"Madone de Bruges": un autre chef-d'œuvre du grand Michel-Ange. En Italie, une statue en marbre de la Madone a pris vie devant les paroissiens Petite statue de la Madone

27.09.2019

De retour à Florence, après "David", Michel-Ange a créé ce qu'on appelle "Madone de Bruges" un petit groupe sculptural (1,27 m de haut) de la Vierge à l'Enfant, achevé en 1504. Par la suite, la statue s'est retrouvée dans l'église Notre-Dame de la ville néerlandaise de Bruges.

Par type, cette Madone jeune, douce et réfléchie ressemble à Madonna "Lamentations du Christ" de la cathédrale Saint-Pierre. Cependant, sur ce bassin, le sculpteur a sculpté une composition plus traditionnelle, représentant Jésus sous la forme d'un Enfant. Dans cette œuvre modeste, qui révèle une ligne d'images de l'œuvre de Michel-Ange, marquée par des traits d'un lyrisme particulier, Madonna elle-même est particulièrement attrayante, dans laquelle la beauté classique et force intérieure les personnalités se conjuguent à la douce poésie et à la noblesse. On sent la main du maître qui a sculpté la statue romaine "Piéta".

La Vierge à l'Enfant de Bruges est l'une des madones les plus belles et les plus spirituelles de Michel-Ange. Femme triste, choisie et condamnée, elle entrevoit les souffrances de son fils sur la croix. Son regard est dirigé au loin, une expression de tristesse inéluctable se fige sur son visage. Le Bébé, joyeux et curieux, avec une grosse tête bouclée, évoque des sentiments complètement différents. Avec sa spontanéité et sa sérénité enfantines, elle semble souligner l’immensité du chagrin futur de sa mère.

« C’est pour cela qu’elle a résisté, qu’elle ne voulait pas lâcher ce garçon beau, fort et agile, qui a saisi sa main protectrice avec sa petite main. Et c’est pourquoi elle couvrit son fils du bord de son manteau. Le garçon, sentant l’humeur de sa mère, avait aussi de la tristesse cachée dans ses yeux. Il était plein de force et de courage, il sauterait bientôt des genoux de sa mère et quitterait ce refuge sûr, mais maintenant, à ce moment-là, il attrapa la main de sa mère d'une main et pressa l'autre contre sa cuisse. Peut-être pense-t-il maintenant à elle, à sa mère, attristée par l'inévitable séparation : son fils, accroché avec tant de confiance à ses genoux, va bientôt parcourir le monde seul. Pierre Irving.

La Vierge Marie s'est révélée vivante et crédible, tendre et pure. Encore un instant, et les paupières trembleront, la main ramassera l'enfant, la poitrine inspirera. Elle est vivante, elle le sent. Le maître n’idéalise plus le visage de Marie, comme dans premiers travaux. Ayant créé la «Pieta» et le «David» romains, il recherche le sentiment, la crédibilité: des vêtements modestes aux plis fluides dessinent le corps fort d'une jeune mère, un visage aux paupières lourdes de larmes non versées, un nez long, cheveux épais dans une coiffure simple, recouverte d'une lourde capuche, car cette pièce rappelle la Pietà. Le corps du bébé, bien que enfantin, donne une sensation de pouvoir caché, mais est d'une beauté enfantine - joues et menton rebondis, tête bouclée. Aux genoux de sa mère, lui tenant la main, il se sent protégé et prêt à explorer le monde. La position des corps du groupe sculptural est très naturelle - quoi de plus plausible que la Mère et l'Enfant de Bruges ?

David (1501-1504)

«Certains de ses amis lui ont écrit de Florence pour lui demander de venir là-bas, car il ne fallait pas manquer le marbre gâté par les soins de la cathédrale. Ce marbre, Pier Soderini, alors nommé gonfalonier pour la vie de la ville, proposa à plusieurs reprises de transporter Léonard de Vinci, et allait maintenant le remettre au maître Andrea Contucci du Monte Sansovino, un excellent sculpteur qui le recherchait ; Michel-Ange, qui l'aimait depuis de nombreuses années, a essayé de l'obtenir à son arrivée à Florence, même s'il était difficile d'en sculpter une statue entière sans y ajouter des morceaux, et personne d'autre que lui n'avait le courage de la terminer. sans de tels ajouts. Malheureusement, un certain maître Simone de Fiesole a commencé à sculpter dans ce marbre un géant de neuf braccia, et il l'a fait si mal qu'il a fait un trou entre ses jambes et a tout gâché et mutilé pour que les administrateurs de Santa Maria del Fiore, qui étaient en charge du travail, n'y ont pas réfléchi. Ils ont abandonné la façon de le terminer, et cela a duré de nombreuses années et a continué à exister. Michel-Ange la mesura à nouveau, en réfléchissant au genre de statue sensée qui pourrait être sculptée dans ce bloc, et, s'étant adapté à la pose que lui avait donnée Maître Simone, qui l'avait ruinée, il décida de la mendier auprès des administrateurs et de Soderini, qui le lui a donné comme une chose inutile, croyant que tout ce qu'il lui ferait serait mieux que ça l'état dans lequel il se trouvait alors, car si vous le brisez en morceaux ou si vous le laissez dans un état endommagé, il ne sera toujours d'aucune utilité pour la construction. C'est pourquoi Michel-Ange a façonné un modèle en cire, dans le but d'y représenter, comme emblème du palais, le jeune David avec une fronde à la main, afin que, tout comme David défendait son peuple et le gouvernait avec justice, les dirigeants de cette ville puissent courageusement défendez-les et gouvernez-les avec justice. Il a commencé à travailler dans la tutelle de Santa Maria del Fiore, où il a clôturé un espace autour du bloc contre le mur et, en travaillant sans cesse pour que personne ne puisse le voir, il a amené le marbre à la dernière perfection.
Le marbre avait déjà été endommagé et mutilé par Maître Simone, et à certains endroits il n'y en avait pas assez pour permettre à Michel-Ange de faire ce qu'il voulait ; sur. sur la surface du marbre, il a dû laisser les premières coupes de Maître Simone, de sorte que même maintenant certaines d'entre elles soient visibles, et, bien sûr, Michel-Ange a accompli un véritable miracle, en ressuscitant ce qui était mort.
Une fois terminée, la statue s'est avérée si énorme que des discussions ont commencé sur la manière de la livrer à la Piazza della Signoria. Et puis Giuliano da Sangallo et son frère Antonio ont organisé une très forte tour en bois, à laquelle la statue était suspendue à des cordes afin que lorsqu'elle était poussée, elle ne soit pas endommagée, mais se balance uniformément ; ils le traînèrent sur des cordes à l'aide de treuils le long de rondins lisses et, le déplaçant, le mirent en place. La boucle de corde sur laquelle la statue était suspendue glissait très facilement et se resserrait sous la pression de la gravité : elle a été inventée si magnifiquement et ingénieusement que je garde mon propre dessin dans notre livre comme quelque chose de merveilleux, fiable et durable pour attacher des poids ensemble.
Entre-temps, il se trouve que Pier Soderini, levant les yeux vers la statue qu'il aimait beaucoup, dit à Michel-Ange, qui à cette époque la terminait ici et là, que, à son avis, son nez était grand :
Michel-Ange, remarquant que le Gonfalonière se tenait juste sous le géant et que son point de vue le trompait, monta sur l'échafaudage aux épaules de la statue pour lui plaire et, arrachant avec le ciseau un peu de poussière de marbre de la plate-forme de l'échafaudage. qu'il tenait dans sa main gauche, il commença à saupoudrer progressivement la poussière, en travaillant comme avec d'autres incisives, mais sans toucher le nez. Puis, se penchant vers le gonfalonière qui le surveillait, il dit : « Allez, regarde-le maintenant. » "Maintenant, je l'aime mieux", dit le Gonfalonier, "vous l'avez ressuscité." Michel-Ange descendit alors du pont, se moquant silencieusement de lui et se sentant désolé pour les gens qui, voulant se montrer experts, disent des choses qu'eux-mêmes ne comprennent pas. Lorsque la statue fut enfin installée, il l'ouvrit, et véritablement cette création éclipsa toutes les statues connues, nouvelles et anciennes, qu'elles soient grecques ou romaines ; et on peut dire que ni le Marforius romain, ni le Belvédère du Tibre ou du Nil, ni les géants de Montecavallo ne peuvent en aucune façon se comparer à lui : Michel-Ange l'a terminé avec une telle proportionnalité et beauté, avec une si bonne qualité. Car les contours de ses jambes sont diplôme le plus élevé belle, et la combinaison et l'harmonie des hanches sont divines, et une pose aussi gracieuse n'a jamais été vue, aucune grâce, incomparable avec quoi que ce soit, pas de bras, pas de jambes, pas de tête, qui correspondraient ainsi à chaque membre de ce corps avec leur bonté, leur habileté et leur cohérence, sans parler de leur design. Et vraiment, quiconque a vu cela ne devrait pas regarder une sculpture d’un de nos maîtres ou d’une autre époque. Vasari.

Statue colossale de David (1501-1504, Florence, Académie des Beaux-Arts) hauteur env. 5 m avec la base fait naître l’idée d’une force formidable (les contemporains appelaient cette caractéristique des œuvres de Michel-Ange terribilita), d’un élan héroïque retenu par une puissante tension de volonté. La figure colossale était censée se tenir devant la cathédrale.

"David" est devenu l'un des plus œuvres célèbres Renaissance italienne. Cette statue était déjà perçue par les contemporains comme un symbole de la République florentine. Vasari a écrit que Michel-Ange « a créé David comme un signe qu'il protégeait son peuple et le gouvernait avec justice, de sorte que les dirigeants de la ville devraient courageusement le protéger et le gouverner avec justice ». Ce n'est pas un hasard si l'inauguration de la statue en 1504 est devenue un événement solennel pour toute la ville.

Dans David, Michel-Ange a fait face à une tâche très difficile : créer une statue à partir d'un bloc de marbre déjà endommagé au XVe siècle et de forme complexe. Et il l'a fait avec brio. Ici, son excellente capacité à extraire une expressivité maximale de la pierre a été démontrée. Plus tard, il formulera cela dans l'un de ses sonnets : l'œuvre est déjà incrustée dans la pierre elle-même, il suffit de pouvoir l'en extraire.

Il y a plusieurs décennies, un énorme bloc de marbre a été extrait à Carrare, qui se trouvait dans la cour de l'église de Santa Maria del Fiore, destiné à une statue colossale du héros biblique David. Le bloc mesurait neuf pieds de haut. Le 16 août 1501, un traité est conclu. Le sculpteur a parlé pendant deux ans, à compter du 1er septembre. Le lundi 13 septembre, tôt le matin, Michel-Ange commença à travailler. Michel-Ange a préparé plus d'une centaine de croquis de la future statue, a réalisé un petit modèle en argile, qu'il a versé dans des récipients contenant du lait, à l'aide duquel il a déterminé la séquence de travail sur le bloc de marbre.

En raison de graves dommages causés au marbre, il a fallu marquer la future statue avec une extrême précision, au centimètre près. Le maître a d'abord sculpté main gauche David. Un bras du géant devait être représenté plié au niveau du coude, à cause de nids-de-poule dans le bloc de marbre.

4 mois après le début des travaux intenses sur « David », l'hiver toscan arrive ; le vent, la neige et la pluie rendent le travail de Michel-Ange difficile ; il doit forger des instruments qui deviennent rapidement ennuyeux à cause d'un travail intense. Mais Michel-Ange ne pouvait pas se permettre de se reposer, dormant même souvent la nuit sur son lieu de travail. Selon Vasari, quiconque s'accorde une pause dans son travail à Florence est voué à l'oubli, l'air était tellement rempli de désir de gloire et de soif de reconnaissance que la concurrence entre les maîtres était très forte. Des troubles et des troubles à Florence intervenaient de temps en temps bon fonctionnement, et la statue ne fut achevée qu'en 1504.

On raconte qu'après avoir terminé la statue, Michel-Ange la décora d'une couronne en tôle de cuivre. Ce n'était pas inhabituel à l'époque, beaucoup statues antiques, qui ont servi de source d'inspiration aux maîtres de la Renaissance, étaient recouverts d'or ou décorés de couleurs vives.

L'image de David était traditionnelle à Florence. Donatello et Verrocchio ont créé des sculptures en bronze représentant un jeune homme tuant miraculeusement un géant dont la tête repose à ses pieds. Michel-Ange a dépeint David non pas comme un adolescent fragile piétinant la tête coupée de Goliath, comme le faisaient les maîtres du XVe siècle, mais comme un géant magnifique et athlétique juste avant la bataille, plein de confiance et d'une force formidable (les contemporains l'appelaient terribilita - terrifiant). En revanche, Michel-Ange a représenté le moment précédant le combat. David se tient debout avec une fronde jetée sur son épaule et tient une pierre dans sa main gauche. Le côté droit de la figure est tendu, tandis que le gauche est légèrement détendu, comme un athlète prêt à l'action. Le héros de l'Ancien Testament est représenté par Michel-Ange comme un beau jeune homme musclé et nu qui regarde anxieusement au loin, comme s'il évaluait son ennemi - Goliath, avec lequel il doit se battre. L'expression vive et intense du visage de David est caractéristique de nombreuses œuvres de Michel-Ange - c'est un signe de son style sculptural individuel.

Dans « David », le titanisme héroïsé par Michel-Ange est révélé. Dans un beau visage jeune héros, dans son regard avec lequel il rencontre l’ennemi, on capte cette formidable expressivité que les contemporains considéraient comme la propriété intégrale des créations de Michel-Ange. Sans recourir à une forte dynamique de composition ou à des mouvements complexes, le maître a créé un type de héros plein de courage, de puissance et de volonté d'action.

Michel-Ange représente David nu, sur la base des anciens idéaux de la beauté humaine, traduisant dans le marbre des idées anciennes sur la correspondance entre la beauté physique, la puissance et la force de l'esprit.

Il se tient calmement, confiant dans sa justesse et dans sa victoire imminente. Il a des membres disproportionnés et une tête lourde, ce qui souligne la jeunesse de son physique. Un visage beau et courageux est marqué du cachet d'une noblesse extraordinaire, un torse puissant et des bras et des jambes superbement modelés expriment non seulement la force physique, mais soulignent également la force de l'esprit. David est représenté avant la bataille contre Goliath. Il est tout en concentration et en anticipation. Après tout, rien n’est encore arrivé. Ainsi, David, l’œuvre de Michel-Ange n’est pas la solution finale au problème de l’homme, mais seulement la formulation d’une question - nous trouvons la réponse à cette question dans les travaux ultérieurs de Michel-Ange.

En 1504, les travaux furent achevés ; le 25 janvier, une commission d'experts fut convoquée pour discuter de la question de l'emplacement de la statue. Lors des discussions de la commission sur la question de la statue, Michel-Ange et Léonard de Vinci se sont rencontrés pour la première fois. Ce n’était pas le moment propice pour une rencontre amicale. Leonardo avait plus de 50 ans à cette époque, il avait déjà créé " dernier souper" et "Mona Lisa" et a perdu la primauté de la sculpture au profit de Michel-Ange. Le seul rival de Léonard de Vinci, Michel-Ange, n'avait même pas 26 ans à cette époque. Son « David », comme le disaient ses contemporains, « même les ignorants étaient stupéfaits ». À la demande de Michel-Ange, ils décidèrent de le placer à l'entrée du Palazzo Signoria, où il se trouva pendant trois siècles.

L'installation de cette statue avait une signification politique particulière : à cette époque, au tout début du XVIe siècle, la République florentine, après avoir chassé ses tyrans intérieurs, la famille Médicis, était déterminée à résister aux ennemis qui la menaçaient de l'intérieur et sans. Ils voulaient croire que la petite Florence pouvait gagner, tout comme le jeune et paisible berger David a vaincu le géant Goliath.

Le transfert de la statue colossale de l'atelier et son installation devant le Palazzo Vecchio, siège des autorités de la République florentine, se transforme en un événement solennel. Il a fallu trois jours pour livrer le géant de marbre à destination. On ne sait pas pourquoi des pierres ont été lancées sur le géant de marbre. C'était peut-être l'œuvre de vandales individuels. Selon une autre version, l'attaque aurait été organisée par des partisans de la famille Médicis pour protester contre le symbole du pouvoir du nouveau gouvernement républicain.

Après que la statue ait été installée à sa place permanente, Michel-Ange a probablement réalisé le travail final, appliquant les touches finales, polissant la surface de la « peau » pour lui donner un éclat de miroir. Enfin, tous les travaux étaient terminés. Début septembre, il était temps de dévoiler la statue sur laquelle Michel-Ange a consacré trois années de travail infatigable.

L'ouverture du David eut lieu le 8 septembre et les Florentins furent choqués par la vue achevée. La statue de David a fait la renommée de Michel-Ange et a établi sa réputation de premier sculpteur d'Italie. Avec cette statue, Michel-Ange a prouvé à ses concitoyens qu'il surpassait non seulement tous les artistes contemporains, mais aussi les maîtres de l'Antiquité. Si jusqu'à présent le nom de Michel-Ange était connu dans toute l'Italie, après l'achèvement de David, il fut proclamé le plus grand des sculpteurs italiens, et Michel-Ange conserva à juste titre ce titre jusqu'à la fin de sa vie.

En 1873, la statue de David dut être déplacée à l'Académie des Beaux-Arts de Florence pour la protéger des effets destructeurs du vent, de la pluie et du soleil. Depuis lors, une copie exacte du chef-d'œuvre se trouve à sa place d'origine.

"Lamentation du Christ", ou "Pieta" (vers 1498-1500)

Arrivé à Rome en 1496, Michel-Ange reçut deux ans plus tard une commande pour une statue de la Vierge et du Christ. Il a sculpté un groupe sculptural incomparable, parmi lequel se trouve la figure de la Mère de Dieu pleurant le corps du Sauveur descendu de la croix. Sans aucun doute, cette œuvre marque le début de la maturité créatrice du maître. Le groupe des Lamentations du Christ était initialement destiné à la chapelle de la Vierge Marie de la basilique Saint-Pierre de Rome et se trouve toujours dans la basilique Saint-Pierre, dans la première chapelle à droite.

La commande du groupe sculptural a été reçue grâce à la garantie du banquier Jacopo Galli, qui a acquis la statue de « Bacchus » et quelques autres œuvres de Michel-Ange pour sa collection. Le contrat fut conclu le 26 août 1498, le client était le cardinal français Jean de Villiers Fesanzac. Selon le contrat, le maître était obligé d'achever les travaux en un an et recevait 450 ducats pour cela. Les travaux furent achevés vers 1500, après la mort du cardinal, décédé en 1498. Peut-être ce groupe de marbre était-il initialement destiné au futur tombeau du client. À la fin de la Lamentation du Christ, Michel-Ange n'avait que 25 ans.

Le contrat contient les paroles du garant, «Moi, Jacopo Galli, je promets à Votre Éminence que Michel-Ange mentionné ci-dessus terminera le travail dont vous avez besoin dans un délai d'un an et qu'il sera meilleur travail fait du marbre qui existe aujourd’hui, et qu’aucun maître aujourd’hui ne peut améliorer.. Le temps a confirmé les propos de Galli, qui s'est révélé être un connaisseur d'art clairvoyant et subtil. «La Lamentation du Christ» a toujours un effet irrésistible par sa perfection et la profondeur de sa solution artistique.

Ce grand ordre s'ouvre nouvelle étape dans la vie d'un jeune sculpteur. Il ouvre son propre atelier et engage une équipe d'assistants. Durant cette période, il visite à plusieurs reprises les carrières de Carr, où il choisit lui-même des blocs de marbre pour ses futures sculptures. Pour la « Pieta », il fallait un bloc de marbre court mais assez large, puisque selon son plan, le corps de son Fils adulte était placé sur les genoux de la Vierge Marie.

Cette composition est devenue travail clé période romaine primitive de l'œuvre de Michel-Ange, marquant le début Haute Renaissance en plastique italien. Certains chercheurs comparent la signification du groupe de marbre « Lamentation du Christ » avec la signification de la célèbre « Madone à la grotte » de Léonard de Vinci, qui ouvre la même étape dans la peinture.

« ... Ces choses éveillèrent le désir du cardinal Saint Denys, appelé cardinal français de Rouen, de laisser, par l'intermédiaire d'un artiste si rare, un digne souvenir de lui-même dans une ville si célèbre, et il lui ordonna une sculpture en marbre entièrement ronde avec la lamentation du Christ, qui, une fois achevée, fut placée dans la cathédrale Saint-Pierre, dans la chapelle de la Vierge Marie, guérisseuse de la fièvre, où se trouvait autrefois un temple de Mars. Qu'aucun sculpteur, même s'il était un artiste rare, ne pense qu'il pourrait ajouter quelque chose à un tel dessin et à une telle grâce et que, grâce à son travail, il pourrait un jour atteindre une telle subtilité et une telle pureté et tailler le marbre avec une telle habileté que Michel-Ange. montré dans cette chose, car en elle se révèlent toute la puissance et toutes les possibilités inhérentes à l'art. Parmi les beautés ici, en plus des robes divinement confectionnées, le Christ décédé attire l'attention ; et qu'il ne vienne même à l'esprit de personne de voir un corps nu si habilement fait, avec des membres si beaux, avec des muscles, des vaisseaux et des veines qui habillent sa silhouette si finement taillée, ou de voir un homme mort plus semblable à un homme mort qu'un homme mort. cet homme mort. Voici l'expression la plus douce du visage, et une certaine cohérence dans la liaison et l'appariement des bras, et dans la liaison du torse et des jambes, et un tel traitement des vaisseaux sanguins qu'on est vraiment étonné de voir à quel point l'artiste la main pourrait temps le plus court c'est tellement divin et impeccable de créer une chose aussi merveilleuse ; et, bien sûr, c'est un miracle qu'une pierre, initialement dépourvue de toute forme, puisse jamais être amenée à cette perfection que la nature a du mal à communiquer à la chair.

Michel-Ange a mis tellement d'amour et de travail dans cette création que seulement sur elle (ce qu'il n'a pas fait dans ses autres œuvres) il a écrit son nom le long de la ceinture serrant la poitrine de la Mère de Dieu ; il s'est avéré qu'un jour Michel-Ange, s'approchant de l'endroit où se trouvait l'œuvre, y vit grand nombre des visiteurs de Lombardie, qui la louaient beaucoup, et quand l'un d'eux se tournait vers l'autre pour lui demander qui avait fait cela, il répondait : « Notre Gobbo milanais ». Michel-Ange restait silencieux, et il lui paraissait pour le moins étrange que ses œuvres soient attribuées à un autre. Une nuit, il s'y enferma avec une lampe, emportant les ciseaux avec lui, et grava son nom sur la sculpture. Et en vérité, elle est comme disait d’elle un des plus beaux poètes, comme s’il s’adressait à un personnage réel et vivant :

Dignité et beauté
Et chagrin : vous gémirez sur ce marbre !
Il est mort, ayant vécu et descendu de la croix
Méfiez-vous d'élever vos chansons,
Pour ne pas appeler d'entre les morts jusqu'à ce que le moment soit venu
Celui qui a accepté seul le chagrin
Pour tous ceux qui sont notre maître,
Tu es désormais père, mari et fils,
Ô vous, sa femme, sa mère et sa fille. » Vasari.

Cette belle sculpture en marbre reste à ce jour un monument de la pleine maturité du talent de l’artiste. Sculpté dans le marbre, ce groupe sculptural étonne par son traitement audacieux de l'iconographie traditionnelle, l'humanité des images créées et son savoir-faire artisanal. C'est l'une des œuvres les plus célèbres de l'histoire de l'art mondial.

«Et ce n'est pas pour rien qu'il a acquis la plus grande gloire pour lui-même, et bien que certains, après tout, mais encore ignorants, disent que sa Mère de Dieu est trop jeune, n'ont-ils pas remarqué ou ne savent-ils pas que les vierges qui ont pas été discrédité de quelque manière que ce soit, se retenir longtemps et garder son expression faciale intacte, mais chez ceux qui sont accablés par le chagrin, comme l'était le Christ, on observe le contraire ? Pourquoi une telle œuvre a apporté à son talent plus d’honneur et de gloire que toutes les précédentes réunies. Vasari.

La jeune Marie est représentée avec le Christ mort sur ses genoux, image empruntée à l'art nord-européen. Les premières versions de la Pieta comprenaient également les figures de saint Jean-Baptiste et de Marie-Madeleine. Michel-Ange se limite cependant à deux personnages clés : la Vierge et le Christ. Certains chercheurs suggèrent que Michel-Ange s'est représenté lui-même et sa mère dans le groupe sculptural, décédée alors qu'il n'avait que six ans. Les historiens de l’art notent que sa Vierge Marie est aussi jeune que la mère du sculpteur au moment de sa mort.

Le thème du deuil du Christ était populaire aussi bien dans l’art gothique que dans l’art de la Renaissance, mais il est ici traité avec assez de retenue. Gothic a connu deux types de deuil : soit avec la participation de la jeune Marie, dont le visage idéalement beau n'est pas capable d'assombrir le chagrin qui lui est arrivé, soit avec la vieille Mère de Dieu, en proie à un désespoir terrible et déchirant. Michel-Ange dans son groupe s'écarte résolument des attitudes habituelles. Il a représenté Marie jeune, mais en même temps elle est infiniment éloignée de la beauté conventionnelle et de l'immobilité émotionnelle des madones gothiques de ce type. Son sentiment est une expérience humaine vivante, incarnée avec une telle profondeur et richesse de nuances qu'ici pour la première fois on peut parler de l'introduction d'un élément psychologique dans l'image. 3 et la retenue extérieure de la jeune mère révèle toute la profondeur de son chagrin ; la silhouette lugubre d'une tête baissée, un geste de la main qui sonne comme un questionnement tragique, tout se résume à une image de chagrin éclairé.

Le regard de Marie n'est pas si triste que solennel. Ce point culminant l'œuvre du jeune Michel-Ange. À l'image de la Madone, jeune et belle, un immense sentiment humain est véhiculé avec une puissance incroyable : le chagrin d'une mère pour son fils perdu. D'après l'observation subtile de V. Lazarev «Son beau visage respire le chagrin, mais il n'y a pas l'ombre de désespoir. Elle perçoit la mort de son fils comme l'accomplissement de ce qui lui était destiné. Et son chagrin est si incommensurable et si grand qu’il passe du chagrin personnel au chagrin de toute l’humanité..

La mort et le chagrin qui l'accompagne semblent contenus dans le marbre dont est faite la sculpture. La relation des figures est telle qu’elles forment un triangle bas, ou plus précisément une structure conique. Le corps nu du Christ contraste avec les robes luxuriantes et riches en clair-obscur de la Mère de Dieu. Michel-Ange a représenté la Vierge Marie jeune, comme si elle n'était pas la Mère et le Fils, mais une sœur pleurant la mort prématurée de son frère. Une idéalisation de ce type a été utilisée par Léonard de Vinci et d'autres artistes. De plus, Michel-Ange était un fervent admirateur de Dante. Au début de la prière de saint Bernard dans la dernière canzone Divine Comédie il est dit : "Vergine Madre, figlia del tuo figlio" - "Notre-Dame, fille de son Fils". Le sculpteur a trouvé manière parfaite pour exprimer dans la pierre cette profonde pensée théologique.

La lourdeur du capuchon de la Mère de Dieu, la forçant à baisser la tête devant la main du Christ posée près de son cœur, a concentré l'attention de l'assistance sur le cadavre étendu sur les genoux de la mère, qu'elle tenait fermement dans ses bras. par les épaules, puis porte son regard vers le corps du Christ, vers son visage, ses yeux, paisiblement fermés dans sommeil profond, à un nez droit et pas si fin, à une peau propre et lisse sur les joues, à une barbe bouclée, à une bouche déformée par l'agonie. La tête baissée, la Mère de Dieu regardait son fils. Tous ceux qui verront les statues sentiront que le cadavre de son fils repose sur ses genoux avec un poids insupportable et qu'un poids bien plus lourd repose sur son cœur. Les figures de la Madone assise et du Christ mort étendu sur ses genoux sont unies en un tout inextricable. Le mouvement de la Madone est plein de naturel et de sévérité, sa tête baissée, les beaux traits d'un visage triste sont encadrés par les doux plis du couvre-lit. Le geste interrogateur de sa main gauche est expressif. Il contient à la fois du désespoir et des questions. Elle semble refuser de croire à une perte irréparable. Les plis de sa longue robe tombent en cascade. Et le rythme de ces plis souligne la courbure du corps immobile du Christ. Le contraste entre le corps sans vie du Christ et la vie pleine de la Madone est rendu avec précision.

Dans ce composition sculpturale il n'y a toujours pas d'expression qui soit caractéristique de plus travaux ultérieurs Michel-Ange, cependant, produit une forte impression sur le spectateur, renforcée par le contraste entre la figure vivante en deuil et le cadavre du Christ. Combiner deux personnages grandeur nature dans une seule sculpture, placer un homme adulte sur les genoux d'une femme - c'était une étape audacieuse et inhabituelle dans la sculpture, qui rejetait toutes les idées précédentes sur la « Lamentation ».

Sur une écharpe passant sur l'épaule gauche de la Madone, Michel-Ange est dans le premier et dernière fois découpez la signature : "Michelangelo Buonarroti le Florentin a joué" .

Au cours de ses dernières années, le maître s'est à nouveau tourné vers cette intrigue, créant une composition "La Descente de Croix", ou "Pieta avec Nicodème", Et "Piéta Rondanini".

Le cachet d’une profonde expérience intérieure qui marque la « Lamentation du Christ » de Michel-Ange est apparemment associé aux sentiments suscités chez le sculpteur par l’exécution de Savonarole (23 mai 1498). Le moine a été brûlé vif dans la Florence même qui l'idolâtrait, sur la place où tonnaient ses discours passionnés et où les gens pour lesquels il vivait et mourait plantaient maintenant des clous entre les planches sur le chemin du martyr, qui marchait pieds nus. au feu.

Déjà après l'installation du groupe sculptural Pietà dans la cathédrale Saint-Pierre, la supériorité de Michel-Ange sur les autres sculpteurs contemporains est devenue évidente. Le nom d'un jeune sculpteur jusqu'alors inconnu tonnait dans toute l'Italie et dans la majeure partie de l'Europe. Des moulages en plâtre du corps de Jésus ont été envoyés à diverses écoles et académies, tant la perfection dans la finition des moindres détails était grande.

Après avoir terminé les travaux sur La Lamentation du Christ, Michel-Ange a reçu plusieurs commandes, pas si grandioses. Le banquier Galli a conclu un contrat avec Michel-Ange pour créer un retable pour le tombeau du cardinal à Saint-Agostino, mais les travaux n'ont jamais été achevés.

À l'âge de 25 ans, la période de formation de sa personnalité est terminée et il rentre à Florence dans la fleur de l'âge de toutes les possibilités qu'un sculpteur peut avoir.

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Vierge à l'Enfant, ou "Madone de Bruges" (1504)

Par type, cette Madone jeune, douce et réfléchie ressemble à Madonna "Lamentations du Christ" de la cathédrale Saint-Pierre. Cependant, sur ce bassin, le sculpteur a sculpté une composition plus traditionnelle, représentant Jésus sous la forme d'un Enfant. Dans cette œuvre modeste, qui révèle une ligne d’images de l’œuvre de Michel-Ange, marquées par des traits d’un lyrisme particulier, Madonna elle-même est particulièrement attrayante, dans laquelle la beauté classique et la force intérieure de la personnalité se conjuguent avec une douce poésie et une noblesse. On sent la main du maître qui a sculpté la statue romaine "Piéta" .

La Vierge Marie s'est révélée vivante et crédible, tendre et pure. Encore un instant, et les paupières trembleront, la main ramassera l'enfant, la poitrine inspirera. Elle est vivante, elle le sent. Le maître n’idéalise plus le visage de Marie, comme dans ses œuvres antérieures. Ayant créé les romans « Pieta » et « David », il recherche un sentiment, une crédibilité : des vêtements modestes aux plis fluides dessinent le corps fort d'une jeune mère, un visage aux paupières lourdes de larmes non versées, un nez long, des cheveux épais. dans une coiffure simple recouverte d'une lourde capuche, comme cette œuvre rappelle "Pieta". Le corps du bébé, bien que enfantin, donne une sensation de pouvoir caché, mais est d'une beauté enfantine - joues et menton rebondis, tête bouclée. Aux genoux de sa mère, lui tenant la main, il se sent protégé et prêt à explorer le monde. La position des corps du groupe sculptural est très naturelle - quoi de plus plausible que la Mère et l'Enfant de Bruges ?

Dont les œuvres ont sans aucun doute marqué l’histoire et influencé le développement et la formation de l’art occidental. En Occident, on considère le plus grand sculpteur, et bien qu'il parle de peinture de manière peu flatteuse, ses fresques de la Chapelle Sixtine, " Jugement dernier"et d'autres œuvres ont contribué à lui trouver une place parmi les plus grands artistes. De plus, Michel-Ange était l'un des meilleurs architectes de son époque. Cette liste d'œuvres comprend à la fois des sculptures et des projets architecturaux, ainsi que des peintures.

10 œuvres emblématiques de Michel-Ange

10. Madone Doni.

Type : Tondo.
Année d'écriture : 1507.

Madone Doni

Angelo Doni, au début des années 1500, chargea un maître de représenter la « Famille des Saints » afin de la donner plus tard à son épouse. Le maître a utilisé un cadre rond (tondo) pour le tableau.

La Madone Doni comprend la Vierge Marie, Saint Joseph, l'Enfant Jésus et Jean-Baptiste. Derrière se trouvent cinq personnages masculins nus.

9. Bacchus.

Type : Statue en marbre.
Année de création : 1497.

Cette statue a été achevée par le sculpteur à l'âge de 22 ans. La célèbre œuvre représente le dieu romain du vin, Bacchus, tenant un main droite un verre de vin, et à gauche une peau de tigre. Derrière lui est assis un faune qui mange une grappe de raisin. "Bacchus" est l'une des deux sculptures survivantes première période L'œuvre de Michel-Ange à Rome.

8. Madone de Bruges.

Type : Statue en marbre.
Année de création : 1504.

Madone de Bruges

La "Madone de Bruges" représente Marie avec l'enfant Jésus. Dans cette sculpture, Michel-Ange n'adhère pas aux traditions de représentation de cette composition. Le visage de la vierge est lointain, elle ne regarde pas le Christ, comme si elle connaissait son avenir. A cette époque, le bébé sort dans le monde sans le soutien maternel.

7. Bibliothèque Laurentienne.

Type : Architecture.
Année de création : 1559.

Bibliothèque Laurentienne

La Bibliothèque Laurentienne a été conçue par Michel-Ange en 1524 pour l'église San Lorenzo de Florence (Italie). L'ensemble de la structure, y compris l'intérieur des locaux, a été développé par le maître dans le style maniériste innovant de l'époque.

Cette œuvre est l'une des réalisations architecturales les plus importantes de Michel-Ange. Il se caractérise par l’innovation et des manières révolutionnaires d’utiliser l’espace.

6. Moïse.

Type : Statue en marbre.
Année de création : 1515.

En 1505, le pape Jules II charge Michel-Ange de travailler sur son tombeau. La statue se trouve à Rome (église San Pietro in Vincoli). Il existe une légende selon laquelle une fois le travail terminé, Michel-Ange a frappé le genou droit de la sculpture avec un marteau, alors qu'elle commençait à parler, il était si réaliste.

Type : Statue en marbre.
Année de création : 1499.

La Pieta représente la Vierge Marie pleurant le corps de Jésus après la crucifixion, qui repose sur ses genoux. La statue n'est pas basée sur des statues réelles histoires bibliques, mais a quand même gagné en popularité Europe du Nord au Moyen Âge.

Buonarroti n'avait que 24 ans au moment de l'achèvement de cette œuvre, qui est aujourd'hui considérée comme l'un des plus grands chefs-d'œuvre de la sculpture au monde.

4. Jugement dernier.

Taper: peinture à fresque.
Année de création : 1541.

Jugement dernier

Dans l’art occidental, « Le Jugement dernier » est l’un des plus travaux importants. Peint sur le mur de l'autel de la chapelle, il démontre la seconde venue du Christ sur terre. Jésus est représenté au centre et entouré de saints éminents ressuscités d’entre les morts.

Type : Architecture.
Année de fabrication : 1626.

Située au Vatican, la basilique Saint-Pierre est la plus... œuvre célèbre Architecture Renaissance. De nombreuses personnes ont travaillé à sa création maîtres célèbres(dont Antonio da Sangallo). Bien que Michel-Ange ne l'ait pas créée de toutes pièces, la cathédrale a survécu jusqu'à nos jours sous la forme dans laquelle Buonarroti l'a conçue.

2. La création d'Adam.

Type : fresque.
Année de création : 1512.

Clé de voûte de la peinture de la Renaissance - La Création d'Adam, située au plafond Chapelle Sixtine, qui a engendré de nombreux adeptes et un grand nombre de parodies.

1.David.

Type : Statue en marbre.
Année de création : 1504.

Probablement le plus œuvre célèbre Chef-d'œuvre de Michel-Ange, sculpture du personnage biblique David, prêt à combattre Goliath. Le thème de David et Goliath était très populaire dans l’art de l’époque. Le Caravage, par exemple, a trois ouvrages consacrés à ce sujet.

La statue colossale, haute de 5,17 mètres, démontre les compétences techniques exceptionnelles de Michel-Ange ainsi que le pouvoir de l'imagination symbolique.

10 œuvres emblématiques Michel-Ange mise à jour : 2 octobre 2017 par : Gleb

, qui se qualifiait modestement de « sculpteur florentin », était un artiste, un architecte, un poète et un penseur. Chacune de ses œuvres est une synthèse de tous ses talents, idéale dans la forme et philosophique dans le contenu.

Le Tondo Doni de la Galerie des Offices est le même chef-d'œuvre de Michel-Ange, où la peinture devient presque une sculpture, remplie du sens le plus profond.

Tondo Doni (ou Madonna Doni) est le seul monument non monumental peinture Michel-Ange, qui est considéré comme achevé et dont la paternité ne fait aucun doute.

Un tondo est une œuvre de peinture ou de sculpture de format rond, d'environ un mètre de diamètre. Les peintures et reliefs en forme de cercle étaient extrêmement courants à Florence au début de la Renaissance. Tout au long du XVe siècle, les plus remarquables et artistes brillants travaillait avec le tondo, représentant traditionnellement des sujets religieux dessus. Les riches Florentins commandaient des tondos à la fois pour leurs palais et comme cadeaux coûteux pour les mariages et les vacances.

En 1504, Michel-Ange Buonarroti vit et travaille à Florence. Sonvient d'être installé sur la Piazza della Signoria, au cœur de la jeune république. La nouvelle de la statue géante d’un homme nu, d’une beauté parfaite, s’est répandue dans toute l’Europe. Et il n’y avait pas d’étoile plus brillante que Michel-Ange !

Jeune sculpteur, originaire de Florence, qui a glorifié sa ville... il est devenu une véritable célébrité et le maître le plus recherché. Bientôt, des rumeurs sur son génie parviendront au pape Jules II lui-même, qui l'invitera à Rome avec un grand respect. Mais pour l'instant Michel-Ange est inondé de commandes de riches Florentins : tout le monde voulait se procurer son œuvre.

Agnolo Doni ne pouvait pas non plus rester à l'écart. Marchand, riche marchand de textile, philanthrope, collectionneur d'art ancien et « moderne », il était l'un des personnages les plus éclairés, les plus célèbres et les plus respectés de la ville.

En 1504, un magnifique mariage a lieu à Florence : Agnolo Doni épouse Maddalena Strozzi, représentante d'une riche famille de banquiers florentins.

Il est fort possible que ce soit en l'honneur de cette célébration que Doni se soit tourné vers Michel-Ange et lui ait commandé une image de la Vierge Marie au format tondo, dont la création est liée à une histoire fascinante qui nous est parvenue dans le « Biographies... » de Giorgio Vasari.

Lorsque Michel-Ange eut terminé le tondo, il l'envoya avec un messager chez Agnolo avec un message pour recevoir 70 ducats en échange. Doni, philanthrope et amateur d’art, s’est immédiatement rendu compte que le travail de Michel-Ange était si bon qu’il valait bien plus. Mais, en marchand prudent, il décida que 40 ducats suffiraient à l'artiste, qu'il remit au messager. Agnolo était pleinement convaincu que l'artiste n'oserait pas discuter et négocier avec une personne aussi puissante et respectée. Mais Michel-Ange, connu pour son caractère difficile, entre dans une véritable colère, renvoie 40 ducats, ordonnant au messager de revenir soit avec le tableau, soit avec le double du prix. Agnolo, déjà prêt pour 70, comme on dit sur les avares, fut contraint d'envoyer à Michel-Ange 140 ducats.

Un an plus tard, Agnolo Doni se tournera vers et lui commandera un double portrait avec sa jeune épouse. Et vous devez en convenir, Raphaël a parfaitement rendu le personnage d'Agnolo Doni, ce Florentin intelligent mais calculateur.

Qu'est-ce qui a tant étonné Agnolo Doni, qui était prêt même pour le double du prix ?

Michel-Ange place au centre de la composition une scène familiale intime : la Vierge Marie remet son fils, l'enfant Jésus-Christ, à Joseph.

Une description de Giorgio Vasari a été conservée : « Ici Michel-Ange exprime dans le tour de tête de la mère du Christ et dans ses yeux, fixés sur la plus haute beauté de son fils, sa merveilleuse satisfaction et son enthousiasme.<…>Mais comme cela ne suffisait pas pour que Michel-Ange se présente encore dans une plus grande mesure la grandeur de son art, il a peint de nombreux corps nus sur le fond de cette œuvre - penchés, debout et assis, et il a terminé tout cela si soigneusement et si proprement que de tous ses peintures sur l’arbre, et il y en a peu, on le considère à juste titre comme le plus complet et le plus beau.

La Sainte Famille est séparée par un petit mur et, à l'arrière-plan, des jeunes nus rappellent les statues antiques si chères à Michel-Ange. Et la figurine du bébé Jean-Baptiste est placée de telle manière qu'elle semble relier ces scènes.

Il existe plusieurs manières de lire cet ouvrage.

Selon l’un d’eux, Tondo Doni représente un contraste entre l’ancien monde païen et la nouvelle époque du christianisme et de la venue du Sauveur. Peut-être que ce groupe de personnes nues, rassemblées en demi-cercle à la manière de l'Antiquité, sont des païens en attente du baptême, dont le sacrement est traditionnellement associé à la figure de Jean-Baptiste.

Et selon une autre version, les hommes nus symboliseraient les relations homosexuelles, souvent attribuées à Michel-Ange et condamnées par l'Église chrétienne.

La technique avec laquelle Michel-Ange a réalisé l'œuvre a émerveillé et continue d'étonner tout le monde sans exception. Une composition inhabituellement solide et une palette de couleurs riche rendent le tondo expressif, lumineux et inoubliable. Il est impossible de croire que son créateur ne se considérait pas du tout comme un artiste. Au contraire, Michel-Ange n'aimait pas peindre, considérant le ciseau et le marteau comme ses outils.

En même temps, il a étonnamment réussi à travailler avec ces mêmes instruments, comme un pinceau (rappelez-vous simplement la Pieta). Et de peindre des tableaux comme s'il les sculptait dans du marbre : après tout, les mains nues de la Vierge Marie semblent complètement vivantes !

La plasticité vivante des figures est un autre avantage inconditionnel du Tondo Doni. Michel-Ange était un artiste et sculpteur extrêmement attiré par le corps humain. Il n’était pas du tout intéressé par la représentation d’images éthérées. Bien sûr, nu corps masculin le mouvement est l'élément principal de l'art de Michel-Ange. Mais même en représentant des personnages habillés, Marie et Joseph, Michel-Ange atteint une authenticité maximale des mouvements et des poses. Après tout, lui, passionné d’anatomie, connaît comme aucun autre artiste tous les secrets et positions du corps humain.

La Vierge Marie remettant l'enfant Jésus-Christ à Joseph est représentée dans un mouvement inhabituel. Ce tour semble tordre toute la composition en spirale, la rendant intégrale et expressive.

Pose de la Vierge, trouvée par Michel-Ange, certainement lors travail préparatoire. Après tout, pour chacun de ses projets, Michel-Ange a réalisé des dizaines de dessins d'après nature. C'est cette situation qui a inspiré de manière inhabituelle Raphael Santi, un jeune et impétueux artiste arrivé à Florence à cette époque, souhaitant étudier avec Michel-Ange et Léonard.

Tondo Doni sera une source d'inspiration inépuisable pour Rafael. Il utilise ce mouvement de torsion dans le tableau « Mise au Tombeau » : une jeune fille dans cette position soutient la Vierge Marie, évanouie de chagrin.

Et des années plus tard, à Rome, où Raphaël allait acquérir une renommée extraordinaire, devenir un artiste de premier plan, architecte en chef de la basilique Saint-Pierre et gardien des antiquités, il n'oubliera pas Tondo Doni. En 1512, il réalisera le retable « Madonna di Foligno », et son Jésus-Christ ressemblera tellement au bébé du Tondo Doni. C’est ainsi que, inspiré et dialoguant, Raphaël exprime sa profonde admiration pour le génie de Michelangelo Buonarroti, « un simple sculpteur florentin ».

Michelangelo Buonarroti.Madonna de Bruges. 1501-1504 Madone de Bruges
Hauteur 128. Église Notre-Dame, Bruges

"Madone de Bruges" - statue en marbre Vierge à l'Enfant Christ, 128 cm de haut, réalisée par Michelangelo Buonarroti en 1501-04. peu de temps après l'achèvement de la Pietà du Vatican. Il s'agit de la seule statue de Michel-Ange qui, de son vivant, ait été importée d'Italie pour décorer l'église Notre-Dame de Bruges.

La composition a été commandée à Michel-Ange par le cardinal Piccolomini. Mais au cours des travaux, des désaccords sont apparus. Michel-Ange voulait fondamentalement sculpter l'enfant Jésus nu, alors que le cardinal considérait cela comme inacceptable.
Des désaccords ont conduit le cardinal à abandonner apparemment la sculpture...

Un marchand brugeois, Mouscron (Moscheroni), qui rendit autrefois visite à Michel-Ange dans son atelier, décida d'acheter la sculpture. Michel-Ange ne voulait pas que la sculpture quitte l'Italie et fixait à l'époque un prix incroyablement élevé de 100 ducats, mais le marchand paya à la fin de 1506, la sculpture fut transportée à Bruges.

La statue, probablement destinée à l'origine à un autel d'église, s'écarte à bien des égards de canons de l'église. Madonna ne serre pas son fils dans ses bras et ne le regarde même pas, son regard est dirigé sur le côté, comme si le sort qui lui était destiné lui avait été révélé. Le Christ, semble-t-il, est prêt à quitter sa mère et à entrer dans le monde des hommes.

Dans cette œuvre modeste, qui révèle une ligne d’images de l’œuvre de Michel-Ange, marquées par des traits d’un lyrisme particulier, Madonna elle-même est particulièrement attrayante, dans laquelle la beauté classique et la force intérieure de la personnalité se conjuguent avec une douce poésie et une noblesse. On y sent la main du maître qui y a sculpté la Pietà romaine.

PIERRE IRVING.

Il était plein de force et de courage, il sauterait bientôt des genoux de sa mère et quitterait ce refuge sûr, mais maintenant, à ce moment-là, il attrapa la main de sa mère d'une main et pressa l'autre contre sa cuisse. Peut-être pense-t-il maintenant à elle, à sa mère, attristée par l'inévitable séparation : son fils, accroché avec tant de confiance à ses genoux, va bientôt parcourir le monde seul, Stone Irving.

Le maître n’idéalise plus le visage de Marie, comme dans ses œuvres antérieures. Ayant créé les romans « Pieta » et « David », il recherche un sentiment, une crédibilité : des vêtements modestes aux plis fluides dessinent le corps fort d'une jeune mère, un visage aux paupières lourdes de larmes non versées, un nez long, des cheveux épais. dans une coiffure simple recouverte d'une lourde capuche, comme cette œuvre rappelle "Pieta".

Le corps du bébé, bien que enfantin, donne une sensation de pouvoir caché, mais est d'une beauté enfantine - joues et menton rebondis, tête bouclée. Aux genoux de sa mère, lui tenant la main, il se sent protégé et prêt à explorer le monde. La position des corps du groupe sculptural est très naturelle - quoi de plus plausible que la Mère et l'Enfant de Bruges ?