'un d'eux est l'idée du yoga sur l'importance du détachement de toutes les influences extérieures distrayantes et des émotions passagères. La réalité environnante joue donc rôle mineur dans le pays de l'Inde. L'art indien se distingue par le fait que l'iconographie met l'accent sur le religieux et la métaphysique, même lorsque les ornements, les costumes, etc., empruntent des éléments de la vie moderne.

Caractéristiques de l'image du monde environnant

La question de l'environnement doit être considérée dans le contexte de l'esthétique du pays, qui n'accepte pas le naturalisme superficiel, le réalisme ou l'illusion. Ce qui compte vraiment, c’est la « création de la vérité », qui suppose que l’Inde soit très simple, car la nature elle-même est créée de manière complexe et intelligente, et ce n’est qu’à travers des signes et des symboles qu’il est devenu possible de l’exprimer. C’est pourquoi les symboles jouent ici un rôle crucial. De ce point de vue, la simplicité n’a aucune signification péjorative, comme on pourrait l’observer dans l’art décadent. Cela revient au développement d'un certain nombre de techniques d'expression véritable signification objets ou objets que l'artiste et le sculpteur ont capturés.

Méthodes d'images réalité environnante dans l'art, reflètent toujours, dans une plus ou moins grande mesure, les vues modernes d'une époque particulière. Nous ne parlons pas ici de perspective, mais de techniques et de moyens qui servent à transmettre des idées aux spectateurs qui sont intéressés. différentes périodes différaient de temps en temps, d'un point de vue esthétique, ils n'avaient aucun avantage sur les autres dans le pays de l'Inde. L’art indien est souvent très symbolique, notamment lorsqu’il s’agit de transmettre la nature des choses.

Art du IIe siècle AVANT JC. - IIIe siècle après JC

Dans l'art ancien, au IIe siècle. AVANT JC. - IIIème siècle après JC, on peut trouver une certaine emphase sur des artistes comme Amaravati, par exemple, qui essayaient de s'opposer à la réalité environnante. Dans leur recherche de symboles, ils cherchaient à représenter non seulement des épisodes de la vie du Bouddha, mais aussi, par exemple, le culte des Yakshas et des arbres, très courant parmi les gens de cette époque. Mais tout l’art n’était pas consacré aux aspects de la vie quotidienne. Les artistes s'efforcent toujours de souligner le fait que les phénomènes naturels extérieurs ne peuvent évoquer que des sentiments limités. La nature, selon eux, est riche de significations symboliques profondes. L’art de l’Inde ancienne est riche de traces de cosmologie, qui ne peuvent être comprises sans référence à la littérature indienne ancienne. De telles caractéristiques se retrouvent jusqu'au 6ème siècle dans les peintures d'Ajanta et de Bagh.

Culture indienne VI - X siècles.

Avec le début de l’ère Gupta, de nouveaux éléments ont commencé à apparaître. Les artistes se sont désintéressés de l’homme, mais ont commencé à le montrer aux dieux et à leur habitat. Et même avec ce changement d’orientation, ils prêtaient toujours attention au quotidien, quoique dans une moindre mesure. La représentation de la nature est devenue plus stéréotypée. Dans le Vishnu Dharmottara Purana, écrit à cette époque, on trouve une section spéciale consacrée à la peinture, qui explique comment les conventions doivent être respectées. Au cours des siècles suivants, dans l'art, nous pouvons observer principalement uniquement des thèmes dédiés aux dieux, et très peu de la vie actuelle de cette époque.

Art des Xe - XIVe siècles.

Après le Xe siècle, on retrouve très peu d’éléments de la nature et de la vie moderne dans la peinture indienne, ainsi que dans les manuscrits bouddhistes. Ignorant leur environnement, les artistes se sont concentrés exclusivement sur les dieux, déesses et mandalas bouddhistes. Disposant d’un espace limité, les peintres se contentaient de représenter des dieux et des déesses. Cela confère aux manuscrits qu’ils ont illustrés un pouvoir magique, ce qui en fait un objet de culte pour les admirateurs du pays de l’Inde. L'art indien est très original. Les seules influences extérieures prises en compte par les artistes étaient les croyances du bouddhisme tantrique. Ils ne s'inquiétaient ni de la nature ni des conditions sociales de cette époque.

Art de l'Inde XIV - XVI siècles.

À la fin du XIVe siècle, les artistes s’intéressent un peu plus aux thèmes environnementaux. vie sociale. Dans leurs œuvres, on peut remarquer la manifestation de stéréotypes musulmans dans la représentation de tous les étrangers qui y apparaissent. Cela suggère qu'ils avaient certaines opinions sur les Turcs qui dirigeaient le nord et l'ouest de l'Inde pendant cette période. Dans leurs œuvres, les paysages étaient représentés comme une partie distincte de la composition, et non seulement comme toile de fond pour des scènes spécifiques.

Les arts visuels de l’Inde donnent une image beaucoup plus claire de la vie des gens que n’importe quelle autre source littéraire de l’époque. Au XVIe siècle, cet intérêt existait encore. Par exemple, des images de résidents spécifiques apparaissent ici pour la première fois zones rurales, les agriculteurs et les bergers, ainsi que les femmes impliquées dans la vie quotidienne du ménage. La nature est également devenue beaucoup plus largement représentée, avec l’apparition d’illustrations grandeur nature de forêts et d’animaux sauvages. L'art indien a commencé à être rempli de nouvelles significations.

Dans l’Antiquité, au Sri Lanka comme en Inde, les arts décoratifs et appliqués n’étaient pas considérés comme un domaine artistique indépendant. La création de sculptures et de produits artistiques, la peinture et l'architecture étaient toutes considérées comme de l'artisanat. Les œuvres étaient, en règle générale, anonymes.

Le type principal et le plus répandu d'art décoratif et appliqué doit être considéré comme l'art des objets conçus artistiquement, c'est-à-dire les produits artistiques - les objets. vie courante et outils, accessoires de rituel sacré et armes. Cet art existe depuis l'Antiquité.

La forme des outils simples était, en règle générale, harmonieuse et artistique, et les images qui s'y trouvaient étaient de nature thématique ou purement ornementale. La décoration a toujours pris en compte la fonction quotidienne et la forme de l'objet.

Les arts décoratifs et appliqués étaient largement utilisés pour décorer les détails architecturaux, où la sculpture était particulièrement souvent utilisée.

Les matériaux à partir desquels les produits artistiques étaient fabriqués étaient extrêmement divers ; presque tout ce que la nature offrait était utilisé : bois, feuilles et herbes, fibres végétales, coquilles de noix ; pierres simples, semi-précieuses et précieuses; argile, métaux, y compris précieux ; os, corne, tortue, coquille, etc. Les plus importants d'entre eux sont : le bois, la pierre, le métal, l'ivoire et la fibre.

Les produits artistiques sri lankais sont proches des produits indiens, mais ils ne sont bien sûr pas identiques ; ils diffèrent par leur spécificité et leur originalité locale. Il est intéressant de noter qu'au Sri Lanka, encore plus qu'en Inde elle-même, les traditions de l'art indien des temps anciens ont été préservées - la période de propagation et d'épanouissement du bouddhisme. Au 11ème siècle. Le bouddhisme a presque disparu en Inde, mais a survécu au Sri Lanka, transmettant l'ancienne tradition indo-singhalaise dans les monuments d'art. Cette tradition a contribué au Moyen Âge à distinguer l'artisanat cinghalais de l'artisanat tamoul, qui n'était plus associé au bouddhisme, mais à l'hindouisme. Mais en plus de cela, les compétences artistiques et les goûts des Cinghalais, leur perception esthétique ont apporté de l'originalité à la production artistique locale, à la peinture et à la sculpture monumentales.

La majeure partie des produits artistiques qui nous sont parvenus ne remontent pas avant le XVIIIe siècle.

L'artisanat artistique du Sri Lanka était étroitement lié à celui de l'Inde du Sud. Pendant de nombreux siècles, des artisans tamouls qualifiés du sud de l’Inde ont été importés au Sri Lanka, et même au XVIIIe siècle. ils étaient en concurrence avec les artisans cinghalais. Des tisserands en visite dans les grandes villes du sud de l'Inde, membres d'organisations artisanales locales (shreni), appelés "salagamayo" en cinghalais, tissaient des fils d'or sur de fines mousselines pour les robes de la noblesse cinghalaise. Les rois tamouls du Sri Lanka ont particulièrement encouragé leurs modes indigènes de vêtements et de bijoux.

Pendant de nombreux siècles, jusqu'à l'occupation anglaise de Kandy en 1815, la forme et la décoration de l'artisanat sont restées inchangées par rapport aux siècles précédents. L’époque coloniale au Sri Lanka a été désastreuse pour les arts et l’artisanat. L’organisation étatique des artisans a été détruite par les colonialistes britanniques et la production artistique traditionnelle est tombée en décadence. Le développement des relations capitalistes et l’importation de produits manufacturés étrangers ont complètement miné l’art et l’artisanat populaires. La chute des arts décoratifs et appliqués nationaux signifiait en réalité la disparition de la vie quotidienne des peuples de la seule forme d'art qui leur était accessible en général. Cependant, certains types de production artistique ont survécu au Sri Lanka au moment où le Sri Lanka a accédé à l'indépendance, lorsqu'une nouvelle période de développement de l'art national a commencé.

Produits en ivoire

Au Sri Lanka, comme en Inde, les sculpteurs sur os étaient célèbres pour leur art. L'ivoire est un excellent matériau pour une sculpture fine en raison de sa résistance et de sa texture fine et uniforme ; il est particulièrement agréable à l'œil avec sa superposition fine et gracieuse et sa teinte délicate.

79-80. Boite et coupe en ivoire.

Les chroniques locales rendent compte du grand art des anciens artisans cinghalais - les sculpteurs d'ivoire. Un témoignage intéressant est conservé dans le Chulavamsa (37.100) selon lequel le roi Jetthatissa (IVe siècle) était célèbre pour ses sculptures en ivoire et enseigna même à d'autres son merveilleux art. Les chroniqueurs anciens ont rapporté que le roi avait fabriqué une figure en ivoire représentant un bodhisattva et des parties de son trône royal.

Au Sri Lanka, des figurines, des panneaux, des montants de porte sculptés (par exemple, de Ridivihara, avec des danseurs et des animaux), des cercueils (Fig. 79), des reliures de livres, des bijoux pour femmes, des peignes, des manches de couteaux, etc. étaient fabriqués à partir de défenses d'éléphant.

Les traditions de l'art de la sculpture sur ivoire étaient stables. Ceci est clairement démontré par les exemples survivants d’œuvres du XVIIIe au début du XIXe siècle.

Les peignes étaient très élégants et beaux - panava, recto-verso et unilatéral. Sur l'un d'eux par exemple, conservé dans un musée de Kandy, dans la partie médiane, une sculpture ajourée créait un relief riche en formes. Au centre, la déesse est assise sur un trône, tenant dans ses mains des branches d’arbres. De chaque côté d'elle se trouvent deux danseurs. Un cadre simple avec un motif géométrique met en valeur l’image complexe.

78. Les bases des montants des portes du temple.

Sur un autre peigne double face, l'espace enfermé dans un élégant cadre ajouré est divisé en trois parties verticales : au milieu se trouve la figure d'une mère assise avec un bébé dans les bras, à droite il y a une figure femme debout avec un enfant, à gauche - un couple d'amoureux. Les vêtements sont peints de rayures noires et rouges (Musée de Colombo).

Une comparaison des deux peignes montre avec quel flair artistique le maître modifie la forme du cadre en fonction de la sculpture centrale : le premier peigne a un design complexe à l'intérieur, avec de nombreux petits détails, qui nécessitaient une simplification du cadre ; sur la deuxième crête, les figures sans détails détaillés permettaient de créer un cadre complexe qui, dans sa conception, ne rivalisait pas avec les images internes. Le goût et l'expérience en matière de décoration, basés sur une longue tradition, s'avèrent impeccables.

Grand valeur artistique est représenté par une figure habilement et subtilement exécutée d'une divinité gardienne sur une plaque provenant de l'encadrement de la porte du temple (collection A.-K. Kumaraswamy) (ill. 78).

En bas-relief, une déesse est sculptée de face tenant dans ses mains repliées une pousse de plante et une fleur.

Les doigts et les plis fins de la robe, bien ajustés à la silhouette, sont exécutés avec une extraordinaire grâce. Les scientifiques ont daté cette plaque du XVIIIe siècle, mais on pourrait penser qu'elle est beaucoup plus ancienne dans le temps.

Les cercueils et les boîtes avec de fines sculptures en relief continu sont intéressants. Sont très impressionnants les manches sculptés de couteaux de formes diverses - tantôt en forme de « liya pata » (motifs végétaux), tantôt en forme de tête de monstre à gueule ouverte - et bien d'autres objets en os (ill. 80 ).

Transformation artistique du bois

La sculpture sur bois était étroitement associée à l'architecture qui, à l'époque de Kandyan, était principalement en bois. Le travail des menuisiers locaux, qui fabriquaient divers produits en bois nécessaires à la vie domestique, se distinguait par son originalité. Ils fabriquaient habilement des meubles, des outils, des boîtes sculptées, etc.

81. Plateau de jeu. Arbre. XIXème siècle

Par exemple, les plateaux magnifiquement décorés du jeu « olinda-colombu » sont une véritable œuvre d’art. Ils sont situés sur des pieds bas et présentent sept échancrures rondes le long de chaque bord longitudinal.

Il s'agit d'un jeu national local à prédominance féminine. Il était généralement joué par deux femmes qui plaçaient cinq à sept graines d'Olinda dans chaque trou. Les femmes de famille royale Ils jouaient avec des perles au lieu de graines.

Les côtés du plateau étaient décorés d'un motif géométrique, les fosses étaient placées en sections rectangulaires, par paires ou une à la fois. Une figure en relief d'une bête fantastique était parfois sculptée au centre du plateau (un exemple se trouve au musée de Kandy). La composition des graines et des motifs géométriques peut être très variée.

La forme du presse-riz est originale et complexe, mais très élégante. Au centre, il a la forme d'un tonneau, proche d'un cylindre, dans lequel on verse la terre. riz bouilli et pressé à travers les trous du fond métallique. La tête d'un oiseau fantastique et (sur le côté opposé) sa queue, réalisée sous une forme stylisée, s'étendent du cylindre dans les deux sens. Le cylindre est orné d'un filetage en forme de vis, qui semble aller jusqu'au cou de l'oiseau. Il y a une poignée horizontale pratique située au-dessus. La forme générale est assez impressionnante.

Les manches des cuillères en bois sont magnifiquement et finement courbés. La tête d'un monstre ou des motifs de plantes ornementales étaient souvent sculptés sous l'écope. Ce dernier motif, mais sous une forme plus riche, était également utilisé sur les verrous de porte (« agula »).

Dans la collection Kumaraswamy se trouve une boîte ronde et plate en bois, une de celles destinées au rangement des insignes royaux. C'est une technique de tournage, couverte

vernis, à rayures concentriques. Le principal détail ornemental est une large boucle en laiton ajourée aux motifs floraux complexes.

Le mobilier national est très diversifié. Des formes bizarres ont été données aux pieds des tabourets et des chaises ; Les têtes de lit, etc. étaient également décorées de riches sculptures. À en juger par les sources, les meubles des maisons riches étaient en bois très coûteux. Le Chulavamsa déclare que dans le palais du roi Parakramabahu, les meubles étaient décorés d'or et d'ivoire coûteux.

Chanceux

Le vernis topique est obtenu à partir d'une substance résineuse sécrétée par deux types d'insectes vivant sur les arbres et les plantes. De plus, des vernis indiens importés d’origine similaire sont utilisés en petites quantités.

Les travailleurs de la laque sont appelés i-vaduvo, ce qui signifie littéralement « fabricant de flèches ». Ces artisans constituent la classe d'artisans la plus basse car ils travaillent principalement comme tourneurs sur bois. Ils tournent le bois et le décorent, fabriquant des flèches, des arcs, des lances, des pieds de lits et autres meubles, des planches de tonneaux, des manches de torches, des mâts de bannières, etc. Lorsqu'on tourne un objet sur un tour, il peut être facilement verni en appuyant sur un bâton de vernis. encontre ; puis celui-ci, s'échauffant par frottement, ramollit et remplit les creux découpés sur l'objet. Une technique Kandyan similaire est utilisée en Inde par les vernisseurs de Jodhpur. Les vernis Kandy étaient particulièrement célèbres entre le XIXe et le début du XXe siècle.

Il existait à Matale une technique différente, connue sous le nom de niyapoten-veda, c'est-à-dire le travail avec le clou, puisqu'ici le tour n'était pas utilisé et le vernis était appliqué avec l'ongle du pouce. Un colorant est ajouté au vernis : rouge, jaune, vert et noir. Ce vernis est utilisé pour recouvrir les cannes en bois, les fûts de lances et de bannières de cérémonie, les flacons de poudre, les reliures de livres et les hautbois. La laque colorée est également incrustée sur l'ivoire, la corne et le coquillage.

Des produits métalliques

Le travail des métaux était considéré comme l’une des professions artisanales les plus anciennes et les plus respectées. Les métallurgistes étaient divisés en plusieurs groupes : forgerons, chaudronniers et orfèvres. Les chroniques font également état de ces groupes d'artisans. Chulavamsa (68.25) raconte comment Parakramabahu a embauché des forgerons, des chaudronniers et même des bijoutiers pour la construction, car à cette époque il y avait une pénurie notable de sculpteurs sur pierre.

Le Sri Lanka a toujours été célèbre pour le merveilleux travail des bijoutiers. Les chroniques mentionnent à plusieurs reprises des bijoux en or d’excellente facture. Les Cinghalais aimaient et continuent d'aimer diverses décorations. Dans l’Antiquité et au Moyen Âge, les rois et les riches courtisans portaient des boucles d’oreilles en or, des bracelets et des bagues ornées de pierres précieuses.

Joaillerie, en particulier transformation pierres précieuses, et prospère désormais dans la ville de Ratnapura, dans la zone de laquelle sont extraites des pierres semi-précieuses et précieuses. La taille est réalisée principalement par des bijoutiers cinghalais de Galle. Pendant de nombreux siècles, les artisans de Ceylan ont fabriqué une variété de produits à partir de métaux simples et précieux.

Cependant, au début du XXe siècle, selon Kumaraswamy, l'auteur du livre « Medieval Sinhalese Art » (54), la fusion du fer n'était préservée qu'à Khatarabagh, près de Balangoda, parmi les représentants de la caste inférieure, et la production d'acier était réalisée dans ces années-là par seulement quelques personnes à Alutnuvar. Les forgerons d'acier étaient appelés « Navandanno ». Depuis l'Antiquité, ils fabriquent non seulement des outils agricoles et des outils de menuiserie, mais aussi des épées, des lances et des pointes de flèches, des couteaux, des mortiers de bétel, des parties de palanquins, des instruments chirurgicaux, des aiguillons pour éléphants, des stylets pour écrire, des serrures, des clés et des plaques pour eux. , charnières de porte, boulons, poignées.

(54) Ananda K. Coomaraswamy, Art cingalais médiéval.

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Il y a trois principaux méthodes techniques décorations métalliques en or ou en argent :

1) la méthode la plus simple, lorsque la surface du métal est incisée de légères rainures qui se croisent, puis qu'une couche de métal noble est fixée à coups de marteau. En raison de la plasticité et de la ductilité de l'or et surtout de l'argent, ils adhèrent étroitement à la surface inégale du produit et y tiennent assez fermement. Dans le nord de l'Inde, une telle encoche est appelée koftgari ;

2) incrustation, lorsqu'en fer ou en acier les lignes du motif sont réalisées sous la forme d'une rainure étroite et profonde dont le côté sortie est plus étroit que le fond, et d'un fil de métal noble (ou cuivre, laiton - généralement de une couleur différente de celle du métal du produit lui-même) y est enfoncé. Le fil est enfoncé très fermement avec un marteau, les bords de la rainure le serrent fermement et il suffit ensuite de lisser la surface par polissage. Cette méthode est plus difficile ; il faut plus de métal pour l'ornement qu'avec l'encoche. Mais là où une résistance particulière est requise de la part de l'ornement, par exemple sur les armes, l'incrustation est plus souvent utilisée que l'entaille ;

3) une superposition, lorsque l'endroit en dessous est légèrement approfondi et qu'une rainure est réalisée le long du contour. Ensuite, une fine plaque d'or ou d'argent (également en cuivre), découpée à la forme de l'évidement, y est insérée, et les bords de la plaque sont enfoncés dans la rainure, martelés et polis. La plaque elle-même peut être décorée de gravures ou de reliefs ciselés.

Toutes ces méthodes de décoration sont appelées par le terme général « ridiketayanveda ». Le travail est généralement effectué par des forgerons, mais les objets particulièrement délicats sont traités par un orfèvre.

82-83. Manche de sabre et couteaux.

Les forgerons de Kandy noircissent souvent le fer forgé pour lui donner une apparence similaire à l'acier bleui européen. Le métal rouille alors moins et le métal précieux et, en général, les encoches et les incrustations ressortent mieux sur un fond sombre. Pour le noircissement, la surface métallique est traitée avec un composé spécial et cuite.

Les produits en laiton sont frappés par des orfèvres et les moules sont coulés par des fondeurs - lokaruvo, appartenant à un groupe inférieur d'artisans.

Un exemple de produit en laiton est la plaque à clés de Malwatte Pansala. Autour du trou se trouvent des formes stylisées de plantes et de fleurs ajourées, et au sommet se trouve une image de l'oie sacrée (hans) et deux oiseaux aux cous croisés. Ces assiettes sont généralement décorées de motifs végétaux plus petits réalisés selon la technique ajourée. La plaque de fer de Danagirigalavihara est également très impressionnante, en forme de deux têtes d'oiseau de proie tournées dans des directions opposées.

Toutes sortes de récipients sont coulés en laiton et en bronze, par exemple pour l'eau, disponible dans chaque vihara, à partir de laquelle sont arrosées les fleurs placées sur l'autel. Ils ont souvent un bec verseur et en boivent également de l'eau. Le bronze est moins couramment utilisé pour le moulage, mais les cloches d'éléphant, les cymbales musicales, les moules pour forger le laiton, l'argent et l'or, ainsi que les outils pour le battage médiatique sont presque toujours coulés en bronze.

Les lampes, qui se présentent sous des formes très différentes et très intéressantes, sont plus souvent coulées en laiton qu'en bronze. Ils sont disponibles debout et suspendus. Parmi ces derniers se trouve un bon exemplaire en laiton du musée de Colombo sous la forme d'un oiseau suspendu à une chaîne. En dessous se trouve un bec verseur avec un réservoir pour l'huile et une mèche, sur lequel se dresse une petite figurine d'oiseau. Le même musée abrite un lampadaire, décoré sur le dessus d'une figure stylisée de Hans. Ci-dessous se trouve un plateau extensible pour cinq mèches. L’œuvre semble être tamoule, très typique de l’Inde du Sud.

Les récipients à eau d'église en cuivre (kendiyya) sont parfois parsemés sur le col et le couvercle de grenats cabochons (à meulage arrondi). L'une de ces cruche de Ridivihara a un corps arrondi, un col haut et plutôt épais avec une légère cloche, un couvercle convexe et un bec haut légèrement incurvé. A sa base se trouve un ornement floral gravé.

Presque tous les articles ménagers sont décorés avec une ingéniosité, un goût artistique et un savoir-faire incroyables. Prenons, par exemple, la clé de la porte de Maduvanvelyvihara, massive, en fer, garnie de laiton, avec un riche ornement sur l'anneau ; ankh (ankuza), en laiton, avec une pointe de fer (de la collection Paranatella), avec une pointe courbée en forme de tête de monstre, ou des torches, où une figurine de paon ou de lion cabré est ajoutée au bol avec des décorations audace et grâce - tout surprend par une savante combinaison de commodité pratique et de goût artistique subtil.

Après le vol de Kandy par les Britanniques en 1815, de petits objets en argent et en or furent conservés dans les temples de Kandy. La plupart des récipients, lampes, plateaux et éventails sont restés, par exemple, dans le temple hindou de Maha Devale et le temple bouddhiste de la Dent de Bouddha - Dalada Maligawa à Kandy (55).

Voici quelques-uns de ces éléments. Kendiyya est un récipient à eau d'église, en argent, d'excellentes proportions : le corps est rond en section transversale, mais aplati verticalement, le col est haut, massif, légèrement en expansion vers le bas, à l'extrémité il y a un élargissement et un couvercle convexe, un pied rond large, bec vertical haut. Ornement léger sur la gorge en forme d'anneaux. Les formes sont massives, voire monumentales, ce qui correspond à l'absence presque totale d'ornement. Un grand verre pour conserver la pâte de bois de santal, en pierre noire, dans un cadre doré avec des inserts de rubis et avec quatre saphirs aux coins de la tige carrée. Le verre était en possession de Rajadhiraja Sinha et a été offert par lui au temple Maha Devale. Le long des bords du verre se trouve une bordure dorée avec un motif géométrique en relief, et des décorations dorées de formes complexes pendent sur quatre côtés. Il y a un ornement en relief sur la jambe. Tout cela contraste magnifiquement avec la pierre noire.

Un éventail doré en forme de disque rond de Dalada Maligawa est un cadeau offert par le roi Kirti Sri Rajasinha. Une bande de bordure ornementée s'étend le long des bords du disque et au centre se trouve une élégante rosace légèrement en relief. La fine poignée profilée de l'éventail est reliée par un ornement à la rosace centrale, et sur le bord opposé du disque dépasse une fausse pointe, comme si elle s'étendait sur toute la largeur du disque. Cette technique habile donne une grâce particulière à l’éventail et crée une impression visuelle unifiée.

77. Louche en argent avec manche en ivoire.

Une cuillère en argent luxueusement décorée - « kinissa » - avec un manche en ivoire sculpté (London South Kensington Museum (56)), provenant d'un temple ou d'un palais de Kandyan (voir fig. 77). L'écope est hémisphérique, richement décorée de motifs floraux stylisés légèrement en relief.

De côté, une figurine d'homme semble grimper sur la pelle, l'extrémité d'un manche en ivoire reposant sur son dos, représentant avec lui un tout. Ce détail étonnamment impressionnant, placé entre la cuillère et l'extrémité du manche, montre l'imagination créatrice originale et audacieuse du maître.

Par sa forme et sa composition, la figure humaine est exceptionnellement réussie et apparaît appropriée dans son rôle décoratif. L'ornement du manche est du type liya pata avec la tête d'un monstre ressemblant soit à un sinha (lion), soit à un poisson dragon, comme le monstre indien makara.

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(55) Voir : A. M. Hocart, The Temple of the Tooth in Kandy, Londres, 1931.

(56) Aujourd'hui appelé Victoria and Albert Museum.

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Produits en céramique

La céramique, malgré son apparente simplicité, avait une grande signification artistique en raison des belles formes des récipients et, bien que simples, des ornements habilement exécutés.

Les produits de poterie étaient utilisés non seulement pour les besoins domestiques, mais aussi pour les rituels sacrés, ainsi que pour l'architecture, puisque des tuiles d'argile étaient nécessaires à la construction.

Les potiers eux-mêmes fabriquaient l’ornement avec des sculptures ou des tampons. Sur les produits plus chers, l'ornement était représenté. Parfois, des peintures colorées étaient également utilisées.

Les potiers villageois savaient habilement utiliser les qualités plastiques de l'argile comme matériau et, lorsqu'ils donnaient forme à leurs produits, tenaient sans aucun doute compte des spécificités de leur destination pratique. L'ornement correspondait généralement aussi au matériau.

Il y avait des potiers dans chaque village ; Parfois, des colonies de potiers sont apparues à proximité de riches gisements d'argile. De là, les produits étaient transportés vers différentes régions. Il n'est pas surprenant que des pots rouges d'excellente qualité de Nikapata (près de Haputale), où travaillaient les Tamouls, soient allés à Balangoda, et que des récipients de Kelaniya, décorés de motifs sculptés blancs, se soient retrouvés à Ratnapura, Kegalla et même Kandy. Certaines poteries étaient également importées du sud de l’Inde.

Les outils des potiers étaient extrêmement simples ; l'essentiel est une roue (poruva), avec une douille en pierre, qui a été insérée dans un nid de pierre enfoncé dans le sol, de sorte que la roue ne s'élève pas du sol de plus de 15 cm. Le travail manuel a donné aux produits artistiques une liberté de forme et de plasticité. , contrairement à la sécheresse, résultant inévitablement de l'exécution de la forme à l'aide d'un pochoir machine.

Voici par exemple plusieurs pièces de poterie.

Le vase massif (kalakha) qui servait de support à une lampe est de belle forme. Il a un corps de section ronde, aplati verticalement, avec une gorge cylindrique épaisse, avec trois épaississements annulaires ; la jambe est large, ronde, basse. Tous les détails du vase sont proportionnels. Le tableau est jaune clair sur fond rouge, sous forme de motifs feuillagés stylisés.

Il y a un autre récipient d'une forme bizarre, avec douze becs saillants et des bords annulaires sur un col bas et large. En parfaite adéquation avec la forme complexe du navire, la jambe est très massive, large et assez haute ; il « tient » visuellement le corps large avec les becs. Le récipient était utilisé pour les danses rituelles et est appelé « punava ».

Les tuiles de la corniche du temple Dalada Maligawa étaient richement décorées ; d'un côté il y a un magnifique Sinha (lion) en relief, de l'autre il y a une Khansa (oie). À Kandy, des carreaux similaires étaient également fabriqués en forme de feuille de l'arbre sacré de la Bodhi et décorés d'images d'un lion et d'une oie.

La chanson du potier est très intéressante, dédiée à la description du processus de travail, y compris la peinture décorative des récipients.

« Se réveillant à l'aube, prenant un panier, [le potier] se rend aux dépôts d'argile ;

Après avoir nettoyé le panier et préparé une place parmi l'argile, il rend hommage à la divinité gardienne ;

Vêtu uniquement d'un pagne, il prend allègrement le coozin et descend dans la fosse ;

Sans toucher les parois du trou, il extrait l'argile du milieu et remplit le panier.

Après avoir broyé l'argile en morceaux, il pose le panier sur la poutre et verse l'argile dans le chantier du potier ;

Il divise ensuite l'argile en morceaux égaux et les place sur une grande natte au soleil ;

Après avoir séché l'argile et en avoir retiré les pierres, il la pile dans un mortier et la tamise au culla ;

Puis, prenant la poudre, il y ajoute la même quantité d'eau et fait des boules avec le mélange.

Il prend ces boules d'argile, les pose les unes sur les autres et les recouvre de feuilles ;

Au bout de trois jours, il les divise à nouveau en trois parties, puis les pétrit à nouveau ;

Connaissant la bonne proportion, il ajoute le sable le plus fin et, en projetant de l'eau, mélange à nouveau le tout ;

Après avoir pétri la masse, il en fait à nouveau des boules rondes et les met en tas ; et les reprend au bout de trois jours.

Après les avoir ainsi préparés, il piétine et pétrit l'argile encore et encore ;

Quand cela devient comme de la cire collante, il sait que c'est prêt ;

Il le divise ensuite en morceaux séparés pour des récipients de différentes tailles ;

Il dépose les mottes ainsi préparées à proximité de l'atelier et les recouvre soigneusement.

Le lendemain, à l'aide de roseaux fendus, il sépare les mottes d'argile les unes des autres ;

Et après les avoir bien divisés, il en fait à nouveau des boules et les maintient ensemble comme la veille ;

Le lendemain, réveillé aux aurores, il balaie et range l'atelier ;

Et tenant toutes les boules d'argile à portée de main, il s'assied devant le volant.

Il prend les boules d'argile une à une avec sa main droite et les place sur le tour ;

De sa main gauche il fait tourner la roue, de sa main droite il façonne [le vase] ;

Connaissant la taille et la forme [du récipient], il appuie avec sa main ;

Lorsque la forme souhaitée apparaît, il façonne les bords.

Laissant [le récipient] sous cette forme et faisant une jante, il fait tourner la roue très rapidement ;

Et voyant si elle est devenue lisse, il corrige toutes les irrégularités du bout du doigt ;

Arrosant un peu d'eau, il polit le pot, puis le prend avec précaution avec sa paume grande ouverte ;

Il le pose puis le reprend trente heures après l'avoir réalisé.

Tenant ensuite une galicheda en pierre dans la main gauche et un maillet en bois dans la droite, tenant fermement le récipient avec le pied ;

Il frappe [sur ses bords inférieurs] avec la surface plane du maillet, en faisant [d'eux] le fond sur toute la largeur du pot ;

Et ayant ainsi achevé le fond et l'avoir poli, il place [le vase] au soleil ;

Après qu'il ait un peu séché, il dessine autour du récipient des branches avec des feuilles [liyavel], des guirlandes et des pétales de fleurs.

Dessinant autour des lignes, des pétales de fleurs, des coqs, des perroquets, des pigeons, des selalihini ;

Et tour à tour les feuilles du bo [arbre], les bouquets de fleurs et de dattes, les fleurs de na, les fleurs d'oleu et les lotus ;

En créant des disques du soleil et de la lune, makara à la porte [toran] et hansu doré ;

Éléphants, chevaux, cerfs, lions, tigres, loups, ours, cobras et polongas.

Tisara nageant, lihini volant, beau kinduro et abeilles mellifères ;

De grands boas, de nombreux serpents féroces, des requins, des tortues et des paons dorés ;

De belles jeunes filles, dont les seins rebondis sont comme des cygnes d'or ;

N'oubliez pas de dessiner des enfants adorables et mignons.

Dessiner autour du nari lata, des branches avec des feuilles et aussi des lettres de l'alphabet avec des signes de voyelles ;

En plaçant un trident avec le signe « om » au milieu comme talisman ;

Dessinant aux quatre coins des animaux aux cous entrelacés [puttu], un paon, un cobra, un cygne et un serpent ;

Signes du zodiaque, neuf planètes et vingt-sept étoiles.

Il prend du bon rouge [peinture] gurugal et du blanc - macula et les mélange dans l'eau jusqu'à obtenir une solution épaisse ;

Le mélanger avec la bonne quantité d'huile pour faire briller les couleurs ;

Après cela, il expose [les pots] au soleil pour qu'ils sèchent complètement ;

Et puis, après les avoir placés dans un four, il les sèche dans la fumée le premier jour.

Le deuxième jour, en ajoutant autant de bois qu'il en faut, il entretient un feu modéré ;

Le troisième jour, il allume une flamme assez chaude et brûle jusqu'au bout ;

Après cela, il retire le bois et éteint la flamme, laissant [le produit] refroidir pendant trois jours ;

Le quatrième jour, s'assurant que le four est complètement refroidi, il sort les récipients un à un. (57)

Cette chanson contient toute l'expérience de production du potier, transmise depuis des siècles de génération en génération, et son travail est subtilement poétisé.

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(57) Ananda K. Coomaraswamy, Art cingalais médiéval.

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Art textile

Le tissage, la broderie et le tissage de nattes sont très répandus sur toute l'île depuis l'Antiquité.

Parmi les Cinghalais, il y avait deux groupes de tisserands : les Salagamayo - artisans originaires du sud de l'Inde qui fabriquaient des tissus fins et des brocarts, et les Beravayo - une caste de tisserands locaux qui travaillaient simultanément comme musiciens, astrologues, etc.

Selon la tradition, le roi Vijayabahu III (XIIIe siècle) de Dambadeniya, essayant de relancer le tissage raffiné, envoya un messager en Inde du Sud pour lui demander d'envoyer bons artisans. L'envoyé revint, emmenant avec lui huit tisserands, à qui le roi offrait des villages, des épouses et des honneurs. Les descendants de ces tisserands ont encouru la défaveur des dirigeants kandyens et ont été contraints de s'installer sur la côte sud-ouest. Là, ils ne s'occupaient plus du tissage, mais de la culture de la cannelle sur les terres royales. Leur position était la même sous la domination portugaise et hollandaise.

L'ouvrage de la fin du Moyen Âge Janavamsa rapporte l'importation répétée de tisserands indiens au Sri Lanka. La production locale était en train de disparaître et devait être constamment soutenue par l'immigration d'artisans du sud de l'Inde.

Pendant la période de domination anglaise, la production textile populaire est tombée en déclin. Avant que le Sri Lanka n’obtienne son indépendance, comme l’écrit A.K. Le Kumaraswamy, tissage à partir de fils de coton faits maison, autrefois courant dans toutes les provinces de Kandyan, ne survit qu'à Talagun, Uda Dumbara et localement près de Vellasa à Uva.

Depuis l'Antiquité, la caste des tisserands cingalais locaux produisait des tissus de coton simples, qui furent produits jusqu'au début du 20e siècle. Les tisserands des villages de la région de Kandy étaient particulièrement réputés. Leurs produits n'ont pas été influencés par les changements dans les modes de la cour ni par l'art des tisserands du sud de l'Inde arrivés ici.

En règle générale, les vêtements locaux, comme les vêtements nationaux indiens, ne sont pas cousus par des tailleurs à partir de divers morceaux de tissu, leurs pièces sont tissées toutes faites et doivent donc sortir du métier à tisser. différentes formes et tailles. C'est ainsi que les serviettes et serviettes de table (indul kada), les tissus portables pour hommes (tuppoti), pour femmes (pada, hela), les tabliers pour hommes (diya kachchi), les foulards ou châles (lensu, ura mala), les écharpes (pati), les couvertures. sont confectionnés des draps (etirili), des tapis (paramadana), des housses pour cruches en argile (gahoni) et des taies d'oreiller, etc. Des tissus blancs, bleus ou rouges sans motif étaient confectionnés pour les vêtements des moines, les chapeaux, les taies d'oreiller, les sacs de bétel, etc. Ces tisserands de village ne fabriquaient jamais de fines mousselines.

Les motifs étaient majoritairement de nature géométrique ou sous la forme de formes hautement stylisées d'animaux, de serpents, d'oiseaux, dont les figures étaient rassemblées dans des compositions strictement décoratives.

Une ceinture intéressante et richement décorée, par exemple, avec des images tissées, appartenait à un haut moine bouddhiste de Malwatta, fabriquée dans la région d'Uva. Dans les ceintures horizontales se succèdent des rangées d’éléphants, de chevaux, de lions et d’oiseaux très stylisés. Ces ceintures alternent avec des rayures remplies de motifs géométriques. Les couleurs sont également variées : noir, rouge, rose, bleu, vert et jaune.

Les formes géométriques ne sont pas impersonnelles : elles représentent généralement des plantes et des fleurs, des boucles de coupes fleuries, etc.

La broderie, comme les tissus, était divisée en productions à échelle limitée (pour la cour et la noblesse) avec motifs décoratifs d'origine indienne et de production effectivement locale, cingalaise.

Il y avait peu de tailleurs professionnels (khannali), ils servaient le roi et sa cour avec de luxueuses broderies ; pour les temples bouddhistes et hindous, ils fabriquaient des robes sacrées, des rideaux, des bannières de temple, etc., et participaient à la décoration des chars pour les processions sacrées. POUR les riches propriétaires terriens laïcs, ils fabriquaient des vestes en brocart, des chapeaux carrés brodés d'or (toppiyya) et des pulls brodés pour leurs familles. Les matériaux coûteux pour ces articles étaient pour la plupart importés d'Inde, comme le feutre rouge, le velours, les paillettes et les guirlandes, le brocart pour les vestes et le fil d'or pour broder les chapeaux et les éventails de cérémonie.

L'un d'eux, originaire de Maha Devale à Kandy, est en velours rouge, brodé de fils d'or et d'argent, avec des appliqués de velours vert ; ornement en forme de formes végétales géométriques, au centre il y a une rosace, la face avant est en velours bleu, sur laquelle sont brodés le soleil, la lune et les étoiles.

Le sac à bétel était brodé de manière impressionnante et variée, le plus souvent avec des motifs végétaux et floraux, toujours avec une bordure richement ornée. L'un de ces sacs, conservé au musée de Colombo, est brodé d'une manière particulièrement élégante et fine. Au centre se trouve une rosette à quatre feuilles pointues, entre lesquelles se trouvent de petites fleurs sur les tiges les plus fines et des figures d'oiseaux. Entre la rosace centrale et la bordure circulaire, brodée de fines torsades florales et de fleurs, se trouvent également des figures d'oiseaux.

Les nattes (dumbara), tissées par les tisserands de la caste la plus basse - les kinaraya (58), revêtent une importance non négligeable pour la vie économique et quotidienne. La fibre est fabriquée à partir de chanvre. Une partie de la fibre est laissée en blanc naturel, le reste est teint en noir, jaune ou rouge.

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(58) Voir : N. D. Wijesekera, The People of Seoul, Colombo, 1965.

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Les fils de chaîne sont filés comme du coton sur un fuseau ; pour la trame, on utilise des fibres de chanvre naturel prêtes à l'emploi, sur toute la longueur du tapis. Le métier à tisser est horizontal, semblable à un métier à tisser en coton, mais plus primitif. Les nattes sont également tissées à partir d'herbe et sont appelées « peduru ». La couleur principale pour eux est le Patangi, qui donne une belle nuance de rouge.

Les images sur les tapis sont massives, géométriques, voire monumentales dans leur forme et leur composition et conviennent parfaitement au but décoratif des tapis car elles sont inextricablement liées à la pièce et à l'architecture.

Il existe deux exemples intéressants de tels tapis dans la collection de A. K. Kumaraswamy. Sur l'une, sur la place centrale, divisée en neuf sections rectangulaires, sont représentés : au milieu - un éléphant, dans les rectangles latéraux - un naga (cobra), surélevé avec une capuche gonflée. Les rangées supérieure et inférieure de rectangles ont le même remplissage : au milieu - une biche, sur les côtés - une paire d'oiseaux. La composition de ces figures montre le juste tact artistique : les biches (supérieures et inférieures) sont tournées dans des directions opposées ; chaque paire d'oiseaux est également séparée en plaçant la tête dans des directions différentes. Ceci subtilement calculé dispositif artistique le maître évite la monotonie accentuée.

Du carré central avec des personnages partent des bandes transversales : la première est décorée de lignes en zigzag, puis de trois larges bandes, puis d'un certain nombre de lignes étroites. Tout est conçu pour l'effet visuel.

Sur un autre tapis, la composition générale est similaire à la précédente. Au centre se trouvent deux oiseaux, également tournés en sens inverse, et nus sur les côtés. Au-dessus et en dessous se trouvent des ceintures avec des poissons et des oiseaux, trois ceintures en haut et en bas. Toutes les figures sont dirigées dans un ordre différent, mais strictement pensé, avec le bon effet décoratif.

Fabriquer des masques

Il est impossible de ne pas aborder un art aussi unique et dynamique du Sri Lanka que celui des masques. Ils sont depuis longtemps répandus en tant que partie intégrante du théâtre et de la danse folkloriques et sont extrêmement populaires dans le pays depuis l'Antiquité (59).

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(59) Voir : Verge de Zoete, Dance and Magic Drama in Ceylon, Londres, 1935 ; E.R. Sarachandra, Le drame populaire à Ceylan, Colombo, 1966.

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Le spectacle dramatique du kolam est entièrement consacré à l’utilisation de masques. Les masques sont également utilisés dans les danses démoniaques du « tovil ».

85. "Batteur"

Bien que la signification symbolique et religieuse des danses ait aujourd'hui largement disparu, les masques des danseurs et des acteurs eux-mêmes restent un spectacle des plus attractifs pour la population, notamment dans les villages.

Les sculpteurs de masques en bois n'ont pas toujours poursuivi des objectifs purement artistiques, et de nombreux masques n'ont qu'une signification spécifique. signification symbolique. Mais ligne entière ils peuvent être considérés comme de véritables œuvres d'art populaire en raison de leur expressivité extérieure. Leur signification ethnographique est également grande.

Les masques les plus intéressants sur le plan artistique sont utilisés dans la danse « rassaya » en prélude au spectacle « kolam ». Il existe des masques très fantastiques et monstrueux représentant des êtres semi-divins.

Les nombreux masques de la danse « sanniya » utilisés dans le spectacle « tovil » sont bien plus réalistes. Ils semblent reproduire des caricatures de personnes.

Très particulier, par exemple, est le masque d'un vieux batteur avec une grande barbe épaisse et un visage profondément ridé, sénile et expressif, bien que ses yeux exorbités et sa bouche hargneuse lui confèrent un grotesque particulier (ill. 85).

Une expression concentrée mais sournoise sur le visage avec un pli raffiné des lèvres d'un mudali - un haut fonctionnaire du gouvernement.

86. Masque Raja.

Le Raja a un visage avec une belle moustache noire et une couronne en forme de structure complexe trois fois la taille de sa tête ; sur les côtés du visage se trouvent les museaux de deux makars fantastiques (ill. 86). Chez la bisawa (reine) Beau visage avec un pli élégant des lèvres, les yeux grands ouverts, comme surpris. La couronne majestueuse est mémorable par son motif végétal et floral. De là descendent des deux côtés des pendentifs en tissu « perlé », sur lesquels le visage de la reine semble particulièrement solennel.

Le visage d'une femme noire aux cheveux luxueusement ondulés et à la coiffure qui tombe derrière les oreilles jusqu'au niveau du menton est également intéressant. Elle rit de toutes ses forces, montrant des rangées de dents brillantes. Il est à noter que ce détail est utilisé pour caricaturer des personnages de bas rang social : ils ont généralement des dents terriblement saillantes, anormalement énormes, déformées ou clairsemées. La femme noire, que l'artiste a clairement essayé de montrer comme attirante, a des dents droites et belles.

Si les dents ne sont pas du tout montrées chez les plus hautes personnes, chez le couple royal, chez le mudali, chez le chef du village et le policier, alors le prêteur sur gages (hettiya) a un visage déformé, un nez tordu, de petits yeux prédateurs et deux grandes dents dans une bouche entrouverte.

La blanchisseuse (mâle) a de grands yeux exorbités, un nez large et une langue qui dépasse entre des rangées de grandes dents bien serrées. Son assistant est encore plus caricatural avec un nez aplati et la rangée de dents supérieure poussée très en avant. Les masques de danse Sanniya sont très expressifs, ils ont beaucoup de créativité, mais ils ont l'air beaucoup plus naturalistes.

87. Masque pour les cérémonies

L’artisanat décrit remonte à la fin de l’ère coloniale, époque où les métiers d’art, tant artistiques qu’industriels, étaient en déclin. Mais cette industrie culture populaire, heureusement, n'a pas péri : presque tous les types de produits artistiques, bien qu'en petites quantités, ont continué à être créés, préservant leurs caractéristiques nationales.

L'intérêt accru pour la culture nationale locale après l'indépendance du Sri Lanka, l'aide globale du gouvernement aux métiers d'art ont contribué à leur nouveau développement et certains types de production artistique ont été littéralement relancés.

De nouveaux types de produits apparaissent, notamment à caractère purement décoratif, alors que dans l'Antiquité toute production artistique n'avait qu'une finalité pratique.

Des céramiques fabriquées sur la base de traditions anciennes sont apparues et des sculptures décoratives ont commencé à être réalisées, par exemple. sculpture sur boisà partir de bois de montagne précieux, des plateaux muraux décoratifs, martelés en laiton et autres métaux qui reproduisent le grand art célèbres «pierres de lune» anciennes.

En faisant revivre les métiers d'art populaires, les populations cinghalaise et tamoule de l'île préservent et développent leur traditions nationales; votre talent et vos compétences créatives.

L'Inde est l'un des États anciens avec une culture dynamique et diversifiée. La formation de son style architectural particulier, ainsi que la sculpture, la peinture, la musique et la danse, ont été influencées par trois mouvements religieux différents : le bouddhisme, l'hindouisme et l'islam. À cet égard, des monuments culturels historiques ont été préservés jusqu'à nos jours, qui peuvent en dire long sur la vie du pays dans les temps anciens.

Architecture de l'Inde

La religion principale de l'Inde est l'hindouisme ; c'est une doctrine religieuse aux multiples facettes avec un panthéon de dieux diversifié. Les temples hindous, ou mandirs, comme on les appelle aussi, offrent un spectacle étonnant ; ce sont des structures en pierre en forme de pilier recouvertes de sculptures en pierre exquises. Le temple est généralement dédié à l'une des incarnations de Dieu ou à l'une des vierges, et c'est lui que les gens viennent adorer. Il existe également des temples dédiés à plusieurs dieux à la fois. Les temples hindous en Inde qui ont survécu jusqu'à ce jour ont une importance historique ou archéologique importante et sont donc protégés par l'Archaeological Survey of India. Le plus souvent, ces temples étaient construits en brique et en bois. style architectural ils diffèrent les uns des autres selon la zone où ils se trouvent. Une grande partie des temples hindous ont été endommagés pendant le règne islamique.

L'architecture bouddhiste comprend des temples bouddhistes construits dans les rochers avec de nombreuses statues de Bouddha en forme d'homme. Chacune de ces statues transmet un message crypté aux gens. Ainsi, à partir de divers petits détails, on peut en dire long sur ce que nos ancêtres voulaient nous transmettre. Dans les temples bouddhistes, il y a des « stupas », qui sont des structures commémoratives circulaires. On suppose qu’ils contenaient autrefois les restes du défunt. Les murs des temples bouddhistes sont décorés de fresques représentant des scènes de la vie de Bouddha, qui ont été conservées en excellent état jusqu'à ce jour grâce à l'utilisation de peintures spéciales durables.

Depuis l'époque où l'Inde est passée sous l'influence des conquérants islamiques, de nombreuses belles mosquées ont été construites sur son territoire. Le monument le plus célèbre de l’Inde est le mausolée du Taj Mahal. Elle était un symbole de l'amour de Shah Jahan pour sa femme Mumtaz, décédée en couches. Le Taj Mahal est fait de marbre blanc, décoré des plus belles sculptures et installé sur un immense piédestal, il ressemble donc à un nuage blanc et aérien. D'autres mosquées situées en Inde ont également une importance culturelle importante.

Sculpture de l'Inde

Outre les temples, un grand nombre de figurines représentant des dieux ont survécu jusqu'à nos jours. Les principaux dieux hindous sont Brahma (le créateur, son incarnation est une figure humaine assise avec plusieurs têtes et plusieurs bras, le plus souvent il est assis sur une fleur de lotus), Vishnu (le gardien, son incarnation est constituée de divers avatars : il est le plus souvent représenté de couleur bleue doté de quatre mains contenant chacune un coquillage, un disque, une massue et un lotus, il peut également être représenté assis sur un anneau de serpents, ou sur le dos d'un oiseau. Les autres avatars associés à Vishnu sont le poisson, la tortue, l'homme lion, le sanglier, le nain, Rama, Krishna et Bouddha. Aux pieds de Vishnu il y a peut-être une image de sa femme.) Shiva (le destructeur, il est parfois représenté comme un ascète, dont le corps est frotté de cendre blanche, il est lui-même assis dans une pose de méditation sur une peau de tigre dans le Himalaya. Attaché à ses cheveux, au sommet de sa tête, se trouve un croissant de lune d'où coule le fleuve sacré du Gange. Parfois, lui - Nataraj, le seigneur de la danse, est représenté dans un tourbillon gracieux, tandis qu'il soutient l'Univers avec sa danse sans fin. , Shiva est souvent représenté avec sa femme Parvati et le taureau Nandi, sur lequel il se déplace, Shakti (l'incarnation féminine des épouses Shiva et Vishnu, parfois aussi appelées Shakta - une belle femme). elle a de nombreuses incarnations - Durga, Kali, Chandi ou Chamundi-Shakta est le plus souvent représentée comme une belle femme assise dans une pose de méditation, dans certains cas elle est représentée à côté de son mari Shiva et de son petit fils Ganesha). Il existe de nombreux autres dieux dans l'hindouisme, le plus populaire d'entre eux est Ganesha, il est le fils de Shiva et de Parvati. Il est généralement représenté comme une figurine d'homme à tête d'éléphant. Les représentations picturales des dieux du panthéon hindou, ainsi que les statues et sculptures, revêtent une grande importance culturelle.

Arts et artisanats de l'Inde

Un grand nombre d'objets d'art précieux, qui constituent le patrimoine de cette étonnante civilisation ancienne, sont conservés dans les musées. Ceux-ci comprennent de nombreux textes anciens à contenu religieux, de poésie et de prose, des peintures et de nombreuses icônes, des miniatures mogholes, qui sont des illustrations pour des livres, ainsi que de la vaisselle, des bijoux, des armes, des tapis, des textiles, des laques uniques, des produits en bronze et en métal et des articles ménagers. . L'artiste russe Roerich a grandement contribué à la préservation des trésors et des monuments architecturaux de l'Inde. Plus tard, son initiative a été soutenue par son fils Sviatoslav Roerich, qui a contribué à la conclusion du Pacte international pour la protection des biens culturels.

L’art de l’Inde ancienne est progressivement apparu comme une synthèse de l’architecture, de la sculpture et de la peinture. Bien entendu, il a été influencé par des styles artistiques étrangers, mais n’a rien perdu de son caractère unique.

Sculptural, et plus encore monuments architecturaux Il reste très peu de choses des époques harappéenne et védique. Très probablement, l'architecture de cette époque avait des formes simples et strictes, car, au moins extérieurement, les maisons de Harappa et de Mohenjo-Daro ne comportaient aucun élément décoratif. L'art ancien de la sculpture et de la glyptique (figurines et sceaux en pierre, terre cuite et bronze dont le but n'est pas clair, poterie) s'est développé dans une direction réaliste et a montré les goûts artistiques élevés de ses créateurs.

L’apogée de l’architecture et de l’art indiens anciens s’est produite à l’époque Mauro et « l’âge d’or des Guptas ».

À l'époque des premiers empires indiens, une construction intensive de palais a été réalisée dans le pays, mais les palais royaux étaient construits en bois et n'ont donc pas survécu. Dans le même temps, l'architecture des temples bouddhistes a prospéré, qui, contrairement à l'architecture des palais, était en pierre et partiellement préservée. Ses attractions les plus anciennes sont les stupas dans lesquels étaient conservées des reliques bouddhistes (parties du corps de Bouddha et des saints bouddhistes). Le stupa en forme de dôme, dont le prototype était peut-être un tumulus en terre, symbolisait le vide, la fragilité et le caractère illusoire de l'existence terrestre (de l'extérieur, le stupa ressemble à une bulle d'eau qui éclate immédiatement lorsqu'il pleut).

Au 3ème siècle. n. C'est-à-dire qu'à proximité des stupas et des sites de crémation des saints bouddhistes, la construction de temples rocheux chaitya et de cellules monastiques vihara a commencé. Ils ont été creusés dans la roche selon la méthode de la « sculpture interne » : d'abord, les locaux ont été découpés, puis dans ses murs - des images sculpturales de Bouddha et de saints. La façade du temple sur tout le plan était décorée de reliefs et de colonnes. et des « fenêtres ensoleillées » spéciales par lesquelles la lumière du jour pénétrait dans le temple. Lorsque le temple devint trop petit pour les moines, de nouvelles grottes furent creusées à côté, ce qui donna naissance à des complexes de grottes entiers.

L'un des complexes de temples les plus anciens (d'ailleurs le mieux conservé) a été érigé à Karli, au sud-est de l'actuelle Bombay. Mais le complexe de temples le plus célèbre est Ajanta dans le Maharashtra - 29 grottes rocheuses situées dans le cadre montagneux de la rivière Vahuara. Ajanta est devenue célèbre grâce à ses magnifiques peintures, qui seront discutées séparément.

L’art de la sculpture a également prospéré dans les anciens empires indiens. Les sculpteurs ont reproduit des scènes des Jatakas dans la pierre (ils dominent notamment la porte-Toran sculptée du stupa de Sanchi), des statues sculptées de Yakshas et Yakshinis - dieux de la fertilité, gardes du dieu de la richesse Kubera.

Dans la capitale méridionale de l'empire Kushan - Mathura, où s'était développée une école d'art indépendante, les courtisanes locales posaient volontiers devant les sculpteurs pour créer des statues de Yakshini, qui participaient au financement de la construction d'autels et de temples. De telles statues avaient peu de points communs avec les images mythiques des Yakshini ; l'érotisme y dominait. Les sculpteurs de Mathura aimaient généralement décorer les temples avec d'élégantes scènes érotiques, à côté desquelles l'érotisme des autres écoles d'art d'antan semble pathétique. La pornographie sur pierre de certains temples indiens a été générée par le fort mysticisme sexuel des religions indiennes, dont l'art dépendait entièrement.

Au cours de la période Mauryan, est née une tradition consistant à construire des colonnes de stambha sculptées dans des lieux associés à la biographie de Bouddha et sur les routes de pèlerinage vers les sanctuaires bouddhistes.

Dans les premiers siècles de notre ère, au Gandhara, sous l'influence des traditions artistiques hellénistiques, une école d'art locale a émergé, appelée « gréco-bouddhiste » ou simplement Gandhara. Elle se distingue par le transfert de sujets bouddhiques dans la sculpture gréco-romaine. C'est au Gandhara qu'apparaît l'iconographie du Bouddha (vraisemblablement au 1er siècle après J.-C.) et que les images de symboles bouddhistes prennent le relais : la « roue de la loi » (chakra), « l'arbre sacré » (bodhi), le « parapluie », pieds, trône, etc. Bouddha était représenté avec ses 32 signes canoniques : des lobes d'oreilles étirés, un renflement caractéristique sur le sommet de la tête (un signe de sagesse suprême), une marque entre les sourcils (un symbole). d'une grande puissance spirituelle), cheveux courts sur la tête, tordus en boucles (symbolisant le mouvement du soleil et l'éternité), halo, etc. Le visage du Bouddha était idéalisé au maximum. Une symbolique complexe des positions des mains et des mains. doigts (mudra) a été développé : chaque geste de Dieu était représenté dans trois poses canoniques : assis (en méditation profonde), debout (Bouddha va prononcer un sermon) et couché (le moment de la transition vers le nirvana). croyaient que plus la statue de Bouddha était grande, mieux elle transmettait la grandeur de la divinité (et plus son influence sur les croyants était forte), c'est pourquoi ils créaient souvent des colosses en pierre et en cuivre, à côté desquels se démarqueraient les anciens colosses égyptiens, moins majestueux. . À l'époque Gupta, les sculpteurs représentaient des dieux individuels avec de nombreux bras et plusieurs jambes, essayant ainsi de transmettre leur force et leur puissance surhumaines.

Un grand nombre d’œuvres d’art précieuses constituent le patrimoine de cette étonnante civilisation ancienne et sont conservées dans les musées. Il s'agit notamment de nombreux textes anciens à contenu religieux, de poésie et de prose, de peintures et de nombreuses icônes, de miniatures mogholes, qui sont des illustrations pour des livres, ainsi que de la vaisselle, des bijoux, des armes, des tapis, des tissus, des laques uniques, des produits en bronze et en métal et des articles ménagers. . L'artiste russe Roerich a grandement contribué à la préservation des trésors et des monuments architecturaux de l'Inde. Plus tard, son initiative a été soutenue par son fils Svyatoslav Roerich, qui a contribué à la conclusion du Pacte international pour la protection des biens culturels.

Lorsque les Européens et les Américains mentionnent l’Inde, ils ont de fortes associations. C'est Bollywood, le yoga, les traditions strictes, inébranlables valeurs familiales et des décorations incroyablement belles. Les bijoux indiens avec une abondance de bijoux, de l'or et de l'argent de la plus haute qualité et des designs complexes qui « parlent » avec des motifs folkloriques connaissent un grand succès partout dans le monde. La culture des bijoux indiens a eu une grande influence sur la culture européenne, comme en témoignent les meilleurs bijoux de la couronne britannique, qui sont soit fabriqués dans le style indien, soit décorés d'un grand nombre de pierres indiennes. La maison Cartier s'est imprégnée de l'esprit au début du XXe siècle civilisation indienne et publie désormais périodiquement des collections basées sur ce thème.

Les maharajas indiens, effectuant de longs voyages en Europe et en Amérique, ont apporté leurs bijoux fantaisie, grâce auxquels les maîtres bijoutiers ont commencé à apprendre à réaliser un travail complexe en filigrane avec des pierres précieuses, créant ainsi des bijoux de style indien. Les résidents européens, tombés amoureux des mélodies orientales des bijoux indiens, ont commencé à exiger que les artisans locaux les fabriquent sur commande. C’est ainsi que l’Inde a trouvé sa fenêtre sur l’Europe.

Produits fabriqués à partir de pierres semi-précieuses. Les bijoux indiens ont leurs propres caractéristiques distinctives qui les rendent reconnaissables et uniques. Ces produits sont symétriques. Malgré la variété de pierres de différentes couleurs et la combinaison de différents matériaux, elles ne sont pas encombrées. La vie festive des Indiens est étroitement liée à la danse et les décorations ont toujours fait partie du costume de cérémonie. Ils ont donc leur propre son et leur propre musicalité.

L'Inde est un pays avec ses propres traditions de joaillerie qui se transmettent de génération en génération. Chaque ville où sont fabriqués les bijoux est spécialisée dans un certain type de travail. La célèbre Jaipur est célèbre pour l'art du travail de l'émail, l'Andhra Pradesh est célèbre pour son travail de l'argent et Delhi pour ses montures de bijoux. Chacune de ces villes possède son propre bazar à l'or et, malgré le prix élevé de l'or et de l'argent purs, les bijoutiers indiens ne lésinent jamais sur l'abondance de détails fabriqués à partir de ces métaux précieux.

Les bijoux indiens sont fabriqués à partir d'or, d'argent, de faïence, d'ivoire, de céramique, de cuivre, de bronze, de pierres précieuses et semi-précieuses. ils ont été trouvés à différents endroits lors de fouilles, et depuis lors, chaque ville possède ses propres caractéristiques en matière de bijoux.

Traditions et modernité des bijoux indiens. Les styles Menakari et Kundali sont nés à Jaipur et à Delhi. Menakari est l'art de l'émail, un artisanat traditionnel indien. De l'émail a été appliqué sur les bijoux pour tester la qualité de l'or. Plus les bijoux en émail brillent, meilleur est l'or utilisé.

Le Kundali est la plus ancienne méthode de fabrication de bijoux en or en Inde. Le style menakundan présente de véritables œuvres d'art de différentes couleurs affichées au dos des bijoux, tandis que le style kun dala est présenté sur la face avant. Les bijoux modernes dans ces styles sont fabriqués par des artisans de Bikaner et du Rajasthan. Ils sont attrayants en raison de leur aura historique, qui nous ramène à une époque où un tel luxe n'était accessible qu'aux riches sangs bleus.

Certains des bijoux indiens les plus simples sans utilisation de pierres sont les bracelets en or, les perles, les boucles d'oreilles, les pendentifs, qui sont constitués de plusieurs rangées de pièces plates, de barres, reliées entre elles par les fils les plus fins.

L'art indien est célèbre pour ses motifs traditionnels, qui se reflètent également dans les bijoux. Ils ont surtout souvent recours à des thèmes floraux et animaliers. Ces décorations sont une sorte de talismans, puisqu’elles n’ont pas seulement un but décoratif. Chaque fleur et chaque animal personnifie les souhaits du propriétaire, le protège du malheur, apporte richesse, fertilité et bonne chance. Même dans un bracelet bon marché, il n'y aura pas de design aléatoire - tout est pensé dans les moindres détails.

La décoration de l'Hindoustan est constituée de traditions nationales, combinées au luxe, qui attirent un autre monde. Une dispersion de pierres précieuses sur le cou ou des boucles d'oreilles modestes - il vous suffit de choisir en fonction de vos goûts, de vos capacités et de l'occasion appropriée.

Sculpture sur bois. Lorsque les Mongols envahirent l’Inde au XVIe siècle, ils rencontrèrent l’une des plus anciennes civilisations du monde. Vers 3000 avant JC e. la ville de Mohenjodaro dans la vallée de l'Indus avait un tracé régulier ; La plupart des bâtiments, en raison d'une humidité importante, étaient en briques cuites.

Le climat chaud exigeait la construction de cours qui entouraient l’espace des chambres.

Vers le 4ème siècle avant JC. e. les formes artistiques ont subi des changements importants. Des éléments grecs mélangés à des éléments indiens, résultant en des formes nouvelles et uniques. Les meubles ont également changé au cours de cette période. Un cadre de lit bas et primitif sur quatre pieds traversés par des supports s'est répandu. Dans ce cas, le plan de couchage était en osier. Ces lits, fabriqués dans des matériaux coûteux, étaient toujours richement décorés. Un produit typiquement indien est un tabouret avec des pieds tournés et vernis et une assise en osier.

En Inde, riche en résines diverses, la technique du vernissage était très développée, ainsi que l'utilisation des résines à des fins décoratives. L'une des méthodes consistait à vernir avec des vernis colorés, qui séchaient assez rapidement. Celui-ci était principalement utilisé pour les meubles tournés. Les petits meubles et tiroirs individuels étaient fabriqués en papier mâché et vernissés de manière assez complexe. Des incrustations d'ébène, de nacre, d'ivoire (mosaïque de Bombay) ainsi que des sculptures en ivoire étaient utilisées pour décorer les meubles.

La simplicité des Indiens est attestée par un simple « meuble » portable - un support pour le corps : un fakir qui s'accroupit, pose ses mains et sa tête sur le support et dort paisiblement. Cependant, les Indiens savaient aussi bien ce qu'était le confort. En témoigne, par exemple, la chaise de cérémonie d'un moine bouddhiste, qui dans sa conception ressemble à un ancien trône indien.

Mobilier moderne de style indien. Plus tard, lorsque l’influence de l’Europe a touché l’Inde, de nouveaux besoins sont apparus et ont ravivé le savoir-faire millénaire des Indiens. Un nouveau style mixte émerge. Au XIXe siècle, les amateurs de meubles indiens étaient nombreux en Europe, le plus souvent achetés pour leur décoration luxuriante et exotique. Tout d’abord, les meubles décorés de mosaïques de Bombay étaient valorisés. Tout cela a conduit à la renaissance de l’art du meuble indien. Bien que les nouveaux meubles indiens aient commencé à prendre des formes européennes, ils ont conservé leur caractère national caractéristique, grâce à la grande quantité d'ornementations indo-arabes.

Le style du mobilier indien, malgré ses caractéristiques inhabituelles et étrangères, est intéressant et très décoratif. Outre l'élaboration minutieuse des détails, nous sommes tout d'abord impressionnés par la passion des peuples asiatiques pour le faste et l'ornementation complexe, qui n'est pas toujours organiquement liée à la destination d'un produit particulier.

Les couleurs les plus typiques du style indien moderne sont le turquoise, le cramoisi et l’orange. De plus, ils sont tout à fait uniques en leur genre. La soie indienne est un peu rugueuse et n’est pas aussi lisse et glissante que la soie chinoise. Meubles en Maisons indiennes basse, taillée à la main dans du teck, un bois très résistant.

Un trait caractéristique de l'intérieur indien est la transformation facile des détails de la maison : chaises et tables, paravents, volets et portes « changent souvent de rôle ». Les résidents indiens ont profité de chaque occasion pour décorer et décorer leurs maisons.

Les sculptures ajourées luxuriantes de l'art du meuble indien témoignent de la passion particulière des Indiens pour la décoration et les décorations luxueuses.

Ainsi, l’artisanat artistique de l’Inde est l’un des plus anciens au monde. Les artisans populaires ont acquis des compétences extraordinaires dans le tissage et le traitement des métaux. Ils étaient particulièrement célèbres pour le gaufrage, la sculpture sur métal, le filigrane, l'incrustation, la sculpture sur bois et sur os et la fabrication de produits en laque. L'artisanat était courant non seulement dans les villes, mais aussi dans les zones rurales, où, en fonction des conditions naturelles ou de la présence de tout type de matériau (ivoire, bois précieux), l'un ou l'autre type d'art appliqué s'épanouissait. La laine du Cachemire, les émaux de Jaipur, l'ivoire de Travancore-Cochin, etc. sont devenus mondialement connus.

Profond look folklorique l'art est vibivanki - des tissus en coton sur lesquels des scènes à plusieurs figures (musiciens, danseurs, animaux en osier, scènes entières de la vie paysanne) se reflètent avec des tampons en bois, qui étonnent par leur luminosité, leur gaieté et leur caractère décoratif. Les légendes et croyances folkloriques de l’Inde ainsi que la saveur de sa riche nature tropicale se reflètent dans les vibivankas. Brocart de soie fait soi-même avec du fil d'or ou d'argent, destiné à castes supérieures, surprend par la grâce et la subtilité du design, les délicates combinaisons de couleurs et la noblesse de l'ornement.

La fabrication d'ustensiles (ustensiles) en bronze, cuivre et acier permet d'obtenir une grande variété de formes et d'ornementations.

Les types d'art populaire les plus anciens - la sculpture sur bois et sur os - étaient courants dans de nombreuses régions de l'Inde. Les meubles sculptés, les détails architecturaux, les cercueils, les boîtes et les figurines étaient fabriqués en bois. À partir de défenses d'éléphant, les artisans folkloriques réalisaient des compositions entières ou des sculptures représentant des divinités et des héros épiques, ainsi que des bijoux.

1.1 Histoire du développement et de l'influence de la religion sur le DPI en Inde

Dans l’Antiquité, en Inde comme dans d’autres pays, les arts décoratifs et appliqués n’étaient pas considérés comme un domaine artistique indépendant. La création de sculptures et de produits artistiques, la peinture et l'architecture étaient toutes considérées comme de l'artisanat. Les œuvres étaient, en règle générale, anonymes.

Le type principal et le plus répandu d'art décoratif et appliqué doit être considéré comme l'art des objets conçus artistiquement, c'est-à-dire les produits artistiques - objets et outils du quotidien, accessoires de rituels sacrés et armes. Cet art existe depuis l'Antiquité.

La forme des outils simples était, en règle générale, harmonieuse et artistique, et les images qui s'y trouvaient étaient de nature thématique ou purement ornementale. La décoration a toujours pris en compte la fonction quotidienne et la forme de l'objet.

Les arts décoratifs et appliqués étaient largement utilisés pour décorer les détails architecturaux, où la sculpture était particulièrement souvent utilisée.

Les matériaux à partir desquels les produits artistiques étaient fabriqués étaient extrêmement divers ; presque tout ce que la nature offrait était utilisé : bois, feuilles et herbes, fibres végétales, coquilles de noix ; pierres simples, semi-précieuses et précieuses; argile, métaux, y compris précieux ; os, corne, tortue, coquille, etc. Les plus importants d'entre eux sont : le bois, la pierre, le métal, l'ivoire et la fibre.

Oeuvres d'art de l'Inde en Différents composants les pays ne sont pas identiques et diffèrent par leur spécificité et leur identité locale. Il est intéressant de noter que, par exemple, au Sri Lanka, encore plus qu'en Inde elle-même, les traditions de l'art indien des temps anciens ont été préservées - la période de propagation et d'épanouissement du bouddhisme. Au 11ème siècle. Le bouddhisme a presque disparu en Inde, mais a survécu au Sri Lanka, transmettant l'ancienne tradition indo-singhalaise dans les monuments d'art. Cette tradition a contribué au Moyen Âge à distinguer l'artisanat cinghalais de l'artisanat tamoul, qui n'était plus associé au bouddhisme, mais à l'hindouisme. Mais en plus de cela, les compétences artistiques et les goûts des Cinghalais, leur perception esthétique ont apporté de l'originalité à la production artistique locale, à la peinture et à la sculpture monumentales.

L'essentiel des produits artistiques qui nous sont parvenus remonte à l'époque

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